Henri Matisse Matisse, Henri. Mga kuwadro na gawa sa matisse

pangunahing / Asawang pandaraya

"Natagpuan ko ang isang walang limitasyong larangan ng aktibidad sa pagpipinta, kung saan maaari kong bigyan ng kalayaan ang aking hindi mapakali na pagkamalikhain"
© Henri Matisse, Mayo 25, 1852

Pranses na artista Henri Matisse bumaba sa kasaysayan bilang isang kinikilalang henyo ng pagpipinta sa mundo, na higit na tinukoy ang pag-unlad ng sining noong ika-20 siglo. Sa paghahanap ng kanyang pansining na sarili, nagawa niyang subukan ang kanyang kamay sa maraming mga istilo at direksyon nang sabay-sabay, lumaki ang bawat isa sa kanila at nagtatag ng kanyang sariling paaralan ng pagpipinta, na tinawag na "Fauvism" (French fauve - "wild").

Gayunpaman, hindi katulad ng kanyang mga kasamahan sa pagawaan, si Matisse mismo ay hindi nagpakita ng anumang "ganid", ngunit isang mahinhin at mapayapang tao. At kung ang ibang mga artista na avant-garde ay literal na nagsagawa ng isang rebolusyon, sinusubukan na ipakita ang mapanghimagsik na espiritu ng mga panahon sa kanilang mga canvases, humingi si Matisse ng "kapayapaan at kasiyahan", na patuloy na nag-eeksperimento sa mga kulay at muling pag-isipan ang kahulugan ng kulay.

"Pinangarap ko ang isang balanseng sining, puno ng kadalisayan at katahimikan, sining na walang walang kabuluhan at abala sa mga plano ... na maaaring magbigay ng pahinga sa isip ... paano kumportableng armchair nagbibigay pahinga sa isang pagod na tao» - sabi ni Matisse.

Maraming tao pa rin ang nagtataka kung paano ang isang tao na may tulad ng isang matahimik na kredito ng kredito ay nagawang maging isa sa mga pangunahing tauhan sa sining ng ika-20 siglo. Kakatwa nga, ang mga naturang katanungan ay hindi nagsimulang mag-alala agad kay Matisse, dahil ang kasaysayan ng mahusay na artista ay hindi nagsimula sa mundo ng pagpipinta.

Ang batang si Henri - anak ng isang matagumpay na mangangalakal ng palay - ay hinulaan ang isang karera bilang isang abugado, at, bilang isang masunuring anak, sinimulan ni Matisse na mag-aral ng batas sa isa sa mga prestihiyosong paaralan sa Paris. Matapos ang kanyang pag-aaral, bumalik siya sa bayan, kung saan nagtagal siya nakakuha ng trabaho bilang isang klerk sa isang sinumpaang abogado. Tila na ang hinaharap ng binata ay napagpasyahan na, ngunit pagkatapos ay pumagitna ang kapalaran sa kanyang buhay, radikal na binabago ang lahat ng mga plano.

Si Matisse ay nasa operating table. Isang pag-atake ng talamak na apendisitis na nakakadena sa mahabang panahon binata sa kama, iniiwan siya nang walang anumang aliwan. Nais na aliwin kahit papaano ang "ospital" araw-araw na buhay ng kanyang anak na lalaki, mapagmahal na ina binigyan siya ng mga kagamitan sa pagpipinta, pagbubukas ng bago at hindi kilalang mundo para sa batang si Matisse. Ang mga klase sa pagpipinta ay nabighani sa binata nang labis, na labag sa kalooban ng kanyang ama, nagpasya siyang iwanan ang jurisprudence magpakailanman at bumalik sa kabisera upang maging isang artista.

Ang unang guro ni Matisse, ang French artist na si Gustave Moreau - isang simbolo sa pangunahing at kinikilalang master ng laro ng kulay - ay nagnanais na magpadala ng mga mag-aaral sa Louvre - upang kopyahin ang mga gawa ng mga pinarangalan na masters, honing technique at diskarte klasikal na pagpipinta. "Kailangan mong managinip tungkol sa kulay", - inulit niya ang kanyang mga singil, at si Matisse, tulad ng walang iba, ay naimbak sa pahayag na ito, na ginawang isang paghahanap para sa perpektong paraan upang maiparating ang mga emosyon sa pamamagitan ng kulay.

Nang maglaon, sumulat si Matisse:

"Nakita ko ang nagpapahiwatig na bahagi ng kulay na pulos intuitively. Sa pamamagitan ng paglilipat taglagas na tanawin, Hindi ko na maalala kung aling mga kulay ng kulay ang angkop para sa oras na ito ng taon, bibigyan lamang ako ng inspirasyon ng mga sensasyon ng taglagas ... Pinipili ko ang mga kulay na hindi ayon sa teoryang pang-agham, ngunit sa pamamagitan ng pakiramdam, pagmamasid at karanasan "

Ang interes sa kulay ay kapansin-pansin na sa maagang gumagana Matisse. Bilang isang patakaran, ito ang mga pagtatangka ng isang batang artist na magpinta sa diwa ng kinikilalang mga masters ng pagpipinta. Ang isa sa mga gawaing ito ay buhay pa rin na tinatawag na "Isang bote ng schiedam" (Kalikasan Morte à la Bouteille de Schiedam): isang klasikal na komposisyon, madilim at hindi pantay na mga shade, espesyal na pansin sa mga kalahating tono na nagbibigay ng pagkakapareho sa mga canvases. Samantala, ang kayamanan ng mga kulay itim at pilak at ang lawak ng mga stroke ng brush ay nagsasalita ng pagkakilala ni Matisse sa pagkamalikhain.

Sa mga taong pag-aaral, patuloy na dumaan si Matisse sa lahat ng mga yugto ng ebolusyon ng klasikal na sining, sinubukan ang kanyang kamay sa bawat isa sa kanila. Gayunpaman, para sa lahat ng kahalagahan ng mga tradisyon ng mga nakaraang panahon sa pagbuo ng istilo ng artist, naramdaman ni Matisse na ang lahat ng ito ay hindi para sa kanya. Ang Louvre ay tila sa kanya isang napakalaking silid-aklatan na puno ng mga lumang libro na ginagawang inaantok at mapanglaw ng isang pagod na estudyante. Si Matisse naman ay naghahangad ng bago, hindi pangkaraniwang, hindi katulad ng nilikha bago siya.

"Tila sa akin na, pagpasok sa Louvre, nawala ang pakiramdam ko sa aking panahon, at ang mga kuwadro na ipininta ko sa ilalim ng direktang impluwensya ng mga matandang panginoon ay hindi ipinahahayag kung ano ang nararamdaman ko", - alaala ng artist.

Ang isa sa pinakamahalagang yugto sa pag-unlad ng Matisse bilang isang artista ay ang kanyang pagkakilala sa mga gawa ng mga Impressionist, na partikular sa gawaing hindi pa gaanong kilala sa oras na iyon. Utang ito ni Matisse sa artist ng Australia na si John Russell, ang kanyang kaibigan at tagapagturo, na, sa kauna-unahang pagkakataon mula pa ng Moreau, pinapag-isipang mabuti si Matisse tungkol sa kahulugan at kahalagahan ng kulay sa pagpipinta.

"Si Russell ang aking guro, ipinaliwanag niya sa akin ang teorya ng kulay."- Inamin ni Matisse.

Ang impresyonismo at ang kanyang sariling mga eksperimento na may kulay na kaibahan ay lubos na naiimpluwensyahan ang unang "independiyenteng" mga gawa ng artist. Halimbawa, ang mga ito ay nabubuhay pa rin ng "Mga pinggan at Prutas" (Vaisselle et Fruits), "Mga Prutas at Kape ng Pot" (Fruits et Cafetière). Kasama rin dito ang mga unang tanawin ni Matisse - "Bois du Boulogne" at "Luxembourg Garden" (Jardin du Luxembourg).

Makalipas ang ilang taon, inabandona ni Matisse ang kanyang pagkahilig sa impresyonismo at sumabak sa pagsasaliksik ng mga gawa ng kanyang mga tagasunod. Sa panahong ito, ang artist ay nagkaroon ng isang pamilya, ngunit sa kabila ng pagpipigil posisyon sa pananalapi, nagpatuloy siya sa paghahanap ng sarili niyang istilo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay praktikal na hindi nagbebenta, gayunpaman, hindi tumigil si Matisse sa pag-eksperimento sa kulay, pinag-aaralan ang kahalagahan ng iba't ibang mga shade at kanilang mga kombinasyon.

"Ang kagandahan, kagaanan, kasariwaan - lahat ng ito ay panandaliang sensasyon ... Ang mga pintor ng impressionion ... ang mga banayad na sensasyon ay malapit sa bawat isa, kaya't ang kanilang mga canvases ay magkatulad sa bawat isa. Mas gusto ko, sa peligro ng pag-agaw sa tanawin ng alindog nito, upang bigyang-diin ang katangian at makamit ang higit na pagkakapare-pareho. ", - sumulat Matisse maraming taon na ang lumipas.

Ang kanyang magiging asawa Si Amelie Pareyre Matisse ay nakilala ang isang kaibigan sa isang kasal. Si Amelie ay isang abay na babae, at siya at si Matisse ay hindi sinasadyang nakaupo sa tabi niya. Ang batang babae ay nahulog sa pag-ibig sa isang matangkad na balbas na lalaki, maingat na pinatuyo ang bawat palumpon ng mga violet na ibinigay niya sa mga pagpupulong. Sa oras na iyon, si Matisse ay pinahihirapan ng mga pag-aalinlangan at hindi siya maaaring magpasya kung sa wakas ay italaga ang kanyang buhay sa sining. Si Amelie naman ay naging taong naniniwala sa artista, tunay na naniniwala sa mahabang panahon pagiging kanyang tapat na kaibigan at unang muse. Gayunpaman, sa kabila ng damdamin ni Matisse para sa batang babae, naiintindihan na niya noon na walang sinuman at wala ang makapagbihag sa kanyang puso higit pa sa pagpipinta. Humugot ng lakas ng loob, inamin niya:

"Mademoiselle, mahal na mahal kita, ngunit mas gugustuhin kong mahalin ang pagpipinta."

Ang una personal na eksibisyon ang artista ay gaganapin nang walang tagumpay, na hindi naging sanhi ng tamang tugon mula sa mga kritiko. Pagkatapos ay nagpasya si Matisse na iwanan ang kabisera para sa timog ng Pransya sa kumpanya ng pointillist na si Paul Signac. Pinahanga ng kanyang mga canvases, nagsimulang magtrabaho si Matisse sa isang katulad na pamamaraan ng mga stroke ng point, at, makalipas ang ilang sandali, ang unang obra maestra, na pinamagatang "Luxury, Peace and Pleasure" (Luxe, Calme at Volupté), ay lumabas mula sa ilalim ng brush.

