Store kunstværker ødelagt af en dum ulykke (7 billeder). Vulkanudbrud kunst

Kunst opstod næsten umiddelbart efter menneskehedens fremkomst, og mange af de største værker inden for maleri, skulptur og andre kunstfelter er blevet til gennem århundreder. Hvilken af ​​dem, der anses for at være den bedste, er et meget kontroversielt spørgsmål, fordi selv eksperter er uenige i denne sag. I dag vil vi forsøge at lave en liste over de ti mest berømte værker alle tiders kunst.

10 BILLEDER

en. " Stjernelys nat", Van Gogh.

Maleri malet hollandsk kunstner Vincent van Gogh i 1889. Inspirationen til dette kunstværk var nattehimlen, som han observerede fra vinduet på sit værelse på St Paul's Orphanage.

Forhistorisk huletegninger dyr skabt for omkring 30 tusind år siden. Chauvet Cave ligger i det sydlige Frankrig.

Monolitiske stenstatuer placeret på Påskeøen i Stillehavet. Det menes, at statuerne blev skabt af øens aboriginere mellem 1250 og 1500 e.Kr.

For det meste berømt værk af den franske billedhugger Auguste Rodin, skabt i 1880.

Dette maleri, malet af Leonardo da Vinci mellem 1494 og 1498, er en scene af Jesu sidste måltid med sine disciple, som beskrevet i det bibelske Johannesevangelium.

En af de mest berømte fresker af Michelangelo er i det sixtinske kapel i det apostoliske palads i Vatikanet. Fresken illustrerer historien om Adams skabelse fra den bibelske bog i Første Mosebog.

Et af de mest berømte antikke græske skulpturværker, skabt engang mellem 130 og 100 f.Kr. Marmor skulptur blev opdaget i 1820 på øen Milos.

På billedet malet italiensk kunstner Sandro Botticelli, skildrer scenen for gudinden Venus' udseende fra havet. Maleriet er i Uffizi-galleriet i Firenze, Italien. 10. "Mona Lisa", da Vinci.

Et mesterværk af Leonardo da Vinci, skabt mellem omkring 1503 og 1506. Maleriet er på Louvre-museet i Paris.

Stor kunst tager lang tid. Alle værkerne nedenfor er det omhyggelige arbejde af store kunstnere fra hele verden i forskellige perioder menneskelig eksistens. Største værker kunst er samlet i top 10.

10. Diskoskaster

Populær græsk skulptur blev skabt i 460-450 f.Kr. Ophavsmanden til værket er billedhuggeren Miron. Den originale bronzestatue er gået tabt. Mange kopier har dog overlevet, for det meste lavet af marmor eller et lille lag bronze.

Skrevet i 1931 spansk kunstner Salvador Dali, The Persistence of Memory er et af de mest genkendelige kunstværker. Dette arbejde opmuntrer folk til at tænke over deres livsstil, over hvordan vores tid bruges. Det er kendt, at kunstneren, mens han malede billedet, var inspireret af Einsteins relativitetsteori.

Gammel græsk statue blev skabt mellem 130 og 100 f.Kr. Det menes, at statuen forestiller Afrodite - gudinden for kærlighed og skønhed. Den 203 cm høje marmorstatue blev skabt af Alexandri Antinois, selvom der er andre versioner af skulpturen. Hænder blev tabt over tid. Nu kan dette kunstværk ses i det parisiske Louvre.

7. Skrig


For det meste populært stykke Edvard Munch blev malet i 1893. Dette billede er malet med olie og pasteller på pap. Dette skræmmende billede er med Nationalgalleriet Oslo, Norge.

6. Stjerneklar nat


The Starry Night blev malet i 1889 af den berømte hollandske post-impressionistiske maler Vincent Van Gogh. Dette værk er et af de mest berømte i moderne kultur... Maleriet er en del af museets faste samling samtidskunst i New York City. Stykket blev inspirationen til sangen Vincent Don McLean, også kendt som The Starry Starry Night.

5. Tænkeren


Denne bronzeskulptur af Auguste Rodin forestiller en nøgen mand, hvis dimensioner ligner menneskers. Han sætter sig på en sten med en hånd på hagen og tænker på noget. Naturligvis repræsenterer dette billede en filosofisk tendens. I alt blev der hældt omkring 28 eksemplarer i fuld størrelse, hvor en mands højde er omkring 183 cm.

