Japanese painting. Contemporary Japanese painting
Ang monochrome na pagpipinta ng Japan ay isa sa mga natatanging phenomena ng sining ng Silangan. Maraming mga gawa at pag-aaral ang nakatuon dito, ngunit madalas itong nakikita bilang isang napaka-kondisyon na bagay, at kung minsan ay pandekorasyon. Hindi ganito. Ang espirituwal na mundo ng Japanese artist ay napakayaman, at wala siyang pakialam sa aesthetic component kundi sa espirituwal. Ang Sining ng Silangan ay isang synthesis ng panlabas at panloob, tahasan at implicit.
Sa post na ito nais kong bigyang pansin hindi ang kasaysayan ng pagpipinta ng monochrome, ngunit sa kakanyahan nito. Ito ang tatalakayin.
screen na "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593
Ang nakikita natin sa mga monochrome na painting ay ang resulta ng pakikipag-ugnayan ng artist sa pine triad: papel, brush, tinta. Samakatuwid, upang maunawaan nang tama ang gawain, dapat maunawaan ng isa ang artist mismo at ang kanyang saloobin.
"Landscape" Sesshu, 1398
Papel hindi madali para sa isang Japanese master madaling gamiting materyal, na kung saan siya subordinates sa kanyang kapritso, ngunit sa halip ang kabaligtaran ay isang "kapatid na lalaki", samakatuwid, ang saloobin sa kanya ay nabuo nang naaayon. Ang papel ay isang bahagi ng nakapaligid na kalikasan, na palaging tinatrato ng mga Hapones nang may kaba at sinubukang huwag pasakop ang kanilang mga sarili, ngunit mapayapang mabuhay kasama nito. Ang papel ay isang puno noong nakaraan na nakatayo sa isang tiyak na lugar, tiyak na oras, "Nakakita" ng isang bagay sa paligid niya, at itinatago niya ang lahat. Ganito ang pananaw ng isang Japanese artist sa materyal. Kadalasan, bago simulan ang trabaho, ang mga masters ay tumingin sa isang blangkong sheet sa loob ng mahabang panahon (pinag-isipan ito) at pagkatapos ay nagsimulang magpinta. Kahit ngayon, ang mga kontemporaryong Japanese artist na nagsasanay ng teknik ng Nihon-ga (tradisyunal na Japanese painting) ay maingat na pumipili ng papel. Binili nila ito upang mag-order sa mga gilingan ng papel. Para sa bawat artist ng isang tiyak na kapal, moisture permeability at texture (maraming mga artist ang pumapasok pa nga sa isang kasunduan sa may-ari ng pabrika na huwag ibenta ang papel na ito sa iba pang mga artist) - samakatuwid, ang bawat pagpipinta ay nakikita bilang isang bagay na natatangi at buhay.
"Pagbabasa sa kawayan" Syubun, 1446.
Sa pagsasalita tungkol sa kahalagahan ng materyal na ito, nararapat na banggitin ang mga sikat na monumento ng panitikang Hapon tulad ng "Mga Tala sa Headboard" ni Sei Shonagon at "Genji Monogotari" ni Murasaki Shikibu: sa parehong "Mga Tala" at "Genji" maaari kang makahanap ng mga plot kapag ang mga courtier o magkasintahan ay nagpapalitan ng mensahe ... Ang papel kung saan isinulat ang mga mensaheng ito ay may angkop na panahon, lilim, at paraan ng pagsulat ng teksto na tumutugma sa texture nito.
"Murasaki Shikibu sa Ishiyama Shrine" ni Kyoshen
Magsipilyo- ang pangalawang bahagi ay ang pagpapatuloy ng kamay ng master (muli, ito ay likas na materyal). Samakatuwid, ang mga brush ay ginawa din upang mag-order, ngunit kadalasan ng artist mismo. Kinuha niya ang mga buhok ng kinakailangang haba, pinili ang laki ng brush at ang pinaka komportableng pagkakahawak. Ang master ay nagsusulat lamang gamit ang kanyang sariling brush at walang iba. (Mula sa Personal na karanasan: ay nasa master class ng Chinese artist na si Jiang Shilun, hiniling sa audience na ipakita kung ano ang magagawa ng kanyang mga estudyante na naroroon sa master class, at bawat isa sa kanila, na kumukuha ng master's brush, ay nagsabi na hindi ito gagana. kung ano ang inaasahan nila, dahil ang brush ay hindi sa kanila, hindi sila sanay dito at hindi alam kung paano gamitin ito ng tama).
"Fuji" ink sketch ni Katsushika Hokusai
Mascara- pangatlo mahalagang elemento... Mangyayari ang mascara iba't ibang uri: pagkatapos ng pagpapatayo, maaari itong magbigay ng isang makintab o matte na epekto, maaari itong ihalo sa pilak o ocher shade, kaya ang tamang pagpili ng mascara ay hindi rin mahalaga.
Yamamoto Baytsu, pagtatapos ng XVIII- siglo XIX.
Ang mga pangunahing paksa ng pagpipinta ng monochrome ay mga landscape. Bakit walang kulay sa kanila?
Twin screen na "Pines", Hasegawa Tohaku
Una, ang Japanese artist ay hindi interesado sa paksa mismo, ngunit sa kakanyahan nito, isang tiyak na sangkap na karaniwan sa lahat ng nabubuhay na bagay at humahantong sa pagkakaisa sa pagitan ng tao at kalikasan. Samakatuwid, ang imahe ay palaging isang pahiwatig, ito ay tinutugunan sa ating mga pandama, at hindi sa paningin. Ang understatement ay isang stimulus para sa dialogue, na nangangahulugang koneksyon. Ang mga linya at mga spot ay mahalaga sa imahe - nabuo ang mga ito masining na wika... Hindi ito ang kalayaan ng master, na nag-iwan ng isang matabang tugaygayan kung saan niya gusto, ngunit sa ibang lugar, sa kabaligtaran, ay hindi nagpinta nito - lahat ng nasa larawan ay may sariling kahulugan at kahulugan, at hindi nagtataglay ng random na karakter. .