Ang larawan ay nagkasalungat at sa sarili nitong pamamaraan ay hindi umaangkop sa balangkas na itinakda ng mga pointillist. Hindi tulad ng kanyang mga kasamahan, na inabandona ang pisikal na paghahalo ng mga kulay sa pabor ng magkakahiwalay na mga stroke, si Matisse ay muling nakatuon sa kulay. Ang pagkakaroon ng sadyang pumili ng isang maliwanag na saklaw - pula, lila, orange - lumayo ang artist mula sa isang makatotohanang interpretasyon ng balangkas. Ang mga saturated shade ay tila hindi likas, lumilikha ng pag-igting at nakakagambala sa karaniwang "kalmado" ng mga klasikong elemento. Gayunpaman, tiyak na dahil ito sa kontradiksyon na ito - isang kombinasyon ng mga klasikal at makabagong anyo - na si Matisse sa kauna-unahang pagkakataon na talagang naipakita ang manonood sariling paningin katotohanan

Ang larawan ay isang tagumpay at mahusay na tinanggap ng mga kritiko. Gayunpaman, sa lalong madaling panahon ay pinabayaan ni Matisse ang pointillism, napagtanto na ang landas na ito ay hindi para sa kanya din.

Ang 1905 ay isang puntong nagbabago sa gawain ni Matisse. Matapos ang isang mahabang paghahanap at mga eksperimento na may kulay, pinamahala ng artist na dalhin ang kanyang "kahulugan ng kalikasan" sa buhay hangga't maaari. Kasama ang isang pangkat ng mga taong may pag-iisip, nakilahok siya sa Autumn Salon, na nagpapakita ng dalawang bagong akda sa eksibisyon - " Bukas na bintana”(La Fenêtre Ouverte) at“ Woman in a Hat ”(La Femme au Chapeau).

Ang mga kuwadro na gawa, na pininturahan ng kumpletong pagwawalang-bahala para sa lahat ng mga patakaran, ay sanhi ng maraming ingay, nagagalit kahit na ang mga Parisian na sanay sa exoticism. Tinawag sila ng mga kritiko na "isang palayok ng pintura na itinapon sa mukha ng publiko," at ang mga may-akda ay binansagan na "Fauves" o "ganid".

Sa kabila ng matitinding pagpuna at galit mula sa publiko, ang "Woman in a Hat" ay nakuha ng bantog na manunulat at artikong artista na si Gertruda Stein. Ayon sa isa sa mga nakasaksi, "Ngumuso ang mga bisita, tinitingnan ang larawan, at sinubukan pang gupitin ito"... Hindi maintindihan ni Gertrude Stein kung bakit tila likas sa kanya ang larawan.

Kaya't isang bagong direksyon ang lumitaw sa pagpipinta, na pumasok sa kasaysayan ng sining sa ilalim ng pangalang "fauvism". Si Matisse ay kinilala bilang pinuno ng Fauves, na kabilang sa mga dating kaklase mula sa klase ng Moreau. Iniwan ang tradisyunal na pamamaraan ng paglalarawan ng mga bagay at pagbuo ng isang larawan, ang mga artist na ito ay nagsimulang magpinta sa dalisay na bukas na kulay, nagpapasimple at nagpaplano ng form. Ang maliwanag, minsan agresibong kulay at mataas na kaibahan ay naging batayan para sa komposisyon at naging pangunahing pamamaraan ng "pagpapahayag ng damdamin" ng mga artista.

"Ang pagkakawatak-watak ng kulay ay humantong sa pagkakawatak-watak ng anyo, tabas. Resulta: isang nanginginig na ibabaw ... Sinimulan kong magpinta ng may makukulay na mga eroplano, sinusubukan na makamit ang pagkakaisa sa pamamagitan ng ratio ng lahat ng mga eroplano ng kulay "- Naalala Matisse kalahating siglo mamaya.

Ang France ay nagbigay sa mundo ng isang malaking kalawakan natitirang mga artista, isa na kung saan ay ang pinakamalaki at pinaka maliwanag na kinatawan kilusang pansining Fauvism, Henri Matisse. Ang kanyang karera ay nagsimula noong 1892, nang matagumpay na naipasa ng hinaharap na artista ang mga pagsusulit sa Paris Academy of Julian. Doon naakit niya ang atensyon ni Gustave Moreau, na hinulaan ang isang maliwanag na karera para kay Matisse sa artistikong larangan.

Mula sa simula ng ika-20 siglo, nagsimulang maghanap si Matisse para sa kanyang sarili. Dumaan siya sa mga nakababahalang taon ng pagkopya at paghiram, nagsusulat ng maraming kopya tanyag na mga kuwadro mula sa Louvre, sinusubukan upang makahanap ng kanyang sariling estilo. Ang umiiral na pagkahilig para sa impresyonismo sa oras na iyon ay nagbigay kay Matisse ng pagkakataong mag-ehersisyo ang paraan ng paghahatid ng form at ng color palette.

Ang mga kritiko ng sining ng mga taong iyon ay nabanggit na si Matisse ay may kakaibang pagtatanghal ng kulay sa kanyang mga canvases, na ginawa sa impresibong istilo. Ang artist ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng maliwanag, malakas, bahagyang may arko stroke na may isang pamamayani ng labis na maliwanag, puspos na mga kulay.

Gusto sikat na master Impresyonismo Paul Signac, Matisse ay mahilig sa pointillism - isang uri ng impresyonismo na gumagamit ng maraming mga nabubulok na punto upang maiparating ang isang imahe. Ang istilong ito ang tumulong sa artist na sa wakas ay piliin ang Fauvism bilang pinakaangkop na paraan para sa kanya upang maipakita ang nakapaligid na katotohanan.

Sa katunayan, si Matisse ang aktwal na nagtatag ng Fauvism. Ang salin ng Pranses ng term na ito ay "ligaw." Ang salitang ito ay tumutugma sa konsepto - "malaya", ibig sabihin, ay hindi sumusunod sa pangkalahatang tinatanggap na mga panuntunan.

Ang simula ng tagumpay ni Matisse ay maaaring isaalang-alang ang kanyang pagpipinta na "Woman in a Green Hat", na ipinakita ng artist noong 1904. Sa canvas, nakita ng manonood ang isang halos patag na imahe ng isang babae na may mukha na hinati ng isang berdeng guhit. Kaya, pinasimple ni Matisse ang imahe hangga't maaari, pinapayagan lamang ang kulay upang mangibabaw.

Ito ang pagkalat ng kulay kaysa sa form at nilalaman na naging pangunahing prinsipyo ng Fauvism. Ang kakanyahan ng istilong ito ay malakas na naiimpluwensyahan ng pagka-akit ni Matisse sa mga kakaibang anyo ng sining. Maraming nalakbay ang artist, kasama na ang kontinente ng Africa. Ang primitive ngunit kakaibang sining ng mga tribo ay pinahanga siya at binigyan ng lakas na karagdagang pagpapagaan ng imahe sa mga kuwadro na gawa.

Ang kayamanan ng mga kulay sa mga canvases ni Matisse ay hiniram mula sa maliwanag na oriental arabesques. Mula roon, ang sigasig para sa mga odalisque artist - mga Arab concubine-dancer, na ang mga imaheng ipinakita niya sa kanyang mga kuwadro na gawa hanggang sa huling mga taon ng kanyang buhay - ay umaabot. Alam din na pagkatapos ng pagpupulong kay philanthropist ng Russia Sergei Shchukin, naging interesado si Matisse sa sinaunang pagpipinta ng Russian icon.

Sa paanyaya ni Shchukin, dumating si Matisse sa Russia, at pagkatapos nito ay kinomisyon niya ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta - "Sayaw". Ang isang uri ng "kambal" ng larawang ito ay "Musika". Ang parehong mga canvases ay sumasalamin sa kakanyahan ng Fauvism - ang pagiging natural ng damdamin ng tao, ang kadalisayan ng paghahatid ng damdamin, ang katapatan ng mga tauhan, ang ningning ng kulay. Ang artista ay halos hindi gumagamit ng pananaw, mas gusto ang mga maliliwanag na pula at dalandan.

Nakaligtas si Matisse sa dalawang digmaang pandaigdigan, ngunit sa kabila ng mga paghihirap na naranasan niya, hindi niya nawala ang katapatan, na hinahangad niyang isama sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ito ay para sa parang bata na kusa, pagiging prangka at masigasig na ningning ng kanyang mga canvases na ang artista ay minamahal pa rin ng mga connoisseurs ng pagpipinta.

ANRI MATISS

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 3.11.1954, Cimiez, malapit sa Nice), pintor ng Pransya, graphic artist at sculptor.

Ang epekto ng kulay ng mga kuwadro na gawa ni Matisse ay napakalakas; ang reaksyon ay, gayunpaman, negatibo, ngunit palaging napakatindi. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nakakatawa, malakas na pamaypay, kung minsan ay nakakabingi. Hindi na sila sanhi ng mahinahon na paghanga, ngunit ang mga visual paroxysms, hindi ito isang "pagdiriwang ng mata", ngunit isang walang pigil na kawalang-habas.

Sa anong paraan nakakamit ni Matisse ang gayong malakas na epekto ng kulay? Una sa lahat, labis na binibigyang diin ang mga pagkakaiba sa kulay. Bigyan natin ng sahig ang artist mismo: "Sa aking pagpipinta na" Musika, "ang langit ay pininturahan ng magandang asul, ang pinaka-asul na asul, ang eroplano ay pininturahan ng isang kulay na napuno ng asul, ang ideya ng ganap asul, ay ganap na ipinakita; ang dalisay na berde ay kinuha para sa mga puno, tumunog sa cinnabar para sa mga katawan. Espesyal na tampok: ang form ay binago ayon sa impluwensya ng mga kalapit na mga eroplano ng kulay, dahil ang ekspresyon ay nakasalalay sa ibabaw ng kulay na sakop ng manonood bilang isang buo ”.