4. Skabelsen af ​​Adam


Dette grandiose værk er placeret på loftet Sixstinske Kapel i Vatikanet, Italien. Michelangelo malede skabelsen af ​​Adam mellem 1508 og 1512. Dette er blot en af ​​ni scener fra Første Mosebog, som alle er malet i midten af ​​kapelloftet.

3. David


Endnu et mesterværk fra renæssancen, skabt af den italienske kunstner Michelangelo. Skulpturen David blev skabt mellem 1501 og 1504. Denne 5 meter lange marmorstatue viser en nøgen bibelsk helt David. Siden 1873 har statuen stået i Firenze i Accademia Gallery.

Dette verdensmesterværk pryder ikke museet, men væggen i spisestuen i klosteret Santa Maria delle Grazie i Milano, Italien. Den blev skrevet i slutningen af ​​det 15. århundrede af de fleste kendt kunstner af alle tider - Leonardo da Vinci. Maleriet forestiller scenen for Jesu sidste nadver med sine disciple. Dette mesterværk er et af de vigtigste vartegn i Milano.

Det tager nogle gange måneder og år at skabe mesterværker. Kunstnere lægger viden ind i deres projekter, kreative ideer og følelser.
De færdige lærreder er fyldt med mening og dermed subjektiv betydning, hvis værdi ikke kan måles, i hvert fald før de er bortauktioneret til det højeste bud.
De værker, som vi vil tale om i dag, koster mange penge, havde stor betydning for kunsthistorikere og beundrere, men desværre blev de beskadiget på grund af skødesløs holdning eller skødesløshed, hærværk eller en banal mangel på ordentlige opbevaringsforhold.
Hvis skaberne af disse kunstværker var i live, ville de helt sikkert være forfærdede.

1. "Pieta" (1498-99) af Michelangelo
(Michelangelo - Pieta)

Marmorskulpturen, der forestiller den sørgende Jomfru Maria med Jesu Kristi legeme fjernet fra korset, er hovedattraktionen i katedralen St. Peter i Vatikanet og et af de mest ærede kunstværker for religiøse mennesker og simpelthen for dem, der elsker og værdsætter klassisk skulptur. I hele "Pietas" 500-årige historie skete den største skade på skulpturen i 1972, da en geolog angreb statuen med en hammer og råbte "Jeg er Jesus Kristus!" Mange af fragmenterne af statuen, inklusive et stykke af Marys næse, blev samlet op af øjenvidner til hændelsen, men blev ikke efterfølgende returneret til katedralen. I løbet af en langvarig restaurering blev Guds Moders ansigt restaureret ved hjælp af materiale taget fra andre dele af statuen. Efter restaurering blev Michelangelo Buanarottis Pieta placeret under skudsikkert glas.

2. "Nattevagt" (1642) af Rembrandt van Rijn
(Rembrandt van Rijn - Nattevagt)

Desværre havde selve Nattevagten med tiden brug for beskyttelse. Da lærredet blev udstillet i staten Nationalmuseet i Amsterdam blev der gjort flere forsøg på hans liv. I 1911 forsøgte en arbejdsløs skibskok uden held at skære et maleri over med en kniv. I 1975 skole lærer viste sig at være mere vellykket, idet han skar lærredet i zigzag-linjer (det blev senere fastslået, at denne mand led af en psykisk lidelse, og han begik hurtigt selvmord). Selvom maleriet er blevet restaureret, kan der stadig findes spor af hærværk. I 1990 sprøjtede en af ​​de besøgende syre på maleriet, men vagterne reagerede hurtigt, og lærredet blev reddet fra døden.

