Henri Matisse Matisse, อองรี ภาพวาด Matisse

หลัก / เมียนอกใจ

“ ฉันพบกิจกรรมที่ไม่ จำกัด ในการวาดภาพซึ่งฉันสามารถให้อิสระกับความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่หยุดนิ่งของฉันได้”
© Henri Matisse, 25 พฤษภาคม 1852

ศิลปินชาวฝรั่งเศส Henri Matisse ลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะอัจฉริยะภาพวาดของโลกซึ่งเป็นผู้กำหนดพัฒนาการของศิลปะในศตวรรษที่ 20 เป็นส่วนใหญ่ ในการค้นหาตัวตนทางศิลปะของเขาเขาพยายามที่จะลองใช้รูปแบบและทิศทางหลาย ๆ แบบในคราวเดียวเติบโตเร็วกว่าแต่ละคนและก่อตั้งโรงเรียนการวาดภาพของตัวเองที่เรียกว่า "Fauvism" (fauve ของฝรั่งเศส - "ป่า")

อย่างไรก็ตาม Matisse เองก็ไม่ได้แสดงความ "ดุร้าย" ใด ๆ แต่ต่างจากเพื่อนร่วมงานของเขาในห้องปฏิบัติการ แต่เป็นคนที่สงบเสงี่ยมและสงบ และถ้าศิลปินแนวเปรี้ยวจี๊ดคนอื่น ๆ ทำการปฏิวัติอย่างแท้จริงโดยพยายามสะท้อนให้เห็นถึงจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยบนผืนผ้าใบของพวกเขา Matisse ก็แสวงหา "ความสงบและความสุข" ทดลองใช้สีและทบทวนความหมายของสี

“ ฉันใฝ่ฝันถึงศิลปะที่สมดุลซึ่งเต็มไปด้วยความบริสุทธิ์และความเงียบสงบศิลปะที่ปราศจากสิ่งไร้สาระและวุ่นวาย ... ซึ่งสามารถให้ความสงบแก่จิตใจได้ ... อย่างไร เก้าอี้นวมที่สะดวกสบาย ให้พักผ่อน กับคนที่เหนื่อยล้า» - Matisse กล่าว

หลายคนยังคงสงสัยว่าบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์อันเงียบสงบเช่นนี้สามารถกลายเป็นบุคคลสำคัญคนหนึ่งในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ได้อย่างไร น่าแปลกที่คำถามดังกล่าวไม่ได้ทำให้ Matisse กังวลในทันทีเพราะประวัติของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ไม่ได้เริ่มต้นด้วยโลกแห่งการวาดภาพ

ยังอองรีบุตรชายของพ่อค้าธัญพืชที่ประสบความสำเร็จทำนายอาชีพทนายความและด้วยความที่เป็นลูกชายที่เชื่อฟัง Matisse เริ่มเรียนกฎหมายที่โรงเรียนชื่อดังแห่งหนึ่งในปารีส หลังจากเรียนเสร็จเขาก็กลับไป บ้านเกิดซึ่งในไม่ช้าเขาก็ได้งานเป็นเสมียนที่ทนายความสาบาน ดูเหมือนว่าอนาคตของชายหนุ่มจะถูกตัดสินไปแล้ว แต่แล้วโชคชะตาก็เข้ามาแทรกแซงชีวิตของเขาทำให้แผนการทั้งหมดเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง

Matisse อยู่บนโต๊ะปฏิบัติการ การโจมตีของไส้ติ่งอักเสบเฉียบพลันถูกล่ามโซ่เป็นเวลานาน หนุ่มน้อย นอนทิ้งเขาโดยไม่มีความบันเทิงใด ๆ อยากให้ชีวิตประจำวันของลูกชาย "โรงพยาบาล" สดใสขึ้น รักแม่ ให้อุปกรณ์วาดภาพแก่เขาเปิดโลกใหม่ที่ไม่รู้จักสำหรับ Matisse รุ่นเยาว์ ชั้นเรียนวาดภาพทำให้ชายหนุ่มหลงใหลมากจนขัดต่อความประสงค์ของพ่อเขาจึงตัดสินใจลาออกจากนิติศาสตร์ตลอดกาลและกลับสู่เมืองหลวงเพื่อเป็นศิลปิน

ครูคนแรกของ Matisse ศิลปินชาวฝรั่งเศส Gustave Moreau ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของแกนกลางและเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านเกมแห่งสีสัน - ชอบที่จะส่งนักเรียนไปที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ - เพื่อคัดลอกผลงานของปรมาจารย์ผู้มีเกียรติฝึกฝนเทคนิคและเทคนิคต่างๆ ภาพวาดคลาสสิก. “ คุณต้องฝันถึงสี”, - เขาย้ำถึงข้อกล่าวหาของเขาและ Matisse ก็รู้สึกตื้นตันใจกับคำพูดนี้อย่างไม่มีใครเหมือนทำให้ชีวิตของเขาเปลี่ยนไปเป็นการค้นหาวิธีที่เหมาะที่สุดในการถ่ายทอดอารมณ์ผ่านสี

ต่อมา Matisse เขียนว่า:

“ ฉันรับรู้ด้านที่แสดงออกมาของสีโดยสัญชาตญาณล้วนๆ โดยการส่ง ภูมิทัศน์ในฤดูใบไม้ร่วงฉันจำไม่ได้ว่าเฉดสีใดที่เหมาะกับช่วงเวลานี้ของปีฉันจะได้รับแรงบันดาลใจจากความรู้สึกของฤดูใบไม้ร่วงเท่านั้น ... ฉันเลือกสีไม่ได้ ทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์แต่ด้วยความรู้สึกการสังเกตและประสบการณ์ "

ความสนใจในสีเป็นที่สังเกตได้แล้วใน งานแรก ๆ Matisse ตามกฎแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นความพยายามของศิลปินหนุ่มในการวาดภาพด้วยจิตวิญญาณของปรมาจารย์ด้านการวาดภาพที่ได้รับการยอมรับ หนึ่งในผลงานเหล่านี้คือภาพนิ่งที่เรียกว่า "A bottle of schiedam" (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): องค์ประกอบคลาสสิกเฉดสีเข้มและไม่สม่ำเสมอความสนใจเป็นพิเศษกับโทนสีครึ่งเสียงให้ความคล้ายคลึงกับผืนผ้าใบ ในขณะเดียวกันความมีชีวิตชีวาของสีดำและสีเงินและความกว้างของจังหวะแปรงพูดถึงความคุ้นเคยของ Matisse กับความคิดสร้างสรรค์

ในช่วงหลายปีของการศึกษา Matisse ได้ผ่านทุกขั้นตอนของวิวัฒนาการของศิลปะคลาสสิกอย่างต่อเนื่องโดยลองใช้มือของเขาในแต่ละชิ้น อย่างไรก็ตามสำหรับความสำคัญทั้งหมดของประเพณีในยุคที่ผ่านมาในรูปแบบของศิลปิน Matisse รู้สึกว่าทั้งหมดนี้ไม่ได้มีไว้สำหรับเขา พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ดูเหมือนเขาจะเป็นห้องสมุดขนาดใหญ่ที่เต็มไปด้วยหนังสือเก่าที่ทำให้นักเรียนที่เหนื่อยล้าง่วงนอนและเศร้าโศก ในทางกลับกัน Matisse ก็ปรารถนาสิ่งใหม่ ๆ ที่แปลกตาซึ่งแตกต่างจากสิ่งที่ถูกสร้างขึ้นก่อนหน้าเขา

"สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าเมื่อเข้าไปในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ฉันก็สูญเสียความรู้สึกของยุคสมัยของฉันไปและภาพวาดที่ฉันวาดภายใต้อิทธิพลโดยตรงของเจ้านายเก่าไม่ได้บ่งบอกถึงสิ่งที่ฉันรู้สึก", - ศิลปินเล่า

ขั้นตอนที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งในการพัฒนา Matisse ในฐานะศิลปินคือการทำความคุ้นเคยกับผลงานของอิมเพรสชันนิสต์โดยเฉพาะกับงานที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักในเวลานั้น Matisse เป็นหนี้ของศิลปินชาวออสเตรเลีย John Russell เพื่อนและที่ปรึกษาของเขาซึ่งเป็นครั้งแรกนับตั้งแต่ Moreau ทำให้ Matisse คิดอย่างจริงจังเกี่ยวกับความหมายและความสำคัญของสีในภาพวาด

“ รัสเซลเป็นครูของฉันเขาอธิบายทฤษฎีสีให้ฉันฟัง”- Matisse เข้ารับการรักษา

อิมเพรสชั่นนิสม์และการทดลองของเขาเองที่มีความแตกต่างของสีมีอิทธิพลอย่างมากต่อผลงาน "อิสระ" ชิ้นแรกของศิลปิน ตัวอย่างเช่นสิ่งมีชีวิตเหล่านี้คือ "อาหารและผลไม้" (Vaisselle et Fruits) "หม้อผลไม้และกาแฟ" (Fruits et Cafetière) นอกจากนี้ยังรวมถึงภูมิทัศน์แรกของ Matisse - "Bois du Boulogne" และ "Luxembourg Garden" (Jardin du Luxembourg)

ไม่กี่ปีต่อมา Matisse ละทิ้งความหลงใหลในลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์และจมดิ่งลงไปในการค้นคว้าผลงานของผู้ติดตามของเขา ในช่วงเวลานี้ศิลปินมีครอบครัว แต่แม้จะมีข้อ จำกัด ฐานะทางการเงินเขายังคงค้นหาสไตล์ของตัวเอง อย่างไรก็ตามภาพวาดของเขาขายไม่ได้จริง Matisse ไม่ได้หยุดทดลองกับสีวิเคราะห์ความสำคัญของเฉดสีต่างๆและการผสมผสานของพวกเขา

“ เสน่ห์ความสว่างความสดชื่น - สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นความรู้สึกที่หายวับไป ... จิตรกรอิมเพรสชั่นนิสม์ ... ความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนอยู่ใกล้กันดังนั้นผืนผ้าใบของพวกเขาจึงคล้ายกัน ฉันชอบที่เสี่ยงต่อการพรากภูมิทัศน์แห่งเสน่ห์ของมันเพื่อเน้นลักษณะเฉพาะและบรรลุความสม่ำเสมอมากขึ้น ", - เขียน Matisse หลายปีต่อมา

ของเขา ภรรยาในอนาคต Amelie Pareyre Matisse พบเพื่อนในงานแต่งงาน Amelie เป็นเพื่อนเจ้าสาวและเธอกับ Matisse บังเอิญได้นั่งข้างๆเธอ หญิงสาวตกหลุมรักชายที่มีเคราสูงและเป่าช่อดอกไม้สีม่วงแต่ละช่อที่เขามอบให้เธอในที่ประชุมอย่างระมัดระวัง ในเวลานั้น Matisse ถูกทรมานด้วยความสงสัยและเขาไม่สามารถตัดสินใจได้ว่าจะอุทิศชีวิตให้กับงานศิลปะในที่สุด ในทางกลับกัน Amelie กลายเป็นคนที่เชื่อในตัวศิลปินและเชื่อมั่นอย่างแท้จริง เป็นเวลานาน กลายเป็นเพื่อนที่ซื่อสัตย์และรำพึงแรก และถึงแม้ Matisse จะรู้สึกอย่างไรกับหญิงสาว แต่เขาก็เข้าใจแล้วว่าไม่มีใครและไม่มีสิ่งใดที่จะทำให้หัวใจของเขาหลงใหลได้มากไปกว่าการวาดภาพ เขายอมรับว่า:

"มาดมัวแซลฉันรักคุณมาก แต่ฉันจะรักการวาดภาพมากขึ้นเสมอ"

ครั้งแรก นิทรรศการส่วนบุคคล ศิลปินไม่ประสบความสำเร็จมากนักไม่ก่อให้เกิดการตอบสนองที่เหมาะสมจากนักวิจารณ์ จากนั้น Matisse ก็ตัดสินใจที่จะออกจากเมืองหลวงทางตอนใต้ของฝรั่งเศสใน บริษัท ของ Paul Signac ซึ่งเป็นนักปรัชญา Matisse ประทับใจกับผืนผ้าใบของเขาโดยเริ่มใช้เทคนิคการตีเส้นจุดคล้าย ๆ กันและหลังจากนั้นไม่นานผลงานชิ้นเอกชิ้นแรกชื่อ "หรูหราความสงบและความสุข" (Luxe, Calme at Volupté) ก็ออกมาจากใต้แปรง

ภาพมีความขัดแย้งและในแบบของมันเองไม่สอดคล้องกับกรอบที่กำหนดโดย pointillists ซึ่งแตกต่างจากเพื่อนร่วมงานของเขาที่ละทิ้งการผสมสีทางกายภาพเพื่อให้ได้จังหวะที่แยกจากกัน Matisse กลับมาสนใจสี เมื่อเลือกช่วงสว่างโดยเจตนา - สีแดงสีม่วงสีส้ม - ศิลปินย้ายออกไปจากการตีความพล็อตที่สมจริง เฉดสีที่อิ่มตัวดูไม่เป็นธรรมชาติสร้างความตึงเครียดและรบกวนความ "สงบ" ตามปกติขององค์ประกอบคลาสสิก อย่างไรก็ตามมันเป็นเพราะความขัดแย้งนี้ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบคลาสสิกและนวัตกรรมที่ Matisse เป็นครั้งแรกที่สามารถแสดงให้ผู้ชมเห็นได้ วิสัยทัศน์ของตัวเอง ความเป็นจริง.

