يعود تاريخ المسرح إلى اليونان القديمة منذ أكثر من ألفي عام. نشأ الفن الأقدم كترفيه مذهل للجمهور، ومشاهد احتفالية للممثلين بالملابس. تم توقيت العروض في الأصل لتتزامن مع عيد ديونيسيوس العظيم - وهو عطلة دينية كبرى.

الآن أصبح المسرح بلا شك أكثر من مجرد موكب من المغنين الذين يرتدون جلود الماعز عبر المدينة. هو اصبح فن راقيوسيلة للاسترخاء للمجتمع الراقي، مكان للتنوير الثقافي. يعد تاريخ المسرح عملية تطور رائعة تستمر حتى يومنا هذا. سنقول للقارئ هذا في مقالتنا. ستجد أيضًا العديد من الحقائق المثيرة للاهتمام في المواد المقدمة. لذلك، دعونا نبدأ.

يبدأ

في أثينا في القرن الخامس قبل الميلاد. ه. كانت العروض المسرحية جزءًا لا يتجزأ من الأعياد الدينية. كانت المواكب مع تمثال ديونيسوس مصحوبة بترانيم مبهجة وألعاب درامية. يمكننا القول أن تاريخ المسرح الأثيني بدأ كأداء للهواة كمية صغيرةالمتفرجين. في البداية، تم تنظيم المآسي فقط، وتم عرض الكوميديا ​​في وقت لاحق. من الجدير بالذكر أن المسرحيات عادة ما يتم عرضها مرة واحدة فقط. وقد حفز هذا المؤلفين على إنشاء أعمال ذات صلة ومثيرة للاهتمام. لم يكتب الكاتب المسرحي المسرحية فحسب، بل كان مشاركا كاملا في الأداء، ولعب أدوار المخرج والملحن ومصمم الرقصات وحتى الممثل. وبطبيعة الحال، كان هؤلاء الناس موهوبين للغاية.

ولكن لكي تصبح Choreg (مدير الجوقة)، لم تكن هناك حاجة إلى موهبة كبيرة. كل ما كانوا بحاجة إليه هو المال والعلاقات مع المسؤولين الحكوميين. كانت المسؤولية الرئيسية لـ choregas هي دفع الفواتير كاملة دعم ماديوالدعم المسرحي. في تلك الأيام كان مكانًا للمنافسة، وكان الفائزون هم الكوريجاس والشاعر والبطل. تم تتويج الفائزين باللبلاب ومنحهم الجوائز. تم منحهم النصر بقرار من هيئة المحلفين.

حقيقة مثيرة للاهتمام هي أن الرومان القدماء كانوا معجبين حقيقيين بالواقعية. كان الإنتاج الذي لعب فيه الممثل الدور بنسبة 100٪ مثاليًا - إذا لزم الأمر، كان عليه أن يكون مستعدًا حتى للموت.

لم يكن للمسرح اليوناني سقف، بل كان المتفرجون والممثلون في الواقع في الشارع. كان حجم المسارح القديمة هائلاً، حيث استوعبت من 17 إلى 44 ألف شخص. في البداية، تم استخدام المنصات الخشبية لجلوس المتفرجين، ثم تم تكييف المنحدرات الحجرية الطبيعية للمسرح. وعندها فقط، في القرن الرابع قبل الميلاد. هـ، تم بناء مسرح حجري.

من المحتمل أن تكون مهتمًا بمعرفة أن الحكومة، بدءًا من بريكليس، منحت الفرصة لزيارة المسرح وتجربة الجمال حتى للمواطنين المحرومين ماليًا. ولتحقيق ذلك، تم منح الجميع إعانة لزيارة واحدة للمسرح، وبعد ذلك لثلاث زيارات.

قصة المسرح القديملديه واحد ميزة مميزة: الممثلون لعبوا أدوارهم دون مساعدة تعابير وجوههم. تم استبداله بجميع أنواع الأقنعة، وغالبًا ما تكون بشعة جدًا. أولى الممثل اهتمامًا كبيرًا بحركات الجسم والملابس. حتى أن الممثلين كانوا رجالاً أدوار نسائية. لقد احتلوا مكانة متميزة في المجتمع وتم إعفاؤهم من الضرائب.

حقيقة مثيرة للاهتمام هي أن ليفيوس أندرونيكوس، الكاتب المسرحي الروماني القديم، أصبح والد أول "تسجيل صوتي" في العالم. لقد تُرك بلا صوت، لكنه خرج من الموقف بإيجاد صبي يتحدث نيابة عنه.

بعض مصطلحات المسرح القديم

لقد نجت العديد من التعريفات المستخدمة في المسارح القديمة حتى يومنا هذا. فيما يلي قاموس صغير للمصطلحات من العصور القديمة:

• الأوركسترا عبارة عن جزء مستدير من المسرح له مدخلين مخصص لأداء الجوقات الدرامية والغنائية. وفي مسرح أثينا كان قطره 24 مترا.
• سكينا هو مكان لتغيير الملابس. في الأصل كانت خيمة بسيطة، ثم تم دمجها مع شظايا زخرفةمشاهد، على سبيل المثال، الخلفية.
• بروسكينيوم - صف أعمدة أمام الجلد.
• الباراسكينيوم – ملحقات الحجر الجانبي.
• المسرح عبارة عن منطقة مرتفعة فوق الأوركسترا، حيث بدأ الممثلون بالعزف في العصور القديمة المتأخرة.
• Ekkiclema عبارة عن منصة متنقلة مصنوعة من الخشب تسمح لك بتغيير مشهد الحركة وتحريك الممثلين حول المسرح.
• Koturny - أحذية ذات نعال عالية تشبه الركائز. وبمساعدة هذه الأحذية، أصبح الممثلون أطول وأكثر إثارة للإعجاب ويشبهون المخلوقات الأسطورية.

والحقيقة الرائعة هي أنه في روما تم نطق عبارة "Finita la Comedia" لأول مرة.

الدمى في عالم المسرح

يعود تاريخ مسرح العرائس إلى مصر، حيث استخدم الكهنة دمية للإله أوزوريس لأداء طقوس. في البداية، كان مسرح العرائس طقوسًا بحتة، لكن الآن تلاشت الدلالة الدينية. توجد مسارح العرائس الطقسية الشهيرة في العديد من البلدان: اليابان ("بونراكو")، وإندونيسيا ("وايانغ")، وكاتالونيا ("إل باستوريس")، وبيلاروسيا ("باتليكا") وغيرها.

في تاريخ مسرح العرائس في أمريكا، يبرز مسرح تم إنشاؤه عام 1962 تحت اسم "الخبز والدمى". ويتميز بدمى ورقية عملاقة، وإيحاء سياسي واضح، وقطعة من الخبز اللذيذ عند المدخل. هذا التفاعل بين الممثلين والمتفرجين رمزي: يجب أن يكون الفن المسرحي قريبًا من الناس قدر الإمكان.

الدمى تأتي بأحجام ومظاهر مختلفة. هناك دمى الأصابع والقفازات، ودمى القصب واللوح، والدمى والدمى العملاقة. إن كونك ممثلًا لمسرح الدمى ليس بالأمر السهل، لأنك يجب أن تكون قادرًا على إعادة الحياة إلى شيء غير حي، وإعطائه شخصية وصوتًا.

السمة المميزة لأي مسرح عرائس هي السخرية من شيء ما، ووجود الأخلاق، والعنصر التعليمي في التمثيليات. بغض النظر عن عمر مشاهد مسرح الدمى، فلن يجد هناك ما يضحك عليه فحسب، بل سيجد أيضًا شيئًا للتفكير فيه. غالبًا ما يكون الأبطال في مسرح الدمى شخصيات غير جذابة وحتى قبيحة، على سبيل المثال، البوليشينيل الفرنسي ذو الأنف المعقوف.

من المحتمل أن تكون مهتمًا بمعرفة أن الممثلين ليسوا دائمًا أغنياء. في تاريخ مسرح العرائس الأمريكي، هناك حقائق تفيد بأن رواد المسرح يمكنهم مشاهدة الإنتاج مقابل الطعام.

دراما

يعود تاريخ المسرح الدرامي إلى العصور القديمة. وهذا أحد أشكال الفن، إلى جانب مسرح العرائس، والتمثيل الإيمائي، والأوبرا، والباليه. السمة المميزة الرئيسية للمسرح الدرامي هي أن تصرفات الممثل يتم دمجها مع الكلمات التي يتحدث بها. يتم إيلاء اهتمام خاص لخطاب المسرح في هذا النوع من النوع. أساس الأداء الدرامي هو المسرحية. في عملية التمثيل، من الممكن الارتجال، وقد يشمل العمل الرقص والغناء. يعتمد الأداء على عمل أدبي. المترجم الرئيسي للمسرحية أو السيناريو هو المخرج.

ومن اللافت للنظر أن العاملين في المسرح يعتقدون أن إسقاط السيناريو ليس بالأمر الجيد. إذا حدثت هذه المشكلة، يجب عليك بالتأكيد الجلوس عليها.

ظهور التقاليد المسرحية المحلية

ينقسم تاريخ المسرح في روسيا إلى مراحل:

• الأولي ("مرح")
• متوسط.
• ناضجة.

مرحلة مرحة

كما هو الحال في روما القديمة، بدأ تاريخ المسرح في روسيا كنشاط غير خطير تماما. كانت العروض المسرحية تسمى "المرح" والعروض تسمى "الألعاب". يعود أول ذكر تاريخي للمهرجين إلى عام 1068. في الواقع، يمكن لأي شخص أن يصبح مثل هذا الممثل الذي يسلي الجمهور. من وجهة نظر دينية، كانت أنشطة المهرجين مخزية. في السجلات يطلق عليهم عبيد الشيطان، والسخرية والهجاء والمومياء تسمى خطايا. لم ترحب الكنيسة بالهجاء الحاد، لكن هذا لم يمنع أحدًا حقًا.

كما لم يعتبر التهريج فنًا يرضي السلطات، بل على العكس من ذلك، فإن الموضوعات الاجتماعية الحادة للمسرحيات الهزلية والسخرية من أوجه القصور الحديثة جعلت الممثلين خطرين وضارين. لكن الناس أحبوا مشاهدة عروض المهرجين والضحك عليها. ومع ذلك، ينبغي أن يكون مفهوما أن المسرح الكلاسيكي كما نعرفه الآن لم ينمو من هذه التمثيليات الهزلية، بل كان مستقلا عنها، بل على الرغم منها.

المرحلة المتوسطة

المرحلة التالية في تاريخ المسرح الروسي هي المرحلة المتوسطة بين المرحة والناضجة. في هذه المرحلة، رجل البلاط و المسارح المدرسية. في ذلك الوقت، حكم القيصر أليكسي ميخائيلوفيتش، وكان الممثلون في مسرح المحكمة من الأجانب، وكان الممثلون في المسرح المدرسي طلابًا. بعد وفاة أليكسي ميخائيلوفيتش، تم تعليق نشاط مسرح المحكمة حتى وصول بيتر الأول إلى السلطة، وكان لديه موقف إيجابي تجاه "النظارات"، ولكن بالإضافة إلى الترفيه، أصبح يتمتع أيضًا بوظيفة دعائية. وفي عام 1702 ظهر مسرح عام للجماهير. كان المبنى يسمى "معبد الكوميديا"، حيث قدمت العروض فرقة ألمانية. ولم يقبل الناس هذا المسرح. على الرغم من أن بيتر الأول لم يحقق هدفه، إلا أنه لم يجعل المسرح مكانًا مفضلاً للناس، ويمكن الوصول إليه وشعبيًا، لكنه وضع كل المتطلبات الأساسية اللازمة لذلك.

مرحلة ناضجة في تاريخ الفن المسرحي

هذه الفترة في تاريخ إنشاء المسرح في روسيا هي الأهم. في هذه المرحلة، بدأ المسرح في اكتساب تلك السمات المألوفة لدى الأشخاص المعاصرين وتشكل مجتمعًا محترفًا جادًا. في 30 أغسطس 1756، أعطيت البداية، وهي افتتاح المسرح الإمبراطوري. نفس التاريخ هو يوم تأسيس مسرح ألكسندرينسكي في سانت بطرسبرغ. حدث هذا في عهد إليزافيتا بتروفنا.

