Still life drawing lessons. Paano gumuhit ng isang still life gamit ang isang lapis hakbang-hakbang: maikling mga tagubilin

Alam mo ba na ang proseso ng pagguhit ay hindi lamang naglalagay sa isang tao ng isang pakiramdam ng kagandahan, ngunit nakakatulong din upang makayanan ang nakababahalang mga sitwasyon, pinapakalma ang iyong mga nerbiyos at lumilikha ng kapayapaan sa iyong kaluluwa? Dahil dito, inirerekumenda na maglaan ng kahit ilan sa iyong libreng oras sa aktibidad na ito. Alamin natin kung paano gumuhit ng still life gamit ang prutas gamit ang lapis.

Pangkalahatang Impormasyon

Upang matutunan kung paano magpinta ng isang still life na may prutas, kailangan mo munang maunawaan kung ano ang ibig sabihin ng mismong termino. Bilang karagdagan, kailangan mong malaman kung anong mga katangian ang dapat ihanda ng isang artista sa hinaharap upang lumikha ng kanyang sariling obra maestra. Ang isang pagpipinta na naglalarawan ng mga bagay na walang buhay (hindi mahalaga, isa o higit pa) ay tinatawag na buhay na buhay. Isinalin mula sa Pranses ang katagang ito ay parang "patay na kalikasan". Depende sa paglipad ng magarbong, maaari mong gamitin ang mga bulaklak, mga bagay sa mga kuwadro na gawa gamit sa bahay, Prutas at gulay. Ang still life ay kadalasang naglalaman ng isang elemento tulad ng tela (anumang kulay at texture).

Mga Kinakailangang Katangian

Upang makayanan ang paparating na trabaho at makabisado ang lahat ng mga nuances, kailangan mong maghanda nang maaga mga kinakailangang kasangkapan. Kakailanganin mong:

Isang sheet ng papel o canvas (lahat ito ay depende sa kung anong laki ang nais mong likhain ang iyong unang obra maestra);

Simpleng lapis;

Tela at mga bagay na gagamitin mo bilang kalikasan;

Magandang ilaw.

Kung plano mong magpinta ng isang larawan, kung gayon, bilang karagdagan sa lahat, dapat kang magpasya kung anong uri ng mga pintura ang iyong gagamitin (watercolor o langis) at pumili ng mga brush at isang palette nang naaayon. At, siyempre, huwag kalimutan ang tungkol sa tubig.

Pamamaraan ng graphics

Upang ang iyong pagpipinta ay maging katulad ng napiling komposisyon, kailangan mo munang makabisado ang pamamaraan. Dapat kang matutong maghatid ng mga highlight, anino at texture. Ang isang still life na may prutas sa lapis ay nagsisimula sa isang sketch. Ito ay inilalarawan sa isang hiwalay na sheet. Dito ay itinatala lamang nila ang pag-aayos ng mga bagay nang hindi ganap na iginuhit ang mga ito. Kapag handa na ang sketch, maaari mong simulan na ilarawan ang mga elemento sa pangunahing canvas. Kapag gumuhit, huwag pindutin nang husto ang lapis. Kung hindi, kapag tinanggal mo ang isang maling iginuhit na linya, mananatili ang mga marka sa papel. Kapag lumilikha ng mga balangkas ng mga bagay, hindi ka dapat gumuhit ng bawat linya; gumuhit ng isang sketch na may mga magulong paggalaw. Dapat mong malaman na ang mga artista ay gumagamit ng mga lapis na may iba't ibang lambot para sa mga indibidwal na linya. Sa panahon ng proseso ng imahe, pinapayagan ka ng set na lumikha ng iba't ibang mga epekto sa papel. Kaya naman kung gusto mong gawin lahat ng tama at i-portray ang ganda ng still life na may prutas, lapitan ang pagpili ng "tool" na may malaking responsibilidad.

Paggawa ng Sketch

Tulad ng naiintindihan ng lahat, upang magsimulang magtrabaho, kailangan mo munang lumikha ng isang komposisyon. Dapat kang magpasya sa pangunahing background ng iyong pagpipinta, pati na rin kung anong mga elemento ang naroroon dito - kung maglalarawan ka ng isang bagay o magpasya na gumamit ng ilan. Halimbawa, maaari kang magpinta ng still life gamit ang mga prutas at gulay, o pag-iba-ibahin ang iyong larawan gamit ang isang palumpon. Maipapayo na gumamit ng mga simpleng tela bilang background. Susunod, gumamit ng whatman paper upang matukoy ang gitna ng komposisyon at mag-sketch ng sketch ng hinaharap na pagpipinta. Ang unang bagay na dapat mong iguhit ay mga simpleng elemento: isang hugis-itlog o isang bilog. Halimbawa, ang isang ordinaryong mansanas ay inilalarawan gamit ang isang bilog; upang mag-sketch ng mga ubas, ginagamit ang mga detalye sa anyo ng maliliit na bola. Ang pangunahing bagay ay upang matiyak na ang mga bagay ay matatagpuan sa kanilang mga lugar, iyon ay, mapanatili ang proporsyonalidad.

Naglalarawan kami ng mga bagay

Kapag nagawa mong iposisyon nang tama ang lahat ng mga bagay sa sheet, oras na upang magpatuloy sa pagguhit sa kanila. Upang gawin ito, isulat ang mga prutas sa mga figure na ipinapakita gamit ang mas malinaw na mga linya. Gawing malinaw ang lahat ng mga detalye, mga contour at alisin ang mga pantulong na linya. Upang lumikha ng tamang hitsura, huwag kalimutang gumamit ng lapis upang iposisyon nang tama ang mga anino. Ginagawa ang pagkilos na ito gamit ang pagtatabing, sa una ay nagpapadilim sa pinakamadidilim na lugar na may unti-unting paglipat sa mas magaan. Ang mga anino ay iginuhit gamit ang isang lubhang matalim na lapis kapag nag-aaplay ng patong-patong. Ang huling yugto ay upang suriin ang mga larawan ng lahat ng mga item, Espesyal na atensyon dapat ibigay sa layout ng tono.

Buhay pa rin na may prutas - hakbang-hakbang

Tuklasin natin kung paano lumikha ng isang pagpipinta gamit ang isang orange, ubas at kiwi bilang isang halimbawa. Mas mainam na gumamit ng mga totoong item para sa layuning ito, kaya bilhin ang mga ito nang maaga. Maniwala ka sa akin, upang makakuha ng mga kasanayan at kasanayan, mas mahusay na gumuhit mula sa buhay. Upang gawing mas madali para sa iyo na lumikha ng iyong unang obra maestra, mahigpit na sundin ang aming mga tagubilin.