3. "Danae" (1636), Rembrandt van Rijn
(Rembrandt van Rijn - Danae)

Et af Rembrandts yndlingsmalerier forestiller helte græsk mytologi: Perseus' mor, Danae, som møder Zeus, hans far. Lærredet, der målte 2,4x3 meter, blev beskadiget i 1985, da en gal gæst på Eremitagen i Skt. Petersborg (hvor maleriet har været opbevaret siden 1700-tallet), svingende med en kniv, forsøgte at skære Danaes underliv og lår over. Men hele dramaet i situationen er, at han derefter åbnede et kar med svovlsyre og hældte det på maleriet, som et resultat af hvilket den originale maling begyndte at boble og faldt af lærredet. Det tog tolv flere år at restaurere maleriet og nu er det heldigvis udstillet igen.

4. "Venus med et spejl" (1647-51) af Diego Velazquez
(Diego Velazquez - Rokeby Venus)

Velazquez var en mester i realistisk fremstilling af mennesker - det er tydeligt, når man ser på "Venus med et spejl", hvor gudinden Venus ligger på sin seng i en forførende positur og kigger i spejlet, som hendes søn, Amor, holder. I 1914 blev Venus bogstaveligt talt skåret i stykker af den militære suffragette Mary Richardson (blev senere leder af kvindeafdelingen i British Union of Fascists) efter arrestationen af ​​hendes kollega, Emmeline Pankhrust. Kvinden gik ind på National Gallery i London, trods advarsler om et muligt angreb, og lavede syv snit hen over næsten hele ryggen af ​​Venus. Richardson fik seks måneders fængsel for sin grusomhed.

5. "St. Anna med Maria og Kristusbarnet "(1499-1500) Leonardo da Vinci
(Leonardo da Vinci - Jomfruen og barnet med Sankt Anne og Sankt Johannes Døberen)

Da Vincis 500 år gamle sort-hvide kul- og kridtskitse er også i National Gallery i London. I 1987 blev det vurderet til 35 millioner dollars. Derefter forsøgte manden at skyde på billedet med en afgrøde med det formål at demonstrere sin utilfredshed med "de politiske, sociale og økonomiske forhold i Storbritannien." Skuddet beskadigede beskyttelsesglasset og forårsagede et 6-tommer hul i Guds Moders kappe. Talrige glasstykker og papirstykker blev fjernet under restaureringsprocessen, som dog, som det dog næsten altid sker i sådanne tilfælde, aldrig var i stand til at bringe værket tilbage til dets oprindelige udseende.

6. "Skuespiller" (1904) af Pablo Picasso
(Pablo Picasso - Skuespilleren)

Prøv at huske en ulykke i dit liv, der kostede dig mange penge. Kan du huske? Sammenlign nu din skade med de tab, Metropolitan Museum led i 2010, da en af ​​de besøgende ved et uheld faldt på et Picasso-maleri til en værdi af 130 millioner dollars. Som følge af hændelsen blev der dannet et hul på 15 cm på lærredet på 1,8x2,4 m. Da det var et uheld, blev gerningsmanden til hændelsen ikke straffet.

7. "Sleep" (1923) af Pablo Picasso
(Pablo Picasso - Le Reve)

Fire år før hændelsen med maleriet "Skuespilleren" ramte en lignende skæbne Picassos "Drøm", som forestillede kunstnerens elskerinde Maria-Teresa Walter. På det tidspunkt var billedet inde privat samling ejeren af ​​et af de amerikanske kasinoer, Steve Wynn, som planlagde at sælge "Drømmen" til hedgefondsmanager Stephen Cohen. Dette var dog ikke bestemt til at ske. Da han demonstrerede maleriet for gæsterne, snublede Winn, der led af synshandicap, ved et uheld og faldt på lærredet og brækkede et 5-centimeter hul i det, hvorefter han besluttede ikke at sælge maleriet. Restaureringen af ​​"Sleep" kostede milliardæren 90.000 dollars.

8. "Fountain" (1917), Marcel Duchamp
(Marcel Duchamp - Fountain)

Denne begavede mester var i stand til at lægge indre mening i næsten enhver genstand. Modellen til Duchamp's Fountain var et hvidt Bedfordshire urinal, som han erhvervede i 1917 i New York. Oprindeligt var der uenighed om, hvorvidt værket tilhørte kunstværker, da det blev erklæret af skaberen til en udstilling af Society of Independent Artists, som til gengæld nægtede at vise denne udstilling. Men i 2006 var det allerede vurderet til 3,6 millioner dollars. Samme år led værket i hænderne på en 76-årig kunstner, som besluttede at smadre det med en hammer, men kun slog kanterne af. Tretten år tidligere, da udstillingen blev udstillet i Nimes (Frankrig), urinerede den samme person på den lige ved udstillingen. Før i dag arbejde tiltrækker uvægerligt interesse.