كانت إحدى سمات المسرح في ذلك الوقت هي المشاركة المتزامنة لكل من الروس و الفنانين الأجانب. في هذه المرحلة، تم تكليف أداء الأدوار لأول مرة ليس فقط للرجال، ولكن أيضا للنساء. تعلق كاثرين الثانية أهمية كبيرة على المسرح، حيث كانت هناك ثلاث فرق في سانت بطرسبرغ، وتم إنفاق مبلغ رائع من المال على تطوير هذه الصناعة.

بالإضافة إلى تطوير الدولة، اهتمت كاثرين أيضا بالمسارح الخاصة للنبلاء، على سبيل المثال، كان هناك مسرح شيريميتيف، فولكونسكي، روميانتسيف. حتى في المقاطعات تم إنشاء فرق ملاك الأراضي الخاصة بهم. تم بناء المسرح الروسي، أي العروض نفسها، وفقًا لنماذج زملائهم الفرنسيين. كان رئيس مدرسة التمثيل الفرنسية I. A. Dmitrevsky، الذي قام بتدريب أكثر من جيل من الممثلين الرائعين.

هل كنت تعلم؟

ونقدم للقارئ المزيد حقائق ممتعةمن تاريخ الفن المسرحي .

في الوقت الذي كان فيه بوشكين على قيد الحياة، لم تكن المسارح في روسيا مكتملة الحركة. كانت الصفوف الخلفية مليئة بالأشخاص الذين يقفون على أقدامهم طوال العرض بأكمله.

من المسرحيات التاريخية في تاريخ الفن المسرحي الروسي مسرحية "The Minor" للمخرج D. I. Fonvizin، والتي أصبحت أول محاولة للسخرية من المسؤولين والنبلاء والشخصيات النموذجية في القرن الثامن عشر. ستارودوما ( شخصية إيجابية) أول من لعب كان دميتريفسكي المذكور أعلاه.

في عام 1803، تم تقسيم المسارح الإمبراطورية. دراماتيكية و فرقة موسيقيةوالأوبرا والباليه كأجزاء من المسرحية الموسيقية. استمرت هيمنة مدرسة العزف الفرنسية على المسرح الروسي حتى القرن التاسع عشر. عندها وقف المسرح الروسي أخيرًا وسار في طريقه الخاص. أصبحت التجربة المعتمدة قاعدة جيدة، واكتشاف الملحنين والممثلين والراقصين الروس الموهوبين الجدد رفع المسرح إلى مستوى عالٍ.

كان P. N. Arapov أول من وصف تاريخ المسرح الروسي بأكمله في موسوعة واحدة - "سجلات المسرح الروسي". ظهرت المجلات المسرحية والنقاد المحترفين. وهكذا، أعطى تطور المسرح زخما للأدب الروسي، من بين أمور أخرى.

المسرح الأكثر شهرة في موسكو

يبدأ تاريخ مسرح البولشوي في 28 مارس 1776. وفي مثل هذا اليوم في موسكو، وقعت الإمبراطورة كاثرين الثانية "امتيازًا" للأمير بيتر أوروسوف، مما يسمح له بالحفاظ على المسرح لمدة عشر سنوات. كان يطلق عليه في البداية مسرح بتروفسكي (تكريما للشارع الذي يواجه المدخل). في عام 1805، احترق المبنى بالكامل، وقام المهندس المعماري أوسيب بوف بإنشائه مشروع جديد. في عام 1820، بدأ البناء، واستمر 5 سنوات.

أصبح المسرح الذي تم بناؤه أكبر ولهذا سمي بهذا الاسم. جلب هذا المبنى الجميل والمتناغم والغني البهجة لسكان موسكو حتى عام 1853، عندما وقع الحريق الثاني. هذه المرة عُهد بإعادة الإعمار إلى المهندس المعماري ألبرت كافوس. تم ترميم المسرح عام 1856. أصبح مسرح البولشوي الإمبراطوري مشهورا ليس فقط في روسيا، ولكن أيضا في العالم: كان لديه صوتيات ممتازة. في عام 1917 بعد الثورة، تم تغيير الاسم إلى مسرح الدولة البولشوي. تم استكمال الزخرفة بالرموز السوفيتية.

لقد أصيب بجروح خطيرة خلال الحرب الوطنية العظمى عندما أصيب بقنبلة. تم إعادة بناء المبنى مرة أخرى. حتى عام 1987، خضع المبنى لإصلاحات تجميلية طفيفة فقط. الآن مسرح البولشوي عبارة عن مبنى به مشهد جديدحيث يمكنك استخدام التأثيرات الحديثة. وفي الوقت نفسه، احتفظت بروح العمارة الكلاسيكية وصوتياتها "المميزة"، مما يمنحها الحق في اعتبارها واحدة من أفضل المسارح في العالم. هذا هو تاريخ مسرح البولشوي.

وأخيرا، هناك حقيقة أخرى لا تقل إثارة للاهتمام. الأفلام التي تدور أحداثها كليًا أو جزئيًا في المسرح: Birdman، The Disaster Artist، La La Land، The Phantom of the Opera، Burlesque Tales، Knockout، Stumbling on Broadway، Black-ish Swan، "The Puppeteer"، "A Terrible Big Adventure". "،" شكسبير في الحب "،" جريمة قتل في بلدة صغيرة "،" Quai Orfevre ".

سيستمر تاريخ المسرح (الدراما والأنواع الأخرى من هذا الفن) في التطور، حيث ظل الاهتمام به دون تغيير لأكثر من ألفي عام.

لأي احد الإنسان المعاصرأصبحت المسارح جزءًا لا يتجزأ من الترفيه الثقافي المخطط له. وكثيرون مهتمون بتاريخ المسرح، لأنه كانت هناك فترة لم تكن فيها مسارح؟ ومن الصعب أن نتذكر متى حدث ذلك، لأن المسارح الأولى ظهرت في المجتمعات البدائية.

في تلك الأوقات البعيدة، لم يفهم الناس بعد سبب هطول المطر، ولماذا أصبح الجو باردًا فجأة، وما الخطأ الذي ارتكبوه أمام الله عز وجل، حتى أرسل الثلج أو المطر الغزير. حتى لا يهددهم شيء، حاولوا إجراء طقوس مسرحية قبل كل حدث مهم. أتاحت لنا المعلومات حول مثل هذه الأحداث الفرصة لفهم كيف ظهر المسرح ولماذا تم إيلاء هذا الاهتمام له.

من البدائية إلى الحداثة

المسرح البدائي، بطبيعة الحال، لم يكن كذلك الإنتاجات الحديثة. لم يكن هناك حديث عن الاحتراف أو الموهبة هنا - فقد حاول الناس تصوير الأحداث بالطريقة التي يشعرون بها، ووضع أرواحهم وكل تجاربهم في كل حدث. لقد اعتقدوا بصدق أنه كلما تمكنوا من تمثيل إخلاصهم بشكل عاطفي أكثر، كلما كان الحصاد أفضل، على سبيل المثال. كل هذا كان مصحوبًا بالموسيقى والأغاني المرتجلة.

وفي وقت لاحق، في مكان ما في الألفية الثالثة قبل الميلاد. وفي مصر، تم بالفعل تقديم عروض مسرحية أكثر تنظيماً حول رعاة الحرفيين والمزارعين. أصبحت اليونان مسقط رأس عروض الكرنفال، والتي تم تنظيمها بشكل رئيسي في الهواء الطلق. كانت المسارح الشعبية شائعة هنا. كان على الممثلين دائمًا تقريبًا ارتداء الأقنعة.

عصر النهضة - خلال هذه الفترة، تم تنظيم العروض الكوميدية بشكل رئيسي. تم عقدهم في ساحات المدينة، وتجمع الكثير من الناس لمشاهدة المشهد.

في مكان ما في نهاية القرن السادس عشر. - في بداية القرن السابع عشر، عرف العالم عن الأوبرا، وفي وقت لاحق فقط، بحلول منتصف القرن الثامن عشر، ظهر الباليه، ولم تظهر الأوبريتات الأولى إلا في منتصف القرن التاسع عشر.

إنتاجات السنوات الماضية اليوم

نتحدث عن مسرح القرنين الثامن عشر والتاسع عشر، نتحدث بالفعل عن العروض والإنتاج الذي شارك فيه الممثلون الموهوبون. لقد تم عرضها على خشبة المسرح وكانت هياكل المسرح نفسها مختلفة جذريًا عن الهياكل البدائية وعصر النهضة. لذلك، منذ نهاية القرن التاسع عشر، جاء إلينا الإنتاج الرائع لباليه "كسارة البندق". سواء في تلك الأيام أو الآن لم تكن متاحة للجميع. ويرجع ذلك بالطبع إلى الشعبية الكبيرة والمتزايدة باستمرار للإنتاج. إذا كان في السابق مجرد عدد قليل مختار من السيدات والسادة النبلاء يستطيعون تحمل تكلفة مثل هذا الترف مثل المسرح، فقد أصبحوا اليوم متاحين للجميع. على الرغم من الضجيج المحيط بالتذاكر، يواصل الناس البحث عن طرق بديلة لشراء التذاكر. لذلك، على سبيل المثال، يمكنك طلبها على موقعنا. سيوفر لك هذا من قوائم الانتظار والمواقف غير السارة غير المتوقعة.

اليوم اكتسب المسرح شكلاً مختلفًا. لقد أصبح رمزا وفخرا في كل بلد. المجموعات المعمارية والتصميم الزخرفي والقاعات الفسيحة وصور الشعراء المشهورين والمخرجين ومبدعي المسرح، كقاعدة عامة، تزين القاعة دائمًا. على المشهد الحديثكثيرا ما نرى العروض التي تم تقديمها لأول مرة في عهد القيصر. نعم، لقد خضعوا لبعض التعديلات، وربما تم إجراء المزيد على بعضها أحداث حقيقيةوفي مكان ما قرر المديرون الفنيون إضافة مرافقة موسيقية، والجمع بين الأوبرا والباليه. ولكن، مع ذلك، فإن هذا يؤكد مرة أخرى أن المسرح كان موجودا دائما في الماضي، وفي المستقبل سوف يجذب انتباه المشاهدين، حتى لو تم تقديم أداء القرن الماضي على خشبة المسرح - هذا هو تاريخنا وبالنسبة للكثيرين هذا هو عنصر مهم في تشكيل الثقافة والتقاليد.

في بعض الأحيان، يقلل الأشخاص المعاصرون من المسرح، مما يجعل اختيارهم لصالح السينما. ومع ذلك، هناك القليل مما يمكن مقارنته بالفن المسرحي. لقد قطع المسرح الروسي شوطا طويلا منذ نشأته حتى حصل على لقب أحد أفضل المسرحيات في العالم. نحن ندعوك لتتذكر معنا تاريخ إنشائها.

في روسيا، بدأ الفن المسرحي في التطور في وقت لاحق بكثير مما كانت عليه في معظم الدول الأوروبية والآسيوية. ولكن في الوقت نفسه، قام المهرجون بجولة في أراضي الاتحاد الروسي الحديث، وقدموا العروض، وكذلك موسيقيو الشوارع الذين يروون الملاحم والأساطير.

المنشئ أولاً،يمكن للمرء أن يقول، يسمى المسرح المهني "رقصة كوميدية"يعتبر من أوائل ملوك السلالة رومانوف أليكسي ميخائيلوفيتش. ومع ذلك، بعد وفاته، قام رجال الكنيسة غير الراضين عن القصر بتدمير المسرح.

خلال نفس الفترة، بدأ ملاك الأراضي الأثرياء في إنشاء مسارحهم الخاصة، والتي أجريت فيها الأقنان. كان الراعي الجاد للمسرح بيتر الأول. حيث الإمبراطور الروسيوطالب بأن يتم تقديم العروض باللغة الروسية وألا تكون "جدية للغاية، وليست مبهجة للغاية، وألا تكون فيها أي علاقات حب، وألا تكون حزينة للغاية".

