Ang kakaibang larawan sa mundo. Pagbugbog sa Mga Sanggol ni Peter Paul Rubens

Ang pagpipinta, kung hindi mo isasaalang-alang ang mga realista, ay palaging, ay kakaiba, metaporikal, naghahanap ng mga bagong anyo at paraan ng pagpapahayag. Ngunit mayroong isang bilang ng mga kuwadro na gawa, ang kakaibang kung saan ay hindi maaaring mag-iwan ng sinuman na walang malasakit.
Ang ilang mga gawa ng sining ay tila tumatama sa ulo ng manonood, natulala at namangha; ilan - i-drag sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantic layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga pagpipinta ay natatakpan ng mga lihim at misteryosong bugtong, at ang ilan ay nakakagulat sa napakataas na presyo.

10 kakaibang larawan sa mundo

1. Edvard Munch "Scream"

1893, karton, langis, tempera, pastel. 91 × ​​73.5 cm
National Gallery, Oslo

Ang pag-iiwan ng maraming hindi kanais-nais na aftertaste at kahit na nakakatakot na larawan na "The Scream", marahil, ay isa sa mga kakaibang larawan sa mundo.

Ang Scream ay itinuturing na isang landmark na kaganapan sa Expressionism at isa sa pinaka sikat na mga painting sa mundo.
"Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang kaibigan - lumulubog na ang araw - biglang namula ang langit, huminto ako, nakaramdam ako ng pagod, at sumandal sa bakod - tiningnan ko ang dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at ang lungsod - nagpatuloy ang aking mga kaibigan, at tumayo ako, nanginginig sa pananabik, nakaramdam ng walang katapusang pag-iyak na tumatagos sa kalikasan, "- sabi ni Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

2. Paul Gauguin “Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"
1897-1898, langis sa canvas. 139.1 × 374.6 cm
Museo ng Fine Arts, Boston

Ang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagkumpleto ng trabaho, gusto pa niyang magpakamatay, dahil naniniwala siya: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang nakahihigit sa lahat ng aking mga nauna, ngunit hinding-hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad."

3. Pablo Picasso "Guernica"
1937, canvas, langis. 349 × 776 cm
Museo ng Reina Sofia, Madrid

Hindi mo kailangang maging eksperto sa sining para makakita ng maraming sakit sa kakaibang kakaibang pagpipinta na ito. Ang malaking painting-fresco na "Guernica", na ipininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng boluntaryong yunit na "Luftwaffe" sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang lungsod ng 6,000 ay ganap na nawasak. Ang larawan ay isinulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng trabaho sa larawang si Picasso ay nagtrabaho nang 10-12 oras, at nasa mga unang sketch na ang makikita ng isa. pangunahing ideya... Isa ito sa pinakamahusay na mga guhit ang bangungot ng pasismo, gayundin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

4. Jan van Eyck "Portrait of the Arnolfini couple"
1434, kahoy, langis. 81.8 × 59.7 cm
London Pambansang Gallery, London

Sa unang sulyap, ang larawan ay hindi nagbibigay ng impresyon ng isang kakaiba at hindi maintindihan na gawain, ngunit ito ay gumagawa ng madla na nag-freeze at peer.

Ang larawan, marahil ni Giovanni di Nicolao Arnolfini at ng kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Western Northern Renaissance na paaralan ng pagpipinta.
Ang sikat na pagpipinta ay ganap at ganap na puno ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga sanggunian - hanggang sa lagda na "Narito si Jan van Eyck", na naging hindi lamang isang gawa ng sining, ngunit isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa isang aktwal na kaganapan na dumalo ang artista.

5. Mikhail Vrubel "Nakaupo na Demonyo"
1890, canvas, langis. 114 × 211 cm
Tretyakov Gallery, Moscow

Ang kakaiba ng larawang ito ay namamalagi pangunahin sa hindi inaasahang imahe ng isang demonyo. Ang malungkot na mahabang buhok na lalaki ay hindi katulad ng pangkalahatang ideya ng tao kung ano ang dapat na hitsura ng isang masamang espiritu. Ang artist mismo ay nagsalita tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta: "Ang demonyo ay hindi isang masamang espiritu kundi isang nagdurusa at nalulungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang nangingibabaw at marilag na espiritu."

6. Vasily Vereshchagin "Ang Apotheosis ng Digmaan"
1871, canvas, langis. 127 × 197 cm
State Tretyakov Gallery, Moscow

Si Vereshchagin ay isa sa mga pangunahing pintor ng labanan sa Russia, ngunit nagpinta siya ng mga digmaan at labanan hindi dahil mahal niya sila. Sa kabaligtaran, sinubukan niyang iparating sa mga tao ang kanya negatibong saloobin sa digmaan. Minsan si Vereshchagin, sa init ng damdamin, ay bumulalas: "Hindi na ako magpipinta ng anumang mga larawan ng labanan - iyon lang! Masyado kong inilapit sa puso ko ang isinulat ko, isinisigaw (sa literal) ang dalamhati ng bawat sugatan at namatay." Marahil, ang resulta ng sigaw na ito ay isang kahila-hilakbot at kakaibang nakakaakit na pagpipinta na "The Apotheosis of War", na naglalarawan ng isang bukid, mga uwak at isang bundok ng mga bungo ng tao.

7. Grant Wood "American Gothic"
1930, langis. 74 × 62 cm
Art Institute ng Chicago, Chicago

Ang "American Gothic" ay isa sa mga pinakakilalang larawan sa sining ng Amerika noong ika-20 siglo, ang pinakasikat na artistikong meme noong ika-20 at ika-21 siglo. Kitang-kita agad ang kakaibang larawan. Ang pagpipinta na may malungkot na ama at anak na babae ay puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at retrogradeness ng mga taong inilalarawan. Galit na mukha, pitchfork sa gitna mismo ng pagpipinta, mga makalumang damit kahit na sa 1930 na mga pamantayan, isang nakalantad na siko, ang mga tahi sa damit ng magsasaka na paulit-ulit ang hugis ng pitchfork, at samakatuwid ay isang banta na nakatutok sa sinumang manghihimasok. sa kanila. Ang lahat ng mga detalyeng ito ay maaaring masuri nang walang katapusan at mapangiwi dahil sa kakulangan sa ginhawa.

8. Rene Magritte "Lovers"
1928, canvas, langis

Ang pagpipinta na "Lovers" ("Lovers") ay umiiral sa dalawang bersyon. Sa isa sa kanila ay naghahalikan ang isang lalaki at isang babae, na ang mga ulo ay nakabalot sa puting tela, at sa kabilang banda, sila ay "nakatingin" sa manonood. Ang larawan ay nakakagulat at nakakabighani. Sa dalawang pigura na walang mukha, ipinarating ni Magritte ang ideya ng pagkabulag ng pag-ibig. Tungkol sa pagkabulag sa lahat ng kahulugan: ang mga mahilig ay hindi nakikita ang sinuman, hindi sila nakikita mga totoong mukha at ang madla, at bukod pa, ang magkasintahan ay isang misteryo kahit sa isa't isa.

9. Marc Chagall "Maglakad"
1917, canvas, langis
Gallery ng Estado ng Tretyakov

Karaniwang napakaseryoso sa kanyang pagpipinta, si Marc Chagall ay sumulat ng isang kasiya-siyang manifesto ng kanyang sariling kaligayahan, na puno ng mga alegorya at pagmamahal. Ang Walk ay isang self-portrait kasama ang kanyang asawang si Bella. Ang kanyang minamahal ay pumailanglang sa langit at ang tingin na iyon ay hahatak sa paglipad at si Chagall, nakatayo sa lupa nang walang katiyakan, na parang hinahawakan lamang ito ng mga daliri ng kanyang sapatos. Si Chagall ay may isang titmouse sa kanyang kabilang kamay - siya ay masaya, siya ay may parehong isang titmouse sa kanyang mga kamay (marahil ang kanyang painting), at isang crane sa kalangitan.

10. Hieronymus Bosch"Hardin makalupang kasiyahan»
1500-1510, kahoy, langis. 389 × 220 cm
Prado, Espanya

Ang Garden of Earthly Delights ay ang pinakasikat na triptych ng Hieronymus Bosch, na pinangalanang ayon sa tema ng gitnang bahagi, at nakatuon sa kasalanan ng pagnanasa. Sa ngayon, wala sa mga magagamit na interpretasyon ng larawan ang nakilala bilang ang tanging tama.
Ang pangmatagalang kagandahan at sa parehong oras na kakaiba ng triptych ay nakasalalay sa paraan ng pagpapahayag ng artist ng pangunahing ideya sa pamamagitan ng maraming mga detalye.