Pangalawa, ang kulay ay palaging nagdadala ng ilang uri ng emosyonal na pangkulay at iba ang nakikita. ng iba't ibang tao sa iba't ibang mga estado, samakatuwid, ang emosyonal na neutralidad ay nagbibigay-daan sa manonood na pinaka sapat na pumasok sa isang dialogue, upang itapon siya sa pang-unawa, pagmumuni-muni, pag-iisip.
Pangatlo, ito ang pakikipag-ugnayan ng yin at yang, anumang pagpipinta ng monochrome ay magkatugma sa mga tuntunin ng ratio ng tinta at hindi nagalaw na lugar ng papel.
Bakit hindi ginagamit ang karamihan sa espasyo ng papel?
"Landscape" Syubun, kalagitnaan ng ika-15 siglo.
Una, ilulubog ng walang laman na espasyo ang tumitingin sa larawan; pangalawa, ang imahe ay nilikha na parang sandaling lumutang sa ibabaw at malapit nang mawala - ito ay dahil sa pananaw sa mundo at pananaw sa mundo; pangatlo, sa mga lugar kung saan walang tinta, ang texture at lilim ng papel ay nauuna (hindi ito palaging nakikita sa mga reproductions, ngunit sa katunayan ito ay palaging ang pakikipag-ugnayan ng dalawang materyales - papel at tinta).
Sesshu, 1446
Bakit landscape?
"Contemplation of the Falls" ni Geiami, 1478.
Ayon sa pananaw sa mundo ng mga Hapon, ang kalikasan ay mas perpekto kaysa sa tao, kaya dapat siyang matuto mula rito, pangalagaan ito sa lahat ng posibleng paraan, at huwag sirain o pasakop ito. Samakatuwid, sa maraming mga landscape maaari kang makakita ng mga maliliit na larawan ng mga tao, ngunit ang mga ito ay palaging hindi gaanong mahalaga, maliit na may kaugnayan sa landscape mismo, o mga larawan ng mga kubo na nakasulat sa nakapalibot na espasyo at hindi kahit na palaging nakikita - lahat ito ay mga simbolo ng ang pananaw sa mundo.
"Seasons: Autumn and Winter" Sesshu. "Landscape" Sesshu, 1481
Sa konklusyon, gusto kong sabihin na ang monochrome Japanese na pagpipinta ay hindi chaotically splashed tinta, ito ay hindi isang kapritso ng inner ego ng artist - ito ay buong sistema mga imahe at simbolo, ito ay isang imbakan ng pilosopikal na pag-iisip, at higit sa lahat, isang paraan ng komunikasyon at pagkakasundo ng sarili at ng mundo sa paligid natin.
Narito, sa palagay ko, ang mga sagot sa mga pangunahing tanong na lumitaw sa manonood kapag nahaharap sa monochrome Japanese painting. Umaasa ako na matutulungan ka nilang maunawaan ito nang tama at madama ito kapag nagkita kayo.
Hapon klasikal na pagpipinta ay may mahaba at kawili-wiling kwento... Ang sining ng Japan ay kinakatawan sa iba't ibang istilo at mga genre, na ang bawat isa ay natatangi sa sarili nitong paraan. Ang mga sinaunang pininturahan na pigurin at geometric na motif na matatagpuan sa mga bronze dotaku bells at pottery shards ay nagmula noong 300 AD.
Budismo na oryentasyon sa sining
Sa Japan, ang sining ng pagpipinta sa dingding ay mahusay na binuo; noong ika-6 na siglo, ang mga imahe sa tema ng pilosopiya ng Budismo ay lalong popular. Noong panahong iyon, ang mga malalaking templo ay itinayo sa bansa, at ang kanilang mga dingding ay pinalamutian sa lahat ng dako ng mga fresco na ipininta sa mga paksa ng mga alamat at alamat ng Budista. Hanggang ngayon, ang mga sinaunang halimbawa ng mga wall painting ay napanatili sa Horyuji Temple malapit sa Japanese city ng Nara. Ang mga fresco ni Horyuji ay naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay ng Buddha at iba pang mga diyos. Ang artistikong istilo ng mga mural na ito ay napakalapit sa pictorial concept na sikat sa China noong panahon ng Song dynasty.
Ang estilo ng pagpipinta ng Dinastiyang Tang ay nakakuha ng partikular na katanyagan sa kalagitnaan ng panahon ng Nara. Ang mga fresco na natagpuan sa libingan ng Takamatsuzuka ay nagmula sa panahong ito, na itinayo noong mga ika-7 siglo AD. Ang masining na pamamaraan, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng Dinastiyang Tang, sa kalaunan ay naging batayan ng genre ng pagpipinta ng kara-e. Ang genre na ito ay nanatiling popular hanggang sa lumitaw ang mga unang gawa sa istilong Yamato-e. Karamihan sa mga fresco at mga obra maestra ng pagpipinta ay nabibilang sa mga sikat ng hindi kilalang mga may-akda; ngayon, marami sa mga gawa ng panahong iyon ay itinago sa Sesoin Treasury.
Ang lumalagong impluwensya ng mga bagong Buddhist na paaralan tulad ng Tendai ay nakaimpluwensya sa isang malawak na oryentasyong panrelihiyon. sining biswal Japan noong ika-8 at ika-9 na siglo. Noong ika-10 siglo, na nakakita ng isang espesyal na pag-unlad sa Japanese Buddhism, lumitaw ang genre ng raigodzu, "welcome paintings", na naglalarawan sa pagdating ng Buddha sa Western Paradise. Ang mga unang halimbawa ng raigozu na itinayo noong 1053 ay makikita sa Bedo-in Temple, na napanatili sa Uji City, Kyoto Prefecture.
Pagbabago ng mga istilo
Sa kalagitnaan ng panahon ng Heian, pinalitan istilong Tsino Ang kara-e ay ang genre ng yamato-e, na sa mahabang panahon ay naging isa sa pinakasikat at hinahangad na mga genre ng Japanese painting. Ang bagong istilo ng pagpipinta ay pangunahing inilapat sa pagpipinta ng mga natitiklop na screen at mga sliding door. Sa paglipas ng panahon, lumipat ang yamato-e sa mga pahalang na emakimono scroll. Sinubukan ng mga artista na nagtatrabaho sa genre ng emaki na ihatid sa kanilang mga gawa ang lahat ng emosyonalidad ng napiling balangkas. Binubuo ang Genji Monogatari Scroll ng ilang episode na pinagsama-sama, ang mga artist noong panahong iyon ay gumagamit ng mabilis na mga stroke at maliliwanag at nagpapahayag na mga kulay.