Mga detalye ng pagguhit

Una, binabalangkas namin ang lokasyon ng prutas sa papel. Upang ilarawan ang mga halves ng isang kiwi at isang orange, gumuhit ng mga hilig na linya at pagkatapos ay gumuhit ng mga oval. Ngayon ay maaari mong simulan ang direktang pagguhit ng prutas. Magsimula tayo sa orange. Upang gawin ito, hinati namin ang sketch nito gamit ang isang pantulong na linya sa dalawang bahagi. Pagkatapos ay gumuhit kami ng mga hiwa sa bawat kalahati, na naglalarawan sa kanila bilang mga triangular na sektor.

Pinupuno namin ang lugar kung saan dapat matatagpuan ang mga ubas ng mga bilog, at para sa kiwi ay gumuhit lamang kami ng core. Maipapayo na simulan ang pagtatabing sa sketch na may mga ubas. Upang gawin ito, gamit ang pinakamalambot na lapis (8 "M"), iguhit ang bawat bilog sa isang pabilog na paggalaw. Mangyaring tandaan na ang pinakamagaan na lugar sa mga ubas ay dapat na nasa gitna, pati na rin ang mga gilid. Ginagawa ito upang ang mga berry ay hindi sumanib sa bawat isa. Ngayon ay magpatuloy tayo sa pagguhit ng orange. Una, liliman natin ang balat. Upang gawin ito, gumamit ng lapis na "T" upang ilapat ang pagtatabing sa hugis ng prutas. Pagkatapos ay maglalapat kami ng mga spot at tuldok. Ginagawa ito gamit ang lapis na "TM". Sa ganitong paraan maaari mong ihatid ang texture ng orange.

Iguhit ang mga hiwa ng prutas gamit ang lapis na "T". Lumipat kami mula sa gitna hanggang sa mga gilid. Upang mas tumpak na maihatid ang imahe ng prutas, gumamit ng lapis na "TM" upang ilarawan ang "mga balahibo". Upang gawing mas katulad ng orihinal ang drawing, gumamit ng pambura upang gawing mas bilugan ang mga sulok at burahin ang isang maliit na bilog sa gitna. Panahon na upang ilarawan ang isang kiwi. Para sa layuning ito, gumamit ng lapis na "TM" upang ilapat ang mga stroke sa ibabaw nito (nang hindi pinindot). At upang gawing mas makatotohanan ang prutas, gagawa kami ng maliliit na linya sa ibabaw na may mas malakas na presyon. Ngayon ay iguhit natin ang core. Sa gitna ng kiwi, gumamit ng lapis na "TM" para gumuhit ng mga sinag (ilang layer). Sa paraang ito ay ihahatid natin ang texture ng tunay na prutas. Malambot na lapis iguhit ang mga buto, pagkatapos ay gumamit ng isang pambura upang gawing mas magaan ang gitna.

dahon ng ubas

Kung mayroon kang ilang libreng espasyo sa iyong workspace, maaari kang magdagdag ng elemento tulad ng dahon ng ubas sa iyong still life. Upang gawin ito, iguhit ang hugis ng dahon sa anyo ng isang spatula. Pagkatapos ay gagawa tayo ng mga ugat na dapat lumabas mula sa isang punto (ito katangian dahon ng ubas). Gumagawa kami ng mas tumpak na sketch ng hugis ng dahon. Ngayon ay maaari mong dagdagan ang mga ugat na may mas maliliit na sanga at lumikha ng mga sulok ng elementong ito. Simulan na natin ang pagtatabing. Gamit ang lapis na "T", mula sa punto kung saan nagtatagpo ang mga ugat, gumuhit ng mga putol-putol na linya hanggang sa mga dulo ng elemento. Susunod ay magdaragdag kami ng lakas ng tunog.

Upang gawin ito, maglapat ng karagdagang layer na may lapis na "TM". Ngunit kailangan mo lamang gawin ito sa mga gilid at tuktok ng sheet. Ang huling yugto ng pagpipinta ay nagsasangkot ng paglalagay ng mga anino at paglabas ng mga ugat ng dahon nang mas malinaw. Handa na ang iyong pagpipinta. Maraming tao ang naniniwala na ang pagpipinta ng isang still life na may prutas ay mas madali kaysa sa pagpipinta, halimbawa, isang still life na may bouquet. Sa prinsipyo, walang malaking pagkakaiba sa pagitan ng mga kuwadro na ito. Kapag lumilikha ng parehong mga guhit, kinakailangang ilarawan ang bawat detalye. Ang pagkakaiba lamang ay ang mga buhay pa rin na may mga prutas at bulaklak ay may mas maraming elemento.

Paglalarawan ng pagtatanghal sa pamamagitan ng mga indibidwal na slide:

1 slide

Paglalarawan ng slide:

2 slide

Paglalarawan ng slide:

Ang STILL LIFE ay isang hindi gumagalaw, "patay na kalikasan" (ganito ang pagsasalin ng salitang ito), ito ay binubuo ng mga bagay na bahagi ng buhay na katotohanan na nakapaligid sa atin. Ang mga bagay na ginagamit natin sa isang still life ay bumubuo ng kanilang sariling kapaligiran, na parang inilipat sa ibang dimensyon. Ang kanilang kahalagahan sa komposisyon, ang kanilang semantic load ay tumataas. Ang mga kumbinasyon ng mga simpleng bagay ay maaaring magpahayag ng ibang-iba at kumplikadong mga damdamin.

3 slide

Paglalarawan ng slide:

BUHAY PA RIN SA GRAPHIC Ang pagguhit ay ang pangunahing uri ng mga graphic. Ang lahat ng mga artista ay kasangkot sa mga graphic, maging sila ay mga pintor o eskultor; kailangan nila ang pagguhit bilang isang yugto ng kanilang trabaho. Gayunpaman, ang pagguhit ay maaaring maging isang malayang graphic na gawa. Para sa isang graphic artist, sapat na ito simpleng paraan– lapis, felt-tip pen, tinta, gel pen upang lumikha ng isang kahanga-hangang graphic na komposisyon.

4 slide

Paglalarawan ng slide:

Pagguhit ng still life gamit ang lapis (hakbang-hakbang). Bago gumuhit ng isang still life gamit ang isang lapis, unti-unti nating ilalagay ang mga bagay sa tabi ng isa't isa, hindi nalilimutan ang tungkol sa pinagmulan ng liwanag. Ang mga bagay ay maaaring matatagpuan sa ilang distansya, ngunit ito ay magiging mas kawili-wili kung sila ay bahagyang magkakapatong sa mga gilid ng isa't isa. Ang daloy ng liwanag mula sa lampara ay magbibigay-daan sa iyo upang mas malinaw na bigyang-diin ang kaibahan ng mga shade at highlight. Mas maganda kung mahulog sa gilid. Hindi umaasa sa artipisyal, ngunit sa sikat ng araw, dapat mong tandaan na ang luminary ay hindi tumayo, kaya ang mga anggulo ng liwanag at anino ay magbabago. Mga guhit na lapis magkaroon ng kanilang sariling mga detalye - upang makabisado ang pamamaraan na kakailanganin mong gumuhit ng higit sa isang sketch o buhay pa. Linya, tuldok, stroke, spot.