2. Paul Gauguin “Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

897-1898, langis sa canvas. 139.1 × 374.6 cm
Museo ng Fine Arts, Boston

Ang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagkumpleto ng trabaho, gusto pa niyang magpakamatay, dahil naniniwala siya: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang nakahihigit sa lahat ng aking mga nauna, ngunit hinding-hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad."

Sa tag-araw ng huling bahagi ng 80s ng huling siglo, marami Mga artistang Pranses natipon sa Pont-Aven (Brittany, France). Magkasama silang lumipat at halos agad na nahati sa dalawang magkaaway na grupo. Kasama sa isa sa kanila ang mga artista na nagsimula sa landas ng paghahanap at pagkakaisa ng isang karaniwang pangalan para sa lahat ng "impressionist". Ayon sa pangalawang grupo, sa pangunguna ni Paul Gauguin, ang pangalang ito ay mapang-abuso. Si P. Gauguin noong panahong iyon ay wala pang apatnapu. Napapaligiran ng mahiwagang halo ng isang manlalakbay na nakaranas ng mga dayuhang lupain, mayroon siyang malaking karanasan sa buhay kapwa tagahanga at tagagaya ng kanyang gawa.

Ang parehong mga kampo ay nahati at nakararami sa kanilang posisyon. Habang ang mga Impresyonista ay nakatira sa attics o attics, ang iba pang mga artist ay inookupahan ang pinakamahusay na mga silid ng Gloanek Hotel, kumain sa pinakamalaki at pinakamagandang silid ng restaurant, kung saan ang mga miyembro ng unang grupo ay hindi pinapayagan. Gayunpaman, ang mga pag-aaway sa pagitan ng mga grupo ay hindi lamang napigilan si P. Gauguin na magtrabaho, sa kabaligtaran, ngunit sa ilang mga lawak ay nakatulong sa kanya upang mapagtanto ang mga tampok na pumukaw sa kanyang marahas na protesta. Ang pagtanggi sa analytical na pamamaraan ng mga Impresyonista ay isang pagpapakita ng kanyang kumpletong muling pag-iisip sa mga gawain ng pagpipinta. Ang pagnanais ng mga impresyonista na makuha ang lahat ng kanilang nakita, ang kanilang sarili masining na prinsipyo- upang bigyan ang kanilang mga kuwadro na gawa ng isang aksidenteng natiktikan - hindi tumutugma sa mapang-akit at masiglang katangian ni P. Gauguin.

Kahit na hindi gaanong nasisiyahan sa kanyang teoretikal at masining na pananaliksik na si J. Seurat, na naghangad na bawasan ang pagpipinta sa malamig, makatuwirang paggamit ng mga pang-agham na pormula at mga recipe. Ang pointillistic technique ni J. Seurat, ang kanyang methodical application ng pintura na may cross strokes ng brush at tuldok ay inis kay Paul Gauguin sa kanilang monotony.

Ang pananatili ng pintor sa Martinique sa gitna ng kalikasan, na para sa kanya ay isang maluho, kamangha-manghang karpet, sa wakas ay nakumbinsi si P. Gauguin na gumamit lamang ng hindi pinalamutian na kulay sa kanyang mga pintura. Kasama niya, ang mga artista na nagbahagi ng kanyang mga saloobin ay nagpahayag ng "Synthesis" bilang kanilang prinsipyo - iyon ay, isang sintetikong pagpapasimple ng mga linya, hugis at kulay. Ang layunin ng pagpapasimpleng ito ay upang ihatid ang impresyon ng maximum na intensity ng kulay at alisin ang anumang bagay na nagpapahina sa impression na iyon. Ang pamamaraan na ito ay nabuo ang batayan ng luma pandekorasyon na pagpipinta mga fresco at stained glass.

Si P. Gauguin ay lubhang interesado sa tanong ng ratio ng kulay at mga kulay. Sinubukan din niyang ipahayag sa kanyang pagpipinta hindi ang aksidente at hindi ang mababaw, ngunit ang matibay at mahalaga. Para sa kanya, ang batas ay malikhaing kalooban lamang ng artista, at sa kanya masining na gawain nakita niya sa ekspresyon panloob na pagkakaisa, na naunawaan niya bilang isang synthesis ng pagiging prangka ng kalikasan at ang mood ng kaluluwa ng artist na nabalisa ng prangka na ito. Si P. Gauguin mismo ay nagsalita tungkol dito sa ganitong paraan: "Hindi ako umaasa sa katotohanan ng kalikasan, na nakikita sa labas ... Iwasto ang maling pananaw na ito, na binabaluktot ang paksa sa pamamagitan ng pagiging totoo nito ... Ang dinamismo ay dapat iwasan. Hayaan ang lahat huminga nang may kapayapaan at kapayapaan ng kaluluwa, iwasan ang mga pose sa paggalaw ... Ang bawat isa sa mga character ay dapat na nasa isang static na posisyon." At pinaikli niya ang pananaw ng kanyang mga kuwadro na gawa, inilapit ito sa eroplano, inilagay ang mga figure sa isang frontal na posisyon at iniiwasan ang mga foreshortenings. Samakatuwid, ang mga taong inilalarawan ni P. Gauguin ay hindi gumagalaw sa mga kuwadro na gawa: sila ay tulad ng mga estatwa na inukit na may malaking pait na walang mga hindi kinakailangang detalye.

Panahon mature na pagkamalikhain Nagsimula si Paul Gauguin sa Tahiti, dito na natanggap ng problema ng artistikong synthesis ang buong pag-unlad nito. Sa Tahiti, tinalikuran ng pintor ang marami na alam niya: sa tropiko, ang mga anyo ay malinaw at tiyak, ang mga anino ay mabigat at mainit, at ang mga kaibahan ay lalo na matalim. Dito ang lahat ng mga gawaing itinakda niya sa Pont-Aven ay nalutas ng kanilang mga sarili. Ang mga pintura ni P. Gauguin ay nagiging malinaw, walang mga pahid. Ang kanyang mga pintura sa Tahitian ay humanga oriental na mga karpet o mga fresco, kaya ang mga kulay sa mga ito ay maayos na dinadala sa isang tiyak na tono.

Ang gawa ni P. Gauguin sa panahong ito (ibig sabihin ang unang pagbisita ng pintor sa Tahiti) ay ipinakita kahanga-hangang fairy tale, na naranasan niya sa mga primeval, kakaibang kalikasan ng malayong Polynesia. Sa rehiyon ng Mataje, nakahanap siya ng isang maliit na nayon, bumili ng isang kubo, sa isang gilid kung saan ang karagatan ay tumalsik, at sa kabilang banda, isang bundok na may malaking siwang ay makikita. Ang mga Europeo ay hindi pa nakarating sa lugar na ito, at ang buhay ay tila isang tunay na paraiso sa lupa. Sinusunod niya ang mabagal na ritmo ng buhay ng Tahitian, sumisipsip ng maliliwanag na kulay asul na dagat, paminsan-minsan ay natatakpan ng mga berdeng alon na humahampas sa mga coral reef na may ingay.

Mula sa mga unang araw, itinatag ng artista ang simple, relasyon ng tao sa mga Tahitian. Ang gawain ay nagsisimula upang makuha ang higit pa at higit pang P. Gauguin. Gumagawa siya ng maraming sketch at sketch mula sa buhay, sa anumang kaso, sinusubukan niyang makuha sa canvas, papel o kahoy ang mga katangian ng mukha ng mga Tahitian, ang kanilang mga pigura at postura - sa proseso ng trabaho o sa panahon ng pahinga. Sa panahong ito, nilikha niya ang sikat sa mundo na mga painting na "The Spirit of the Dead is Awake", "Are You Jealous?", "Conversation", "Tahitian Pastorals".

Ngunit kung noong 1891 ang landas patungo sa Tahiti ay tila nagniningning sa kanya (siya ay naglalakbay dito pagkatapos ng ilang mga artistikong tagumpay sa France), kung gayon sa pangalawang pagkakataon ay pumunta siya sa kanyang minamahal na isla bilang isang taong may sakit na nawala ang karamihan sa kanyang mga ilusyon. Ang lahat sa daan ay inis sa kanya: sapilitang paghinto, walang kwentang basura, abala sa kalsada, pag-aalsa sa kaugalian, obsessive na mga kasama ...