Ang E-maki ay isa sa pinakamatanda at pinakakilalang halimbawa ng otoko-e, ang genre ng mga larawan ng mga lalaki. Ang mga larawan ng mga kababaihan ay itinatangi bilang isang hiwalay na genre onna-e. Mayroong medyo makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng mga genre na ito, sa katunayan, pati na rin sa pagitan ng mga lalaki at babae. Ang estilo ng onna-e ay makulay na ipinakita sa disenyo ng Tale of Genji, kung saan ang mga pangunahing tema ng mga guhit ay kinabibilangan ng mga romantikong plot, mga eksena mula sa buhay ng korte. Ang lalaking estilo ng otoko-e ay higit sa lahat ay isang masining na paglalarawan ng mga makasaysayang labanan at iba pa mahahalagang pangyayari sa buhay ng imperyo.
Ang klasikal na paaralang sining ng Hapon ay naging matabang lupa para sa pagbuo at pagsulong ng mga ideya kontemporaryong sining Japan, kung saan ang impluwensya ng pop culture at anime ay medyo malinaw na sinusubaybayan. Isa sa pinakasikat Mga artistang Hapones Ang pagiging makabago ay maaaring tawaging Takashi Murakami, na ang gawain ay nakatuon sa paglalarawan ng mga eksena mula sa buhay ng Hapon panahon pagkatapos ng digmaan at ang konsepto ng maximum merge sining at mainstream.
Kabilang sa mga sikat na Japanese artist ng classical na paaralan, ang mga sumusunod ay maaaring pangalanan.
Tense Shubun
Nagtrabaho si Shubun sa simula ng ika-15 siglo, na naglaan ng maraming oras sa pag-aaral ng mga gawa ng mga Chinese masters ng panahon ng Dinastiyang Song, ang taong ito ay tumayo sa pinagmulan ng mga Hapon. magandang genre... Si Shubun ay itinuturing na tagapagtatag ng istilong sumi-e, monochrome ink painting. Gumawa siya ng maraming pagsisikap na gawing popular ang bagong genre, na ginawa itong isa sa mga nangungunang direksyon ng pagpipinta ng Hapon. Ang mga estudyante ni Syubun ay marami na kalaunan ay naging mga sikat na artista, kasama si Sesshu at ang nagtatag ng sikat na art school na Kano Masanobu. Maraming mga landscape ang iniugnay sa pagiging may-akda ni Syubun, ngunit ang kanyang pinakatanyag na gawa ay tradisyonal na itinuturing na Reading in a Bamboo Grove.
Ogata Korin (1658-1716)
Si Ogata Korin ay isa sa mga pinakadakilang artista sa kasaysayan ng pagpipinta ng Hapon, ang nagtatag at isa sa pinakamaliwanag na kinatawan ng istilo ng rimp art. Si Korin sa kanyang mga gawa ay matapang na lumayo mula sa tradisyonal na mga stereotype, na bumubuo ng kanyang sariling istilo, ang mga pangunahing katangian na kung saan ay maliliit na anyo at matingkad na impresyonismo ng balangkas. Si Corinne ay kilala sa kanyang espesyal na kasanayan sa paglalarawan ng kalikasan at pagtatrabaho sa mga abstract na komposisyon ng kulay. Ang "Plum Blossom in Red and White" ay isa sa mga pinakasikat na gawa ni Ogata Korin, kilala rin ang kanyang mga painting na "Chrysanthemums", "Waves of Matsushima" at marami pang iba.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Si Tohaku ang nagtatag ng Japanese art school na Hasegawa. Para sa maagang panahon pagkamalikhain Tohaku ay nailalarawan sa pamamagitan ng impluwensya ng sikat na paaralan ng Japanese painting 
Kano, ngunit sa paglipas ng panahon ay nakabuo na ang artista ng kanyang kakaibang istilo. Sa maraming paraan, ang gawain ni Tohaku ay naimpluwensyahan ng mga gawa ng kinikilalang master na si Sesshu, itinuring pa nga ni Hosegawa ang kanyang sarili na ikalimang kahalili ng dakilang master na ito. Natanggap ang pagpipinta ni Hasegawa Tohaku na "The Pines". tanyag sa mundo, na kilala rin sa kanyang mga gawa na "Maple", "Pines and flowering plants" at iba pa.
Kano Eitoku (1543-1590)
Ang istilo ng paaralang Kano ay nangingibabaw sa visual arts sa Japan sa loob ng halos apat na siglo, at ang Kano Eitoku ay marahil ang isa sa pinakasikat at kilalang kinatawan ng paaralang ito ng sining. Si Eitoku ay tinatrato ng mabuti ng mga awtoridad, ang pagtangkilik ng mga aristokrata at mayayamang patron ay hindi maaaring mag-ambag sa pagpapalakas ng kanyang paaralan at ang katanyagan ng mga gawa nito, walang alinlangan, isang napakatalentadong artista. Ang "Cypress" sliding eight-panel screen, na ipininta ni Eitoku Kano, ay isang tunay na obra maestra at isang matingkad na halimbawa ng saklaw at kapangyarihan ng istilong Monoyama. Ang iba pang mga gawa ng master ay mukhang hindi gaanong kawili-wili, tulad ng "Mga Ibon at Puno ng Apat na Panahon", "Mga Leyon ng Tsino", "Mga Hermit at Diwata" at marami pang iba.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai - pinakadakilang master genre ukiyo-e (gupit ng Hapon). Natanggap ang pagkamalikhain ni Hokusai pagkilala sa mundo, ang kanyang katanyagan sa ibang mga bansa ay hindi maihahambing sa kasikatan ng karamihan sa mga artistang Asyano, ang kanyang gawa " Isang malaking alon sa Kanagawa "ay naging parang business card Japanese fine arts sa world art scene. Sa kanyang malikhaing paraan Gumamit si Hokusai ng higit sa tatlumpung pseudonym, pagkaraan ng animnapu't itinalaga ng artist ang kanyang sarili sa sining at sa pagkakataong ito ay itinuturing na pinakamabungang panahon ng kanyang trabaho. Naimpluwensyahan ng trabaho ni Hokusai ang gawain ng mga master ng Western Impressionist at Post-Impresionist, kabilang ang gawain ni Renoir, Monet at van Gogh.