5 slide

Paglalarawan ng slide:

Umiiral espesyal na uri graphics – NA-PRINTED NA GRAPHICS. Sa kasong ito, mula sa isang pagguhit na ginawa gamit ang mga espesyal na pamutol sa isang board na gawa sa kahoy, metal o linoleum, maaari kang gumawa ng ilang mga kopya ng may-akda - mga impression. Ang ganitong uri ng graphics ay tinatawag na ENGRAVING. Ang pag-ukit ay maaaring magkakaiba: sa kahoy - woodcut, sa metal - etching, sa linoleum - linocut... Sa mga kasong ito, ang graphic artist ay gumagamit ng mga kumplikadong device para sa kanyang trabaho bilang isang printing press, mga espesyal na cutter (stiches), metal plate para sa pag-ukit sa kanila ng acid at marami pang iba. Ang lahat ng ito ay kinakailangan upang lumikha naka-print na graphics. ukit, woodcut, printmaking, sinaunang still life, Old Riga XYLOGRAPHY - isa sa mga uri ng ukit, woodcut. linocut

6 slide

Paglalarawan ng slide:

Scratch technique Ang scratch technique ay tinatawag ding “tsap-scratch” o “graffito”. Ang pagguhit ay na-highlight sa pamamagitan ng pag-scratch gamit ang panulat o matalim na instrumento sa papel o karton na puno ng tinta (upang maiwasan itong kumalat, kailangan mong magdagdag ng kaunting detergent o shampoo, ilang patak lamang). Ang salita ay nagmula sa French gratter - upang mag-scrape, scratch, kaya isa pang pangalan para sa pamamaraan ay ang scratching technique. Karaniwan akong gumagamit ng makapal na papel at pinipintura ito ng gouache. Maaari kang kumuha ng kulay na karton na may handa na makulay na pattern, pagkatapos ay maaari mong limitahan ang iyong sarili sa isang ordinaryong kandila ng waks (hindi kulay). Pagkatapos, gamit ang isang malawak na brush o espongha, ilapat ang isang layer ng mascara sa ibabaw. Kapag natuyo ito, gumamit ng matalim na bagay - isang plastik na tinidor, isang palito - upang scratch ng isang pattern ng manipis na puti o may kulay na mga linya papunta sa tapos na background.

7 slide

Paglalarawan ng slide:

Ang mga guhit gamit ang grattage technique ay ginawa gamit ang isang matalim na bagay (isang panulat, isang espesyal na pamutol, isang matulis na stick, atbp.) Sa isang naunang inihanda na ibabaw. Bago ka magsimulang mag-ukit, ang isang layer ng wax o paraffin ay inilapat sa karton (maaari kang gumamit ng kandila), at pagkatapos ay tinta o pintura. Ang mascara ay kailangang ilapat sa ilang mga layer, patuyuin ang bawat isa, dahil ito ay kumakalat sa waks at sa una ay namamalagi nang hindi pantay. Ang mascara ay inilapat gamit ang isang malawak na brush, espongha o cotton swab.

8 slide

Ang bawat isa na kumukuha mula sa buhay ay kinakailangang dumaan sa iba't ibang yugto ng pagtaas ng pagiging kumplikado ng trabaho. Ang proseso ng pag-aaral upang gumuhit sa isang tiyak na yugto ay nauugnay sa pagguhit ng isang still life (mula sa French nature morte - patay na kalikasan).

Ang mundo ng kalikasan at mga bagay na nakapalibot sa tao Araw-araw na buhay, - isang hindi mauubos na kaban ng mga anyo at mga kulay na kulay. Ang pagiging simple at plastik na pagiging perpekto ng mga pang-araw-araw na bagay, ang pagiging sopistikado at delicacy ng mga bulaklak, ang natatanging istraktura at juiciness ng mga prutas at gulay, at marami pang iba ay palaging pinagtutuunan ng pansin ng mga artista. Ang mga guhit at mga pintura kung saan ang mga bagay sa bahay, kasangkapan, gulay, prutas, pagkain, laro, bouquets ng mga bulaklak, atbp ay nakapaloob sa matalinghagang anyo ay tinatawag na still lifes.

Ang mga still life ay maaaring "makita" nang direkta sa buhay at "itinatanghal" partikular upang malutas ang iba't ibang mga visual na problema. Pareho silang nakakaakit ng atensyon, kaya naman ang buhay pa rin ay binibigyan ng napakaraming espasyo sining na siya ay naging sa pamamagitan ng karapatan isang malayang genre. Ang "nakikitang" still life ay isang natural na pagpapangkat ng mga bagay na inilalarawan ng artist, at ang isang "staged" ay binubuo ng sadyang napiling mga bagay na kinakailangan upang mapagtanto ang partikular na plano ng may-akda.

Ang imahe ng isang still life ay may sariling tiyak na pattern at methodological sequence. Ito ay ganap na hindi pinahihintulutan, halimbawa, pagkatapos lamang magsimula ng isang pagguhit, upang magsimulang magtrabaho sa mga maliliit na detalye nang detalyado, kung ang pangunahing anyo ay hindi pa natutukoy at ang tonal na ideya ng produksyon ay hindi pa napagpasyahan. Ito ay agad na humahantong sa pagkapira-piraso ng pagguhit, na kung saan ay hindi kapani-paniwalang mahirap at kung minsan ay imposible para sa isang walang karanasan na draftsman na itama. Bilang karagdagan, ang gayong pagmamadali ay humahantong sa mga pagkakamali sa proporsyonal na mga relasyon, at samakatuwid ay sa kabiguan, kawalan ng tiwala sa sarili at pagkabigo.

Tandaan na sa visual na kasanayan mayroong isang napatunayang paraan ng sunud-sunod na gawain sa mga guhit, batay sa prinsipyo: mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak at mula sa tiyak muli hanggang sa pangkalahatang pinayaman ng mga detalye.

kanin. 21

Ang trabaho sa isang still life ay nagsisimula sa pagpili at paglalagay ng ilang mga bagay: sa aming gawain - isang modelo ng plaster ng isang prisma at isang kahoy na plorera para sa mga lapis, brush, atbp. (Larawan 21). Ang pagpili ng mga full-scale na bahagi ng produksyon ay dapat na lohikal na makatwiran, kumpleto koneksyon ng semantiko. Maipapayo na pumili ng mga bagay na nagpapahayag sa hugis at lakas ng tunog.

Pagkatapos itanghal ang still life, pumili ka ng isang partikular na lugar kung saan malinaw na nakikita ang setting (napag-usapan na namin ang tungkol sa pinakamainam na distansya mula sa artist hanggang sa full-scale na bagay: dapat itong humigit-kumulang tatlong beses ang laki ng buhay mismo).

Ang pagpapahayag at pagiging totoo ng isang still life na imahe ay nakasalalay sa iyong kakayahang mag-obserba, mag-compose, gumawa ng drawing, magmodelo nito sa tono, atbp.