Dalawang taon pa lang siyang hindi nakapunta sa Tahiti, at marami na ang nagbago rito. Sinira ng pagsalakay ng mga Europeo ang orihinal na buhay ng mga katutubo, tila ang lahat kay P. Gauguin ay isang hindi mabata na kaguluhan: ang electric lighting sa Papeete, ang kabisera ng isla, at ang hindi mabata na carousel sa tabi ng royal castle, at ang mga tunog ng pagsira ng ponograpo. ang dating katahimikan.

Sa pagkakataong ito, ang artista ay naninirahan sa lugar ng Punoauia, sa kanlurang baybayin ng Tahiti, sa isang inuupahang kapirasong lupa, siya ay nagtatayo ng isang bahay na tinatanaw ang dagat at mga bundok. Inaasahan na matatag na manirahan sa isla at lumikha ng mga kondisyon para sa trabaho, hindi siya nagtitipid ng gastos sa pag-aayos ng kanyang tahanan at sa lalong madaling panahon, gaya ng kadalasang nangyayari, ay naiwan na walang pera. Si P. Gauguin ay umaasa sa mga kaibigan na, bago ang pag-alis ng artista mula sa France, ay humiram ng kabuuang 4,000 francs mula sa kanya, ngunit hindi sila nagmamadaling ibalik ang mga ito. Sa kabila ng katotohanan na nagpadala siya sa kanila ng maraming paalala ng utang, nagreklamo siya tungkol sa kapalaran at labis na kalagayan ...

Sa tagsibol ng 1896, natagpuan ng artista ang kanyang sarili sa mahigpit na pangangailangan. Idinagdag pa rito ang sakit sa putol na binti, na natatakpan ng mga ulser at nagdudulot sa kanya ng hindi mabata na pagdurusa, na nag-aalis sa kanya ng tulog at lakas. Ang pag-iisip ng kawalang-kabuluhan ng mga pagsisikap sa pakikibaka para sa pagkakaroon, ng kabiguan ng lahat masining na mga plano ginagawang mas madalas niyang iniisip ang tungkol sa pagpapakamatay. Ngunit ang isa ay mayroon lamang kay P. Gauguin na makaramdam ng kaunting ginhawa, dahil ang likas na katangian ng artista ay nanalo sa kanya, at ang pesimismo ay nawawala sa harap ng kagalakan ng buhay at pagkamalikhain.

Gayunpaman, ang mga ito ay bihirang mga sandali, at ang mga kasawian ay sumunod sa isa't isa nang may kapahamakan na regular. At ang pinaka-kahila-hilakbot na balita para sa kanya ay ang balita mula sa France tungkol sa pagkamatay ng kanyang pinakamamahal na anak na babae na si Alina. Dahil hindi nakaligtas sa pagkawala, kumuha si P. Gauguin ng isang malaking dosis ng arsenic at pumunta sa mga bundok upang walang makagambala sa kanya. Ang pagtatangkang magpakamatay ay humantong sa katotohanan na siya ay nagpalipas ng gabi sa matinding paghihirap, nang walang anumang tulong at sa ganap na pag-iisa.

Sa loob ng mahabang panahon, ang artista ay ganap na nakadapa, hindi niya mahawakan ang isang brush sa kanyang mga kamay. Ang tanging aliw niya ay isang malaking canvas (450 x 170 cm), na ipininta niya bago siya nagtangkang magpakamatay. Tinawag niya ang painting "Saan tayo galing? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" at sa isa sa mga liham ay isinulat niya: "Bago ako mamatay, inilagay ko dito ang lahat ng aking lakas, tulad ng isang malungkot na pagsinta sa aking kakila-kilabot na mga kalagayan, at ang pangitain ay napakalinaw, nang walang mga pagwawasto, na ang mga bakas ng pagmamadali ay nawala at ang kabuuan. ang buhay ay makikita dito."

Ginawa ni P. Gauguin ang larawan sa isang kakila-kilabot na pag-igting, kahit na matagal na niyang napipisa ang ideya para dito sa kanyang imahinasyon, hindi niya masabi kung kailan unang lumitaw ang ideya ng canvas na ito. Ang ilang mga fragment ng monumental na gawaing ito ay isinulat niya sa magkaibang taon at sa iba pang mga gawa. Halimbawa, ang babaeng pigura mula sa "Tahitian Pastorals" ay inulit sa larawang ito sa tabi ng idolo, gitnang pigura Nakilala ko ang isang namimitas ng prutas sa isang ginintuang sketch na "Isang lalaking pumipili ng mga prutas mula sa isang puno" ...

Nangangarap na palawakin ang mga posibilidad ng pagpipinta, sinikap ni Paul Gauguin na bigyan ang kanyang larawan ng katangian ng isang fresco. Sa layuning ito, iniiwan niya ang dalawang itaas na sulok (isa na may pangalan ng pagpipinta, ang isa ay may pirma ng artist) na dilaw at hindi napuno ng pagpipinta - "tulad ng isang fresco na nasira sa mga sulok at nakapatong sa isang gintong dingding."

Noong tagsibol ng 1898, ipinadala niya ang pagpipinta sa Paris, at sa isang liham sa kritiko na si A. Fontaine ay nagsabi na ang kanyang layunin ay hindi lumikha ng isang kumplikadong hanay ng mga mapanlikhang alegorya na kailangang lutasin. Sa kabilang banda, ang alegorikal Ang nilalaman ng pagpipinta ay napakasimple - ngunit hindi sa kahulugan ng isang sagot sa mga tanong na ibinibigay, ngunit sa kahulugan ng mismong pagbabalangkas ng mga tanong na ito." Hindi sasagutin ni Paul Gauguin ang mga tanong na iniharap niya sa pamagat ng larawan, dahil naniniwala siya na ang mga ito ay at magiging isang kahila-hilakbot at pinakamatamis na bugtong para sa kamalayan ng tao... Samakatuwid, ang kakanyahan ng mga alegorya na inilalarawan sa canvas na ito ay nakasalalay sa purong kaakit-akit na sagisag ng misteryong ito na nakatago sa kalikasan, ang sagradong kakila-kilabot ng kawalang-kamatayan at ang lihim ng pagiging.

Sa kanyang unang pagbisita sa Tahiti, tiningnan ni P. Gauguin ang mundo na may masigasig na mga mata ng isang malaking bata-mga tao, kung kanino ang mundo ay hindi pa nawawala ang pagiging bago at kahanga-hangang semi-halaga. Ang kanyang parang bata na matayog na titig ay nagbukas ng mga kulay na hindi nakikita ng iba sa kalikasan: mga halamang esmeralda, langit ng sapiro, anino ng araw ng amethyst, mga bulaklak na ruby ​​at pulang gintong balat ng Maori. Ang mga pagpipinta ng Tahiti ni P. Gauguin noong panahong ito ay nagliliyab na may marangal na ginintuang kinang, tulad ng stained glass mga gothic na katedral cast sa marangal karilagan Mga mosaic ng Byzantine, mabango na may makatas na mga spill ng mga pintura.

Ang kalungkutan at malalim na kawalan ng pag-asa, na nagmamay-ari sa kanya sa kanyang ikalawang pagbisita sa Tahiti, ay naging dahilan upang makita ni P. Gauguin ang lahat sa itim lamang. Gayunpaman, ang natural na instinct ng master at ang kanyang mga mata bilang isang colorist ay hindi pinahintulutan ang artist na ganap na mawala ang kanyang panlasa para sa buhay at mga kulay nito, kahit na lumikha siya ng isang madilim na canvas, pininturahan niya ito sa isang estado ng mystical horror.

Kaya ano pa rin ang itinatago ng larawang ito? Tulad ng mga oriental na manuskrito, na dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa, ang nilalaman ng larawan ay nagbubukas sa parehong direksyon: hakbang-hakbang na ipinahayag ang kasalukuyang. buhay ng tao- mula sa pagsisimula nito hanggang sa kamatayan, na nagdadala ng takot sa kawalan.

Sa harap ng manonood, sa isang malaki, pahalang na nakaunat na canvas, ang bangko ng isang stream ng kagubatan ay inilalarawan, sa madilim na tubig kung saan ang mga mahiwaga, hindi tiyak na mga anino ay makikita. Sa kabilang panig - siksik, luntiang tropikal na mga halaman, esmeralda na damo, siksik na berdeng palumpong, kakaibang asul na mga puno, "lumalaki na parang hindi sa lupa, ngunit sa paraiso."

Ang mga putot ng mga puno ay kakaiba, nag-intertwine, na bumubuo ng isang network ng puntas, kung saan ang dagat na may puting mga taluktok ng mga alon sa baybayin ay makikita sa malayo, isang madilim na lilang bundok sa isang kalapit na isla, bughaw na langit- "isang tanawin ng birhen na kalikasan na maaaring maging paraiso".