Ang bawat bansa ay may sariling mga bayani ng kontemporaryong sining, na ang mga pangalan ay kilala, na ang mga eksibisyon ay nagtitipon ng mga madla ng mga tagahanga at mausisa, at ang mga gawa ay nakakalat sa mga pribadong koleksyon.
Sa artikulong ito, ipapakilala namin sa iyo ang pinakasikat mga kontemporaryong artista Hapon.
Keiko Tanabe
Ipinanganak sa Kyoto Keiko, bilang isang bata, siya ay nanalo ng marami mga paligsahan sa sining, ngunit mataas na edukasyon hindi natanggap sa lahat sa larangan ng sining. Nagtrabaho sa departamento ugnayang pandaigdig sa Japanese self-government trade organization sa Tokyo, sa isang malaking law firm sa San Francisco at sa isang pribadong consulting firm sa San Diego, naglakbay nang malawakan. Nagbitiw siya sa kanyang trabaho noong 2003 at, nang natutunan niya ang mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta ng watercolor sa San Diego, itinalaga niya ang kanyang sarili nang eksklusibo sa sining.
Ikenaga Yasunari
Ang Japanese artist na si Ikenaga Yasunari ay nagpinta ng mga larawan modernong kababaihan sinauna tradisyon ng Hapon pagpipinta gamit ang Menso brush, mineral pigment, carbon black, ink at linen bilang base. Ang kanyang mga karakter ay mga babae sa ating panahon, ngunit salamat sa istilong Nihonga, naramdaman ng isang tao na dumating sila sa amin mula pa noong una.
Abe Toshiyuki
Si Abe Toshiyuki ay isang realist artist na ganap na nakabisado ang watercolor technique. Si Abe ay maaaring tawaging isang artista-pilosopo: karaniwang hindi siya nagpinta ng mga kilalang landmark, mas pinipili ang mga subjective na komposisyon na sumasalamin panloob na estado ang taong nanonood sa kanila.
Hiroko Sakai
Ang karera ni Hiroko Sakai bilang isang artista ay nagsimula noong unang bahagi ng 90s sa lungsod ng Fukuoka. Matapos makapagtapos mula sa Seinan Gakuin University at Nihon French School of Interior Design in Design and Visualization, itinatag niya ang Atelier Yume-Tsumugi Ltd. at matagumpay na pinamamahalaan ang studio na ito sa loob ng 5 taon. Marami sa kanyang mga gawa ang nagpapalamuti sa mga lobby ng mga ospital, mga opisina ng malalaking korporasyon at ilang mga munisipal na gusali sa Japan. Pagkatapos lumipat sa Estados Unidos, nagsimulang magpinta si Hiroko sa mga langis.
Riusuke Fukahori
Ang three-dimensional na gawa ni Riusuki Fukahori ay parang holograms. Natupad ang mga ito pinturang acrylic, superimposed sa ilang mga layer, at isang transparent na likido ng dagta - lahat ng ito, hindi kasama ang mga tradisyonal na pamamaraan tulad ng pagguhit ng mga anino, paglambot sa mga gilid, pagkontrol sa transparency, ay nagpapahintulot kay Riusuki na lumikha ng mga sculptural painting at nagbibigay ng lalim at pagiging totoo sa kanyang mga gawa.
Natsuki Otani
Si Natsuki Otani ay isang mahuhusay na Japanese illustrator na naninirahan at nagtatrabaho sa England.
Makoto Muramatsu
Pumili ng win-win theme si Makoto Muramatsu bilang batayan ng kanyang sining - gumuhit siya ng mga pusa. Ang kanyang mga larawan ay sikat sa buong mundo, lalo na sa anyo ng mga puzzle.
Tetsuya Mishima
Karamihan sa mga painting ng kontemporaryong Japanese artist na si Mishima ay gawa sa mga langis. Siya ay propesyonal na nakikibahagi sa pagpipinta mula noong 90s, sa kanyang account ng ilan mga personal na eksibisyon at isang malaking bilang ng mga kolektibong eksibisyon, parehong Hapon at dayuhan.
Kamusta, mahal na mga mambabasa- mga naghahanap ng kaalaman at katotohanan!
Ang mga artista ng Hapon ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang natatanging istilo, na hinahasa ng mga henerasyon ng mga artista. Ngayon sasabihin namin sa iyo ang tungkol sa mga pinakakilalang kinatawan ng pagpipinta ng Hapon at ang kanilang mga pagpipinta, mula sa sinaunang panahon hanggang sa modernong panahon.
Buweno, sumabak tayo sa sining ng Land of the Rising Sun.
Ang pagsilang ng sining
Ang sinaunang sining ng pagpipinta sa Japan ay pangunahing nauugnay sa mga kakaiba ng pagsulat at samakatuwid ay itinayo sa mga pundasyon ng kaligrapya. Kasama sa mga unang sample ang mga fragment ng bronze bell, pinggan, at gamit sa bahay na natagpuan sa panahon ng paghuhukay. Marami sa kanila ay pininturahan ng natural na mga tina, at ang pananaliksik ay nagmumungkahi na ang mga produkto ay ginawa nang mas maaga kaysa sa 300 BC.
Nagsimula ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng sining sa pagdating sa Japan. Sa emakimono - mga espesyal na scroll na gawa sa papel - mga imahe ng mga diyos ng pantheon ng Budismo, inilapat ang mga plot mula sa buhay ng Guro at ng kanyang mga tagasunod.
Ang pamamayani ng mga relihiyosong tema sa pagpipinta ay maaaring masubaybayan sa medyebal na Japan, ibig sabihin, mula ika-10 hanggang ika-15 siglo. Naku, hanggang ngayon ay hindi pa rin nabubuhay ang mga pangalan ng mga artista noong panahong iyon.