Bago aktwal na magtrabaho sa pagguhit, ipinapayong gumawa ng isa o dalawang sketch ng produksyon upang makahanap ng isang makatwiran at epektibong layout ng imahe sa papel. Maipapayo na kumpletuhin ang mga sketch nang mabilis, batay sa una, napaka-sariwang impression ng produksyon, sinusubukang ihatid sa kanila katangian kalikasan, ang relasyon at mga proporsyon ng hugis ng bawat bagay, ang ratio ng lugar ng imahe sa lugar ng format ng sheet.

Kapag natukoy mo na ang komposisyon ng larawan sa sketch, maaari kang magpatuloy sa direktang gawain sa format. Dahil sa likas na katangian ng produksyon, napili mo na ang format - pahalang o patayo.

kanin. 22

Ngayon ay nahaharap ka sa gawain ng pagdaan sa ilang mga yugto ng pagguhit ng isang still life. Ang ganitong mga yugto, i.e. indibidwal na mga sandali - mga yugto o hakbang sa pagbuo ng isang bagay; sa paggawa sa isang pagguhit ay karaniwang hindi hihigit sa apat.

Walang alinlangan, paunang yugto anumang imahe ang pagkakalagay nito sa isang sheet ng papel. Mayroon ka nang sketch, gamitin ito sa isang hindi mekanikal na paraan.

Narito ang pangunahing lugar ay ibinibigay sa pagtukoy ng buong lapad at buong taas ng mga bagay nang sabay-sabay upang limitahan ang patlang ng imahe; ang mga posisyon ng bawat isa sa mga katawan na may kaugnayan sa bawat isa at ang eroplano kung saan sila nakalagay ay agad na binalangkas ng liwanag mga linya.

Sa susunod na yugto ng pagguhit ng still life, dapat mong linawin ang lugar ng bawat isa sa dalawang bagay sa larawan at matukoy ang kanilang proporsyonal na mga relasyon. Sa panahong ito ng trabaho, kilalanin din ang nakabubuo na batayan ng form. Dito, ibabatay ang solusyon sa lahat ng problema sa yugtong ito ng imahe sa maingat na pagsusuri ng produksyon. Sa ngayon, buuin ang form gamit ang mga linya lamang, na nakikita ang iyong pagguhit bilang isang "balangkas", ngunit sundin ang isang tiyak na sukat upang hindi sila magmukhang parehong kapal sa lahat ng dako (Larawan 22).

Isagawa ang ikatlong yugto ng trabaho bilang karagdagang pagpipino ng hugis ng mga katawan na may dami at ginhawa. Ang mga palatandaang ito ng mga bagay ay nakikita lamang sa ilalim ng mga kondisyon ng liwanag at lilim. Samakatuwid, hindi mo lamang dapat balangkasin ang isang malaking liwanag at isang malaking anino, ngunit tukuyin din sa mga light stroke ang lahat ng mga pangunahing gradations (unti-unting pagsasaayos) ng liwanag at anino. Ang mga pattern na ito ng pamamahagi ng liwanag, mga halftone, sarili at bumabagsak na mga anino ay tinalakay sa aklat-aralin nang higit sa isang beses, at alam mo ang tungkol sa mga ito. Kailangan mo lamang na maingat na subaybayan sa situ at ikumpara sa papel kung gaano ang isang bagay ay mas madilim o mas magaan kaysa sa isa pa. Bilang karagdagan, huwag kalimutan ang tungkol sa mga pagkakaiba-iba sa mga diskarte sa pagguhit ng pagtatrabaho sa isang lapis, upang sa yugtong ito ng pagguhit ay maaari mong makilala ang pagkakaiba sa mga texture ng mga bagay. Ang lahat na pinagsama-sama at isinasaalang-alang mula sa pananaw ng pagbuo ng pananaw, dami at kaluwagan ng mga anyo, mga solusyon sa tono, materyalidad ay humahantong sa iyo sa huling yugto ng trabaho sa pagguhit ng still life (Fig. 23).

kanin. 23

Ang huling yugto ay nagsasangkot ng proseso ng pagkumpleto ng trabaho - isang generalization ng buong linear at tonal na istraktura ng imahe. Kung ang foreground at background ay iginuhit nang detalyado, ang parehong mga katawan ng produksyon ay sumisira sa integral na pang-unawa ng larawan, walang lambot ng mga paglipat sa pagmomodelo ng form na may tono, kung gayon ang isang imahe ay kailangang mapabuti, na isang paglalahat. Sa kasong ito, kinakailangan upang mapahina ang background, sirain ang malinaw na mga hangganan sa loob nito (upang lumikha ng impresyon ng lalim), "ilapit" ang isang bagay sa harapan at "lumayo" sa isa pa, i-highlight sa isang lugar sa tamang lugar, sa isa pa, sa kabaligtaran, pakapalin ang tono at kaya sa ganitong paraan upang makamit ang integridad ng pagguhit (Larawan 24).

Ang lahat ng mga yugto ng pagtatrabaho sa isang still life drawing ay hindi mga yugto ng imahe na hiwalay sa isa't isa. Dito nagaganap ang isang sunud-sunod na proseso, lohikal na kinokondisyon ng pagkakaisa at kawalan ng pagkakaisa, ang resulta nito ay dapat na isang wastong pagkakabuo, wastong pagkakagawa, katamtamang naisagawang tono, nagpapahayag na pang-edukasyon na pagguhit ng isang still life.

Ngayon tingnan natin nang detalyado kung paano nagaganap ang proseso ng paglikha ng still life drawing na gawa sa plaster. geometric na katawan- isang hexagonal prism at isang kahoy na plorera para sa pag-iimbak ng mga tool sa pagguhit.

Matapos mapili ang format, matutukoy kung anong laki ang ipi-print sa papel, lalo na dahil sa mga paunang sketch ay naghahanap ka ng mga proporsyonal na relasyon sa pagitan ng imahe at ng format. Ang mga proporsyon ay hinabi sa visual na pang-unawa alinsunod sa istraktura ng mata at ang mga prinsipyo ng operasyon nito. Ang bawat tao na gumuhit ay tumutukoy sa mga ratio ng mga dami at, huwag magulat, nakikilala sa kanila ang ratio ng "gintong seksyon". Makikita mo sa setting na ang isang plorera na nakatayo nang patayo ay mukhang mas kanais-nais kaysa sa isang prisma na nakahiga sa isang anggulo dito. Nangangahulugan ito na sa iyong pagguhit ay bibigyan mo ng espesyal na pansin ang plorera, at sisimulan mong iugnay ang pagkakalagay ng imahe sa papel dito. Matatagpuan ito sa pagguhit nang walang ibang paraan maliban sa may kaugnayan sa mga proporsyon ng "gintong seksyon".

Ang likas na katangian ng visual na pang-unawa ay nakumpirma ng maraming mga eksperimento na isinagawa sa magkaibang panahon sa ilang bansa sa buong mundo.

