Nasaan ang bahay at hardin ng sikat na impresyonistang pintor na si Claude Monet. Sasabihin namin sa iyo ang tungkol sa kung paano makarating sa bahay ni Claude Monet, tungkol sa oras ng pamumulaklak ng liryo, kung ano ang makikita sa Giverny at kung kailan ang pinakamagandang oras upang pumunta doon. Sa pamamagitan ng paraan, upang maiwasan ang pag-aaksaya ng oras sa mga pila at mga problema sa transportasyon, maaari kang bumili ng paglilibot sa Giverny nang direkta mula sa Paris gamit ang link na ito (bilangin ang iyong mga gastos sa transportasyon at mga tiket at mauunawaan mo na ang paglilibot ay hindi mas mahal, dito lang kasama ang excursion).

Paano makarating sa Giverny sakay ng tren

Iskedyul ng pamumulaklak sa Giverny ayon sa mga panahon

Giverny sa tagsibol

Marso:

Sa katapusan ng Marso, sa pagdating ng tagsibol, lumilitaw ang mga unang bulaklak sa hardin ni Claude Monet - ito ay mga hyacinth, daffodils, pansies at chamomile. Ito ang oras kung kailan binuksan ni Giverny ang mga pintuan nito sa mga bisita.

Abril:

Ang hardin ng artista ay nagiging isang tunay na paraiso. Ang mga daffodils at tulips ay namumulaklak. Pinagsasama sila ng iba pang mga bulaklak sa tagsibol. Bilang karagdagan, ang mga puno ng mansanas at cherry ay namumulaklak sa oras na ito. Sa isang lawa ng Hapon, ang mga unang bulaklak sa tagsibol ay malumanay na nagising ...

Ito marahil ang pinakanamumulaklak, ngunit din ang pinakamataong buwan sa Giverny. Ang mga tulip at forget-me-nots, nocturnal violets at poppies, sikat na iris na sinamahan ng mga peonies, mga kakaibang bombilya sa violet-blue at cream tones, lilies, hyacinths - lahat sila ay namumulaklak para sa mga bisita sa hardin.

Nagsisimula nang magbihis ang mga Japanese maple at century-old beech sa kanilang mga dahon sa tagsibol. Ang tulay ng Hapon, na nababalutan ng mabangong wisteria, ay namumulaklak at nangangamoy. Lahat ay parang sa mga painting ni Monet!

Giverny sa tag-araw

Hunyo:

Ang Hunyo ay tungkol sa mga rosas at rosas na palumpong! At, siyempre, ang pangunahing kaganapan ay ang hitsura ng puti, dilaw at rosas na mga liryo sa lawa ng Hapon.

Hulyo:

Ang snapdragon, carnation, begonias, pink at red geranium ay namumulaklak sa hardin ni Claude Monet. Ang mga sunflower at mallow ay umabot sa kanilang pinakamataas na taas. Sa isang lawa ng Hapon, lumilitaw ang mga water lily sa lahat ng kanilang kadakilaan.

Agosto:

Ang Dahlias at ang aming minamahal na gladioli ay namumulaklak. Makakakita ka ng red sage, orange at yellow carnation. Ang Japanese pond ay kailangang linisin araw-araw. Dati, si Claude Monet mismo ang may pananagutan sa pagputol ng mga dahon at algae tuwing umaga, pagsala ng tubig, at pagpapanatili ng mga water lily. Ngayon isang espesyal na hardinero ang nakikibahagi dito.

Giverny sa taglagas

Setyembre:

Maraming iba't ibang uri ng nasturtium ang namumulaklak, kabilang ang mga sikat na Lobbas nasturtium na nagbibigay ng impresyon ng isang talon na naging inspirasyon ni Claude Monet sa kanyang pananatili sa Italya. Japanese Pond - ang liwanag ay nagiging mas malambot, ang mga pagmuni-muni sa tubig ay nagpapadilim, na nagbibigay-diin sa lahat ng uri ng mga kakulay ng lawa. Dumating ang taglagas at ang mga water lily ay nagsisimulang maglaho.

Oktubre:

Ang Oktubre ay isang paputok na pamumulaklak ng dahlias, ang pagkupas ng iba pang mga bulaklak, na sinusundan ng lila, asul, pula, rosas at puting asters.

Sa tabi ng lawa ng Hapon, ang mga dilaw-kahel na umiiyak na mga willow ay nakasandal at ang Canadian maple ay nagniningas na pula.

Naghahanda na ang hardin ni Claude Monet para matulog.

Giverny sa taglamig

Ang hardin ay sarado sa mga bisita mula noong Nobyembre. Gayunpaman, nabubuhay siya ng buong buhay. Ang mga manggagawa ay nagmamadali upang linangin ang lupa, magtanim ng mga bagong bombilya, linisin ang lawa - at lahat ng ito upang sa tagsibol ay muling tamasahin ng mga bisita ang magandang hardin ng Claude Monet!

Maligayang paglalakbay!

Kung nagmamaneho ka ng 80 km hilaga ng Paris, makakarating ka sa magandang bayan ng Giverny. Ang nayong ito ay sikat sa katotohanan na minsan dito sa loob ng apatnapu't tatlong taon, si Claude Monet ay nanirahan at nagtrabaho. Nang tumira sa nayon noong 1883, ang artista ay nadala ng paghahardin na sa kanyang mga canvases ay halos walang iba kundi ang mga tanawin ng kanyang minamahal na hardin at isang poppy field, na matatagpuan sa gilid ng nayon.

Noong una, ang hardin ni Monet ay binubuo lamang ng lugar na katabi ng bahay (mga 1 ektarya). Dito, una sa lahat, pinutol ng artista ang isang madilim na eskinita ng mga fir at cypress. Ngunit naiwan ang matataas na tuod, kung saan umakyat ang mga rosas sa paglaon. Ngunit sa lalong madaling panahon ang mga baging ay lumaki nang napakalaki na sila ay nagsara at bumuo ng isang vault na namumulaklak na lagusan na humahantong mula sa tarangkahan patungo sa bahay.

Siyempre, sa paglipas ng panahon, ang mga tuod ay bumagsak, at ngayon ang mga rosas ay sinusuportahan ng mga suportang metal. Ang lugar na ito ay makikita sa mga pintura ng Guro: ang pananaw ng eskinita, kung saan may malalagong bulaklak sa kaliwa, kanan at itaas, at sa landas sa ibaba ng kanilang manipis na anino ng openwork.

Ang balangkas sa harap ng bahay, na nakikita mula sa mga bintana, ay binago ng artist sa isang floral palette, paghahalo at pagtutugma ng mga kulay. Sa hardin ni Monet, ang isang makulay, mabangong karpet ng mga bulaklak ay nahahati sa pamamagitan ng mga tuwid na landas, tulad ng mga pintura sa isang kahon.

Si Monet ay nagpinta ng mga bulaklak at nagpinta ng mga bulaklak. Siya, bilang isang tunay na talentadong tao, ay at natatanging artista at isang natatanging taga-disenyo ng landscape. Nagkaroon siya ng malaking interes sa paghahardin, bumili ng mga espesyal na libro at magasin, nakipag-ugnayan sa mga nursery, nakipagpalitan ng mga buto sa iba pang mga grower.

Madalas bumisita kay Giverny ang mga kapwa artista ni Monet. Nakapunta na rito sina Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro at iba pa. Alam ang tungkol sa pagkahilig ng may-ari sa mga bulaklak, dinalhan siya ng mga kaibigan ng mga halaman bilang regalo. Kaya, nakuha ni Monet, halimbawa, ang mga peonies na parang puno na dinala mula sa Japan.

Sa panahong ito, sumikat na si Claude Monet. Ang pamamaraan ng pagpipinta ng artist na ito ay naiiba sa hindi siya naghalo ng mga pintura.

At inilagay niya ang mga ito nang magkatabi o pinagpatong-patong ang isa't isa na may magkakahiwalay na hagod. Ang buhay ni Claude Monet ay dumadaloy nang mahinahon at kaaya-aya, ang pamilya at ang kanyang minamahal na asawa ay malapit, ang mga kuwadro na gawa ay mahusay na binili, ang artist ay masigasig na nakikibahagi sa kung ano ang gusto niya.

Noong 1993, bumili si Monet ng isang piraso ng latian na lupa sa tabi niya, ngunit matatagpuan sa kabilang panig riles ng tren... Isang maliit na batis ang dumaloy dito. Sa lugar na ito, ang artist, na may suporta ng mga lokal na awtoridad, ay lumikha ng isang lawa, sa una ay maliit at kasunod na pinalaki. Sa reservoir ay nakatanim ang mga nymph ng iba't ibang uri, kasama ang mga bangko - umiiyak na mga willow, kawayan, irises, rhododendrons at rosas.

Ilang tulay ang itinapon sa lawa, na may napakapaikot-ikot na baybayin. Ang pinakasikat at pinakamalaki sa kanila ay ang Japanese bridge, na pinagdugtong ng wisteria.

Madalas itong pininturahan ni Monet.

Ang water garden ng Monet ay kapansin-pansing naiiba sa nakapaligid na lugar, ito ay nakatago sa likod ng mga puno. Makakarating ka lang dito sa pamamagitan ng isang tunel na nakalagay sa ilalim ng kalsada.

Ang bawat isa na pumupunta dito ay hindi sinasadyang nag-freeze, pinipigilan ang kanilang hininga, na nakikita ang isang obra maestra na nilikha ng mahusay na artista, na kinikilala ang mga paksa ng kanyang sikat sa mundo na mga pagpipinta.

Si Claude Monet ay kumukuha ng inspirasyon mula sa hardin ng tubig sa loob ng 20 taon. Sumulat si Monet: "... ang paghahayag ng aking kamangha-manghang, kahanga-hangang lawa ay dumating sa akin. Kumuha ako ng palette, at mula noon halos wala na akong ibang modelo."

Sa una, lumikha siya ng mga larawan sa kalikasan, nagbigay sila ng mga pagmuni-muni sa ibabaw ng tubig ng pond, at pagkatapos ay inilipat sila ng artist sa mga canvases. Gumising araw-araw sa alas singko ng umaga, pumunta siya rito at nagpinta sa anumang panahon at anumang oras ng taon.

Dito ay lumikha siya ng mahigit isang daang canvases. Sa oras na ito, nagsimulang mawalan ng paningin si Monet ... Ito ay higit pa at mas mahirap para sa kanya na makilala at magsulat ng maliliit na detalye. Unti-unting nagbabago ang mga painting ng artist. Ang mga detalye at mga nuances ay pinalitan ng malalaking kudlit ng pintura na nagpapakita ng paglalaro ng liwanag at anino.

Ngunit kahit na sa mga larawang ipininta sa ganitong paraan, hindi mapag-aalinlanganan naming hulaan ang mga pamilyar na plot. Ang halaga ng mga pagpipinta ay patuloy na tumataas ... Si Claude Monet ay namatay sa kanyang tahanan sa Giverny noong 1926.

Ang hardin ay inalagaan ng kanyang stepdaughter na si Blanche. Sa kasamaang palad, noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang hardin ay nasira. Noong 1966, ibinigay ng anak ng artist na si Michel Monet ang ari-arian sa Academy of Fine Arts, na agad na sinimulan ang pagpapanumbalik ng bahay, at pagkatapos ay ang hardin. Ngayon ang estate sa Giverny ay binibisita ng kalahating milyong tao taun-taon.

Si Claude Monet ay nabuhay ng mahaba at masayang buhay. Nagawa niyang gawin ang gusto niya, pagsamahin ang pagpipinta at paghahardin, upang mamuhay nang sagana. Tuwang-tuwa siya at pumasok Personal na buhay, minahal at minahal. Si Monet ay naging sikat sa kanyang buhay, na bihira sa mga artista. At ngayon sa buong mundo siya ay nananatiling isa sa pinakasikat at minamahal na mga artista. At lalo kaming nalulugod na ito natatanging tao Hindi lang dakilang pintor kundi pati na rin ang aming kasamahan at Guro, Master of Landscape Art.

Giverny sa mga canvases ni Claude Monet

Talambuhay ni Claude Monet (1840-1926)

Nagsimula ang edukasyon ni Claude Oscar Monet sa Norman city ng Le Havre, kung saan lumipat ang pamilya mula sa Paris noong 1845, noong limang taong gulang pa lamang ang batang si Claude. Sa Le Havre, ang kanyang ama na si Claude-Auguste, kasama ang kanyang bayaw na si Jacques Lecadre, ay nagbukas ng isang tindahan kung saan sila nagbebenta ng mga kagamitan sa barko at mga pamilihan, habang ang pamilya ay nanirahan sa suburb ng Saint-Adresse sa dalampasigan.

Sa pagkakaroon ng independiyenteng natutong gumuhit, ang labing-apat na taong gulang na si Monet ay nakakuha ng malaking karanasan, na gumuhit ng mga nakakatawang cartoon sa karamihan. mga sikat na tao Le Havre. Ang mga unang gawa na ito, na puno ng mapagbigay na katatawanan, na isinagawa sa lapis at uling, ay maagang nakakuha ng atensyon ng mga naninirahan sa lungsod sa Mona. Ang batang artista ay may "kliyente", gusto ng lahat ang kanyang karikatura, at ibinebenta niya ito sa halagang sampu hanggang dalawampung franc. Sa panahong ito, si Monet ay nakikibahagi sa pagguhit sa ilalim ng gabay ng isang mag-aaral ni David Jacques-Francois Haussard, na nagtuturo sa kolehiyo kung saan siya nag-aaral, at nakilala ang gawain ng pintor ng landscape na si Eugene Boudin, na naiiba sa kanyang mga kontemporaryo sa na isinulat niya sa kalikasan. Sa una, si Monet, tulad ng maraming iba pang mga residente ng lungsod, ay kritikal sa pamamaraan ni Boudin, ngunit pagkatapos na personal na makilala ang artist, sumama siya sa kanya at nagsimulang magpinta sa bukas na hangin - bilang isang resulta, ang kalikasan ay nabighani sa kanya bilang isang pintor para sa. buhay.

Ang pakikipag-usap kay Boudin ay nagpapatunay sa batang Monet sa kanyang determinasyon na seryosohin ang pagpipinta; at para dito ito ay pinakamahusay na lumipat sa ang kabisera ng Pransya kung saan ang mga pinaka makabuluhang art academies ay puro.

Si Monet ay may isang matalinong tiyahin, at hinikayat niya ang kanyang ama na payagan ang kanyang anak na umalis sa tindahan ng pamilya sa Le Havre at gumugol ng isang taon ng pagsubok, 1859, sa Paris. Nangongolekta ng mga ipon na nabuo bilang resulta ng pagbebenta ng mga cartoon, nagpunta si Monet sa Paris, na nakakuha ng ilang mga sulat ng rekomendasyon mula sa mga kolektor at mahilig sa sining na tumangkilik kay Boudin at nagkaroon ng mga koneksyon sa artist na si Constant Troyon sa kabisera.