بعد وفاة بيتر، توقف الفن المسرحي عن دعم الحكام وفقط بعد وصوله إلى السلطة آنا يوانوفناتلقت مرة أخرى الإعانات الحكومية.

تاريخ الخلق مسرح الدولة في روسيا، وفقا لمعظم الخبراء، بدأت مع إنشاء Shlyakhetsky فيلق المتدربينحيث تم تنظيم أول استوديوهات المسرح وتعليم أبناء النبلاء فن التمثيل. في الوقت نفسه، ظهر أول مسرح احترافي في روسيا ياروسلافلعلى أساس فرقة التاجر فيودور فولكوف.

مع الوقت المسرح الروسيتحسنت واكتسبت معجبين من مختلف شرائح السكان.

مسرح البولشوي: تاريخ الخلق

يقع مسرح البولشوي في وسط موسكو، ويحمل بحق عنوان معبد الفنون ومسرح الأوبرا والباليه المشهور عالميًا. يشار إلى أن مسرح البولشوي له "عيد ميلاد" - مارس 1776 ويناير 1852. ولكن لا يزال التاريخ المقبول عموما هو الأول.

في البداية، تم بناء مسرح البولشوي في ميدان بتروفسكايا وبالتالي حمل اسم بتروفسكي. يعتبر مؤسس المسرح هو الأمير بيوتر فاسيليفيتش أوروسوف، الذي حصل على أعلى إذن من كاثرين الثانية بشأن محتوى الحفلات الموسيقية والعروض المسرحية والحفلات التنكرية.

لسوء الحظ، احترق مسرح بتروفسكي حتى قبل افتتاحه، مما أدى إلى تفاقم وضع أوروسوف بشكل كبير. سلم الأمير الأمور إلى الإنجليزي ميخائيل ميدوكس، الذي كان رفيقه لفترة طويلة. ظل مسرح بتروفسكي في ميدوكس قائمًا لمدة خمسة وعشرين عامًا، احترق خلالها أيضًا بشكل متكرر ونجا من الفيضانات.

ثم، في عام 1821، بدأ تشييد المبنى الأساسي لمسرح البولشوي، الذي صممه أندريه ميخائيلوفاوأوسيبا بوفيه، والتي استمرت أربع سنوات.

منذ ذلك الحين، على الرغم من كل الحروب والحرائق والكوارث الأخرى، ارتفع في قلب العاصمة مسرح من ثمانية أعمدة مع عربة أبولو فوق الرواق، يرمز إلى الحركة الأبدية للحياة والفن.

مبنى مسرح البولشوي لا يقل روعة من الداخل عن الخارج. قاعة من خمس طبقات, مرحلة كبيرة، صوتيات مذهلة، لوحات على السقف، صب الجص المذهب، ثريا كريستال متعددة الطبقات مقاس عملاقوغيرها من روعة زخرفة مسرح البولشوي أذهلت الخيال أكثر من مرة وألهمت الكتاب المسرحيين والممثلين والراقصين والمغنين والملحنين والموسيقيين.

أضاء نجوم راقصات الباليه والمغنين ومصممي الرقصات والموسيقيين والملحنين والممثلين وغيرهم من ممثلي المهن الإبداعية على مسرح البولشوي. بالإضافة إلى ذلك، تعامل كبار الفنانين الأجانب مع عروض الأداء في مسرح البولشوي بخوف خاص.

يعتبر الممثل الأول هو ثيسيبوس اليوناني الذي فاز في مسابقة شعرية على شرف ديونيسوس.

في القرن الثالث قبل الميلاد. ابتكر الرومان، مستوحاة من المسرح اليوناني، نسختهم الخاصة من المسرحيات اليونانية القديمة وبدأوا في أدائها على خشبات المسرح المرتجلة. وكان الممثلون في هذه العروض من العبيد. ولم يُسمح للنساء إلا باللعب أدوار ثانوية. نظرًا لأن المسارح الرومانية كان عليها التنافس لجذب انتباه الجمهور المعتاد على قتال المصارعة والإعدامات العلنية وسباقات العربات، فقد احتوت المسرحيات بشكل متزايد على مشاهد العنف والفكاهة الفظة. ومع انتشار المسيحية، انتهت هذه الأفكار.

ظهور المسرح في العصور الوسطى

في وقت لاحق، بدأ لعب الألغاز خلال الأعياد الدينية الأخرى، حيث تم تقديم قصص كتابية مختلفة.

مسرح النهضة

وفي عام 1576، تم بناء أول مبنى مسرحي في لندن، وقبل ذلك كانت جميع المسرحيات تُعرض في الفنادق، أو في أرض المعارض، أو في وسط قاعات القلاع وبيوت النبلاء. رعت الملكة إليزابيث الأولى ملكة إنجلترا الفنون المسرحية، وفي العصر الذي يحمل اسمها، ظهر أول الكتاب المسرحيين المحترفين، وأشهرهم شكسبير العظيمالممثلون، تقليد استخدام الدعائم وتغيير الأزياء أثناء الأداء. تم تشكيل المسرح الكلاسيكي أخيرًا بحلول منتصف القرن الثامن عشر.

تعتبر دمى ماتريوشكا من الهدايا التذكارية الروسية الأصلية ولذلك تحظى بشعبية كبيرة بين السياح القادمين إلى الاتحاد الروسي من دول مختلفة. الأمر الأكثر إثارة للاهتمام هو حقيقة أن هذه التماثيل الخشبية المرسومة ذات الجمال الأنيق المتداخلة داخل بعضها البعض بعيدة كل البعد عن الجذور الروسية.

أول دمية تعشيش روسية

تم إحضار النموذج الأولي لفتاة روسية مرحة ذات وجه مستدير، مجسدة في دمى التعشيش الكلاسيكية، إلى روسيا من اليابان في بداية القرن التاسع عشر. يتكون التذكار من أرض الشمس من تماثيل خشبية للحكيم الياباني القديم فوكوروما، متداخلة داخل بعضها البعض. لقد تم رسمها وتصميمها بشكل جميل بروح تقاليد بلد الأجداد للدمية المتداخلة الحديثة.

وبمجرد وصولها إلى ورشة الألعاب في موسكو، ألهمت الهدايا التذكارية اليابانية الخراطة المحلية فاسيلي زفيزدوتشكين والفنان سيرجي ماليوتين لإنشاء ألعاب مماثلة. وقام الحرفيون بنحت ورسم أشكال متشابهة متداخلة داخل بعضها البعض. كان أول نظير للتذكار الياباني عبارة عن فتاة ترتدي الحجاب وفستان الشمس، وقد صورت دمى التعشيش اللاحقة أطفالًا مضحكين لطيفين - أولاد وبنات، وفي دمية التعشيش الثامنة الأخيرة تم رسم طفل مقمط. على الأرجح، حصلت على اسمها تكريما للاسم الأنثوي الشائع ماتريونا في ذلك الوقت.

دمى التعشيش سيرجيف بوساد

بعد إغلاق ورشة العمل في موسكو، في عام 1900، بدأ الحرفيون في سيرجيف بوساد في ورشة عمل تدريبية ومظاهرة في صنع دمى التعشيش. انتشر هذا النوع من الحرف الشعبية على نطاق واسع، وظهرت ورش عمل آل بوغويافلينسكي وإيفانوف وفاسيلي زفيزدوتشكين، الذين انتقلوا إلى بوساد من موسكو، في مكان قريب من العاصمة.

بمرور الوقت، اكتسبت هذه اللعبة التذكارية شعبية كبيرة لدرجة أن الأجانب بدأوا في طلبها من الحرفيين الروس: الفرنسيين والألمان وغيرهم. لم تكن دمى التعشيش هذه رخيصة الثمن، ولكن كان هناك شيء يستحق الإعجاب! وأصبحت رسوم هذه الألعاب الخشبية ملونة ومزخرفة ومتنوعة. صور الفنانون فتيات روسيات جميلات يرتدين صندرسات طويلة وأوشحة مطلية، مع باقات من الزهور والسلال والحزم. في بداية القرن العشرين، تم إنشاء الإنتاج الضخم لدمى التعشيش للدول الأجنبية.

في وقت لاحق، ظهرت دمى التعشيش الذكور، على سبيل المثال، تصور الرعاة مع الأنابيب، والعرسان ذوي الشوارب، وكبار السن الملتحين بالعصي، وما إلى ذلك. تم تجميع الألعاب الخشبية وفقًا لمجموعة متنوعة من المبادئ، ولكن كقاعدة عامة، كان النمط مرئيًا دائمًا - على سبيل المثال، تم إقران العرسان دمى ماتريوشكا مع العرائس والأقارب.

دمى ماتريوشكا في مقاطعة نيجني نوفغورود

في منتصف القرن العشرين، انتشرت دمية التعشيش إلى ما هو أبعد من حدود سيرجيف بوساد. لذلك، ظهر الحرفيون في مقاطعة نيجني نوفغورود، الذين صنعوا دمى التعشيش على شكل فتيات طويلات نحيفات يرتدين شالات مشرقة. وقد صنع حرفيو سيرجيف بوساد هذه الألعاب على شكل سيدات شابات أكثر قرفصاء ومتعرجات.

الدمى الحديثة

ولا تزال دمية الماتريوشكا تعتبر أحد رموز الثقافة الروسية. يتم تصنيع دمى التعشيش الحديثة في مجموعة متنوعة من الأنواع: بالإضافة إلى الرسومات الكلاسيكية، فهي تحتوي على صور لشخصيات سياسية مشهورة ومقدمي البرامج التلفزيونية ونجوم السينما والبوب.

يوجد في سيرجيف بوساد، في متحف الألعاب، مجموعات من دمى التعشيش من أساتذة مختلفين في أوائل ومنتصف القرن العشرين، بالإضافة إلى أول دمية مرسومة فنان مشهورسيرجي ماليوتين.

فيديو حول الموضوع

الصراع هو صراع بين الآراء والمصالح ووجهات النظر المتعارضة. وهي مصممة للمساعدة في تلبية الاحتياجات. في حالة الصراعويسعى كل طرف إلى تحقيق هدفه وحل مشاكله.

الأسباب الرئيسية للصراعات الأسرية: - الحاجة غير المرضية لتأكيد الذات؛ - رغبة الزوجين في تحقيق الاحتياجات الشخصية في الزواج؛ - عدم القدرة على التواصل مع بعضهما البعض؛ - الطموحات المادية المفرطة؛ - وجود تضخم في احترام الذات؛ - - التناقض في وجهات النظر حول التعليم - التناقض في الأفكار حول دور الزوج والزوجة والأب والأم وما إلى ذلك؛ - أنواع مختلفة- المزاج؛ - التردد في إجراء الحوار؛ - البرود الجنسي لأحد الزوجين؛ - الغيرة من أحد الزوجين؛ - الزنا؛ - العادات السيئة ويحدد المتخصصون في الإدارة الأسباب التالية للصراعات في الفريق: 1. موارد محدودة. الموارد المادية والمالية والعمالية محدودة دائمًا. وتتمثل مهمة المدير في توزيعها على النحو الأمثل بين الأقسام الهيكلية المختلفة للمنظمة. ولكن بما أن هذا أمر صعب للغاية بسبب الطبيعة التعسفية لمعايير التوزيع، فإن هذه الموارد المحدودة تؤدي حتماً إلى أنواع مختلفة من الصراعات. ترابط المهام. تتكون جميع المنشآت من عناصر مترابطة، أي أن عمل موظف واحد يعتمد على عمل موظف آخر. إذا كان العامل الفردي أو قسم واحد لا يعمل بشكل مناسب، فإن هذا الاعتماد المتبادل يمكن أن يسبب الصراع. الاختلافات في الأفكار والأهداف والقيم. عادة، في الهياكل التنظيمية، مع مرور الوقت، هناك عملية التخصص، أي النشاط في مجال ضيق. ونتيجة لذلك، بدأت التقسيمات الهيكلية السابقة تنقسم إلى وحدات متخصصة أصغر. مثل هذه الهياكل تصوغ أهدافًا جديدة وتبدأ في التركيز على تحقيقها، مما يزيد من احتمالية الصراعات. اختلافات في تجربة الحياةوطريقة السلوك . الناس مختلفون عن بعضهم البعض. هناك شخصيات عدوانية وسلطوية بشكل مفرط وغير مبالية بالآخرين. هؤلاء هم الذين يستفزون في أغلب الأحيان الصراعات. 5. الاختلافات في الخبرة والتعليم ومدة الخدمة والعمر تزيد من احتمالية الاصطدامات. اتصالات سيئة. الحمل الزائد للمعلومات، غير مرضية تعليقتشويه الرسائل. القيل والقال في الفريق يعطي إلحاحًا خاصًا للصراع. يمكن أن تكون بمثابة محفز، والتدخل الموظفين الأفرادفهم الوضع الحقيقي. المشاكل الشائعة الأخرى في نقل المعلومات هي المسؤوليات الوظيفية للموظفين غير الواضحة بشكل كاف وعرض متطلبات العمل الحصرية المتبادلة.