Ang German psychologist na si Gustav Fechner noong 1876 ay nagsagawa ng isang serye ng mga eksperimento, na nagpapakita ng mga lalaki at babae, lalaki at babae, pati na rin ang mga bata, mga figure ng iba't ibang mga parihaba na iginuhit sa papel, na hinihiling sa kanila na pumili lamang ng isa sa kanila, ngunit ginagawa ang pinaka-kaaya-ayang impresyon. sa bawat paksa. Ang bawat tao'y pumili ng isang rektanggulo na nagpapakita ng ratio ng dalawang panig nito sa proporsyon ng "gintong ratio" (Larawan 25). Ang mga eksperimento ng ibang uri ay ipinakita sa mga mag-aaral ng neurophysiologist mula sa United States Warren McCulloch noong 40s ng ating siglo, nang hilingin niya sa ilang boluntaryo mula sa mga hinaharap na espesyalista na magdala ng isang pahaba na bagay sa gustong hugis. Nagtrabaho sandali ang mga estudyante at pagkatapos ay ibinalik ang mga gamit sa propesor. Sa halos lahat ng mga ito ang mga marka ay ginawa nang eksakto sa rehiyon ng "gintong seksyon" na ratio, kahit na ang mga kabataan ay walang alam tungkol dito " banal na sukat" Si McCulloch ay gumugol ng dalawang taon na kinumpirma ang hindi pangkaraniwang bagay na ito, dahil siya ay personal na hindi naniniwala na ang lahat ng mga tao ay pipiliin ang proporsyon na ito o itinatag ito sa amateur na gawain sa paggawa ng lahat ng uri ng mga crafts.

kanin. 24

Kawili-wiling kababalaghan naobserbahan kapag bumisita ang mga manonood sa mga museo at eksibisyon sining biswal. Maraming mga tao na hindi gumuhit ng kanilang mga sarili, na may kamangha-manghang katumpakan, nahuhuli kahit na ang pinakamaliit na mga kamalian sa paglalarawan ng mga bagay sa mga graphic na larawan at sa mga magagandang painting. Marahil ito ay mga palatandaan ng aesthetic sense ng isang tao, na "hindi sumasang-ayon" sa pagkasira ng pagkakatugma ng anyo at mga proporsyon. Hindi ba sa ganoong pangangailangan para sa isang pakiramdam ng kagandahan na ang kababalaghan ng "gintong proporsyon" ay nauugnay (sa sandaling ang proporsyon na ito ay hindi tinatawag na "banal", "ginintuang", "gintong seksyon", "gintong numero") ? Ito ay hindi para sa wala, tila, sa lahat ng mga siglo ng sibilisasyon ng tao " gintong ratio"ay itinaas sa ranggo ng pangunahing prinsipyo ng aesthetic.

Para sa iyo mga pundasyon ng komposisyon Ang paggawa ng isang still life drawing ay hindi dapat maging isang hadlang, dahil ang isang tao ay pinagkalooban ng kakayahang makakita ng mabuti kapaligiran sa loob ng larangan ng malinaw na paningin (sa isang anggulo ng 36°). Ito ay ang mga proporsyonal na halaga sa loob ng larangan ng malinaw na pangitain na malinaw na nakikilala ng mga mata, at ang iyong gawain ay kilalanin ang mga ito upang maayos na maitayo ang pagguhit. Ang katotohanan ay ang isang taong gumuhit ay nakikita ang layunin ng mundo sa parehong paraan tulad ng isang taong hindi gumuhit. Gayunpaman, kung kukuha ka ng isang di-makatwirang punto ng view upang bumuo ng isang guhit, ang pagbaluktot ay magaganap. Kailangan mong tandaan na sa pagbuo ng isang imahe ang lahat ay magkakaugnay: punto ng view, larangan ng malinaw na paningin at distansya sa mga bagay sa imahe. Nangangahulugan ito na sa proseso ng pagbubuo ng imahe, kailangan mong pumili ng isang bahagi ng nakapaloob na espasyo (sheet ng papel), na magsasama ng mga bagay na may buhay pa at bahagi. kapaligiran(background). Ang mga bagay sa larawan ay hindi dapat masyadong malaki o masyadong maliit. Kung hindi, ang malaking imahe ay "lumabas" sa format, at ang maliit ay "lumubog" dito. Upang maiwasang mangyari ito, subukang isaalang-alang ang sheet ng papel at ang mga sukat ng imahe bilang isang solong kabuuan ng compositional solution ng still life drawing.

Pagkatapos ayusin ang eroplano ng papel, ang mga bagay ay kailangang iguhit habang nakikita sila ng mata at habang umiiral ang mga ito sa katotohanan. Upang gawin ito, linawin mo ang mga pagbabago sa pananaw sa hugis ng plorera at prisma at sa parehong oras subukang agad na maunawaan ang kanilang layunin na istraktura, disenyo, at pag-aralan ang mga kondisyon ng pag-iilaw. Ang Chiaroscuro sa mga bagay ay ibinahagi ayon sa parehong mga batas na naging pamilyar ka sa pagguhit ng mga modelo ng plaster ng mga geometric na katawan.

Ang bawat pagguhit ay kasabay ng isang bagong kaalaman layunin ng mundo, na sinamahan ng pagkuha ng kaalaman, karanasan, mga bagong kasanayan at mga kasanayan sa motor ng mga paggalaw ng kamay. Ang pagkakaroon ng paglalagay ng guhit sa isang eroplano at, sa ngayon, ihatid ang mga hangganan ng hugis ng bawat isa sa dalawang bagay sa mga magaan na linya at binabalangkas ang dami ng plorera at prisma na may parehong mga light stroke, nagpapatuloy ka sa iyong trabaho, nagpapatuloy sa ang susunod na yugto. Ngayon ay patuloy mong pinipino ang mga tampok na katangian ng form, sa lahat ng oras na inihahambing ang pagguhit sa kalikasan. Pagkatapos ay magsisimula kang magtrabaho kasama ang mga relasyon na kinabibilangan ng pagtukoy sa mga tamang proporsyon, ang relasyon sa pagitan ng mga spatial na plano, mga detalye at ang kabuuan.

kanin. 25

Ang paraan ng pagtatrabaho sa pamamagitan ng mga relasyon ay nagbibigay-daan sa draftsman na makakuha ng kaalaman at kasanayan hanggang sa maimpluwensyahan nila ang pag-unlad ng isang tao bilang isang propesyonal na artista.