ภาพดังกล่าวประสบความสำเร็จและได้รับการตอบรับอย่างดีจากนักวิจารณ์ อย่างไรก็ตามในไม่ช้า Matisse ก็ละทิ้งความคิดไม่ซื่อโดยตระหนักว่าเส้นทางนี้ไม่ใช่สำหรับเขาเช่นกัน

1905 เป็นจุดเปลี่ยนในการทำงานของ Matisse หลังจากค้นหาและทดลองกับสีอยู่นานศิลปินก็พยายามทำให้ "ความรู้สึกถึงธรรมชาติ" ของเขามีชีวิตชีวามากที่สุด ร่วมกับกลุ่มคนที่มีใจเดียวกันเขาเข้าร่วมใน Autumn Salon โดยนำเสนอผลงานใหม่สองชิ้นในนิทรรศการ -“ เปิดหน้าต่าง” (La Fenêtre Ouverte) และ“ Woman in a Hat” (La Femme au Chapeau)

ภาพวาดที่วาดโดยไม่คำนึงถึงกฎเกณฑ์ทั้งหมดทำให้เกิดเสียงดังมากสร้างความโกรธเคืองแม้แต่ชาวปารีสเองก็เคยชินกับลัทธิแปลกใหม่ นักวิจารณ์ขนานนามพวกเขาว่า "หม้อสีโยนต่อหน้าสาธารณะชน" และผู้เขียนมีชื่อเล่นว่า "Fauves" หรือ "คนป่าเถื่อน"

แม้จะมีการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงและความไม่พอใจจากสาธารณชน แต่ "Woman in a Hat" ก็ถูกซื้อกิจการโดยนักเขียนและนักเลงศิลปะชื่อดังเกอร์ทรูดาสไตน์ จากคำบอกเล่าของพยานคนหนึ่งระบุว่า "ผู้เยี่ยมชมตะคอกมองภาพและพยายามที่จะตัดมันออก"... เกอร์ทรูดสไตน์ไม่เข้าใจว่าทำไมภาพถึงดูเป็นธรรมชาติสำหรับเธอ

ดังนั้นทิศทางใหม่จึงปรากฏขึ้นในการวาดภาพซึ่งเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะภายใต้ชื่อ "fauvism" Matisse ได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้นำของ Fauves ซึ่งเป็นอดีตเพื่อนร่วมชั้นจากชั้น Moreau หลังจากละทิ้งวิธีการดั้งเดิมในการวาดภาพวัตถุและสร้างภาพศิลปินเหล่านี้จึงเริ่มวาดภาพด้วยสีเปิดบริสุทธิ์ทำให้รูปแบบเรียบง่ายและจัดผัง บางครั้งสีที่สดใสดุดันและคอนทราสต์สูงเป็นพื้นฐานสำหรับองค์ประกอบและกลายเป็นวิธีการหลักในการ "แสดงความรู้สึก" ของศิลปิน

“ การกระจายตัวของสีนำไปสู่การแตกตัวของรูปแบบรูปร่าง ผลลัพธ์: พื้นผิวที่สั่นสะเทือน ... ฉันเริ่มวาดภาพด้วยเครื่องบินหลากสีโดยพยายามทำให้เกิดความกลมกลืนโดยอัตราส่วนของระนาบสีทั้งหมด "- เรียกคืน Matisse ในอีกครึ่งศตวรรษต่อมา

ฝรั่งเศสมอบกาแล็กซี่ขนาดใหญ่ให้โลก ศิลปินที่โดดเด่นซึ่งเป็นหนึ่งในนั้นที่ใหญ่ที่สุดและมากที่สุด ตัวแทนที่สดใส การเคลื่อนไหวทางศิลปะ Fauvism, Henri Matisse อาชีพของเขาเริ่มต้นในปี พ.ศ. 2435 เมื่อศิลปินในอนาคตผ่านการสอบที่ Paris Academy of Julian ได้สำเร็จ ที่นั่นเขาดึงดูดความสนใจของกุสตาฟโมโรซึ่งทำนายอาชีพที่สดใสให้มาติสเซ่ในสาขาศิลปะ

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 Matisse เริ่มค้นหาตัวเอง เขาต้องผ่านการคัดลอกและการยืมที่เคร่งเครียดมาหลายปีเขียนสำเนามากมาย ภาพวาดที่มีชื่อเสียง จากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์พยายามค้นหาสไตล์ของตัวเอง ความหลงใหลในลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์ที่แพร่หลายในเวลานั้นทำให้ Matisse มีโอกาสที่จะหาวิธีถ่ายทอดรูปแบบและจานสี

นักวิจารณ์ศิลปะในช่วงหลายปีที่ผ่านมาตั้งข้อสังเกตว่า Matisse มีการนำเสนอสีที่แปลกประหลาดในผืนผ้าใบของเขาซึ่งทำในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ ศิลปินมีความโดดเด่นด้วยการใช้จังหวะที่สดใสแข็งแรงและโค้งเล็กน้อยโดยมีความโดดเด่นของสีที่อิ่มตัวและสว่างเป็นพิเศษ

ชอบ ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง Impressionism Paul Signac, Matisse ชอบลัทธิ pointillism ซึ่งเป็นประเภทของอิมเพรสชั่นนิสม์ที่ใช้จุดผุพังจำนวนมากเพื่อถ่ายทอดภาพ สไตล์นี้ช่วยให้ศิลปินเลือก Fauvism เป็นวิธีที่เหมาะสมที่สุดสำหรับเขาในการสะท้อนความเป็นจริงโดยรอบ

ในความเป็นจริง Matisse เป็นผู้ก่อตั้ง Fauvism ที่แท้จริง คำนี้แปลเป็นภาษาฝรั่งเศสว่า "wild" คำนี้สอดคล้องกับแนวคิด - "ฟรี" นั่นคือไม่เชื่อฟังกฎที่ยอมรับโดยทั่วไป

จุดเริ่มต้นของความสำเร็จของ Matisse ถือได้ว่าเป็นภาพวาดของเขา "Woman in a Green Hat" ซึ่งจัดแสดงโดยศิลปินในปี 1904 บนผืนผ้าใบผู้ชมเห็นภาพผู้หญิงที่เกือบแบนโดยมีใบหน้าถูกแบ่งด้วยแถบสีเขียว ดังนั้น Matisse จึงทำให้ภาพเรียบง่ายที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้โดยปล่อยให้มีเพียงสีเท่านั้นที่สามารถครอบงำได้

เป็นความแพร่หลายของสีในรูปแบบและเนื้อหาที่กลายเป็นหลักการสำคัญของลัทธิ Fauvism สาระสำคัญของสไตล์นี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความหลงใหลในรูปแบบศิลปะแปลกใหม่ของ Matisse ศิลปินเดินทางไปมากรวมถึงทวีปแอฟริกา ศิลปะดั้งเดิม แต่แปลกประหลาดของชนเผ่าทำให้เขาประทับใจและเป็นแรงผลักดันในการทำให้ภาพในภาพวาดง่ายขึ้น

ความมีชีวิตชีวาของสีสันในผืนผ้าใบของ Matisse ยืมมาจากอาหรับตะวันออกที่สดใส จากนั้นความกระตือรือร้นที่มีต่อศิลปินที่ไม่เหมือนใคร - นางสนม - นักเต้นชาวอาหรับซึ่งมีภาพที่เขาแสดงในภาพวาดของเขาจนถึงช่วงหลายปีสุดท้ายของชีวิต นอกจากนี้ยังเป็นที่ทราบกันดีว่าหลังจากพบกับ ผู้ใจบุญชาวรัสเซีย Sergei Shchukin, Matisse เริ่มสนใจภาพวาดไอคอนรัสเซียโบราณ

ตามคำเชิญของ Shchukin Matisse มารัสเซียและหลังจากนั้นเขาก็ได้รับหน้าที่วาดภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา - "Dance" "แฝด" ในภาพนี้คือ "ดนตรี" ผืนผ้าใบทั้งสองสะท้อนถึงแก่นแท้ของ Fauvism - ความเป็นธรรมชาติของความรู้สึกของมนุษย์ความบริสุทธิ์ของการถ่ายทอดอารมณ์ความจริงใจของตัวละครความสว่างของสี ศิลปินไม่ได้ใช้มุมมองในทางปฏิบัติโดยเลือกใช้สีแดงและส้มที่สดใส

Matisse รอดชีวิตจากสงครามโลกสองครั้ง แต่แม้จะประสบกับความยากลำบาก แต่เขาก็ไม่สูญเสียความจริงใจที่พยายามแปลเป็นภาพวาดของเขา สำหรับความเป็นธรรมชาติของเด็ก ๆ ความตรงไปตรงมาและความสดใสอย่างกระตือรือร้นของผืนผ้าใบของเขาที่ศิลปินยังคงเป็นที่รักของผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพ

อันริมาติส

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 3.11.1954, Cimiez, ใกล้ Nice), จิตรกรชาวฝรั่งเศสศิลปินกราฟิกและประติมากร

เอฟเฟกต์สีของภาพวาดของ Matisse นั้นแข็งแกร่งมาก อย่างไรก็ตามปฏิกิริยาเป็นลบ แต่รุนแรงมากเสมอ ภาพวาดของเขามีเสียงดังประโคมเสียงดังบางครั้งก็อึกทึก พวกเขาไม่ได้ทำให้เกิดความชื่นชมอย่างสงบอีกต่อไป แต่เป็นภาพล้อเลียนนี่ไม่ใช่ "การเฉลิมฉลองของตา" แต่เป็นการสนุกสนานกันอย่างไร้การควบคุม

Matisse ให้เอฟเฟกต์สีที่เข้มข้นโดยวิธีใด? ประการแรกความแตกต่างของสีที่เน้นมาก ให้เราปูพื้นให้ศิลปินด้วยตัวเอง:“ ในภาพวาด“ ดนตรี” ของฉันท้องฟ้าถูกทาสีด้วยสีฟ้าที่สวยงามท้องฟ้าสีฟ้าระนาบถูกวาดด้วยสีที่อิ่มตัวจนเป็นสีน้ำเงินซึ่งเป็นความคิดที่แน่นอน สีน้ำเงินเป็นที่ประจักษ์อย่างเต็มที่ สีเขียวบริสุทธิ์ถูกนำไปใช้กับต้นไม้ส่งเสียงชาดสำหรับศพ คุณสมบัติพิเศษ: รูปแบบถูกปรับเปลี่ยนตามอิทธิพลของระนาบสีใกล้เคียงเนื่องจากการแสดงออกขึ้นอยู่กับพื้นผิวสีที่ผู้ชมครอบคลุม "

เขาทำงานเป็นทนายความ (2432-2434) เรียนที่ปารีส - ที่ Academy of Julian (ตั้งแต่ปี 1891) ภายใต้ A.V. Bouguereau ที่โรงเรียน มัณฑนศิลป์ (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2436) และที่โรงเรียน ศิลปกรรม (1895-99) โดย G. Moreau; คัดลอกผลงานของเจ้านายเก่าฝรั่งเศสและดัตช์ มีประสบการณ์อิทธิพลของนีโออิมเพรสชันนิสม์ (ส่วนใหญ่คือ P. ซิกนัค), พีโกแกงศิลปะของอาหรับตะวันออกในระดับหนึ่ง - ภาพวาดไอคอนรัสเซียเก่า (เขาเป็นคนแรกในตะวันตกที่ชื่นชมมัน บุญทางศิลปะ; เยี่ยมชมมอสโกในปี 2454) หลังจากทำความคุ้นเคยกับผลงานของ Impressionists, Post-Impressionists และจิตรกรชาวอังกฤษ J. Turner แล้ว A. สวนลักเซมเบิร์ก "ประมาณปี 1902 เฮอร์มิเทจเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก). เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปะของ P. Cezanne (Nude. Servant, 1900, Museum of Modern Art, New York; Dishes on the Table, 1900, Hermitage, St. Petersburg)