Noong Mayo 1859, lumipat si Monet sa kabisera at nag-aral ng ilang panahon sa Academy of Suisse at nakipag-ugnayan kina Eugene Delacroix at Gustave Courbet. Kasabay nito, nakilala ng binata si Camille Pissarro at kasama niya ang madalas na pagbisita sa Brassri de Martyre ("The tavern of the Martyrs"), kung saan nagtitipon ang mga realista, na pinamumunuan ni Courbet, at kung saan nagkataon na nakipagkita rin siya kay Baudelaire. Bumisita si Monet sa mga Parisian Salon, bumisita sa Louvre at sumulat ng mahahabang liham ng Boudin na may detalyadong account. Sa Mga Salon, mayroon siyang pagkakataong matutunan at pahalagahan ang gawain ni Troyon, isang kinatawan ng Barbizon School of Landscape Painting, na kinabibilangan din ng Corot, Rousseau at Daubigny. Kumunsulta si Monet kay Troyon tungkol sa sarili niyang pagpipinta, at inirerekomenda ng artist na mag-enroll siya sa studio ng Tom Couture para matuto kung paano magpinta. Ngunit si Monet ay dayuhan sa akademikong paraan ng pagpipinta ng Couture, at salungat sa payo ni Troyon, patuloy siyang nagtatrabaho sa mga workshop ng mga artista tulad nina Arnaud Gaultier, Charles Mongino, Charles Jacques. Sa yugtong ito, nakikilala rin ni Monet ang pagpipinta mula sa kalikasan na si Daubigny, na ang binibigkas na naturalismo, kumbaga, ay nagtatapon ng tulay mula sa paaralan ng Barbizon patungo sa impresyonismo.

Noong taglagas ng 1860, tinawag si Monet para sa serbisyo militar at ipinadala upang maglingkod sa Algeria, kung saan siya gumugol ng dalawang taon. Naalala niya na ang panahong ito ng kanyang buhay ay nagdala sa kanya ng pagtuklas ng mga bagong kulay at mga epekto ng liwanag, na tiyak na nakaimpluwensya sa pagbuo ng kanyang artistikong pang-unawa. Sa pagtatapos ng kanyang ikalawang taon sa Algeria, dahil sa sakit, pinabalik siya sa France. Sa Le Havre, muling nakilala ni Monet si Boudin at nakilala ang Dutch artist na si Johann Yonkind, kung kanino sila naging matalik na kaibigan. Sa pagtatapos ng tag-araw, nang malapit nang gumaling si Monet, ang kanyang ama, na natatakot sa kalagayan ng kalusugan ng kanyang anak, ay nagpasiya na bayaran ang pumalit sa kanya ng Serbisyong militar, at sumasang-ayon din na tumulong sa karagdagang pag-aaral ng pagpipinta.

Noong Nobyembre 1862, bumalik si Monet sa Paris, kung saan, sa payo ng isang kamag-anak, ang akademikong artista na si Tulmush, ay nag-aral ng ilang oras sa studio ng Gleyre, kung saan nakilala niya ang mga artista na sina Renoir, Basil at Sisley, na sa lalong madaling panahon ay naging malapit sa kanya. mga kaibigan.

Sa bagay na ito, siya ay lubos na naimpluwensyahan ng gawa ni Manet, na nagpakita ng kanyang "Breakfast on the Grass" sa Salon ng Les Miserables noong 1863. Ang kontrobersya na sinimulan ng press at mga tagasuporta ng akademikong sining na may kaugnayan sa pagpipinta na ito, kung saan ang isang hubad na batang babae ay inilalarawan laban sa background ng isang kahanga-hangang kagubatan sa kumpanya ng dalawang lalaki na malinaw na kabilang sa modernong burges na lipunan sa pananamit, nagbigay ng pagkain para sa buhay na buhay. mga talakayan sa mga batang artista: Nakibahagi rin si Monet. Sa mga taong ito, sa panahon ng mainit na mga debate sa cafe, si Herbua Manet, kasama ang kanyang mga pagpipinta, ay naging isang simbolo ng pag-renew ng pagpipinta at ang espirituwal na pinuno ng isang grupo ng mga artista na kalaunan ay kilala bilang "mga impresyonista".

Kasabay nito, si Monet at ang kanyang mga kapwa artista ng Gleira ay madalas na nagpinta mula sa buhay sa kagubatan ng Fontainebleau, at noong tag-araw ng 1864 ay naglalakbay sa Honfleur sa kumpanya ng Boudin, Yonkind at Basil at nanirahan sa huli sa Saint-Simeon, isang paboritong lugar para sa mga artista.

Noong 1865 nag-exhibit siya sa Salon sa unang pagkakataon, at ang kanyang dalawang seascape ay medyo matagumpay. Umalis si Monet patungong Chailly, kung saan siya nanirahan sa Golden Lion Hotel at gumagawa sa maraming sketch para sa Breakfast on the Grass - lahat ito ay mga pagkakaiba-iba sa tema ng sikat na pagpipinta ni Manet, na ipinakita sa Salon ng Les Miserables noong 1863. Para sa larawan, nag-pose sina Basile at Camille Donsieu, na kalaunan ay naging kasama niya sa buhay. Ang mga sketch ay pumukaw ng matinding interes kay Courbet, na espesyal na pumunta sa Chailly upang sundin ang proseso ng pagsilang ng pagpipinta na ito, na naisagawa sa lokasyon.

Si Gustave Courbet at ang cartoonist na si Honore Daumier ay tunay na mga idolo para sa mga artistang malayo sa opisyal na kinikilalang pagpipinta. Ang mga gawa ng dalawa - sapat na upang alalahanin ang Courbet's Workshop of the Artist at ang Third Class Carriage ni Daumier - nagulat sa mga opisyal na lupon sa kanilang pagiging totoo, pati na rin ang pagpili ng mga paksa na itinuturing na bulgar at hindi karapat-dapat na ilarawan sa canvas. Pareho silang nakatayo sa pinagmulan ng realismo - isang kilusan na ipinapalagay hindi lamang pinagsama sa kalikasan at open-air landscape painting, kundi pati na rin ang paghahanap nagpapahayag na paraan para sa masining na sagisag ng katotohanan, kung saan ang bawat tao, anuman ang katayuang sosyal, gumaganap ng isang papel. Medyo maliwanag na hinangaan ni Monet si Courbet at pinag-aralan nang may interes ang kanyang diskarte, lalo na ang paggamit ng madilim na background.

Sa pagpipinta na "Camilla in Green" - isang larawan ng kaibigan ni Monet sa buong taas ipininta noong 1866 - walang alinlangang nagbigay pugay ang pintor sa pamamaraan ng pagpipinta ng Courbet. Ito ang gawaing ito na ipinakita sa Salon ng 1866 at tumatanggap ng mga paborableng pagsusuri mula sa mga kritiko; ang press ay nagsimulang makipag-usap tungkol sa kanya, at ang mga dayandang ng kanyang tagumpay ay umabot sa Le Havre, na nagpapahintulot sa kanya na mabawi ang respeto ng kanyang pamilya. Sa oras na iyon, ang artist ay nagtatrabaho sa Ville d'Avre, kung saan siya ay nagpinta mula sa buhay ng isang malaking canvas na "Women in the Garden", para sa lahat ng apat na babaeng figure ay naglalagay ng isang modelo - Camille. Ang pagpipinta na ito, na binili ni Basil, ay tinanggihan ng hurado ng Salon noong 1867.

Ang oras na ito ay napakahirap para kay Monet, na labis na kulang sa mga pondo, na patuloy na hinahabol ng mga nagpapautang at kahit na sinubukang magpakamatay. Ang artist ay kailangang lumipat mula sa isang lugar patungo sa lahat ng oras, ngayon sa Le Havre, ngayon sa Saint-Adresse, ngayon sa Paris, kung saan siya nagpinta ng mga magagandang tanawin ng lungsod. Pagkatapos ay muli siyang naglakbay sa Normandy, sa Etretat, kung saan tinulungan siya ng mangangalakal na si Godibert, na, naniniwala sa kanya, bumili ng ilang mga kuwadro na gawa at binigyan siya noong 1869 ng isang bahay sa Saint-Michel de Bougival, isang nayon sa baybayin ng Seine, ilang kilometro sa hilagang-kanluran. mula sa Paris.

Si Auguste Renoir ay madalas na pumupunta sa Saint-Michel, at ang mga artista ay nagsimulang magtulungan sa parehong mga paksa. Sa yugtong ito, ang kalikasan ay nagiging isang tunay na bagay ng pananaliksik. Dito, hindi kalayuan sa Paris, sa pagitan ng Chatou at Bougival, sa pampang ng isa sa mga sangay ng Seine, ang mga artista ay nakahanap ng isang magandang sulok, na pinaka-angkop para sa pag-aaral ng liwanag na nakasisilaw at pagmuni-muni sa tubig - isang maliit na restawran at isang katabing bathhouse. , isang Linggo ng pahingahan para sa mayayamang Parisian. Ang pansin ng artist ay naaakit lalo na sa pamamagitan ng panandaliang epekto sa isang patuloy na pagbabago ng kalikasan; ang oryentasyong ito mismo ay naging malikhaing kredo ni Monet, kung saan siya ay nananatiling tapat sa mga susunod na taon.

Mula sa kanilang magkasanib na malikhaing aktibidad, ipinanganak ang mga sikat na uri ng paliguan at restaurant, na kilala bilang "The Froggy". Ang pagpipinta na ito, tulad ng Terrace sa Sainte-Adresse na ipininta dalawang taon na ang nakalilipas, ay nagpapatotoo sa impluwensya sa pagpipinta ni Monet oriental na sining, kumalat sa France sa ikalawang kalahati ng siglo na may kaugnayan sa simula ng pagkolekta ng Japanese graphics. Sa sining ng Hapon, natuklasan ni Monet at ng kanyang mga kontemporaryo ang mga magagandang bagong posibilidad para sa pagpaparami ng nakapaligid na mundo na naaayon sa "sense of the atmosphere."

Ito ay sa batayan ng pagpipinta ni Monet na ang isa ay maaaring pinakamabungang galugarin ang lahat ng mga kumplikado ng relasyon sa pagitan ng Impresyonismo at impluwensya ng Hapon. Sa buong buhay niya, siya ay isang madamdaming tagahanga ng sining ng Hapon. Sinasabing ang mga Japanese fans ay nakasabit sa mga dingding ng kanyang bahay sa Argenteuil noong siya ay nanirahan doon noong dekada 70; ang kanyang huling bahay, sa Giverny, ay naglalaman pa rin ng malawak na koleksyon ng Japanese prints nakolekta niya sa mga taon ng pagkamalikhain; at noong 1892, itinala ni Edmond de Goncourt sa kanyang talaarawan na madalas niyang nakilala si Monet sa Galeries Bint, isang sentro ng kalakalan ng mga gawang oriental.

Sa Japanese woodcuts, natuklasan niya ang mga compositional effect, na nakakamit sa pamamagitan ng matalim na foreshortening at dramatic frame trimming ng komposisyon. Sa kanyang pagbagsak ng mga taon, sinabi niya sa Duke de Trevisu: "Sa mga artistang Hapones, pinahahalagahan namin sa Kanluran, una sa lahat, ang katapangan na ginamit nila sa kanilang mga paksa. Ang mga taong ito ay nagturo sa amin ng isang bagong komposisyon. Walang duda tungkol diyan." Ang kanyang gawa ay talagang nabibilang sa isang bagong uri ng komposisyon. Noong 1867 isinulat niya ang The Terrace sa Sainte-Adresse, na tinawag niyang " Intsik na pagpipinta may mga watawat". Ito ay isang tunay na kapansin-pansin na komposisyon - mula sa isang overhead anggulo at walang anumang sentro. Ang malawak na kalawakan ng dagat ay nababalutan ng mga naglalayag na barko sa lahat ng laki - may mga tatlumpu sa kanila; kasama ang isang strip ng kalangitan na nahahati sa maulap at walang ulap na mga bahagi, kalahati ng komposisyon ay inookupahan ng terrace mismo, kung saan nakikita natin ang isang masa ng maliwanag na gladioli at nasturtium, at ang iba't ibang mga kulay ay pinahusay ng dalawang bahagyang asymmetrically na inilagay na mga flag sa magkabilang gilid ng terrace.

Ang proseso ng pagbuo ng isang bagong masining na wika ay dapat ding isaalang-alang na may kaugnayan sa pag-unlad ng agham ng ika-19 na siglo at ang mga pinakabagong tagumpay nito, lalo na, ang pananaliksik ng mga siyentipiko tulad ni Eugene Chevreul sa larangan ng optika at mga kaibahan ng kulay, na naging laganap sa France noong ikalawang kalahati ng siglo. Batay sa pagmamasid sa pisikal na kababalaghan ng pang-unawa, itinatag ng mga siyentipiko na ang pangitain ay resulta ng pakikipag-ugnayan ng mga elemento na nakikita ng mata at ang kulay ng isang bagay ay nakasalalay sa materyal na kung saan ito ginawa, sa kalapitan ng iba pang mga bagay. at ang kalidad ng liwanag. Ang mga prinsipyong ito, kasama ang mga paghahayag ng sining ng Hapon, ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa Monet, Renoir at lahat ng mga artista na pinipiling magpinta sa labas. Nakikita natin ang mga bakas ng mga prinsipyong ito sa impresyonistang pamamaraan ng pagpipinta: ang mga purong kulay ng solar spectrum ay direktang nakapatong sa canvas, at hindi pinaghalo sa palette.

Noong Hunyo 1870, naganap ang kasal nina Monet at Camille Donsieu, kung saan naroroon din si Gustave Courbet. Ang mga kabataan ay lumipat sa Normandy, sa Trouville, kung saan sila ay nahuli sa simula ng digmaang Franco-Prussian. Si Monet, bilang isang republikano, ay hindi gustong lumaban para sa imperyo at sa ilalim ng kadahilanang ito ay nagtatago sa England.

Sa London, nakilala niya sina Daubigny at Pissarro, kung kanino siya nagtatrabaho sa mga tanawin ng Thames at mga fog ng Hyde Park. Mahirap ang timing para sa mga epekto ng fog. Ang taglamig ng 1870-1871 sa London ay ang pinakamasama sa isang siglo. Ang pagkakaroon ng fog ay lalo na nararamdaman sa mga tanawin ni Monet sa Parliament, na binuksan lamang isang taon bago, Green Park, Hyde Park at London Pool. Gusto niya mismo ang London fog, na ipinagtapat niya kay Rene Gimpel: "Mas gusto ko ang London kaysa sa Ingles kabukiran... Oo, mahal ko ang London. Ito ay tulad ng isang misa, tulad ng isang grupo, ngunit napakasimple. Higit sa lahat gusto ko ang London fog. Paano mga artistang Ingles ang ikalabinsiyam na siglo ay maaaring magpinta ng kanilang mga bahay mula sa ladrilyo? Sa kanilang mga pagpipinta, naglarawan pa sila ng mga laryo na hindi man lang nila makita. Gustung-gusto ko ang London sa taglamig lamang. Sa tag-araw, ang lungsod ay maganda para sa mga parke nito, ngunit hindi ito maihahambing sa mga fog ng taglamig at taglamig: kung wala ang fog, ang London ay hindi magiging isang magandang lungsod. Ang fog ay nagbibigay dito ng isang kamangha-manghang sukat. Sa ilalim ng mahiwagang takip nito, nagiging engrande ang monotonous, malalaking quarters." Kasunod nito, paulit-ulit siyang pupunta sa London at magpinta ng higit pang mga landscape ng London kaysa sa alinman sa mga sikat na artista.