Kaya, ang mga unang yugto ng iyong pagguhit: lutasin ang mga problema sa layout, balangkasin ang pangkalahatang silweta ng buhay na buhay, i-highlight ang parehong mga bagay at ipakita ang mga proporsyon, sa parehong oras pakiramdam ang koneksyon ng mga form, ang kanilang mga sulat sa pangkalahatang istraktura ng ang imahe. Kapag nagtatrabaho sa mga relasyon, ang pagguhit ay nilinaw sa pamamagitan ng paghahambing at pag-iiba, i.e. paghahambing ng imahe sa kabuuan at mga bahagi sa bawat isa. Sa parehong yugto ng pagguhit, dapat mong simulan upang matukoy ang dami at kaluwagan ng mga hugis ng mga bagay sa imahe, na nagtatrabaho sa pamamagitan ng mga ito ayon sa prinsipyo - mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak. Ito ang tanging paraan na palagi mong makikita ang kabuuan - sa istraktura, at sa mga sukat, at sa tono.

Kapag may tiwala ka sa katapatan ng pagguhit at sa kawastuhan ng nilalayon na light-tonal na mga relasyon, maaari kang ligtas na magpatuloy sa pagmomodelo ng hugis na may tono na unti-unting puspos ng density.

Sa mahalagang yugtong ito ng trabaho - paglipat tunay na paglalarawan ng isang buhay na buhay, habang nakikita ito ng ating mata at kung paano ito umiiral sa kalawakan, kailangan mong makita ang buong kalikasan sa lahat ng oras, iyon ay, kapag hinawakan ng lapis ang lugar na ito o iyon sa pagguhit, huwag kalimutan ang tungkol sa ang buong setting at ang buong drawing sa kabuuan. Laging tandaan na ikaw ay nag-iipon ng kaalaman, kasanayan at kakayahan nang unti-unti at tuluy-tuloy at nagtatrabaho sa still life nang naaayon. Ang mga ugnayang tono sa kalikasan ay hindi maaaring tumpak na maiparating sa isang guhit dahil sa pagkakaiba sa pagitan ng orihinal na liwanag at ang kaputian ng papel. Maipaparating lamang ang mga ito sa pamamagitan ng pagsunod sa mga relasyon sa liwanag at anino na proporsyonal sa kalikasan, at alam mo na ang kalidad ng pattern ng tonal ay nakasalalay sa naturang paghahatid.

Sa panahon ng pagmomodelo ng pagguhit sa tono, kapag isinagawa mo ang lahat ng gawain mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak, isang sandali ay hindi maaaring hindi na nauugnay sa isang mahusay na pagnanais na gawin ang pangwakas na elaborasyon ng isa o ibang bahagi ng imahe, na kung saan ay napaka kaakit-akit sa produksyon. Dito ka makakarating sa mga detalye, na sumusunod sa mga prinsipyo ng pagguhit.

Sa pagsasagawa, parehong pang-edukasyon at malikhaing pagguhit Mayroong dalawang madalas na magkakaugnay na mga teknikal na pamamaraan ng pagtula ng mga tono sa papel na may lapis - pagtatabing at pagtatabing.

Ang pagpisa, hindi katulad ng pagtatabing, ay may sariling natatanging katangian. Ang isang bihasang draftsman ay maaari lamang makamit ang paglipat ng lahat ng tonal at materyal na katangian ng kalikasan. Kasabay nito, gumagamit siya ng iba't ibang mga stroke kasama ang bakas ng isang lapis sa papel - tuwid at hubog, maikli at mahaba, na magkakapatong sa bawat isa sa ilang mga layer. Dahil dito, ang pagtatabing ay dapat na maunawaan bilang mga diskarte para sa paglalapat ng tono na may mga stroke. Ang direksyon ng pagtatabing sa isang guhit ay napakahalaga. Sa pamamagitan ng paggamit ng mga stroke na nakadirekta ayon sa hugis ng bagay, ang isa ay maaaring makamit ang lakas ng tunog, at, sa kabaligtaran, sa pamamagitan ng mga haphazardly na inilapat na mga stroke, ang form ay nawasak, ang imahe ay natatakpan ng walang hugis na mga spot.

Ang mga master ng drawing ay madalas na gumagamit ng shading - isang pamamaraan ng pagkuskos ng lapis na layer, na inilapat nang patag na may tingga, sa ibabaw ng papel upang makakuha ng malambot na solidong tono gamit ang alinman sa shading o paper swab at, kadalasan, cotton wool. Ang pamamaraan na ito ay madalas at epektibong ginamit ni Ilya Efimovich Repin.

Sa proseso ng trabaho na may kaugnayan sa paglipat ng mga relasyon sa liwanag at anino, ang pinakamaliwanag at pinakamadilim na mga lugar sa full-scale na setting ay natutukoy at, pagsunod sa mga ito bilang mga patnubay ng tonal, ang kinakailangang siwang ay unti-unting nakuha. At sa lahat ng oras kailangan mong ihambing at ihambing muli ang pagguhit sa kalikasan. Upang gawin ito, maaari ka ring lumipat sa isang maikling distansya mula sa pagguhit upang makita mo ang iyong gawa mula sa isang medyo malayong punto ng view. May isa pang pamamaraan para sa paghahambing - tingnan ang pagguhit sa salamin, na kalahating nakabukas patungo sa imahe. Ang salamin ay dapat ding sumasalamin sa natural na bagay. Ang ganitong paghahambing ay makakatulong sa iyong makita ang mga pagkakamali sa tono at alisin ang mga ito. Ang pamamaraan ng salamin ay epektibo rin dahil pinapayagan ka nitong makita ang iyong trabaho mula sa isang hindi inaasahang anggulo. Ang bawat pintor ay hindi lamang nasanay sa kanyang imahe, ngunit madalas, dahil sa kawalan ng karanasan at kakulangan pa rin ng kasanayan, ay tumigil na mapansin ang mga malubhang pagkakamali sa pagguhit, hindi sa banggitin ang tono. Ang gayong hindi inaasahang hitsura ay makakatulong sa iyo na makita kaagad ito o ang kapintasan na iyon, na naging mahirap bigyang-pansin dahil sa kawalan ng kakayahang kritikal na tumingin sa iyong sariling pagguhit.

Ang huling yugto ng pagtatrabaho sa isang still life drawing ay nauugnay sa kakayahan ng draftsman na kumpletuhin ang imahe, i.e. dalhin ang imahe sa linya sa pangkalahatang visual na impression na may tuluy-tuloy na pang-unawa ng buong-scale na produksyon.

1. Ano ang buhay pa rin?
2. Ilang yugto ng pagpipinta ng still life ang kailangan mong pagdaanan?
3. Ano ang naiintindihan mo sa terminong "layout"? Anong papel ang ginagampanan ng layout sa isang drawing?
4. Bakit dapat makita ang isang buong sukat na produksyon hindi sa mga bahagi, ngunit sa kabuuan?
5. Ano ang ibig sabihin ng paglapat ng mga stroke sa isang form?
6. Ano ang metodolohikal na pagkakasunud-sunod ng pagtatrabaho sa isang still life?
7. Paano natin naiintindihan ang terminong "paglalahat ng isang guhit"?