Sa pinakamalapit na plano ng larawan, sa lupa, walang lahat ng halaman, isang grupo ng mga tao ang matatagpuan sa paligid ng isang batong estatwa ng isang diyos. Ang mga karakter ay hindi pinag-iisa ng alinmang kaganapan o karaniwang aksyon, lahat ay abala sa kani-kanilang sarili at nalubog sa kanilang sarili. Ang natutulog na sanggol ay binabantayan ng isang malaking itim na aso; "tatlong babae, na nakayuko, tila nakikinig sa kanilang sarili, nanlamig sa pag-asa sa ilang hindi inaasahang saya... Isang binata na nakatayo sa gitna na may dalawang kamay na pumitas ng prutas mula sa isang puno ... Isang pigura, sadyang malaki, salungat sa mga batas ng pananaw ... itinaas ang kanyang kamay, na nagtatakang nakatingin sa dalawang karakter na naglakas-loob na isipin ang kanilang kapalaran."

Sa tabi ng rebulto, isang malungkot na babae, na parang mekanikal, ay naglalakad sa gilid, na nalubog sa isang estado ng matinding, puro pag-iisip. Isang ibon ang gumagalaw patungo sa kanya sa lupa. Sa kaliwang bahagi ng canvas, ang isang bata na nakaupo sa lupa ay nagdadala ng prutas sa kanyang bibig, isang pusa na humahampas mula sa isang mangkok ... At tinanong ng manonood ang kanyang sarili: "Ano ang ibig sabihin ng lahat ng ito?"

Sa unang tingin, parang araw-araw na buhay ngunit bukod sa direktang kahulugan, ang bawat imahe ay nagdadala ng isang mala-tula na alegorya, isang pahiwatig ng posibilidad ng isang matalinghagang interpretasyon. Kaya, halimbawa, ang motibo ng isang sapa sa kagubatan o tubig sa bukal na bumubulusok mula sa lupa ay ang paboritong metapora ni Gauguin para sa pinagmulan ng buhay, ang misteryosong simula ng buhay. Ang natutulog na sanggol ay nagpapakilala sa kalinisang-puri ng bukang-liwayway ng buhay ng tao. Ang isang kabataang lalaki na pumipili ng prutas mula sa isang puno at ang mga babaeng nakaupo sa lupa sa kanan ay naglalaman ng ideya ng organikong pagkakaisa ng tao sa kalikasan, ang pagiging natural ng kanyang pag-iral dito.

Ang isang lalaki na may nakataas na kamay, na nakatingin sa kanyang mga kaibigan nang may pagtataka, ay ang unang sulyap ng pagkabalisa, ang unang udyok upang maunawaan ang mga lihim ng mundo at pagkatao. Ang iba ay naghahayag ng katapangan at pagdurusa ng pag-iisip ng tao, ang misteryo at trahedya ng espiritu, na nakapaloob sa hindi maiiwasang kaalaman ng tao sa kanyang mortal na tadhana, ang kaiklian ng pag-iral sa lupa at ang hindi maiiwasang wakas.

Maraming mga paliwanag ang ibinigay mismo ni Paul Gauguin, ngunit nagbabala siya laban sa pagnanais na makita ang mga karaniwang tinatanggap na mga simbolo sa kanyang larawan, upang maunawaan ang mga imahe nang diretso, at higit pa upang maghanap ng mga sagot. Ang ilang mga istoryador ng sining ay naniniwala na ang pagiging nalulumbay ng artista, na nagbunsod sa kanya upang subukang magpakamatay, ay ipinahayag sa isang mahigpit, laconic. masining na wika... Pansinin nila na ang larawan ay nalulula. maliliit na detalye, na hindi nililinaw ang pangkalahatang ideya, ngunit nakakalito lamang sa manonood. Kahit na ang mga paliwanag sa mga liham ng master ay hindi maalis ang misteryosong fog na inilagay niya sa mga detalyeng ito.

Itinuring mismo ni P. Gauguin ang kanyang gawa bilang isang espirituwal na testamento, marahil iyon ang dahilan kung bakit ang pagpipinta ay naging isang pictorial na tula, kung saan ang mga konkretong imahe ay binago sa isang dakilang ideya, at bagay sa espiritu. Ang balangkas ng canvas ay pinangungunahan ng isang mala-tula na kalooban, mayaman sa mga mailap na lilim at panloob na kahulugan. Gayunpaman, ang kalooban ng kapayapaan at biyaya ay nababalot na ng malabong pagkabalisa ng pakikipag-ugnayan sa mahiwagang mundo, na nagbubunga ng isang pakiramdam ng nakatagong pagkabalisa, masakit na kawalang-kalutasan ng mga pinakaloob na misteryo ng buhay, ang misteryo ng pagdating ng tao sa mundo at ang misteryo ng kanyang pagkawala. Sa larawan, ang kaligayahan ay pinadilim ng pagdurusa, ang espirituwal na pagdurusa ay hinugasan ng tamis ng pisikal na pag-iral - "gintong kakila-kilabot, natatakpan ng kagalakan." Ang lahat ay hindi mapaghihiwalay, tulad ng sa buhay.

Si P. Gauguin ay sadyang hindi nagwawasto sa mga maling sukat, na nagsusumikap sa lahat ng mga gastos upang mapanatili ang kanyang estilo ng sketching. Ang sketchiness na ito, hindi kumpleto, lalo na niyang pinahahalagahan, na naniniwala na siya ang nagdadala ng isang buhay na stream sa canvas at nagbibigay sa larawan ng isang espesyal na tula, na hindi katangian ng mga bagay na natapos at labis na natapos.

Ang sining ay maaaring maging kahit ano. Nakikita ng isang tao ang kagandahan ng kalikasan at inihahatid ito gamit ang isang brush o isang pait, ang isang tao ay gumagawa ng mga nakamamanghang larawan ng katawan ng tao, at ang isang tao ay nakakahanap ng kagandahan sa kahila-hilakbot - sa ganitong istilo ay nagtrabaho sina Caravaggio at Edvard Munch. Mga kontemporaryong artista nakikisabay sila sa mga founding father.

1. Dado

Ang Yugoslavian Dado ay ipinanganak noong 1933 at namatay noong 2010. Sa unang sulyap, ang kanyang trabaho ay maaaring mukhang ganap na karaniwan o kahit na kasiya-siya - ito ay dahil sa pagpili mga kulay: Maraming horror artist ang pumili ng itim o pula, at gusto ni Dado ang mga pastel shade.

Ngunit tingnang mabuti ang mga painting tulad ng The Big Farm mula 1963 o The Football Player mula 1964, at makakakita ka ng mga kakatwang nilalang sa mga ito. Ang kanilang mga mukha ay puno ng sakit o pagdurusa, ang mga tumor o mga karagdagang organ ay nakikita sa kanilang mga katawan, o ang kanilang mga katawan ay simpleng hindi regular na hugis... Sa katunayan, ang mga painting tulad ng "The Big Farm" ay mas nakakatakot kaysa sa sheer horror - tiyak na dahil sa unang tingin ay wala kang mapapansing kakila-kilabot sa mga ito.

2. Keith Thompson

Si Keith Thompson ay higit pa sa isang komersyal na artista kaysa sa isang tao sa sining. Dinisenyo niya ang mga halimaw para sa Pacific Rim ni Guillermo Del Toro at Leviathan ni Scott Westerfield. Ang kanyang trabaho ay ginawa sa isang pamamaraan na mas gugustuhin mong makita sa Magic: The Gathering card kaysa sa isang museo.

Tingnan ang kanyang pagpipinta na "The Creature from Pripyat": ang halimaw ay hinulma mula sa ilang mga hayop at napakapangit, ngunit nagbibigay ito ng isang mahusay na ideya ng pamamaraan ni Thompson. May kuwento pa nga ang halimaw - produkto umano ito ng sakuna ng Chernobyl. Siyempre, ang halimaw ay medyo gawa-gawa, na para bang ito ay nanggaling sa 1950s, ngunit hindi ito ginagawang mas kakila-kilabot.

Pinagtibay ng SCP Foundation ang nilalang na ito bilang maskot nito, na tinawag itong SCP-682. Ngunit sa arsenal ni Thompson ay marami pa ring ganoong halimaw, at may mas malala pa.