مصادر:

• الصراعات في الفريق: شر أو خير

نصيحة 4: أصل لقبك: كيفية معرفة التاريخ

كل شخص يقدر لقبه. كل شخص يريد عاجلاً أم آجلاً أن يكشف سر أصله. دعونا نتعرف على ما يفعله الخبراء لكشف سر أصل اللقب.

تاريخ المسرح هو عالم الإنسانية

مسرح اليونان القديمة

أصول الدراما والمسرح اليوناني القديم.

لقد سبق ظهور الدراما في اليونان فترة طويلة، احتلت خلالها الملحمة المكانة المهيمنة أولاً، ثم الشعر الغنائي. نعلم جميعًا القصائد الملحمية البطولية الغنية "الإلياذة" و "الأوديسة" والقصائد الملحمية التعليمية (الإرشادية) لهسيود (القرن السابع قبل الميلاد) ؛ هذه أعمال لشعراء غنائيين في القرن السادس. قبل الميلاد.

ترتبط ولادة الدراما والمسرح اليوناني بألعاب طقوسية كانت مخصصة لآلهة الزراعة الراعية: ديميتر وابنتها كور وديونيسوس. من الألعاب الطقسية والأغاني تكريما لديونيسوس، نشأت ثلاثة أنواع من الدراما اليونانية القديمة: المأساة والكوميديا ​​والكوميديا ​​الساتير (سميت على اسم الجوقة المكونة من الساتير).

• عكست المأساة الجانب الخطير للعبادة الديونيزية.
• كوميديا ​​- كرنفال ساخر.
• يبدو أن دراما ساتيروفسكايا هي نوع متوسط. شخصية مرحة ومبهجة نهاية سعيدةتم تحديد مكانها في الأعياد على شرف ديونيسوس: تم عرض الدراما الساتيرية كخاتمة لعرض المآسي.

كان دور الأفكار المأساوية في التعليم الاجتماعي والسياسي والأخلاقي هائلاً. بالفعل في النصف الثاني من القرن السادس قبل الميلاد. لقد وصلت المأساة إلى تطور كبير. يذكر التاريخ القديم أن أول شاعر مأساوي أثيني كان ثيسبيس (القرن السادس قبل الميلاد). تم الإنتاج الأول لمأساته (اسمها غير معروف) في ربيع عام 534 قبل الميلاد. في عيد ديونيسيوس الكبير. ويعتبر هذا العام عام ميلاد المسرح العالمي.

في الكوميديا، أوسع بكثير مما كانت عليه في المأساة، تم خلط الزخارف اليومية مع الأسطورية، والتي أصبحت سائدة تدريجيا أو حتى الوحيدة، على الرغم من أن الكوميديا ​​\u200b\u200bبشكل عام لا تزال تعتبر مخصصة لديونيسوس. كانت التمثيليات المرتجلة شكلاً أوليًا من مسرح المهزلة الشعبية وكانت تسمى التمثيليات الصامتة (تُرجمت كـ "تقليد" و "استنساخ" ؛ وكان يُطلق على فناني هذه التمثيليات أيضًا اسم التمثيل الصامت). كان أبطال التمثيل الصامت عبارة عن أقنعة مسرحية شعبية تقليدية: محارب محتمل، ولص سوق، وعالم دجال، ومغفل يخدع الجميع، وما إلى ذلك.

مسرح أثينا.

وصل الفن المسرحي اليوناني القديم إلى أعلى مستوياته في أعمال ثلاثة فنانين تراجيديين عظماء في القرن الخامس قبل الميلاد - إسخيلوس، وسوفوكليس، ويوريبيدس، والممثل الكوميدي أريستوفانيس، الذي امتد نشاطه إلى بداية القرن الرابع. قبل الميلاد. كما كتب كتاب مسرحيون آخرون في نفس الوقت، لكن لم تصل إلينا سوى مقتطفات صغيرة من أعمالهم، وأحيانًا فقط أسماء ومعلومات هزيلة.

مسرح العصر الهلنستي.

في العصر الهلنستي (القرنين السادس إلى الأول قبل الميلاد)، شهد المسرح اليوناني في العصر الكلاسيكي تغييرات كبيرة فيما يتعلق بالدراما والتمثيل وهندسة مبنى المسرح. ترتبط هذه التغييرات بالظروف التاريخية الجديدة. لا تزال الكوميديا ​​​​والمآسي تُعرض في مسرح العصر الهلنستي. ولكن من مآسي القرن الرابع. قبل الميلاد. لم يتبق سوى شظايا صغيرة، وعلى ما يبدو، الجدارة الفنيةكانت المآسي الهلنستية صغيرة. تتوفر بيانات أكثر بكثير للحكم على الكوميديا، حيث لم تبق سوى مسرحية واحدة وعدة مقتطفات من مسرحيات أخرى لأكبر ممثل كوميدي في ذلك الوقت، ميناندر.

تسمى الكوميديا ​​​​في العصر الهلنستي بالكوميديا ​​​​العلية الجديدة (أو العلية الجديدة). يلعب دافع الحب دورًا كبيرًا في الكوميديا ​​​​الجديدة. استخدم مؤلفو الكوميديا ​​\u200b\u200bالعلية الجديدة على نطاق واسع النظرية النفسية لطالب أرسطو ثيوفراستوس، والتي بموجبها تتجلى جميع سمات الشخصية في مظهر الشخص وفي تصرفاته. لا شك أن الأوصاف الفسيولوجية لثيوفراستوس أثرت على تصميم الأقنعة، مما ساعد المشاهدين على التعرف على هذه الشخصية أو تلك. تأثير يوربيدس ملحوظ في الكوميديا ​​\u200b\u200bالجديدة. قرب العديد من أبطاله من الحياة، والكشف عن تجاربهم العاطفية - هذا ما أخذته الكوميديا ​​\u200b\u200bالجديدة من يوربيدس.

عمارة المسرح اليوناني القديم.

في البداية، تم ترتيب مكان العروض ببساطة شديدة: الجوقة مع هتافاتهم ورقصاتهم تؤدي على أوركسترا منصة مستديرة مدمجة (من الفعل orheomai - "أنا أرقص")، حيث تجمع الجمهور. ولكن بما أن أهمية الفن المسرحي عامة و الحياة الثقافيةاليونان، ومع ازدياد تعقيد الدراما، أصبحت التحسينات ضرورية. اقترحت المناظر الطبيعية الجبلية في اليونان الترتيب الأكثر عقلانية لمنطقة المسرح و مقاعد المتفرجين: بدأت الأوركسترا في التواجد عند سفح التل، وكان الجمهور يقع على طول المنحدر.

كانت جميع المسارح اليونانية القديمة مفتوحة ويمكن أن تستوعب عددًا كبيرًا من المتفرجين. على سبيل المثال، يمكن لمسرح ديونيسوس في أثينا أن يستوعب ما يصل إلى 17 ألف شخص، والمسرح في إبيداوروس - ما يصل إلى 10 آلاف. في القرن الخامس قبل الميلاد. في اليونان، تم تطوير نوع مستقر من هيكل المسرح، وهو سمة من عصر العصور القديمة بأكمله. يتكون المسرح من ثلاثة أجزاء رئيسية: الأوركسترا، والمسرح (مقاعد للمشاهدين، من الفعل تيوماي - "أنا أنظر") وسكيني (سكيني - "خيمة"، فيما بعد هيكل خشبي أو حجري).

تم تحديد حجم المسرح حسب قطر الأوركسترا (من 11 إلى 30 مترًا)، وتم وضع الجلد بشكل عرضي على محيط الأوركسترا. يصور الجدار الأمامي لـ skene-proskenium، والذي عادة ما يكون على شكل صف أعمدة، واجهة المعبد أو القصر. بجوار سكين كان هناك مبنيين جانبيين يسمى باسكينيا. كانت باراسكينيا بمثابة مكان لتخزين المناظر الطبيعية والممتلكات المسرحية الأخرى. بين السكين ومقاعد المتفرجين، التي كانت تشغل ما يزيد قليلاً عن نصف الدائرة، كانت هناك ممرات يدخل من خلالها المتفرجون إلى المسرح قبل بدء العرض، ومن ثم تدخل الجوقة والممثلون إلى الأوركسترا. في مسرح العصر الكلاسيكي، كان اهتمام الجمهور يتركز على تطور العمل، على مصير الأبطال، وليس على المؤثرات الخارجية. يضمن تصميم المسرح اليوناني سماعًا جيدًا. بالإضافة إلى ذلك، في بعض المسارح، تم وضع أوعية رنانة بين مقاعد الجمهور لتضخيم الصوت. لم يكن هناك ستارة في المسرح اليوناني القديم، على الرغم من أنه من الممكن في بعض المسرحيات أن تكون بعض أجزاء المسرح مغلقة مؤقتًا عن الجمهور.

المسرح الروماني

أصول المسرح الروماني.

تعود أصول المسرح والدراما الرومانية، كما في اليونان، إلى الألعاب الطقسية الغنية بالعناصر الكرنفالية. هذا، على سبيل المثال، هو عطلة ساتورناليا - تكريما للإله الإيطالي زحل. كانت خصوصية هذه العطلة هي "عكس" العلاقات الاجتماعية المعتادة: أصبح السادة مؤقتًا "عبيدًا"، وأصبح العبيد "أسيادًا".

أحد أصول المسرح والدراما الرومانية كانت مهرجانات الحصاد الريفية. حتى في الأوقات البعيدة، عندما كانت روما مجتمع صغير من لاتيوم، احتفلت القرى بالعطلات فيما يتعلق بنهاية الحصاد. في هذه العطلات، تم غناء الأغاني البهجة والخشنة. كما هو الحال في اليونان، عادة ما يؤدي اثنان من الكورال نصف النكات ويتبادلان النكات، التي تكون في بعض الأحيان ذات طبيعة لاذعة.

بعد أن نشأت خلال نظام العشيرة، كانت الفسينيون موجودة في القرون اللاحقة، وفيهم، وفقا لهوراس، انعكس الصراع الاجتماعي بين العوام والأرستقراطيين. هكذا نشأت الساتورا (تُرجمت "الخليط"). كانت الساتوراس عبارة عن مشاهد درامية ذات طبيعة يومية وكوميدية، بما في ذلك الحوار والغناء والموسيقى والرقص.