Nakatanggap ng isang degree sa abogasya, nagtrabaho siya bilang isang abugado (1889-1891). Nag-aral sa Paris - sa Julian Academy (mula 1891) sa ilalim ng A.V Bouguereau, sa School pandekorasyon na sining (mula 1893) at sa School sining (1895-99) ni G. Moreau; kinopya ang mga gawa ng matandang mga Pranses at Dutch masters. Naranasan ang impluwensya ng neo-impressionism (pangunahin ang P. Signac), P. Gauguin, sining ng Arab East, sa isang tiyak na lawak - Lumang pagpipinta ng Russian icon (siya ang isa sa mga una sa Kanluran na pahalagahan ito artistikong merito; bumisita sa Moscow noong 1911). Matapos pamilyar sa gawain ng mga Impressionist, Post-Impressionist at ang pinturang Ingles na si J. Turner, nagsimulang gumamit si A. Matisse ng mga mas puspos na kulay, mas gusto ang mga kulay na ilaw ("Bois de Boulogne", noong 1902, Pushkin Museum, Moscow; " Luxembourg Garden ", mga 1902, Hermitage, St. Petersburg). Siya ay lubos na naimpluwensyahan ng sining ni P. Cezanne (Nude. Lingkod, 1900, Museo ng Modernong Sining, New York; Mga pinggan sa Talaan, 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Noong 1905-07 ang pinuno ng Fauvism. Sa sikat na Parisian Autumn Salon noong 1905, kasama ang kanyang mga bagong kaibigan, nagpapakita siya ng maraming mga gawa, kasama ng mga ito "The Woman in the Green Hat". Ang mga gawaing ito, na gumawa ng isang iskandalo na sensasyon, ay naglatag ng pundasyon para sa Fauvism. Sa oras na ito, natuklasan ni Matisse ang iskultura ng mga tao sa Africa, nagsimulang kolektahin ito, interesado sa klasikal na Japanese woodcut at Arab na pandekorasyong sining. Sa pamamagitan ng 1906 nakumpleto niya ang trabaho sa komposisyon na "Ang Joy ng Buhay", ang balangkas na kung saan ay inspirasyon ng tulang "Hapon ng isang Faun" ni S. Mallarmé: pinagsasama ng balangkas ang mga motibo ng pastoral at bacchanalia. Ang mga unang lithograph, kahoy, at keramika ay lumitaw; Patuloy na pagbutihin ang pagguhit, ginaganap pangunahin sa isang panulat, lapis at uling. Sa graphics ni Matisse, ang mga arabesque ay pinagsama sa isang banayad na paglipat ng senswal na kagandahan ng kalikasan.

Mula noong ikalawang kalahati ng dekada 1900, inaangkin ni Matisse bagong uri masining na ekspresyon, gamit ang isang laconic, matalim at sa parehong oras may kakayahang umangkop na pattern, isang matalim na ritmo na komposisyon, isang magkakaibang kumbinasyon ng ilang mga kulay ng zone, ngunit masidhing maliwanag at lokal (mga panel para sa mansion ng SI Shchukin sa "Dance" at "Music" ng Moscow, pareho - 1910, Hermitage, Leningrad), pagkatapos ay mayaman sa mga shade ng isang pangunahing tono, translucent at hindi itinatago ang texture ng canvas ("Artist's Workshop", 1911, Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow).

Noong 1908-1912, si Matisse, na gumagamit ng halos eksklusibong purong kulay (sa mga bihirang bagay na gumagamit siya ng mga paglipat, halo-halong mga tono), itinatayo ang kanyang mga kuwadro na gawa sa tatlong pangunahing mga tono. "Satyr at Nymph" - ang pagkakasundo ng berde, rosas at asul, "Sayaw" - asul, berde at pula, mga buhay pa rin ay itinayo sa pagkakaisa ng lila, dilaw at pula o asul, lila at kulay-rosas. Pagkatapos, bandang 1912, lumingon siya sa mga kulay na may apat na tunog, at ang isa sa apat na mga tono sa larawan ay binigyan ng napakaliit na lugar: "Tangier" - asul, kahel, rosas, pula, "Sa terasa" - lilac, berde, rosas, asul. "Pasok sa Kazba" - pulang-pula, asul, berde, maputlang rosas. SA mamaya taon siya resort sa mas kumplikadong mga kumbinasyon at makabuluhang nagpapalawak ng kanyang palette, nagpapakilala ng isang mas iba't ibang mga shade.

Dito mahalagang ibunyag ang kahulugan ng mga salita ni Matisse tungkol sa pakikipag-ugnayan ng mga purong tono. Pinag-uusapan ang tungkol sa mga shade, siyempre, hindi ibig sabihin ng Matisse na pagkabulok ng saturation ng tono - kaputian, na posible rin kapag gumagamit ng isang dalisay na kulay (sa mga primitibo ng Italyano at Ruso). Siya, maliwanag, ay hindi nangangahulugan din ng mga haka-haka na lilim na dapat makita ng manonood kapag ang mga saturated na mga eroplano ng kulay ay sumalpok, isang uri ng echo ng neo-impressionist na teorya ng pagsasama-sama ng kulay ng salamin. Ang panginginig ng boses na ito ay masyadong bahagya, at ang pang-unawa ng mga intermediate shade ay pansamantala. Dito dumating na, malinaw naman, tungkol sa pangangailangan na ipakilala ang mga pansamantalang tono, kung saan sa paglaon ay dumating si Matisse.

Nagtatrabaho sa dalisay na kulay, nais ni Matisse, tulad ng anumang pintor, na iwasan ang monotony - ang antithesis ng paglalagay ng larawan, ngunit hindi siya palaging magtatagumpay, at ang ilan sa kanyang mga bagay ay nailalarawan sa pamamagitan ng monotony (panel na "Musika"). Sa kabilang banda, sa 10s nais niyang panatilihin ang kadalisayan ng kulay sa lahat ng mga paraan. Pag-iwas sa mga pintura ng paghahalo, nag-resort siya sa isang diskarteng katulad ng glazing ng mga matandang masters, na nakalagay maitim na pintura mas magaan, halimbawa, rosas - puti, asul - lila, atbp. Pagkatapos, upang mag-vibrate ang pintura, masigla niyang iginalabas ito sa canvas, sa halip na gumamit ng puti, pinapasan ito.

Ang patuloy na trabaho sa pagguhit ay pinapayagan si Matisse na maging isang birtuoso ng brush. Ang mga contour sa kanyang mga kuwadro na gawa ay may kumpiyansa na iginuhit sa isang stroke. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay madalas na magkatulad (lalo na sa pagpaparami) sa mga guhit ng brush. Ang kanilang epekto ay madalas na nakasalalay sa isang mahusay, matapang na ugnayan.

Minsan gumagamit siya ng mga layer ng iba't ibang mga density (halimbawa, sa "The Girl with Tulips"), na itinutulak ang isang kulay sa pinsala ng isa pa. Gayunpaman, ang isang bilang ng mga bagay mula 1912 ay nakasulat na may isang makinis, walang pagbabago ng tono na pagkakayari. Kung ang ibabaw ng mga kuwadro na gawa ng iba pang Matisse ay maaaring mukhang tuyo at walang pagbabago, pagkatapos ito ay nagpapahiwatig na hindi isang pagwawalang bahala para sa materyal na pagpipinta, hindi maiisip sa isang mahusay na artist, ngunit isang kakaibang takot sa karahasan laban sa materyal. Para kay Matisse, bilang isang pandekorasyon na artista, ang pagsasama ng larawan kasama ang batayan nito, ang canvas, ay lalong mahalaga, ang kaputian at istraktura na isinasaalang-alang niya tulad ng isinasaalang-alang ng monumentalist sa ibabaw ng dingding. Ngunit, naaalala ang base, minsan ay nakakalimutan ni Matisse ang tungkol sa pintura mismo, oh tiyak na mga tampok at ang mga posibilidad ng pagpipinta ng langis.

Ang partikular na kahalagahan ay ang pamamaraan ng hindi kumpletong mga detalye, lalo na't kapansin-pansin sa "Moroccan", "Ball game" at iba pang mga bagay; ang kulay sa mga lugar na nais ng artist na malunod ay hindi madilim, ngunit ang isang blangko na canvas ay naiwan (na kung minsan ay ginagawa upang ipakita ang ilaw), o ang detalye ay mananatiling hindi maipinta (karamihan sa mga braso, binti, atbp.). Kinukumpirma ni Matisse ang kanyang sarili sa matte, likidong pagpipinta at hindi nagbabayad espesyal na pansin mga katanungan ng pagkakayari. Ito ay isang walang pag-aalinlangang puwang sa kanyang trabaho, lalo na kung ihinahambing mo ang kanyang pangmatagalang pagsusumikap sa mga pagkakaiba sa kulay, isang uri ng gawaing pang-agham sa pag-aaral ng psychophysical reaksyon sa isa o ibang pagkakaiba ng kulay. Si Matisse ay hindi nasiyahan sa sistema ng mga karagdagang tono na natuklasan ng Delacroix, na dinala sa isang sistema ng mga Impressionist. Naghahanap siya ng mga hindi pagkakasundo, pagsisigaw, malupit na pagkakasundo; narito ang isang kahanay ng mga napapanahong musika ng Stravinsky, Strauss at iba pa ay posible. Tulad ng mga kompositor na ito, siya ay apektado ng pagkabalisa, kawalang-tatag ng sikolohikal, labis na pagtaas ng damdamin ng modernong burgis.

Sa pinipigilan, mahigpit na pamamaraan ng mga gawa ni Matisse sa ikalawang kalahati ng 10, kapansin-pansin ang impluwensiya ng Cubism ("The Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, New York); ang mga gawa ng 1920s, sa kabilang banda, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mahalagang spontaneity ng mga motibo, coloristic pagkakaiba-iba, at lambot ng pagsulat (serye ng Odalisque). Noong 30-40s, binubuod ni Matisse ang mga natuklasan ng nakaraang mga panahon, na pinagsasama ang paghahanap para sa libreng dekorasyon ng oras ng Fauvist sa isang malinaw na pagtatasa ng pagtatasa ng komposisyon (frieze sa Barnes Museum na "Dance", 1931-32, Merion, Philadelphia, USA), na may isang banayad na nuanced color system ("Plum tree branch", 1948, pribadong koleksyon, New York).

Ang gawain ng Matisse bilang isang buo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang bilang ng mga karaniwang tampok... Sa pagsisikap na kontrahin ang magulong tensyon ng buhay ng ika-20 siglo mga walang hanggang halaga buhay, siya recreates nito maligaya panig - ang mundo ng walang katapusang sayaw, matahimik na kapayapaan ng mga idyllic na eksena, patterned carpets at tela, sparkling prutas, vases, tanso, vessel at figurines. Ang layunin ni Matisse ay upang iguhit ang manonood sa lugar na ito. mainam na mga imahe at mga pangarap, upang bigyan siya ng isang pakiramdam ng kapayapaan o hindi malinaw, ngunit nakakagulat na pagkabalisa. Ang emosyonal na epekto ng kanyang pagpipinta ay nakamit pangunahin sa pamamagitan ng matinding saturation mga kulay, ang pagiging musikal ng mga linear na ritmo, na lumilikha ng epekto ng panloob na paggalaw ng mga form, sa wakas, ang kumpletong pagpailalim ng lahat ng mga bahagi ng larawan, kung saan ang bagay na kung minsan ay nagiging isang uri ng arabesque, isang namuong purong kulay (Red Fish , 1911; Still Life with a Shell, 1940; parehong gumagana - sa Pushkin Museum of Fine Arts).