3. Junji Ito

Sa tanong ng mga commercial artist: ilan sa kanila ay gumuhit ng komiks. Sa horror comics business, si Junji Ito ang kampeon. Ang kanyang mga halimaw ay hindi lamang kataka-taka: ang artista ay maingat na gumuhit ng bawat kulubot, bawat tiklop sa katawan ng nilalang. Ito ang nakakatakot sa mga tao, at hindi sa lahat ng kawalan ng katwiran ng mga halimaw.

Halimbawa, sa kanyang komiks na "The Mystery of the Amigara Fault" ay hinubad niya ang mga tao at ipinadala sila sa isang hugis-tao na butas sa solidong bato - habang papalapit tayo sa butas na ito, mas nakakatakot, ngunit kahit na "mula sa malayo" ay tila nakakatakot. .

Ang kanyang comic series na Uzumaki (Spiral) ay may isang lalaking nahuhumaling sa mga spiral. Sa una, ang kanyang pagkahumaling ay tila katawa-tawa, at pagkatapos ay nakakatakot na. Bukod dito, ito ay nagiging nakakatakot bago pa man maging mahika ang kinahuhumalingan ng bayani, sa tulong nito ay ginawa niyang hindi makatao ang isang tao, ngunit sa parehong oras ay buhay.

Ang gawa ni Ito ay namumukod-tangi sa lahat ng Japanese manga - ang kanyang "normal" na mga karakter ay mukhang hindi kapani-paniwalang makatotohanan at kahit na cute, at ang mga halimaw sa kanilang background ay tila mas katakut-takot.

4. Zdzislaw Beksiński

Kung ang isang artista ay nagpahayag: "Hindi ko maisip kung ano ang ibig sabihin ng rasyonalidad sa pagpipinta," malamang, hindi siya nagpinta ng mga kuting.

Ang pintor ng Poland na si Zdzislaw Beksiński ay ipinanganak noong 1929. Sa loob ng mga dekada, lumikha siya ng mga bangungot na imahe sa genre ng fantastic realism hanggang sa kanyang kakila-kilabot na kamatayan noong 2005 (siya ay sinaksak ng 17 beses). Ang pinakamabungang panahon sa kanyang trabaho ay nahulog noong 1960s - 1980s: pagkatapos ay lumikha siya ng mataas na detalyadong mga imahe, na siya mismo ay tinawag na "mga larawan ng kanyang mga pangarap."

Ayon kay Beksiński, ang kahulugan ng ito o ang pagpipinta na iyon ay hindi nag-abala sa kanya, ngunit ang ilan sa kanyang mga gawa ay malinaw na sumasagisag sa isang bagay. Halimbawa, noong 1985 nilikha niya ang pagpipinta na "Trollforgatok". Lumaki ang artista sa isang bansang nasalanta ng World War II, kaya ang mga itim na pigura sa pagpipinta ay maaaring kumatawan sa mga mamamayang Polish, at ang ulo ay isang uri ng walang awa na awtoridad.

Ang artist mismo ay nag-claim na wala siyang ibig sabihin ng ganoon. Sa katunayan, sinabi ni Beksiński tungkol sa larawang ito na dapat itong kunin bilang isang biro - ito ang ibig sabihin ng tunay na itim na katatawanan.

5. Wayne Barlow

Sinubukan ng libu-libong mga artista na ilarawan ang Impiyerno, ngunit malinaw na nagtagumpay si Wayne Barlow. Kahit na hindi mo narinig ang kanyang pangalan, malamang na nakita mo ang gawa. Nagtrabaho siya sa mga pelikula tulad ng Avatar ni James Cameron (na personal na pinuri sa kanya ng direktor), Pacific Rim, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, at Harry Potter and the Goblet of Fire. Ngunit ang isa sa kanyang pinaka-namumukod-tanging mga gawa ay matatawag na isang aklat na inilathala noong 1998 na tinatawag na "Inferno".

Ang kanyang impiyerno ay hindi lamang mga piitan na may mga demonyong panginoon at hukbo. Sinabi ni Barlow: "Ang impiyerno ay ganap na pagwawalang-bahala sa pagdurusa ng tao." Ang kanyang mga demonyo ay madalas na interesado sa katawan ng tao at kaluluwa at kumilos nang higit na parang mga eksperimento - hindi nila pinapansin ang sakit ng ibang tao. Para sa kanyang mga demonyo, ang mga tao ay hindi bagay ng poot, ngunit isang paraan lamang para sa walang ginagawang libangan, wala nang iba pa.

6. Tetsuya Ishida

Sa acrylic paintings ni Isis, ang mga tao ay madalas na nagiging mga bagay tulad ng packaging, conveyor belt, urinal, o kahit na mga almuranas na unan. Mayroon din siyang visually pleasing paintings kung saan ang mga tao ay sumanib sa kalikasan o tumatakas mahiwagang lupa iyong imahinasyon. Ngunit ang gayong mga gawa ay mas malabo kaysa sa mga kuwadro na kung saan ang mga manggagawa sa restawran ay nagiging mannequin, na nagbobomba ng pagkain sa mga customer na para bang sila ay nagseserbisyo ng mga sasakyan sa isang gasolinahan.

Anuman ang mga opinyon tungkol sa katumpakan at pananaw ng artista, o ang linaw ng kanyang mga metapora, hindi maitatanggi na ang estilo ng kanyang trabaho ay nakakatakot. Anumang katatawanan sa Isis ay sumasabay sa pagkasuklam at takot. Ang kanyang karera ay natapos noong 2005 - ang 31-taong-gulang na si Ishida ay nabundol ng tren, at ito ay halos tiyak na isang pagpapakamatay. Ang trabahong iniwan niya ay tinatayang nasa daan-daang libong dolyar.

7. Dariusz Zawadsky

Si Zavadsky ay ipinanganak noong 1958. Tulad ni Beksiński, gumagana siya sa istilo ng nakakatakot na kamangha-manghang realismo. Ang kanyang mga guro sa paaralan ng sining Sinabi ni Zavadsky na wala siyang masyadong marami magandang pangitain at masamang mata, kaya hindi siya maaaring maging isang artista. Buweno, malinaw na nagmamadali sila sa mga konklusyon.

Mayroong mga elemento ng steampunk sa mga gawa ni Zavadsky: madalas siyang gumuhit ng mga nilalang na katulad ng mga robot, sa ilalim ng artipisyal na balat kung saan makikita ang mga gumaganang mekanismo. Halimbawa, tingnan ang 2007 oil painting na "The Nest". Ang mga pose ng mga ibon ay kapareho ng sa mga nabubuhay, ngunit ang frame ay malinaw na metal, halos hindi natatakpan ng mga scrap ng balat. Ang larawan ay maaaring kasuklam-suklam, ngunit sa parehong oras ito ay umaakit sa mata - nais mong isaalang-alang ang lahat ng mga detalye.

8. Joshua Hoffin

Si Joshua Hoffin ay ipinanganak noong 1973 sa Emporia, Kansas. Kumuha siya ng mga nakakatakot na larawan kung saan nakuha ang mga fairy tale na pamilyar sa pagkabata nakakatakot na mga katangian- ang kasaysayan, siyempre, ay maaaring matutunan, ngunit sa parehong oras ang kahulugan nito ay lubhang nabaluktot.

Marami sa kanyang mga gawa ay mukhang masyadong entablado at hindi natural upang maging tunay na nakakatakot. Ngunit mayroon ding isang serye ng mga larawan tulad ng Pickman's Masterpieces - isang pagpupugay sa isa sa mga karakter ni Lovecraft, ang artist na si Pickman.

Ang mga larawan noong 2008 na makikita mo rito ay ang kanyang anak na si Chloe. Ang mukha ng batang babae ay halos hindi nagpapahayag ng emosyon, at halos hindi siya tumingin sa mga manonood. Ang kaibahan ay nakakatakot: larawan ng pamilya sa bedside table, isang batang babae na naka-pink na pajama - at malalaking ipis.

9. Patricia Piccinini

Ang mga eskultura ng Piccinini ay minsan ay ibang-iba sa isa't isa: ang ilang mga eskultura ay mga motorsiklo na hindi regular ang hugis, ang iba ay kakaibang mga lobo na may mainit na hangin. Ngunit karamihan ay gumagawa siya ng mga eskultura na napaka, hindi komportable na kasama sa parehong silid. Nakakatakot pa nga silang tingnan sa mga litrato.

Sa 2004 na gawaing "Indivisible," isang humanoid ang idiniin sa likod ng isang normal na bata. Ang pinaka nakakabahala ay ang elemento ng tiwala at pagmamahal - na para bang ang kainosentehan ng bata ay malupit na ginagamit para saktan siya.