Sa London, parehong nagtrabaho nang husto sina Monet at Pissarro. Makalipas ang ilang taon (noong 1906) sumulat si Pissarro sa kritiko ng Ingles na si Winford Dew-Hirst (na gumagawa sa isang libro tungkol sa mga Impresyonista noong panahong iyon): "Kami ni Monet ay mahilig sa tanawin ng London. Nagtrabaho si Monet sa mga parke, at ako, na naninirahan sa Lower Norwood, noon ay isang kaakit-akit na suburb, ay nagtrabaho sa mga epekto ng fog, snow at spring. Sumulat kami mula sa kalikasan. Bumisita din kami sa mga museo. Siyempre, humanga kami sa mga watercolor at painting nina Turner at Constable, ng mga canvases ng Old Crome. Hinangaan namin sina Gainsborough, Lawrence, Reynolds at iba pa, ngunit lalo kaming humanga sa mga pintor ng landscape na ibinahagi ang aming mga pananaw sa plein air, light at panandaliang epekto. Sa mga kontemporaryong artista, interesado kami sa Watts at Rossetti.

Ipinakilala ni Daubigny si Monet sa French art dealer na si Paul Durand-Ruel. Habang naninirahan sa London, binuksan ni Durand-Ruel ang isang gallery sa Bond Street. Ang pagpupulong na ito ay naging napakahalaga, dahil si Durand-Ruel ang tumugon nang may kumpiyansa at interes sa gawain ni Monet at iba pang mga artista ng hinaharap na impresyonistang grupo, at tumulong sa kanila sa pag-aayos ng mga eksibisyon at pagbebenta ng mga pagpipinta. Maliban sa ikalawang eksibisyon, noong 1871, kinatawan ni Durand-Ruel ang mga Impresyonista sa lahat ng mga eksibisyon ng Society of French Artists. Ang mga gawa ng Pissarro at Monet ay madalas na ipinakita, at ang mga presyo na hiniling para sa kanila ay nagpapatotoo sa kung paano sinuri mismo ni Durand-Ruel ang mga ito. Sa isang eksibisyon noong 1872, ang mga tanawin ng Norwood at Sydenham Pissarro ay pinahahalagahan ng 25 guineas, at nang sumunod na taon ang pagpipinta ni Monet na "The Parliament Building" ay naibenta sa halagang 30 guineas.

Iniharap ni Monet at Pissarro ang kanilang mga gawa sa summer exhibition ng Royal Academy, ngunit, gaya ng malungkot na sinabi ni Pissarro, "siyempre tinanggihan kami." Ito ay dapat na salamat sa Durand-Ruelle na ang kanilang mga kuwadro na gawa ay ipinakita sa seksyon ng Pranses. Internasyonal na Eksibisyon sa South Kensington noong 1871, ngunit sa kabila ng maraming komento ng press tungkol sa eksibisyon, hindi sila napansin.

Noong 1871, nalaman ni Monet ang pagkamatay ng kanyang ama at umalis papuntang France. Sa daan, binisita niya ang Holland, kung saan, namangha sa ganda ng tanawin, huminto siya sandali at nagpinta ng ilang mga painting na may mga windmill na sumasalamin sa tahimik na tubig ng mga kanal.

Salamat kay Manet, kung kanino siya ay nagkaroon ng matibay na pagkakaibigan, natagpuan niya ang kanyang sarili sa Argenteuil sa pampang ng Seine, isang bahay na may hardin kung saan maaari siyang magtanim ng mga bulaklak, na kalaunan ay naging totoong passion artista.

Si Renoir ay madalas na lumapit sa kanya: sa oras na iyon sila ay naging napakalapit, ang pinagsamang karanasan sa pagpipinta ay nakakaimpluwensya hindi lamang sa pag-unlad ng kanilang indibidwal na estilo ng pagpipinta, kundi pati na rin sa pagbuo ng impresyonismo sa pangkalahatan. Ang tag-araw ng 1873 ay naging maluho. Madalas nilang ipininta ang parehong mga landscape, nakakamit ang mga kamangha-manghang liwanag at mga epekto ng kulay na may maliliit, pulsating stroke, na parang inilapat sa canvas mula sa isang spray gun. Hinding-hindi na magkakatulad ang kanilang trabaho. Noong 1913, nang ang dalawa sa kanilang mga gawa sa parehong paksa - mga itik na lumulutang sa isang lawa - ay ipinakita sa Durand-Ruel gallery, ni isa sa kanila ay hindi natukoy ang kanilang larawan. Sa hardin ng bahay ni Monet sa Argenteuil, sumulat sila sa isa't isa sa trabaho. Inilarawan ni Renoir ang kanyang kaibigan laban sa background ng isang masa ng maraming kulay na dahlias, ang mga maliliwanag na tono na pinahusay ng dilaw at sa kulay abo mga bahay sa background. Ang mga bahay ay pinaliliwanagan din ng liwanag ng mga ulap, na halos hindi naaantig ng dilaw na liwanag ng araw sa gabi. Ang napakagandang panahon na ito ng kanilang magkasanib na pagkahumaling sa mga epekto ng liwanag at kulay ay ipinarating ng partikular na ningning ni Monet sa isang pagpipinta na naglalarawan sa harapan ng kanyang bahay: Si Camilla na nakatayo sa pintuan at isang maliit na pigura ni Jean sa landing, sa isang dayami na sombrero na may isang singsing sa kanyang kamay. Tulad ng pagpipinta ni Renoir, ito ay pininturahan ng magaan, nanginginig na mga stroke, ngunit narito ang isang matalim na pagkakaiba sa pagitan ng mga detalyadong dahon at isang halos matatas na interpretasyon ng iba pang mga detalye: ang pigura ni Camille at ang mga asul na kaldero ng bulaklak na inilagay sa harap ng bahay.

Ang tag-araw na iyon ay lubhang mabunga para sa parehong mga artista, at para kay Monet ang sumunod na taglamig ay pantay na mabunga. Kailanman ay hindi pa sila nabihag ng gayong matinding pangangailangan na ipahayag sa pamamagitan ng masining na paraan kung ano ang kanilang nakita sa sandaling ito, ibahin ang katotohanan ng iyong visual na karanasan sa maliliwanag at malinaw na kulay.

Sa oras na iyon, ang sitwasyon sa pananalapi ng artista ay bumuti din nang malaki: ang mana ng ama at ang dote ng asawa ni Camilla ay nagbibigay sa pamilya Monet ng kaunting kasaganaan. Tulad ng dati, patuloy siyang naglalakbay sa Normandy paminsan-minsan.

Noong 1872, sa Le Havre, isinulat ni Monet ang "Impression. Sunrise ”- isang tanawin ng daungan ng Le Havre, na ipinakita sa ibang pagkakataon sa unang eksibisyon ng mga Impresyonista. Dito, ang artist, tulad ng nakikita mo, sa wakas ay pinalaya ang kanyang sarili mula sa pangkalahatang tinatanggap na ideya ng bagay ng imahe bilang isang tiyak na dami at itinalaga ang kanyang sarili nang buo sa paghahatid ng panandaliang estado ng kapaligiran sa mga asul at rosas-kahel na tono. Sa katunayan, ang lahat ay tila hindi materyal: ang pier at mga barko ay nagsanib sa mga guhit sa kalangitan at pagmuni-muni sa tubig, at ang mga silweta ng mga mangingisda at mga bangka sa harapan ay mga madilim na lugar lamang na ginawa gamit ang ilang matinding paghampas. Ang pagtanggi sa pamamaraang pang-akademiko, pagpipinta sa bukas na hangin at ang pagpili ng mga hindi pangkaraniwang paksa ay tinanggap ng mga kritiko noong panahong iyon nang may poot. Si Louis Leroy, ang may-akda ng isang galit na galit na artikulo na lumitaw sa magazine na "Sharivari", sa unang pagkakataon, na may kaugnayan sa larawang ito, ay ginamit ang terminong "impressionism" bilang isang kahulugan ng isang bagong trend sa pagpipinta.

Ngunit sino ang mga "pinili at maunawain na mga connoisseurs" na ito na bumibili ng gawa ng mga Impresyonista? Ang una ay ang Italian Count Armand Doria (1824-1896), na ang mga katangian at ugali, ayon sa kanyang kaibigan na si Degas, ay kahawig ni Tintoretto. Sa eksibisyon, binili niya ang House of the Hanged Man ni Cezanne sa halagang 300 francs. Nanatili siyang patuloy na patron ng Renoir: pagkatapos ng kanyang kamatayan, nang ibenta ang koleksyon, naging sampung mga pintura ng Renoir. "Impresyon. Sunrise ”ay binili ni Georges de Bellio, isang homeopathic na manggagamot mula sa Romania; Paminsan-minsan ay bumaling sa kanya si Pissarro para sa payo kapag may sakit ang kanyang mga anak, o may kahilingang bumili ng painting kapag kailangan niya. Patuloy na lumingon sa kanya si Monet para sa tulong, lalo na, sa sumusunod na liham: "Imposibleng isipin kung gaano ako kalungkot. Maaari silang dumating at ilarawan ang aking mga bagay anumang oras. At ito ay sa oras na nagkaroon ako ng pag-asa na mapabuti ang aking mga gawain. Inihagis sa kalye, nang walang anumang pondo, sasang-ayon akong maghanap ng anumang trabahong darating. Ito ay magiging isang kakila-kilabot na dagok. Ayoko na rin isipin. Gumagawa ako ng isang huling pagsubok. Kung mayroon akong 500 francs, maliligtas ako. May natitira akong 25 paintings. Para sa halagang ito, handa akong ibigay sa iyo. Ang pagkuha ng mga canvases na ito, ililigtas mo sila." Bumili din si De Bellio ng walong painting mula sa Renoir, gayundin ang ilan mula kay Sisley, Morisot, Pissarro at Degas.

Si Monet ay mayroon ding isa pang mayamang patron, si Louis-Joachim Godibert (1812-1878), isang Le Havre merchant at baguhang pintor na nanirahan sa bagong itinayong kastilyo sa Montivillet. Noong 1868, binili niya ang ilan sa mga painting ng artist mula sa mga nagpapautang, at sa parehong taon, at sa mga sumusunod, binayaran niya si Monet ng maintenance. Nag-order din siya sa kanya ng ilang larawan ng mga miyembro ng kanyang pamilya. Ang isa pang lokal na tycoon, si Oscar Schmitz, ay bumili din ng mga painting ni Monet. Orihinal na mula sa Switzerland, nagpatakbo siya ng isang malaking negosyo ng cotton sa Le Havre. Ngunit ang pinakamahalaga sa mga patron ni Monet sa unang kalahati ng kanyang buhay ay si Ernest Goshede (1838-1890), kung saan ang kanyang linya ng buhay ay naging malapit na konektado sa hinaharap. Ang direktor na ito ng isa sa mga pangunahing department store na lumitaw sa Paris noong Ikalawang Imperyo ay nanirahan sa Majeron, sa isang kahanga-hangang istilong Renaissance na mansyon. Doon ay nag-iingat siya ng isang koleksyon ng mga pagpipinta, na kinabibilangan ng anim na gawa ni Manet, labintatlo ni Sisley, siyam ni Pissarro, anim ni Degas at hindi bababa sa labing-anim na gawa ni Monet, kung saan nag-order siya ng serye ng mga pandekorasyon na pagpipinta para sa kanyang bahay noong 1876.

Sa muling paglalakbay sa Holland, bumalik si Monet sa Argenteuil. Doon nakilala ni Monet ang artista at kolektor na si Gustave Caillebotte, naging matalik silang magkaibigan. Sa Argenteuil, ang Monet, na sumusunod sa halimbawa ng Daubigny, ay nag-equip ng isang lumulutang na workshop upang direktang magpinta sa Seine. Siya ay nananatiling madamdamin tungkol sa liwanag na nakasisilaw sa tubig at, nagtatrabaho kasama sina Renoir, Sisley at Manet, bubuo at pinipino ang isang pamamaraan na nagpapahintulot sa kanya na maunawaan ang mga light effect nang mas mabilis kaysa sa mga pagbabago sa liwanag. Noong Abril 24, 1874, isang eksibisyon ng Anonymous Society of Artists, pintor, eskultor, engraver ay nagbubukas sa studio ng photographer na si Nadar sa Boulevard des Capucines sa Paris; Ang Monet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro at marami pang ibang mga artista ng iba't ibang istilo ng istilo ay ipinakita doon, pinagsama ng isang marubdob na pagnanais na ihiwalay ang kanilang mga sarili mula sa opisyal na pagpipinta na ipinakita sa mga Salon. Ang eksibisyon ay binatikos sa press, at negatibo ang reaksyon ng publiko dito; ang mga gawang ipinapakita, lalo na ang mga pagpipinta ng isang grupo ng mga artist na malapit kay Monet, ay masyadong bago at hindi maintindihan ng mga tagahanga. akademikong pagpipinta, palaging nilikha sa workshop at ipagpalagay na ang sining ay walang iba kundi ang pagnanais na gawing ideyal, mapabuti ang katotohanan sa pangalan ng mga canon ng klasikal na kultura.

Ang pangalawang eksibisyon ng grupo, na inayos sa workshop ng Durand-Ruel noong 1876, ay hindi rin nakatagpo ng kritisismo. Pagkatapos ay ipinakita ni Monet ang labing-walo sa kanyang mga gawa, kabilang ang pagpipinta na "Japanese Woman". Si Emile Zola, na palaging nakikiramay sa mga Impresyonista, pagkatapos ng eksibisyong ito ay kinilala si Monet bilang hindi mapag-aalinlanganang pinuno ng grupo. Matapos ang kabiguan ng eksibisyon, posible na magbenta ng mga kuwadro na may ang pinakadakilang gawain, ang mga presyo ay napakababa, at para sa Monet, nagsimula muli ang isang panahon ng kahirapan sa pananalapi. Noong tag-araw, bumalik sa Argenteuil, nakilala niya ang financier at kolektor na si Ernest Goshede.

Sa huling bahagi ng taglagas, bumalik si Monet sa Paris na may pagnanais na magpinta ng mga tanawin ng taglamig na lungsod sa pamamagitan ng isang belo ng hamog at nagpasya na gawin ang istasyon ng Saint-Lazare na kanyang layunin. Sa pahintulot ng direktor ng mga riles, siya ay matatagpuan sa istasyon at nagtatrabaho sa buong araw, bilang isang resulta kung saan siya ay lumilikha ng kalahating dosenang mga canvases, na kasunod na nakuha ng mangangalakal na si Paul Durand-Ruel.

Samantala, ang mga eksibisyon ng isang grupo ng mga artista, na kilala ngayon bilang mga impresyonista, ay regular na ginaganap. Ang ikatlo ay naganap noong 1877, ang pang-apat noong 1879, ngunit ang publiko ay hindi pa rin umaasa sa direksyon na ito, at ang sitwasyon sa pananalapi ni Monet, na muling kinubkob ng mga nagpapautang, ay tila walang pag-asa. Dahil dito napilitan siyang ilipat ang kanyang pamilya mula sa Argenteuil patungo sa Veteil, kung saan nakatira siya kasama ang mag-asawang Goshede at nagsusulat ng ilang magagandang tanawin na may mga tanawin ng nakapalibot na lugar.

Noong 1879, si Camilla, pagkatapos ng mahabang pagkakasakit, ay namatay sa edad na tatlumpu't dalawa lamang. “Kaninang umaga, alas diyes y medya, pagkatapos ng hindi matiis na paghihirap, huminahon ang kaawa-awang asawa ko. Ako ay labis na nalulumbay, ganap na nag-iisa sa aking mga kapus-palad na mga anak. Sumulat ako sa iyo ng isang kahilingan na bigyan ako ng isa pang serbisyo: maaari ka bang bumili mula sa Mont de Pitier (ang Parisian city pawnshop) ng medalyon kung saan pinadalhan kita ng resibo ng pledge. Ang bagay na ito ay mahal sa aking asawa, at, nagpaalam sa kanya, nais kong ilagay ang medalyon na ito sa kanyang leeg, "sumulat si Monet sa kanyang benefactor na si Georges de Bellio.