ในปี 1905-07 ผู้นำของ Fauvism ใน Parisian Autumn Salon ที่มีชื่อเสียงในปี 1905 ร่วมกับเพื่อนใหม่ของเขาเขาได้จัดแสดงผลงานหลายชิ้นในจำนวนนั้น "The Woman in the Green Hat" งานเหล่านี้ซึ่งสร้างความอื้อฉาวได้วางรากฐานสำหรับลัทธิฟอวิสม์ ในเวลานี้ Matisse ได้ค้นพบรูปปั้นของชาวแอฟริกาเริ่มรวบรวมมันเริ่มสนใจในงานแกะสลักแบบญี่ปุ่นคลาสสิกและศิลปะการตกแต่งแบบอาหรับ ในปี 1906 เขาทำงานในองค์ประกอบ "The Joy of Life" ให้เสร็จโดยพล็อตเรื่องนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวี "Afternoon of a Faun" โดย S. ภาพพิมพ์หินแกะสลักไม้และเครื่องเคลือบชิ้นแรกปรากฏขึ้น การปรับปรุงรูปวาดอย่างต่อเนื่องดำเนินการโดยใช้ปากกาดินสอและถ่านเป็นหลัก ในภาพกราฟิกของ Matisse มีการผสมผสาน arabesques เข้ากับการถ่ายทอดเสน่ห์อันเย้ายวนของธรรมชาติอย่างละเอียดอ่อน

ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของปี 1900 Matisse อ้างว่า ชนิดใหม่ การแสดงออกทางศิลปะโดยใช้รูปแบบที่พูดน้อยคมชัดและในขณะเดียวกันก็มีความยืดหยุ่นองค์ประกอบจังหวะที่คมชัดการผสมผสานระหว่างโซนสีไม่กี่สีที่ตัดกัน แต่มีความสว่างและสว่างมากในท้องถิ่น (แผงสำหรับคฤหาสน์ SI Shchukin ในมอสโก "Dance" และ "Music" ทั้งสองอย่าง - 2453, Hermitage, Leningrad) จากนั้นอุดมไปด้วยเฉดสีพื้นฐานโทนเดียวโปร่งแสงและไม่ซ่อนพื้นผิวของผืนผ้าใบ ("Artist's Workshop", 1911, Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow)

ในปี 1908-1912 Matisse ใช้สีที่บริสุทธิ์เกือบทั้งหมด (ในสิ่งที่หายากเขาใช้การเปลี่ยนโทนสีผสม) สร้างภาพวาดของเขาในสามโทนสีพื้นฐาน "เทพารักษ์และนางไม้" - ความกลมกลืนของสีเขียวสีชมพูและสีฟ้า "การเต้นรำ" - สีฟ้าสีเขียวและสีแดงสิ่งมีชีวิตที่ยังคงสร้างขึ้นจากความกลมกลืนของสีม่วงสีเหลืองและสีแดงหรือสีฟ้าสีม่วงและสีชมพู จากนั้นประมาณปีพ. ศ. 2455 เขาหันไปใช้สีที่ทำให้เกิดเสียงสี่สีและหนึ่งในสี่โทนสีในภาพจะมีขนาดเล็กมาก: "แทนเจียร์" - สีฟ้าสีส้มสีชมพูสีแดง "บนระเบียง" - สีม่วง เขียว, ชมพู, ฟ้า "ทางเข้า Kazba" - สีแดงเข้ม, ฟ้า, เขียว, ชมพูอ่อน ใน ปีต่อมา เขาใช้ชุดค่าผสมที่ซับซ้อนมากขึ้นและขยายจานสีของเขาอย่างมีนัยสำคัญโดยนำเสนอเฉดสีที่หลากหลายมากขึ้น

นี่เป็นสิ่งสำคัญที่จะต้องเปิดเผยความหมายของคำพูดของ Matisse เกี่ยวกับปฏิสัมพันธ์ของโทนเสียงที่บริสุทธิ์ แน่นอนว่าเมื่อพูดถึงเฉดสี Matisse ไม่ได้หมายถึงการไล่ระดับความอิ่มตัวของโทน - ความขาวซึ่งเป็นไปได้เมื่อใช้สีบริสุทธิ์ (ในภาษาดั้งเดิมของอิตาลีและรัสเซีย) เห็นได้ชัดว่าเขาไม่ได้หมายถึงเฉดสีในจินตนาการที่ผู้ชมควรรับรู้เมื่อเครื่องบินสีอิ่มตัวชนกันซึ่งเป็นเสียงสะท้อนของทฤษฎีนีโออิมเพรสชันนิสต์เกี่ยวกับการผสมสีด้วยแสง การสั่นสะเทือนนี้น้อยเกินไปและการรับรู้เฉดสีกลางจะเกิดขึ้นชั่วคราว ที่นี่ มันมาเห็นได้ชัดว่าเกี่ยวกับความจำเป็นในการใช้โทนเสียงเปลี่ยนผ่านซึ่ง Matisse มาในภายหลัง

การทำงานด้วยสีที่บริสุทธิ์ Matisse ต้องการเช่นเดียวกับจิตรกรคนอื่น ๆ เพื่อหลีกเลี่ยงความน่าเบื่อ - สิ่งที่ตรงกันข้ามกับภาพ แต่เขาจะไม่ประสบความสำเร็จเสมอไปและบางสิ่งของเขาก็มีลักษณะที่น่าเบื่อ (แผง "ดนตรี") ในทางกลับกันในช่วงทศวรรษที่ 10 เขาต้องการให้สีบริสุทธิ์ เพื่อหลีกเลี่ยงการผสมสีเขาใช้เทคนิคที่คล้ายกับการเคลือบกระจกของเจ้านายเก่า สีเข้ม ไฟแช็กเช่นชมพู - ขาวฟ้า - ม่วงเป็นต้น จากนั้นเพื่อให้สีสั่นสะเทือนเขาถูลงบนผืนผ้าใบอย่างแรงแทนที่จะใช้สีขาวทำให้มันส่องผ่าน

การทำงานอย่างต่อเนื่องในการวาดภาพทำให้ Matisse กลายเป็นคนเก่งของพู่กัน รูปทรงในภาพวาดของเขาถูกวาดขึ้นอย่างมั่นใจด้วยจังหวะเดียว ภาพวาดของเขามักจะคล้ายกัน (โดยเฉพาะในการทำสำเนา) กับภาพวาดพู่กัน ผลของมันมักจะขึ้นอยู่กับสัมผัสที่เชี่ยวชาญและกล้าหาญ

บางครั้งเขาใช้เลเยอร์ที่มีความหนาแน่นต่างกัน (เช่นใน "Girl with Tulips") ผลักสีหนึ่งไปข้างหน้าเพื่อสร้างความเสียหายให้กับอีกสีหนึ่ง อย่างไรก็ตามมีหลายสิ่งจากปีพ. ศ. 2455 ที่เขียนด้วยพื้นผิวเรียบและไม่จำเจ หากพื้นผิวของภาพวาดอื่น ๆ ของ Matisse อาจดูแห้งแล้งและซ้ำซากจำเจสิ่งนี้แสดงว่าไม่สนใจวัสดุภาพวาดซึ่งคิดไม่ถึงในศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ แต่เป็นความกลัวที่แปลกประหลาดต่อความรุนแรงต่อวัสดุ สำหรับ Matisse ในฐานะศิลปินนักตกแต่งการผสมผสานของภาพกับพื้นฐานของมันผืนผ้าใบมีความสำคัญอย่างยิ่งความขาวและโครงสร้างที่เขาคำนึงถึงมากที่สุดเท่าที่นักศิลปะจะคำนึงถึงพื้นผิวของผนัง แต่เมื่อจำฐานบางครั้ง Matisse ก็ลืมเกี่ยวกับสีตัวเองโอ้ คุณสมบัติเฉพาะ และความเป็นไปได้ของการวาดภาพสีน้ำมัน

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือเทคนิคของรายละเอียดที่ไม่สมบูรณ์โดยเฉพาะอย่างยิ่งเห็นได้ชัดใน "โมร็อกโก" "เกมบอล" และสิ่งอื่น ๆ สีในสถานที่เหล่านั้นที่ศิลปินต้องการจะกลบนั้นไม่ได้ถูกทำให้มืดลง แต่เหลือเพียงผืนผ้าใบว่างเปล่า (ซึ่งบางครั้งก็ทำเพื่อให้เห็นแสง) หรือรายละเอียดยังคงไม่เป็นสี (ส่วนใหญ่เป็นแขนขา ฯลฯ ) Matisse จำกัด ตัวเองอยู่กับการทาสีเคลือบด้านและไม่ต้องจ่ายเงิน ความสนใจเป็นพิเศษ คำถามของพื้นผิว นี่เป็นช่องว่างที่ไม่ต้องสงสัยในงานของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าคุณเปรียบเทียบการทำงานหนักหลายปีของเขาเกี่ยวกับความแตกต่างของสีซึ่งเป็น งานวิทยาศาสตร์ ในการศึกษาปฏิกิริยาทางจิตกายภาพต่อความคมชัดของสีหนึ่งหรือสีอื่น Matisse ไม่พอใจกับระบบของโทนเสียงเพิ่มเติมที่ Delacroix ค้นพบซึ่งนำเข้าสู่ระบบโดย Impressionists เขามองหาความไม่ลงรอยกันกรีดร้องเกรี้ยวกราด; ที่นี่เป็นคู่ขนานกับดนตรีร่วมสมัยของ Stravinsky, Strauss และอื่น ๆ ที่เป็นไปได้เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงเหล่านี้เขาได้รับผลกระทบจากความวิตกกังวลความไม่มั่นคงทางจิตใจความรู้สึกที่เพิ่มขึ้นมากเกินไปของชนชั้นกลางสมัยใหม่

ในลักษณะที่เข้มงวดและเข้มงวดของผลงานของ Matisse ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 10 อิทธิพลของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ("The Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, New York); ในทางกลับกันผลงานของปี 1920 มีความโดดเด่นด้วยแรงจูงใจที่เป็นธรรมชาติที่สำคัญความหลากหลายของสีสันและความนุ่มนวลในการเขียน (ชุด "Odalisque") ในช่วงทศวรรษที่ 30-40 Matisse ได้สรุปการค้นพบของช่วงเวลาก่อนหน้านี้โดยรวมการค้นหาการตกแต่งฟรีของเวลา Fauvist กับการสร้างองค์ประกอบที่ชัดเจนในเชิงวิเคราะห์ (ผ้าสักหลาดใน Barnes Museum "Dance", 1931-32, Merion, Philadelphia, สหรัฐอเมริกา) ด้วยระบบสีที่ละเอียดอ่อน ("กิ่งต้นพลัม", 2491, คอลเลกชันส่วนตัว, นิวยอร์ก)

ผลงานของ Matisse โดยรวมมีลักษณะหลายประการ คุณสมบัติทั่วไป... ในความพยายามที่จะตอบโต้ความตึงเครียดที่วุ่นวายในชีวิตในศตวรรษที่ 20 คุณค่านิรันดร์ ชีวิตเขาสร้างด้านที่รื่นเริงขึ้นมาใหม่ - โลกแห่งการเต้นรำที่ไม่มีที่สิ้นสุดความเงียบสงบของฉากที่งดงามพรมและผ้าลวดลายผลไม้แวววาวแจกันทองสัมฤทธิ์ภาชนะและรูปแกะสลัก เป้าหมายของ Matisse คือการดึงผู้ชมเข้ามาในพื้นที่นี้ ภาพในอุดมคติ และความฝันเพื่อให้เขารู้สึกสงบหรือคลุมเครือ แต่ทำให้วิตกกังวล ผลกระทบทางอารมณ์ของภาพวาดของเขาเกิดจากความอิ่มตัวที่รุนแรงเป็นหลัก สี, ความเป็นดนตรีของจังหวะเชิงเส้น, การสร้างเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหวภายในของรูปแบบในที่สุด, การอยู่ใต้บังคับบัญชาที่สมบูรณ์ของส่วนประกอบทั้งหมดของภาพซึ่งบางครั้งวัตถุจะกลายเป็นของแปลกประหลาด, ก้อนสีบริสุทธิ์ (Red Fish , 1911; Still Life with a Shell, 1940; งานทั้งสองชิ้น - ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน)