Ngayon, lahat nang walang pagbubukod ay pamilyar sa mga pintura ng watercolor mula sa maagang pagkabata. Ang bawat tao'y gumuhit sa kanila kahit isang beses sa kanilang buhay. Mula sa kindergarten, natututo ang mga bata na humawak ng pintura at brush, mag-apply ng mga stroke, at lumikha ng mga simpleng guhit. Ngunit hindi pa katagal, hanggang sa ika-19 na siglo, ang watercolor ay hindi napakapopular sa mga artista. Ito ay pinaniniwalaan na ang lugar ng kapanganakan ng pintura na ito ay China. Sa bansang ito, nilikha ang papel kung saan inilarawan ng mga master ang kanilang mga nilikha gamit ang ganitong uri ng pintura.

Unti-unti, nakuha ng watercolor ang lugar nito sa araw at natagpuan ang paggamit nito sa maraming artist mula sa buong mundo. Ang pamamaraan ng pagpipinta na may ganitong mga pintura ay nagbibigay-daan sa iyo upang makamit ang isang espesyal na epekto ng isang tiyak na mistisismo, ilusyon, transparency at liwanag ng komposisyon sa nilikha na larawan. Sa unang sulyap lamang ang paraan ng pagguhit na ito ay tila mahirap. Sa katunayan, walang ganap na mahirap dito. Madali mong makukuha ito gamit ang aming step-by-step na tutorial.

Sa artikulong ngayon matututunan mo kung paano magpinta ng still life gamit ang mga watercolor. Ang still life painting ngayong taglagas ay maaaring makaakit ng halos lahat. Sa una, kailangan nating piliin kung ano ang gusto nating kopyahin sa imahe. Upang gawing maliwanag at maganda ang isang still life, ang mga prutas at gulay ay dapat magkaiba. Dapat silang mag-iba sa kulay, hugis at sukat. Kukuha kami ng mga gulay, katulad ng talong, pipino at karot. Ang mga gulay na napili namin ay ganap na sumusunod at naiiba sa bawat isa sa bawat aspeto. Ngayon ihanda natin ang mga materyales at kasangkapan.

Kakailanganin mo ang pinakasimple at pinakakaraniwang hanay:

• White sheet ng papel para sa watercolor
• Mga paint brush
• Lalagyan na may tubig
• Simpleng lapis
• Pambura
• Palette

Bago ka magsimulang magtrabaho sa still life, sulit na bahagyang basagin ang mga pinturang watercolor na kakailanganin natin.

Hakbang 1

Kailangan kong mag-sketch ng drawing gamit ang isang simpleng lapis. Kailangan mo ng simple at malambot, halos hindi mahahalata na mga linya upang i-sketch ang mga contour ng mga gulay. Sa yugtong ito, nagpasya tayo kung saang panig mahuhulog ang liwanag. Para mas madaling mag-navigate, nag-sketch kami ng araw sa sketch, na mabubura sa ibang pagkakataon gamit ang isang pambura. Gayundin, kailangan mong bigyang-pansin ang linya ng anino, na iguguhit namin sa ibang pagkakataon.

Hakbang 2

Kapag handa na ang sketch, maaari kang magsimulang magtrabaho sa mga watercolor. Upang gawin ito, pumili kami ng isang elemento ng disenyo at basain ito ng isang mamasa-masa na brush. Sa aming pagguhit, ang pipino ang naging unang elemento ng pagpipinta. Ngayon pumili kami ng isang napakagaan na berdeng pintura at i-brush ito sa pipino.

Tandaan, hindi kami gagamit ng mga solusyong puro kulay. Upang makuha ito o ang kulay na iyon, kailangan mong paghaluin ang mga kulay sa bawat isa sa palette na inihanda namin. Samantala, habang basa ang ibabaw ng pipino, paiitim natin ito ng kaunti. Tandaan lamang na mag-iwan ng maliit na pagmuni-muni sa gulay.

Hakbang 3

Iwanan ang pipino at hayaang matuyo ang pintura dito, at magpatuloy tayo sa pangalawang elemento. Ngayon ay palamutihan namin ang mga karot. Gagawin namin ito sa parehong paraan tulad ng sa unang kaso sa pipino.

Inilalarawan namin ang pigura nang paunti-unti, lumilipat mula sa liwanag hanggang sa madilim na lilim. Kapag nagpinta ka gamit ang mga watercolor, kailangan mong ayusin ang tono.

Hakbang 4

May natitira pa tayong gulay na hindi pa nabubunot. Ito ay isang talong. Iguguhit namin ito sa parehong paraan tulad ng sa nakaraang dalawang kaso, na sumusunod sa parehong mga prinsipyo.

Huwag kalimutan ang tungkol sa sikat ng araw, masyadong. Sa kaso ng liwanag na nakasisilaw, ang lahat ay nakasalalay sa kung gaano makintab ang ibabaw ng bagay mismo. Kung mas kumikinang ito, mas makikita at mas maliwanag ang sinag. Ang laki ng naturang highlight ay direktang nakasalalay sa laki ng gulay, at ang kulay nito sa kinis ng ibabaw. Sa aming kaso, walang liwanag na nakasisilaw sa karot, ngunit sa talong mayroong pinakamalaking liwanag na nakasisilaw, dahil sa makinis na ibabaw. At ang nakasisilaw dito ay ang pinakamaliwanag.

Hakbang 5

Bumalik tayo sa unang yugto ng pagguhit ng pipino. Ang madilim na lilim ay magiging katulad lamang ng isang tunay na gulay, at bibigyan din ng diin ang hugis nito.

Hakbang 6

Gagawin namin ang parehong mga aksyon sa iba pang mga gulay. Sa kasong ito, kinakailangan upang maihatid nang tama ang mga tampok ng bawat bagay: kulay, laki, istraktura, hugis. Tandaan, ang bawat butas ay may higit pa madilim na lilim. Kung mas malalim ang butas, mas madilim ang kulay nito.

Ang mga tampok ng bawat elemento ay dapat bigyang-diin alinsunod sa mga natural na gulay.

Hakbang 7

Sa pagtingin sa pagguhit, tila ang lahat ay nakabitin sa hangin; kailangan nating magdagdag ng mga anino na nahuhulog mula sa mga gulay. Ang pinakamadilim na anino ay malapit at sa ilalim ng mga gulay.

Kailangan nating tapusin ang pagpipinta sa berdeng tuktok ng talong.

Hakbang 8

Dahil ang mga karot ay naging bahagyang maputla, kailangan nating iwasto ito at magdagdag ng natural na kulay dito. Upang gawin ito, kumuha kami ng mayaman na orange na pintura at inilapat ito sa mga karot. Kung ang kulay ay hindi pa rin sapat na puspos, ulitin muli ang pamamaraan.