Noong 1879, nagpinta si Monet ng isang magandang larawan ng kanyang minamahal na babae. Makalipas ang isang taon, nagpadala si Monet ng dalawang canvases sa Salon, ngunit isa lamang sa kanila ang tinanggap ng hurado. Ito ang huling opisyal na eksibisyon kung saan lumahok si Monet.

Noong Hunyo ng parehong taon sa bulwagan ng magazine na "Vi Modern" (" Makabagong buhay»), Pagmamay-ari ng publisher at kolektor na si Georges Charpentier, ay nagbukas ng isang eksibisyon ng labing-walong pagpipinta ni Monet. Dinadala niya sa artista ang pinakahihintay na tagumpay sa press. At ang pagbebenta ng mga pagpipinta mula sa eksibisyong ito ay nagpapahintulot kay Monet na mapabuti ang kanyang sitwasyon sa pananalapi.

Sa huli, nakamit niya na magagawa niya ang anumang gusto niya nang hindi iniisip ang pagbebenta ng kanyang mga painting. Simula sa kanya personal na eksibisyon kasama si Georges Petit noong 1880, lumawak ang bilog ng kanyang mga parokyano. Ang kanyang kita mula sa Durand-Ruel noong 1881 ay 20 libong francs; bilang karagdagan, kumita siya mula sa pagbebenta ng kanyang mga gawa nang pribado at sa pamamagitan ng iba pang mga dealer.

Pumunta siya upang magsulat sa Fekan, sa Normandy, kung saan siya ay naaakit ng kalikasan, dagat at ang espesyal na kapaligiran ng lupaing ito. Doon siya nagtatrabaho, nakatira sa Dieppe, Pourville, Etretat, at lumilikha ng maraming magagandang tanawin.

Pansamantala, may ilang pagbabagong nagaganap sa grupong Impresyonista at binalangkas ang isang split. Si Renoir, na noong 1878, ay hindi lumahok sa ika-apat na eksibisyon ng mga Impresyonista, na naniniwala na dapat subukan ng isang tao na bumalik sa opisyal na landas, at samakatuwid ay ipinakita ang kanyang mga gawa sa Salon. Si Monet mismo ay sinubukang gawin ang parehong noong 1880 at noong 1881 ay hindi nakibahagi sa ikaanim na eksibisyon ng grupo, ngunit sa halip ay lumahok sa ikapito, na ginanap noong 1882.

Noong 1883 namatay si Manet, ang kanyang kamatayan ay simbolikong kasabay ng pagkasira ng grupo. Noong 1886, opisyal na ginanap ang ikawalo at huling eksibisyon ng mga Impresyonista, ngunit hindi nakilahok dito sina Renoir, Monet, Sisley; sa kabilang banda, idineklara nina Georges Seurat at Paul Signac ang kanilang mga sarili. mga kinatawan ng isang bagong kalakaran - ang tinatawag na pointillism. Sa panahong ito, si Monet, na noong 1883 ay lumipat kasama ang pamilyang Goshede sa maliit na bayan ng Giverny, ay naglakbay sa Italya, sa Bordighera, kung saan siya ay hinangaan ng ningning ng liwanag, at lumahok sa mga eksibisyon na inayos sa Paris ng mangangalakal na si Georges Petit. . Ang kanyang mga paglalakbay sa Normandy, sa Etretat, ay hindi rin tumigil; doon niya nakilala si Guy de Maupassant. Noong 1888 nagtatrabaho si Monet sa Antibes. Salamat sa interes ni Theo Van Gogh - ang may-ari ng gallery at kapatid ng artist - nagagawa niyang mag-exhibit sa dalawang Parisian gallery na may pinigil na suporta ng mga kritiko.

Nang sumunod na taon, sa wakas ay nakamit ni Monet ang tunay at pangmatagalang tagumpay: sa Petit Gallery, kasabay ng eksibisyon ng mga gawa ng iskultor na si Auguste Rodin, isang retrospective na eksibisyon ng Monet ang inayos, na nagpakita ng isang daan at apatnapu't lima sa kanyang mga gawa mula 1864 hanggang 1889. Si Monet ay naging isang sikat at iginagalang na pintor.

Pagkatapos ng eksposisyon, na inayos noong 1886 ni Durand-Ruel sa New York, naging interesado ang mga Amerikano sa mga likha ni Monet. Napakahusay ng resulta. Noong 1887, ang kabuuang kita ni Monet ay umabot sa 44 na libo, at noong 1891 Durand-Ruelle at ang kumpanyang "Boussot at Valadon" ay nagdala sa kanya ng humigit-kumulang 100 libong francs. Sa panahon mula 1898 hanggang 1912, ang kanyang kita ay nagbabago sa paligid ng figure na 200 libo.

Ang kasaganaan, na lubos niyang pinangarap sa kanyang kabataan, ay sa wakas ay nakamit, at sinamantala niya ito, na lumikha para sa kanyang sarili ng isang kuta ng pang-ekonomiya at pangkaisipang kapayapaan. Hindi kailanman bago sa kasaysayan ng sining na ang pangalan ng artista ay malapit na nauugnay sa kanyang tahanan. Ang kuta na ito ay mayroon ding mga pisikal na parameter. Noong 1883, nagsimula siyang magrenta ng bahay sa Giverny mula sa isang Norman na may-ari ng lupa (ang may-ari mismo ay lumipat upang manirahan sa nayon ng Verneuil), at si Monet ay nanirahan sa bahay na ito sa loob ng apatnapu't tatlong taon, hanggang sa kanyang kamatayan noong 1926. Para sa mundo ng sining, ang bahay at hardin sa Giverny, kapwa sa mga taong iyon at hanggang ngayon, ay may parehong kahulugan bilang Assisi para sa mga tagasunod ni St. Francis. Palaging napapalibutan ng maingay na pulutong ng mga anak na inaalagaan at ang pag-aalaga ng isang mapagmahal ngunit masungit na asawa, patuloy na nakikipag-ugnayan si Monet sa isang malaking bilog ng mga kaibigan: mga artista at manunulat.

Si Monet ay isang masugid na manlalakbay, hindi katulad ng ibang mga impresyonista. Naglakbay siya sa Norway, kung saan nakatira ang kanyang ampon na si Jacques; naglakbay sa Venice, Antibes, Holland, Switzerland, ilang beses sa London. Sa France, binisita niya ang Ptit-Dal sa baybayin ng Norman, kung saan nakatira ang kanyang kapatid; Belle-Ile, Noirmoutier, Croesus Valley sa Massif Central; sa wakas si Rouen, kung saan siya gumugol ng ilang araw. Mula sa lahat ng mga lugar na ito ay nagdala siya ng isang tumpok ng mga sketch, na natapos niya sa Giverny. Madalas siyang naglakbay sa Paris - sa kabutihang palad ay hindi ito malayo: alinman sa teatro o sa Opera, kung saan nasiyahan siya sa pakikinig kay Boris Godunov, at kalaunan ay hinangaan ang Russian ballet ni Diaghilev, na lubos niyang pinahahalagahan. Mahigpit din niyang sinundan ang mga dumaan na eksibisyon, lalo na ang kung saan lumahok sina Van Gon, Seurat, Gauguin, gayundin sina Vuillard at Bonnard, na pumunta sa kanya sa Giverny. Maraming nabasa si Monet, lalo na ang pagkadala ng napakalaking "History of France" ni Michelet, na kilala niya mula pagkabata at pinalusog ang marami sa kanyang mga gawa na may malakas na pakiramdam ng pagiging makabayan. Masigasig din niyang binasa ang mga kontemporaryong may-akda: Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarmé, Tolstoy at Ruskin. Nag-iingat siya ng isang solidong koleksyon ng mga libro sa paghahalaman.

Si Monet ay gumugol ng maraming trabaho sa kanyang kapaligiran, na ginawang isang magandang tirahan ang isang sira-sirang bahay na Norman. Si Julie Manet, anak nina Berthe Morisot at Eugene Manet, na bumisita doon noong 1893, di-nagtagal pagkatapos ng ilang pagbabagong ginawa ni Monet, ay sumulat sa kanyang kaakit-akit na talaarawan ng mga impresyon: “Mula noong huli naming paglalakbay sa Giverny, ang bahay ay kapansin-pansing nagbago. Sa itaas ng workshop, ginawa ni Monsieur Monet ang kanyang sarili ng isang silid-tulugan na may malalaking bintana at pinto, na may resin pine parquet flooring. Maraming painting sa kwartong ito, kasama si Isabelle na nagsusuklay ng buhok, si Gabrielle sa pelvis, si Cocot na naka-sombrero, mga pastel na naglalarawan kay maman, ang mga pastel ni Uncle Edward, ang napaka-kaakit-akit na hubo't hubad ni Mr. Renoir, mga painting ni Pissarro, atbp.

Ngunit ang hardin ay tila mas kamangha-mangha: hindi lamang ito nagpahayag ng personalidad ni Monet, ngunit mismong isang palatandaan. Halos buong buhay niya ay nanirahan si Monet sa mga bahay na may hardin, at sa Argenteuil, at sa Veteil, at tiyak na nakuha niya sila sa mga pagpipinta. Siya ay hinimok na kumuha ng paghahardin ni Caillebotte, na sa Petit-Genvillier ay nagkaroon kamangha-manghang hardin at na nag-iingat ng isang sulat sa kanya sa mga espesyal na isyu. Iyon ay mayamang panahon para sa mga hardinero. Ang mga bagong halaman ay na-import sa Europa mula sa Amerika at Malayong Silangan. Noong 1880s, isang bagong pagkakataon ang nagbukas para sa mga walang access sa mga nursery - pag-order ng mga buto sa pamamagitan ng koreo - isang boom sa bagong negosyong ito. Sabik na nakolekta ni Monet ang mga katalogo ng binhi, at "inipon" ang kanyang mga hardin, bilang isang magandang larawan... Ang kanyang mga tala, na ginawa sa Argenteuil, ay nagbibigay, halimbawa, ng isang snapshot ng pamamahagi ng mga bulaklak para sa pitong hanay ng mga rosas: lilac, puti, pula, lila, dilaw, cream, rosas.

Pagdating sa unang pagkakataon sa Giverny, nakita niya sa bahay ang isang ordinaryong hardin ng gulay, tipikal para sa isang French village. Agad na sinimulan ni Monet na gawing muli ito: una sa lahat, binigyan niya ito ng geometricity sa pamamagitan ng pagtatanim ng mga tiyak na bulaklak na "hardin": marshmallow, dahlias, rosas, nasturtium, gladioli; itinanim niya ang mga ito sa ganoong pagkakasunud-sunod na patuloy silang namumulaklak sa buong taon... Ang hardin ay halos dalawang ektarya, at ang bahagi nito ay nakaunat sa kabilang bahagi ng kalsada. May isang maliit na lawa sa malapit; Binili ito ni Monet kasama ang katabing lupain noong 1893. Nang makatanggap ng pahintulot mula sa mga lokal na awtoridad, ginawa niya itong hardin ng tubig, na pinapasok ang tubig mula sa kalapit na ilog Ept sa mga kandado. Sa paligid ng pond, nagtanim siya ng mga bulaklak at shrubs: ang ilan sa mga lokal na pinagmulan - raspberry, peonies, holly, poplars; ilang mga kakaibang halaman - Japanese cherry, pink at white anemone. Ang dalawang hardin ay sadyang magkalaban. Ang isa na nasa bahay ay pinanatili ang tradisyonal tanawin ng pranses: na may mga eskinita na may mga gumagapang; mga landas na tumatakbo sa tamang mga anggulo sa isa't isa, na may mga hakbang na humahantong mula sa isang bahagi ng hardin patungo sa isa pa. Ang hardin sa kabilang bahagi ng kalsada at sa paligid ng lawa ay sadyang kakaiba at romantiko. Sa pagpaplano nito, sinunod ni Monet ang payo ng isang Japanese gardener na nanatili sa Giverny nang ilang panahon: Chinese ginkgoes, Japanese fruit trees, bamboos, isang Japanese bridge, na parang lumipat dito mula sa isang ukit ng Hokusai, na namumukod-tangi sa mga katamtamang pamilyar na mga halaman. dito. Ang mga water lily ay lumutang sa lawa, at ang hardin ay natatakpan ng isang labirint ng mga paikot-ikot at intersecting na mga landas.

"Ang pinakamagandang gawa ko ay ang aking hardin," sabi ni Monet. At sumang-ayon sa kanya ang kanyang mga kasabayan. Tumpak na inilarawan ni Proust ang hardin na ito: "Hindi ito isang lumang hardin ng florist, ngunit sa halip ay isang hardin ng colorist, kung matatawag ko itong, isang hardin kung saan ang kumbinasyon ng mga bulaklak ay hindi isang nilikha ng kalikasan, dahil sila ay nakatanim sa isang paraan na ang mga bulaklak lamang ng magkakasuwato na lilim ang mamumulaklak nang sabay-sabay. lumilikha ng walang katapusang larangan ng asul o rosas."

Si Octave Mirbeau, isang manunulat at kritiko na hindi nagtipid sa mga epithets, ay nagbibigay sa ari-arian na ito Buong paglalarawan: "Sa tagsibol, laban sa backdrop ng namumulaklak na mga puno ng prutas, ang mga iris ay nagtataas ng kanilang mga curling petals, pinalamutian ng puti, rosas, lila, dilaw at asul na mga frills na may mga brown na guhitan at mga lilang spot. Sa tag-araw, ang mga nasturtium ng lahat ng uri at kulay saffron na mga poppie ng California ay nahuhulog sa nakakasilaw na mga kumpol sa magkabilang panig ng mabuhanging landas. Ang mga fairy-tale poppie, kamangha-mangha sa pamamagitan ng mahika, ay lumalaki sa malalawak na kama ng bulaklak, na nagbabara sa mga nalalanta na iris. Isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mga kulay, maraming maputlang lilim; isang kahanga-hangang symphony ng puti, rosas, dilaw, lilac na mga bulaklak na may isang shot ng magaan na lilim ng katawan, laban sa background kung saan ang mga dalandan ay sumasabog, mga splashes ng tansong apoy, mga pulang spot ay dumudugo at kumikinang, lilac na galit, mga dila ng itim at lila na apoy ay sumabog ."

Sinabi ni Monet na siya ay gumastos sa hardin karamihan kita. Ngunit ito ay isang maliit na pagmamalabis lamang. Nagpanatili siya ng isang hardinero at limang manggagawa, at ang kanyang sarili ay patuloy na abala sa pagpapabuti at pagpapalawak ng hardin.

Bumaling sa prefecture para sa pahintulot na muling itayo ang lawa, isinulat ni Monet na ito ay kinakailangan "para sa kapakanan ng isang kapistahan para sa mga mata at mga motibo para sa pagpipinta." Sa katunayan, si Giverny at ang kanyang mga hardin ay hindi lamang nagsilbi sa kanya bilang mga motibo para sa pagpipinta; binigyan nila siya ng isang uri ng batayan para sa pagpapatupad ng isang proyekto na magiging gawain ng kanyang buhay, at ang kasukdulan nito ay ang hardin na ito.