Matisse บรรลุความสมบูรณ์และในเวลาเดียวกันความหลากหลายของภาพก่อนอื่นโดยตระหนักถึงการเชื่อมต่อที่แท้จริงและอินทรีย์ระหว่างสีและรูปแบบ - เชิงเส้น - ระนาบ สีมีชัยเหนือรูปแบบสำหรับเขาจนถือได้ว่าเป็นเนื้อหาที่แท้จริงของภาพวาดของเขาและอย่างอื่นก็เป็นเพียงหน้าที่ของสีที่น่าตื่นตาและทรงพลัง การวาดภาพเช่นนี้ใน Matisse เป็นเรื่องรองลงมาจากคุณภาพของสีเสมอการพัฒนาเส้นดำเนินไปควบคู่ไปกับการพัฒนาคุณภาพของภาพ ในช่วงของการค้นหาครั้งแรกค่อนข้างเฉื่อยชาและประมาณตน ("The Dinner Table") รูปวาดของเขาค่อยๆชัดเจนและแสดงออกมากขึ้นเรื่อย ๆ Matisse วาดภาพจากธรรมชาติมากมายและไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยภาพวาดของเขาอยู่ในหลายร้อยภาพเขาเป็นผู้มีความสามารถในการวาดภาพอย่างแท้จริง ทักษะของเขาปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในภาพสเก็ตช์ที่มีชีวิตชีวาและน่าตื่นเต้นจากนางแบบ ประการแรกสิ่งที่น่าทึ่งคือความแม่นยำในการวางตัวเลขลงบนแผ่นงานค้นหาความสอดคล้องของสัดส่วนกับระนาบของกระดาษทันที แม้แต่ภาพร่างของเขาก็เป็นองค์ประกอบ พวกเขามักจะพอดีกับภาษาอาหรับที่แสดงออกถึงการตัดระนาบในแนวทแยงมุม ชิ้นส่วนของธรรมชาติโดยศิลปินที่เปิดกว้างดูเหมือนจะถูกเปลี่ยนเป็นการเล่นของตกแต่งจุดและจังหวะในทันที อย่างไรก็ตามในเวลาเดียวกันความมีชีวิตชีวาไม่ได้ลดลงเลย แต่เป็นการเน้นย้ำอย่างมาก โดยไม่ต้องคิดถึงรายละเอียด Matisse จะจับแกนของการเคลื่อนไหวโดยทั่วไปอย่างมีไหวพริบในการโค้งงอของร่างกายให้ความสมบูรณ์และความสม่ำเสมอในการประกบของแบบฟอร์ม ภาพวาดของ Matisse มีความคมชัดมีชีวิตชีวาเรียบง่ายและพูดน้อยความปั้นของพวกเขามีความพิเศษมากจนไม่สามารถผสมกับผลงานของนักวาดชื่อดังคนอื่น ๆ ในยุคนั้นได้ ในความมีชีวิตชีวาและความเป็นธรรมชาติพวกเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าคนญี่ปุ่นในด้านการตกแต่ง - ในรูปแบบเปอร์เซียขนาดเล็กในการแสดงออกของเส้น - ในภาพวาดของ Delacroix ยิ่งไปกว่านั้นพื้นฐานของพวกเขาไม่ได้อยู่ที่ "ความเก่ง" เลยไม่ใช่การเสพติดจังหวะที่น่าตื่นเต้น - พวกเขาสร้างสรรค์ในความหมายที่แท้จริงเพราะพวกเขาเผยให้เห็นรูปแบบพลาสติกที่มีความน่าเชื่ออย่างสมบูรณ์

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 03.11.1954, Cimiez, near Nice) จิตรกรชาวฝรั่งเศสศิลปินกราฟิกและประติมากร

Matisse ให้เอฟเฟกต์สีที่เข้มข้นโดยวิธีใด? ประการแรกความแตกต่างของสีที่เน้นอย่างมาก ให้เราปูพื้นให้ศิลปินด้วยตัวเอง:“ ในภาพวาด“ ดนตรี” ของฉันท้องฟ้าถูกทาสีด้วยสีฟ้าที่สวยงามสีฟ้าสุดระนาบถูกทาสีด้วยสีที่อิ่มตัวจนแสดงให้เห็นสีฟ้าอย่างเต็มที่ความคิดของ สีน้ำเงินแน่นอน สำหรับต้นไม้ที่พวกเขามีสีเขียวบริสุทธิ์สำหรับร่างกาย - เสียงชาด คุณลักษณะพิเศษ: รูปแบบได้รับการปรับเปลี่ยนให้สอดคล้องกับอิทธิพลของระนาบสีใกล้เคียงเนื่องจากการแสดงออกขึ้นอยู่กับพื้นผิวสีที่ครอบคลุมโดยผู้ชมโดยรวม "

หลังจากได้รับปริญญากฎหมายเขาทำงานเป็นทนายความ (2432-2434) ศึกษาในปารีส - ที่ Julian Academy (จากปีพ. ศ. 2434) ภายใต้ AV Bouguereau ที่โรงเรียนมัณฑนศิลป์ (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2436) และที่โรงเรียนวิจิตรศิลป์ (พ.ศ. 2438-2542) ภายใต้ G. Moro; คัดลอกผลงานของปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสและชาวดัตช์ในสมัยก่อน มีประสบการณ์อิทธิพลของนีโออิมเพรสชันนิสม์ (ส่วนใหญ่คือ P. Signac), P. Gauguin ศิลปะของอาหรับตะวันออกในระดับหนึ่ง - ภาพวาดไอคอนรัสเซียโบราณ (เขาเป็นคนแรกในตะวันตกที่ชื่นชมผลงานศิลปะ ในปีพ. ศ. 2454 เขาไปเยือนมอสโกว) หลังจากทำความคุ้นเคยกับผลงานของ Impressionists, Post-Impressionists และจิตรกรชาวอังกฤษ J. Turner แล้ว A. Matisse ก็เริ่มใช้สีที่อิ่มตัวมากขึ้นโดยให้ความสำคัญกับสีอ่อน ("Bois de Boulogne", ค. 1902, พิพิธภัณฑ์พุชกิน, มอสโกว; "Luxembourg Garden", ค. 1902, Hermitage, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปะของ P. Cezanne (Nude. Servant, 1900, Museum of Modern Art, New York; Dishes on the Table, 1900, Hermitage, St. Petersburg)

เริ่มตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของปี 1900 Matisse ได้สร้างรูปแบบใหม่ของการแสดงออกทางศิลปะโดยใช้รูปแบบที่พูดน้อยคมชัดและในเวลาเดียวกันมีความยืดหยุ่นองค์ประกอบจังหวะที่คมชัดการผสมผสานระหว่างโซนสีไม่กี่โซน แต่มีความสว่างและสว่างมากในท้องถิ่น ( แผงสำหรับ S. I. Shchukin ในมอสโก "Dance" และ "Music" ทั้ง - 1910, Hermitage, Leningrad) จากนั้นอุดมไปด้วยเฉดสีพื้นฐานโทนเดียวโปร่งแสงและไม่ซ่อนพื้นผิวของผืนผ้าใบ ("Artist's Workshop", พ.ศ. 2454 พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ตั้งชื่อตาม A. S. Pushkin, มอสโก)

ในปี 1908-1912 Matisse ใช้สีที่บริสุทธิ์เกือบทั้งหมด (ในสิ่งที่หายากเขาใช้การเปลี่ยนโทนสีผสม) สร้างภาพวาดของเขาด้วยโทนสีพื้นฐานสามโทน "เทพารักษ์และนางไม้" - ความกลมกลืนของสีเขียวสีชมพูและสีฟ้า "การเต้นรำ" - สีฟ้าสีเขียวและสีแดงสิ่งมีชีวิตที่ยังคงสร้างขึ้นจากความกลมกลืนของสีม่วงสีเหลืองและสีแดงหรือสีฟ้าสีม่วงและสีชมพู จากนั้นประมาณปีพ. ศ. 2455 เขาเปลี่ยนเป็นสี่สีที่ทำให้เกิดเสียงและหนึ่งในสี่โทนสีในภาพจะได้รับสถานที่เล็ก ๆ : "แทนเจียร์" - ฟ้า, ส้ม, ชมพู, แดง, "ที่ระเบียง" - สีม่วง, เขียว, ชมพู, ฟ้า ... “ ทางเข้า Kazba” - สีแดงเข้ม, ฟ้า, เขียว, ชมพูอ่อน ในปีต่อมาเขาใช้การผสมผสานที่ซับซ้อนมากขึ้นและขยายจานสีของเขาอย่างมีนัยสำคัญโดยนำเสนอเฉดสีที่หลากหลายมากขึ้น

นี่เป็นสิ่งสำคัญที่จะต้องเปิดเผยความหมายของคำพูดของ Matisse เกี่ยวกับปฏิสัมพันธ์ของโทนเสียงที่บริสุทธิ์ แน่นอนว่าเมื่อพูดถึงเฉดสี Matisse ไม่ได้หมายถึงการไล่ระดับของความอิ่มตัวของโทน - ความขาวซึ่งเป็นไปได้เมื่อใช้สีบริสุทธิ์ (ในภาษาดั้งเดิมของอิตาลีและรัสเซีย) เห็นได้ชัดว่าเขาไม่ได้หมายถึงเฉดสีในจินตนาการที่ผู้ชมควรรับรู้เมื่อเครื่องบินสีอิ่มตัวชนกันซึ่งเป็นเสียงสะท้อนของทฤษฎีนีโออิมเพรสชันนิสต์เกี่ยวกับการผสมสีด้วยแสง การสั่นสะเทือนนี้น้อยเกินไปและความรู้สึกของเฉดสีกลางจะเกิดขึ้นชั่วคราว ที่นี่เรากำลังพูดถึงอย่างชัดเจนเกี่ยวกับความจำเป็นในการแนะนำโทนเสียงเฉพาะกาลซึ่ง Matisse มาในภายหลัง

Matisse ต้องการใช้สีที่บริสุทธิ์เช่นเดียวกับจิตรกรคนอื่น ๆ เพื่อหลีกเลี่ยงความน่าเบื่อ - การแสดงภาพที่ตรงกันข้าม แต่เขาจะไม่ประสบความสำเร็จเสมอไปและบางสิ่งของเขาก็มีลักษณะที่น่าเบื่อ (แผง "ดนตรี") ในทางกลับกันในช่วงทศวรรษที่ 10 เขาต้องการรักษาความบริสุทธิ์ของสีเอาไว้ เพื่อหลีกเลี่ยงการผสมสีเขาใช้เทคนิคที่คล้ายกับการเคลือบกระจกของเจ้านายเก่าโดยวางบนสีเข้มที่อ่อนกว่าเช่นชมพู - ขาวฟ้า - ม่วงเป็นต้น จากนั้นเพื่อให้สีสั่นสะเทือนเขาถูลงบนผืนผ้าใบอย่างแรงแทนที่จะใช้สีขาวทำให้มันส่องผ่าน

บางครั้งเขาใช้เลเยอร์ที่มีความหนาแน่นต่างกัน (เช่นใน "Girl with Tulips") ผลักสีหนึ่งไปข้างหน้าเพื่อสร้างความเสียหายให้กับอีกสีหนึ่ง อย่างไรก็ตามมีหลายสิ่งตั้งแต่ปีพ. ศ. 2455 เขียนด้วยพื้นผิวที่เรียบและไม่ซ้ำซากจำเจ หากพื้นผิวของภาพวาดอื่น ๆ ของ Matisse อาจดูแห้งแล้งและซ้ำซากจำเจสิ่งนี้แสดงว่าไม่สนใจวัสดุภาพวาดซึ่งคิดไม่ถึงในศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ แต่เป็นความกลัวที่แปลกประหลาดต่อความรุนแรงต่อวัสดุ สำหรับ Matisse ในฐานะศิลปินนักตกแต่งการผสมผสานของภาพกับฐานของมันผืนผ้าใบมีความสำคัญอย่างยิ่งความขาวและโครงสร้างที่เขาคำนึงถึงมากที่สุดเท่าที่ผู้สร้างอนุสาวรีย์จะคำนึงถึงพื้นผิวของผนัง แต่เมื่อจำฐานบางครั้ง Matisse ก็ลืมเกี่ยวกับสีของตัวเองเกี่ยวกับคุณสมบัติเฉพาะและความเป็นไปได้ของการวาดภาพสีน้ำมัน

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือเทคนิคของรายละเอียดที่ไม่สมบูรณ์โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดใน "โมร็อกโก" "เกมบอล" และสิ่งอื่น ๆ สีในสถานที่เหล่านั้นที่ศิลปินต้องการจะกลบนั้นไม่ได้ถูกทำให้มืดลง แต่เหลือเพียงผืนผ้าใบว่างเปล่า (ซึ่งบางครั้งก็ทำเพื่อให้เห็นแสง) หรือรายละเอียดยังคงไม่เป็นสี (ส่วนใหญ่เป็นแขนขา ฯลฯ ) Matisse จำกัด ตัวเองให้อยู่กับการทาสีด้านและของเหลวและไม่ได้ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับปัญหาพื้นผิว นี่เป็นช่องว่างที่ไม่ต้องสงสัยในงานของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าเราเปรียบเทียบการทำงานหนักในระยะยาวของเขาเกี่ยวกับความแตกต่างของสีซึ่งเป็นงานทางวิทยาศาสตร์ประเภทหนึ่งเกี่ยวกับการศึกษาปฏิกิริยาทางจิตฟิสิกส์ต่อสิ่งนี้หรือความแตกต่างของสีนั้น Matisse ไม่พอใจกับระบบของโทนเสียงเพิ่มเติมซึ่งค้นพบโดย Delacroix ซึ่งนำเข้าสู่ระบบโดย Impressionists เขากำลังมองหาความไม่ลงรอยกันกรีดร้องแสดงความรุนแรง ที่นี่เป็นคู่ขนานกับดนตรีร่วมสมัยของ Stravinsky, Strauss และอื่น ๆ ที่เป็นไปได้เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงเหล่านี้เขาได้รับผลกระทบจากความวิตกกังวลความไม่มั่นคงทางจิตใจและความรู้สึกที่เพิ่มขึ้นมากเกินไปของชนชั้นกลางสมัยใหม่