نوع آخر من الأداء الدرامي ذو الطبيعة الكوميدية هو الأتيلان، والتي تم استعارتها من القبائل الأخرى التي تسكن شبه جزيرة أبنين، والتي خاضت معها روما حروبًا مستمرة. أصبح الشباب مهتمين بهذه الألعاب وبدأوا في تنظيمها في أيام العطلات. يضم atellan أربع شخصيات كوميدية دائمة: Makk وBukkon وPapp وDossin. لم يكن لدى Atellans نصًا صعبًا، لذلك كان هناك مجال واسع للارتجال عند أدائها. يعود التمثيل الصامت أيضًا إلى الدراما الشعبية. كما هو الحال في اليونان، أعاد التمثيل الصامت إنتاج مشاهد من الحياة الشعبية، وأحيانًا أساطير ساخرة، مصورًا الآلهة والأبطال على أنهم مهرج. وهكذا، في روما كانت هناك نفس الألعاب الطقوسية تقريبًا كما في اليونان القديمة. لكن تطور المسرح الشعبي لم يتجاوز البدايات الضعيفة للدراما. وهذا ما يفسره أسلوب الحياة الروماني المحافظ والمقاومة القوية للكهنة. لذلك، لم تكن هناك أساطير مستقلة في روما، والتي كانت بمثابة "التربة والترسانة" للفن في اليونان، بما في ذلك الدراما.

المسرح الروماني في العصر الجمهوري.

أخذ الرومان الدراما الأدبية في شكلها النهائي من اليونانيين وترجموها إلى اللاتينية، وقاموا بتكييفها مع مفاهيمهم وأذواقهم. بعد النهاية المنتصرة للحرب البونيقية الأولى، في الألعاب الاحتفالية لعام 240 قبل الميلاد، تقرر تقديم عرض درامي. عُهد بالإنتاج إلى اليوناني ليفيوس أندرونيكوس، الذي استعبده أحد أعضاء مجلس الشيوخ الروماني، وأعطاه الاسم اللاتيني ليفيوس. بعد إطلاق سراحه، بقي في روما وبدأ بتدريس اللغة اليونانية واليونانية لغة لاتينيةأبناء النبلاء الرومان. قدم هذا المعلم مأساة وربما أيضًا كوميديا ​​​​في الألعاب، والتي قام بمراجعتها من النموذج اليوناني أو ربما ترجمها ببساطة من اليونانية إلى اللاتينية. أعطى هذا الإنتاج الزخم الأول لتطوير المسرح الروماني.

من 235 قبل الميلاد يبدأ الكاتب المسرحي Gnaeus Nevius في عرض مسرحياته على المسرح. المعاصر الأصغر لنايفيوس تيتوس ماكيوس بلوتوس. يعود تاريخ عمله إلى الفترة التي كانت فيها روما تتحول من مجتمع زراعي إلى أقوى دولة - في البداية في شبه جزيرة أبنين، ثم في حوض البحر الأبيض المتوسط ​​بأكمله. بوبليوس تيرينس عفر، الذي عمل، مثل بلوتوس، في هذا النوع من Palliata، ينتمي إلى الجيل القادم من الكتاب المسرحيين. يمكن تسمية تيرينس بأنه رائد الدراما الأوروبية الجديدة. تحول المسرح الأوروبي مرارا وتكرارا إلى عمله. إن تأثير أفلامه الكوميدية "Formion" و "Brothers" محسوس في أعمال موليير.

المسرح الروماني في العصر الإمبراطوري.

في القرن الأول قبل الميلاد، سقطت الجمهورية في روما. وبعد اغتيال القيصر والانتصار على أنطونيوس عام 31 ق. أصبح أوكتافيان إمبراطورًا في روما، وحصل بعد ذلك على اللقب الفخري أوغسطس ("المقدس"). لقد فهم أغسطس جيدًا الأهمية الاجتماعية للمسرح وساهم بكل طريقة ممكنة في تطويره. بادئ ذي بدء، أراد أغسطس إحياء مأساة النوع اليوناني على المسرح الروماني، ورؤية وسيلة لتحسين وتعليم أخلاق مواطنيه. هذه التطلعات لأغسطس دعمها أحد الشعراء الرومانيين البارزين، هوراس، وانعكست في كتابه «علم الشعر». ومع ذلك، فإن كل جهود أغسطس لإحياء هذا النوع الجاد على المسرح الروماني لم تنجح.

ولم يصل إلينا من مأساة العصر الإمبراطوري سوى مآسي الفيلسوف سينيكا. كان لوسيوس آنيوس سينيكا مدرسًا للإمبراطور نيرو، وفي وقت من الأوقات شغل أعلى المناصب في الدولة تحت قيادته، ولكن بعد ذلك اتُهم بالتآمر ضد الإمبراطور، وبأمر من نيرو، انتحر بقطع عروقه. بدأ سينيكا في كتابة المآسي في السنوات الأخيرة من حياته، عندما تغير موقف نيرون تجاهه واضطر إلى التعبير عن آرائه بعناية أكبر حول النظام القائم.

تنظيم العروض المسرحية.

أقيمت العروض في روما خلال فترات مختلفة إجازات رسمية. تم عرض المسرحيات في مهرجان الأرستقراطيين - الألعاب الرومانية، التي أقيمت في سبتمبر على شرف كوكب المشتري وجونو ومينيرفا؛ في ألعاب أبولو - في يوليو. لم يكن هناك مبنى مسرح دائم في روما حتى منتصف القرن الأول. قبل الميلاد.؛ عارض مجلس الشيوخ المحافظ بنائه. بالنسبة للعروض، عادة ما يتم إنشاء منصة خشبية نصف ارتفاع الرجل في المنتدى. أدى درج ضيق مكون من 4-5 درجات إلى منطقة المسرح، حيث صعد الممثلون إلى المسرح.

ووقعت المأساة أمام القصر. في الكوميديا، يصور المشهد دائمًا شارعًا في المدينة بواجهات منزلين أو ثلاثة منازل تواجهه، ويتم الحدث أمام المنزل. جلس الجمهور على المقاعد أمام المسرح. لكن في بعض الأحيان، حظر مجلس الشيوخ ترتيب المقاعد في هذه المسارح المؤقتة: كان الجلوس في العروض، في رأي مجلس الشيوخ، علامة على التخنث. انهارت جميع الهياكل المصممة للألعاب المسرحية فور اكتمالها.

كان الحدث بالنسبة لروما هو ظهور أول مسرح دائم مبني من الحجر. تم بناء هذا المسرح عام 55 قبل الميلاد. Gnaeus Pompey الكبير ويمكن أن تستوعب ما يصل إلى 40 ألف شخص. في نهاية القرن الأول. قبل الميلاد. تم بناء مسرحين حجريين آخرين في روما: مسرح بالبوس ومسرح مارسيلوس. ومن الأخير بقيت بقايا الجدار الخارجي المقسم إلى ثلاثة طوابق تتوافق مع الطبقات الداخلية الثلاثة حتى يومنا هذا.

مسرح العصور الوسطى

الدراما الليتورجية وشبه الليتورجية.

كان أحد أشكال الفن المسرحي في أوائل العصور الوسطى هو دراما الكنيسة. في القتال ضد بقايا المسرح القديم، ضد الألعاب الريفية، سعت الكنيسة إلى استخدام فعالية الدعاية المسرحية لأغراضها الخاصة.

بالفعل في القرن التاسع، تم تمثيل القداس، وتم تطوير طقوس قراءة الحلقات من الأساطير حول حياة المسيح ودفنه وقيامته. من هذه الحوارات ولدت الدراما الليتورجية المبكرة. كانت هناك دورتان من هذه الدراما - دورة عيد الميلاد التي تحكي عن ميلاد المسيح، ودورة عيد الفصح التي تحكي قصة قيامته. وفي الدراما الليتورجية الميلادية، تم وضع صليب في وسط الهيكل، ثم لف بمادة سوداء، أي دفن جسد الرب.

بمرور الوقت، تصبح الدراما الليتورجية أكثر تعقيدًا، وتتنوع أزياء «الممثلين»، ويتم إنشاء «تعليمات المخرج» بتعليمات دقيقة للاختبار والحركات. لقد فعل الكهنة أنفسهم كل هذا. اكتسب منظمو العروض الليتورجية خبرة مسرحية وبدأوا في إظهار صعود المسيح ومعجزات الإنجيل الأخرى بمهارة للناس. مع الاقتراب من الحياة واستخدام تأثيرات الإنتاج، لم تعد الدراما الليتورجية تجتذب أبناء الرعية، بل تشتت انتباههم عن الخدمة. لقد أخفى تطور هذا النوع تدميره الذاتي. عدم الرغبة في التخلي عن خدمات المسرح وعدم القدرة على التعامل معها، تقوم سلطات الكنيسة بنقل الدراما الليتورجية من تحت أقواس الكنائس إلى الشرفة. ولدت دراما شبه طقسية. وهنا وقع مسرح الكنيسة، الذي كان رسميا في قوة رجال الدين، تحت تأثير حشد المدينة. وهي الآن تملي عليه أذواقها بالفعل، وتجبره على تقديم العروض في المعارض، وليس في عطلات الكنيسة، والتحول بالكامل إلى لغته الأم التي يفهمها الجمهور. نظرًا لقلقهم من النجاح، بدأ رجال الدين في اختيار المزيد من الموضوعات اليومية، وأصبحت مادة الدراما شبه الليتورجية قصص الكتاب المقدس، خاضعة للتفسير اليومي. تخضع أساطير الكتاب المقدس للمعاملة الشعرية مع مرور الوقت. يتم أيضًا تقديم الابتكارات التقنية: تم أخيرًا إنشاء مبدأ المشهد المتزامن، عندما يتم عرض العديد من مشاهد الحركة في وقت واحد؛ عدد الحيل يزيد. ومع ذلك، على الرغم من كل هذا، استمرت دراما الكنيسة في الحفاظ على اتصال وثيق بالكنيسة. تم عرض الدراما على الشرفة، بأموال الكنيسة، وقد تم تجميع ذخيرتها من قبل رجال الدين (على الرغم من أن المشاركين في العروض، إلى جانب الكهنة والعلمانيين). وبالتالي، فإن الجمع بين العناصر الحصرية بشكل معقد، كانت دراما الكنيسة موجودة لفترة طويلة.

الدراما العلمانية.

بداية الحركة الواقعية

ترتبط البراعم الأولى لحركة واقعية جديدة باسم التروفر (تروبادور) آدم دي لا هالي (حوالي 1238-1287) من مدينة أراس الفرنسية. كان De La Al شغوفًا بالشعر والموسيقى والمسرح. عاش في باريس وإيطاليا (في بلاط تشارلز أنجو) وأصبح معروفًا على نطاق واسع كشاعر وموسيقي وكاتب مسرحي.

في القرن الثالث عشر، غرق تيار الكوميديا ​​بالفعل في مسرح المعجزة، الذي كان موضوعه أيضًا أحداث الحياة، لكنه تحول إلى الدين.

معجزة.

اسم "معجزة" يأتي من الكلمة اللاتينية "معجزة". وبالفعل، تم حل جميع الصراعات، التي تعكس في بعض الأحيان بشكل حاد للغاية تناقضات الحياة، في هذا النوع بفضل تدخل القوى الإلهية - القديس نيكولاس، مريم العذراء، إلخ. الوقت نفسه - القرن الرابع عشر، مليئة بالحروبوالاضطرابات الشعبية والانتقام اللاإنساني - يفسر تطور هذا النوع المثير للجدل مثل المعجزة. ليس من قبيل المصادفة أن المعجزة، التي تبدأ عادةً بصورة تدين الواقع، تنتهي دائمًا بتسوية، وفعل التوبة والغفران، وهو ما يعني عمليًا التصالح مع الفظائع التي تظهر فقط، لأنها تفترض وجود شخص صالح محتمل في كل منهما. الوغد. وهذا يناسب وعي البرغر والكنيسة.

أُحجِيَّة.