Noong 1892, pinakasalan ni Monet si Alice, kung kanino siya iniibig. mahabang taon... Kasabay nito, isinulat ni Monet ang "Haystacks" - ang unang malalaking serye ng mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan ng artist na makuha sa canvas ang mga nuances ng pag-iilaw ng haystacks. nagbabago depende sa oras ng araw at panahon. Gumagawa siya nang sabay-sabay sa ilang mga canvases, lumilipat mula sa isa't isa alinsunod sa mga umuusbong na epekto ng pag-iilaw. Nagkaroon ang seryeng ito malaking tagumpay at makabuluhang naimpluwensyahan ang maraming mga artista noong panahong iyon.

Bumalik si Monet sa karanasan ni Stogov sa isang bagong serye, Poplars, kung saan ang mga puno sa pampang ng Ept River ay inilalarawan din sa iba't ibang oras ng araw. Habang nagtatrabaho sa Topol, si Monet sa bawat pagkakataon ay pumupunta sa isang lugar na may ilang mga easel at inaayos ang mga ito nang sunud-sunod upang mabilis na lumipat mula sa isa't isa depende sa ilaw. Bilang karagdagan, sa pagkakataong ito ay nais niyang ipahayag ang kanyang sariling pangitain sa mga larawan, at ginagawa niya ito sa loob ng ilang minuto, nakikipagkumpitensya sa bilis sa kalikasan.

Bago matapos ang serye, nalaman ni Monet na ang mga poplar ay puputulin at ibebenta. Upang makumpleto ang trabaho, nakipag-ugnayan siya sa bumibili at nag-aalok sa kanya ng kabayaran sa pera para sa pagkaantala sa pagputol. Ang seryeng ito, na ipinakita sa Durand-Ruel Gallery noong 1892, ay naging isang mahusay na tagumpay, ngunit ang malaking serye ng Rouen Cathedral, kung saan nagtrabaho si Monet mula 1892 hanggang 1894, ay mas masigasig. Patuloy na ipinapakita ang pagbabago sa pag-iilaw mula bukang-liwayway hanggang takipsilim ng gabi, ipininta niya ang limampung tanawin ng maringal na Gothic na harapan, na natutunaw, nag-dematerialize sa liwanag. Pabilis ng pabilis ang pagsusulat niya, nagmamadaling naglapat ng mga dotted stroke sa canvas.

Noong Pebrero 1895, naglakbay siya sa Norway, sa Sandviken, malapit sa Oslo, kung saan nagsusulat siya ng mga fiords, Mount Kolsaas at mga tanawin ng nayon kung saan siya nakatira. Itong cycle mga tanawin ng taglamig ang istilo ay kahawig ng mga akdang isinulat noong 1870. Nang sumunod na taon, si Monet ay gumawa ng isang tunay na paglalakbay sa mga lugar kung saan siya sumulat sa mga nakaraang taon; at Pourville, Dieppe, Varegenville ay muling bumalik sa kanyang mga canvases.

Noong 1897, ang koleksyon ni Gustave Caillebotte, na namatay noong 1894, ay naging pag-aari ng mga pambansang museo, at marami sa mga gawa ng mga Impresyonista sa wakas ay napunta sa mga pampublikong koleksyon... Sa tag-araw, dalawampu't mga painting ni Monet ang ipinakita sa ikalawang Venice Biennale.

Noong taglagas ng 1899, sa Giverny, sinimulan niya ang cycle na "Water Lilies", kung saan siya magtatrabaho hanggang sa kanyang kamatayan. Ang simula ng bagong siglo ay natagpuan si Monet sa London; ang pintor ay muling nagpinta ng Parliament at isang buong serye ng mga pagpipinta na pinagsama ng isang motibo - fog. Mula 1900 hanggang 1904, madalas na naglakbay si Monet sa Great Britain at noong 1904 ay nagpakita ng tatlumpu't pitong tanawin ng Thames sa Durand-Ruel Gallery. Sa tag-araw ay bumalik siya sa Water Lilies at noong Pebrero ng sumunod na taon ay lumahok siya sa limampu't limang gawa sa isang malaking Impressionist exhibition na inorganisa ni Durand-Ruel sa London.

Noong 1908, nagsimula si Monet sa kanyang penultimate na paglalakbay: naglakbay siya kasama ang kanyang asawa sa Venice sa imbitasyon ng pamilya Curtis, isang Amerikanong kaibigan ng artist na si John Singer Sargent, kung saan siya nakatira sa Palazzo Barbaro sa Canal Grande. Nagpasya si Monet na manatili nang mas matagal sa lungsod para magtrabaho, at tumira sa Britannia Hotel sa loob ng dalawang buwan. Siya ay labis na natulala sa kapaligiran ng Venice, ang mga epekto ng liwanag, ang mga repleksyon ng tubig at ang mga repleksyon ng mga monumento sa loob nito na muli siyang pumupunta doon sa susunod na taon. Sa isang espesyalista sa arkitektura na, sa panahon ng isang pakikipanayam, ay nangatuwiran na "Ang Palasyo ng Doge ay maaaring tukuyin bilang isang halimbawa ng impresyonista sa halip na arkitektura ng Gothic," sumagot si Monet: "Ang arkitekto na nagbuo sa palasyong ito ay ang unang impresyonista. Nilikha niya itong lumulutang sa tubig, lumaki mula sa tubig, nagniningning sa hangin ng Venice, tulad ng isang impresyonistang pintor na naglalapat ng mga kumikinang na stroke sa isang canvas upang ihatid ang pakiramdam ng kapaligiran. Sa paggawa sa pagpipinta na ito, gusto kong ipinta nang eksakto ang kapaligiran ng Venice. Ang palasyo na lumitaw sa aking komposisyon ay isang dahilan lamang upang ilarawan ang kapaligiran. Pagkatapos ng lahat, ang buong Venice ay nahuhulog sa kapaligiran na ito. Lumulutang sa ganitong kapaligiran. Ito ay impresyonismo sa bato." Pagbalik sa France, patuloy siyang nagtatrabaho sa studio sa mga pagpipinta ng panahon ng Venetian, na ipapakita lamang noong 1912, isang taon pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang asawang si Alice, sa gallery ng Bernheim Jr. Ang eksibisyon ay nauna sa isang artikulo ni Octave Mirbeau.

Mula 1908, nagsimulang lumala ang paningin ng artista; Ngayon ay binibigyan niya ng buong pansin ang hardin at patuloy na nagtatrabaho sa seryeng "Water Lilies", na nagsimula noong 1890. Sa pamamagitan ng paglilipat ng tubig ng isang maliit na tributary ng ilog Apt, ang Ryu, na dumaloy sa kanyang lupain, gumawa si Monet ng isang maliit na lawa sa kanyang Giverny. Sa tulad-salamin na ibabaw ng reservoir kaya nakuha, siya ay lumago ng mga water lilies, at sa paligid niya ay nagtanim ng mga willow at iba't ibang mga kakaibang halaman. Upang makumpleto ang proyekto, isang kahoy na tulay ang itinayo sa ibabaw ng lawa, ang ideya kung saan ay inspirasyon ng oriental na mga ukit. Ang artista ay palaging nabighani sa mga bulaklak at liwanag na nakasisilaw sa tubig, ngunit ang proyektong ito ay walang alinlangan na naiimpluwensyahan ang impluwensya ng kultura ng Hapon, na kumalat sa Europa mula noong kalagitnaan ng siglo at lubos na interesado kay Monet at sa kanyang mga kontemporaryo. Ang huling magagandang gawa ni Monet, isang pagod na artista na ang mga problema sa paningin ay nagiging mas seryoso sa paglipas ng mga taon, ay nakatuon sa napakagandang sulok na ito ng hardin.

Noong 1914, namatay ang kanyang panganay na anak na si Jean. Pakiramdam ni Monet ay higit na nag-iisa. ngunit patuloy na nagtatrabaho, hinimok nina Georges Clemenceau at Octave Mirbeau, na madalas na bumisita sa isang kaibigan.

Salamat sa pagkakaroon ng Monet, si Giverny ay naging isang uri ng kolonya ng mga artista, pangunahin ang mga Amerikano, ngunit si Monet mismo ay mas pinipili na mamuhay ng isang liblib na buhay, na sinasabing wala siyang "recipe" para sa mga kabataan, na nangangahulugang hindi niya maituturo ang sinuman. . Ginugugol niya ang lahat ng kanyang oras sa hardin - at nagsusulat, nagsusulat. Ang progresibong pagkasira ng paningin ay hindi na nagpapahintulot sa kanya na magparami ng mga light effect na may parehong katumpakan tulad ng dati. Minsan, kung ang canvas ay tila hindi matagumpay sa kanya, si Monet, sa galit, ay sinisira ang kanyang trabaho. Gayunpaman, patuloy siyang nagpinta, at dahil sa kanyang mga problema sa paningin, bumuo siya ng isang bagong diskarte sa pagpipinta para sa kanyang sarili.

Sa napakaraming taon ng pagtatrabaho sa Giverny, nakatatak sa kanyang isipan ang bawat sulok ng hardin anumang oras ng araw. At naisip ni Monet na magiging kawili-wiling magsulat ng isang serye ng mga impression mula sa kabuuan, at hindi mula sa kalikasan, ngunit sa isang workshop. Kaugnay nito, nagpasya siyang magtayo ng bagong malaking pagawaan sa kanyang ari-arian. Ang pagtatayo ng bagong lugar ay natapos noong 1916: ang pagawaan ay 25 metro ang haba, 15 metro ang lapad at ang kisame ay dalawang-katlo na gawa sa salamin. Doon na magtatrabaho si Monet. Nagsusulat siya sa mga canvases na may sukat na apat na metro sa dalawa at lumikha ng mga kamangha-manghang mga gawa na, sa isang kumplikado, ay naghahatid ng mga impresyon ng kaharian na kanyang nilikha, paulit-ulit na kumukuha ng mga fogs sa umaga, paglubog ng araw, takipsilim at kadiliman sa gabi sa canvas.

Noong 1918, sa okasyon ng armistice, nagpasya siyang mag-abuloy bagong serye sa estado. Ang kanyang kaibigang si Georges Clemenceau, na noon ay punong ministro, ay gustong magbigay kay Monet ng isang prestihiyosong espasyo, katulad ng Orangery pavilion sa Tuileries Gardens. Ngunit hindi pa rin nasisiyahan si Monet sa kanyang trabaho at, sa pagiging matatag na katangian ng kanyang saloobin sa pagpipinta, ay patuloy na nagtatrabaho hanggang 1926 - ang taon ng kanyang kamatayan. Bilang karagdagan sa serye ng walong panel na naibigay sa estado, na inilagay sa oval room ng Orangry noong 1927, nagsulat si Monet ng maraming iba pang mga gawa sa panahong ito, na natagpuan pagkatapos ng pagkamatay ng artist sa kanyang workshop sa Giverny at ngayon ay nasa Marmottan Museum sa Paris. Ang ilan sa kanila, hindi napetsahan, ngunit walang alinlangan na nauugnay sa huling panahon ng pagkamalikhain, sa kanilang paraan na lumapit sa avant-garde aesthetic trend ang simula ng siglo, sa partikular, sa ekspresyonismo.

Sa katunayan, labis-labis na ginagawa ni Monet ang proseso ng dematerialization na nakabalangkas na sa serye ng mga katedral. Hindi lamang siya lumalampas sa mga estilista ng impresyonismo, ngunit sa ilang paraan, marahil, ay inaasahan masining na wika hindi matalinghagang pagpipinta ng panahon pagkatapos ng ikalawang digmaang pandaigdig.

Talambuhay batay sa mga materyales mula sa site na www.centre.smr.ru

Hinangaan namin ang mga tanawing kinanta niya. Napatingin sila nang may pagkamangha sa Rouen Cathedral. Hindi namin maiwasang bisitahin si Giverny, kung saan nanirahan ang master sa loob ng 43 taon - eksaktong kalahati ng kanyang buhay. Ang ikalawang kalahati - siya ay ipinanganak noong 1840, namatay noong 1926, nanirahan sa Giverny noong 1883.
Ang lahat ng kalikasan sa araw na ito ay nagalak sa amin - pagkatapos ng kulay-abo, maulap na mga araw sa Normandy, ang araw ay sagana sa pagbaha sa buong lugar, na parang naaalala kung anong mga biro ang nilalaro nito sa artist, na iniwan siya ng hindi hihigit sa 40 minuto upang magtrabaho sa isa sa mga serye. ng mga painting. Binago ng mga batas ng pag-ikot ng Earth sa paligid ng luminary ang pag-iilaw pagkatapos ng maikling panahon kung kaya't kailangang lumipat si Monet mula sa isang canvas patungo sa isa pa, sa bawat oras na nagbabago ang mga kulay.

Upang maabot ang bahay ng maestro, kailangan mong dumaan sa nayon ng Giverny. Una sa lahat, isang humahanga sa talento ni Monet ang pumasok sa malawak na hardin. Nawasak ito maraming taon pagkatapos ng pagkamatay ng master, nang binuksan ang isang museo sa Giverny. Sa sandaling nagkaroon lamang ng parang dito, isang maliit na lugar ang napanatili mula dito. Sa mga haystacks na sumikat. Ito ang una naming nakita sa Giverny.

Ang hardin sa Giverny ay nahahati sa maliliit na lugar, na pinaghihiwalay ng mga bosquet o mga bakod.

Ang mga halaman sa bawat isa sa mga seksyon ay napili ayon sa paksa - sila ay naaayon sa bawat isa alinman sa pamamagitan ng aroma o kulay. May mga sanga na may mga rosas, sa iba, mga puting bulaklak lamang ang nakolekta.

O asul lamang, o pula lamang. Ang lahat ng mga halaman ay nakaayos ayon sa mga panahon. Nagbabago sila depende sa tiyempo ng pamumulaklak, gayundin maagang tagsibol dati huli na taglagas ang hardin ay namumulaklak at mabango.

Pumasok si Giverny literal nakabaon sa halamanan. Habang naglalakad ka sa Monet house-museum, hindi mo sinasadyang nakikinig sa alon ng pagkakaisa sa kalikasan, na ipinahayag ng mahusay na impresyonista sa buong kapangyarihan ng kanyang talento.

Ang kahanga-hangang pila sa checkout ay nawala sa loob ng ilang minuto - ang kanilang pasukan ay bukas para sa mga organisadong grupo, at wala masyadong "mga ligaw" na tulad namin.

Paglapit sa bahay, una sa lahat, nakikita mo ang isang polychrome na dagat ng mga bulaklak laban sa isang berdeng background. Nais ng isang tao na lumangoy at maligo dito, lumanghap, sumipsip, sumipsip, gumuhit sa biyaya ng Lupa. Nag-freeze ka sa paghanga na ang lahat ng iba't ibang mga flora ay inilalagay at nakatanim sa isang mahigpit na tinukoy na paraan. Ito ay napapailalim sa artistikong lohika ni Claude Monet mismo - oo, ito ang hitsura ng kanyang hardin, ito ay tama at ito ay napakaganda!

Ang bahay mismo ng master ay unang napagtanto bilang isang mahalagang bahagi ng hardin, na nabubuhay sa mga natural na siklo.