Siyempre, pinupuna ang gawa ni Piccinini. Sinabi pa tungkol sa "Indivisible" na ito ay hindi isang iskultura, ngunit isang uri ng tunay na hayop. Ngunit hindi - ito ay gawa-gawa lamang ng kanyang imahinasyon, at patuloy na nililikha ng artista ang kanyang mga gawa mula sa fiberglass, silicone, at buhok.

10. Mark Powell

Nakakaloka talaga ang mga gawa ng Australian na si Mark Powell. Ang kanyang palabas noong 2012 ay isang serye ng mga komposisyon kung saan ang mga kamangha-manghang nilalang ay nagbabago, nilalamon at nakikilala ang isa't isa mula sa sariling katawan, dumami at nabubulok. Mga texture ng nilalang at kapaligiran ay lubos na mapanghikayat, at ang wika ng katawan ng mga figure ay tiyak na iniakma upang gawing karaniwan ang mga sitwasyon hangga't maaari - at samakatuwid ay nakakumbinsi.

Siyempre, hindi mabibigo ang Internet na ibigay sa artista ang kanyang nararapat. Kinuha ng nabanggit na SCP Foundation ang kahindik-hindik na halimaw mula sa imahe sa itaas at ginawa itong bahagi ng isang kuwento na tinatawag na Flesh That Hates. Isa pa, maraming horror stories ang nauugnay sa kanyang trabaho.

Magkano ang kinakailangan upang maging isang artista? Baka talent? O ang kakayahang matuto ng bago? O ligaw na pantasya? Siyempre, ang lahat ng ito ay kinakailangang mga kadahilanan, ngunit ano ang pinakamahalaga? Inspirasyon. Kapag literal na inilagay ng isang pintor ang kanyang kaluluwa sa isang pagpipinta, ito ay parang buhay. Ang magic ng mga kulay ay gumagawa ng mga kababalaghan, ngunit ang hitsura ay hindi maisasalin, gusto kong pag-aralan ang bawat maliit na bagay ...

Sa artikulong ito, titingnan natin ang 25 tunay na makinang at sikat na mga kuwadro na gawa.

✰ ✰ ✰

Ang Pagtitiyaga ng Memorya, Salvador Dali

Ang maliit na pagpipinta na ito ay nagdala ng kasikatan ni Dali noong siya ay 28 taong gulang. Hindi lang ito ang pangalan ng larawan, mayroon din itong mga pangalan " Malambot na relo"," Pagtitiyaga ng memorya "," Katigasan ng memorya ".

Ang ideya ng pagpipinta ng larawan ay dumating sa artist sa sandaling iniisip niya ang tungkol sa tinunaw na keso. Hindi nag-iwan si Dali ng talaan ng kahulugan at kahalagahan ng pagpipinta, kaya binibigyang-kahulugan ito ng mga siyentipiko sa kanilang sariling paraan, na nakahilig sa teorya ng relativity ni Einstein.

✰ ✰ ✰

Ang Sayaw, Henri Matisse

Ang pagpipinta ay pininturahan lamang ng tatlong kulay - pula, asul at berde. Sinasagisag nila ang langit, lupa at mga tao. Bilang karagdagan sa "Sayaw" si Matisse ay nagpinta din ng isang larawan na "Musika". Inutusan sila ng isang kolektor ng Russia.

Walang mga hindi kinakailangang detalye tungkol dito, tanging ang natural na background at ang mga tao mismo, na nagyelo sa sayaw. Ito ay eksakto kung ano ang nais ng artist - upang makuha ang isang matagumpay na sandali kapag ang mga tao ay isa sa kalikasan at nalulula sa lubos na kaligayahan.

✰ ✰ ✰

Ang Halik, Gustav Klimt

Ang Halik ay ang pinakasikat na pagpipinta ni Klimt. Isinulat niya ito sa panahon ng kanyang "ginintuang" panahon ng pagkamalikhain. Gumamit siya ng totoong gintong dahon. Mayroong dalawang bersyon ng talambuhay ng pagpipinta. Ayon sa unang bersyon, ang pagpipinta ay naglalarawan kay Gustav mismo kasama ang kanyang minamahal na si Emilia Flöge, na ang pangalan ay binibigkas niya ang huli sa kanyang buhay. Ayon sa pangalawang bersyon, isang tiyak na bilang ang nag-utos ng larawan upang si Klimt ay magpinta sa kanya at sa kanyang minamahal.

Nang tanungin ng konte kung bakit wala sa larawan ang mismong halik, sinabi ni Klimt na siya ay isang artista at nakita niya iyon. Sa katunayan, nahulog si Klimt sa batang babae ng Count at ito ay isang uri ng paghihiganti.

✰ ✰ ✰

The Sleeping Gypsy ni Henri Rousseau

Ang canvas ay natagpuan lamang 13 taon pagkatapos ng kamatayan ng may-akda at agad itong naging kanyang pinakamahal na gawa. Sa kanyang buhay, sinubukan niyang ibenta ito sa alkalde ng lungsod, ngunit hindi nagtagumpay.

Ang larawan ay naghahatid orihinal na kahulugan at malalim na ideya. Kapayapaan, pagpapahinga - ito ang mga damdaming nagdudulot ng Sleeping Gypsy.

✰ ✰ ✰

Ang Huling Paghuhukom, Hieronymus Bosch

Ang pagpipinta ay ang pinaka-ambisyoso sa lahat ng kanyang nabubuhay na mga gawa. Ang larawan ay hindi nangangailangan ng paliwanag ng balangkas, ang lahat ay malinaw mula sa pamagat. Ang huling paghatol, apocalypse. Hinahatulan ng Diyos ang mga matuwid at makasalanan. Ang pagpipinta ay nahahati sa tatlong eksena. Sa unang eksena, paraiso, luntiang hardin, kaligayahan.

Sa gitnang bahagi ay ang Huling Paghuhukom mismo, kung saan sinimulan ng Diyos na hatulan ang mga tao para sa kanilang mga gawa. V kanang banda inilalarawan ang impiyerno kung paano ito lumilitaw. Mga kakila-kilabot na halimaw, nakapapasong init at napakapangit na pagpapahirap sa mga makasalanan.

✰ ✰ ✰

"Mga Metamorphoses ng Narcissus", Salvador Dali

Maraming mga plot ang kinuha para sa batayan, ngunit ang pinakamahalagang lugar ay inookupahan ng kwento ni Narcissus - isang taong humanga sa kanyang kagandahan nang labis na namatay siya mula sa katotohanan na hindi niya masiyahan ang kanyang mga pagnanasa.

Sa harapan ng larawan, si Narcissus ay nakaupo sa pag-iisip sa tabi ng tubig at hindi maalis ang kanyang sarili mula sa kanyang sariling repleksyon. Sa malapit ay isang kamay na bato, kung saan ang isang itlog ay, ito ay isang simbolo ng muling pagsilang at bagong buhay.

✰ ✰ ✰

Pagbugbog sa Mga Sanggol ni Peter Paul Rubens

Ang larawan ay batay sa isang balangkas mula sa Bibliya, nang utusan ni Haring Herodes na patayin ang lahat ng mga bagong silang na lalaki. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang hardin sa palasyo ni Herodes. Pilit na kinuha ng mga armadong mandirigma ang mga sanggol mula sa mga umiiyak na ina at pinatay sila. Nagkalat ang lupa ng mga bangkay.

✰ ✰ ✰

Numero 5 1948 ni Jackson Pollock

Gumamit si Jackson ng kakaibang paraan ng pagpipinta ng pagpipinta. Inilapag niya ang canvas sa lupa at nilibot iyon. Ngunit sa halip na maglagay ng mga pahid, kumuha siya ng mga brush, syringe at nag-spray sa canvas. Nang maglaon, ang pamamaraang ito ay tinawag na "pagpipinta ng aksyon".

Si Pollock ay hindi gumamit ng mga sketch, palagi siyang umaasa lamang sa kanyang mga damdamin.

✰ ✰ ✰

Ball sa Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir

Si Renoir ang tanging artista na hindi nagpinta ng kahit isang malungkot na larawan. Natagpuan ni Renoir ang paksa para sa pagpipinta na ito malapit sa kanyang bahay, sa Moulin de la Galette restaurant. Ang masigla at masayang kapaligiran ng establisimiyento ang naging inspirasyon ng pintor na likhain ang pagpipinta na ito. Nag-pose ang mga kaibigan at paboritong modelo para isulat niya ang trabaho.