كانت ذروة المسرح الغامض في القرنين الخامس عشر والسادس عشر، وهي فترة النمو السريع للمدن وتفاقم التناقضات الاجتماعية. لقد تغلبت المدينة بالفعل إلى حد كبير على التبعية الإقطاعية، لكنها لم تقع بعد تحت حكم الملك المطلق. كان اللغز تعبيراً عن ازدهار مدينة العصور الوسطى وثقافتها. لقد نشأت مما يسمى "ألغاز التقليد" - مواكب المدينة تكريما للأعياد الدينية، تكريما للرحلات الاحتفالية للملوك. من هذه الاحتفالات، تبلور لغز المربع تدريجيًا، باستخدام الخبرة المبكرة لمسرح العصور الوسطى. لم يتم تنظيم العروض الغامضة من قبل الكنيسة، بل من قبل ورش عمل المدينة والبلديات. كان المؤلفون شخصيات من نوع جديد - لاهوتيون ومحامون وأطباء. على الرغم من أن العروض كانت موجهة من قبل الطبقة البرجوازية العليا في المدينة، إلا أن المسرحيات الغامضة كانت فنًا جماعيًا للهواة. وشارك المئات من الأشخاص في العروض.

أظهر اللغز خلق العالم، وتمرد لوسيفر على الله، ومعجزات الكتاب المقدس. قام الغموض بتوسيع النطاق الموضوعي لمسرح العصور الوسطى وتراكمت تجربة مسرحية واسعة النطاق، والتي استخدمتها الأنواع اللاحقة من العصور الوسطى. كان مؤدي اللغز هو أهل المدينة. حلقات فردية ضخمة الأداء المسرحييؤديها ممثلو ورش عمل المدينة المختلفة. وفي الوقت نفسه، أعطى الغموض لكل مهنة الفرصة للتعبير عن نفسها على أكمل وجه ممكن. وقد طورت الألغاز التقنية المسرحية، ورسخت ذوق الشعب في المسرح، وهيأت بعض ملامح دراما عصر النهضة. ولكن بحلول عام 1548، مُنعت المجتمعات الغامضة، وخاصة المنتشرة في فرنسا، من عرض المسرحيات الغامضة: أصبح الخط الكوميدي النقدي للمسرح الغامض ملحوظًا للغاية. كما أن سبب وفاتها هو أنها لم تتلق الدعم من القوى التقدمية الجديدة في المجتمع.

حركة الاصلاح

الطابع المناهض للإقطاع

بدأ الإصلاح في أوروبا في القرن السادس عشر. لقد كانت مناهضة للإقطاع بطبيعتها واتخذت شكل النضال ضد الدعم الأيديولوجي للإقطاع - الكنيسة الكاثوليكية.

تؤكد حركة الإصلاح على مبدأ "الاتصال الشخصي مع الله"، مبدأ الفضيلة الشخصية. في أيدي المواطنين الأثرياء، تصبح الأخلاق سلاحا للنضال ضد اللوردات الإقطاعيين وضد الجماهير الحضرية الفقيرة. إن الرغبة في نقل القداسة إلى النظرة البرجوازية للعالم تؤدي إلى ظهور المسرح الأخلاقي.

الأخلاق.

حرر الأخلاق الأخلاق من كل من الموضوعات الدينية والانحرافات اليومية، وبعد أن أصبح معزولًا، اكتسب وحدة أسلوبية وتوجهًا تعليميًا أكبر.

هزل.

تبرز مهزلة المنطقة كمستقلة النوع المسرحيمن النصف الثاني من القرن الخامس عشر. ومع ذلك، فقد مر بمسار طويل من التطور الخفي قبل ذلك. الاسم نفسه يأتي من الكلمة اللاتينية فارتا ("الحشوة"). وبالفعل، كثيرًا ما كتب منظمو الألغاز: "أدخلوا مهزلة هنا". تؤدي عروض Maslenitsa المبهجة والعروض الشعبية إلى ظهور "شركات غبية" - وهي رابطة من المسؤولين القضائيين الصغار، وبوهيميا الحضرية المتنوعة، وأطفال المدارس، والإكليريكيين. في القرن الخامس عشر، انتشرت مجتمعات المهرجين في جميع أنحاء أوروبا. كانت هناك أربع منظمات كبيرة في باريس، وكانت تُقام عروض منتظمة لعروضها الهزلية. وفي هذه المواكب تم السخرية من خطب الأساقفة ومناظرات القضاة ودخول الملوك إلى المدينة. رداً على ذلك، قامت السلطات العلمانية والروحية باضطهاد الفارسيين، وطردتهم من المدينة، وألقتهم في السجون. المهزلة موجهة بكل محتواها وبنيتها الفنية نحو الواقع. ويسخر من الجنود الغزاة، والرهبان بائعي الصكوك، والنبلاء المتغطرسين، والتجار البخلاء. تحمل سمات الشخصية الملحوظة والمحددة بشكل حاد موادًا حياتية حادة بشكل ساخر. كانت المبادئ الأساسية لتمثيل المهزلة هي التوصيف، الذي وصل إلى حد الكاريكاتير الساخرة، والديناميكية، التي تعبر عن نشاط وبهجة فناني الأداء أنفسهم. هاجمت السلطات الملكية والكنسية بشكل متزايد التفكير الحر الحضري وأحد أشكاله - المسرح الهزلي.

كان للمهزلة تأثير كبير عليها مزيد من التطويرمسرح أوروبا الغربية. في إيطاليا، ولدت الكوميديا ​​​​ديلارتي من المهزلة. في إسبانيا - عمل "أبو المسرح الإسباني" لوبي دي رويدا؛ وفي إنجلترا كتب جون هيوود فواصله باعتبارها مهزلة، وفي ألمانيا كتب هانز ساكس؛ في فرنسا، غذت التقاليد الهزلية فن موليير الرائع وشكسبير العظيم.

وكانت المهزلة هي التي أصبحت حلقة الوصل بين المسرح القديم والجديد.

مسرح جديد

المسرح (من المسرح اليوناني - مكان للعرض والمشهد). ينقسم المفهوم العام للمسرح إلى أنواع من الفن المسرحي: مسرح الدراما، والأوبرا، والباليه، ومسرح التمثيل الإيمائي، وما إلى ذلك. يرتبط أصل المصطلح بالمسرح اليوناني القديم، حيث كان هذا هو الاسم الذي يطلق على المقاعد في القاعة. ومع ذلك، فإن معنى هذا المصطلح اليوم متنوع للغاية.

خلال عصر التنوير، تم الانتقال إلى الثقافة الحديثة. كانت طريقة جديدة للحياة والتفكير تتشكل، مما يعني أن الوعي الذاتي الفني لنوع جديد من الثقافة كان يتغير أيضًا. إن اسم "التنوير" يجسد جيدا الروح العامة لهذه الحركة في مجال الحياة الثقافية والروحية، التي تضع لنفسها هدف استبدال وجهات النظر المبنية على المرجعيات الدينية أو السياسية بتلك الناتجة عن مطالب العقل البشري.

القرن الثامن عشر أعطى الثقافة العالمية مثل هذا فنانين رائعينومنظرو فن المسرح مثل شيريدان في إنجلترا، وفولتير، وديدرو، وبومارشيه في فرنسا، وليسينج، وجوته، وشيلر في ألمانيا، وجولدوني في إيطاليا. أدت هيمنة العقل إلى حقيقة أن فن التنوير عانى من العقلانية، وكان التحليل العقلاني للحياة يتطلب أشكالا منظمة.

ومع ذلك، فإن التنويريين، الذين رأوا المثل الأعلى للإنسان في الشخصية المتناغمة، لم يتمكنوا من إهمال متطلبات الشعور عندما يتعلق الأمر بالفن. لقد عبر مسرح التنوير بشكل ملحوظ عن المحتوى والأسلوب نظرة جديدةإلى عالم ملائم لهذا العصر.

المسرح في عصر التنوير في إنجلترا.

أصبح جمهور المسرح في القرن الثامن عشر أكثر ديمقراطية. تم تركيب مقاعد بسيطة في الأكشاك لسكان المدينة. كانت الرفوف مليئة بالخدم والطلاب والحرفيين الصغار. خلال العروض، تصرف الجمهور بنشاط كبير، وكان رد فعله حيويًا لما تم عرضه على المسرح.

وهكذا، في إنجلترا، انتقد مسرح التنوير رذائل النظام البرجوازي الناشئ. تظهر عقيدة أيديولوجية جديدة للمسرح: التربية الاجتماعية والأخلاقية للمشاهد. يتناسب هذا المذهب تمامًا مع التقاليد البيوريتانية في إنجلترا - وفي وقت لاحق خفف البيوريتانيون موقفهم فيما يتعلق بالفن المسرحي، ولم يعودوا يقاتلون ضد المسرح في حد ذاته، ولكن من أجل إصلاحه: القضاء على الفجور وتحويل المسرح إلى مسرح. مؤسسة مفيدة اجتماعيا.

كانت الوثيقة البرنامجية لإصلاح المسرح هي أطروحة اللاهوتي البيوريتاني جيريمي كوليير ضد المسرح الأرستقراطي، "مراجعة موجزة لفجور المسرح الإنجليزي وعدم تقواه" (1698). حددت هذه الأطروحة الوعظ الأخلاقي والتعليمي المؤكد للمسرح الإنجليزي طوال القرن الثامن عشر بأكمله تقريبًا. أعمال كتاب مسرحيين مثل جوزيف أديسون (كاتو، الطبال)، ريتشارد ستيل (العاشق الكاذب، أو صداقة المرأة؛ الزوج الخالي من الهم)، صامويل جونسون (إيرين)، كولي سيبر (الزوج الخالي من الهموم؛ عرض الزوجة الأخير؛ الزوج الغاضب) تطور في هذا الاتجاه.).

في عام 1731، في مقدمة مسرحيته "تاجر لندن، أو تاريخ جورج بارنويل"، نشر الكاتب المسرحي جورج ليلو بيانًا لبرنامج جمالي جديد - نظرية واقعية للدراما البرجوازية. إنه يعارض القيود الطبقية للمأساة، التي لم تبرز سوى الأفراد رفيعي المستوى كأبطال لها. دون إخفاء عداءه للأرستقراطية، فإنه يطالب بأن تصبح المأساة موصلا للأفكار الأخلاقية للبرجوازية. قبل عشر سنوات، في عام 1721، ظهرت مسرحية مجهولة "الجنون القاتل" في إنجلترا، مكتوبة حول أحد الموضوعات المفضلة للدراما البرجوازية - حول العواقب الوخيمة لشغف القمار. ثم مرت المسرحية دون أن يلاحظها أحد تقريبًا - فالوقت المناسب لنوع جديد لم يحن بعد. لكن القضايا البرجوازية أصبحت الآن مطلوبة بشدة بين المشاهدين.

تم تطوير الميول الساخرة في الدراما بنجاح من قبل هنري فيلدنج ("دون كيشوت في إنجلترا"؛ "أوبرا جرابستريت، أو تحت حذاء الزوجة"؛ "التقويم التاريخي لعام 1736"). أدت شدة الإدانة الساخرة في عام 1737 إلى نشر قانون حكومي بشأن الرقابة المسرحية، والذي وضع حدًا للهجاء السياسي. ركز اهتمام الكتاب المسرحيين والمعلمين على كوميديا ​​الأخلاق، التي أتاحت الفرصة للهجاء الاجتماعي على الأقل. الأعمال الكوميدية الأكثر إثارة للاهتمام في هذه الفترة تنتمي إلى قلم أوليفر جولدسميث (Good؛ Night of Errors) وريتشارد شيريدان (The Rivals؛ The School for Scandal).

كان أفضل ممثل للفن الفني الإنجليزي هو ديفيد جاريك الشهير (1717-1779)، وهو إنساني ومعلم على خشبة المسرح. نجح في الترويج لدراما شكسبير، حيث لعب أدوار هاملت ولير وآخرين.

نهاية القرن الثامن عشر تميزت في إنجلترا بظهور نوع جديد - مأساة "الكوابيس والأهوال"، والتي كانت سلف النوع الجديد الاتجاه الجمالي- الرومانسية. كان منشئ هذا النوع هوراس والبول. ورغم أنه لم يكتب سوى مسرحية واحدة هي "الأم الغامضة" (1768) تصور قصة عاطفة سفاح القربى، إلا أن الكاتب كان له تأثير كبير على الدراما ما قبل الرومانسية والرومانسية.

المسرح الفرنسيالقرن الثامن عشر.