Gusto ko talagang mabusog, "maligo hanggang asul ang mukha" sa hardin ni Monet, ngunit kailangan kong pumunta sa museo ng bahay - Linggo ng umaga, ang Paris ay wala pang 100 km ang layo at sa lalong madaling panahon ay maaaring magkaroon ng isang tunay na "demonstrasyon." ” dito. Mayroon kaming ilang minuto upang suriin ang bahay kung saan gumugol ang artista ng maraming taon kasama ang kanyang pangalawang asawa na si Alice at mga anak - ang mga anak nila ni Camilla, at ang mga anak ni Alice Hoshede mula sa kanilang unang kasal, wala silang magkasanib na mga anak, ngunit mayroong isang kamag-anak. unyon ng kanilang mga anak - ang panganay na anak ng artista, si Jean Monnet, ay ikinasal sa anak ni Alice na si Blanche Hoschedé.

Bahay-Museum ni Claude Monet

Nakapagtataka, ang bahay na ito ay naging pangalawang pink na gusali na may berdeng mga blind, kung saan nakatira si Monet, ang una ay sa Argenteuil. Ito ay naging isa pang tirahan ng panginoon, kung saan ang hardin ay nahiwalay sa bahay sa pamamagitan ng isang riles, ganoon din ang kaso sa Vetheuil. Ang Punong Ministro ng Pransya na si Georges Clemenceau ay minsang nagsabi: "Mayroong kahit isang riles sa kanyang hardin!"

Noong una, inupahan lang ng pamilya ang isang angkop na bahay na ito sa Giverny. Nung si Claude (so I want to put the middle name 🙂) Nabili ni Monet, iba yung itsura ng bahay. Ang pangalan ng ari-arian ay medyo kawili-wili - "ang bahay ng apple press". May malapit na apple pressing machine. Alinsunod sa kanyang panlasa, pinalawak ng master ang bahay sa magkabilang direksyon, inangkop ito sa mga pangangailangan ng isang malaking pamilya at sa kanyang mga propesyonal na pangangailangan. Ang isang maliit na kamalig sa malapit ay konektado sa bahay at naging unang studio ng artist. At kahit na si Monet ay pangunahing nagtatrabaho sa open air, sa studio ay nakumpleto niya ang mga canvases, at itinatago niya ang mga ito. Ang kanyang silid ay matatagpuan sa itaas ng studio na ito. Ganap na sinakop ng master ang buong kaliwang kalahati ng bahay - dito siya makakapagtrabaho, makapagpahinga, makatanggap ng mga panauhin.

Ang isang makitid na terrace ay umaabot sa buong harapan. Ngayon ay maaari kang makapasok sa bahay sa pamamagitan ng pangunahing pasukan, tulad noong mga araw ni Monet. Ginamit ito ng lahat ng miyembro ng sambahayan, kaibigan at bisita.

May dalawa pang side door na bumubukas din papunta sa garden. Kung gusto niyang makapasok kaagad sa kanyang pagawaan, pumasok siya sa bahay sa pamamagitan ng pinto sa kaliwa. Ang kanang pinto ay inilaan para sa mga tagapaglingkod; agad itong humahantong sa kusina.

Napakasimple ng facade ng bahay ni Claude Monet, pero nakakapanlinlang ang view! Gaano kadalas nangyayari na sa likod ng isang matikas na harapan ay may isang napaka-pangkaraniwan na setting na may isang inabandunang silid-aklatan, mga nakakaawang bedspread at mga pintura na hindi nakakaantig sa kaluluwa. Wala itong kinalaman sa bahay ni Monet! Dito, sa kabaligtaran, sa likod ng katamtamang hitsura ng bahay, ang isang kamangha-manghang kapaligiran ay ipinahayag, halos hindi mo maisip ang anumang mas kaakit-akit. Umakyat kami sa hagdan at nararamdaman ko ang aking hininga dahil sa pagkakataong mahawakan ang isa pang mundo - ang mundo ng kulay at ang kapaligiran ng simpleng kaginhawaan. Ang silid-kainan, ang asul na sala ay magdadala sa iyo sa England, pagkatapos ay bigla kang makaramdam ng puro French features, at ang tunay na Japan ay naghahari sa paligid mo! Bahay lang ng artista ang pwedeng ganyan! Dinala ni Alice ang mga klasikong tala sa kapaligiran, ngunit ang mga kulay ay ang merito ni Claude Monet, ang kanyang salita ay palaging ang huli at mapagpasyang isa. Kung minsan, kapag umalis ang master para maghanap ng mga bagong species, sinulatan siya ni Alice na may binago siya sa kanyang kwarto at labis siyang nasiyahan sa resulta. Ang sagot ng asawa ay palaging medyo malamig: "Teka, pagbalik ko, kailangan mong makita kung ano ang nangyari."

Ang isang inspeksyon sa bahay ay nagsisimula sa asul na sala... Noong unang panahon, tinawag itong Lilac (Mauve) na sala o ang Blue Salon. Ang master mismo ang pumili ng asul na kulay ng silid. Idinagdag ng impresyonista ang kanyang sariling komposisyon sa mga klasikong asul na kulay, dahil dito nagdadala ito ng isang espesyal na kagandahan. Pinili ng master ang kulay hindi lamang sa sala ni Alice, kundi pati na rin sa lahat ng mga silid ng bahay.

Ang interior ng silid ay idinisenyo sa istilong Pranses noong ika-18 siglo. Maliit ang sala at inilaan para sa may-ari ng bahay na si Alice. Karaniwan siyang gumugol ng oras dito sa pagbuburda, mahilig siyang umupo sa mga bata. Ngunit minsan nangyari na maraming bisita ang nagsiksikan dito sa asul na salon. Nangyari ito noong nagtatrabaho si Monet sa kanyang workshop o nagmumuni-muni sa kanyang kwarto, o nahuhuli niya ang mga huling sinag ng papalubog na araw habang nagtatrabaho sa open air. Narito ang mga bisita ay naghihintay para sa may-ari, nakikipag-chat, umiinom ng tsaa. Sa dilim araw ng taglagas ang tubig para sa tsaa ay pinainit sa isang malaking samovar.

Dito madalas nagpapahinga si Alice na nakapikit. Nang si Claude Monet ay umalis para sa mga sketch, sa mga liham sa kanyang asawa, madalas niyang binanggit na hindi siya makapaghintay hanggang sa wakas ay mai-unpack niya ang kanyang mga bagong canvases at suriin ang mga ito kasama ang kanyang asawa. Ang maliwanag, mayaman na asul ng mga dingding at kasangkapan ay nakakagulat na pinagsama sa mga Japanese print. Karamihan sa mga kopya sa makabuluhang koleksyon ng master ay nakabitin dito.

Japanese prints sa bahay ni Monet.

Ang mga tradisyunal na Japanese print ay mga print na gawa sa mga tabla na gawa sa kahoy. Ang kanilang mga cliché ay unang inukit sa mga hiwa ng puno ng cherry o peras. Sila ay naging lubhang popular sa Japan dahil sa kanilang medyo mababang presyo at mass production. Noong ika-19 na siglo, ang pag-ukit ng Hapon ay dinala din sa Europa.

Kinokolekta sila ni Monet nang may pagnanasa sa loob ng 50 taon at nakaipon ng 231 na mga ukit. Karaniwang tinatanggap na binili ng master ang unang ukit noong unang bahagi ng 1870s sa Holland. Pero alam din na nakita na ni Monet ang mga ganitong drawing dati. Siya mismo ang umamin na minsan, pabalik sa Le Havre, noong siya ay lumalaktaw sa pag-aaral, nakita niya ang mga kopya ng Hapon na dinala mula sa Silangan ng mga barkong mangangalakal na patungo sa Alemanya, Holland, Inglatera at Amerika. Noon na ang hinaharap na tagapagtatag ng Impresyonismo ay nakatagpo ng unang mababang pamantayang mga larawan, ibinebenta sila sa tindahan sa baybayin ng Le Havre, bayan Monet. Alin sa mga ukit ang unang lumitaw sa kanyang koleksyon, ngayon ay walang magsasabi.

Hindi lamang maingat na kinolekta ng maestro ang kanyang koleksyon, masaya siyang namigay ng mga larawan. Binili ni Monet ang daan-daang mga ito sa lahat ng oras at nakipaghiwalay sa marami nang kasingdali. “Gusto mo ba ng Japanese prints? Pumili ng isa para sa iyong sarili! ”- paminsan-minsan ay naririnig sa bahay ni Monet. Ang mga anak at stepson ng master ay bukas-palad na nagbigay ng mga Japanese print.

Ang mga tema ng mga guhit na kanyang nakolekta ay tumutugma sa iba't ibang interes ng artista - kalikasan, teatro, musika, buhay sa kanayunan, botany, entomology, pang-araw-araw na eksena. Gustung-gusto niyang makita ang mga ito sa paligid niya at siya mismo ang umamin na napaka-inspire sa kanya ng mga drawing na ito.

Ang mga ukit ay pinalamutian ang mga dingding ng lahat ng mga silid ng bahay ni Monet; matatagpuan din ang mga ito sa silid ng daanan, na nagsilbing isang silid ng imbakan.

Mula sa asul na sala na pinuntahan namin pantry... Minsan mahirap maunawaan ang lohika ng organisasyon ng espasyo. Bakit, halimbawa, nakapasok sila sa pantry mula sa sala, at hindi mula sa kusina? Kaya lang walang corridor sa bahay na nagdudugtong sa lahat ng kwarto, kahit alin sa mga ito ay maaaring walk-through. Para sa kaginhawahan, ito ay ang pantry na naging koneksyon sa pagitan ng iba pang mga silid.

Kahit na sa kabila ng papel na ito, ang pantry ay naging isang mahalagang bahagi ng interior. Ipinapahiwatig ito ng ilang mga ukit sa dingding. Inilalarawan nila ang mga barkong pangkalakal na may mga watawat na lumilipad sa hangin, na nagdadala ng mga kalakal mula sa Yokohama hanggang sa silangang baybayin at pabalik. Sa isa pang print, nakikita natin ang mga babaeng naka-kimono at crinoline sa mga stall ng mga dayuhang mangangalakal sa Yokohama. Ang mga ukit sa mga asul na tono ay nakakasabay nang maayos sa wardrobe, ang pangunahing piraso ng interior.

Ang wardrobe ay nakakandado ng isang susi na laging iniingatan ng maybahay ng bahay. At siya lamang ang nakatuklas ng kayamanan ng mga kakaibang bansa - bourbon vanilla, nutmeg at cloves mula sa Cayenne, cinnamon mula sa Ceylon at mga paminta na dinala mula sa Dutch East India. Ang mga pampalasa ay napakabihirang at napakamahal noong panahong iyon. Ang bango ng Javanese coffee at Ceylon tea ay umalingawngaw mula sa bamboo-style cabinet. Intsik na tsaa huli XIX hindi sila umiinom sa loob ng maraming siglo, ito ay lumitaw sa Europa lamang sa simula ng ikadalawampu. Ang lahat ng kayamanan na ito ay nakalagay sa mga bakal na lata, mga kahon, mga casket mula sa pinakamahusay na Parisian craftsmen. Nag-iingat sila dito ng English tea, olive oil mula sa Aix, at foie gras mula sa. Ang aparador ay may mga drawer at mga kandado ay nakapaloob din sa bawat isa sa kanila.

Ang pantry ay isang malamig na silid, hindi ito espesyal na pinainit upang posible na mag-imbak ng pagkain, pangunahin ang mga itlog at tsaa. Noong mga araw ni Monet, ang mga itlog ay kinakain nang higit kaysa ngayon. Mayroong dalawang kahon ng imbakan sa dingding, maaari silang maglaman ng 116 piraso. Hindi bumili ng itlog ang pamilya ni Monet, mayroon silang sariling manukan sa bakuran. Bagaman ni Alice, o, kahit na higit pa, Claude Monet, ay hindi kailanman napagtanto ang buhay sa Giverny bilang probinsiya. Isang malawak na hardin at isang mataas na bakod ang nagpahiwalay sa kanila sa mga taganayon. Ngunit unti-unti nilang nakilala ang ilang lokal na pamilya. Gayunpaman, tumagal ng mahabang panahon hanggang sa magsimulang mag-ipon ang kanilang mga manok, ang baka ay nagsimulang magbigay ng sapat na gatas at ang mga berry ay lumitaw sa mga currant bushes.

Pumunta sa ang una pagawaan, at mamaya - Sala ni Monet... Sa timog na bintana, ang liwanag ay dumadaloy tulad ng isang ilog sa sala ng master; ang bay window, na nakaharap sa silangan, ay nakakatulong din na magbigay ng magandang ilaw. Ngunit ang gayong pag-iilaw ay hindi angkop sa lahat, sa studio ng artist ang mga bintana ay dapat nakaharap sa hilaga! Dahil sa unang palapag, imposibleng ayusin ang mga bintana sa hilaga sa silid na ito, at sa simula pa lang ay alam na ni Monet na hindi magtatagal dito ang kanyang studio, pipili siya ng mas magandang silid.

At nangyari nga, kalaunan ay naging sala ang una niyang pagawaan. Bagaman ito ay nanatiling isang silid para sa trabaho, na pinapalitan ng pamilya at mapagkaibigang pag-uusap, dito nakatanggap sina Monet at Alice ng maraming bisita, kaibigan, panauhin, nagbebenta ng sining, kritiko, kolektor. May dalawa pagsulat ng mga talahanayan- siya at si Alice. Pareho silang nasa aktibong sulat, parehong nagsulat ng marami at araw-araw. Sa ilalim ng isang malaking bintana ay isang mahogany Cuban secretaire. Mga upuan, isang coffee table, isang music table, isang Renaissance-style wardrobe na puno ng mga libro, isang sofa, dalawang Chinese vase - lahat ay napanatili dito mula noong panahon ni Monet. Ang mga malalaking plorera ay karaniwang puno ng mga bulaklak ng parehong uri at inilalagay sa buong sala. Ang mga Persian rug ay nagdagdag ng kagandahan sa silid.

Ang mga reproductions ng mga painting ni Monet sa mga dingding ay nagbabalik sa mga bisita sa panahon ng artist, dahil ang master ay mahilig magtago ng mga canvases na nagpapaalala sa bawat hakbang ng kanyang karera. Totoo, ang mga orihinal na dating pinalamutian ang mga dingding ng sala ay ipinapakita na ngayon sa Paris, sa Monet Marmottan Museum. Dati, may mga obra na hindi maaaring hatiin ni Monet. Minsan, binili niya ang mga nabentang canvases, pagkatapos ay ibinenta muli at ipinagpalit o binili muli.

Halos hindi na siya kumikita nang, sa halagang 50 francs, inalok niyang bilhin ang pagpipinta na "Veteuil in the Fog", na isinulat noong 1879, kay Jean-Baptiste Foru. Tila sa kanya na ang pagpipinta ay masyadong puti, ang mga kulay ay masyadong mahirap makuha at, sa pangkalahatan, imposibleng matukoy kung ano ang aktwal na inilalarawan sa canvas. Isang araw, pagkaraan ng maraming taon, pumunta si Faure kay Giverny at nakita ang pagpipinta na ito sa dingding sa pinakaunang workshop na ito ng master at nagpakita ng tunay na interes dito. Sumagot si Monet sa panauhin na ang pagpipinta na ito ay hindi na ibinebenta para sa anumang presyo at pinaalalahanan ang Forum ng mga pangyayari kung saan nakita na niya ang "Veteuil in the Fog". Ang napahiya na Fore ay nakahanap ng maraming magandang dahilan upang iwanan si Giverny sa lalong madaling panahon.