✰ ✰ ✰

Ang Huling Hapunan ni Leonardo da Vinci

Ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa huling kapistahan ni Kristo kasama ang kanyang mga alagad. Ito ay pinaniniwalaan na ang sandali ay iginuhit nang sabihin ni Kristo na isa sa mga alagad ang magtatraydor sa kanya.

Si Da Vinci ay gumugol ng maraming oras sa paghahanap ng mga sitter. Ang pinakamahirap ay ang mga larawan ni Kristo at ni Hudas. Sa koro ng simbahan, napansin ni Leonardo ang isang batang mang-aawit at iginuhit sa kanya ang imahe ni Kristo. Makalipas ang tatlong taon, nakakita ang artista ng isang lasenggo sa kanal at napagtanto na ito ang kanyang hinahanap at dinala siya sa pagawaan.

Nang kopyahin niya ang imahe mula sa lasenggo, ipinagtapat niya sa kanya - tatlong taon na ang nakalilipas ang artist mismo ang gumuhit ng imahe ni Kristo mula sa kanya. Kaya nangyari na ang mga imahe ni Jesus at Judas ay kinopya mula sa iisang tao, ngunit sa magkaibang yugto ng buhay.

✰ ✰ ✰

Water Lilies ni Claude Monet

Noong 1912, ang artista ay nasuri na may dobleng katarata, dahil dito, sumailalim siya sa operasyon. Ang pagkawala ng lens sa kaliwang mata, nagsimulang makita ng artist ang ultraviolet light bilang asul o lila, dahil dito, nakakuha ng bago at makulay na mga kulay ang kanyang mga painting. Sa pagpinta ng larawang ito, nakita ni Monet ang mga liryo sa asul, habang ordinaryong mga tao ordinaryong puting liryo lang ang nakita.

✰ ✰ ✰

Ang Sigaw, Edvard Munch

Si Munch ay nagdusa mula sa manic-depressive psychosis, madalas siyang pinahihirapan ng mga bangungot at depresyon. Maraming mga kritiko ang naniniwala na sa larawan ay inilalarawan ni Munch ang kanyang sarili - sumisigaw sa gulat at nakakabaliw na takot.

Inilarawan mismo ng artist ang kahulugan ng larawan bilang "ang sigaw ng kalikasan." Sinabi niya na naglalakad siya kasama ang mga kaibigan sa paglubog ng araw at ang langit ay naging pula ng dugo. Nanginginig sa takot, narinig umano niya ang parehong "sigaw ng kalikasan."

✰ ✰ ✰

"Whistler's Mother" ni James Whistler

Nagpa-picture ang ina ng artist. Noong una, gusto niyang mag-pose ang kanyang ina habang nakatayo, ngunit para sa matandang babae ay naging mahirap.
Tinawag ni Whistler ang kanyang painting na Arranged in Gray and Black. Ang ina ng artista." Ngunit sa paglipas ng panahon, ang tunay na pangalan ay nakalimutan at ang mga tao ay nagsimulang tumawag sa kanya ng "Whistler's Mother."

Ito ay orihinal na utos mula sa isang miyembro ng parlyamento. na gustong ipinta ng pintor ang anak ni Maggie. Ngunit sa proseso, inabandona niya ang pagpipinta at hiniling ni James sa kanyang ina na maging isang modelo upang makumpleto ang pagpipinta.

✰ ✰ ✰

"Portrait of Dora Maar", Pablo Picasso

Pumasok si Dora sa gawain ni Picasso bilang isang "babaeng lumuluha." Napansin niya na hindi niya ito masusulatan ng nakangiti. Malalim, malungkot na mga mata at kalungkutan sa mukha - iyon katangian mga larawan ni Maar. At kinakailangang mga kuko na pula ng dugo - lalo itong nalulugod sa artist. Si Picasso ay madalas na nagpinta ng mga larawan ng Dora Maar at lahat sila ay kahanga-hanga.

✰ ✰ ✰

Starry Night ni Vincent Van Gogh

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang tanawin sa gabi, na ipinahayag ng artist na may makapal, Matitingkad na kulay at isang kapaligiran ng katahimikan sa gabi. Ang pinakamaliwanag na mga bagay ay, siyempre, ang mga bituin at ang buwan, ang mga ito ay iginuhit nang mas malinaw.

Ang mga matataas na puno ng cypress ay tumutubo sa lupa, na tila nangangarap na sumama sa nakakabighaning pagsasayaw ng mga bituin.

Ang kahulugan ng larawan ay binibigyang kahulugan sa iba't ibang paraan. Nakikita ng ilan ang isang sanggunian sa Lumang Tipan, at ang isang tao ay hilig lamang na maniwala na ang pagpipinta ay resulta ng isang matagal na sakit ng artist. Sa panahon ng kanyang paggamot na isinulat niya ang The Starry Night.

✰ ✰ ✰

Olympia, Edouard Manet

Ang pagpipinta ay ang dahilan para sa isa sa mga pinaka mataas na profile na mga iskandalo sa Kasaysayan. Pagkatapos ng lahat, ito ay naglalarawan ng isang hubad na batang babae na nakahiga sa puting kumot.
Dinuraan ng galit na galit ang artista, at sinubukan pa ng ilan na sirain ang canvas.

Nais lamang ni Manet na gumuhit ng "modernong" Venus, upang ipakita na ang mga kababaihan sa kasalukuyan ay hindi mas masama kaysa sa mga kababaihan ng nakaraan.

✰ ✰ ✰

Mayo 3, 1808, Francisco Goya

Ang artista ay labis na naapektuhan ng mga kaganapan na nauugnay sa pag-atake ni Napoleon. Noong Mayo 1808, ang pag-aalsa sa Madrid ay nagwakas nang malubha, at naantig nito ang kaluluwa ng artista kaya pagkalipas ng 6 na taon ay ibinuhos niya ang kanyang damdamin sa canvas.

Digmaan, kamatayan, pagkawala - lahat ng ito ay totoong inilalarawan sa larawan na natutuwa pa rin sa isipan ng marami.

✰ ✰ ✰

"Girl with a Pearl Earring" ni Jan Vermeer

Ang pagpipinta ay may isa pang pamagat na "Girl in a Turban". Sa pangkalahatan, kaunti ang nalalaman tungkol sa larawan. Ayon sa isang bersyon, iginuhit ni Yang ang kanyang sariling anak na si Maria. Sa larawan, tila may nilingon ang dalaga at ang tingin ng manonood ay nakatuon sa isang perlas na hikaw sa tenga ng dalaga. Ang ningning ng hikaw ay kumikinang sa mata at sa labi.

Ang isang nobela ay isinulat batay sa larawan, at ang isang pelikula na may parehong pangalan ay kasunod na kinunan.

✰ ✰ ✰

"Night Watch", Rembrandt

Ito ay isang larawan ng grupo ng isang kumpanya nina Captain Frans Banning Kock at Tenyente Willem van Ruutenbürg. Ang larawan ay kinomisyon ng Shooting Society.
Para sa lahat ng kahirapan ng nilalaman, ang larawan ay puno ng diwa ng parada at solemnidad. Na parang ang mga musketeer ay nagpose para sa artista, nalilimutan ang tungkol sa labanan.
Nang maglaon, ang pagpipinta ay pinutol sa lahat ng panig upang magkasya sa bagong bulwagan. Ang ilang mga arrow ay nawala mula sa larawan nang hindi mababawi.

✰ ✰ ✰

Ang mga Menina, Diego Velazquez

Sa larawan, ang pintor ay nagpinta ng mga larawan ni King Phillip the Fourth at ng kanyang asawa, na nakikita sa salamin. Sa gitna ng komposisyon ay ang kanilang limang taong gulang na anak na babae, na napapalibutan ng kanilang mga kasama.

Marami ang naniniwala na nais ni Velazquez na ipakita ang kanyang sarili sa sandali ng pagkamalikhain - "pagpinta at pagpipinta".

✰ ✰ ✰

Landscape na may Fall of Icarus, Pieter Bruegel

Ito ang tanging nabubuhay na gawa ng artista sa tema ng mga alamat.

Ang pangunahing katangian ng larawan ay halos hindi nakikita. Nahulog siya sa ilog, mga paa lang ang dumikit sa ibabaw ng tubig. Sa ibabaw ng ilog ay nakakalat ang mga balahibo ni Icarus, na lumipad mula sa pagkahulog. At ang mga tao ay abala sa kanilang sariling mga gawain, walang nagmamalasakit sa nahulog na kabataan.