Nakamit ni Matisse ang integridad at, sa parehong oras, iba't ibang larawan, una sa lahat, sa pamamagitan ng pag-alam ng isang tunay at organikong koneksyon sa pagitan ng kulay at anyo - linear-eroplano. Ang kulay ay nangingibabaw sa higit na form para sa kanya na maaari itong maituring na totoong nilalaman ng kanyang mga kuwadro, at lahat ng iba pa ay isang pag-andar lamang ng nakasisilaw, malakas na kulay. Ang pagguhit tulad ng sa Matisse ay palaging naging mas mababa sa kalidad ng kulay nito, ang pag-unlad ng linya ay nagpunta sa kahanay sa pagbuo ng mga larawan ng larawan. Sa panahon ng mga unang paghahanap, medyo matamlay at tinatayang ("The Dinner Table"), ang kanyang pagguhit ay unti-unting nagiging mas matindi at nagpapahiwatig. Si Matisse ay pintura ng maraming at walang pagod mula sa buhay, ang kanyang mga guhit ay daan-daang, siya ay isang tunay na birtoso ng pagguhit. Ang kanyang kasanayan ay malinaw na maliwanag sa anuman sa kanyang buhay na buhay, walang sigla na mga sketch mula sa mga modelo. Una sa lahat, kapansin-pansin ang kawastuhan kung saan inilalagay niya ang pigura sa sheet, na agad na nahahanap ang pagsusulat ng mga sukat nito sa eroplano ng papel. Kahit na ang kanyang mga sketch ay komposisyon; sila ay karaniwang umaangkop sa isang nagpapahiwatig na arabesque na pagputol ng eroplano sa pahilis. Ang isang piraso ng kalikasan ng isang tumatanggap na artista ay tila agad na binago sa isang paglalaro ng mga pandekorasyon na lugar at stroke; sa parehong oras, gayunpaman, ang sigla ay hindi nabawasan sa lahat, ngunit sa halip ay binibigyang diin. Nang walang pag-iisip tungkol sa mga detalye, hinahawakan ni Matisse ang mismong axis ng paggalaw, mabilis na binubuo ang mga baluktot ng katawan, nagbibigay ng integridad at kaayusan sa paghahati ng mga form. Ang mga guhit ni Matisse ay napakatalim, pabago-bago, pinasimple at laconic, ang kanilang plasticity ay natatangi na hindi sila maaaring ihalo sa anumang mga gawa ng iba pang mga tanyag na draftsmen ng kanyang panahon. Sa pagiging masigla at kusang-loob, hindi sila mas mababa sa mga Hapones, sa dekorasyon - sa maliit na Persian, sa pagpapahayag ng mga linya - sa mga guhit ng Delacroix. Bukod dito, ang kanilang batayan ay hindi sa lahat "kabutihan", hindi isang pagkagumon sa kamangha-manghang mga stroke - nakabubuo sila sa tunay na kahulugan, sapagkat isiwalat nila ang plastik na form na may kumpletong paniniwala.

Matisse Henri Emile Benois (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 03.11.1954, Cimiez, malapit sa Nice), pintor ng Pransya, graphic artist at iskultor.

Sa anong paraan nakakamit ni Matisse ang gayong malakas na epekto ng kulay? Una sa lahat, labis na binibigyang diin ang mga pagkakaiba sa kulay. Bigyan natin ng sahig ang artist mismo: "Sa aking pagpipinta na" Musika, "ang langit ay pininturahan ng magandang asul, ang pinaka-asul na asul, ang eroplano ay pininturahan ng isang kulay na napuno ng asul, ang ideya ng ganap asul, ay ganap na ipinakita; ang dalisay na berde ay kinuha para sa mga puno, tumunog sa cinnabar para sa mga katawan. Isang espesyal na tampok: ang form ay binago alinsunod sa impluwensya ng mga kalapit na eroplano ng kulay, dahil ang ekspresyon ay nakasalalay sa ibabaw ng kulay na sakop ng manonood bilang isang buo ”.

Matapos matanggap ang isang degree sa abogasya, nagtrabaho siya bilang isang abugado (1889-1891). Nag-aral sa Paris - sa Julian Academy (mula 1891) sa ilalim ng AV Bouguereau, sa School of Decorative Arts (mula 1893) at sa School of Fine Arts (1895-99) sa ilalim ng G. Moro; nakopya ang mga gawa ng matandang mga Pranses at Dutch masters. Naranasan ang impluwensya ng neo-impressionism (pangunahin sa P. Signac), P. Gauguin, ang sining ng Arab East, sa isang tiyak na lawak - ng sinaunang pagpipinta ng Russian icon (siya ang isa sa mga una sa Kanluran na pinahahalagahan ang artistikong merito nito ; noong 1911 binisita niya ang Moscow). Matapos pamilyar sa gawain ng mga Impressionist, Post-Impressionist at ang pinturang Ingles na si J. Turner, nagsimulang gumamit si A. Matisse ng mga mas puspos na kulay, mas gusto ang mga kulay na ilaw ("Bois de Boulogne", noong 1902, Pushkin Museum, Moscow; " Luxembourg Garden ", mga 1902, Hermitage, St. Petersburg). Siya ay lubos na naimpluwensyahan ng sining ni P. Cezanne (Nude. Lingkod, 1900, Museo ng Modernong Sining, New York; Mga pinggan sa Talaan, 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Simula mula sa ikalawang kalahati ng dekada 1900, nagtatag si Matisse ng isang bagong uri ng masining na pagpapahayag, gamit ang isang laconic, matalim at sa parehong oras na may kakayahang umangkop na pattern, isang mahigpit na ritmo na komposisyon, isang magkakaibang pagsasama ng ilang mga kulay ng sona, ngunit masidhing maliwanag at lokal ( mga panel para sa S. I. Shchukin sa Moscow na "Sayaw" at "Musika", pareho - 1910, Hermitage, Leningrad), pagkatapos ay mayaman sa mga shade ng isang pangunahing tono, translucent at hindi tinatago ang pagkakayari ng canvas ("Artist's Workshop" , 1911, Museum of Fine Arts na pinangalanang A. S. Pushkin, Moscow).

Noong 1908-1912 si Matisse, na gumagamit ng halos eksklusibong purong kulay (sa mga bihirang bagay na gumagamit siya ng mga paglipat, halo-halong mga tono), itinatayo ang kanyang mga kuwadro na gawa sa tatlong pangunahing mga tono. "Satyr at Nymph" - ang pagkakasundo ng berde, rosas at asul, "Sayaw" - asul, berde at pula, mga buhay pa rin ay itinayo sa pagkakaisa ng lila, dilaw at pula o asul, lila at kulay-rosas. Pagkatapos, bandang 1912, lumingon siya sa mga kulay na may apat na tunog, at ang isa sa apat na mga tono sa larawan ay binigyan ng napakaliit na lugar: "Tangier" - asul, kahel, rosas, pula, "Sa terasa" - lila, berde, rosas, asul ... "Pasok sa Kazba" - pulang-pula, asul, berde, maputlang rosas. Sa mga susunod na taon, gumamit siya ng mas kumplikadong mga kumbinasyon at makabuluhang pinalawak ang kanyang paleta, na nagpapakilala ng isang higit na iba't ibang mga shade.

Dito mahalagang ibunyag ang kahulugan ng mga salita ni Matisse tungkol sa pakikipag-ugnayan ng mga purong tono. Sa pagsasalita tungkol sa mga shade, siyempre, hindi nangangahulugang ang mga gradation ng saturation ng tono - kaputian, na posible rin kapag gumagamit ng isang purong kulay (sa mga primitibo ng Italyano at Ruso). Siya, maliwanag, ay hindi nangangahulugan din ng mga haka-haka na shade na dapat makita ng manonood kapag ang mga saturated na mga eroplano ng kulay ay sumalpok, isang uri ng echo ng neo-impressionist na teorya ng pagsasama-sama ng kulay ng salamin. Ang panginginig ng boses na ito ay masyadong bahagya, at ang pang-unawa ng mga intermediate shade ay pansamantala. Narito pinag-uusapan natin, malinaw naman, ang tungkol sa pangangailangan na ipakilala ang mga pansamantalang tono, kung saan dumating sa paglaon si Matisse.

Nagtatrabaho sa dalisay na kulay, nais ni Matisse, tulad ng anumang pintor, na maiwasan ang monotony - ang antithesis ng larawan, ngunit hindi niya palaging magtatagumpay, at ang ilan sa kanyang mga bagay ay nailalarawan sa pamamagitan ng monotony (panel na "Musika"). Sa kabilang banda, sa 10s nais niyang panatilihin ang kadalisayan ng kulay sa lahat ng mga paraan. Pag-iwas sa mga kulay ng paghahalo, nag-resort siya sa isang diskarteng katulad ng glazing ng mga lumang masters, na inilalagay sa isang mas magaan na madilim na pintura, halimbawa, rosas - puti, asul - lila, atbp. Pagkatapos, upang mag-vibrate ang pintura, masigla niyang iginalabas ito sa canvas, sa halip na gumamit ng puti, pinapasan ito.

Minsan gumagamit siya ng mga layer ng magkakaibang density (halimbawa, sa "Girl with Tulips"), na itinutulak ang isang kulay sa pinsala ng isa pa. Gayunpaman, ang isang bilang ng mga bagay mula 1912 ay nakasulat na may isang makinis, walang pagbabago ng tono na pagkakayari. Kung ang ibabaw ng mga kuwadro na gawa ng iba pang Matisse ay maaaring mukhang tuyo at walang pagbabago, pagkatapos ito ay nagpapahiwatig na hindi isang pagwawalang bahala para sa materyal na pagpipinta, hindi maiisip sa isang mahusay na artist, ngunit isang kakaibang takot sa karahasan laban sa materyal. Para kay Matisse, bilang isang pandekorasyon na artista, ang pagsasama ng larawan kasama ang batayan nito, ang canvas, ay lalong mahalaga, ang kaputian at istraktura na isinasaalang-alang niya tulad ng isinasaalang-alang ng monumentalist sa ibabaw ng dingding. Ngunit, naaalala ang batayan, minsan ay nakakalimutan ni Matisse ang tungkol sa pintura mismo, tungkol sa mga tukoy na tampok at posibilidad ng pagpipinta ng langis.