Magdaragdag kami ng madilim na berdeng mga grooves sa pipino, pati na rin ang mga pimples na katangian ng gulay na ito. At sa karot ay magdaragdag kami ng isang recess na mas madidilim kaysa sa pangunahing kulay. Ngayon ay lumipat tayo sa talong. Gagawin nating mas madilim ang gilid na hindi nakakatanggap ng liwanag. Upang gawin ito, kumuha tayo ng mas puspos na lilim. Ang palette ay dapat magkaroon ng sapat na bilang ng mga kulay, o kahit na tatlong kulay ng bawat kulay. Ngayon ay kailangan nating hayaang matuyo ang pagguhit. Pagkatapos ay maingat naming tinitingnan ang lahat ng mga detalye. Kung hindi mo gusto ang isang bagay, maaari mo itong itama at magdagdag ng iba pang mga shade na mas madilim kaysa sa mga nasa larawan na. Kung nababagay sa iyo ang lahat at masaya ka sa nakikita mo sa pagguhit, maaaring ituring na natapos ang gawain.

Paggawa gamit ang mga figure na ito pangunahing prinsipyo- gumuhit sa mga basang ibabaw. Gayundin, ang parehong mahalaga ay ang paghahalo ng mga kulay upang makuha ang tamang lilim. Ang pangunahing bagay ay subukang magtrabaho kasama iba't ibang Kulay at shades, at hindi lamang gumamit ng mga regular na kulay.

Paano gumuhit ng still life - magsimula tayo sa isang simple, halimbawa, mula sa yugto ng paghahanda at unti-unting lumapit sa pagguhit ng still life mismo. Naka-on sa puntong ito, para sa isang mas mahusay na pag-unawa sa kung ano ang ginagawa namin, iminumungkahi ko ang mga sumusunod na ilang pagsasanay. Hindi lang ikaw ang gumuhit ng still life, at lalong hindi sa bilis? Kailangan mo talaga magandang kaalaman, na makapagbibigay ng magandang praktikal na batayan, tama ba? Pagkatapos ay tingnan natin ang paksa - kung paano gumuhit ng still life gamit ang mga pagsasanay na ito.

Pag-unlad ng proporsyonal na mga kakayahan sa paningin sa pamamagitan ng paghahambing na pagsusuri mga volume:

Maghanap ng alinman sa mga bote o lata - hindi mahalaga kung ano, hindi lang masyadong kumplikado. Pumila ka sa kanila ng apat o anim na beses at sanayin ang iyong mga mata. Subukang suriin ang taas at lapad ng bawat bagay at ang kanilang kaugnayan sa isa't isa. Sa una, maaari ka lamang gumuhit ng mga balangkas. Gumuhit kami ng lahat ng mga bagay sa object plane. Ganito:

Isa pang gawain:

Gumawa ng isang pagguhit ng isang gusot na sheet ng papel, karton, na may pagsusuri ng mga eroplano ng bali. Pansinin na ang bawat mukha ay kahawig ng mukha ng isang kubo. Kapag naunawaan mo ito, ang gawain ay hindi mukhang mahirap. Ang ehersisyo na ito ay lubhang kapaki-pakinabang para sa pagbuo ng mata. Ganito:

Mas mahirap na gawain:

Paano gumuhit ng still life

Kaya maayos kaming lumipat sa pagguhit ng buhay na buhay mismo. Ngunit ngayon ay mas handa ka nang maunawaan nang mabuti ang materyal. Gumuhit kami ng isang still life na isinasaalang-alang ang paglalagay ng komposisyon sa sheet (tingnan ang komposisyon sa figure). Nahuhuli natin ang katangian ng buhay na walang buhay - ito man ay pahaba ang haba o lapad. Kinakailangang isaalang-alang ang object plane, dahil ang lahat ng mga bagay ay nakahiga dito at hindi nakabitin sa hangin. Natagpuan namin ang mga hangganan ng buhay na buhay sa sheet, umatras ng 10 sentimetro mula sa tuktok ng sheet, 7 sentimetro sa mga gilid, at 3 cm mula sa ibaba. Huwag magmadali, ang pangunahing bagay ay magsimula nang tama upang hindi "masira" ang lahat ng trabaho mamaya. Huwag magmadali, dahil ngayon ay nahahanap natin ang mga pangunahing proporsyonal na relasyon ng isang buhay na patay:

Kapag, isinasaalang-alang ang mga proporsyon, natukoy mo ang mga hangganan ng buhay na buhay sa sheet, oras na upang hanapin ang mga hangganan at proporsyonal na relasyon ng bawat bagay nang hiwalay. Nagtatatag kami ng mga proporsyon batay sa tatlong puntos. Sa anumang pagkakataon dapat mong simulan ang pagguhit ng mga detalye ng still life o pagdaragdag ng shading. Kung mamaya mapapansin mo na sa isang lugar na hindi mo nakuha ang mga proporsyon, kakailanganin mong burahin ang lahat ng iyong iginuhit doon. Bilang resulta, ang gawain sa pinakasimula ay mapapatungan at hindi alam kung ano ang magiging hitsura nito sa dulo:

Kung ginawa mo ang lahat ng tama, magpahinga, uminom ng tsaa, sa isang salita, gumawa ng isang bagay upang hindi tumingin sa trabaho at bigyan ang iyong mga mata ng pahinga. Maniwala ka sa akin, sa loob ng 20-30 minuto makikita mo ang isang bagay na hindi mo pa nakikita. Kung makakita ka ng error sa isang lugar, itama ito, hindi pa huli ang lahat. Kung maayos na ang lahat, we move on.

Kapag nakakita ka ng isang lugar sa sheet para sa bawat bagay ng iyong buhay pa, tingnan ang komposisyon: ang bawat bagay ay naglalaman ng mga geometric na hugis o kumbinasyon ng mga ito. Iguhit ang bawat bagay nang mas malinaw, na nauunawaan na ang bawat bagay ay naglalaman ng batayan ng ilang geometric na hugis. Gumuhit nang may pananaw. Hindi na kailangang lumampas sa presyon ng lapis. Gumuhit gamit ang graphite pencil T, TM upang ang pagguhit ay transparent at malinis.

Ilatag ang pagtatabing:

Susunod, simulan natin ang pagtatabing. Alamin natin kung saan tayo may liwanag at anino sa ating buhay pa. Ngayon hindi namin kailangan ng mga halftone. Hindi namin hinawakan ang liwanag, ngunit lilim ang anino sa lahat ng mga halftone na may lapis. Huwag tinta, kung hindi, hindi ka magkakaroon ng sapat na lakas ng lapis para sa huling pinakamadilim na bumabagsak na mga anino.

Kapag natukoy na namin ang liwanag at anino, oras na upang suriin ang lahat ng pagsasanay na natutunan namin sa seksyon ng mga pangunahing kaalaman sa pagguhit. Inilalagay namin ang pagtatabing sa bagay, kung saan ang chiaroscuro ay ipamahagi ayon sa hugis ng bagay. Ang mga bagay na gumagalaw sa pananaw ay iguguhit nang mas malambot. Foreground naka-highlight. Kung mahirap, pagkatapos ay bumalik sa pahina ng mga pangunahing kaalaman sa pagguhit at ulitin muli ang lahat. Karaniwan, dapat kang magtapos sa isang bagay na tulad nito: