दुनिया की सबसे अजीब तस्वीर। मासूमों का नरसंहार, पीटर पॉल रूबेन्स

पेंटिंग, यदि आप यथार्थवादी को ध्यान में नहीं रखते हैं, तो हमेशा से रहा है, है और अजीब, रूपक होगा, नए रूपों और अभिव्यक्ति के साधनों की तलाश में। लेकिन ऐसी कई पेंटिंग हैं, जिनकी विचित्रता किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ सकती।
कला के कुछ काम दर्शकों को सिर पर चोट लगते हैं, गूंगा और अद्भुत; कुछ - विचार में खींचें और शब्दार्थ परतों की तलाश में, गुप्त प्रतीकवाद। कुछ पेंटिंग रहस्यों और रहस्यमय रहस्यों से आच्छादित हैं, और कुछ अत्यधिक कीमत पर आश्चर्यचकित हैं।

दुनिया की 10 अजीबोगरीब तस्वीरें

1. एडवर्ड मंच "चीख"

1893, कार्डबोर्ड, तेल, तड़का, पेस्टल। 91×73.5 सेमी
नेशनल गैलरी, ओस्लो

बहुत से लोगों को एक बहुत ही अप्रिय स्वाद और यहां तक ​​कि एक भयावह पेंटिंग के साथ छोड़कर, "द स्क्रीम" शायद दुनिया की सबसे अजीब पेंटिंग में से एक है।

चीख को एक ऐतिहासिक अभिव्यक्तिवादी घटना माना जाता है और सबसे अधिक में से एक है प्रसिद्ध चित्रकारीइस दुनिया में।
"मैं दो दोस्तों के साथ रास्ते पर चल रहा था - सूरज डूब रहा था - अचानक आसमान लाल हो गया, मैं रुक गया, थका हुआ महसूस कर रहा था, और बाड़ के खिलाफ झुक गया - मैंने खून और लपटों को नीले-काले fjord और पर देखा शहर - मेरे दोस्त चले गए, और मैं उत्तेजना के साथ कांपता हुआ खड़ा हो गया, अंतहीन चीख भेदी प्रकृति को महसूस कर रहा था, ”चित्र के इतिहास के बारे में एडवर्ड मंच ने कहा।

2. पॉल गाउगिन "हम कहाँ से आए हैं? हम कौन हैं? हम कहा जा रहे है?"
1897-1898, कैनवास पर तेल। 139.1×374.6 सेमी
ललित कला संग्रहालय, बोस्टन

पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट पॉल गाउगिन की एक गहरी दार्शनिक पेंटिंग को ताहिती में चित्रित किया गया था, जहाँ वे पेरिस से भाग गए थे। काम के अंत में, वह आत्महत्या भी करना चाहता था, क्योंकि उसका मानना ​​​​था: "मेरा मानना ​​​​है कि यह कैनवास न केवल मेरे सभी पिछले वाले से बेहतर है, बल्कि मैं कभी भी कुछ बेहतर या समान नहीं बनाऊंगा।"

3. पाब्लो पिकासो "ग्वेर्निका"
1937, कैनवास पर तेल। 349×776 सेमी
रीना सोफिया संग्रहालय, मैड्रिड

पहली नज़र में अजीब तस्वीर नहीं, इसमें बहुत दर्द देखने के लिए आपको कला का विशेषज्ञ होने की ज़रूरत नहीं है। 1937 में पिकासो द्वारा चित्रित विशाल भित्तिचित्र "ग्वेर्निका", ग्वेर्निका शहर पर लूफ़्टवाफे़ स्वयंसेवी इकाई के छापे के बारे में बताता है, जिसके परिणामस्वरूप छह हज़ारवां शहर पूरी तरह से नष्ट हो गया था। चित्र को केवल एक महीने में चित्रित किया गया था - चित्र पर काम के पहले दिन, पिकासो ने 10-12 घंटे काम किया, और पहले से ही पहले रेखाचित्रों में कोई भी देख सकता था मुख्य विचार. यह में से एक है सबसे अच्छा चित्रणफासीवाद का दुःस्वप्न, साथ ही मानवीय क्रूरता और दु: ख।

4. जन वैन आइक "अर्नोल्फिनी का चित्र"
1434, लकड़ी पर तेल। 81.8×59.7 सेमी
लंडन नेशनल गैलरी, लंडन

पहली नज़र में, चित्र एक अजीब और समझ से बाहर काम का आभास नहीं देता है, लेकिन यह दर्शकों को स्थिर और सहकर्मी बनाता है।

चित्र, संभवतः जियोवानी डी निकोलाओ अर्नोल्फिनी और उनकी पत्नी का, उत्तरी पुनर्जागरण की पेंटिंग के पश्चिमी स्कूल के सबसे जटिल कार्यों में से एक है।
प्रसिद्ध पेंटिंग पूरी तरह से प्रतीकों, रूपक और विभिन्न संदर्भों से भरी हुई है - हस्ताक्षर तक "जान वैन आइक यहां था", जिसने इसे न केवल कला के काम में बदल दिया, बल्कि एक वास्तविक घटना की पुष्टि करने वाले एक ऐतिहासिक दस्तावेज में कलाकार ने भाग लिया। .

5. मिखाइल व्रुबेल "बैठे दानव"
1890, कैनवास पर तेल। 114×211 सेमी
ट्रीटीकोव गैलरी, मास्को

इस तस्वीर की विचित्रता मुख्य रूप से दानव की अप्रत्याशित छवि में निहित है। उदास लंबे बालों वाला आदमी एक बुरी आत्मा को कैसा दिखना चाहिए, इसके सार्वभौमिक विचारों की तरह बिल्कुल नहीं है। कलाकार ने खुद अपनी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग के बारे में बात की: "दानव इतनी बुरी आत्मा नहीं है जितना कि एक पीड़ित और शोकाकुल, यह सब एक दबंग, राजसी आत्मा है।"

6. वसीली वीरशैचिन "युद्ध का एपोथोसिस"
1871, कैनवास पर तेल। 127×197 सेमी
स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी, मॉस्को

वीरशैचिन मुख्य रूसी युद्ध चित्रकारों में से एक हैं, लेकिन उन्होंने युद्धों और लड़ाइयों को इसलिए नहीं चित्रित किया क्योंकि वह उनसे प्यार करते थे। इसके विपरीत, उन्होंने लोगों को अपनी बात बताने की कोशिश की नकारात्मक रवैयायुद्ध के लिए। एक बार वीरशैचिन ने भावनाओं की गर्मी में कहा: "मैं और अधिक युद्ध चित्र नहीं लिखूंगा - बस! मैं जो लिखता हूं उसे अपने दिल के बहुत करीब ले जाता हूं, हर घायल और मारे गए लोगों के दुख को (शाब्दिक रूप से) रोता हूं। संभवतः इस विस्मयादिबोधक का परिणाम भयानक और अजीब तरह से मोहक पेंटिंग "द एपोथोसिस ऑफ वॉर" था, जिसमें एक क्षेत्र, कौवे और मानव खोपड़ी के पहाड़ को दर्शाया गया है।

7. ग्रांट वुड "अमेरिकन गॉथिक"
1930, तेल। 74×62 सेमी
शिकागो के कला संस्थान, शिकागो

"अमेरिकन गॉथिक" 20वीं सदी की अमेरिकी कला में सबसे पहचानने योग्य छवियों में से एक है, जो 20वीं और 21वीं सदी की सबसे प्रसिद्ध कलात्मक मेम है। तस्वीर की विचित्रता तुरंत स्पष्ट है। एक उदास पिता और बेटी के साथ चित्र विवरण के साथ बह निकला है जो चित्रित लोगों की गंभीरता, शुद्धतावाद और प्रतिगामीता को दर्शाता है। गुस्से में चेहरे, तस्वीर के ठीक बीच में एक पिचफर्क, 1930 के मानकों के अनुसार पुराने जमाने के कपड़े, एक कोहनी उजागर, किसान के कपड़ों पर सीम जो पिचफोर्क के आकार को दोहराते हैं, जिसका अर्थ है एक खतरा जो किसी को भी संबोधित किया जाता है जो उनका अतिक्रमण करता है। इन सभी विवरणों को अंतहीन रूप से देखा जा सकता है और असुविधा से उबकाई आती है।

8. रेने मैग्रिट "प्रेमी"
1928, कैनवास पर तेल

पेंटिंग "प्रेमी" ("प्रेमी") दो संस्करणों में मौजूद है। एक पर, एक पुरुष और एक महिला, जिनके सिर सफेद कपड़े में लिपटे हुए हैं, चुंबन कर रहे हैं, और दूसरी तरफ, वे दर्शक को "देख" रहे हैं। तस्वीर हैरान और मोहित करने वाली है। बिना चेहरों वाली दो आकृतियों के साथ मैग्रीट ने प्रेम के अंधेपन का विचार व्यक्त किया। अंधेपन के बारे में हर मायने में: प्रेमी किसी को नहीं देखते, उन्हें नहीं देखते सच्चे चेहरेऔर दर्शक, और इसके अलावा, प्रेमी - एक दूसरे के लिए भी एक रहस्य।

9. मार्क चागल "चलना"
1917, कैनवास पर तेल
स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी

आमतौर पर अपनी पेंटिंग में बेहद गंभीर, मार्क चागल ने अपनी खुशी का एक रमणीय घोषणापत्र लिखा, जो रूपक और प्रेम से भरा था। "वॉक" उनकी पत्नी बेला के साथ एक स्व-चित्र है। उसका प्रिय आकाश में उड़ता है और उड़ान में घसीटता हुआ दिखता है और चागल, जो अनिश्चित रूप से जमीन पर खड़ा है, जैसे कि उसे अपने जूते के पैर की उंगलियों से छू रहा हो। चागल के दूसरे हाथ में एक टाइट है - वह खुश है, उसके हाथों में एक टाइट (शायद उसकी पेंटिंग) है, और आकाश में एक क्रेन है।

10. हिरोनिमस बॉश"बगीचा सांसारिक सुख»
1500-1510, लकड़ी पर तेल। 389×220 सेमी
प्राडो, स्पेन

"द गार्डन ऑफ अर्थली डिलाइट्स" - हिरोनिमस बॉश का सबसे प्रसिद्ध ट्रिप्टिच, जिसे मध्य भाग के विषय से इसका नाम मिला, कामुकता के पाप को समर्पित है। आज तक, चित्र की उपलब्ध व्याख्याओं में से किसी को भी एकमात्र सत्य के रूप में मान्यता नहीं दी गई है।
स्थायी आकर्षण और साथ ही त्रिपिटक की विचित्रता कलाकार के मुख्य विचार को कई विवरणों के माध्यम से व्यक्त करने के तरीके में निहित है।

2. पॉल गाउगिन "हम कहाँ से आए हैं? हम कौन हैं? हम कहा जा रहे है?"

897-1898, कैनवास पर तेल। 139.1×374.6 सेमी
ललित कला संग्रहालय, बोस्टन

पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट पॉल गाउगिन की एक गहरी दार्शनिक पेंटिंग को ताहिती में चित्रित किया गया था, जहाँ वे पेरिस से भाग गए थे। काम के अंत में, वह आत्महत्या भी करना चाहता था, क्योंकि उसका मानना ​​​​था: "मेरा मानना ​​​​है कि यह कैनवास न केवल मेरे सभी पिछले वाले से बेहतर है, बल्कि मैं कभी भी कुछ बेहतर या समान नहीं बनाऊंगा।"

1980 के दशक के उत्तरार्ध की गर्मियों में, कई फ्रेंच कलाकारपोंट-एवेन (ब्रिटनी, फ्रांस) में एकत्र हुए। वे एक साथ आए और लगभग तुरंत ही दो शत्रुतापूर्ण गुटों में विभाजित हो गए। एक समूह में ऐसे कलाकार शामिल थे जो खोज के मार्ग पर चल पड़े थे और सामान्य नाम "इंप्रेशनिस्ट्स" से एकजुट थे। पॉल गाउगिन के नेतृत्व वाले दूसरे समूह के अनुसार, यह नाम अपमानजनक था। पी। गौगुइन उस समय पहले से ही चालीस से कम थे। एक यात्री के रहस्यमय प्रभामंडल से घिरा हुआ था जिसने विदेशी भूमि की खोज की थी, उसके पास एक महान था जीवनानुभवउनके काम के प्रशंसक और नकल करने वाले दोनों।

दोनों खेमों को भी उनकी स्थिति के लाभ के अनुसार विभाजित किया गया था। यदि प्रभाववादी अटारी या अटारी में रहते थे, तो अन्य कलाकारों ने रेस्तरां के सबसे बड़े और सबसे अच्छे हॉल में भोजन करने वाले ग्लोनेक होटल के सबसे अच्छे कमरों पर कब्जा कर लिया, जहाँ पहले समूह के सदस्यों को अनुमति नहीं थी। हालांकि, समूहों के बीच संघर्ष ने न केवल पी। गाउगिन को काम करने से रोका, इसके विपरीत, कुछ हद तक उन्हें उन विशेषताओं को महसूस करने में मदद मिली, जिनके कारण उनका हिंसक विरोध हुआ। प्रभाववादियों की विश्लेषणात्मक पद्धति की अस्वीकृति पेंटिंग के कार्यों पर उनके पूर्ण पुनर्विचार की अभिव्यक्ति थी। प्रभाववादियों की इच्छा है कि उन्होंने जो कुछ भी देखा, उस पर कब्जा कर लिया, उन्होंने खुद कलात्मक सिद्धांत- उनके चित्रों को एक आकस्मिक झलक देने के लिए - पी। गाउगिन के अत्याचारी और ऊर्जावान स्वभाव के अनुरूप नहीं था।

वह जे। सेरात के सैद्धांतिक और कलात्मक शोध से और भी कम संतुष्ट थे, जिन्होंने वैज्ञानिक सूत्रों और व्यंजनों के ठंडे, तर्कसंगत उपयोग के लिए पेंटिंग को कम करने की मांग की थी। जे। सेरात की पॉइंटिलिस्टिक तकनीक, ब्रश और डॉट्स के क्रॉस स्ट्रोक के साथ पेंट के उनके व्यवस्थित अनुप्रयोग ने पॉल गाउगिन को उनकी एकरसता से परेशान किया।

प्रकृति के बीच मार्टीनिक में कलाकार का प्रवास, जो उसे एक शानदार, शानदार कालीन लग रहा था, ने अंततः पी। गाउगिन को अपने चित्रों में केवल असंबद्ध रंग का उपयोग करने के लिए मना लिया। उनके साथ, उनके विचारों को साझा करने वाले कलाकारों ने "संश्लेषण" को अपने सिद्धांत के रूप में घोषित किया - यानी, रेखाओं, आकारों और रंगों का सिंथेटिक सरलीकरण। इस सरलीकरण का उद्देश्य अधिकतम रंग तीव्रता के प्रभाव को व्यक्त करना और इस छाप को कमजोर करने वाली हर चीज को छोड़ना था। इस तकनीक ने पुराने का आधार बनाया सजावटी पेंटिंगभित्तिचित्र और सना हुआ ग्लास।

रंग और पेंट के अनुपात का सवाल पी. गौगिन के लिए बहुत दिलचस्प था। अपनी पेंटिंग में, उन्होंने आकस्मिक और सतही नहीं, बल्कि स्थायी और आवश्यक को व्यक्त करने का भी प्रयास किया। उनके लिए, कानून केवल कलाकार की रचनात्मक इच्छा थी, और उसका कलात्मक कार्यउसने अभिव्यक्ति में देखा आंतरिक सद्भाव, जिसे उन्होंने प्रकृति की स्पष्टता और इस स्पष्टता से परेशान कलाकार की आत्मा की मनोदशा के संश्लेषण के रूप में समझा। पी। गाउगिन ने खुद इसके बारे में इस तरह से बात की: "मैं प्रकृति की सच्चाई को ध्यान में नहीं रखता, बाहरी रूप से दिखाई देता है ... इस झूठे परिप्रेक्ष्य को ठीक करें, जो अपनी सच्चाई के कारण विषय को विकृत करता है ... गतिशीलता से बचा जाना चाहिए। सब कुछ होने दें शांति और मन की शांति के साथ सांस लें, गति में मुद्रा से बचें... प्रत्येक पात्र को स्थिर स्थिति में होना चाहिए।" और उन्होंने अपने चित्रों के परिप्रेक्ष्य को कम कर दिया, इसे विमान के करीब लाया, आंकड़ों को सामने की स्थिति में तैनात किया और कोणों से परहेज किया। यही कारण है कि पी। गौगिन द्वारा चित्रित लोग चित्रों में गतिहीन हैं: वे बिना किसी अनावश्यक विवरण के एक बड़ी छेनी से गढ़ी गई मूर्तियों की तरह हैं।

अवधि परिपक्व रचनात्मकतापॉल गाउगिन ताहिती में शुरू हुआ, यह यहां था कि कलात्मक संश्लेषण की समस्या ने उनके साथ अपना पूर्ण विकास प्राप्त किया। ताहिती में, कलाकार ने बहुत कुछ त्याग दिया जो वह जानता था: उष्णकटिबंधीय में, रूप स्पष्ट और निश्चित हैं, छाया भारी और गर्म हैं, और विरोधाभास विशेष रूप से तेज हैं। यहां पोंट-एवेन में उनके द्वारा निर्धारित सभी कार्यों को स्वयं हल किया गया था। पी। गाउगिन के पेंट बिना स्मीयर के शुद्ध हो जाते हैं। उनकी ताहिती पेंटिंग प्रभावित करती हैं प्राच्य कालीनया भित्तिचित्र, इसलिए उनमें रंग एक निश्चित स्वर में सामंजस्यपूर्ण रूप से लाए जाते हैं।

इस अवधि के पी। गौगिन का काम (अर्थात् कलाकार की ताहिती की पहली यात्रा) प्रस्तुत है अद्भुत परी कथा, जिसे उन्होंने दूर पोलिनेशिया की आदिम, विदेशी प्रकृति के बीच अनुभव किया। मटाये क्षेत्र में उसे एक छोटा सा गाँव मिलता है, वह अपने लिए एक झोपड़ी खरीदता है, जिसके एक तरफ समुद्र छलकता है, और दूसरी तरफ एक विशाल दरार वाला पहाड़ दिखाई देता है। यूरोपीय अभी तक यहां नहीं पहुंचे हैं, और जीवन पी। गाउगिन को एक वास्तविक सांसारिक स्वर्ग लग रहा था। वह ताहिती जीवन की धीमी लय का पालन करता है, चमकीले रंगों को अवशोषित करता है नीला समुद्र, कभी-कभी हरी लहरों से आच्छादित हो जाती है जो शोर के साथ प्रवाल भित्तियों से टकराती है।

पहले दिनों से, कलाकार ने ताहिती लोगों के साथ सरल, मानवीय संबंध स्थापित किए। पी। गाउगिन को अधिक से अधिक पकड़ने का काम शुरू होता है। वह प्रकृति से कई रेखाचित्र और रेखाचित्र बनाता है, किसी भी मामले में वह कैनवास, कागज या लकड़ी पर ताहिती लोगों के विशिष्ट चेहरों, उनके आकृतियों और मुद्राओं को - काम की प्रक्रिया में या आराम के दौरान पकड़ने की कोशिश करता है। इस अवधि के दौरान, उन्होंने विश्व प्रसिद्ध पेंटिंग "द स्पिरिट ऑफ द डेड वेक्स", "क्या आप ईर्ष्यालु हैं?", "बातचीत", "ताहिती देहाती" बनाई।

लेकिन अगर 1891 में ताहिती का रास्ता उसे उज्ज्वल लग रहा था (वह फ्रांस में कुछ कलात्मक जीत के बाद यहां गया था), तो दूसरी बार वह अपने प्रिय द्वीप पर एक बीमार व्यक्ति गया, जिसने अपने अधिकांश भ्रम खो दिए थे। रास्ते में सब कुछ उसे परेशान करता था: जबरन रुकना, बेकार खर्च, सड़क की असुविधाएँ, सीमा शुल्क निगल्स, घुसपैठ करने वाले साथी यात्री ...

केवल दो साल वह ताहिती में नहीं था, और यहाँ बहुत कुछ बदल गया है। यूरोपीय छापे ने मूल निवासियों के मूल जीवन को नष्ट कर दिया, सब कुछ पी। गौगिन को एक असहनीय गड़बड़ लगता है: द्वीप की राजधानी पपीते में बिजली की रोशनी, और शाही महल के पास असहनीय हिंडोला, और फोनोग्राफ की आवाज़ पूर्व चुप्पी को तोड़ती है .

इस बार कलाकार ताहिती के पश्चिमी तट पर पुनौइया में रह रहा है, समुद्र और पहाड़ों की ओर मुख किए हुए भूमि के किराए के भूखंड पर एक घर बना रहा है। द्वीप पर मजबूती से बसने और काम के लिए परिस्थितियाँ बनाने की उम्मीद में, वह अपने घर की व्यवस्था के लिए पैसे नहीं बख्शता और जल्द ही, जैसा कि अक्सर होता है, वह बिना पैसे के रह जाता है। पी। गौगुइन की गिनती उन दोस्तों पर होती है, जिन्होंने कलाकार के फ्रांस छोड़ने से पहले, उससे कुल 4,000 फ़्रैंक उधार लिए थे, लेकिन वे उन्हें वापस करने की जल्दी में नहीं थे। इस तथ्य के बावजूद कि उन्होंने उन्हें अपने कर्तव्य के कई अनुस्मारक भेजे, उन्होंने भाग्य और अत्यंत संकटपूर्ण स्थिति के बारे में शिकायत की ...

1896 के वसंत तक, कलाकार खुद को सबसे गंभीर जरूरत की चपेट में पाता है। इसके साथ ही उसके टूटे हुए पैर में दर्द है, जो अल्सर से ढका हुआ है और उसे असहनीय पीड़ा का कारण बनता है, उसे नींद और ऊर्जा से वंचित करता है। अस्तित्व के संघर्ष में प्रयासों की निरर्थकता का विचार, सभी की विफलता का विचार कलात्मक योजनाएंउसे आत्महत्या के बारे में अधिक से अधिक सोचने पर मजबूर करता है। लेकिन जैसे ही पी। गाउगिन को थोड़ी सी राहत महसूस होती है, कलाकार की प्रकृति उसके ऊपर हावी हो जाती है, और निराशावाद जीवन और रचनात्मकता के आनंद से पहले समाप्त हो जाता है।

हालाँकि, ये दुर्लभ क्षण थे, और दुर्भाग्य एक के बाद एक भयावह नियमितता के साथ आए। और उसके लिए सबसे भयानक बात फ्रांस से उसकी प्यारी बेटी अलीना की मौत की खबर थी। नुकसान से बचने में असमर्थ, पी। गौगिन ने आर्सेनिक की एक बड़ी खुराक ली और पहाड़ों पर चला गया ताकि कोई उसे रोक न सके। आत्महत्या के प्रयास ने इस तथ्य को जन्म दिया कि उसने बिना किसी सहायता के और पूर्ण एकांत में भयानक पीड़ा में रात बिताई।

लंबे समय तक कलाकार पूरी तरह साष्टांग प्रणाम में था, वह अपने हाथों में ब्रश नहीं रख सकता था। उनकी एकमात्र सांत्वना उनके द्वारा आत्महत्या के प्रयास से पहले लिखा गया एक विशाल कैनवास (450 x 170 सेमी) था। उन्होंने पेंटिंग को बुलाया "हम कहाँ से हैं? हम कौन हैं? हम कहाँ जा रहे हैं?" और एक पत्र में उन्होंने लिखा: "मैंने इसमें डाल दिया, मरने से पहले, मेरी सारी ऊर्जा, मेरी भयानक परिस्थितियों में ऐसा शोकपूर्ण जुनून, और एक दृष्टि इतनी स्पष्ट, बिना सुधार के, कि जल्दबाजी के निशान गायब हो गए और सारा जीवन उसमें दिखाई देता है।"

पी. गाउगिन ने भयानक तनाव में चित्र पर काम किया, हालाँकि वह लंबे समय से अपनी कल्पना में इसके लिए विचार कर रहा था, वह खुद नहीं कह सकता था कि इस कैनवास का विचार पहली बार कब आया। इस स्मारकीय कार्य के अलग-अलग अंश उनके द्वारा लिखे गए थे अलग सालऔर अन्य कार्यों में। उदाहरण के लिए, मूर्ति के बगल में इस पेंटिंग में ताहिती देहाती लोगों की महिला आकृति को दोहराया गया है, केंद्रीय आंकड़ाफल बीनने वाला गोल्डन स्केच में मिला "एक आदमी एक पेड़ से फल उठा रहा है" ...

पेंटिंग की संभावनाओं का विस्तार करने का सपना देखते हुए, पॉल गाउगिन ने अपनी पेंटिंग को एक फ्रेस्को का चरित्र देने की मांग की। यह अंत करने के लिए, वह दो ऊपरी कोनों को छोड़ देता है (एक पेंटिंग के नाम के साथ, दूसरा कलाकार के हस्ताक्षर के साथ) पीला और पेंटिंग से भरा नहीं - "एक फ्रेस्को की तरह, कोनों पर क्षतिग्रस्त और एक सुनहरी दीवार पर आरोपित।"

1898 के वसंत में, उन्होंने पेरिस को तस्वीर भेजी, और आलोचक ए। फॉनटेन को लिखे एक पत्र में उन्होंने कहा कि उनका लक्ष्य "सरल आरोपों की एक जटिल श्रृंखला बनाना नहीं था जिसे हल करना होगा। इसके विपरीत। , चित्र की अलंकारिक सामग्री अत्यंत सरल है - लेकिन पूछे गए प्रश्नों के उत्तर देने के अर्थ में नहीं, बल्कि इन प्रश्नों को प्रस्तुत करने के अर्थ में। पॉल गाउगिन तस्वीर के शीर्षक में पूछे गए सवालों का जवाब नहीं देने जा रहे थे, क्योंकि उनका मानना ​​​​था कि वे हैं और उनके लिए एक भयानक और मधुर रहस्य होगा मानव चेतना. इसलिए, इस कैनवास पर चित्रित रूपकों का सार प्रकृति में छिपी इस पहेली के विशुद्ध रूप से सचित्र अवतार में निहित है, अमरता का पवित्र आतंक और होने का रहस्य।

ताहिती की अपनी पहली यात्रा पर, पी। गौगिन ने दुनिया को एक महान बाल-लोगों की उत्साही आँखों से देखा, जिनके लिए दुनिया ने अभी तक अपनी नवीनता और शानदार रत्नों को नहीं खोया था। उनके बचकाने ऊंचे टकटकी ने प्रकृति में दूसरों के लिए अदृश्य रंगों को प्रकट किया: पन्ना घास, नीलम आकाश, नीलम सूरज की छाया, माणिक फूल और माओरी त्वचा का शुद्ध सोना। इस अवधि के पी. गाउगिन द्वारा ताहिती चित्र एक उत्कृष्ट सुनहरी चमक के साथ चमकते हैं, जैसे सना हुआ-कांच की खिड़कियां गॉथिक कैथेड्रल, रीगल वैभव को बुझाना बीजान्टिन मोज़ाइक, रंगों के रसीले छींटे के साथ सुगंधित।

अकेलापन और गहरी निराशा, जिसने उन्हें ताहिती की दूसरी यात्रा पर ले लिया, ने पी। गौगिन को सब कुछ केवल काले रंग में देखने के लिए मजबूर किया। हालांकि, मास्टर की प्राकृतिक प्रवृत्ति और उनके रंगकर्मी की आंखों ने कलाकार को जीवन और उसके रंगों के लिए अपना स्वाद पूरी तरह से खोने नहीं दिया, हालांकि उन्होंने एक उदास कैनवास बनाया, इसे रहस्यमय आतंक की स्थिति में चित्रित किया।

तो क्या यह तस्वीर एक जैसी है? प्राच्य पांडुलिपियों की तरह, जिन्हें दाएं से बाएं पढ़ा जाना चाहिए, चित्र की सामग्री उसी दिशा में सामने आती है: कदम दर कदम, प्रवाह प्रकट होता है। मानव जीवन- अपने जन्म से लेकर मृत्यु तक, गैर-मौजूदगी का भय लेकर।

दर्शकों के सामने, एक बड़े, क्षैतिज रूप से लम्बी कैनवास पर, एक जंगल की धारा के किनारे को दर्शाया गया है, जिसमें अंधेरे पानी में रहस्यमय, अनिश्चित छाया परिलक्षित होती है। दूसरी ओर - घनी, हरी-भरी उष्ण कटिबंधीय वनस्पति, पन्ना घास, घनी हरी झाड़ियाँ, अजीब नीले पेड़, "जैसे धरती पर नहीं, बल्कि स्वर्ग में उग रहे हों।"

पेड़ की टहनियाँ अजीब तरह से झूलती हैं, आपस में जुड़ती हैं, एक जालीदार जाल बनाती हैं, जिसके माध्यम से कोई दूर से समुद्र को तटीय लहरों के सफेद शिखरों के साथ देख सकता है, एक पड़ोसी द्वीप पर एक गहरा बैंगनी पहाड़, नीला आकाश- "कुंवारी प्रकृति का एक तमाशा, जो स्वर्ग हो सकता है।"

चित्र के अग्रभाग में, किसी भी पौधे से मुक्त भूमि पर, लोगों का एक समूह एक देवता की पत्थर की मूर्ति के चारों ओर स्थित है। पात्र किसी एक घटना से नहीं जुड़े हैं या सामान्य क्रिया, हर कोई अपने में व्यस्त है और अपने आप में डूबा हुआ है। बाकी सोए हुए बच्चे की रक्षा एक बड़े काले कुत्ते द्वारा की जाती है; "तीन महिलाएं बैठी हुई हैं, मानो खुद को सुन रही हों, किसी की प्रत्याशा में जमी हों" अप्रत्याशित खुशी. बीच में खड़ा एक युवक दोनों हाथों से एक पेड़ से एक फल उठाता है ... एक आकृति, जानबूझकर विशाल परिप्रेक्ष्य के नियमों के विपरीत ... अपना हाथ उठाती है, दो पात्रों को आश्चर्य से देखती है जो अपने भाग्य के बारे में सोचने की हिम्मत करते हैं .

मूर्ति के बगल में, एक अकेली महिला, जैसे कि यंत्रवत्, तीव्र, एकाग्र प्रतिबिंब की स्थिति में डूबी हुई, बगल की ओर चलती है। एक पक्षी जमीन पर उसकी ओर बढ़ रहा है। कैनवास के बाईं ओर, जमीन पर बैठा एक बच्चा अपने मुंह में एक फल लाता है, एक बिल्ली एक कटोरी से गोद लेती है ... और दर्शक खुद से पूछता है: "इस सब का क्या मतलब है?"

पहली नज़र में ऐसा लगता है दिनचर्या या रोज़मर्रा की ज़िंदगी, लेकिन इसके अलावा सीधा अर्थ, प्रत्येक छवि में एक काव्य रूपक होता है, एक आलंकारिक व्याख्या की संभावना का संकेत। इसलिए, उदाहरण के लिए, जंगल की धारा या जमीन से निकलने वाले झरने का रूप, जीवन के स्रोत, अस्तित्व की रहस्यमय शुरुआत के लिए गौगिन का पसंदीदा रूपक है। सोता हुआ बच्चा मानव जीवन की सुबह की शुद्धता का प्रतीक है। एक पेड़ से फल उठाता एक युवक और जमीन पर बैठी महिलाएं प्रकृति के साथ मनुष्य की जैविक एकता, उसमें उसके अस्तित्व की स्वाभाविकता के विचार को मूर्त रूप देती हैं।

एक आदमी हाथ उठाकर, अपने दोस्तों को आश्चर्य से देख रहा है, चिंता की पहली झलक है, दुनिया और अस्तित्व के रहस्यों को समझने का प्रारंभिक आवेग है। अन्य मानव मन की दुस्साहस और पीड़ा, आत्मा के रहस्य और त्रासदी को प्रकट करते हैं, जो मनुष्य के अपने नश्वर भाग्य के ज्ञान की अनिवार्यता, सांसारिक अस्तित्व की संक्षिप्तता और अंत की अनिवार्यता में निहित हैं।

पॉल गाउगिन द्वारा स्वयं कई स्पष्टीकरण दिए गए थे, लेकिन उन्होंने अपनी तस्वीर में आम तौर पर स्वीकृत प्रतीकों को देखने की इच्छा के खिलाफ चेतावनी दी, छवियों को बहुत सीधे समझने के लिए, और इससे भी ज्यादा जवाब देखने के लिए। कुछ कला इतिहासकारों का मानना ​​​​है कि कलाकार की उदास स्थिति, जिसके कारण वह आत्महत्या का प्रयास करता है, एक सख्त, संक्षिप्त रूप में व्यक्त किया गया था कलात्मक भाषा. वे ध्यान दें कि तस्वीर अतिभारित है छोटे विवरणजो सामान्य विचार को स्पष्ट नहीं करते, बल्कि दर्शक को भ्रमित करते हैं। यहां तक ​​कि गुरु के पत्रों की व्याख्या भी उस रहस्यमय कोहरे को दूर नहीं कर सकती जो उन्होंने इन विवरणों में डाला था।

पी। गौगिन ने स्वयं अपने काम को आध्यात्मिक वसीयतनामा माना, शायद इसीलिए चित्र एक चित्रमय कविता बन गया, जिसमें विशिष्ट छवियों को एक उदात्त विचार और पदार्थ को आत्मा में बदल दिया गया। कैनवास के कथानक में एक काव्यात्मक मनोदशा का प्रभुत्व है, जो मायावी रंगों और आंतरिक अर्थों से भरपूर है। हालांकि, शांति और अनुग्रह की मनोदशा पहले से ही रहस्यमय दुनिया के संपर्क की अस्पष्ट चिंता से ढकी हुई है, छिपी हुई चिंता की भावना को जन्म देती है, अस्तित्व के अंतरतम रहस्यों की दर्दनाक अघुलनशीलता, मनुष्य की दुनिया में आने का रहस्य और उसके लापता होने का रहस्य। चित्र में, सुख दुख से ढका हुआ है, आध्यात्मिक पीड़ा भौतिक अस्तित्व की मिठास से धुल जाती है - "सुनहरा आतंक, आनंद से आच्छादित।" सब कुछ अविभाज्य है, जैसा कि जीवन में है।

पी। गौगिन जानबूझकर गलत अनुपात को सही नहीं करता है, अपने स्केच तरीके को संरक्षित करने के लिए हर कीमत पर प्रयास करता है। उन्होंने इस स्केचनेस, अपूर्णता की सराहना की, विशेष रूप से अत्यधिक, यह मानते हुए कि यह वह थी जिसने कैनवास में एक जीवित धारा लाई और चित्र को एक विशेष कविता प्रदान की जो कि समाप्त और अत्यधिक समाप्त चीजों की विशेषता नहीं थी।

कला कुछ भी हो सकती है। कोई प्रकृति की सुंदरता को देखता है और उसे ब्रश या कटर से बताता है, कोई मानव शरीर की अद्भुत तस्वीरें लेता है, और कोई भयानक में सुंदरता पाता है - कारवागियो और एडवर्ड मंच ने इस शैली में काम किया। समकालीन कलाकारसंस्थापक पिता से बहुत पीछे नहीं है।

1. दादो

यूगोस्लाव डैडो का जन्म 1933 में हुआ था और उनकी मृत्यु 2010 में हुई थी। पहली नज़र में, उनका काम पूरी तरह से सामान्य या सुखद भी लग सकता है - यह पसंद के कारण है रंग की: कई हॉरर कलाकार काले या लाल रंग का चयन करते हैं, और डैडो को पेस्टल शेड्स पसंद हैं।

लेकिन 1963 में बिग फ़ार्म या 1964 में फ़ुटबॉल प्लेयर जैसी तस्वीरों को ध्यान से देखें और आप उनमें विचित्र जीव देखेंगे। उनके चेहरे दर्द या पीड़ा से भरे हुए हैं, उनके शरीर पर ट्यूमर या अतिरिक्त अंग दिखाई दे रहे हैं, या उनके शरीर बस हैं अनियमित आकार. वास्तव में, "बिग फ़ार्म" जैसी तस्वीरें भयावह डरावनी से कहीं अधिक डरावनी हैं - ठीक है क्योंकि पहली नज़र में आप उनमें कुछ भी भयानक नहीं देखते हैं।

2. कीथ थॉम्पसन

कीथ थॉम्पसन कला के व्यक्ति की तुलना में एक व्यावसायिक कलाकार के रूप में अधिक है। उन्होंने गिलर्मो डेल टोरो के पैसिफिक रिम और स्कॉट वेस्टरफील्ड के लेविथान के लिए राक्षसों को डिजाइन किया। उनका काम एक ऐसी तकनीक में किया जाता है जिसे आप एक संग्रहालय के बजाय मैजिक: द गैदरिंग कार्ड्स पर देखना पसंद करेंगे।

उनकी पेंटिंग "द क्रिएचर फ्रॉम पिपरियात" को देखें: राक्षस कई जानवरों से बना है और बहुत बदसूरत है, लेकिन यह थॉम्पसन की तकनीक का एक अच्छा विचार देता है। राक्षस की भी एक कहानी है - यह माना जाता है कि यह चेरनोबिल आपदा का एक उत्पाद है। बेशक, राक्षस कुछ हद तक कल्पित है, जैसे कि यह सीधे 1950 के दशक से आया हो, लेकिन यह इसे कम डरावना नहीं बनाता है।

एससीपी फाउंडेशन ने इस जीव को अपने शुभंकर के रूप में अपनाया और इसे "एससीपी-682" नाम दिया। लेकिन थॉम्पसन के शस्त्रागार में अभी भी ऐसे कई राक्षस हैं, और अधिक भयानक हैं।

3. जुंजी इतो

व्यावसायिक कलाकारों के विषय पर: उनमें से कुछ कॉमिक्स बनाते हैं। हॉरर कॉमिक व्यवसाय में, जुंजी इतो चैंपियन है। उनके राक्षस केवल विचित्र नहीं हैं: कलाकार जीवों के शरीर पर हर शिकन, हर क्रीज को ध्यान से खींचता है। यह वही है जो लोगों को डराता है, न कि राक्षसों की तर्कहीनता से।

उदाहरण के लिए, अपने कॉमिक "अमिगारा फॉल्ट्स मिस्ट्री" में, वह लोगों को कपड़े उतारता है और उन्हें ठोस चट्टान में एक ह्यूमनॉइड छेद में भेजता है - हम इस छेद को जितना करीब देखते हैं, उतना ही डरावना, लेकिन "दूर से" भी यह भयावह लगता है।

उनकी उज़ुमाकी (सर्पिल) कॉमिक बुक सीरीज़ में, एक ऐसा व्यक्ति है जो सर्पिल से ग्रस्त है। पहले तो उनका जुनून अजीब लगता है, और फिर डरावना। इसके अलावा, नायक के जुनून के जादू बनने से पहले ही यह डरावना हो जाता है, जिसकी मदद से वह एक व्यक्ति को कुछ अमानवीय बना देता है, लेकिन साथ ही साथ जीवित भी।

इतो का काम सभी जापानी मंगा के बीच खड़ा है - उसके "सामान्य" पात्र असामान्य रूप से यथार्थवादी और यहां तक ​​​​कि प्यारे लगते हैं, और राक्षस उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ और भी डरावना लगते हैं।

4. ज़डज़िस्लाव बेक्सिंस्की

यदि कोई कलाकार कहता है, "मैं कल्पना नहीं कर सकता कि पेंटिंग में विवेक का क्या अर्थ है," तो वह संभवतः बिल्ली के बच्चे को चित्रित नहीं कर रहा है।

पोलिश चित्रकार Zdzisław Beksiński का जन्म 1929 में हुआ था। दशकों तक, उन्होंने शानदार यथार्थवाद की शैली में दुःस्वप्न की छवियां बनाईं, जब तक कि 2005 में उनकी भयानक मृत्यु नहीं हुई (उन्हें 17 बार छुरा घोंपा गया)। उनके काम में सबसे फलदायी अवधि 1960 - 1980 के वर्षों में आई: फिर उन्होंने अत्यधिक विस्तृत चित्र बनाए, जिन्हें उन्होंने स्वयं "अपने सपनों की तस्वीरें" कहा।

बेक्सिंस्की के अनुसार, उन्हें इस या उस पेंटिंग के अर्थ की परवाह नहीं थी, लेकिन उनके कुछ काम स्पष्ट रूप से कुछ का प्रतीक हैं। उदाहरण के लिए, 1985 में उन्होंने "ट्रोलफोर्गटोक" पेंटिंग बनाई। कलाकार द्वितीय विश्व युद्ध से तबाह हुए देश में पला-बढ़ा है, इसलिए तस्वीर में काले आंकड़े पोलिश नागरिकों की पहचान कर सकते हैं, और सिर एक तरह का क्रूर अधिकार हो सकता है।

कलाकार ने खुद दावा किया कि उसके मन में ऐसा कुछ नहीं था। दरअसल, इस तस्वीर के बारे में बेक्सिंस्की ने कहा कि इसे मजाक के तौर पर लिया जाना चाहिए - यही वास्तव में काले हास्य का मतलब है।

5. वेन बारलो

हजारों कलाकारों ने नर्क को चित्रित करने की कोशिश की है, लेकिन वेन बार्लो इसमें स्पष्ट रूप से सफल रहे हैं। भले ही आपने उनका नाम नहीं सुना हो, आपने शायद काम देखा होगा। वह जेम्स कैमरून के अवतार (निर्देशक ने व्यक्तिगत रूप से उनकी प्रशंसा की), पैसिफिक रिम, हैरी पॉटर एंड द प्रिजनर ऑफ अज़काबन, और हैरी पॉटर एंड द गॉब्लेट ऑफ फायर जैसी फिल्मों में शामिल रहे हैं। लेकिन उनके सबसे उत्कृष्ट कार्यों में से एक को 1998 में प्रकाशित एक पुस्तक "इन्फर्नो" कहा जा सकता है।

उसके लिए नरक केवल राक्षसी प्रभुओं और सेनाओं के साथ कालकोठरी नहीं है। बार्लो ने कहा: "नरक मानव पीड़ा के प्रति पूर्ण उदासीनता है।" उसके राक्षस अक्सर इसमें रुचि लेते हैं मानव शरीरऔर आत्माएं और प्रयोग करने वालों की तरह व्यवहार करती हैं - वे किसी और के दर्द को नजरअंदाज करते हैं। उसके राक्षसों के लिए लोग बिल्कुल भी घृणा की वस्तु नहीं हैं, बल्कि केवल फालतू मनोरंजन का साधन हैं, इससे अधिक कुछ नहीं।

6. तेत्सुया इशिदा

आइसिस द्वारा ऐक्रेलिक पेंटिंग में, लोगों को अक्सर पैकेजिंग, कन्वेयर बेल्ट, मूत्रालय, या यहां तक ​​​​कि बवासीर तकिए जैसी वस्तुओं में बदल दिया जाता है। उनके पास नेत्रहीन मनभावन चित्र भी हैं जिनमें लोग प्रकृति के साथ विलीन हो जाते हैं या भाग जाते हैं जादुई भूमिआपक कल्पना। लेकिन इस तरह के काम पेंटिंग्स की तुलना में बहुत मंद होते हैं, जिसमें रेस्तरां के कर्मचारी डमी बन जाते हैं और ग्राहकों को खाना खिलाते हैं जैसे कि वे गैस स्टेशन पर कारों की सेवा कर रहे हों।

कलाकार की सटीकता और अंतर्दृष्टि या उसके रूपकों की जीवंतता के बारे में राय के बावजूद, इस बात से इनकार नहीं किया जा सकता है कि उसके काम की शैली भयानक है। आइसिस में कोई भी हास्य घृणा और भय के साथ हाथ से जाता है। उनका करियर 2005 में समाप्त हो गया जब 31 वर्षीय इशिदा ट्रेन की चपेट में आ गई, लगभग निश्चित रूप से एक आत्महत्या। उनके कार्यों का मूल्य सैकड़ों हजारों डॉलर है।

7. डेरियस ज़वाडज़कि

ज़ावाडस्की का जन्म 1958 में हुआ था। बेक्सिंस्की की तरह, वह खौफनाक काल्पनिक यथार्थवाद की शैली में काम करता है। उनके शिक्षक कला स्कूलज़वादस्की से कहा कि उसके पास बहुत कुछ नहीं है अच्छी दृष्टिऔर बुरी नजर है, इसलिए वह कलाकार नहीं बनेगा। खैर, वे स्पष्ट रूप से निष्कर्ष पर पहुंचे।

ज़ावाडस्की के कार्यों में स्टीमपंक के तत्व हैं: वह अक्सर रोबोट के समान जीवों को खींचता है, जिनकी कृत्रिम त्वचा के नीचे काम करने वाले तंत्र दिखाई देते हैं। उदाहरण के लिए, 2007 की ऑइल पेंटिंग "द नेस्ट" पर एक नज़र डालें। पक्षियों की मुद्राएं जीवित लोगों की तरह ही होती हैं, लेकिन फ्रेम स्पष्ट रूप से धातु का होता है, बमुश्किल त्वचा के टुकड़ों से ढका होता है। तस्वीर घृणा का कारण बन सकती है, लेकिन साथ ही यह आंख को आकर्षित करती है - मैं सभी विवरणों पर विचार करना चाहता हूं।

8. जोशुआ हॉफिन

जोशुआ हॉफिन का जन्म 1973 में एम्पोरिया, कंसास में हुआ था। वह भयानक तस्वीरें लेता है, जिसमें बचपन से परिचित परियों की कहानियां चलती हैं डरावनी विशेषताएं- इतिहास, बेशक, सीखा जा सकता है, लेकिन इसका अर्थ बहुत विकृत है।

उनके कई काम बहुत ही मंचित और अप्राकृतिक लगते हैं जो वास्तव में डराने के लिए हैं। लेकिन "पिकमैन की उत्कृष्ट कृतियों" जैसी तस्वीरों की श्रृंखला भी है - यह लवक्राफ्ट के पात्रों में से एक कलाकार पिकमैन को श्रद्धांजलि है।

2008 की तस्वीरों में जो आप यहां देख सकते हैं उनकी बेटी क्लो हैं. लड़की का चेहरा लगभग भावनाओं को व्यक्त नहीं करता है, और वह लगभग दर्शकों की ओर नहीं देखती है। डरावना विपरीत: परिवार की तस्वीरबेडसाइड टेबल पर गुलाबी पजामे में एक लड़की - और विशाल तिलचट्टे।

9. पेट्रीसिया पिकिनिनी

Piccinini की मूर्तियां कभी-कभी एक दूसरे से बहुत भिन्न होती हैं: कुछ मूर्तियां अनियमित आकार की मोटरसाइकिल हैं, अन्य गर्म हवा के साथ अजीब गुब्बारे हैं। लेकिन ज्यादातर वह ऐसी मूर्तियां बनाती हैं, जिनके साथ एक ही कमरे में खड़े होना बहुत असुविधाजनक होता है। तस्वीरों में भी वे खौफनाक लग रहे हैं।

2004 के काम में अविभाज्य, एक सामान्य मानव बच्चे की पीठ के खिलाफ एक ह्यूमनॉइड दबाया जाता है। सबसे ज्यादा परेशान करने वाला है विश्वास और स्नेह का तत्व - मानो बच्चे की मासूमियत का उसे नुकसान पहुंचाने के लिए क्रूरता से इस्तेमाल किया गया हो।

बेशक, Piccinini के काम की आलोचना की जाती है। उन्होंने "अविभाज्य" के बारे में यहां तक ​​​​कहा कि यह एक मूर्ति नहीं थी, बल्कि किसी तरह का असली जानवर था। लेकिन नहीं - यह उसकी कल्पना की एक कल्पना मात्र है, और कलाकार फाइबरग्लास, सिलिकॉन और बालों से अपना काम बनाना जारी रखता है।

10. मार्क पॉवेल

ऑस्ट्रेलियाई मार्क पॉवेल का काम वाकई चौंकाने वाला है। उनका 2012 का शो रचनाओं की एक श्रृंखला है जिसमें काल्पनिक जीव विकसित होते हैं, खा जाते हैं और एक दूसरे से अलग हो जाते हैं अपने शरीर, गुणा और क्षय। प्राणी बनावट और वातावरणबेहद आश्वस्त हैं, और स्थितियों को यथासंभव सामान्य बनाने के लिए आंकड़ों की शारीरिक भाषा को ठीक से चुना जाता है - और इसलिए आश्वस्त होता है।

बेशक, इंटरनेट कलाकार को श्रद्धांजलि देने में विफल नहीं हो सका। उपरोक्त "एससीपी फाउंडेशन" ने ऊपर की छवि से भयानक राक्षस को लिया और इसे "द फ्लेश दैट हेट्स" नामक कहानी का हिस्सा बना दिया। उनके काम से जुड़ी कई डरावनी कहानियां भी हैं।

कलाकार बनने में कितना समय लगता है? शायद प्रतिभा? या कुछ नया सीखने की क्षमता? या जंगली कल्पना? बेशक, ये सभी आवश्यक कारक हैं, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण क्या है? प्रेरणा। जब कोई कलाकार सचमुच अपनी आत्मा को एक पेंटिंग में डालता है, तो वह जीवित हो जाता है। रंगों का जादू कमाल का काम करता है, लेकिन लुक को ट्रांसलेट करना नामुमकिन है, मैं हर छोटी-छोटी चीज का अध्ययन करना चाहता हूं...

इस लेख में, हम 25 सही मायने में सरल और प्रसिद्ध चित्रों को देखेंगे।

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स्मृति की दृढ़ता, साल्वाडोर डाली

इस छोटी सी तस्वीर ने डाली की लोकप्रियता तब लाई जब वह 28 साल के थे। ये तस्वीर का इकलौता नाम नहीं है, इसके नाम भी हैं" नरम घड़ी”, "स्मृति की स्थिरता", "स्मृति की कठोरता"।

चित्र बनाने का विचार कलाकार को उस समय आया जब वह पिघले हुए पनीर के बारे में सोच रहा था। डाली ने पेंटिंग के अर्थ और महत्व के बारे में एक नोट नहीं छोड़ा, इसलिए वैज्ञानिक आइंस्टीन के सापेक्षता के सिद्धांत की ओर झुकाव रखते हुए इसे अपने तरीके से व्याख्या करते हैं।

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"नृत्य", हेनरी मैटिस

तस्वीर सिर्फ तीन रंगों में लिखी गई है- लाल, नीला और हरा। वे स्वर्ग, पृथ्वी और लोगों का प्रतीक हैं। "डांस" के अलावा मैटिस ने एक और पेंटिंग "म्यूजिक" पेंट की। उन्हें एक रूसी कलेक्टर द्वारा कमीशन किया गया था।

इस पर कोई अनावश्यक विवरण नहीं है, केवल प्राकृतिक पृष्ठभूमि और स्वयं लोग, जो नृत्य में जमे हुए हैं। कलाकार यही चाहता था - एक अच्छे पल को कैद करने के लिए जब लोग प्रकृति के साथ एक हों और परमानंद से अभिभूत हों।

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द किस, गुस्ताव क्लिम्टो

द किस क्लिम्ट की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग है। उन्होंने इसे रचनात्मकता के अपने "सुनहरे" दौर में लिखा था। उन्होंने असली सोने की पत्ती का इस्तेमाल किया। पेंटिंग की जीवनी के दो संस्करण हैं। पहले संस्करण के अनुसार, चित्र में गुस्ताव को अपनी प्यारी एमिलिया फ्लोग के साथ दिखाया गया है, जिसका नाम उन्होंने अपने जीवन में अंतिम रूप से सुनाया था। दूसरे संस्करण के अनुसार, एक निश्चित गिनती ने क्लिम्ट के लिए पेंटिंग को उसे और उसके प्रिय को चित्रित करने का आदेश दिया।

जब गिनती ने पूछा कि चित्र में चुंबन क्यों नहीं था, तो क्लिम्ट ने कहा कि वह एक कलाकार थे और उन्होंने इसे इस तरह देखा। वास्तव में, क्लिम्ट को काउंट की प्रेमिका से प्यार हो गया और यह किसी तरह का बदला था।

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स्लीपिंग जिप्सी, हेनरी रूसो

लेखक की मृत्यु के 13 साल बाद ही कैनवास पाया गया था, और यह तुरंत उसका सबसे महंगा काम बन गया। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्होंने इसे शहर के मेयर को बेचने की कोशिश की, लेकिन कोई फायदा नहीं हुआ।

तस्वीर बयां करती है मूल अर्थऔर गहन विचार। शांति, विश्राम - ये ऐसी भावनाएँ हैं जो "स्लीपिंग जिप्सी" को उद्घाटित करती हैं।

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"द लास्ट जजमेंट", हिरेनोमस बॉश

पेंटिंग उनके सभी जीवित कार्यों में सबसे बड़ी है। चित्र को कथानक की व्याख्या की आवश्यकता नहीं है, शीर्षक से सब कुछ स्पष्ट है। अंतिम निर्णय, कयामत। परमेश्वर धर्मी और पापी दोनों का न्याय करता है। चित्र तीन दृश्यों में विभाजित है। पहले सीन में जन्नत, हरे-भरे बगीचे, आनंद।

मध्य भाग में ही अंतिम न्याय है, जहाँ परमेश्वर लोगों को उनके कार्यों के लिए न्याय करना शुरू करते हैं। में दाईं ओरनरक को चित्रित किया गया है, जैसा कि यह प्रतीत होता है। भयानक राक्षस, लाल-गर्म नरक और पापियों की राक्षसी यातना।

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नार्सिसस के कायापलट, सल्वाडोर डाली

कई भूखंडों को आधार के रूप में लिया गया था, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण स्थान पर नार्सिसस की कहानी का कब्जा है - एक ऐसा व्यक्ति जिसने उसकी सुंदरता की इतनी प्रशंसा की कि वह मर गया क्योंकि वह अपनी इच्छाओं को पूरा नहीं कर सका।

तस्वीर के अग्रभाग में, नार्सिसस पानी के पास विचार में बैठा है और अपने स्वयं के प्रतिबिंब से खुद को दूर नहीं कर सकता है। पास ही एक पत्थर का हाथ है, जिसमें अंडा, यह पुनर्जन्म और नए जीवन का प्रतीक है।

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मासूमों का नरसंहार, पीटर पॉल रूबेन्स

कहानी बाइबिल से ली गई थी, जब राजा हेरोदेस ने सभी नवजात लड़कों को मारने का आदेश दिया था। पेंटिंग हेरोदेस के महल में एक बगीचे को दर्शाती है। सशस्त्र योद्धा रोती हुई माताओं से बच्चों को जबरदस्ती ले जाते हैं और उन्हें मार देते हैं। जमीन लाशों से पटी पड़ी है।

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नंबर 5 1948 जैक्सन पोलक द्वारा

जैक्सन ने एक पेंटिंग पर पेंट लगाने का एक अनोखा तरीका इस्तेमाल किया। उसने कैनवास को जमीन पर रख दिया और उसके चारों ओर चला गया। लेकिन स्ट्रोक लगाने के बजाय, उन्होंने ब्रश, सीरिंज लिया और कैनवास पर छप गए। इस पद्धति को बाद में "एक्शन पेंटिंग" कहा गया।

पोलॉक ने रेखाचित्रों का उपयोग नहीं किया, वह हमेशा केवल अपनी भावनाओं पर निर्भर था।

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मौलिन डे ला गैलेट, पियरे-अगस्टे रेनॉयर में गेंद

रेनॉयर एकमात्र ऐसे कलाकार हैं जिन्होंने एक भी दुखद तस्वीर नहीं लिखी। रेनॉयर को इस पेंटिंग का प्लॉट घर के पास, मौलिन डे ला गैलेट रेस्तरां में मिला। संस्था के जीवंत और हर्षित वातावरण ने कलाकार को इस चित्र को बनाने के लिए प्रेरित किया। दोस्तों और पसंदीदा मॉडलों ने उन्हें काम लिखने के लिए पोज दिया।

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लियोनार्डो दा विंची द्वारा द लास्ट सपर

इस पेंटिंग में अपने शिष्यों के साथ ईसा मसीह के अंतिम पर्व को दर्शाया गया है। यह आम तौर पर स्वीकार किया जाता है कि वह क्षण आ जाता है जब मसीह कहता है कि शिष्यों में से एक उसे धोखा देगा।

सिटर्स की तलाश में दा विंची ने काफी समय बिताया। सबसे कठिन थे मसीह और यहूदा की छवि। चर्च गाना बजानेवालों में, लियोनार्डो ने एक युवा गायक को देखा और उससे मसीह की छवि खींची। तीन साल बाद, कलाकार ने एक शराबी को खाई में उतरते देखा और महसूस किया कि यह वही है जिसे वह ढूंढ रहा था और उसे कार्यशाला में खींच लिया।

जब उसने एक शराबी से छवि की नकल की, तो उसने उसे स्वीकार किया कि तीन साल पहले कलाकार ने खुद उससे मसीह की छवि को चित्रित किया था। और ऐसा हुआ कि यीशु और यहूदा की छवियों को एक ही व्यक्ति से अलग कर दिया गया था, लेकिन अलग-अलग जीवन काल में।

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"वाटर लिली", क्लाउड मोने

1912 में, कलाकार को दोहरे मोतियाबिंद का पता चला था, जिसके कारण उसकी सर्जरी हुई थी। अपनी बाईं आंख में लेंस खो जाने के बाद, कलाकार ने पराबैंगनी प्रकाश को नीले या के रूप में देखना शुरू कर दिया नील लोहित रंग काइस वजह से, उनके चित्रों ने नए और चमकीले रंग प्राप्त किए। इस चित्र को चित्रित करते हुए, मोनेट ने लिली को नीले रंग के रूप में देखा, जबकि आम लोगसिर्फ साधारण सफेद लिली देखी।

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"चीख", एडवर्ड मुंचो

मंच उन्मत्त-अवसादग्रस्तता मनोविकृति से पीड़ित थे, उन्हें अक्सर बुरे सपने और अवसाद से पीड़ा होती थी। कई आलोचकों का मानना ​​​​है कि मंच ने खुद को चित्र में चित्रित किया - घबराहट और पागल डरावनी चीख में।

कलाकार ने स्वयं चित्र के अर्थ को "प्रकृति का रोना" बताया। उसने कहा कि वह सूर्यास्त के समय दोस्तों के साथ घूम रहा था और आसमान खून से लाल हो गया। डर से कांपते हुए, उसने कथित तौर पर वही "प्रकृति का रोना" सुना।

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व्हिस्लर की माँ, जेम्स व्हिस्लर

कलाकार की मां ने खुद तस्वीर खिंचवाई। शुरू में वह चाहते थे कि उनकी मां खड़ी हो जाएं, लेकिन बुढ़िया के लिए यह मुश्किल साबित हुआ।
व्हिस्लर ने अपनी पेंटिंग अरेंजमेंट इन ग्रे एंड ब्लैक का शीर्षक दिया। कलाकार की माँ। लेकिन समय के साथ, असली नाम भुला दिया गया और लोग उन्हें "मदर व्हिस्लर" कहने लगे।

यह मूल रूप से एक संसद सदस्य का आदेश था। जो चाहते थे कि कलाकार मैगी की बेटी को आकर्षित करे। लेकिन इस प्रक्रिया में, उसने पेंटिंग से इनकार कर दिया और जेम्स ने पेंटिंग को पूरा करने के लिए अपनी मां को एक मॉडल बनने के लिए कहा।

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"पोर्ट्रेट ऑफ़ डोरा मार", पाब्लो पिकासो

डोरा ने पिकासो के काम में "आँसू में एक महिला" के रूप में प्रवेश किया। उसने नोट किया कि वह उसे कभी मुस्कुराते हुए नहीं लिख सकता। चेहरे पर गहरी, उदास आँखें और उदासी - वह है विशेषताएँमार के पोर्ट्रेट्स। और, ज़ाहिर है, खून से लाल नाखून - यह विशेष रूप से कलाकार को प्रसन्न करता है। पिकासो ने अक्सर डोरा मार के चित्रों को चित्रित किया और वे सभी सराहनीय हैं।

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विन्सेंट वैन गॉग द्वारा "तारों वाली रात"

पेंटिंग में एक रात के परिदृश्य को दर्शाया गया है, जिसे कलाकार ने मोटे तौर पर व्यक्त किया है, उज्जवल रंगऔर रात की शांति। सबसे चमकीली वस्तुएं, निश्चित रूप से, तारे और चंद्रमा हैं, वे सबसे स्पष्ट तरीके से खींचे जाते हैं।

लंबा सरू जमीन पर उगता है, मानो सितारों के आकर्षक नृत्यों में शामिल होने का सपना देख रहा हो।

चित्र का अर्थ अलग-अलग तरीकों से व्याख्या किया गया है। कुछ लोग इसका संदर्भ देखते हैं पुराना वसीयतनामा, और कोई बस यह मानने लगता है कि चित्र कलाकार की लंबी बीमारी का परिणाम है। इलाज के दौरान ही उन्होंने Starry Night लिखा था।

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ओलंपिया एडौर्ड मानेट

तस्वीर सबसे अधिक में से एक का कारण थी हाई-प्रोफाइल घोटालेइतिहास में। आखिर इसमें सफेद चादर पर लेटी एक नंगी लड़की को दिखाया गया है।
नाराज लोगों ने कलाकार पर थूक दिया और कुछ ने कैनवास को खराब करने की भी कोशिश की।

मानेट केवल एक "आधुनिक" शुक्र का चित्र बनाना चाहते थे, यह दिखाने के लिए कि वर्तमान की महिलाएं अतीत की महिलाओं से भी बदतर नहीं हैं।

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3 मई, 1808, फ्रांसिस्को गोया

कलाकार ने नेपोलियन के हमले से जुड़ी घटनाओं का गहराई से अनुभव किया। मई 1808 में, मैड्रिड विद्रोह दुखद रूप से समाप्त हो गया, और इसने कलाकार की आत्मा को इतना छू लिया कि 6 साल बाद उसने अपनी भावनाओं को कैनवास पर उकेरा।

युद्ध, मृत्यु, हानि - यह सब चित्र में इतना वास्तविक रूप से दर्शाया गया है कि यह अभी भी कई लोगों के मन को प्रसन्न करता है।

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जन वर्मीर द्वारा मोती की बाली वाली लड़की

पेंटिंग का दूसरा नाम "गर्ल इन ए पगड़ी" था। सामान्य तौर पर, पेंटिंग के बारे में बहुत कम जानकारी है। एक संस्करण के अनुसार, जान ने अपनी बेटी मारिया को चित्रित किया। तस्वीर में लड़की किसी की तरफ मुड़ती नजर आ रही है और देखने वाले की नजर लड़की के कान में लगे मोती की बाली पर टिकी हुई है. कान की बाली की चमक आंखों और होठों पर चमकती है।

चित्र के आधार पर, एक उपन्यास लिखा गया था, बाद में उसी नाम की एक फिल्म की शूटिंग की गई थी।

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"नाइट वॉच", रेम्ब्रांट

यह कैप्टन फ्रैंस बैनिंग कॉक और लेफ्टिनेंट विलेम वैन रुयटेनबर्ग की कंपनी का एक समूह चित्र है। चित्र को शूटिंग सोसायटी के आदेश से चित्रित किया गया था।
सामग्री की कठिनाई के बावजूद, चित्र परेड और भव्यता की भावना से भरा है। मानो युद्ध के बारे में भूलकर, मस्किटियर कलाकार के लिए पोज़ देते हैं।
बाद में पेंटिंग को चारों तरफ से काट दिया गया ताकि वह नए कमरे में फिट हो जाए। तस्वीर से कुछ तीर हमेशा के लिए गायब हो गए हैं।

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लास मेनिनस, डिएगो वेलास्केज़

पेंटिंग में, कलाकार किंग फिलिप द फोर्थ और उनकी पत्नी के चित्रों को चित्रित करता है, जो दर्पण में दिखाई देते हैं। उनकी पांच वर्षीय बेटी को रचना के केंद्र में दर्शाया गया है, जो एक अनुचर से घिरा हुआ है।

बहुत से लोग मानते हैं कि वेलास्केज़ सृजन के क्षण में खुद को चित्रित करना चाहता था - "पेंटिंग और पेंटिंग"।

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इकारस के पतन के साथ लैंडस्केप, पीटर ब्रूघेल

मिथकों के विषय पर कलाकार का यह एकमात्र जीवित कार्य है।

चित्र का मुख्य पात्र लगभग अदृश्य है। वह नदी में गिर गया, केवल उसके पैर पानी की सतह से बाहर निकले। नदी की सतह पर इकारस के पंख बिखरे हुए हैं, जो गिरने से उड़ गए। और लोग अपने-अपने मामलों में व्यस्त हैं, गिरे हुए युवाओं की किसी को परवाह नहीं है।

ऐसा लगता है कि चित्र दुखद है, क्योंकि इसमें एक युवक की मृत्यु को दर्शाया गया है, लेकिन चित्र को शांत, कोमल रंगों में चित्रित किया गया है और, जैसा कि यह कहता है - "कुछ नहीं हुआ।"

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एथेंस का स्कूल, राफेल

पहले " एथेंस का स्कूल» राफेल को भित्तिचित्रों के साथ बहुत कम अनुभव था, लेकिन आश्चर्यजनक रूप से, यह भित्तिचित्र शानदार ढंग से उत्कृष्ट निकला।

यह पेंटिंग एथेंस में प्लेटो द्वारा स्थापित अकादमी को दर्शाती है। अकादमी की बैठकें के तहत आयोजित की गईं खुला आसमान, लेकिन कलाकार ने फैसला किया कि अधिक सरल विचार एक भव्य रूप से निर्मित प्राचीन इमारत में आते हैं और इसलिए छात्रों को प्रकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ नहीं दर्शाते हैं। फ्रेस्को पर, राफेल ने खुद को चित्रित किया।

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एडम, माइकल एंजेलो का निर्माण

यह छत पर लगे नौ भित्तिचित्रों में से चौथा है। सिस्टिन चैपलदुनिया के निर्माण के बारे में। माइकल एंजेलो खुद को एक महान कलाकार नहीं मानते थे, उन्होंने खुद को एक मूर्तिकार के रूप में स्थापित किया। यही कारण है कि तस्वीर में आदम का शरीर इतना आनुपातिक है, जिसमें स्पष्ट विशेषताएं हैं।

1990 में, उन्होंने पाया कि मानव मस्तिष्क की शारीरिक रूप से सटीक संरचना को भगवान की छवि में एन्क्रिप्ट किया गया था। शायद माइकल एंजेलो मानव शरीर रचना विज्ञान से अच्छी तरह परिचित थे।

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"मोना लिसा", लियोनार्डो दा विंची

मोनालिसा सबसे अधिक में से एक बनी हुई है रहस्यमय पेंटिंगकला की दुनिया में। आलोचक अभी भी बहस कर रहे हैं कि वास्तव में इस पर किसे चित्रित किया गया है। कई लोगों का मानना ​​है कि मोना लिसा फ्रांसेस्को जियोकोंडा की पत्नी हैं, जिन्होंने कलाकार को एक चित्र बनाने के लिए कहा था।

तस्वीर का मुख्य रहस्य एक महिला की मुस्कान में है। कई संस्करण हैं - महिला की गर्भावस्था से शुरू होकर और मुस्कान भ्रूण की गति को धोखा देती है, इस तथ्य के साथ समाप्त होती है कि यह वास्तव में एक महिला छवि में कलाकार का आत्म-चित्र है। खैर, कोई केवल तस्वीर की अविश्वसनीय सुंदरता का अनुमान लगा सकता है और उसकी प्रशंसा कर सकता है।

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वीनस सैंड्रो बॉटलिकली का जन्म

पेंटिंग में देवी शुक्र के जन्म के मिथक को दर्शाया गया है। सुबह-सुबह समुद्र के झाग से देवी का जन्म हुआ। पवन देवता ज़ेफिर देवी को अपने खोल में किनारे पर तैरने में मदद करते हैं, जहां उनकी मुलाकात देवी ओरा से होती है। तस्वीर प्यार के जन्म को दर्शाती है, सुंदरता की भावना पैदा करती है, क्योंकि दुनिया में प्यार से ज्यादा खूबसूरत कुछ नहीं है।

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निष्कर्ष

हमने इस लेख में केवल कुछ सबसे अधिक शामिल करने का प्रयास किया है लोकप्रिय पेंटिंगइस दुनिया में। लेकिन कई अन्य समान रूप से दिलचस्प कृति भी हैं। दृश्य कला. आप किन चित्रों को लोकप्रिय मानते हैं?

कला के ऐसे काम हैं जो दर्शकों को सिर पर थिरकने लगते हैं, गूंगे और अद्भुत हैं। दूसरे आपको प्रतिबिंब में और शब्दार्थ परतों की तलाश में, गुप्त प्रतीकवाद में खींचते हैं। कुछ पेंटिंग रहस्यों और रहस्यमय रहस्यों से आच्छादित हैं, जबकि अन्य अत्यधिक कीमत के साथ आश्चर्यचकित करते हैं।

हमने विश्व चित्रकला में सभी प्रमुख उपलब्धियों की सावधानीपूर्वक समीक्षा की और उनमें से दो दर्जन सबसे अजीब चित्रों का चयन किया। सल्वाडोर डाली, जिनकी रचनाएँ पूरी तरह से इस सामग्री के प्रारूप के अंतर्गत आती हैं और सबसे पहले दिमाग में आती हैं, उन्हें जानबूझकर इस संग्रह में शामिल नहीं किया गया था।

यह स्पष्ट है कि "अजीबता" एक व्यक्तिपरक अवधारणा है और हर किसी की अपनी है कमाल की तस्वीरेंकला के अन्य कार्यों के अनुरूप। हमें खुशी होगी अगर आप उन्हें टिप्पणियों में साझा करेंगे और हमें उनके बारे में कुछ बताएंगे।

"चीख"

एडवर्ड मंच। 1893, कार्डबोर्ड, तेल, तड़का, पेस्टल।
नेशनल गैलरी, ओस्लो।

द स्क्रीम को एक ऐतिहासिक अभिव्यक्तिवादी घटना माना जाता है और दुनिया में सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक है।

जो चित्रित किया गया है उसकी दो व्याख्याएं हैं: यह स्वयं नायक है जो आतंक से ग्रसित है और चुपचाप चिल्लाता है, अपने हाथों को अपने कानों पर दबाता है; या नायक दुनिया के रोने और उसके चारों ओर प्रकृति की आवाज़ से अपने कान बंद कर लेता है। मंक ने द स्क्रीम के चार संस्करण लिखे, और एक संस्करण है कि यह चित्र एक उन्मत्त-अवसादग्रस्तता मनोविकृति का फल है जिससे कलाकार पीड़ित था। क्लिनिक में उपचार के एक कोर्स के बाद, मंच कैनवास पर काम पर वापस नहीं आया।

“मैं दो दोस्तों के साथ रास्ते पर चल रहा था। सूरज डूब रहा था - अचानक आसमान लाल हो गया, मैं रुक गया, थका हुआ महसूस कर रहा था, और बाड़ के खिलाफ झुक गया - मैंने नीले-काले fjord और शहर पर खून और आग की लपटों को देखा। मेरे दोस्त और आगे बढ़ गए, और मैं खड़ा हो गया, उत्तेजना से कांपता हुआ, अंतहीन चीख-पुकार को महसूस कर रहा था, ”एडवर्ड मुंच ने पेंटिंग के इतिहास के बारे में कहा।

"हम कहां से आए थे? हम कौन हैं? हम कहा जा रहे है?"

पॉल गौगुइन। 1897-1898, कैनवास पर तेल।
ललित कला संग्रहालय, बोस्टन।

खुद गाउगिन के निर्देश पर, चित्र को दाएं से बाएं पढ़ा जाना चाहिए - आंकड़ों के तीन मुख्य समूह शीर्षक में दिए गए प्रश्नों का वर्णन करते हैं।

एक बच्चे के साथ तीन महिलाएं जीवन की शुरुआत का प्रतिनिधित्व करती हैं; मध्य समूह परिपक्वता के दैनिक अस्तित्व का प्रतीक है; अंतिम समूह में, कलाकार के इरादे के अनुसार, "एक बूढ़ी औरत जो मौत के करीब पहुंच रही है, उसके विचारों में सामंजस्य और लिप्त है", उसके चरणों में एक "अजीब" है सफ़ेद पक्षी... शब्दों की व्यर्थता का प्रतिनिधित्व करता है।"

पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट पॉल गाउगिन की एक गहरी दार्शनिक तस्वीर उनके द्वारा ताहिती में लिखी गई थी, जहाँ वे पेरिस से भाग गए थे। काम के अंत में, वह आत्महत्या भी करना चाहता था: "मेरा मानना ​​​​है कि यह कैनवास मेरे सभी पिछले कैनवास से बेहतर है और मैं कभी भी कुछ बेहतर या समान नहीं बनाऊंगा।" वह और पाँच वर्ष जीवित रहा, और ऐसा ही हुआ।

"ग्वेर्निका"

पब्लो पिकासो। 1937, कैनवास पर तेल।
रीना सोफिया संग्रहालय, मैड्रिड.

ग्वेर्निका मृत्यु, हिंसा, अत्याचार, पीड़ा और असहायता के दृश्य प्रस्तुत करता है, उनके तत्काल कारणों को निर्दिष्ट किए बिना, लेकिन वे स्पष्ट हैं। ऐसा कहा जाता है कि 1940 में पाब्लो पिकासो को पेरिस के गेस्टापो में बुलाया गया था। बातचीत तुरंत तस्वीर में बदल गई। "क्या तुमने वह किया?" - "नहीं, तुमने किया।"

1937 में पिकासो द्वारा चित्रित विशाल भित्तिचित्र "ग्वेर्निका", ग्वेर्निका शहर पर लूफ़्टवाफे़ स्वयंसेवी इकाई के छापे के बारे में बताता है, जिसके परिणामस्वरूप छह हज़ारवां शहर पूरी तरह से नष्ट हो गया था। चित्र को केवल एक महीने में चित्रित किया गया था - चित्र पर काम के पहले दिन, पिकासो ने 10-12 घंटे काम किया, और पहले रेखाचित्रों में पहले से ही कोई मुख्य विचार देख सकता था। यह फासीवाद के दुःस्वप्न के साथ-साथ मानवीय क्रूरता और दु: ख के सबसे अच्छे उदाहरणों में से एक है।

"अर्नोल्फिनिस का पोर्ट्रेट"

जान वैन आइक। 1434, लकड़ी पर तेल।
लंदन नेशनल गैलरी, लंदन।

प्रसिद्ध पेंटिंग पूरी तरह से प्रतीकों, रूपक और विभिन्न संदर्भों से भरी हुई है - हस्ताक्षर तक "जान वैन आइक यहां था", जिसने पेंटिंग को न केवल कला के काम में बदल दिया, बल्कि एक ऐतिहासिक दस्तावेज में घटना की वास्तविकता की पुष्टि की, जिसमें कलाकार शामिल हुए।

चित्र, संभवतः जियोवानी डी निकोलाओ अर्नोल्फिनी और उनकी पत्नी का, उत्तरी पुनर्जागरण की पेंटिंग के पश्चिमी स्कूल के सबसे जटिल कार्यों में से एक है।

रूस में, पिछले कुछ वर्षों में, व्लादिमीर पुतिन के साथ अर्नोल्फिनी के चित्र समानता के कारण चित्र ने बहुत लोकप्रियता हासिल की है।

"दानव बैठा"

मिखाइल व्रुबेल। 1890, कैनवास पर तेल।
स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी, मॉस्को।

"हाथ उसका विरोध करते हैं"

बिल स्टोनहैम। 1972.

बेशक, इस काम को विश्व कला की उत्कृष्ट कृतियों में स्थान नहीं दिया जा सकता है, लेकिन यह तथ्य अजीब है कि यह एक सच्चाई है।

एक लड़के के साथ तस्वीर के चारों ओर, एक गुड़िया और कांच के खिलाफ हथेलियाँ, किंवदंतियाँ हैं। "इस तस्वीर के कारण वे मर जाते हैं" से "इसमें बच्चे जीवित हैं।" तस्वीर वाकई खौफनाक लग रही है, जो लोगों को उभार देती है कमजोर मानसबहुत सारे भय और अनुमान।

दूसरी ओर, कलाकार ने आश्वासन दिया कि चित्र पांच साल की उम्र में खुद को दर्शाता है, कि दरवाजा बीच की विभाजन रेखा का प्रतिनिधित्व करता है वास्तविक दुनियाऔर सपनों की दुनिया, और गुड़िया एक मार्गदर्शक है जो लड़के को इस दुनिया में ले जा सकती है। हाथ वैकल्पिक जीवन या संभावनाओं का प्रतिनिधित्व करते हैं।

पेंटिंग ने फरवरी 2000 में कुख्याति प्राप्त की जब इसे ईबे पर एक बैकस्टोरी के साथ बिक्री के लिए सूचीबद्ध किया गया था जिसमें कहा गया था कि पेंटिंग "प्रेतवाधित" थी। "हैंड्स रेसिस्टेंट हिम" को किम स्मिथ द्वारा $1,025 में खरीदा गया था, जो तब से पत्रों से भर गया था खौफनाक कहानियांऔर पेंटिंग को जलाने की मांग की।