Ang partikular na kahalagahan ay ang pamamaraan ng hindi kumpletong mga detalye, lalo na't kapansin-pansin sa "Moroccan", "Ball game" at iba pang mga bagay; ang kulay sa mga lugar na nais ng artist na malunod ay hindi madilim, ngunit ang isang blangko na canvas ay naiwan (na kung minsan ay ginagawa upang ipakita ang ilaw), o ang detalye ay mananatiling hindi maipinta (karamihan sa mga braso, binti, atbp.). Kinukulong ni Matisse ang kanyang sarili sa matte, likidong pagpipinta at hindi nagbigay ng espesyal na pansin sa mga isyu sa pagkakayari. Ito ay isang walang alinlangan na puwang sa kanyang trabaho, lalo na kung ihinahambing namin ang kanyang pangmatagalang pagsusumikap sa mga pagkakaiba sa kulay, isang uri ng gawaing pang-agham sa pag-aaral ng psychophysical na reaksyon sa isa o ibang pagkakaiba ng kulay. Si Matisse ay hindi nasiyahan sa sistema ng mga karagdagang tono na natuklasan ng Delacroix, na dinala sa isang sistema ng mga Impressionist. Naghahanap siya ng mga hindi pagkakasundo, pagsisigaw, malupit na pagkakasundo; narito ang isang kahanay ng mga napapanahong musika ng Stravinsky, Strauss at iba pa ay posible. Tulad ng mga kompositor na ito, siya ay apektado ng pagkabalisa, kawalang-tatag ng sikolohikal, labis na pagtaas ng damdamin ng modernong burgis.

Ang gawain ng Matisse bilang isang buo ay may isang bilang ng mga karaniwang tampok. Sa pagsisikap na salungatin ang walang hanggang halaga ng buhay sa magulong pag-igting ng buhay noong ika-20 siglo, muling likha niya ang maligaya nitong panig - ang mundo ng walang katapusang sayaw, matahimik na katahimikan ng mga idyllic na eksena, may pattern na mga carpet at tela, sparkling na prutas, vases , mga tanso, sisidlan at figurine. Ang layunin ni Matisse ay iguhit ang manonood sa larangan ng mga perpektong imahe at pangarap, upang maiparating sa kanya ang isang pakiramdam ng kapayapaan o isang hindi malinaw, ngunit nakakagulat na pagkabalisa. Ang emosyonal na epekto ng kanyang pagpipinta ay nakamit pangunahin sa pamamagitan ng matinding saturation ng sukat ng kulay, ang pagiging musikal ng mga linear na ritmo na lumilikha ng epekto ng panloob na paggalaw ng mga form, at sa wakas, ng kumpletong pagpailalim ng lahat ng mga bahagi ng larawan, para sa na kung saan ang bagay na minsan ay nagiging isang uri ng arabesque, isang namuong purong kulay (Red Fish, 1911; "Still Life with a Shell", 1940; ang parehong mga gawa ay nasa Pushkin Museum of Fine Arts).

Nakamit ni Matisse ang integridad at, sa parehong oras, iba't ibang larawan, una sa lahat, sa pamamagitan ng pag-alam ng isang tunay at organikong koneksyon sa pagitan ng kulay at anyo - linear-eroplano. Ang kulay ay nangingibabaw sa form para sa kanya na maaari itong maituring na totoong nilalaman ng kanyang mga kuwadro, at lahat ng iba pa ay isang pag-andar lamang ng nakasisilaw, malakas na kulay. Ang pagguhit tulad ng sa Matisse ay palaging naging mas mababa sa kalidad ng kulay nito, ang pag-unlad ng linya ay nagpunta sa kahanay sa pagbuo ng mga larawan ng larawan. Sa panahon ng mga unang paghahanap, medyo matamlay at tinatayang ("The Dinner Table"), ang kanyang pagguhit ay unti-unting nagiging mas matindi at nagpapahiwatig. Si Matisse ay pintura ng maraming at walang pagod mula sa buhay, ang kanyang mga guhit ay daan-daang, siya ay isang tunay na birtoso ng pagguhit. Ang kanyang kasanayan ay malinaw na maliwanag sa anuman sa kanyang buhay na buhay, walang sigla na mga sketch mula sa mga modelo. Una sa lahat, kapansin-pansin ang kawastuhan kung saan inilalagay niya ang pigura sa sheet, na agad na nahahanap ang pagsusulat ng mga sukat nito sa eroplano ng papel. Kahit na ang kanyang mga sketch ay komposisyon; sila ay karaniwang umaangkop sa isang nagpapahiwatig na arabesque na pagputol ng eroplano sa pahilis. Ang isang piraso ng kalikasan ng isang tumatanggap na artista ay tila agad na binago sa isang paglalaro ng mga pandekorasyon na lugar at stroke; sa parehong oras, gayunpaman, ang sigla ay hindi nabawasan sa lahat, ngunit sa halip ay binibigyang diin. Nang walang pag-iisip tungkol sa mga detalye, hinahawakan ni Matisse ang mismong axis ng paggalaw, mabilis na binubuo ang mga baluktot ng katawan, nagbibigay ng integridad at kaayusan sa paghahati ng mga form. Ang mga guhit ni Matisse ay napakatalim, pabago-bago, pinasimple at laconic, ang kanilang plasticity ay natatangi na hindi sila maaaring ihalo sa anumang mga gawa ng iba pang mga tanyag na draftsmen ng kanyang panahon. Sa pagiging masigla at kusang-loob, hindi sila mas mababa sa mga Hapones, sa dekorasyon - sa maliit na Persian, sa pagpapahayag ng mga linya - sa mga guhit ng Delacroix. Bukod dito, ang kanilang batayan ay hindi sa lahat "kabutihan", hindi isang pagkagumon sa kamangha-manghang mga stroke - nakabubuo sila sa tunay na kahulugan, sapagkat isiwalat nila ang plastik na form na may kumpletong pagkumbinse.

Bilang isang graphic artist, nagtatrabaho kasama ang panulat, lapis, uling, pag-ukit, linocuts at lithography, higit na nagpapatakbo ang Matisse na may isang linya, manipis, minsan hindi natuloy, minsan mahaba at bilugan, na pinuputol ng puti o itim na background [serye na "Mga Tema at Pagkakaiba-iba ", uling, pluma, 1941; mga guhit: sa "Mga Tula" ni Mallarmé, sa "Pasiphae" ni de Montherlant, sa "Mga Tula ng Pag-ibig" ni Ronsard]. Sa mga 40, Matisse madalas resorted sa diskarteng ng appliqués mula sa may kulay na papel (Jazz series, 1944-47). Si Matisse ay lumiliko sa iskultura mula sa simula ng mga taon ng 1900, ngunit lalo na madalas sa 20-30s (lunas "Hubad na babaeng pigura mula sa likuran", tanso, 1930, Kunstmuseum, Zurich). Huling trabaho Matisse - panloob na dekorasyon (kabilang ang mga stained-glass windows) ng "Chapel of the Rosary" sa Vence, malapit sa Nice (1953). Si Matisse ay namatay sa Cimieux malapit sa Nice noong Nobyembre 3, 1954.

Isang mahusay na taga-draft, si Matisse ay nakararami isang colorist na nakamit ang isang pare-pareho na sound effects sa komposisyon ng maraming matinding kulay. Kasabay ng mga kuwadro na gawa, kilala ang kanyang makinang na mga guhit, pag-ukit, iskultura, guhit para sa mga tela. Ang isa sa mga pangunahing akda ng artista ay ang dekorasyon at may mga salaming bintana ng Dominican Chapel ng Rosary sa Vence (1951).

French artist huli ng XIX - ang simula ng ika-20 siglo ay napaka bahagyang sumayaw. Ang kaaya-ayang ballerinas Degas at dashing prima cabaret ng Toulouse-Lautrec ay magkakaiba lamang na pagkakatawang-tao ng naka-istilong tema ng sayaw... Ang dakilang Henri Matisse ay walang pagbubukod. "Gustong-gusto ko ang sayaw. Ang isang kamangha-manghang bagay ay ang sayaw: buhay at ritmo. Madali para sa akin na tumira kasama ang sayaw," pagtatapat ng master. At kahit na ang mga imahe ng Matisse ay alien sa pagiging totoo, at ang kanyang mga pandekorasyon na canvases ay may maliit na pagkakapareho sa mga batang babae na tanso sa tutus, ang tema ng sayaw ay palaging lumilitaw sa lahat ng mga punto ng kanyang karera.

Ang unang pag-ikot na sayaw ay lumitaw sa maagang pagpipinta ng artista na Ang Joy of Life. Ang temang ito ay natagpuan ang pag-unlad 4 taon na ang lumipas, nang magsimulang magtrabaho si Matisse sa mga higanteng panel na "Dance" at "Music", na kinomisyon ng sikat na kolektor ng Russia at patron ng arts S. I. Shchukin. Ngunit bago pa man iyon, noong 1907, gumawa ang master ng isang relief na gawa sa kahoy na may mga nymph na sumasayaw at maraming mga vase ng may-akda para sa parehong motibo. Pagkatapos nito, nagtakda si Matisse tungkol sa paglikha ng isang napakalaking canvas para sa mansion ng Shchukin sa Moscow.

"Nang kailangan kong magsayaw para sa Moscow, nagpunta lamang ako sa Moulin de la Galette noong Linggo. Nanood ako ng sayaw. Lalo kong nagustuhan ang farandola ... Bumabalik sa aking lugar, binubuo ko ang aking apat na metro na haba ng sayaw, umaawit ng parehong tono ". Ang mga maliliwanag na pulang numero na umiikot sa isang nakatutuwang pag-ikot na sayaw ay hindi lamang natuwa sa customer, ngunit din nagdala sa tagalikha ng larawan na nararapat na katanyagan. Ito ay hindi sinasadya na halos isang isang kapat ng isang siglo mamaya, Matisse muli bumalik sa tema ng sayaw.

Ang pagkakasunud-sunod, na nagmula noong 1930 mula sa sikat na Amerikanong kolektor na si Albert Barnes, ay talagang mahirap: ang pandekorasyon na canvas ay dapat ilagay sa mga arko vault sa itaas ng mga bintana. Matalinong iniwan ng bantog na kliyente ang pagpili ng tema at pamamaraan sa paghuhusga ng artist. Ngunit, pagliko sa kanyang paboritong paksa, lumikha si Matisse ng isang gawa na hindi sa anumang paraan katulad ng pabago-bago at kamangha-manghang panel na "Shchukin".

Ang sayaw na Parisian "ay pinaglihi ni Matisse sa ikapitong dekada. Gayunpaman, ito ay itinuturing na isa sa mga pinaka matapang at makabagong likha ng artista. At lahat dahil lalo na para sa kautusang ito, ang may-akda ay dumating at nakabuo ng isang orihinal na pamamaraan ng decoupage (na sa Pranses ay nangangahulugang "gupitin"). Tulad ng isang higanteng palaisipan, ang larawan ay naipon mula sa magkakahiwalay na mga fragment. Mula sa mga sheet, na dating pininturahan ng gouache, ang maestro ay personal na pumutol ng mga numero o piraso ng background gamit ang gunting, na pagkatapos (ayon sa guhit na ipinahiwatig ng uling) ay nakakabit sa base na may mga pin. Ang teknolohiyang ito ay kasangkot ang mabilis na kapalit ng isa sa huling yugto - pagguhit ng pintura sa canvas - naganap sa tulong ng isang pintor, kumikilos sa mga tagubilin ng artist.