โดยรวมแล้วงานของ Matisse มีคุณสมบัติทั่วไปหลายประการ ในความพยายามที่จะต่อต้านคุณค่าอันเป็นนิรันดร์ของชีวิตต่อความตึงเครียดที่ปั่นป่วนของชีวิตในศตวรรษที่ 20 เขาได้สร้างโลกแห่งการเฉลิมฉลองขึ้นใหม่ - โลกแห่งการเต้นรำที่ไม่มีที่สิ้นสุดความเงียบสงบอันเงียบสงบของฉากที่งดงามลวดลายพรมและผ้า ผลไม้แจกันสัมฤทธิ์ภาชนะและรูปแกะสลัก เป้าหมายของ Matisse คือการดึงผู้ชมเข้าสู่ขอบเขตของภาพและความฝันในอุดมคตินี้เพื่อถ่ายทอดความรู้สึกสงบหรือคลุมเครือ แต่ทำให้เขาเกิดความวิตกกังวล ผลกระทบทางอารมณ์ของการวาดภาพของเขาเกิดจากความอิ่มตัวของระดับสีเป็นหลักความเป็นดนตรีของจังหวะเชิงเส้นที่สร้างเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหวภายในของรูปแบบและสุดท้ายโดยการย่อยที่สมบูรณ์ขององค์ประกอบทั้งหมดของภาพสำหรับ ซึ่งบางครั้งวัตถุก็กลายเป็นของแปลกประหลาดซึ่งเป็นก้อนสีบริสุทธิ์ (Red Fish, 1911; "Still Life with a Shell", 1940; งานทั้งสองชิ้นอยู่ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน)

Matisse บรรลุความสมบูรณ์และในเวลาเดียวกันความหลากหลายของภาพก่อนอื่นโดยตระหนักถึงการเชื่อมต่อที่แท้จริงและอินทรีย์ระหว่างสีและรูปแบบ - เชิงเส้น - ระนาบ สีมีชัยเหนือรูปแบบสำหรับเขาจนถือได้ว่าเป็นเนื้อหาที่แท้จริงของภาพวาดของเขาและอย่างอื่นก็เป็นเพียงหน้าที่ของสีที่น่าตื่นตาและทรงพลัง การวาดภาพเช่นนี้ใน Matisse เป็นเรื่องรองลงมาจากคุณภาพของสีเสมอการพัฒนาเส้นดำเนินไปควบคู่ไปกับการพัฒนาคุณภาพของภาพ ในช่วงของการค้นหาครั้งแรกค่อนข้างเฉื่อยชาและประมาณตน ("The Dinner Table") รูปวาดของเขาค่อยๆชัดเจนและแสดงออกมากขึ้นเรื่อย ๆ Matisse วาดภาพจากธรรมชาติมากมายและไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยภาพวาดของเขาอยู่ในหลายร้อยภาพเขาเป็นผู้มีความสามารถในการวาดภาพอย่างแท้จริง ทักษะของเขาปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในภาพสเก็ตช์ที่มีชีวิตชีวาและน่าตื่นเต้นจากนางแบบ ประการแรกสิ่งที่น่าทึ่งคือความแม่นยำในการวางตัวเลขลงบนแผ่นค้นหาความสอดคล้องของสัดส่วนกับระนาบของกระดาษทันที แม้แต่ภาพร่างของเขาก็เป็นองค์ประกอบ พวกเขามักจะพอดีกับภาษาอาหรับที่แสดงออกถึงการตัดระนาบในแนวทแยงมุม ชิ้นส่วนของธรรมชาติโดยศิลปินที่เปิดกว้างดูเหมือนจะเปลี่ยนเป็นการเล่นของตกแต่งจุดและจังหวะในทันที อย่างไรก็ตามในเวลาเดียวกันความมีชีวิตชีวาไม่ได้ลดลงเลย แต่เน้นย้ำอย่างชัดเจน โดยไม่ต้องคิดถึงรายละเอียด Matisse จับแกนของการเคลื่อนไหวโดยทั่วไปอย่างชาญฉลาดโดยทั่วไปส่วนโค้งของร่างกายให้ความสมบูรณ์และความสม่ำเสมอในการประกบของแบบฟอร์ม ภาพวาดของ Matisse มีความคมชัดมีชีวิตชีวาเรียบง่ายและพูดน้อยความปั้นของพวกเขามีความพิเศษมากจนไม่สามารถผสมกับผลงานของนักวาดชื่อดังคนอื่น ๆ ในยุคนั้นได้ ในความมีชีวิตชีวาและความเป็นธรรมชาติพวกเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าคนญี่ปุ่นในด้านการตกแต่ง - ในรูปแบบเปอร์เซียขนาดเล็กในการแสดงออกของเส้น - ในภาพวาดของ Delacroix ยิ่งไปกว่านั้นพื้นฐานของพวกเขาไม่ได้อยู่ที่ "ความมีคุณธรรม" เลยไม่ใช่การเสพติดจังหวะที่น่าตื่นเต้น - พวกเขาสร้างสรรค์ในความหมายที่แท้จริงเพราะพวกเขาเปิดเผยรูปแบบพลาสติกที่มีความเชื่อมั่นอย่างสมบูรณ์

ในฐานะศิลปินกราฟิกทำงานโดยใช้ปากกาดินสอถ่านแกะสลักลิโนคัตและการพิมพ์หิน Matisse ทำงานเป็นหลักโดยใช้เส้นบาง ๆ ไม่ต่อเนื่องบางครั้งยาวและกลมตัดผ่านพื้นหลังสีขาวหรือดำ [ชุด "ธีมและรูปแบบต่างๆ "ถ่านปากกา 2484; ภาพประกอบ: to "Poems" by Mallarmé, to "Pasiphae" by de Montherlant, to "Poems of Love" by Ronsard]. ในช่วงทศวรรษที่ 40 Matisse มักใช้เทคนิคการปะติดจากกระดาษสี (Jazz series, 1944-47) Matisse หันมาใช้ประติมากรรมตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1900 แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงทศวรรษที่ 20-30 (ภาพนูน "รูปผู้หญิงเปลือยจากด้านหลัง", บรอนซ์, 1930, Kunstmuseum, Zurich) ผลงานล่าสุด Matisse - การตกแต่งภายใน (รวมถึงหน้าต่างกระจกสี) ของ "Chapel of the Rosary" ในเมือง Vence ใกล้กับ Nice (1953) Matisse เสียชีวิตที่ Cimieux ใกล้เมืองนีซเมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน พ.ศ. 2497

Matisse ช่างร่างที่ยอดเยี่ยมเป็นนักวาดสีที่ประสบความสำเร็จในการสร้างเอฟเฟกต์ของเสียงที่กลมกลืนกันในองค์ประกอบของสีที่เข้มข้นมากมาย นอกเหนือจากภาพวาดแล้วยังมีภาพวาดที่ยอดเยี่ยมการแกะสลักประติมากรรมภาพวาดสำหรับผ้า ผลงานชิ้นสำคัญชิ้นหนึ่งของศิลปินคือการตกแต่งและหน้าต่างกระจกสีของ Dominican Chapel of the Rosary in Vence (1951)

จิตรกรชาวฝรั่งเศส ปลาย XIX - จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 เป็นส่วนหนึ่งของการเต้นรำ นักบัลเล่ต์ผู้สง่างามเดอกาสและคาบาเร่ต์พรีม่าสุดห้าวของตูลูส - เลาเทรคเป็นเพียงรูปแบบที่แตกต่างกันของแฟชั่น ธีมการเต้นรำ... Henri Matisse ผู้ยิ่งใหญ่ก็ไม่มีข้อยกเว้น “ ฉันรักการเต้นจริงๆสิ่งที่น่าทึ่งคือการเต้นชีวิตและจังหวะมันง่ายสำหรับฉันที่จะอยู่กับการเต้น” อาจารย์สารภาพ และแม้ว่าภาพของ Matisse จะดูแปลกแยกกับความเหมือนจริงและภาพวาดตกแต่งของเขาก็มีความคล้ายคลึงกับสาวผิวสีบรอนซ์ใน Tutus เพียงเล็กน้อย แต่รูปแบบของการเต้นรำก็ปรากฏขึ้นอย่างสม่ำเสมอในทุกจุดเปลี่ยนในอาชีพของเขา

การเต้นรำรอบแรกปรากฏในภาพวาด "The Joy of Life" ของศิลปินยุคแรก ๆ ชุดรูปแบบนี้พบการพัฒนาในอีก 4 ปีต่อมาเมื่อ Matisse เริ่มทำงานบนแผงควบคุมขนาดยักษ์ "Dance" และ "Music" ซึ่งรับหน้าที่โดย S. I. Shchukin นักสะสมชื่อดังชาวรัสเซียและผู้ใจบุญ แต่ก่อนหน้านั้นในปีพ. ศ. 2450 ปรมาจารย์ได้ทำการแกะสลักไม้ด้วยนางไม้เต้นรำและแจกันของผู้แต่งหลายคนด้วยแรงจูงใจเดียวกัน หลังจากนั้น Matisse ก็เริ่มสร้างผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่สำหรับคฤหาสน์มอสโกว์ของ Shchukin

"ตอนที่ฉันต้องเต้นที่มอสโคว์ฉันเพิ่งไปที่มูแลงเดอลากาเล็ตต์เมื่อวันอาทิตย์ฉันดูนักเต้นฉันชอบฟารันโดลาเป็นพิเศษ ... กลับไปที่บ้านฉันแต่งเต้นยาวสี่เมตร ร้องเพลงเดียวกัน ". ตัวเลขสีแดงสดที่หมุนวนไปมาในการเต้นรำรอบที่บ้าคลั่งไม่เพียง แต่สร้างความพึงพอใจให้กับลูกค้าเท่านั้น แต่ยังทำให้ผู้สร้างภาพมีชื่อเสียงที่สมควรได้รับอีกด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา Matisse กลับมาสู่รูปแบบของการเต้นรำอีกครั้ง

คำสั่งซื้อซึ่งมาในปี 1930 จากอัลเบิร์ตบาร์นส์นักสะสมชื่อดังชาวอเมริกันเป็นเรื่องยากอย่างแท้จริง: ผ้าใบตกแต่งจะต้องวางไว้ในห้องใต้ดินโค้งเหนือหน้าต่าง ลูกค้าที่มีชื่อเสียงเลือกธีมและเทคนิคอย่างชาญฉลาดให้อยู่ในดุลยพินิจของศิลปิน แต่เมื่อหันมาสนใจเรื่องโปรดของเขา Matisse ได้สร้างผลงานที่ไม่มีทางคล้ายคลึงกับแผง "Shchukin" ที่มีชีวิตชีวาและน่าตื่นตา

การเต้นรำแบบปารีส "ได้รับการคิดขึ้นโดย Matisse ในทศวรรษที่ 7 อย่างไรก็ตามถือเป็นหนึ่งในผลงานที่กล้าหาญและสร้างสรรค์ที่สุดของศิลปินและทั้งหมดนี้เป็นเพราะโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับคำสั่งนี้ผู้เขียนได้คิดค้นและพัฒนาเทคนิคดั้งเดิมของเดคูพาจ (ซึ่งในภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "ตัดออก") เช่นเดียวกับจิ๊กซอว์ขนาดยักษ์ภาพถูกประกอบขึ้นจากชิ้นส่วนที่แยกจากกันจากแผ่นงานที่วาดด้วย gouache มาสโตรเองก็ตัดร่างหรือชิ้นส่วนของพื้นหลังออกด้วยกรรไกรซึ่งในตอนนั้น ( ตามรูปวาดที่ระบุด้วยถ่าน) ติดกับฐานด้วยหมุดขั้นตอนสุดท้าย - การวาดสีบนผืนผ้าใบ - เกิดขึ้นด้วยความช่วยเหลือของจิตรกรทำตามคำแนะนำของศิลปิน

ผลงาน Decoupage ถือเป็นผลงานชิ้นเอกของ Matisse ที่ล่วงลับไปแล้ว เป็นชายชราที่ป่วยอยู่แล้วล้มหมอนนอนเสื่อเขาไม่ยอมทิ้งกรรไกรและเรียกร้องกระดาษสีอยู่ตลอดเวลา