Sa panahon ng ika-15-18 siglo, nagsisimula ang isang bagong panahon, na nailalarawan sa pamamagitan ng paglitaw ng mga artista na may isang binuo indibidwal na istilo... Itinalaga nila ang vector karagdagang pag-unlad sining biswal.
Maliwanag na kinatawan ng nakaraan
Tense Shubun (unang bahagi ng ika-15 siglo)
Upang maging isang natatanging master Pinag-aralan ni Xiubun ang pamamaraan ng pagsulat ng mga Song artist ng China at ang kanilang trabaho. Kasunod nito, naging isa siya sa mga tagapagtatag ng pagpipinta sa Japan at ang lumikha ng sumi-e.
Sumi-e - estilo ng sining, na batay sa pagguhit ng tinta, na nangangahulugang isang kulay.
Maraming ginawa si Shubun bagong istilo Nag-ugat sa mga artistikong lupon. Nagturo siya ng sining sa iba pang mga talento, kabilang dito ang kinabukasan mga sikat na pintor, halimbawa Sesshu.
Ang pinaka sikat na pagpipinta Ang Shubuna ay tinatawag na "Reading in the Bamboo Grove."
Reading in the Bamboo Grove ni Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Siya ay naging tagapagtatag ng isang paaralan na pinangalanan sa kanyang sarili - Hasegawa. Noong una, sinubukan niyang sundin ang mga canon ng paaralang Kano, ngunit unti-unting natunton ang kanyang indibidwal na "sulat-kamay" sa kanyang mga gawa. Ang Tohaku ay ginabayan ng mga graphic ni Sesshu.
Ang batayan ng trabaho ay binubuo ng simple, laconic, ngunit makatotohanang mga tanawin na may mga simpleng pangalan:
- "Pines";
- "Maple";
- "Mga Pine at Namumulaklak na Halaman".
"The Pines", Hasegawa Tohaku
Magkapatid na Ogata Korin (1658-1716) at Ogata Kenzan (1663-1743)
Ang magkapatid ay mahusay na mga manggagawa Ika-18 siglo. Ang panganay, si Ogata Korin, ay buong-buo na nakatuon sa kanyang sarili sa pagpipinta at itinatag ang rimp genre. Iniwasan niya ang mga stereotypical na imahe, mas pinipili ang impresyonistang genre.
Ipininta ni Ogata Korin ang kalikasan sa pangkalahatan at ang mga bulaklak sa partikular na ningning ng mga abstraction. Ang kanyang mga brush ay nabibilang sa mga kuwadro na gawa:
- "Plum blossom pula at puti";
- "Mga alon ng Matsushima";
- "Mga krisantemo".
"Waves of Matsushima" ni Ogata Korin
Ang nakababatang kapatid na lalaki - si Ogata Kenzan - ay may maraming pseudonyms. Kahit na siya ay nakikibahagi sa pagpipinta, mas sikat siya bilang isang kahanga-hangang ceramist.
Si Ogata Kenzan ay bihasa sa maraming pamamaraan para sa paglikha ng mga keramika. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi pamantayang diskarte, halimbawa, lumikha siya ng mga plato sa anyo ng isang parisukat.
Ang kanyang sariling pagpipinta ay hindi nakilala sa kagandahan - ito rin ang kanyang tampok. Mahilig siyang mag-apply ng calligraphy sa mga produkto tulad ng scroll o mga sipi mula sa tula. Minsan ay nagtutulungan sila ng kanilang kapatid.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Nagtrabaho siya sa istilong ukiyo-e - isang uri ng woodcut, sa madaling salita, pagpipinta ng ukit. Para sa lahat ng oras ng pagkamalikhain, binago niya ang tungkol sa 30 mga pangalan. Sikat na gawain- "The Great Wave off Kanagawa", salamat sa kung saan siya ay naging tanyag sa labas ng kanyang sariling bayan.
The Great Wave off Kanagawa ni Hokusai Katsushika
Nagsimulang magtrabaho nang husto si Hokusai pagkatapos ng 60 taon, na nagdulot ng magagandang resulta. Si Van Gogh, Monet, Renoir ay pamilyar sa kanyang trabaho, at sa isang tiyak na lawak naimpluwensyahan nito ang mga gawa ng mga European masters.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Isa sa pinakadakilang mga artista ika-19 na siglo. Ipinanganak, nanirahan, nagtrabaho sa Edo, ipinagpatuloy ang gawain ng Hokusai, ay inspirasyon ng kanyang mga gawa. Ang paraan ng paglalarawan niya sa kalikasan ay halos kasing-kapansin-pansin sa bilang ng mga gawa mismo.
Edo - dating pangalan Tokyo.
Narito ang ilang mga figure tungkol sa kanyang trabaho, na kinakatawan ng isang cycle ng mga painting:
- 5.5 libo - ang bilang ng lahat ng mga ukit;
- “100 Views of Edo;
- "36 view ng Fuji";
- "69 na istasyon ng Kisokaido";
- "53 istasyon ng Tokaido".
Pagpinta ni Ando Hiroshige
Kapansin-pansin, ang natitirang Van Gogh ay nagpinta ng ilang kopya ng kanyang mga kopya.
Modernidad
Takashi Murakami
Pintor, iskultor, taga-disenyo ng fashion, nakakuha siya ng isang pangalan sa pagtatapos ng ika-20 siglo. Sa kanyang trabaho, sumunod siya sa mga uso sa fashion na may mga elemento ng mga klasiko, at kumukuha ng inspirasyon mula sa mga anime at manga cartoons.
Pagpinta ni Takashi Murakami
Ang mga gawa ni Takashi Murakami ay itinuturing na subculture, ngunit ang mga ito ay hindi kapani-paniwalang sikat. Halimbawa, noong 2008, ang isa sa kanyang mga gawa ay binili sa isang auction para sa higit sa $ 15 milyon. Sa isang pagkakataon, ang modernong tagalikha ay nagtrabaho kasama ang mga fashion house na "Marc Jacobs" at "Louis Vuitton".