Tila ang larawan ay kalunos-lunos, dahil inilalarawan nito ang pagkamatay ng isang binata, ngunit ang larawan ay ipininta sa kalmado, mapurol na mga kulay at, parang sinasabi - "walang nangyari."

✰ ✰ ✰

"School of Athens", Raphael

bago" paaralan ng Athenian"Si Raphael ay may kaunting karanasan sa mga fresco, ngunit nakakagulat, ang fresco na ito ay naging napakahusay.

Ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Academy na itinatag ni Plato sa Athens. Ang mga pagpupulong ng Academy ay ginanap sa ilalim bukas na hangin, ngunit nagpasya ang artist na mas maraming mahuhusay na ideya ang dumating sa isang napakagandang antigong gusali at samakatuwid ay inilalarawan ang mga mag-aaral nang tumpak sa background ng kalikasan. Sa fresco, inilarawan din ni Raphael ang kanyang sarili.

✰ ✰ ✰

"Paglikha ni Adan" ni Michelangelo

Ito ang ikaapat sa siyam na ceiling fresco Sistine chapel sa paglikha ng mundo. Hindi itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili na isang mahusay na artista, inilagay niya ang kanyang sarili bilang isang iskultor. Iyon ang dahilan kung bakit ang katawan ni Adan sa larawan ay napakaproporsyonal, ay may binibigkas na mga tampok.

Noong 1990, natuklasan na ang anatomically precise structure ng utak ng tao ay naka-encrypt sa imahe ng Diyos. Marahil ay kilalang-kilala ni Michelangelo ang anatomya ng tao.

✰ ✰ ✰

Mona Lisa ni Leonardo da Vinci

Ang Mona Lisa hanggang ngayon ay nananatiling isa sa pinaka mahiwagang pagpipinta sa mundo ng sining. Pinagtatalunan pa rin ng mga kritiko kung sino talaga ang inilalarawan dito. Marami ang gustong maniwala na si Mona Lisa ay asawa ni Francesco Gioconda, na humiling sa artist na magpinta ng larawan.

Ang pangunahing misteryo ng larawan ay nasa ngiti ng babae. Mayroong maraming mga bersyon - mula sa pagbubuntis ng isang babae at ang isang ngiti ay nagtataksil sa paggalaw ng fetus, na nagtatapos sa katotohanan na sa katunayan ito ay isang self-portrait ng artist sa isang babaeng imahe. Well, maaari lamang hulaan at humanga ang hindi kapani-paniwalang kagandahan ng larawan.

✰ ✰ ✰

Ang Kapanganakan ni Venus ni Sandro Botticelli

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng alamat ng kapanganakan ng diyosa na si Venus. Ang diyosa ay ipinanganak mula sa foam ng dagat, sa madaling araw. Tinulungan ng diyos ng hangin na si Zephyr ang diyosa na lumangoy sa baybayin sa kanyang shell, kung saan nakilala siya ng diyosa na si Ora. Ang larawan ay nagpapakilala sa pagsilang ng pag-ibig, nagdudulot ng isang pakiramdam ng kagandahan, dahil wala nang mas maganda sa mundo kaysa sa pag-ibig.

✰ ✰ ✰

Konklusyon

Sinubukan naming magkasya sa artikulong ito ang ilan lamang sa karamihan mga sikat na painting sa mundo. Ngunit mayroon ding maraming iba pang kawili-wiling mga obra maestra. sining biswal... Anong mga larawan sa tingin mo ang sikat?

May mga likhang sining na tila tumatama sa ulo ng manonood, natulala at namangha. Hinihila ka ng iba sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantic layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay natatakpan ng mga lihim at misteryosong bugtong, habang ang iba ay nagulat sa napakataas na presyo.

Maingat naming sinuri ang lahat ng mga pangunahing tagumpay sa pagpipinta ng mundo at pumili mula sa kanila ng dalawang dosenang mga kakaibang mga pagpipinta. Si Salvador Dali, na ang mga gawa ay ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang pumasok sa isip, ay hindi sinasadyang kasama sa koleksyon na ito.

Malinaw na ang "kakaiba" ay isang medyo subjective na konsepto at bawat isa ay may kanya-kanyang sarili magagandang larawan na namumukod-tangi sa maraming iba pang mga gawa ng sining. Kami ay natutuwa kung ibabahagi mo ang mga ito sa mga komento at sabihin sa amin ang kaunti tungkol sa kanila.

"sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel.
National Gallery, Oslo.

Ang Scream ay itinuturing na isang landmark na kaganapan sa Expressionism at isa sa pinakasikat na mga painting sa mundo.

Mayroong dalawang interpretasyon ng kung ano ang itinatanghal: ang bayani mismo ay nasamsam ng sindak at tahimik na sumisigaw, idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga; o kaya'y napapikit ang bayani sa sigaw ng kapayapaan at kalikasang umaalingawngaw sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng The Scream, at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artist. Pagkatapos ng isang kurso ng paggamot sa klinika, si Munch ay hindi bumalik sa trabaho sa canvas.

“Naglalakad ako sa daan kasama ang dalawang kaibigan. Palubog na ang araw - biglang naging pula ang langit, huminto ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - Tiningnan ko ang dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at ng lungsod. Ang aking mga kaibigan ay lumayo pa, at ako ay tumayo, nanginginig sa kagalakan, nakaramdam ng walang katapusang sigaw na tumatagos sa kalikasan, "sabi ni Edward Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

“Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, langis sa canvas.
Museo ng Fine Arts, Boston.

Sa direksyon ni Gauguin mismo, ang pagpipinta ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing grupo ng mga figure ang naglalarawan ng mga tanong na ibinabanta sa pamagat.

Tatlong babaeng may anak ang kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang grupo ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa huling grupo, ayon sa plano ng artista, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila nagkakasundo at nakatuon sa kanyang mga pagmumuni-muni", sa kanyang paanan "isang kakaiba puting ibon... kumakatawan sa kawalan ng silbi ng mga salita."

Isang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ang ipininta niya sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagkumpleto ng trabaho, gusto pa niyang magpakamatay: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay higit na mataas sa lahat ng aking mga nauna at na hinding-hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay pa siya ng limang taon, at nangyari nga.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis.
Museo ng Reina Sofia, Madrid.

Nagpapakita ang Guernica ng mga eksena ng kamatayan, karahasan, kalupitan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan, nang hindi tinukoy ang mga kagyat na dahilan nito, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, ipinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Napalingon agad ang pagsasalita sa larawan. "Ginawa mo ba ito?" - "Hindi, nagawa mo."

Ang isang malaking painting-fresco na "Guernica", na ipininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang anim na libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang pagpipinta ay natapos nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng trabaho sa pagpipinta, nagtrabaho si Picasso ng 10-12 na oras, at nasa mga unang sketch na makikita ang pangunahing ideya. Ito ay isa sa mga pinakamahusay na paglalarawan ng bangungot ng pasismo gayundin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng mag-asawang Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis.
Pambansang Gallery ng London, London.

Ang sikat na pagpipinta ay ganap at ganap na puno ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga sanggunian - hanggang sa pirma na "Jan van Eyck ay narito", na ginawa ang pagpipinta hindi lamang sa isang gawa ng sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa katotohanan ng ang kaganapan kung saan naroroon ang artista.

Ang larawan, marahil ni Giovanni di Nicolao Arnolfini at ng kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Western Northern Renaissance na paaralan ng pagpipinta.

Sa Russia, sa nakalipas na ilang taon, ang pagpipinta ay nakakuha ng mahusay na katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ng Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demonyo nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis.
State Tretyakov Gallery, Moscow.

"Labanan siya ng mga kamay"

Bill Stoneham. 1972.

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra maestra ng pagpipinta sa mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan.

Mayroong mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at mga palad na nakadikit sa salamin. Mula sa "dahil sa larawang ito sila ay namamatay" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagiging sanhi ng mga taong may mahina ang pag-iisip maraming takot at haka-haka.

Iginiit ng pintor na ang pagpipinta ay naglalarawan sa kanyang sarili sa edad na lima, na ang pinto ay isang representasyon ng naghahati na linya sa pagitan ang totoong mundo at ang mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang batang lalaki sa mundong ito. Ang mga armas ay kumakatawan sa mga alternatibong buhay o posibilidad.

Ang pagpipinta ay sumikat noong Pebrero 2000 nang ibenta ito sa eBay na may backstory na ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hand Resist Him" ​​​​ay binili sa halagang $1,025 ni Kim Smith, na noon ay binaha lamang ng mga liham na may mga kwentong creepy at hinihiling na sunugin ang larawan.