Ang mga gawa sa decoupage ay itinuturing na obra maestra ng huli at huli na Matisse. Ang pagiging isang may sakit na matanda, nakahiga sa kama, hindi niya binitawan ang gunting at patuloy na hinihingi ang may kulay na papel.

Sa totoo lang, ang panel na "Parisian Dance" ay mayroon sa tatlong mga bersyon. Ang pinakamaaga ngunit hindi kumpletong bersyon ay mahalagang isang paghahanda sa sketch. Sa pangalawa, halos nakumpleto na ang ganap na trabaho, lumabas ang isang nakakasakit na pagkakasala: Nagkamali si Matisse sa laki ng silid, at ang buong canvas ay kailangang muling isulat muli. Ang huling bersyon ay naaprubahan ng kliyente at matagumpay na naglayag sa ibang bansa. At ang naunang, "may sira", naisip ng artist at noong 1936 ay umako siya para sa isang katamtamang bayad sa Museum of Modern Art sa lungsod ng Paris.

Ngayon, ang "Parisian Dance" ay wastong isinasaalang-alang ang perlas ng koleksyon ng museo na ito - hindi walang kadahilanan na isang espesyal na bulwagan ang itinayo upang maipakita ang higanteng canvas. Ang pagpipinta ay matatag na naayos sa loob ng tatlong mga bintana sa mga arko vault at, bilang matapat na aminin ng direktor ng museo, "ay hindi nagpapahiwatig ng posibilidad ng transportasyon."

Ngunit narito ang mga residente ng St. Petersburg at Moscow ay hindi kapani-paniwalang pinalad: ang Museum of Contemporary Art sa Paris ay sarado para sa isang pangmatagalang pagbabagong-tatag. Ang natatanging panel ay ipinadala sa Russia na may malawak na kilos: noong una ay nag-hang ito ng tatlong buwan sa Ermita ng Estado, at ngayon (mula Setyembre 6) ay nakarating sa Pushkin State Museum of Fine Arts. At isa pang kawili-wiling detalye: habang nagtatrabaho sa "Parisian Dance", nakilala ni Henri Matisse ang isang simpleng babaeng Ruso, si Lydia Nikolaevna Delektorskaya, na naging unang kalihim, pagkatapos ay isang hindi maaaring palitan na katulong at nars, at pagkatapos - ang pinakamatalik na kaibigan at huling muse ng artista . Noong Oktubre 1933, lumipat si Lydia Delektorskaya sa bahay ni Matisse at "nanatili" doon ng halos 22 taon, hanggang sa pagkamatay ng dakilang panginoon.

Ang Matisse panels na "Dance" at "Music", na naging sanhi ng isang iskandalosong sensasyon sa eksibisyon ng Paris Autumn Salon noong 1910, ay kinomisyon ng noon ay kilalang Pranses na artist, Russian industrialist at collector na si S. Shchukin, na nag-anyaya kay Matisse sa Moscow, ipinakilala siya kay V. Bryusov, V. Serov, N. Andreev, binigyan ng pagkakataon na makita ang mga lumang icon ng Russia, kung saan kinatuwa ng French artist.

Ganito ipinakita ni Matisse ang ideya ng dalawang canvases na ito: "Iniisip ko ang pagpasok ng isang bisita. Ang unang palapag ay bubukas sa harap niya. Kailangan niyang magpatuloy, gumawa ng isang pagsisikap, kailangan niyang pukawin ang isang pakiramdam ng kagalakan. Ang aking unang panel ay naglalarawan ng isang sayaw, isang bilog na sayaw sa isang tuktok ng burol. Sa ikalawang palapag. "Nasa loob ka na ng bahay, ang diwa ng katahimikan ang naghahari dito, at nakikita ko ang isang eksena sa musika na may masigasig na mga tagapakinig ..." Nakita din ni Matisse ang pangatlong tagpo, na sumasalamin sa kumpletong kapayapaan.

Ang pangunahing gawain para sa kanya ay upang makamit ang integridad ng mga kuwadro na ito ng kuda, na may maliit na kinalaman sa arkitektura at pandekorasyon na grupo. Ang parehong mga komposisyon ay umalingawngaw ng mga komposisyon ng Fauvist ng Matisse, na ginawa sa ilalim ng direktang impression ng mga katutubong sayaw ng Pransya na nakita niya sa timog ng Pransya.

Ang mga nakakakilala nang mabuti sa artist ay nagsabi na kahit na hindi siya iniutos ng Shchukin ng isang pangalawang komposisyon, ipinanganak pa rin ito. Sa dinamiko, galit na galit na Sayaw, maaaring makilala ang isang kumplikadong foreshortenings, isang hindi pangkaraniwang interweaving ng mga kamay at katawan, at sa kabaligtaran ng ritmo sa Musika, ang batayan ng komposisyon na solusyon ay hindi dinamika, hindi paggalaw, ngunit ang ganap na hindi makagalaw ng hiwalay, mga pigura na matatagpuan sa harapan. Dalawang canvases, ang isa ay may limang nagsasayaw na numero, ang isa ay may limang nakaupong maalab na mga numero, ay magkatulad sa sukat ng kulay, sa isang eroplano na nagbasa ng form, sa abstract na tema, ngunit kabaligtaran sa ritmo. Si Matisse, tulad ng siya mismo ang nagsulat, ay nagpinta ng kanyang mga kuwadro na gawa "hanggang sa saturation, upang ... ang asul ay buong isiwalat, bilang ideya ng ganap na bughaw."

Matapos ang "Sayaw" at "Musika" ay nagsanhi ng isang iskandalo sa Autumn Salon, tumanggi si S. Shchukin na dalhin sila at ipinaliwanag ito sa pamamagitan ng hindi mabuting pag-uugali sa ilang mga pigura. Ang mga batang babae ay nakatira lamang sa kanyang bahay, at hindi niya nais na mapahiya sila. Gayunpaman, makalipas ang ilang sandali ay nagbago pa rin ang isip niya. Gayunpaman, si Matisse ay kailangang maglagay ng pulang pintura sa pigura ng flutist na batang lalaki upang maitago ang mga palatandaan ng kasarian. Ngayon ang mga panel na "Dance" at "Music" ni Matisse ay ipinapakita sa State Hermitage Museum sa St.

Si Henri Matisse ay mahilig sa mga impressionista at neo-impressionist, si Gauguin, ang sining ng Arab East, sa edad na 35 siya ay naging pinuno ng Fauves. Ang kanyang color scheme ay matikas at sopistikado, at napaka-linear na ritmo ng ritmo ay lumikha ng epekto ng panloob na paggalaw. Wala sa mga tagasunod ni Matisse ang nakamit upang makamit ang tulad, tulad ng ginawa niya, kumpletong komposisyon at pandekorasyon na pagpailalim ng lahat ng mga elemento ng larawan, nananatili siyang ganap na master pandekorasyon na pagpipinta... Siya mismo ang lumikha ng kanyang sariling, natatanging mundo ng musika, mabilis na sayaw, isang mundo ng mga sparkling figurine, vases at prutas, isang mundo ng matahimik na kapayapaan at masayang limot.

Si Henri Matisse ay ipinanganak noong Disyembre 31, 1869 sa hilagang Pransya, sa Cato Cambresi, at ginugol ang kanyang pagkabata sa Boen-en-Vermandois. Ang kanyang ama ay isang negosyante ng palay at pinangarap na ang kanyang anak ay maging isang abugado. Matapos ang Lyceum Saint-Quentin, nag-aral si Matisse ng batas sa Paris, nagtrabaho para sa isang abugado sa Boen-en-Vermandois. Una niyang sinubukan ang pagpipinta pagkatapos na siya ay naospital at naoperahan - inalis ang appendicitis. Sa edad na 20, nagsimula siyang gumuhit sa School of Ventin de la Tour, at noong 1891 ay nagpunta sa Paris, kung saan inihanda siya nina Bouguereau at Ferrier na pumasok sa School of Fine Arts. Sa mga kurso sa gabi sa School of Decorative Arts, nakilala niya si Albert Marquet at pumasok sa pagawaan ng Gustave Moreau sa School of Fine Arts. Marami siyang nakopya sa Louvre, bumiyahe sa Brittany, at noong 1897 ipinakita sa Salon ng National Society of Fine Arts ang isa sa kanyang pinaka-makabuluhang impressionistiko na gawa - ang pagpipinta na "Dessert".

Si Matisse ay madalas na tinawag na anak at asawa ng mina. Noong 1898 pinakasalan niya ang nakamamanghang matangkad na timog na Amelia-Noe-mi-Alexandrine Panalangin. At magkasama silang nagtungo sa London, kung saan unang nakita ni Matisse ang mga gawa ng "tagapagbalita ng araw", ang romantiko na inidolo ng Impressionists - Turner. Naalala ng isa sa mga kaibigan ni Matisse na sinabi ni Matisse na mahal niya ang London dahil "una niyang nakilala siya sa kanya hanimun".

Pagkatapos ng London, ang artist ay nagpunta sa Corsica, sa Toulouse. Nang namatay si Moreau, iniwan ni Matisse ang School of Fine Arts at sa parehong 1899 ay nagsimulang dumalo sa Carriere Academy, kumuha ng iskultura (sa mga kurso sa gabi). Kabilang sa kanyang mga kaibigan ay sina Pissarro, Derain, Puy, Marquet, na pininturahan niya ng pandekorasyon na frieze, Mignac, Cross, Maillol at iba pang mga sikat na artista ng panahong iyon.

Noong 1901, sinimulang ipakita ni Matisse ang kanyang trabaho sa Salon of the Independent, sa Berthe Weil Gallery, at sa Salon d'Automne. Nagtatrabaho noong 1904 kasama ang Signac at Cross, si Matisse ay nabighani ng dibisyonismo - isang sistemang nakalarawan na batay sa pamamaraan ng agnas ng isang kumplikadong tono ng kulay sa mga dalisay na kulay, naayos sa canvas na may magkakahiwalay na mga stroke, na binibilang sa kanilang optikal na paghahalo sa visual na pang-unawa.

At noong 1905 si Matisse ay naging pinuno ng isang bagong kalakaran - Fauvism. Sa Salon d'Automne, Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta ay naipakita kasama niya, na nagbahagi ng kanyang mga pananaw sa pagpipinta, tulad niya, na hinangad na ituon ang pokus ng kulay ng kanilang mga komposisyon, binubuo ang mga ito sa ratio ng maliwanag na mga lokal na spot ng kulay.

Noong 1906, sa Salon of the Independent, ipinakita ni Matisse ang isa sa kanyang pinakamalaking komposisyon, "The Joy of Life", na kalaunan ay nagsilbing batayan para sa panel na "Dance". Sa oras na ito, gumawa siya ng mga woodcuts at lithograph. Saglit na nagpunta ako sa Algeria, at pagkatapos ay sa Italya.