Tycho Asima
Isang kasamahan ng nakaraang artist, siya ay lumilikha ng mga modernong surreal na pagpipinta. Inilalarawan nila ang mga tanawin ng mga lungsod, mga kalye ng megalopolises at mga nilalang na parang mula sa ibang uniberso - mga multo, masasamang espiritu, mga dayuhang batang babae. Sa background ng mga kuwadro na gawa, madalas mong makikita ang malinis, kung minsan kahit na nakakatakot na kalikasan.
Ang kanyang mga pintura ay umaabot sa malalaking sukat at bihirang limitado sa papel na media. Ang mga ito ay inilipat sa katad, mga plastik na materyales.
Noong 2006, bilang bahagi ng isang eksibisyon sa kabisera ng Britanya, isang babae ang lumikha ng humigit-kumulang 20 arched structures na sumasalamin sa kagandahan ng kanayunan at lungsod, araw at gabi. Pinalamutian ng isa sa kanila ang istasyon ng metro.
Hoy Arakawa
Ang binata ay hindi matatawag na isang artista lamang sa klasikal na kahulugan ng salita - lumilikha siya ng mga pag-install na napakapopular sa sining ng ika-21 siglo. Ang mga tema ng kanyang mga eksibisyon ay tunay na Hapones at may kinalaman sa pakikipagkaibigan, gayundin ang gawain ng buong koponan.
Ang Hey Arakawa ay madalas na lumalahok sa iba't ibang mga biennial, halimbawa, sa Venice, ay ipinakita sa isang museo ng modernong sining sa kanyang tinubuang-bayan, at karapat-dapat na tumanggap ng iba't ibang uri ng mga parangal.
Ikenaga Yasunari
Nagawa ng modernong pintor na si Ikenaga Yasunari na pagsamahin ang dalawang bagay na tila hindi magkatugma: ang buhay ng mga batang babae ngayon sa anyo ng portrait at ang mga tradisyonal na pamamaraan ng Japan mula noong unang panahon. Sa kanyang trabaho, ang pintor ay gumagamit ng mga espesyal na brush, natural na pigmented na pintura, tinta, at uling. Sa halip na ang karaniwang linen - linen na tela.
Pagpinta ni Ikenaga Yasunari
Ang isang katulad na diskarte sa kaibahan ng itinatanghal na panahon at hitsura ang mga pangunahing tauhang babae ay nagbibigay ng impresyon na sila ay bumalik sa atin mula sa nakaraan.
Sikat sa kamakailang mga panahon sa komunidad ng Internet, isang serye ng mga painting tungkol sa pagiging kumplikado ng buhay ng isang buwaya ay nilikha din ng Japanese cartoonist na si Keigo.
Konklusyon
Kaya, pagpipinta ng Hapon nagmula sa paligid ng ika-3 siglo BC, at nagbago ng malaki mula noon. Ang mga unang larawan ay inilapat sa mga keramika, pagkatapos ay nagsimulang manginig ang mga motibo ng Budismo sa sining, ngunit ang mga pangalan ng mga may-akda ay hindi nakaligtas hanggang sa araw na ito.
Sa panahon ng modernong panahon, ang mga master ng brush ay nakakuha ng higit at higit na sariling katangian, na nilikha iba't ibang direksyon, mga paaralan. Ang mga sining ngayon ay hindi limitado sa tradisyonal na pagpipinta - ginagamit ang mga installation, cartoon, artistikong eskultura, at mga espesyal na istruktura.
Maraming salamat sa iyong pansin, mahal na mga mambabasa! Inaasahan namin na nakita mong kapaki-pakinabang ang aming artikulo, at ang mga kuwento tungkol sa buhay at gawain ng pinakamaliwanag na kinatawan ng sining ay nagbigay-daan sa iyo na mas makilala sila.
Siyempre, mahirap sabihin sa isang artikulo ang tungkol sa lahat ng mga artista mula noong unang panahon hanggang sa modernong panahon. Samakatuwid, hayaan itong maging unang hakbang tungo sa kaalaman ng Japanese painting.
At sumali sa amin - mag-subscribe sa blog - sabay-sabay nating pag-aralan ang Budismo at ang kultura ng Silangan!
Kung sa tingin mo ang lahat ng magagaling na artista ay nasa nakaraan na, kung gayon wala kang ideya kung gaano ka mali. Sa artikulong ito, matututunan mo ang tungkol sa pinakasikat at mga mahuhusay na artista pagiging makabago. At, maniwala ka sa akin, ang kanilang mga gawa ay lulubog sa iyong memorya nang hindi gaanong malalim kaysa sa mga gawa ng maestro mula sa mga nakaraang panahon.
Wojciech Babski
Si Wojciech Babski ay isang kontemporaryong Polish na pintor. Nagtapos siya sa Silesian Polytechnic Institute, ngunit iniugnay ang kanyang sarili sa. Kamakailan lamang, higit sa lahat ay babae ang kanyang ginuguhit. Nakatuon sa pagpapahayag ng mga damdamin, nagsusumikap na makuha ang pinakamalaking posibleng epekto sa pamamagitan ng simpleng paraan.
Mahilig sa kulay, ngunit madalas na gumagamit ng mga kulay ng itim at kulay abo para sa pinakamagandang karanasan. Hindi natatakot na mag-eksperimento sa iba't ibang mga bagong pamamaraan. Kamakailan, ito ay nakakakuha ng higit at higit na katanyagan sa ibang bansa, higit sa lahat sa UK, kung saan matagumpay nitong naibenta ang mga gawa nito, na makikita na sa maraming pribadong koleksyon. Bilang karagdagan sa sining, interesado siya sa kosmolohiya at pilosopiya. Nakikinig ng jazz. Kasalukuyan siyang nakatira at nagtatrabaho sa Katowice.
Warren chang
Warren Chung - moderno artistang Amerikano... Ipinanganak noong 1957 at lumaki sa Monterey, California, nagtapos siya ng cum laude mula sa Art Center College of Design sa Pasadena noong 1981 na may Bachelor of Fine Arts sa larangan. Sa susunod na dalawang dekada, nagtrabaho siya bilang isang ilustrador para sa iba't ibang kumpanya sa California at New York bago magsimula ng karera bilang isang propesyonal na artista noong 2009.
Ang kanyang makatotohanang mga kuwadro na gawa ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing kategorya: biographical interior painting at mga kuwadro na naglalarawan sa mga nagtatrabahong tao. Ang kanyang interes sa istilong ito ng pagpipinta ay nag-ugat sa gawa ng 16th century artist na si Jan Vermeer, at umaabot sa mga bagay, self-portraits, portrait ng mga miyembro ng pamilya, kaibigan, estudyante, studio, silid-aralan at interior ng bahay. Ang layunin nito ay upang makatotohanang mga pagpipinta lumikha ng mood at damdamin sa pamamagitan ng pagmamanipula ng liwanag at paggamit ng mga naka-mute na kulay.
Naging tanyag si Chang pagkatapos lumipat sa tradisyonal na visual arts. Sa nakalipas na 12 taon, nakakuha siya ng maraming mga parangal at parangal, na ang pinakaprestihiyoso ay ang Master Signature mula sa Oil Painters Association of America, ang pinakamalaking komunidad ng mga oil painters sa United States. Isang tao lamang sa 50 ang pinarangalan ng pagkakataong makatanggap ng parangal na ito. Kasalukuyang nakatira si Warren sa Monterey at nagtatrabaho sa kanyang studio at nagtuturo (kilala bilang isang mahuhusay na tagapagturo) sa San Francisco Academy of Arts.
Aurelio bruni
Aurelio Bruni - artistang Italyano... Ipinanganak sa Blair, 15 Oktubre 1955. Nagtapos na may degree sa stage design mula sa Institute of Art sa Spoleto. Bilang isang artista, siya ay nagtuturo sa sarili, habang siya ay nakapag-iisa na "nagtayo ng isang bahay ng kaalaman" sa pundasyon na inilatag sa paaralan. Nagsimula siyang magpinta sa mga langis sa edad na 19. Kasalukuyan siyang nakatira at nagtatrabaho sa Umbria.
Ang unang bahagi ng pagpipinta ni Bruni ay nag-ugat sa surrealismo, ngunit sa paglipas ng panahon ay nagsisimula siyang tumuon sa kalapitan ng liriko na romantikismo at simbolismo, na pinahusay ang kumbinasyong ito sa pinong pagiging sopistikado at kadalisayan ng kanyang mga karakter. Ang mga animated at walang buhay na bagay ay nakakakuha ng pantay na dignidad at hitsura, halos, hyperrealistic, ngunit, sa parehong oras, hindi sila nagtatago sa likod ng isang kurtina, ngunit pinapayagan kang makita ang kakanyahan ng iyong kaluluwa. Ang versatility at sophistication, sensuality at loneliness, thoughtfulness and fruitfulness ay ang diwa ni Aurelio Bruni, na pinapakain ng karilagan ng sining at ng pagkakatugma ng musika.
Alekasander Balos
Si Alkasandr Balos ay isang kontemporaryong Polish na artist na dalubhasa sa oil painting. Ipinanganak noong 1970 sa Gliwice, Poland, ngunit mula noong 1989 ay nakatira at nagtatrabaho sa Estados Unidos, sa Shasta, California.
Bilang isang bata, nag-aral siya ng sining sa ilalim ng gabay ng kanyang ama na si Jan, isang self-taught artist at sculptor, kaya na may maagang edad, nakatanggap ng buong suporta ang mga masining na pagsisikap mula sa parehong mga magulang. Noong 1989, sa edad na labing-walo, umalis si Balos sa Poland patungo sa Estados Unidos, kung saan siya guro sa paaralan at part-time artist na si Katie Gaggliardi ang nag-udyok kay Alkasandra na pumasok sa art school. Pagkatapos ay nakatanggap si Balos ng isang buong scholarship mula sa Unibersidad ng Milwaukee Wisconsin, kung saan nag-aral siya ng pagpipinta kasama ang propesor ng pilosopiya na si Harry Rosin.
Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral noong 1995 at makuha ang kanyang bachelor's degree, lumipat si Balos sa Chicago upang pumasok sa isang fine arts school na ang mga pamamaraan ay batay sa pagkamalikhain. Jacques-Louis David... Matalinghagang realismo at pagpipinta ng portrait gawa sa karamihan gawa ni Balos noong dekada 90 at unang bahagi ng 2000s. Ngayon ay ginagamit ni Balos ang pigura ng tao upang i-highlight ang mga kakaiba at ipakita ang mga pagkukulang ng pagkakaroon ng tao, habang hindi nag-aalok ng anumang mga solusyon.
Ang mga komposisyon ng balangkas ng kanyang mga kuwadro na gawa ay inilaan upang malayang bigyang-kahulugan ng manonood, pagkatapos lamang ay makukuha ng mga canvases ang kanilang tunay na temporal at subjective na kahulugan. Noong 2005, lumipat ang artist sa Northern California, mula noon ang saklaw ng kanyang trabaho ay lumawak nang malaki at kasama na ngayon ang higit pang mga libreng pamamaraan ng pagpipinta, kabilang ang abstraction at iba't ibang istilo ng multimedia na tumutulong sa pagpapahayag ng mga ideya at mithiin ng pagiging sa pamamagitan ng pagpipinta.
Mga monghe ni Alyssa
Si Alyssa Monks ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak siya noong 1977 sa Ridgewood, New Jersey. Nagsimula siyang magkaroon ng interes sa pagpipinta noong bata pa siya. Nag-aral sa New School sa New York at Pambansang Unibersidad Montclair, at pagkatapos makapagtapos noong 1999 mula sa Boston College, nakatanggap ng bachelor's degree. Kasabay nito, nag-aral siya ng pagpipinta sa Lorenzo Medici Academy sa Florence.
Pagkatapos ay ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa programa para sa master's degree sa New York Academy of Art, sa Department of Figurative Art, nagtapos noong 2001. Nagtapos siya sa Fullerton College noong 2006. Sa loob ng ilang panahon ay nagturo siya sa mga unibersidad at institusyong pang-edukasyon sa buong bansa, ay nagturo ng pagpipinta sa New York Academy of Art, pati na rin sa Montclair State University at Lyme Art Academy College.
"Sa pamamagitan ng paggamit ng mga filter tulad ng salamin, vinyl, tubig at singaw, pinipihit ko katawan ng tao... Nagbibigay-daan sa iyo ang mga filter na ito na lumikha malalaking lugar abstract na disenyo, na may mga isla ng kulay na sumisilip sa kanila - mga bahagi ng katawan ng tao.
Binago ng aking mga kuwadro na gawa ang makabagong pananaw sa mga nakatatag na, tradisyonal na pustura at kilos ng mga babaeng naliligo. Marami silang masasabi sa isang matulungin na manonood tungkol sa mga bagay na tila nakikita sa sarili gaya ng mga benepisyo ng paglangoy, pagsayaw, at iba pa. Ang aking mga character ay pinindot laban sa salamin ng shower window, distorting sariling katawan, napagtatanto na sa gayo'y naiimpluwensyahan nila ang kilalang tingin ng lalaki sa isang hubad na babae. Ang makapal na layer ng pintura ay pinaghalo upang gayahin ang salamin, singaw, tubig at laman mula sa malayo. Gayunpaman, ang mga kamangha-manghang pisikal na katangian ay nagiging maliwanag sa malapitan. pintura ng langis... Sa pamamagitan ng pag-eksperimento sa mga layer ng pintura at kulay, nakahanap ako ng isang sandali kung saan ang mga abstract stroke ay naging iba.
Noong una kong sinimulan ang pagpinta sa katawan ng tao, agad akong nabighani at nahumaling pa dito at naniwala na kailangan kong gawing makatotohanan ang aking mga pagpipinta hangga't maaari. Ako ay "nagpahayag" ng pagiging totoo hanggang sa nagsimula itong maglahad at magbunyag ng mga kontradiksyon sa sarili nito. Ngayon ay tinutuklasan ko ang mga posibilidad at potensyal ng paraan ng pagpipinta, kung saan nagtatagpo ang representasyonal na pagpipinta at abstraction - kung ang parehong mga estilo ay maaaring magkasabay na mabuhay, gagawin ko.
Antonio Finelli
Italyano na artista - " Tagabantay ng oras”- Si Antonio Finelli ay ipinanganak noong 23 Pebrero 1985. Siya ay kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Italya sa pagitan ng Roma at Campobasso. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa ilang mga gallery sa Italya at sa ibang bansa: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, at maaari rin silang matagpuan sa pribado at pampublikong mga koleksyon.
Mga guhit na lapis" Tagabantay ng oras”Dinadala tayo ni Antonio Finelli sa isang walang hanggang paglalakbay kapayapaan sa loob temporality ng tao at nauugnay dito ang isang masusing pagsusuri sa mundong ito, ang pangunahing elemento nito ay ang paglipas ng panahon at ang mga bakas na inilalagay nito sa balat.
Si Finelli ay nagpinta ng mga larawan ng mga tao sa anumang edad, kasarian at nasyonalidad, na ang mga ekspresyon ng mukha ay nagpapatotoo sa paglipas ng panahon, inaasahan din ng artist na makahanap ng katibayan ng kalupitan ng oras sa mga katawan ng kanyang mga karakter. Tinukoy ni Antonio ang kanyang mga gawa sa pamamagitan ng isang pangkalahatang pamagat: "Self-portrait", dahil sa kanyang mga guhit na lapis ay hindi lamang niya inilalarawan ang isang tao, ngunit pinapayagan ang manonood na pag-isipan ang mga tunay na resulta ng paglipas ng oras sa loob ng isang tao.
Flaminia carloni
Si Flaminia Carloni ay isang 37 taong gulang na artistang Italyano, anak ng isang diplomat. Mayroon siyang tatlong anak. Siya ay nanirahan sa Roma sa loob ng labindalawang taon, sa England at France sa loob ng tatlong taon. Nakatanggap ng degree sa art history mula sa BD School of Art. Pagkatapos ay nakatanggap siya ng isang diploma bilang isang tagapagbalik ng mga gawa ng sining. Bago mahanap ang kanyang bokasyon at ganap na italaga ang kanyang sarili sa pagpipinta, nagtrabaho siya bilang isang mamamahayag, colorist, designer, at artista.
Nagkaroon ng hilig si Flaminia sa pagpipinta noong bata pa siya. Ang pangunahing daluyan niya ay langis dahil mahilig siya sa “coiffer la pate” at pinaglalaruan din ang materyal. Natutunan niya ang isang katulad na pamamaraan sa mga gawa ng artist na si Pascal Torua. Ang Flaminia ay inspirasyon ng mga mahuhusay na pintor tulad nina Balthus, Hopper, at François Legrand, pati na rin ang iba't ibang artistikong paggalaw: street art, Chinese realism, surrealism at Renaissance realism. Ang kanyang paboritong artista ay si Caravaggio. Ang kanyang pangarap ay matuklasan ang therapeutic power ng sining.
Denis Chernov
Denis Chernov - may talento Ukrainian artist, ay ipinanganak noong 1978 sa Sambor, rehiyon ng Lviv, Ukraine. Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Kharkov paaralan ng sining noong 1998 nanatili siya sa Kharkov, kung saan siya kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho. Nag-aral din siya sa Kharkov akademya ng estado disenyo at sining, graphics department, nagtapos noong 2004.
Siya ay regular na nakikilahok sa mga eksibisyon ng sining, sa sa sandaling ito higit sa animnapu sa kanila ang naganap, kapwa sa Ukraine at sa ibang bansa. Karamihan sa mga gawa ni Denis Chernov ay nakatago sa mga pribadong koleksyon sa Ukraine, Russia, Italy, England, Spain, Greece, France, USA, Canada at Japan. Ang ilan sa mga gawa ay naibenta kay Christie's.
Gumagana si Denis sa isang malawak na hanay ng mga graphic at mga diskarte sa pagpipinta... Ang mga guhit na lapis ay isa sa kanyang mga paboritong pamamaraan ng pagpipinta, ang listahan ng mga paksa para sa kanyang mga guhit na lapis ay napaka-magkakaibang, nagsusulat siya ng mga landscape, portrait, hubad, mga komposisyon ng genre, mga ilustrasyon ng libro, pampanitikan at makasaysayang pagbabagong-tatag at pantasya.