9. "Portland Vase" (30-20 f.Kr.) af en ukendt mester

Dette udsøgte glas- og cameokar, der forestiller figurer af guder og dødelige, blev opdaget nær Rom i det 16. århundrede, hvorefter vasen i 1810 blev overført til Britisk museum... Det er svært at tro, at en så skrøbelig genstand kunne forblive intakt i så mange århundreder, men ikke desto mindre er det sådan. Portland-vasen overlevede andre fartøjer fra den hellenistiske æra i 1865-1875 år og ville være forblevet intakt yderligere, hvis ikke for den triste hændelse i 1845, hvor fartøjet blev smadret i stykker af en beruset museumsgæst. Nogle fragmenter af vasen gik tabt og fandt kun få år senere, hvorefter karret blev adskilt og limet flere gange. Det sidste restaureringsarbejde blev udført i 1988 og 1989, takket være hvilket det var muligt at bringe Portland-vasen tilbage til næsten dets oprindelige udseende.

10. Den lille havfrue (1913) af Edward Eriksen
(Edvard Eriksen - Den Lille Havfrue)

I lyset af at statuen "Den Lille Havfrue" er en af ​​Københavns hovedattraktioner, er det gentagne gange blevet forskellige årsager(oftest politisk) led under vandalernes hænder. I 1964 blev hovedet af statuen skåret ned og stjålet, hvorefter et nyt hoved blev lavet og installeret, igen stjålet efter nogen tid. I løbet af de næste år blev "Den lille havfrue" frataget højre hånd, blæst op med dynamit og dækket med maling i alle slags farver og nuancer. Måske kan "den lille havfrue" af Edward Eriksen kaldes det mest "langmodige" kunstværk i verden.

Folk elsker at rangordne alt, og udgøre en slags "charts" i de mest uventede nomineringer. Selv en så delikat sag som kunst undgik ikke denne skæbne, selvom man sammenlignede kunstværker meget hård. BBC News Channel har vurderet forskellige malerier, identificere de ti mest fremragende af dem. Selvfølgelig er denne vurdering meget kontroversiel, og læseren kan undre sig over, hvor rent faktisk Surikov, Levitan, Repin eller Chagall f.eks. Ak, briterne kan ikke lide at huske russiske præstationer, herunder i felten visuel kunst... En sådan skævhed forhindrer os dog ikke i at beundre disse vidunderlige malerier. Så:

Leonardo da Vinci, Den sidste nadver, (slutningen af ​​1490'erne)

Plottet gengiver det mest dramatiske øjeblik Hellig uge når Jesus, der spiser aftensmad med sine disciple, fortæller dem, at snart vil en af ​​dem forråde ham, og den anden vil give afkald på hans tro. Judas, som er fjerde fra venstre ved bordet, viser forlegenhed i al sin kropsholdning, resten af ​​apostlene udtrykker overraskelse og indignation. Maleriet var malet på væggen i klosterets refektorium og led desværre mange skader, som resulterede i, at det mistede mest originale forfatterbrev.

Giovanni Bellini, "gudernes fest" (1514)

Banket er et almindeligt emne italiensk maleri XVI århundrede, mange værker af renæssancen er dedikeret til ham. For eksempel afbildede kunstneren Andrea del Sarto endda en kirke lavet af pølse og parmesanost. Det meste af maleriet var malet af Bellini, men den unge Titian, som var hans elev på det tidspunkt, hjalp ham. Dette mesterværk er lavet i den mytologiske genre. Karaktererne var frugtbarhedsguden Priapus, nymfer, Jupiter og andre guddomme, vindrikkere... En teknisk innovation er det kinesiske blå-hvide porcelæn, der for nylig blev introduceret til Europa.