Noong 1907, ang pangkat ng Fauvist ay nagkahiwalay, at binuksan ni Matisse ang kanyang sariling pagawaan. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay ipinakita sa New York, Moscow, Berlin. Nag-publish siya ng Mga Tala ng isang Pintor at nanirahan sa suburb ng Paris, Issy-les-Moulineaux.

Noong 1910, isang eskandalo ang sumabog sa Salon d'Automne dahil sa kanyang mga panel na "Dance" at "Music". Noong 1911, binisita ni Matisse ang Moscow, noong 1912 - Morocco, nagsimulang magpakita ng iskultura. Mula noong oras na iyon, ang kanyang mga personal na eksibisyon ay ginanap sa maraming mga lungsod sa buong mundo, at ang gallery ng Bernheim-Gen na regular na inayos ang kanyang mga personal na eksibisyon.

Noong 1920, si Henri Matisse, sa kahilingan ni S. Diaghilev, ay gumawa ng mga modelo ng tanawin at mga sketch ng mga costume para sa mga ballet ng Russia.

Noong 1921 lumipat siya sa Nice, nagsimulang magtrabaho mga guhit ng libro at kinomisyon ng American Barnes ay gumawa ng isang napakalaking painting-panel na "Dance", na na-install sa lungsod ng Merion noong 1933.

Ang anak ng artista na si Pierre ay nagbukas ng kanyang sariling gallery sa New York, kung saan ipinakita niya ang gawain ng kanyang ama. Sumailalim sa isang mahirap na operasyon noong 1941, sa mga nagdaang taon ay higit na nagtrabaho si Matisse bilang isang art artist at naging interesado sa mga collage.

Higit sa lahat ang gusto ni Matisse upang magpinta ng mga bulaklak, puno at kababaihan. Ganito siya mismo nagsulat tungkol sa kanyang trabaho: "Ako ay ganap na nakasalalay sa aking modelo, na pinag-aaralan ko kapag siya ay libre mula sa posing, at pagkatapos lamang ay nagpasya akong pumili ng isang pose para sa kanya na pinakaangkop sa kanyang pagkatao. bagong Modelo, Nakakakita ako ng angkop na pose para sa kanya kapag nasa isang estado ng pagpapahinga at pahinga, at naging alipin ako sa pose na ito. Nagtatrabaho ako sa mga batang babae na ito minsan sa loob ng maraming taon, hanggang sa matuyo ang interes. Ang aking mga plastik na karatula, marahil, ay ipinahahayag ang kanilang estado ng pag-iisip ... na kung saan ay interesado akong hindi maikuwento ... "

Iyon ang dahilan kung bakit ang kanyang mga kababaihan ay tulad ng mga bulaklak, at mga bulaklak ay tulad ng mga nabubuhay na tao ...

Nagbigay si Matisse ng isang bagong paningin ng mundo. Kung ang dakilang Leonardo Nagtalo si da Vinci na ang pangunahing himala ng pagpipinta ay ang kakayahang iparating ang dami ng mga bagay, isinalin ni Matisse ang lahat sa isang eroplano. Ang mansanas ay naging bilog mula sa isang bola. Inilayo ni Matisse ang lalim mula sa pagpipinta at nagsimulang baguhin ang kalikasan, ginagawa itong naaayon sa kanyang mga saloobin. Maaari niyang mapasuko ang pigura ng tao sa linya ng ornament, tulad ng nangyayari sa kanyang "Red Room", maaari niyang ilipat ang pigura na kaugnay sa suporta - ginawa niya ito sa "Standing Dawn". Kahit na ang kanyang sahig biglang naging sloping, at ang mga kulay ay nagbigay ng isang pisikal na pang-amoy ng dumadaloy na maalab na hangin ("Entrance to Kozba") o cool malinaw na tubig sa akwaryum ("Pulang Isda").

Sa kung anong kagalakan ang ipininta ni Matisse na mga pattern ng oriental carpets, gaano siya maingat na nakamit ang eksaktong, magkakasuwato na mga ugnayan ng kulay! Napakarilag, puno ng mahiwaga panloob na ilaw at ang kanyang buhay pa rin, mga larawan, hubad.

Sinasabi ng mga kritiko ng sining na kung si Matisse ay hindi isang pintor, papasok sana siya sa nangungunang sampung mga eskulturang Pranses. Siya ang unang nag-apply ng pagpapapangit alang-alang sa pagpapahayag, at, sa kanyang pag-amin mismo, kung si Mayol, bilang isang master ng unang panahon, ay nagtrabaho sa dami, siya, tulad ng mga masters ng Renaissance, ay nabighani ng mga arabesque, nakakamit ang isang magandang-maganda linya ng silweta. Ang isa sa pinakatanyag na estatwa ng tanso ng Matisse, ang "Malaking Upuan na Hubad" ay nilikha noong 1920s - kasabay ng kanyang mga canvases na "Odalisque" at "Nude Sitting on a Blue Cushion".

Sinabi ng mga kapanahon na kapag nag-iskultura si Matisse, madalas niyang mabasa ang luad, at mula rito, kapag binuksan ang makina, ang mga numero ay madalas na nahuhulog at gumuho. Pagkatapos ay kinuha ni Matisse ang isang brush sa kanyang mga kamay at inilipat ang kanyang plastik na paningin sa canvas.

Isa sa huli malalaking gawa Si Henri Matisse ay ang disenyo ng "Chapel of the Rosary" sa Vance malapit sa Nice, kung saan nagtrabaho siya mula 1948 hanggang 1951 bilang isang arkitekto, at bilang isang pintor, at bilang isang iskultor, at bilang isang dekorador.

Ang pagguhit, hindi pangkaraniwang, ilaw, plastik, ay palaging sinakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa trabaho ni Matisse. Noong 1920s, ang kanyang mga guhit ay mahusay na binuo at tiyak, kalaunan ay naging interesado siya sa mga guhit na brush, na naging nakakagulat na makulay. Noong 1919, kabilang sa kanyang mga guhit ay lumitaw "ang tema ng isang sumbrero na may mga balahibo ng avester", noong 1935 - "ang tema ng mga salamin", noong 1940 - "ang tema ng isang babae sa isang armchair", at noong 1944 - isang "tema ng mga milokoton ". Sa pamamaraan ng pagguhit - monumental, simbolikong plastik - ang kanyang huling pagpipinta sa "Chapel of the Rosary" ay ginawa rin.

Si Louis Aragon sa kanyang hindi pangkaraniwang nobelang "Henri Matisse" ay nagsulat:

Buong buhay

Iguhit sa kanya ang isang salita na tunog sa kanya ...

Noong 1952, ang Henri Matisse Museum ay binuksan sa Cato Cambresi. Binuksan habang buhay ng artista.

Sa isang artikulong may pamagat na "Kailangan mong tingnan ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng isang bata", isiniwalat ni Henri Matisse ang lihim ng pagiging bago at kagandahan ng kanyang mga gawa: "Naniniwala ako na para sa isang artista walang mas mahirap kaysa sa pagpipinta ng rosas ; ngunit makakalikha lamang siya ng kanyang sariling rosas sa pamamagitan ng pagkalimot sa lahat ng mga rosas na nakasulat sa harap niya ... Ang unang hakbang sa pagkamalikhain ay upang makita ang totoong hitsura ng bawat bagay ... Ang lumikha ay upang ipahayag kung ano ang nasa iyo. "

Liwanag ng mga kulay, pagiging simple ng pamamaraan, pagpapahayag - ang mga kuwadro na gawa ng Pranses na artist na si Henri Matisse ay namangha sa kanilang pagka-orihinal. Sinubukan ng pinuno ng Fauvism ang isang pangkat ng mga uso sa visual arts, bago maghanap ng kanyang sariling istilo, na nailalarawan sa isang "ligaw" na character.

Bata at kabataan

Ang lugar ng kapanganakan ng mahusay na artist ay ang hilagang bayan ng Le Cato Cambresi sa Pransya. Dito noong 1869 sa pamilya ng isang matagumpay na negosyante ng palay, ipinanganak ang panganay, na pinangalanang Henri Emile Benoit Matisse. Ang kapalaran ng bata ay isang pangwakas na konklusyon - sa oras na iyon ang unang tagapagmana sa pamilya ay obligadong kunin ang negosyo ng ama sa hinaharap. Ngunit, maliwanag, ang bata ay nagmana ng mga gen ng kanyang ina, na gustung-gusto habang wala libreng oras para sa pagpipinta ng ceramic crafts.

Si Henri ay handa para sa hinaharap nang detalyado, nag-aral siya sa paaralan, pagkatapos ay sa lyceum. Dagdag dito, ang nagmamatigas na anak na lalaki, labag sa kagustuhan ng pinuno ng pamilya, ay nagtungo sa Paris upang maunawaan ang mga ligal na agham. Sa isang diploma na malayo sa sining, umuwi siya, kung saan nagtrabaho siya ng maraming buwan bilang isang klerk.

Ang kapalaran ay napagpasyahan ng sakit. Malikhaing talambuhay ang likas na matalino na artista ay nagsimula noong 1889 nang si Henri Matisse ay dumating sa ilalim ng kutsilyo ng isang siruhano na may apendisitis.

Gumagaling siya pagkatapos ng operasyon sa loob ng dalawang buwan. Upang maiwasang mainip ang kanyang anak, nagdala ang kanyang ina ng mga gamit sa pagguhit sa ospital, at nagsimulang kopyahin ni Matisse ang mga card ng kulay. Sa oras na ito, sa wakas naintindihan ng binata kung ano ang nais niyang italaga ang kanyang buhay.

Pagpipinta

Ang pangarap na maging isang mag-aaral ng Moscow School of Fine Arts ay hindi natupad. Nabigo si Henri sa kanyang pagpasok sa debut, kaya't kailangan niyang umupo muna sa mga mesa ng iba institusyong pang-edukasyon, kung saan ipinakilala ka nila sa mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta. Gayunpaman, noong 1895, ang "kuta" ay sumuko - kasama ang hinaharap na sikat na artist na si Albert Marquet Matisse, pumasok siya sa minimithing School of Arts, sa pagawaan ng Gustave Moreau.

Kasama ang bilog ng mga interes sa simula ng pagkamalikhain modernong ArtNausisa rin si Henri Matisse sa direksyon ng Hapon. Ang simbolo sa ubod ng Moreau ay nagpadala sa kanyang mga mag-aaral upang matutong "maglaro ng kulay" sa Louvre, kung saan sinubukan ni Henri na gayahin ang mga klasiko ng pagpipinta sa pamamagitan ng pagkopya ng mga kuwadro na gawa. Nagturo ang master ng "pangarap ng kulay", kung saan ang artist na si Matisse ay nakabuo ng isang simbuyo ng damdamin para sa paghahanap ng mga angkop na shade upang maihatid ang mga emosyon.