Dito, tulad ng sa ibang lugar sa bahay, ang mga orihinal na kasangkapan ay napanatili at ito ay lumilikha ng pakiramdam ng presensya ng panginoon. Invisible talaga siya dito. Bagaman, sa halip na ang buhay na master, ang kanyang bust ni Paul Polen ay na-install sa unang studio. Ang bust ay nagpapaalala na si Monet ay naging isang alamat sa kanyang buhay. Totoo, kailangan niyang maghintay para sa pagkilala, dumating ito sa artist sa edad na 50 lamang.

Tulad ng inaasahan ng master, ang isang pangalawang, mas maginhawang pagawaan ay itinayo sa lalong madaling panahon; ito ay matatagpuan nang hiwalay sa kanlurang bahagi ng hardin. Upang gawin ito, kailangan nilang sirain ang mga gusaling nakatayo doon, at sa sandaling bumili si Monet ng isang kulay rosas na bahay, hindi siya nag-atubiling gibain ang lahat ng hindi kailangan at sa wakas ay naging may-ari ng isang tunay na pagawaan, kung saan ang lahat ay inayos para sa trabaho, doon. ay sapat na espasyo at isang malaking bintana na nakaharap sa hilaga! Ang pangalawang pagawaan ay naging santuwaryo ng panginoon, kung saan walang nang-istorbo sa kanya habang siya ay nagtatrabaho.

Hindi ko masasabi kung nakaligtas ang workshop na ito, walang sinasabi ang libro tungkol dito at hindi ito ipinapakita sa mga turista.

C. Kwarto ni Monet matatagpuan mismo sa itaas ng kanyang unang studio sa sala. Upang makapasok sa kwarto ng artist, kailangan mong bumalik muli sa pantry. Mula roon, isang napakatarik na hagdanan ang patungo sa itaas; ito ang tanging daan patungo sa silid-pahingahan ng master. Sa mga araw ng kawalan ng pag-asa, pagdududa, masamang kalooban at karamdaman, iniwasan ng master ang anumang lipunan, kahit na ang pinakamalapit na tao. Minsan ay hindi siya umaalis sa kanyang silid sa loob ng maraming araw, naglalakad-lakad dito, hindi bumababa sa hapunan at dinadala sa kanya ang pagkain dito. Binalot ng katahimikan ang bahay sa mga araw na ganito. Kahit sa dining room ay walang boses kung walang may-ari doon.

Sa silid-tulugan ay makikita natin ang isang medyo simpleng kama kung saan natutulog ang artista at kung saan siya nagpahinga sa Bose noong Disyembre 5, 1926. Ang mga dingding sa kanyang silid ay puti; noong panahon ni Monet, mayroon pa ring isang sekretarya mula sa panahon ni Louis XIV at dalawang dresser. Ang muwebles ay binubuo ng isang daang taon na sa panahon ng buhay ng master, ito ay ginawa pabalik huling bahagi ng XVIII siglo.

Mula sa bawat isa sa tatlong bintana nag-aalok ang mga silid-tulugan ng mga nakamamanghang tanawin ng hardin. Dalawa sa kanila ay naka-orient sa timog at isa sa kanluran.

Ngunit ang pangunahing kayamanan ng kwarto ni Monet ay ang mga kuwadro na gawa. Sinakop din ng koleksyon ang mga dingding sa banyo, at nagpatuloy sa kwarto ni Alice. May tatlong canvases, 12 gawa, siyam na canvases, lima - Berthe Morisot, ilang -, tatlong paintings ni Camille Pissarro, nandoon din si Alfred Sisley, tanawin ng dagat Albert Marquet. Ang mga koleksyon ay kinumpleto ng mga pastel nina Morisot, Edouard Manet, Paul Signac at kahit isang pares ng mga eskultura ni Auguste Rodin.

kwarto ni Alice matatagpuan sa tabi ng kwarto ni Monet. Gaya ng nakaugalian noon sa mga tahanan ng maharlika, ang mag-asawa ay natutulog sa magkahiwalay na silid. Ang mga ito ay konektado sa pamamagitan ng pinto sa banyo.

Ang napakasimpleng silid ng pangalawang asawa ng artista ay pinalamutian ng mga Japanese print ng mga babae. Ito ay isa sa ilang mga silid sa bahay na may mga bintana na nakaharap sa kalye, iyon ay, sa hilaga. Sa kwarto niya, maiisip mo kung gaano talaga kakitid ang bahay. Mula sa bintana ng kanyang kwarto, maaaring sundan ni Madame Monet ang mga batang naglalaro sa kabilang bahagi ng estate.

May maliit na storage room sa pinakatuktok ng pangunahing hagdanan. At kasama ito ay narating namin hapag kainan... Ito marahil ang pinakakapana-panabik na silid sa bahay ni Monet. Ilang celebrity na ang nakita niya sa buong buhay niya!

Sa panahon ni Monet, ang isang imbitasyon sa hapunan ay nangangahulugan na ang mga bisita ay sumang-ayon nang walang kondisyon at walang kondisyon sa lahat ng hindi nagbabagong tradisyon ng bahay. Nangangahulugan ito na kung ang panauhin ay hindi isang gourmet, at least siya ay isang connoisseur ng haute cuisine. Dapat gusto niya ang lahat ng Japanese. Ang mga bisita ay kinakailangang malaman ang mahigpit na pagkakasunud-sunod ng bahay, kung saan ang lahat ay nanirahan alinsunod sa gumaganang ritmo ng may-ari at may dignidad na magpasakop sa mga patakaran at disiplina, na malapit sa Benedictine. Ang pang-araw-araw na gawain ay mahigpit at hindi natitinag. Kahit na ang paglalakad sa bahay at hardin ay sinundan ng maingat na ruta.

Ang Monet ay makabuluhang pinalawak ang silid-kainan sa gastos ng dating kusina, ito ay naging malaki at magaan, ang mga French na bintana nito ay nakabukas sa veranda. Sa panahong ito ng Victoria, uso ang madilim at madilim na kulay sa loob. Ang master ay nagbigay ng kaunting pansin sa fashion at nagpasya na bigyan ang silid-kainan ng dalawang kulay ng dilaw. Ang mga nanginginig na ocher na kulay ay nagpatingkad sa pagka-asul ng Rouen at Delft crockery sa sideboard. Ang sahig ay natatakpan ng mga tile ng chess - ang pattern ay nilikha ng puti at madilim na pulang mga panel, ang gayong kumbinasyon ay napakapopular sa panahong iyon. Ang kisame, dingding at muwebles ay pininturahan sa dalawang kulay ng dilaw. 12 tao ang malayang nakaupo sa isang malaking mesa, ngunit kung minsan ito ay nakatakda para sa 16 na tao.

Sa dining room, na kamukha mismo galerya ng sining, nagtipon ang buong pamilya, kanilang mga kaibigan at panauhing pandangal, kabilang ang mga panauhin mula sa Japan, tulad ni Mr. Kurokis Hayashi. Palaging may dilaw na linen na tablecloth sa mesa, kadalasan ay isang Japanese faience service na tinatawag na "cherry tree" o isang puting porselana na serbisyo na may malawak na dilaw na mga hangganan na may asul na trim ay inilagay. Mga kurtina ng organza, kinulayan din dilaw pinaghiwalay para sa mas magandang liwanag. Dalawang salamin ang nakatayo sa tapat ng isa't isa. Ang isa ay pinalamutian ng isang asul na faience flower stand mula sa Rouen, ang isa ay isang kulay abo at asul na Japanese flower stand sa anyo ng isang bukas na fan, at isang malaking plorera ang nakatayo sa ibaba.

Ang mga dingding ng silid-kainan ay puno ng mga Japanese print, na pinili ni Monet ayon sa kanyang pakiramdam ng kulay. Kasama sa kanyang koleksyon ang mga gawa ng pinakamahusay na Japanese masters - Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

Para sa kaginhawahan, sa tabi ng silid-kainan ay kusina- ang huling silid na maaaring tingnan sa bahay. Nalutas ito ni Monet sa asul. Ang kulay na ito ay nababagay nang maayos sa dilaw na tono ng silid-kainan. Kung ang pinto ay binuksan sa susunod na silid, kung gayon ang mga bisita ay nakakita ng isang angkop na dilaw na asul na kulay.

Ito ay isa pang paglabag sa karaniwang tinatanggap na mga tuntunin ng pagliko ng siglo, nang ang kusinero at ang kanyang mga katulong lamang ang naghari sa kusina at ang mga tagapaglingkod ay dumating upang kumain. Ito ay kagiliw-giliw na ang may-ari ay hindi kailanman pumasok sa kusina, na binisita ito nang isang beses lamang, kapag iniisip niya ang dekorasyon ng silid na ito. Napagpasyahan niya na ang maputlang asul na maharlika ay nilagyan ng malalim na asul, na ginagamit ng panginoon kahit saan sa loob ng mga silid. Ang scheme ng kulay na ito ay nagdagdag ng higit na liwanag sa silid na may dalawang bintanang tinatanaw ang veranda at isang French window, na, tulad ng karamihan sa mga bintana sa bahay, ay nakadungaw sa hardin.

Ang mga dingding sa kusina ay pinalamutian ng mga asul na tile ng Rouen. Malaki ang ibinayad nila para dito, dahil dinagdag ang cobalt para magbigay ng kulay dito at napakamahal ng proseso ng produksyon. Hindi lamang ang mga dingding, kundi pati na rin ang sahig at kisame ng kusina, pati na rin ang mesa, upuan, ice box, salt shaker, cabinet ay pininturahan sa isang kulay. Noong panahong iyon, ang kulay asul ay pinaniniwalaang nakakatulong sa pagpapanatili ng kalinisan at pagtataboy din ng mga insekto, lalo na ang mga langaw. Ang mga asul na kasangkapan ng mga dingding sa kusina at mga cabinet ay nagpapatingkad sa ningning ng brass crockery, isang malaking koleksyon nito ay nakalagay sa mga dingding.

Hindi nakakagulat, sa isang pamilya na may 10, ang pagkain ay may mahalagang papel, at ang kusina ay tila isang santuwaryo. Pagkatapos ng lahat, araw-araw ay kinakailangan na pakainin ang almusal, tanghalian at hapunan hindi lamang sa mga miyembro ng sambahayan, kundi pati na rin sa mga bisita at tagapaglingkod. Ang lahat ng bagay dito ay napapailalim sa layunin ng lugar. Araw-araw, sa mainit at malamig na panahon, isang malaking kalan ang pinainit sa kusina na may karbon o kahoy. Ang isang malaking boiler na may takip na tanso ay itinayo sa loob nito, at palaging mayroong mainit na tubig sa bahay.

Araw-araw kumakatok ang isang magsasaka sa isang maliit na bintana kung saan matatanaw ang kalye at inihayag na naghatid siya ng order para sa mga gulay at prutas na natanggap noong nakaraang araw. Ang mga hakbang sa tabi ng bintana ay humantong sa isang malawak na bodega ng alak, kung saan ang nabubulok na pagkain ay nakaimbak, at ang yelo ay inihatid mula sa kalapit na Vernon.

Halos hindi iniwan ng kusina ang libreng oras ng mga nagluluto. Patuloy na kinakailangan upang i-cut, tumaga, pukawin, tumaga. At pagkatapos - upang maghugas, maglinis, magpakintab ng maraming tansong sauceboat, kaldero, kettle hanggang sa susunod na pagkakataon, na hindi kailanman nagtagal.

Tulad ng ibang lugar, ilang chef, minsan buong dynasties, ang nagsilbi sa bahay ni Monet. Halimbawa, ibinigay nina Caroline at Melanie ang kanilang mga pangalan sa mga recipe na naimbento niya. At ang pinakasikat na chef ng Giverny ay si Margaret. Nagsimula siyang magtrabaho sa bahay bilang isang babae. Pagkatapos ay ipinakilala niya si Monet sa kanyang kasintahang si Paul. At para hindi umalis si Margaret sa bahay, kinuha ni Monet si Paul para magtrabaho. Nanatili si Margaret sa kanyang post kahit na pagkamatay ng maestro, hanggang 1939. Sa mga pambihirang sandali ng pahinga, nagustuhan ni Margaret na umupo sa isang mababang armchair na walang mga hawakan at dahon sa isang recipe book, kung saan siya nakakuha ng inspirasyon, tulad ng kanyang master mula sa mga Japanese print. Minsan nakatitig lang siya sa hardin, kung saan namumukadkad ang dalawang cherry blossom na kulay puti at maputlang pink. Nang iwan niya si Giverny at bumalik sa kanyang katutubong Berry, naalala niya: "Napakahirap ng trabaho sa Giverny, ngunit kapag nagtrabaho ako, palagi akong may dalawang puno ng Hapon sa harap ko."

Dito nagtatapos ang inspeksyon sa bahay. Lumipat kami sa Normandy o Clos Normand garden at pagkatapos ay sa Water Garden.

Ang paggawa ng pelikula sa museo ay ipinagbabawal. Ngunit napansin ko na sa unang studio-studio ng artist ay kumukuha ng mga larawan ang lahat ng mga bisita, kumuha din ako ng ilang mga kuha.
Ang natitirang mga larawan ay kinuha mula sa website ng Claude Monet House Museum.
Batay sa libro ni Cdaire Joyes “Claude Monet at Giverny. Isang Paglilibot at Kasaysayan ng Bahay at Hardin ”, Stipa, Montreuil (Seine-Saint-Denis), 2010

Ang hardin ni Claude Monet sa Giverny ay nararapat na matawag na isang tunay na gawa ng sining, na maaari mong humanga nang walang hanggan. Ang tahimik na nayon ng Giverny ay mananatiling isang tahimik na kaakit-akit na lalawigan kung hindi dahil sa impresyonistang pintor na dumaan sa tren at umibig sa lokal na kagandahan.

Salamat kay Claude Monet, ang mga turista ay pumupunta dito taun-taon na gustong makilala sa katotohanan ang lahat ng mga tanawin ng ari-arian ng mahusay na henyo.

Si Claude Monet ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa liwanag, sa mga shade nito at sa paglalaro ng mga anino at tunay na iniidolo ang kalikasan. Bumili siya ng isang simpleng bahay ng magsasaka sa Giverny noong 1883. Ang kanyang malaking pamilya ay dapat na nakatira doon - ang kanyang asawang si Alice, ang kanyang mga anak mula sa kanyang unang kasal at ang kanilang mga karaniwang anak.

Si Monet ay galit na galit sa mga bulaklak kaya nagtanim siya ng isang buong greenhouse ng iba't ibang uri sa kanyang site. Ang lahat ng kaguluhan ng mga kulay, ang paglalaro ng liwanag at anino, ang mga natatanging tanawin na nahuhulog sa halaman ay makikita sa mga pintura ng artista, na kanyang pininturahan ng espesyal na pag-ibig. Maya-maya, sa site sa likod ng bahay, inayos ni Monet ang isang hardin sa tubig, ang pangunahing atraksyon kung saan ay ang mga water lilies na namumulaklak sa buong taon. Lalo na nagustuhan ng artist ang pagguhit sa kanila.

Halos araw-araw, simula alas singko ng umaga, ang artista ay gumugol ng oras sa hardin na ito, inilipat ang lahat ng nakapalibot na kagandahan sa kanyang mga canvases. Sa panahong ito, ang mga likha ni Claude Monet ay lubos na pinahahalagahan ng mga mahilig sa sining, at nakakuha siya ng katanyagan. Maraming mga kasama ng mahusay na artist ang dumating upang humanga sa namumulaklak na hardin, si Giverny ay naging nauugnay sa sikat na pangalan ng Monet.