จริงๆแล้วแผง "Parisian Dance" มีอยู่สามเวอร์ชั่น เวอร์ชันแรกสุด แต่ไม่สมบูรณ์เป็นแบบร่างเตรียมการ ในครั้งที่สองงานที่เกือบจะเสร็จสมบูรณ์แล้วความผิดพลาดที่น่ารังเกียจเกิดขึ้น: Matisse ทำผิดขนาดของห้องและต้องเขียนผ้าใบทั้งหมดใหม่อีกครั้ง เวอร์ชันสุดท้ายได้รับการอนุมัติจากลูกค้าและประสบความสำเร็จในการเดินเรือไปต่างประเทศ และก่อนหน้านี้ "มีข้อบกพร่อง" ศิลปินก็นึกถึงและในปีพ. ศ. 2479 เขายอมให้ค่าตอบแทนเล็กน้อยแก่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในเมืองปารีส

ปัจจุบัน "Parisian Dance" ถือเป็นไข่มุกของคอลเลคชันของพิพิธภัณฑ์แห่งนี้อย่างถูกต้องไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่จะมีการสร้างห้องโถงพิเศษเพื่อจัดแสดงผืนผ้าใบขนาดยักษ์ ภาพวาดได้รับการแก้ไขอย่างแน่นหนาบนหน้าต่างสามบานในห้องใต้ดินโค้งและในฐานะผู้อำนวยการพิพิธภัณฑ์ยอมรับอย่างตรงไปตรงมาว่า

แต่ที่นี่ชาวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกโชคดีอย่างไม่น่าเชื่อ: พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยในปารีสถูกปิดเพื่อการบูรณะในระยะยาว แผงควบคุมที่ไม่เหมือนใครถูกส่งไปยังรัสเซียด้วยท่าทางกว้าง ๆ : ตอนแรกมันแขวนเป็นเวลาสามเดือน อาศรมแห่งรัฐและตอนนี้ (ตั้งแต่วันที่ 6 กันยายน) ก็มาถึงพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน และอีกหนึ่งรายละเอียดที่น่าสนใจ: ในขณะที่ทำงานใน "Parisian Dance" อองรีมาติสได้พบกับหญิงสาวชาวรัสเซียที่เรียบง่าย Lydia Nikolaevna Delectorskaya ซึ่งกลายเป็นเลขานุการคนแรกจากนั้นเป็นผู้ช่วยและพยาบาลที่ไม่สามารถถูกแทนที่ได้จากนั้น - เพื่อนสนิทของศิลปินและรำพึงคนสุดท้าย . ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2476 Lydia Delektorskaya ย้ายไปอยู่ที่บ้าน Matisse และ "อยู่" ที่นั่นเป็นเวลาเกือบ 22 ปีจนกระทั่งเจ้านายผู้ยิ่งใหญ่เสียชีวิต

แผง Matisse "Dance" และ "Music" ซึ่งสร้างความอื้อฉาวในงานนิทรรศการ Paris Autumn Salon ในปีพ. ศ. 2453 ได้รับมอบหมายจากศิลปินชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นนักอุตสาหกรรมชาวรัสเซียและนักสะสม S. Shchukin ซึ่งเป็นผู้เชิญ Matisse ไปมอสโคว์แนะนำเขาให้รู้จักกับ V. Bryusov, V. Serov, N. Andreev ทำให้มีโอกาสได้เห็นไอคอนเก่า ๆ ของรัสเซียซึ่งศิลปินชาวฝรั่งเศสรู้สึกยินดี

นี่คือวิธีที่ Matisse นำเสนอแนวคิดของผืนผ้าใบทั้งสองนี้: "ฉันจินตนาการถึงผู้เยี่ยมชมที่เข้ามาชั้นแรกเปิดออกต่อหน้าเขาเขาต้องไปให้ไกลกว่านี้พยายามอย่างเต็มที่เขาต้องสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความรู้สึกร่าเริง แผงแรกของฉันแสดงให้เห็นถึงการเต้นรำการเต้นรำรอบบนยอดเขาบนชั้นสองคุณอยู่ในบ้านแล้วจิตวิญญาณแห่งความเงียบเข้ามาครอบงำที่นี่และฉันเห็นฉากดนตรีที่มีผู้ฟังที่เอาใจใส่ ... "Matisse ยังเห็น ฉากที่สามซึ่งรวบรวมความสงบสุขอย่างสมบูรณ์

งานหลักสำหรับเขาคือการบรรลุความสมบูรณ์ของภาพวาดขาตั้งเหล่านี้ซึ่งมีส่วนเกี่ยวข้องกับวงสถาปัตยกรรมและการตกแต่งเพียงเล็กน้อย การประพันธ์ทั้งสองสะท้อนการประพันธ์ของ Fauvist ของ Matisse ซึ่งสร้างขึ้นภายใต้ความประทับใจโดยตรงของการเต้นรำพื้นบ้านของฝรั่งเศสที่เขาเห็นทางตอนใต้ของฝรั่งเศส

บรรดาผู้ที่รู้จักศิลปินนี้เป็นอย่างดีกล่าวว่าแม้ว่า Shchukin จะไม่ได้สั่งให้เขาแต่งเพลงครั้งที่สอง แต่ก็ยังคงถือกำเนิดขึ้น ใน "การเต้นรำ" ที่มีพลวัตมีชีวิตชีวาเราสามารถมองเห็น foreshortenings ที่ซับซ้อนการผสมผสานของมือและร่างกายที่ผิดปกติและในจังหวะที่ตรงกันข้ามกับ "ดนตรี" พื้นฐานของการแก้ปัญหาการเรียบเรียงไม่ใช่พลวัตไม่ใช่การเคลื่อนไหว แต่เป็นความไม่สามารถเคลื่อนที่ได้โดยสิ้นเชิง ตัวเลขที่ตั้งอยู่ด้านหน้า ผืนผ้าใบสองผืนผืนหนึ่งมีรูปเต้นรำห้าตัวอีกผืนหนึ่งมีรูปที่ลุกเป็นไฟห้าตัวมีขนาดสีคล้ายกันในการอ่านระนาบของรูปแบบในรูปแบบนามธรรม แต่ตรงข้ามกันในจังหวะ Matisse ในขณะที่เขาเขียนเองได้วาดภาพวาดของเขา "ถึงจุดอิ่มตัวเพื่อที่ ... สีน้ำเงินจะถูกเปิดเผยออกมาอย่างสมบูรณ์ในฐานะความคิดของสีน้ำเงินที่แท้จริง"

หลังจาก "การเต้นรำ" และ "ดนตรี" ก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวที่ Salon d'Automne S. Shchukin ปฏิเสธที่จะพาพวกเขาออกไปและอธิบายเรื่องนี้ด้วยความไม่สุภาพในการอธิบายของร่างบางอย่างละเอียด เด็กสาวเพิ่งมาอาศัยอยู่ในบ้านของเขาและเขาไม่ต้องการทำให้พวกเขาลำบากใจ อย่างไรก็ตามหลังจากนั้นไม่นานเขาก็เปลี่ยนใจ อย่างไรก็ตาม Matisse ต้องทาสีแดงลงบนร่างของเด็กชายนักเป่าปี่เพื่อปกปิดสัญญาณของเพศ ตอนนี้แผง "Dance" และ "Music" ของ Matisse จัดแสดงอยู่ที่ State Hermitage Museum ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Henri Matisse ชื่นชอบศิลปะแนวอิมเพรสชั่นนิสต์และนีโออิมเพรสชันนิสต์โกแกงซึ่งเป็นศิลปะแห่งอาหรับตะวันออกเมื่ออายุ 35 ปีเขากลายเป็นผู้นำของ Fauves สีสันของเขาดูหรูหราและซับซ้อนและจังหวะเชิงเส้นดนตรีที่สร้างเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหวภายใน ไม่มีผู้ติดตามของ Matisse คนใดสามารถบรรลุได้เช่นเดียวกับที่เขาทำองค์ประกอบที่สมบูรณ์และการตกแต่งที่อยู่ใต้บังคับบัญชาขององค์ประกอบทั้งหมดของภาพเขายังคงอยู่ ปรมาจารย์ที่สมบูรณ์ ภาพวาดตกแต่ง... ตัวเขาเองได้สร้างโลกแห่งดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองการเต้นรำอย่างรวดเร็วโลกแห่งรูปแกะสลักที่เปล่งประกายแจกันและผลไม้โลกแห่งความสงบอันเงียบสงบและการให้อภัยที่สนุกสนาน

Henri Matisse เกิดเมื่อวันที่ 31 ธันวาคม พ.ศ. 2412 ทางตอนเหนือของฝรั่งเศสในแคว้นกาโต - แคมเบรสซีและใช้ชีวิตในวัยเด็กที่เมืองโบเอน - ออง - แวร์มันโดอิส พ่อของเขาเป็นพ่อค้าธัญพืชและใฝ่ฝันว่าลูกชายของเขาจะเป็นทนายความ หลังจาก Lyceum Saint-Quentin Matisse เรียนกฎหมายในปารีสทำงานให้กับทนายความใน Boen-en-Vermandois เป็นครั้งแรกที่เขาลองวาดภาพหลังจากเข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลและได้รับการผ่าตัดไส้ติ่งอักเสบถูกนำออก ตอนอายุ 20 ปีเขาเริ่มวาดรูปที่ School of Ventin de la Tour และในปีพ. ศ. 2434 ไปปารีสซึ่ง Bouguereau และ Ferrier เตรียมให้เขาเข้าโรงเรียนวิจิตรศิลป์ ในหลักสูตรภาคค่ำที่ School of Decorative Arts เขาได้พบกับ Albert Marquet และเข้าเวิร์คช็อปของ Gustave Moreau ที่ School of Fine Arts เขาคัดลอกจำนวนมากในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์เดินทางไปบริตตานีและในปีพ. ศ. 2440 ได้จัดแสดงที่ Salon of the National Society of Fine Arts หนึ่งในผลงานอิมเพรสชั่นนิสต์ที่สำคัญที่สุดของเขานั่นคือภาพวาด "Dessert"

Matisse มักถูกเรียกว่าลูกชายและสามีของ Milliner ในปีพ. ศ. 2441 เขาได้แต่งงานกับคำอธิษฐาน Amelia-Noe-mi-Alexandrine ที่สูงสง่า พวกเขาพากันไปลอนดอนซึ่ง Matisse ได้เห็นผลงานเรื่อง "herald of the sun" เป็นครั้งแรกที่โรแมนติกซึ่งเป็นที่เคารพนับถือของอิมเพรสชั่นนิสต์ - เทอร์เนอร์ เพื่อนคนหนึ่งของ Matisse เล่าว่า Matisse บอกว่าเขารักลอนดอนเพราะ "เจอเขาครั้งแรกในชีวิตของเขา ฮันนีมูน".

หลังจากลอนดอนศิลปินไปคอร์ซิกาไปตูลูส เมื่อ Moreau เสียชีวิต Matisse ออกจาก School of Fine Arts และในปีพ. ศ. 2442 ก็เริ่มเข้าเรียนที่ Carriere Academy รับงานประติมากรรม (ในหลักสูตรภาคค่ำ) ในบรรดาเพื่อนของเขา ได้แก่ Pissarro, Derain, Puy, Marquet ซึ่งเขาได้วาดลวดลายตกแต่ง Mignac, Cross, Maillol และศิลปินชื่อดังคนอื่น ๆ ในเวลานั้น

ในปี 1901 Matisse เริ่มจัดแสดงผลงานของเขาที่ Salon of the Independent ที่ Berthe Weil Gallery และที่ Salon d'Automne การทำงานร่วมกับ Signac และ Cross ในปี 1904 Matisse รู้สึกทึ่งกับการแบ่งแยกซึ่งเป็นระบบจิตรกรที่อาศัยการสลายตัวของโทนสีที่ซับซ้อนอย่างเป็นระบบให้เป็นสีที่บริสุทธิ์ซึ่งติดอยู่บนผืนผ้าใบโดยมีจังหวะที่แยกจากกัน

และในปี 1905 Matisse ได้กลายเป็นผู้นำเทรนด์ใหม่ - Fauvism ที่ Salon d'Automne, Mangen, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta ได้จัดแสดงร่วมกับเขาซึ่งมีความคิดเห็นเกี่ยวกับการวาดภาพเช่นเดียวกับเขาพยายามที่จะมุ่งเน้นไปที่โทนสีขององค์ประกอบของพวกเขาโดยพิจารณาจากอัตราส่วน ของจุดสีในท้องถิ่นที่สดใส

ในปีพ. ศ. 2449 ที่ Salon of the Independent Matisse ได้จัดแสดงผลงานประพันธ์ที่ใหญ่ที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาชื่อ "The Joy of Life" ซึ่งต่อมาทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับแผง "Dance" ในช่วงเวลานี้เขาทำไม้และพิมพ์หิน ในขณะที่ฉันไปแอลจีเรียและจากนั้นไปอิตาลี

ในปีพ. ศ. 2450 กลุ่ม Fauvist ได้เลิกกันและ Matisse ได้เปิดการประชุมเชิงปฏิบัติการของตัวเอง ภาพวาดของเขาจัดแสดงในนิวยอร์กมอสโกเบอร์ลิน เขาเผยแพร่ Notes of a Painter และตั้งรกรากอยู่ในเขตชานเมืองของปารีส Issy-les-Moulineaux