SA maagang trabaho isang halo ng mga aral ni Moro na may mga hiniram na elemento mula sa kinikilalang mga masters ng brush ay lumitaw na. Halimbawa, ang buhay pa rin na "Isang bote ng schidam" ay kapansin-pansin para sa kalabuan nito: sa isang banda, ang mga madilim na kulay ay nagbibigay ng imitasyon ng Chardin, at malawak na mga stroke at isang halo ng itim at pilak -. Maya-maya ay inamin ni Henri:

"Nakita ko ang nagpapahiwatig na bahagi ng kulay na pulos intuitively. Nagbibigay ng tanawin ng taglagas, hindi ko na maaalala kung aling mga kulay ng kulay ang angkop para sa oras ng taon na ito, masisilayan ako ng mga sensasyon ng taglagas ... Pinipili ko ang mga kulay na hindi ayon sa anumang teoryang pang-agham, ngunit ayon sa pakiramdam, pagmamasid at karanasan. "

Ang pag-aaral ng mga classics ay mabilis na nababagot sa artista, at bumaling siya sa mga impresyonista, lalo na, ang mga nasabing canvases. Ang kulay sa maagang mga gawa ay mapurol pa rin, ngunit unti-unting nakakuha ng kayamanan, ang gravitation patungo sa impresionismo ay nagsimulang magbago sa sarili nitong natatanging istilo. Nasa 1896, ang mga unang nilikha ng pintor ng baguhan ay nagsimulang lumitaw sa mga art salon.

Ang unang solo na eksibisyon ay hindi gumawa ng isang splash sa mga lupon ng mga mahilig sa sining. Nagpasiya si Henri Matisse na iwanan ang kabisera ng Pransya nang mas malayo sa hilaga, kung saan sinubukan niya ang kanyang kamay sa diskarteng ng mga stroke ng point. Sa oras na ito, ang unang obra maestra, "Luxury, Peace and Pleasure", ay lumabas mula sa ilalim ng kanyang panulat. Ngunit ang tao ay hindi natagpuan ang ganitong paraan ng pagsulat ng "katutubong" alinman.

Ang rebolusyon sa akda ng artista ay dumating noong 1905. Si Matisse, kasama ang isang pangkat ng magkatulad na tao, ay nilikha isang bagong istilo sa pagpipinta, tinatawag na Fauvism. Ang lakas ng mga kulay, ipinakita sa eksibisyon sa taglagas, namangha sa madla. Inilahad ni Henri ang dalawang gawa - ang larawan na "Woman in the Hat" at ang pagpipinta na "Open Window".

Ang isang alon ng galit ay nahulog sa mga artist, ang mga bisita ng eksibisyon ay hindi maunawaan kung paano mapabayaan ang lahat ng mga tradisyon ng labis visual arts... Ang mga nagtatag ng estilo ay tinawag na Fauves, iyon ay, ang mga ganid.

Gayunpaman, ang gayong pansin, kahit na negatibo, ay nagdala ng katanyagan ni Matisse at mahusay na mga dividend: ang mga kuwadro na gawa ay may mga tagahanga na masaya na bilhin ang mga ito. Halimbawa, ang manunulat ng Amerika na si Gertrude Stein ay agad na kinuha ang Babae sa Hat sa eksibisyon, at ang pagpipinta na The Joy of Life, na lumitaw noong 1906, ay binili ng sikat na kolektor na si Leo Stein.

Medyo maya maya nangyari ito makabuluhang kaganapan - nakilala ng artist ang isang hindi pa rin kilalang, ang komunikasyon ay nagresulta sa dekada ng pagkakaibigan, kung saan ang mga masters ng brush ay nakikipagkumpitensya sa bawat isa. Sinabi ni Picasso na ang pagkamatay ng alinman sa kanila ay magiging isang hindi maibabalik na pagkawala para sa lahat, sapagkat walang ibang tao upang talakayin ang ilang malikhaing isyu nang ganito kalakas.

Dalawa sa pinakatanyag na mga canvase - "Sayaw" at "Musika" - Sumulat si Matisse para sa patron na si Sergei Shchukin. Nag-order ang Russian ng mga kuwadro na gawa para sa isang bahay sa Moscow. Habang nagtatrabaho sa mga sketch, ang artist ay nagtakda ng isang layunin upang lumikha ng isang bagay na magpapadama sa taong papasok sa mansion ng kaluwagan at kapayapaan. Nakatutuwa na personal na pinangasiwaan ni Henri ang pag-install ng mga kuwadro na gawa - dumating ang Pranses sa kabisera ng Russia, kung saan siya ay tinanggap na may sigasig. Ang artist mismo ay humanga sa koleksyon ng mga sinaunang icon ng may-ari ng bahay at ang pagiging simple ng mga Ruso.

Tila, ang artista ay nakatanggap ng isang mahusay na bayarin, dahil kaagad siyang bumiyahe. Binisita oriental tale Si Algeria, at pag-uwi, agad na naupo upang magtrabaho - nakita ng ilaw ang larawang "Blue Nude". Ang paglalakbay na ito ay gumawa ng isang hindi matunaw na impression kay Matisse, lumilitaw ang mga bagong elemento sa kanyang trabaho, ang lalaki ay lumilikha ng mga lithograph, mga nakaukit sa mga keramika at kahoy.

Ang kagandahan ng Silangan ay hindi binitawan, ang Pranses ay patuloy na nakilala ang Africa, na naglakbay sa Morocco. At pagkatapos ay nagpunta siya sa isang paglalakbay sa Europa at Amerika. Sa oras na ito, ang kanyang trabaho ay unti-unting nagsimulang mawala ang mga palatandaan ng Fauvism, na pinupuno ng kahusayan at espesyal na lalim, isang koneksyon sa kalikasan ang lumitaw.

Sa panahon ng World War II, ang artist ay nasuri na may oncology; pagkatapos ng operasyon, hindi makagalaw ang lalaki. Sa panahong iyon, nag-imbento si Matisse ng isang bagong direksyon sa larangan ng decoupage, na batay sa pagtitipon ng mga kuwadro na gawa mula sa mga piraso ng kulay na papel.

Tinapos ni Henri Matisse ang kanyang trabaho sa isang malakihang proyekto sa disenyo nunnery sa Vance. Sinasabing tinanong lamang ang artist na i-edit ang mga nabahiran ng baso na sketch, ngunit masigasig niyang pinagsama ang kanyang manggas at lumikha ng isang kumpletong proyekto. Sa pamamagitan ng paraan, isinasaalang-alang ng lalaki ang gawaing ito na isang tiyak na tanda ng kapalaran sa pagtatapos ng kanyang buhay at ang pinakamahusay sa kanyang piggy bank ng mga masining na gawa.

Personal na buhay

Ang personal na buhay ni Henri Matisse ay ginawaran ng tatlong kababaihan. Noong 1984, ang artista ay naging ama sa kauna-unahang pagkakataon - ang modelong si Carolina Zhoblo ay nagbigay sa may talento na pintor ng isang anak na babae, si Margarita. Gayunpaman, hindi man lang ikinasal si Henri sa babaeng ito.

Ang opisyal na asawa ay si Amelie Pareyre, na kinilala ng kinatawan ng mundo ng pagpipinta sa kasal ng isang kaibigan. Ang batang babae ay kumilos bilang isang abay na babae, at si Anri ay hindi sinasadyang nakaupo sa tabi ng mesa. Si Amelie ay sinaktan ng pag-ibig sa unang tingin, ang binata ay nagsimula ring magpakita ng mga palatandaan ng pansin. Ang batang babae ay naging unang malapit na tao na naniniwala sa kanyang talento nang walang kondisyon.

Bago ang kasal, binalaan ng lalaking ikakasal ang ikakasal na ang trabaho ay palaging magiging pangunahing lugar sa buhay. Kahit na sa kanilang hanimun, ang bagong-gawa na pamilya ay nagtungo sa London upang pamilyar sa gawain ni William Turner.

Ang mga anak na lalaki nina Jean-Gerard at Pierre ay ipinanganak sa kasal. Dinala din ng mag-asawa si Margarita sa kanilang pamilya para sa edukasyon. Mahabang taon ang anak na babae at asawa ang pumalit sa mga pangunahing modelo at muses ng artist. Ang isa sa mga bantog na kuwadro na nakatuon sa kanyang asawa ay ang The Green Stripe, na ipininta noong 1905.

Ang larawang ito ng minamahal na babae ay sumakit sa mga tagahanga ng sining noong panahong iyon ng "kapangitan" nito. Naniniwala ang madla na ang kinatawan ng Fauvism ay napakalayo sa ningning ng mga kulay at prangka ng katotohanan.

Sa tuktok ng kanyang katanyagan noong 1930s, ang artist ay nangangailangan ng isang katulong. Lumipat si Matisse kasama ang kanyang pamilya sa Nice sa oras na iyon. Minsan isang batang emigranteng Ruso na si Lydia Delektorskaya ay lumitaw sa bahay at naging kalihim ng pintor. Sa una, ang asawa ay hindi nakakita ng panganib sa batang babae - hindi gusto ng kanyang asawa ang mga blonde. Ngunit agad na nagbago ang sitwasyon: nang hindi niya sinasadyang makita si Lydia sa kwarto ng kanyang asawa, sumugod si Henri upang iguhit siya.

Kasunod nito, hiwalayan ni Amelie ang kanyang tanyag na asawa, at si Dilektorskaya ang naging huling muse ni Matisse. Anong uri ng relasyon ang naghari sa unyon na ito, ang pag-ibig ba, o ang mag-asawa ay limitado sa magkasanib na trabaho, ay hindi pa rin alam. Kabilang sa pagkalat ng mga guhit at kuwadro na nagpapakita ng Lydia, ang canvas na "Odalisque. Asul na pagkakaisa ”.

Kamatayan

Noong Nobyembre 1, 1954, si Henri Matisse ay nagdusa ng isang microstroke. Ang magaling na artista ay pumanaw makalipas ang dalawang araw. Sinabi ng alamat na bago siya namatay, binisita ni Dilektorskaya ang pintor sa silid-tulugan, kung saan sinabi niya:

"Sa ibang araw, sasabihin mo, kumuha tayo ng lapis at papel."

Nakangiting sagot ni Henri:

"Kumuha tayo ng lapis at papel."

Mga likhang sining

1896 - "Isang bote ng schidam"
1905 - "Ang Joy ng Buhay"
1905 - "Woman with a Hat"
1905 - "Green Stripe"
1905 - "Buksan ang Window sa Collioure"
1907 - "Blue Nude"
1908 - Ang Pulang Silid
1910 - "Musika"
1916 - Bather sa tabi ng Ilog
1935 - "Pink Nude"
1937 - Ang Babae na nasa Lila na Kotse
1940 - "Romanian Blouse"
1952 - Ang Kalungkutan ng Hari

Bata at kabataan

Pagpipinta

Personal na buhay

Kamatayan

Mga likhang sining

Choice ng Editor