جلبت عملية دمقرطة المجتمع خلال عصر التنوير إلى الحياة نوعًا دراميًا جديدًا - الدراما البرجوازية ، وكان مبدعوها في فرنسا هم د. ديدرو ، إم جي سيدن ، إل إس مرسييه.

تم التغلب على عيوب الدراما البرجوازية و "الكوميديا ​​​​الدامعة" في الكوميديا ​​​​لـ P. O. Beaumarchais " حلاق إشبيلية"(1775) و"زواج فيجارو" (1784)، حيث قوة جديدةظهرت تقاليد موليير في الحياة وتجسدت أفضل سمات الجماليات التربوية.

تم الكشف عن التطلعات البطولية والمدنية للدراما التعليمية بقوة أكبر خلال الثورة البرجوازية الفرنسية في أواخر القرن الثامن عشر. كانت مآسي M. J. Chenier، المشبعة بالشفقة المناهضة للإقطاع (تشارلز التاسع، 1789، هنري الثامن، 1791، جان كالاس، 1791، كايوس غراكوس، 1792)، أمثلة على الدراماتورجيا الكلاسيكية الثورية.

في فرنسا، واصل الفيلسوف التنويري فولتير، الذي تحول في دراماته إلى القضايا الاجتماعية الملحة وإدانة الاستبداد، تطوير هذا النوع من المأساة.

في الوقت نفسه، تم الحفاظ على التقليد الكوميدي الساخر على المسرح الفرنسي. وهكذا، انتقد ليساج (1668-1747) في الكوميديا ​​"Turcare" ليس فقط النبلاء المتدهورين، ولكن أيضا البرجوازية الربوية. سعى إلى إنشاء أفلام كوميدية للمسرح الشعبي الجماهيري.

دافع مدرس وكاتب مسرحي آخر، دينيس ديدرو (1713-1784)، عن الحقيقة والطبيعية على المسرح. بالإضافة إلى عدد من المسرحيات ("الابن السيئ"، "والد العائلة"، وما إلى ذلك)، كتب ديدرو أطروحة "مفارقة الممثل"، حيث طور نظرية التمثيل.

في إنتاجات المآسي التعليمية لفولتير، ظهر نوع جديد من الممثلين القادرين على التعبير عن الرثاء المدني للموضوعات البطولية والاتهامية.

احتلت مسارح فير وبوليفارد مكانًا كبيرًا في تطور المسرح خلال عصر التنوير في فرنسا. كان نوع المسرح العادل هو التمثيل الإيمائي، والمهزلة، والمسرحيات الأخلاقية، والمسرحيات السريعة، التي استندت عروضها إلى فن الارتجال. كانت هذه العروض ساخرة في كثير من الأحيان، مع عناصر بشع ومهرج، مليئة بالفكاهة الفظة. كما قدم في المعارض راقصو الحبال، والمشعوذون، والحيوانات المدربة - نماذج أولية لممثلي السيرك. لقد استخدموا على نطاق واسع المحاكاة الساخرة والهجاء. تسبب الطابع الديمقراطي لهذا الفن في هجمات عليه من المسارح المميزة.

تشكيل المسرح الألماني.

كان المبدع الحقيقي للمسرح الوطني الألماني هو الكاتب التنويري الألماني الأبرز جوتهولد-إفرايم ليسينج (1729-1781). ابتكر أول كوميديا ​​وطنية ألمانية "مينا فون بارنهولم"، ومأساة مناهضة الإقطاع "إميليا جالوتي" وعدد من الأعمال الدرامية الأخرى. في المأساة التعليمية "ناثان الحكيم"، تحدث المؤلف ضد التعصب الديني.

وفي كتابه الشهير «دراما هامبورج»، لخص ليسينج آرائه في جماليات ونظرية الدراما. ليسينج هو مبتكر الدراما الاجتماعية والكوميديا ​​الوطنية والمأساة التربوية، ومنظر مسرحي، ومؤسس الحركة الواقعية في المسرح الألماني في القرن الثامن عشر.

وكان لأفكار التنوير تأثير كبير على التمثيل الألماني، حيث جعلته أقرب إلى الواقعية. وكان أبرز ممثل في ألمانيا خلال هذه السنوات هو فريدريش لودفيغ شرودر (1744-1816)، المرتبط بأفكار "الإثارة والتوتر". في السبعينيات القرن الثامن عشر نشأت حركة جديدة تسمى "العاصفة والسحب" في الفن الألماني.

لقد عكست حركة الدوائر البرجوازية الأكثر تقدما وثورية، والتي كافحت ضد الإقطاع والاستبداد. وقد شارك في هذه الحركة أعظم الشعراء والكتاب المسرحيين الألمان، غوته وشيلر. في عام 1777، تم افتتاح مسرح مانهايم الوطني، والذي أصبح أحد أكبر المسارح الألمانية في الثمانينيات والتسعينيات. في القرن الثامن عشر، كان هناك نشاط الممثل والمخرج والكاتب المسرحي A. V. Iffland. قام بزرع الدراما البرجوازية الصغيرة على مسرح مانهايم (مسرحياته الخاصة، وكذلك مسرحيات أ. كوتزبو)، والتي حددت الوجه الإبداعي للمسرح.

في نهاية القرن الثامن عشر. يرتبط تطور المسرح الألماني بأنشطة الكتاب المسرحيين الألمان العظماء جيه دبليو جوته وإف شيلر في مسرح فايمار. هنا لأول مرة في ألمانيا نظموا أشغال كبرىالدراماتورجيا الكلاسيكية العالمية (جوته، شيلر، ليسينج، فولتير وآخرين)، تم وضع أسس فن الإخراج، وتم تنفيذ مبدأ فرقة التمثيل التابعة لمفهوم فني واحد.

غوته في بلده البرنامج النظريوالممارسة الفنية، أكد على مبادئ إنشاء مسرح ضخم يلبي المعايير الصارمة للفن القديم. كانت "مدرسة فايمار" في التمثيل عكس مدرسة مانهايم وكانت أقرب إلى المدرسة الكلاسيكية.

المسرح الإيطالي.

وعلى الرغم من تخلفها الاقتصادي والسياسي، إلا أن إيطاليا تميزت بثراء وتنوع حياتها المسرحية. بحلول القرن الثامن عشر كان لدى إيطاليا أفضل مسرح موسيقي في العالم، حيث تم تمييز نوعين - الأوبرا الجادة و أوبرا كوميدية(الأوبرا برتقالي). كان هناك مسرح عرائس، وتم تقديم عروض Commedia dell'arte في كل مكان.

ومع ذلك، فإن إصلاح المسرح الدرامي كان يختمر منذ فترة طويلة. في عصر التنوير، لم تعد الكوميديا ​​المرتجلة تلبي متطلبات العصر. كانت هناك حاجة إلى مسرح أدبي جديد وجاد. لا يمكن لكوميديا ​​الأقنعة أن توجد بشكلها السابق، ولكن كان لا بد من الحفاظ على إنجازاتها ونقلها بعناية إلى المسرح الجديد.

كان تغلغل أفكار التنوير في المسرح الإيطالي مصحوبًا بنضال طويل ضد الشكلية ونقص الأفكار على المسرح المسرحي. كان أحد المبدعين في إيطاليا هو الكاتب المسرحي الرائع كارلو جولدوني (1707-1793). ابتكر كوميديا ​​جديدةالشخصيات. وبدلاً من الارتجال، اعتمد الأداء على نص أدبي.

لقد دخل النصف الثاني من القرن الثامن عشر في التاريخ الإيطالي باعتباره فترة الحروب المسرحية. عارضه الأباتي خياري، وهو كاتب مسرحي متواضع وبالتالي غير ضار، لكن خصمه الرئيسي، المساو له في الموهبة، كان كارلو جوزي. دافع جوزي عن مسرح الأقنعة، ووضع مهمة إحياء تقليد الكوميديا ​​​​المرتجلة. وفي مرحلة ما بدا أنه نجح. وعلى الرغم من أن جولدوني ترك مجالًا للارتجال في أعماله الكوميدية، وقام جوزي نفسه في النهاية بتدوين جميع أعماله الدرامية تقريبًا، إلا أن نزاعهما كان قاسيًا وعنيدًا. بما أن العصب الرئيسي للمواجهة بين البندقية العظيمة هو عدم توافقهما المناصب العامةفي وجهات نظر مختلفة حول العالم والإنسان.

كان كارلو جوزي (1720-1806) كاتبًا مسرحيًا موهوبًا. في محاولة لمقارنة ذخيرته مع كوميديا ​​جولدوني، طور جوزي هذا النوع من الحكايات المسرحية. وهذه مسرحياته "حب البرتقالات الثلاثة" و"ملك الغزلان" و"الأميرة توراندوت" الشهيرة و"المرأة الأفعى" وغيرها. بفضل السخرية الغنية والفكاهة الغنية، لا تزال حكايات Gozzi الموهوبة على المسرح تحظى بشعبية كبيرة حتى يومنا هذا.

أعظم مؤلف للمآسي هو فيتوريو ألفيري. ترتبط ولادة مأساة الذخيرة الإيطالية باسمه. لقد خلق مأساة مدنية بمفرده تقريبًا. كان ألفيري وطنيًا شغوفًا يحلم بتحرير وطنه، وكان يعارض الطغيان. كل مآسيه مشبعة بالشفقة البطولية للنضال من أجل الحرية.

جادل ألفيري بأن الناس يجب أن يحصلوا على الحرية من أيدي الطبقة الأرستقراطية، وأكد على حرية الإنسان، التي تخضع إرادته فقط للعقل والشعور بالواجب. في أطروحته "عن الأمير والأدب" (1778-1786)، حدد ألفيري مهمة الشعر الدرامي بأنها إيقاظ مشاعر الفضيلة وحب الحرية. ساهمت مآسي ألفيري شاول وفيليب وفيرجينيا وبروتوس الأول وبروتوس الثاني في تطوير المسرح الإيطالي.

المسرح الدنماركي لعصر التنوير.

نشأ المسرح الاحترافي في الدنمارك في القرن الثامن عشر، وكان سبب إنشائه هو التطور الاقتصادي والثقافي للبلاد. في 23 سبتمبر 1722، افتتح المسرح الدنماركي في كوبنهاغن بمسرحية "البخيل"، وسرعان ما عُرض العرض الأول للفيلم الكوميدي الأول لـ L. Holberg "The Tin Man-Politician".

في عام 1728، نجح ممثلو دوائر المحكمة في إغلاق المسرح الدنماركي. استأنف المسرح العمل فقط في عام 1748 (في المبنى الموجود في رويال سكوير). في عام 1770 حصلت على الاسم الملكي وخضعت لسلطة وزارة البلاط. في النصف الثاني من القرن الثامن عشر. نظم المسرح مسرحيات غنائية وكوميديا ​​​​لجي إيوالد ومآسي لفولتير وأتباعه الدنماركيين، لكن أساس ذخيرة المسرح استمر في دراما هولبيرج.

لعب دور بارز في الترويج لأفكار التنوير في الدنمارك عمل I. H. Wessel، مؤلف مأساة المحاكاة الساخرة "الحب بدون جوارب" (1772)، الذي واصل تقاليد هولبرغ.

يعد مسرح عصر التنوير من أبرز الظواهر وأكثرها أهمية في تاريخ الثقافة العالمية. وهذا مصدر قوي للفن المسرحي الأوروبي - في جميع الأوقات. ولد المسرح الجديد نتيجة للحاجة إلى ضخ الطاقة الشابة في العمل. وإذا سألت نفسك السؤال في أي مجال فني كان ينبغي أن يؤدي هذا العمل، هذا البحر من المرح، فإن الإجابة واضحة: بالطبع، في مجال المسرح.

خلال القرن الثامن عشر، عاش المسرح الأوروبي حياة طويلة ومعقدة. فقدت المعايير الجمالية، التي تعتبر مطلقة، معناها السابق خلال هذا الوقت. وعلى مدى قرن من الزمان، كانت الآراء والأذواق في صراع دائم، وتحولت القاعات أكثر من مرة إلى ساحة للاشتباكات العامة. كان المؤلفون معارضين سياسيين، وعلموا لأول مرة أنه من الممكن أن يكون هناك أيضًا صراع شرس في فنهم.