ในปีพ. ศ. 2453 เรื่องอื้อฉาวได้ปะทุขึ้นใน Salon d'Automne เนื่องจากแผง "Dance" และ "Music" ของเขา ในปีพ. ศ. 2454 Matisse ไปเยี่ยมชมมอสโกในปีพ. ศ. 2455 - โมร็อกโกเริ่มจัดแสดงประติมากรรม ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมานิทรรศการส่วนตัวของเขาได้ถูกจัดขึ้นในหลายเมืองทั่วโลกและหอศิลป์ Bernheim-Gen ได้จัดนิทรรศการส่วนตัวของเขาเป็นประจำ

ในปี 1920 Henri Matisse ตามคำร้องขอของ S. Diaghilev ได้สร้างแบบจำลองทิวทัศน์และภาพร่างเครื่องแต่งกายสำหรับบัลเล่ต์รัสเซีย

ในปีพ. ศ. 2464 เขาย้ายไปที่นีซเริ่มทำงาน ภาพประกอบหนังสือ และรับหน้าที่โดยบาร์นส์อเมริกันสร้างแผงจิตรกรรมขนาดมหึมา "Dance" ซึ่งติดตั้งในเมือง Merion ในปีพ. ศ. 2476

ปิแอร์ลูกชายของศิลปินเปิดแกลเลอรีของตัวเองในนิวยอร์กซึ่งเขาจัดแสดงผลงานของพ่อ หลังจากผ่านการผ่าตัดที่ยากลำบากในปี 1941 ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Matisse ทำงานในฐานะศิลปินหนังสือมากขึ้นและเริ่มสนใจในการจับแพะชนแกะ

Matisse ส่วนใหญ่ชอบวาดภาพดอกไม้ต้นไม้และผู้หญิง นี่คือวิธีที่เขาเขียนเกี่ยวกับงานของเขา:“ ฉันพึ่งพานางแบบของฉันโดยสมบูรณ์ซึ่งฉันศึกษาเมื่อเธอว่างจากการวางตัวและจากนั้นฉันก็ตัดสินใจเลือกท่าที่เหมาะกับเธอมากที่สุด รุ่นใหม่, ฉันเห็นท่าทางที่เหมาะสมสำหรับเธอเมื่อเธออยู่ในสภาพผ่อนคลายและพักผ่อนและฉันกลายเป็นทาสของท่านี้ บางครั้งฉันทำงานกับเด็กผู้หญิงเหล่านี้เป็นเวลาหลายปีจนกระทั่งความสนใจลดลง บางทีป้ายพลาสติกของฉันอาจแสดงถึงสภาพจิตใจ ... ที่ฉันสนใจอย่างไม่ต้องสงสัย ...

นั่นคือเหตุผลที่ผู้หญิงของเขาเหมือนดอกไม้และดอกไม้ก็เหมือนคนมีชีวิต ...

Matisse ให้วิสัยทัศน์ใหม่ของโลก ถ้าก leonardo ผู้ยิ่งใหญ่ ดาวินชีแย้งว่าปาฏิหาริย์หลักของการวาดภาพคือความสามารถในการถ่ายทอดปริมาตรของสิ่งต่างๆจากนั้น Matisse ก็แปลทุกอย่างเป็นเครื่องบิน แอปเปิ้ลเปลี่ยนจากลูกบอลเป็นวงกลม Matisse ใช้ความลึกออกไปจากการวาดภาพและเริ่มเปลี่ยนธรรมชาติทำให้สอดคล้องกับความคิดของเขา เขาสามารถปราบร่างมนุษย์ให้อยู่ในแนวของเครื่องประดับได้เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นใน "ห้องแดง" ของเขาเขาสามารถเปลี่ยนร่างให้สัมพันธ์กับการสนับสนุน - สิ่งนี้เขาทำใน "Standing Dawn" แม้แต่พื้นของเขาก็ลาดลงในทันใดและสีสันก็ให้ความรู้สึกทางกายภาพของอากาศที่อบอ้าว ("ทางเข้า Kozba") หรือเย็นสบาย น้ำใส ในพิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำ ("ปลาแดง")

ด้วยรูปแบบการทาสีพรมตะวันออกของ Matisse ที่น่าพึงพอใจเขาได้รับความสัมพันธ์ของสีที่กลมกลืนและแม่นยำเพียงใด! งดงามเต็มไปด้วยแสงจากภายในที่ลึกลับและสิ่งมีชีวิตที่ยังคงอยู่การถ่ายภาพบุคคลและภาพเปลือยของเขา

นักวิจารณ์งานศิลปะกล่าวว่าถ้า Matisse ไม่ใช่จิตรกรเขาจะได้เข้าสู่สิบอันดับแรกของประติมากรฝรั่งเศส เขาเป็นคนแรกที่ใช้การเสียรูปเพื่อประโยชน์ในการแสดงออกและในขณะที่เขายอมรับว่าถ้ามายอลในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านโบราณวัตถุทำงานในปริมาณมากเขาก็เหมือนกับปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลงใหลในภาษาอาหรับ เส้นเงา หนึ่งในรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Matisse "The Big Seated Nude" ถูกสร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1920 ในเวลาเดียวกันกับภาพวาด "Odalisque" และ "Nude Seated on a Blue Cushion"

ผู้ร่วมสมัยกล่าวว่าเมื่อมาติสเซ่ปั้นเขามักจะทำให้ดินเหนียวเปียกและจากนี้เมื่อหมุนเครื่องจักรร่างมักจะล้มลงและทรุดตัวลง จากนั้น Matisse ก็หยิบแปรงในมือของเขาและถ่ายโอนการมองเห็นพลาสติกของเขาไปยังผืนผ้าใบ

หนึ่งในคนสุดท้าย งานใหญ่ Henri Matisse เป็นผู้ออกแบบ "Chapel of the Rosary" ในเมืองแวนซ์ใกล้กับเมืองนีซซึ่งตั้งแต่ปีพ. ศ. 2491 ถึงปีพ. ศ. 2494 เขาทำงานเป็นสถาปนิกและในฐานะจิตรกรและในฐานะประติมากรและเป็นมัณฑนากร

การวาดภาพที่ผิดปกติแสงพลาสติกได้ครอบครองหนึ่งในสถานที่หลักในงานของ Matisse มาโดยตลอด ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ภาพวาดของเขาได้รับการพัฒนาอย่างดีและมีความเฉพาะเจาะจงต่อมาเขาเริ่มสนใจภาพวาดพู่กันซึ่งกลายเป็นสีสันที่น่าประหลาดใจ ในปีพ. ศ. 2462 ในภาพวาดของเขาปรากฏ "รูปแบบของหมวกที่มีขนนกกระจอกเทศ" ในปีพ. ศ. 2478 - "ธีมของกระจก" ในปีพ. ศ. 2483 - "รูปแบบของผู้หญิงในเก้าอี้นวม" และในปีพ. ศ. 2487 - เป็น "ธีมของ ลูกพีช". ในเทคนิคการวาดภาพที่มีขนาดมหึมาพลาสติกเปรียบเสมือนภาพวาดชิ้นสุดท้ายของเขาใน "Chapel of the Rosary" ก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน

Louis Aragon ในนวนิยายที่แปลกแหวกแนว "Henri Matisse" เขียนว่า:

ทุกชีวิต

ดึงคำพูดที่ฟังดูเข้ามาในตัวเขา ...

ในปีพ. ศ. 2495 พิพิธภัณฑ์ Henri Matisse เปิดให้บริการใน Cato Cambresi เปิดในช่วงอายุของศิลปิน

ในบทความชื่อ "เราต้องมองโลกผ่านสายตาของเด็ก" Henri Matisse เปิดเผยความลับของความสดชื่นและเสน่ห์ของผลงานของเขา: "ฉันเชื่อว่าสำหรับศิลปินไม่มีอะไรยากไปกว่าการวาดภาพดอกกุหลาบ แต่เขาสามารถสร้างดอกกุหลาบของตัวเองได้โดยลืมนึกถึงดอกกุหลาบทั้งหมดที่เขียนไว้ตรงหน้าเขา ... ขั้นตอนแรกในการสร้างสรรค์คือการมองเห็นรูปลักษณ์ที่แท้จริงของวัตถุแต่ละชิ้น ... การสร้างคือการแสดงออกถึงสิ่งที่อยู่ในตัวคุณ "

ความสว่างของสีความเรียบง่ายของเทคนิคการแสดงออก - ภาพวาดของ Henri Matisse ศิลปินชาวฝรั่งเศสประหลาดใจกับความคิดริเริ่มของพวกเขา ผู้นำของ Fauvism ได้ลองใช้แนวโน้มต่างๆในทัศนศิลป์ก่อนที่จะค้นพบสไตล์ของตัวเองที่มีลักษณะ "ป่าเถื่อน"

วัยเด็กและเยาวชน

บ้านเกิดของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่คือเมือง Le Cato-Cambresi ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส ที่นี่ในปีพ. ศ. 2412 ในครอบครัวของพ่อค้าธัญพืชที่ประสบความสำเร็จลูกคนแรกเกิดซึ่งมีชื่อว่า Henri Emile Benoit Matisse ชะตากรรมของเด็กเป็นข้อสรุปมาก่อน - ในเวลานั้นทายาทคนแรกในครอบครัวมีหน้าที่ต้องรับช่วงธุรกิจของพ่อในอนาคต แต่เห็นได้ชัดว่าเด็กชายได้รับยีนของแม่ของเขาซึ่งเป็นที่รักในขณะที่อยู่ห่างออกไป เวลาว่าง สำหรับการวาดภาพงานฝีมือเซรามิก

อองรีเตรียมพร้อมสำหรับอนาคตโดยละเอียดเขาเรียนที่โรงเรียนจากนั้นก็เรียนที่ไลเซียม นอกจากนี้ลูกชายที่ดื้อรั้นซึ่งขัดต่อเจตจำนงของหัวหน้าครอบครัวได้ไปปารีสเพื่อเรียนรู้วิทยาศาสตร์ทางกฎหมาย ด้วยประกาศนียบัตรที่ห่างไกลจากศิลปะเขาจึงกลับบ้านซึ่งเขาทำงานเป็นเสมียนเป็นเวลาหลายเดือน

ชะตากรรมถูกตัดสินโดยโรค ชีวประวัติความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินที่มีพรสวรรค์เริ่มต้นในปี พ.ศ. 2432 เมื่ออองรีมาติสอยู่ภายใต้คมมีดของศัลยแพทย์ที่มีไส้ติ่งอักเสบ

เขากำลังฟื้นตัวหลังจากการผ่าตัดเป็นเวลาสองเดือน เพื่อไม่ให้ลูกชายเบื่อแม่ของเขาจึงนำอุปกรณ์การวาดภาพไปที่โรงพยาบาลและ Matisse ก็เริ่มคัดลอกการ์ดสีอย่างไม่เห็นแก่ตัว ในเวลานี้ในที่สุดชายหนุ่มก็เข้าใจแล้วว่าเขาต้องการอุทิศชีวิตเพื่ออะไร

จิตรกรรม

ความฝันที่จะเป็นนักเรียนของ Moscow School of Fine Arts ไม่เป็นจริง อองรีล้มเหลวในการเข้ารับการคัดเลือกครั้งแรกดังนั้นเขาจึงต้องไปนั่งที่โต๊ะทำงานของคนอื่นก่อน สถาบันการศึกษาซึ่งพวกเขาแนะนำคุณให้รู้จักกับพื้นฐานการวาดภาพ 2438 "ป้อมปราการ" ก็ยอมจำนนพร้อมกับอัลเบิร์ตมาร์เกต์มาติสศิลปินชื่อดังในอนาคตเขาได้เข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะที่เป็นที่ต้องการในการประชุมเชิงปฏิบัติการของกุสตาฟโมโร

วงกลมแห่งความสนใจที่จุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์รวมอยู่ด้วย ศิลปะสมัยใหม่Henri Matisse ยังอยากรู้อยากเห็นเกี่ยวกับทิศทางของญี่ปุ่น Symbolist ที่เป็นแกนกลางของ Moreau ส่งนักเรียนของเขาไปเรียนรู้การ "เล่นกับสี" ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ที่ซึ่ง Henri พยายามเลียนแบบภาพวาดคลาสสิกโดยการคัดลอกรูปภาพ อาจารย์สอนให้รู้จัก“ ความฝันของสี” ซึ่งเป็นจุดที่ศิลปิน Matisse พัฒนาความหลงใหลในการค้นหาเฉดสีที่เหมาะสมเพื่อถ่ายทอดอารมณ์

ใน ทำงานก่อน การผสมผสานระหว่างคำสอนของโมโรกับองค์ประกอบที่ยืมมาจากปรมาจารย์แห่งพู่กันที่เป็นที่รู้จักได้ปรากฏขึ้นแล้ว ตัวอย่างเช่นหุ่นนิ่ง "A bottle of schidam" มีความโดดเด่นในเรื่องความคลุมเครือ: ในแง่หนึ่งสีเข้มจะเลียนแบบ Chardin และลายเส้นกว้างและส่วนผสมของสีดำและสีเงิน - อองรียอมรับในภายหลัง:

“ ฉันรับรู้ด้านที่แสดงออกมาของสีโดยสัญชาตญาณล้วนๆ การแสดงภูมิทัศน์ในฤดูใบไม้ร่วงฉันจำไม่ได้ว่าเฉดสีใดที่เหมาะกับช่วงเวลานี้ของปีฉันจะได้รับแรงบันดาลใจจากความรู้สึกของฤดูใบไม้ร่วงเท่านั้น ... ฉันเลือกสีที่ไม่ได้เป็นไปตามทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์ใด ๆ แต่เป็นไปตามความรู้สึกการสังเกต และประสบการณ์”

การศึกษาเรื่องคลาสสิกทำให้ศิลปินเบื่อหน่ายอย่างรวดเร็วและเขาหันไปหาพวกอิมเพรสชั่นนิสต์โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดที่ชื่นชม สีในผลงานยุคแรกยังคงหม่นหมอง แต่ค่อยๆร่ำรวยขึ้นความโน้มถ่วงที่มีต่ออิมเพรสชั่นนิสม์เริ่มเปลี่ยนเป็นรูปแบบเฉพาะของตัวเอง ในปีพ. ศ. 2439 การสร้างสรรค์ครั้งแรกของจิตรกรมือใหม่เริ่มปรากฏในร้านศิลปะ

นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกไม่ได้สร้างความแตกต่างในแวดวงคนรักศิลปะ อองรีมาติสส์ตัดสินใจออกจากเมืองหลวงของฝรั่งเศสไปทางเหนือซึ่งเขาได้ลองใช้เทคนิคการตีจุด ในเวลานี้ผลงานชิ้นเอกชิ้นแรก "หรูหราความสงบและความสุข" ออกมาจากใต้ปากกาของเขา แต่ชายคนนั้นไม่พบลักษณะการเขียน "พื้นเมือง" เช่นนี้

การปฏิวัติผลงานของศิลปินเกิดขึ้นในปีพ. ศ. 2448 Matisse ร่วมกับกลุ่มคนที่มีใจเดียวกันสร้างขึ้น รูปแบบใหม่ ในภาพวาดเรียกว่า Fauvism พลังงานของสีที่นำเสนอในนิทรรศการในฤดูใบไม้ร่วงทำให้ผู้ชมประหลาดใจ Henri นำเสนอผลงานสองชิ้น ได้แก่ ภาพเหมือน "Woman in the Hat" และภาพวาด "Open Window"

คลื่นแห่งความขุ่นเคืองส่งผลกระทบต่อศิลปินผู้เยี่ยมชมนิทรรศการไม่เข้าใจว่าจะละเลยประเพณีทั้งหมดได้อย่างไร ทัศนศิลป์... ผู้ก่อตั้งสไตล์ถูกขนานนามว่า Fauves นั่นคือคนป่าเถื่อน

อย่างไรก็ตามความสนใจดังกล่าวแม้ว่าจะเป็นเชิงลบ แต่ก็ทำให้ความนิยมของ Matisse และเงินปันผลที่ดี: ภาพวาดมีแฟน ๆ ที่พอใจที่จะซื้อพวกเขา ตัวอย่างเช่นเกอร์ทรูดสไตน์นักเขียนชาวอเมริกันได้พา Woman in the Hat ไปที่นิทรรศการทันทีและภาพวาด The Joy of Life ซึ่งปรากฏในปี 1906 ถูกซื้อโดยนักสะสมชื่อดัง Leo Stein

หลังจากนั้นไม่นานมันก็เกิดขึ้น เหตุการณ์สำคัญ - ศิลปินได้พบกับการสื่อสารที่ยังไม่เป็นที่รู้จักส่งผลให้เกิดมิตรภาพหลายทศวรรษระหว่างที่ปรมาจารย์พู่กันแข่งขันกัน ปิกัสโซกล่าวว่าการเสียชีวิตของคนใดคนหนึ่งจะเป็นการสูญเสียที่ไม่อาจแก้ไขได้สำหรับทุกคนเพราะไม่มีใครพูดถึงประเด็นสร้างสรรค์บางอย่างอย่างรุนแรง

ภาพเขียนที่มีชื่อเสียงที่สุดสองชิ้น - "การเต้นรำ" และ "ดนตรี" - Matisse เขียนขึ้นเพื่อผู้มีพระคุณ Sergei Shchukin รัสเซียสั่งซื้อภาพวาดสำหรับบ้านในมอสโกว ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับภาพร่างศิลปินตั้งเป้าหมายที่จะสร้างบางสิ่งที่จะทำให้ผู้ที่เข้ามาในคฤหาสน์รู้สึกโล่งใจและสงบสุข เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่อองรีดูแลการติดตั้งภาพวาดเป็นการส่วนตัว - ชาวฝรั่งเศสมาถึงเมืองหลวงของรัสเซียซึ่งเขาได้รับการต้อนรับด้วยความกระตือรือร้น ศิลปินเองรู้สึกประทับใจกับการสะสมไอคอนโบราณของเจ้าของบ้านและความเรียบง่ายของชาวรัสเซีย

เห็นได้ชัดว่าศิลปินได้รับค่าตอบแทนที่ดีเพราะเขาไปเที่ยวทันที เยี่ยมชม นิทานตะวันออก แอลจีเรียและกลับบ้านก็นั่งทำงานทันทีแสงเห็นภาพ "บลูนู้ด" การเดินทางครั้งนี้สร้างความประทับใจให้กับ Matisse อย่างลบไม่ออกองค์ประกอบใหม่ ๆ ปรากฏในผลงานของเขาชายคนนี้สร้างภาพพิมพ์หินแกะสลักบนเซรามิกและไม้

เสน่ห์ของตะวันออกไม่ยอมปล่อยชาวฝรั่งเศสยังคงทำความคุ้นเคยกับแอฟริกาหลังจากเดินทางไปโมร็อกโก แล้วเขาก็ไปเที่ยวยุโรปและอเมริกา ในเวลานี้งานของเขาค่อยๆสูญเสียสัญญาณของลัทธิ Fauvism เติมเต็มไปด้วยความละเอียดอ่อนและความลึกซึ้งเป็นพิเศษการเชื่อมต่อกับธรรมชาติปรากฏขึ้น

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองศิลปินได้รับการวินิจฉัยว่าเป็นเนื้องอกวิทยาหลังจากการผ่าตัดชายคนนี้ไม่สามารถเคลื่อนไหวได้ ในช่วงเวลานั้น Matisse ได้คิดค้นแนวทางใหม่ในด้านเดคูพาจซึ่งมีพื้นฐานมาจากการรวบรวมภาพวาดจากกระดาษสี

Henri Matisse ยุติการทำงานด้วยโครงการออกแบบขนาดใหญ่ แม่ชี ในแวนซ์ ว่ากันว่าศิลปินถูกขอให้แก้ไขภาพร่างกระจกสีเท่านั้น แต่เขาก็พับแขนเสื้อขึ้นอย่างกระตือรือร้นและสร้างโครงการที่สมบูรณ์ อย่างไรก็ตามชายคนนี้ถือว่างานนี้เป็นสัญญาณบ่งบอกโชคชะตาในช่วงสุดท้ายของชีวิตและเป็นผลงานศิลปะที่ดีที่สุดในกระปุกออมสินของเขา

ชีวิตส่วนตัว

ชีวิตส่วนตัวของ Henri Matisse ได้รับการยกย่องจากผู้หญิงสามคน ในปี 1984 ศิลปินได้กลายเป็นพ่อเป็นครั้งแรก - นางแบบ Carolina Zhobleau มอบลูกสาว Margarita จิตรกรที่มีพรสวรรค์ อย่างไรก็ตามอองรีไม่ได้แต่งงานกับผู้หญิงคนนี้เลย

ภรรยาอย่างเป็นทางการคือ Amelie Pareyre ซึ่งตัวแทนของโลกแห่งภาพวาดได้พบในงานแต่งงานของเพื่อน หญิงสาวทำหน้าที่เป็นเพื่อนเจ้าสาวและอันริบังเอิญนั่งอยู่ข้างๆโต๊ะ Amelie หลงรักแรกพบชายหนุ่มก็เริ่มแสดงสัญญาณของความสนใจ เด็กสาวกลายเป็นคนใกล้ชิดคนแรกที่เชื่อมั่นในพรสวรรค์ของเขาโดยไม่มีเงื่อนไข

ก่อนแต่งงานเจ้าบ่าวเตือนเจ้าสาวว่างานจะเป็นหลักในชีวิตเสมอ แม้แต่ในช่วงฮันนีมูนครอบครัวที่เพิ่งสร้างใหม่ก็ไปลอนดอนเพื่อทำความคุ้นเคยกับผลงานของวิลเลียมเทอร์เนอร์

ลูกชายของ Jean-Gerard และ Pierre เกิดในชีวิตสมรส คู่สมรสยังพา Margarita เข้ามาในครอบครัวเพื่อการศึกษา ปีที่ยาวนาน ลูกสาวและภรรยาเข้ามาแทนที่นางแบบหลักและเพลงของศิลปิน หนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่อุทิศให้กับภรรยาของเขาคือ The Green Stripe ซึ่งวาดในปี 1905

ภาพเหมือนของหญิงอันเป็นที่รักคนนี้สร้างความประหลาดใจให้กับผู้ชื่นชอบงานศิลปะในยุคนั้นด้วย "ความอัปลักษณ์" ผู้ชมเชื่อว่าตัวแทนของ Fauvism ไปไกลเกินไปกับความสว่างของสีและความจริงตรงไปตรงมา

เมื่อถึงจุดสูงสุดของความนิยมซึ่งลดลงในยุค 30 ศิลปินต้องการผู้ช่วย Matisse ย้ายไปเมืองนีซพร้อมกับครอบครัวในเวลานั้น ครั้งหนึ่ง Lydia Delektorskaya ผู้อพยพหนุ่มชาวรัสเซียปรากฏตัวในบ้านและกลายเป็นเลขานุการของจิตรกร ตอนแรกภรรยาไม่เห็นอันตรายในตัวหญิงสาว - สามีของเธอไม่ชอบคนผมบลอนด์ แต่สถานการณ์เปลี่ยนไปทันที: เมื่อเขาเห็นลิเดียโดยบังเอิญในห้องนอนของภรรยาอองรีรีบไปดึงเธอ

ต่อจากนั้น Amelie หย่าขาดจากสามีที่มีชื่อเสียงของเธอและ Dilektorskaya กลายเป็นรำพึงสุดท้ายของ Matisse ความสัมพันธ์แบบไหนที่ปกครองในสหภาพนี้เป็นความรักหรือทั้งคู่ถูก จำกัด ให้ทำงานร่วมกันยังไม่เป็นที่ทราบแน่ชัด ท่ามกลางการกระจัดกระจายของภาพวาดและภาพวาดที่แสดงถึงลิเดียผืนผ้าใบ“ Odalisque ความสามัคคีสีฟ้า”.

ความตาย

เมื่อวันที่ 1 พฤศจิกายน พ.ศ. 2497 Henri Matisse ประสบภาวะไมโครสโตรก ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่จากไปในอีกสองวันต่อมา ตำนานเล่าว่าก่อนที่เธอจะเสียชีวิต Dilektorskaya ไปเยี่ยมจิตรกรในห้องนอนซึ่งเธอพูดว่า:

"ในวันอื่นคุณจะบอกว่ามามีดินสอและกระดาษกันเถอะ"

อองรีตอบด้วยรอยยิ้ม:

"ไปรับดินสอและกระดาษกันเถอะ"

งานศิลปะ

พ.ศ. 2439 - "ขวดชฎา"
2448 - "ความสุขของชีวิต"
พ.ศ. 2448 - "ผู้หญิงสวมหมวก"
พ.ศ. 2448 - "แถบสีเขียว"
พ.ศ. 2448 - "เปิดหน้าต่างที่ Collioure"
2450 - สีน้ำเงินนู้ด
2451 - ห้องสีแดง
พ.ศ. 2453 - "ดนตรี"
พ.ศ. 2459 - "อาบน้ำริมแม่น้ำ"
พ.ศ. 2478 - "ชมพูนู้ด"
พ.ศ. 2480 - "ผู้หญิงในเสื้อคลุมสีม่วง"
พ.ศ. 2483 - "เสื้อเชิ้ตโรมาเนีย"
2495 - ความโศกเศร้าของกษัตริย์

วัยเด็กและเยาวชน

จิตรกรรม

ชีวิตส่วนตัว

ความตาย

งานศิลปะ

ทางเลือกของบรรณาธิการ