Ang impresyonista ay nabuhay ng isang mahaba at masayang buhay, na nag-iiwan ng mga natatanging gawa ng sining. Ngayon lahat ay maaaring makapasok sa Monet estate. Doon, tumutubo pa rin ang mga rosas at kaakit-akit na may banal na pabango, ang mga puting water lily ay lumulutang sa lawa, at ang walang kamatayang espiritu ng impresyonismo ay lumilipad sa hangin.

Buhay na mga painting ni Claude Monet

Elena Tyapkina

“Kapag nakita mo si Claude Monet sa kanyang hardin, nauunawaan mo kung paano naging napakahusay na pintor ang gayong mahusay na hardinero,” ang isinulat ng simbolistang makata na si Gustave Kahn pagkatapos ng kanyang paglalakbay sa Giverny, isang magandang nayon malapit sa Paris.
- Si Monet ay isang "mahusay na hardinero"? Nagkamali ang makata: Si Monet ay isang mahusay na impresyonista, na nagpinta ng mga larawan sa buong buhay niya!
Ngunit hindi, tama si Kahn: sa buong buhay niya - 43 taon! - Gumawa si Monet ng hardin.

Palagi siyang mahilig sa mga bulaklak at laging pinipintura ang mga ito. At noong 1883, nang manirahan sa Giverny, siya ay naging isang hardinero. Dahil sa kanyang pagmamahal sa mga halaman, lumikha muna siya ng isang Norman at pagkatapos ay isang kamangha-manghang hardin ng tubig. Ang hardin ay hindi ipinanganak kaagad - Monet ay patuloy na sinusubukan, naghahanap, nag-eeksperimento. Sa kanyang paglalakbay, nahanap niya ang mga halaman na kailangan niya: mula sa Rouen nagpadala siya ng field mustard at dalawang "nakakatawang maliit na nasturtium", at mula sa Norway ay nangangako na magdadala ng mga bata ng "ilang espesyal na halaman" ng hilagang bansa.

Nangongolekta siya ng mga libro sa paghahardin at pinaka-pinapahalagahan ang pagsasalin ng sikat na Illustrated History of Gardening ni George Nichols; nag-subscribe sa halos lahat ng mga magazine tungkol sa mga bulaklak at hardin; nangongolekta ng mga katalogo ng binhi, lalo na interesado sa mga bagong produkto.
Sa kanyang mga paglalakbay, ang artista ay patuloy na nagbabalik sa kanyang mga iniisip kay Giverny. Tinanong niya ang kanyang asawang si Alice kung kumusta ang hardin, nag-aalala tungkol sa mga halaman, nagpapayo kung paano pinakamahusay na pangalagaan ang mga alagang hayop sa greenhouse. “May bulaklak pa ba sa garden? Nais kong mapanatili ang mga krisantemo doon sa aking pagbabalik. Kung may mga frost, gupitin ang mga ito sa magagandang bouquets ”(mula sa isang liham mula 1885).

Araw-araw, taon-taon, matiyagang ginawa ni Monet ang kanyang hardin. Ang mga mata ng artist at ang mga kamay ng hardinero ay tumulong sa kanya na baguhin ang isang ordinaryong manor house na may mga puno ng prutas sa isang buhay na larawan, kung saan ang kagandahan at pagkakaiba-iba ng kalikasan ay naihatid sa pamamagitan ng mga kumbinasyon ng kulay at mga anyo. Sa hardin ni Monet ay walang labis, hindi sinasadya, walang bulag na pagkolekta - tanging pagkakaisa.

Ang hardin ay naging pagpapatuloy ng kanyang pagawaan. Walang pagod na naghahanap para sa pagiging perpekto, gumawa muna si Monet ng isang flower painting sa hardin at pagkatapos ay inilipat ito sa canvas. V mga nakaraang taon buhay na hindi na niya kailangang iwan si Giverny - nagpinta siya ng hardin. Ang paglipat sa isang maliit na bangka sa kahabaan ng "mga eskinita" ng hardin ng tubig, ang artist ay walang katapusang nagsulat, nagsulat, nagsulat ... isang humpbacked na tulay, isang ibabaw ng tubig na may mga puno, wisteria at water lilies na makikita dito.

Ito ay kung paano lumitaw ang isang liriko na serye ng mga canvases sa ilalim ng pangkalahatang pamagat na "Water Lilies". “Matagal na panahon,” isinulat ni Monet, “bago ko maintindihan ang aking mga water lily * Itinanim ko ang mga ito para sa kasiyahan, nang hindi man lang naisip na isusulat ko ang mga iyon. At biglang, hindi inaasahan, ang paghahayag ng aking kamangha-manghang, kahanga-hangang lawa ay dumating sa akin. Kumuha ako ng isang palette, at mula noon halos wala na akong ibang modelo * Ang pang-unawa ng buhay na kalikasan ay hindi agad dumarating sa amin.

Ang kahanga-hangang hardin ni Monet

Ngunit wala sa mga ito ang maaaring mangyari: hindi pinahintulutan ng mga awtoridad ang artist na magtayo ng isang hardin ng tubig sa loob ng mahabang panahon, sa takot na ang mga nymph - isang bulaklak na hindi kilala noon - ay lason ang tubig sa Ept River ...

At kami, sayang, ay hindi makakakita ng marami: labis na hinihingi sa kanyang sarili, sinunog ni Monet ang maraming sketch at mga yari na pintura nang walang panghihinayang. “Alam mo na na-absorb ako sa trabaho. Ang mga tanawin ng tubig at mga pagmuni-muni ay naging isang kinahuhumalingan. Lampas na ito sa aking katandaan, ngunit gusto kong magkaroon ng panahon upang makuha ang aking nararamdaman. Sinisira ko sila at nagsimulang muli, "sumulat siya sa biographer na si Gustave Geffroy noong 1908.

Ang pinakamahalagang gawain ng master ay isang serye ng malalaking "Pandekorasyon na mga panel na may mga water lily": "Ang langit at ang linya ng abot-tanaw ay lumilitaw lamang sa pagmuni-muni. Sa mga panel na ito, isang patuloy na nagbabagong mundo; ang mundo ay hindi maintindihan, ngunit tila tumagos sa atin. At ang walang hanggang pagbabagong mundo na ito ay tila natunaw sa ibabaw ng isang lawa na may mga water lily ".

Sa kanyang pagbagsak na mga taon, ipinagtapat ni Monet kay Georges Clemenceau: "Kung isusulat mo ang mundo sa paligid natin nang maraming beses, magsisimula kang mas maunawaan ang katotohanan, o ang maliit na naiintindihan natin. Naiintindihan ko ang mga imahe ng uniberso upang masaksihan ang nakikita ko gamit ang aking brush."

Claude Monet nanirahan sa isang nayon ng Norman Giverny noong 1883. Nakuha niya ang pansin sa lugar na ito, dahil madalas siyang dumaan sa tren - ito ang panahon ng kanyang pagkahilig sa Rouen Cathedral, na kanyang pininturahan sa loob ng dalawang taon. Si Monet sa pangkalahatan ay nahilig sa Normandy: ginugol niya ang kanyang pagkabata at kabataan sa Le Havre, kung saan ipininta niya ang kanyang nakakagulat (na naging isang "tanda" ng Impresyonismo) na nagpinta ng "Impresyon. Sunrise ”, mahal niya ang baybayin ng Norman ng English Channel, nagsulat ng maraming doon - lalo na ang mga chalk ay nagbigay inspirasyon sa kanya.

Kaya, nagrenta si Monet at pagkatapos ay nakakuha ng isang bahay na may plot sa Giverny. Siya ay 43 taong gulang, at sa oras na ito - pagkatapos ng mahabang panahon ng hindi pagkilala, pagtanggi at pangungutya - sa wakas ay dumating sa kanya ang tagumpay at kasaganaan.

Si Monet ay nanirahan sa Giverny sa loob ng 43 taon hanggang sa kanyang kamatayan noong 1926. Sa paglipas ng mga taon, isang magandang hardin ang inilatag sa harap ng bahay. Ang orihinal na seksyon ay limitado sa isang riles, kung saan ang isang makitid na ilog ay dumadaloy sa mga tinutubuan na mga bangko. Bumili si Monet ng isang piraso ng lupa sa likod ng mga riles at nagtayo ng isang daanan sa ilalim ng lupa patungo dito (ngayon ang mga riles ay nalansag, ang tren ay hindi na dumadaan sa Giverny). Pinigilan nila ang ilog, nagsindi ng mga water lily, nagtayo ng tulay na istilong Hapon, nagtanim ng mga weeping willow, kawayan at mga bulaklak sa tabi ng mga pampang.

Ang Hardin sa Giverny ay isang hiwalay na gawa ni Claude Monet, hindi gaanong mahusay kaysa sa kanyang mga pintura. Walang malalaking may linya na mga kama ng bulaklak, sa kabaligtaran, ang lahat dito ay tulad ng sa wildlife: maraming maliliit na maliliwanag na bulaklak na nakakalat sa isang maliwanag na kaguluhan. Ang bawat isa ay lumilikha ng sarili nitong stroke, ay hinabi sa pangkalahatang tunog. Impresyonismo rin ang hardin ni Monet, isang koleksyon ng mga maliliwanag na kulay na mga spot na lumikha ng isang karaniwang canvas - isang impression. Tanging ang canvas lamang ang nabubuhay - pagbalik sa Giverny sa loob ng ilang linggo, makikita mo ang isang ganap na naiibang larawan sa harap mo: ang ilang mga kulay ay kumupas, ang iba ay tumunog nang buong lakas.

Ang hardin ni Claude Monet

Naglibot ako sa hardin, at ang pag-iisip ay hindi umalis sa akin: ano ito masayang tao... Siya ay ipinanganak na isang henyo - ang unang swerte. Isang artista na nakakita sa mundo nang iba, isang tagasalo ng liwanag at sikat ng araw, isang reflector ng mga impression at panandaliang kagandahan. Ang pangalawang swerte - mayroon siyang mga kaibigan na katulad ng pag-iisip: hindi siya dumating nang nag-iisa, hindi nag-iisa sa trahedya, hindi nakipaglaban nang mag-isa sa buong mundo. Bagong sining ay nasa himpapawid. Nagmartsa sila sa isang malawak na harapan. At nanalo sila.

Sa kanyang marubdob na sigasig, gagawin niya sana ang gusto niya sa anumang kondisyon. Ngunit sa ikalawang kalahati ng kanyang buhay, ang tanong ng kanyang pang-araw-araw na tinapay ay wala na sa kanyang harapan, hindi siya nakagambala sa pangunahing bagay. Tanging pagkamalikhain, masarap, hinahangad na pagkamalikhain. Mga larawan at isang hardin. Ang mga water lilies, na ipininta niya hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, ay kalahating bulag, nang hindi nakikilala ang mga contour - mga light spot lamang. Masasabi mo kung gaano kalaki ang ibinigay sa kanya ng Diyos - napakarami niyang ibinigay. Baka konti pa.

Pinangarap niyang lumikha ng isang uri ng puwang sa Paris, na nahuhulog kung saan, ang isang tao ay abandunahin ang pagmamadali at pagmamadali, bumulusok sa pagmumuni-muni ng mga water lily, bumabagsak na mga sanga ng wilow, ang paglalaro ng sikat ng araw sa tubig. Ito ay kung paano bumangon ang Orangerie Museum - ang lugar kung saan tayo nagyelo at nagkamalay.

Talagang nagustuhan ko ang bahay ni Monet at ng kanyang pamilya - hindi mahinhin at hindi mayaman, lahat ay nasa katamtaman: iyan ang kailangan ng isang tao - napakarami. Dalawang palapag, isang malaking bulwagan na may mga kuwadro na gawa, ang mga silid ay binaha ng liwanag, mula sa mga bintana ay may tanawin ng namumulaklak na hardin.

Canteen

Nagulat ako sa dami ng mga drawing ni Hokusai sa dingding.

Ano pa ang makikita sa Giverny

Ang mahabang kalye ng Claude Monet ay umaabot sa likod ng bahay - ang pangunahing kalye Giverny. Ang kulto ng mga bulaklak ay patuloy na sinasamahan ka. Kaya, ang cafe sa sulok ay tinatawag na "Botanic" - mayroong talagang maraming mga bulaklak sa looban nito. (Mayroon ding impormasyon sentro ng turista).

Sa kabila ng kalsada - pinutol na mga palumpong na kahalili ng mga kama ng bulaklak, ang isang lilang ulap ng lavender ay namamalagi sa damo. Malapit sa ulap ng lavender, may mga mesa ng isang summer cafe sa tabi nito Museo ng Impresyonismo.

Oo, mayroong isang museo sa Giverny. Ang dating pangalan nito ay Museo ng American Art, ang mga artistang Amerikano ay kinatawan doon. Ngayon ang museo ay nagbago ng paksa nito, ang paksa ng pag-aaral nito ay ang kasaysayan ng impresyonismo at mga kaugnay na paggalaw ng sining. Noong Mayo 2014, ipinagdiwang ng museo ang ika-5 anibersaryo nito.

Ang mga impresyonista mula sa Amerika ay nagsimulang tumira sa Giverny kaagad pagkatapos lumipat dito si Claude Monet. Isinasaalang-alang na ang mga Pranses na artista - mga kaibigan ni Claude Monet - ay madalas ding panauhin sa Giverny, maiisip kung gaano karaming mga tao na may mga easel ang gumala-gala sa isang maliit na nayon ng Norman sa pagtatapos ng ika-19 na siglo - at pagkatapos ay umupo sa mga mesa ng cafe. May mga daanan sa paglalakad sa paligid ng Giverny; maaari kang makakuha ng isang diagram ng mga ito mula sa sentro ng impormasyon.

Mga oras ng pagbubukas ng Monet Estate at mga presyo ng tiket

Ang Claude Monet Museum sa Giverny ay bukas sa publiko mula Abril 1 hanggang Nobyembre 1. Mga oras ng pagbubukas: 9-30 - 18-00. Ang mga tiket ay nagkakahalaga ng 9.50 euro para sa mga matatanda at 4 na euro para sa mga bata. Available ang mga pinagsamang tiket:
kasama ang Museo ng Impresyonismo - 16.50, kasama ang mga museo ng Paris na Orangerie o Marmottan - 18.50.

Pumila sa Claude Monet Museum. tanghali

Paano makarating mula sa Paris papuntang Giverny

Sumakay ng tren sa istasyon ng Saint-Lazare at magpatuloy sa Vernon. Ang oras ng paglalakbay ay 1-15 (distansya sa pagitan nila ay 87 km).

May bus mula Vernon papuntang Giverny. Ang paglalakbay ay tumatagal ng 20 minuto. Ang one way ticket ay nagkakahalaga ng 4 euro.

Ang oras ng pag-alis ng bus ay kasabay ng oras ng pagdating ng tren sa Paris. Kaya, ang tren mula sa Paris ay dumating sa Vernon sa: 9-11, 11-11, 13-11, 15-11.

Ang bus ay aalis mula Vernon patungong Giverny sa: 9-25, 11-25, 13-25, 15-50.

Mga Kapaki-pakinabang na Site sa Paghahanda sa Paglalakbay

Pagpili ng mga hotel - Pag-book (kung hindi ka pa nakarehistro sa Booking, maaari mo itong gawin gamit ang aking link ng imbitasyon. Sa kasong ito, ang Booking ay magbabalik ng 1,000 rubles sa iyong card pagkatapos mong mag-book ng tirahan at gawin ang iyong unang biyahe).

Pag-upa ng bahay mula sa mga may-ari -