لا يتم الحفاظ على المسرح كشكل فني في الآثار المادية مثل الرسم والنحت، وكذلك الأعمال الأدبية والموسيقى. لكن تاريخ المسرح يحكي عن الممثلين العظماء في الماضي، وكيف لعبوا، وما هي تطلعات معاصريهم التي جسدوها في تمثيلهم، وما هي متطلبات العصر التي استجابوا لها.

الحياة المسرحية روسيا التاسع عشرقرن.

في بداية القرن التاسع عشر، تم تشكيل شبكة من المسارح الإمبراطورية الروسية، والتي تم إدارتها
"وزارة بلاط صاحب الجلالة الإمبراطورية." كانت هناك ثلاثة مسارح تابعة للمحكمة في سانت بطرسبرغ - الإسكندرية وماريانسكي وميخائيلوفسكي - واثنان في موسكو - مسارح البولشوي ومالي.

مع ظهور مسرحيات أ.ن. أوستروفسكي، إ.س. تورجنيف، نثر ف.م. دوستويفسكي، شعر نيكراسوف، جاءت الواقعية إلى الثقافة الروسية.

لقد تغير فن التمثيل جنبا إلى جنب مع الدراماتورجيا، وكسر الأفكار القديمة حول ما هي الحقيقة على المسرح. كان يوم 16 نوفمبر 1859 هو يوم العرض الأول لمسرحية أوستروفسكي "العاصفة الرعدية" في مسرح مالي. اندلعت عاصفة حول الأداء. أول أداء لدور كاترينا كانت الممثلة الرائعة ل. نيكولينا - كوسيتسكايا. مع مسرحيات أوستروفسكي، انفجرت عناصر الحياة الروسية على المسرح، وهي لغة جديدة وغنية وحديثة. تألق ممثلو مالي في مسرحيات أوستروفسكي طوال العقود اللاحقة. ج.ن. فيدوتوفا، م.ن. إرمولوفا ممثلة رائعة لمسرح مالي.

الفنانون الروس في النصف الأول من القرن التاسع عشر م. ششيبكين ، ب.س. موشالوف، ف. بقي Karatygin في ذاكرة أحفاده كشخصيات من الأسطورة. لعب شيبكين ما يقرب من 600 دور في مسرحيات شكسبير وموليير وغوغول وأوستروفسكي وتورجينيف. لقد كان من أوائل الذين أكدوا الواقعية في المسرح الروسي، وخلق الحقيقة على المسرح الروسي.

Mochalov هو العكس المباشر ل Shchepkin. لعب أدوارًا قيادية في مسرحيات الدراما الروسية والغربية - هاملت لشكسبير، وكارل مور في دراما شيلر "اللصوص"، وشاتسكي في "ويل من العقل".

في إنتاج المسرحيات، أنشأ الممثلون الروس الصور التي دخلت تاريخ الفن المسرحي. أعجب الجمهور بإيكاترينا سيميونوفا وأليكسي ياكوفليف. تحول هؤلاء الممثلون بالكامل إلى الشخص الذي يمثلونه. وتدريجيًا، بدأ مسرح مالي يتخصص في العروض الدرامية، والبولشوي في الأوبرا والباليه.

مسرح البولشوي بتروفسكي 1825-1853

كان افتتاح مسرح البولشوي بتروفسكي في 6 يناير 1825 مهيبًا للغاية. وقد اندهش المتفرجون الذين زاروا المسرح الجديد ذلك المساء من نبل التصميم المعماري وتنفيذه، وحجم المبنى غير المسبوق، وجمال زخرفة القاعة الخاصة به.

يتذكر الكاتب سيرجي أكساكوف: "مسرح البولشوي بتروفسكي، الذي خرج من الآثار القديمة المتفحمة... أذهلني وأسعدني... المبنى الضخم الرائع، المخصص حصريًا لفني المفضل، بمجرد مظهره جعلني أشعر بالإثارة المبهجة". .."

قبل بدء العرض، دعا الجمهور منشئ المسرح أوسيب بوف إلى المسرح ومنحه التصفيق.

في صباح يوم 11 مارس 1853 غائمًا وباردًا، اندلع حريق في المسرح لسبب غير معروف. اجتاحت النيران المبنى بأكمله على الفور، لكن النار اشتعلت بقوة أكبر على المسرح وفي القاعة. ووصف شاهد عيان النار قائلاً: "كان من المخيف أن ننظر إلى هذا العملاق الذي اشتعلت فيه النيران. وعندما اشتعلت النيران، بدا لنا أن شخصًا عزيزًا علينا، والذي وهبنا أجمل الأفكار والمشاعر، كان يموت. أمام أعيننا..."

وحارب سكان موسكو النيران لمدة يومين، وفي اليوم الثالث كان مبنى المسرح يشبه أنقاض الكولوسيوم الروماني. ظلت بقايا المبنى مشتعلة لمدة أسبوع تقريبًا. الأزياء المسرحية التي تم جمعها منذ نهاية القرن الثامن عشر، والمناظر الطبيعية الممتازة للعروض، وأرشيفات الفرقة، وجزء من مكتبة الموسيقى، والآلات الموسيقية النادرة، فقدت بشكل لا رجعة فيه في النار.

تمت الموافقة على تصميم مبنى المسرح الجديد، الذي رسمه البروفيسور أ. ميخائيلوف، من قبل الإمبراطور ألكسندر الأول في عام 1821، وعُهد ببنائه إلى المهندس المعماري أوسيب بوفا.

أحد أكبر المسارح في أوروبا، تم بناؤه على موقع مبنى مسرح محترق، لكن واجهته كانت تواجه ميدان تيترالنايا...

مسرح البولشوي (1856-1917)

في 20 أغسطس 1856، تم افتتاح مسرح البولشوي المُعاد ترميمه بحضور العائلة الملكيةوممثلو جميع الدول مع أوبرا V. Bellini "The Puritans" التي تؤديها فرقة إيطالية. يعود الفضل في نجاح باليه موسكو في هذه الفترة إلى موهبة الفرنسي ماريوس بيتيبا الذي استقر في سانت بطرسبرغ. جاء مصمم الرقصات إلى موسكو عدة مرات لتقديم العروض. من أهم أعماله في موسكو كانت لوحة "دون كيشوت" للكاتب إل مينكوس، والتي عُرضت لأول مرة عام 1869. قام بيتيبا بعد ذلك بنقل نسخة موسكو من هذا الباليه إلى مسرح سانت بطرسبرغ.

كان لعمل P. Tchaikovsky أهمية كبيرة لتطوير ثقافة الأداء. بدايات الملحن في موسيقى الأوبرا - "The Voevoda" (1869) وموسيقى الباليه - " بحيرة البجع"(1877) جرت على مسرح مسرح البولشوي. هنا ولدت أوبرا "يوجين أونيجين" (1881) وهي المحاولة الأولى مرحلة كبيرةبعد إنتاج المعهد الموسيقي عام 1879؛ تم إصدار أوبرا "مازيبا" (1884) لأول مرة، وهي إحدى قمم الإبداع الأوبرالي للملحن؛ النسخة النهائية لأوبرا "الحداد فاكولا" التي حصلت على الاسم الجديد "Cherevichki" في عرض عام 1887.

كان الأداء الذي لا يُنسى في سجلات المسرح هو العرض الأول في 16 ديسمبر 1888 للدراما الشعبية للمخرج موسورجسكي "بوريس جودونوف". أول أوبرا لـ N. Rimsky-Korsakov، التي أبصرت النور على مسرح البولشوي، كانت "The Snow Maiden" (1893)، ثم "The Night Before Christmas" (1898). في نفس عام 1898، عرض المسرح لأول مرة للجمهور أوبرا بورودين "الأمير إيغور"، وبعد عامين، أصبح عشاق فن الرقصات على دراية باليه أ. جلازونوف "ريموندا".

تضم فرقة الأوبرا المسرحية في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين العديد من المطربين المتميزين. من بين الأسماء المجيدة في السنوات الماضية يولاليا كادمينا، أنطون بارتسال، بافيل خوخلوف، ناديجدا سالينا، إيفان جريزونوف، مارجريتا جونوفا، فاسيلي بيتروف، إلخ. ظهر المغنون على المسرح في هذه السنوات، وسرعان ما أصبحت أسماؤهم معروفة على نطاق واسع ليس فقط في روسيا، ولكن وفي الخارج - ليونيد سوبينوف، فيودور شاليابين، أنتونينا نيزدانوفا.

كان النشاط في مسرح سيرجي رحمانينوف، الذي أسس نفسه أيضًا كقائد للفرقة الموسيقية، مثمرًا موسيقي لامع. قام رحمانينوف بتحسين جودة صوت كلاسيكيات الأوبرا الروسية في المسرح. بالمناسبة، يرتبط اسم Rachmaninov بنقل وحدة تحكم الموصل إلى المكان الذي هو عليه الآن، قبل أن يقف الموصل خلف الأوركسترا، في مواجهة المشهد.

في عام 1899، تم عرض "الجمال النائم" لأول مرة في مسرح البولشوي. إنتاج هذا الباليه هو الذي أسس كومنولث الموسيقى والرقص باللغة الروسية مسرح الباليه، كانت بداية عمل طويل وسعيد في موسكو لمصمم الرقصات وكاتب الأغاني والمعلم ألكسندر جورسكي. عملت معه مجموعة كبيرة من الفنانين الموهوبين - إيكاترينا جيلتسر، فيرا كارالي، صوفيا فيدوروفا، ألكسندرا بلاشوفا، فاسيلي تيخوميروف، ميخائيل موردكين، موصل وملحن أندريه أريندي، إلخ. للزينة إنتاج جديدبالنسبة لباليه دون كيشوت (1900)، دعا غورسكي أولاً الفنانين الشباب كونستانتين كوروفين وألكسندر جولوفين، أساتذة الرسم المسرحي المستقبليين.

1911 فازت الخطة التي قدمها ألبرت كافوس بمسابقة ترميم مبنى المسرح.

مع الحفاظ على تصميم وحجم مبنى بوفيه، قام كافوس بزيادة الارتفاع وتغيير النسب وإعادة تصميم الزخرفة المعمارية. على وجه الخصوص، تم بناء صالات عرض رفيعة من الحديد الزهر مع مصابيح على جوانب المبنى. لاحظ المعاصرون ظهور هذا الرواق، وهو جميل بشكل خاص في المساء، عندما تنظر إليه من مسافة بعيدة، ويبدو صف المصابيح المشتعلة وكأنه خيط من الماس يمتد على طول المسرح.

دمرت النيران مجموعة أبولو المرمرية التي كانت تزين مسرح بوفيه. لإنشاء مجموعة جديدة، دعا كافوس النحات الروسي الشهير بيوتر كلودت (1805-1867)، مؤلف مجموعات الفروسية الأربع الشهيرة على جسر أنيشكوف فوق نهر فونتانكا في سانت بطرسبرغ.

أنشأ كلودت مجموعة النحت المشهورة عالميًا مع أبولو. تم صبها في مصانع دوق ليشتنبرغ من سبيكة معدنية مطلية بالنحاس الأحمر.

عند إعادة بناء القاعة، قام كافوس بتغيير شكل القاعة، وتضييقها نحو المسرح، وتعميق حفرة الأوركسترا. خلف الأكشاك، حيث كان هناك معرض، قام ببناء مدرج. أصبحت أبعاد القاعة: العمق والعرض متساويين تقريبًا - حوالي 30 مترًا، والارتفاع - حوالي 20 مترًا. بدأت القاعة تستوعب أكثر من 2000 متفرج.

بهذا الشكل، بقي مسرح البولشوي حتى يومنا هذا، باستثناء عمليات إعادة البناء الداخلية والخارجية الطفيفة.

المسرح معجزة العالم البشري.