Paolo Veronese, "Brylluppet i Cana" (1563)

Denne lyse og farverige scene massefest hænger i den italienske fløj af Louvre lige over for Mona Lisa, hvilket desværre bidrager til ry for et af de mest forsømte mesterværker af al vestlig kunst. Brylluppet, hvor Kristus netop havde forvandlet vand til vin, blev flyttet fra Kana til nutidig forfatter Venedig. De smart klædte gæster ser ud til at have travlt med dessert, men kigger man godt efter, vil man bemærke, at ingen af ​​dem spiser. Dette skyldes det faktum, at maleriet skildrer repræsentanter for overklassen, som i modsætning til de almindelige ikke anså det for meget anstændigt at være interesseret i godbidder.

Diego Velazquez, Bacchus triumf (1628)

Hvidskindet, kronet med efeublade, sidder vinens gud i sjovt selskab... Som det sømmer sig for hans status, er han fuld. Ved siden af ​​ham står garvede arbejdere i spanske brune frakker, som ser meget mere ædru ud. Kunstneren skildrede en mytologisk scene, der er ret sjælden i hans arbejde. Velazquez bevægede sig væk fra det traditionelle billede af Bacchic sjov, som normalt overværes af nymfer, og vendte sig til en mere naturalistisk stil, der er karakteristisk for genrescener (bodegoner).

Peter Paul Rubens, "Herodes fest" (1635-38)

Fadets låg rejser sig, og under det er Johannes Døberens hoved. Rubens' storslåede dystre maleri viser det øjeblik, hvor Salome, efter at have danset for sin stedfar Herodes, modtager en helgens død som belønning. Det menneskelige hoved bliver fodret på festligt bord sammen med hummer og vildt. Herodias, Salomes mor, stikker Johns tunge med en gaffel, mens hendes mand er forfærdet.

Jan Steen, Det løsslupne hus (1663-64)

Hvis i æraen Højrenæssance Da kunstnere portrætterede guder eller aristokrater, vendte hollandske malere fra det 17. århundrede sig til hverdagsscener, nogle gange mættede med en moralsk og satirisk betydning. Det kan ses, at disse festglade synder sædvanligt og rutinemæssigt. Manden i sort forsøger at forføre tjenestepigen, og kvinden i forgrunden er så vild med at drikke, at hun ikke lægger mærke til Bibelen under sine fødder. En stor skinke, som tilsyneladende blev centrum for denne ferie, er glemt på gulvet, og en kat ser allerede interesseret på den.

John Martin, Belshazzars fest, (1821)

John Martin var en af ​​de mærkeligste englændere kunstnere XIXårhundrede. Hans stil er præget af apokalyptiske visioner, men overdreven prætentiøsitet bliver nogle gange til ærlig kitsch. På dette maleri skildrer han en scene fra Daniels Bog, hvor Babylons konge modtager et dårligt varsel. Grandiose søjlegange til det uendelige, frygtelige lyn på himlen og så videre ...

Edouard Manet, Morgenmad på græsset (1862)

Malerierne gik over i den vestlige kunsts historie, som afvist af Paris Salon og af Napoleon III selv, de overtrådte alle regler for perspektiv og ikonografi. Det er også uklart, hvorfor mænd er klædt i moderne kjole, kvinden er nøgen, og samtidig ser folk ikke på hinanden. Det er dog muligt, at Manet slet ikke skrev en picnic på trods af de frugter og ruller, der trillede ud af kurven på græsset. Mest sandsynligt er der ingen antydning af meningsfuld filosofi, moral eller mytologi, kunstneren skildrede simpelthen nogle fakta fra det moderne liv.

James Ensor, The Hungry Banket (1915)

Da i begyndelsen af ​​Første Verdenskrig tyske tropper besatte Belgien, skrev Ensor denne bitre parodi på " Den sidste nadver". På bordet står en elendig middag bestående af to gulerødder og et løg, insekter kravler over det hele. Væggene er prydet med grufulde malerier, og folk raser. Krigens rædsler manifesteres ikke kun på slagmarkerne, men i hverdagen, som dette billedværk fortæller om.

Judy Chicago, Middag (1974-79)

Du skulle være stor fan af amerikansk feministisk kunst for at få dette billede på listen over dusinvis bedste virker af alle tider og folk. Det viser en borddækning for tre dusin store kvinder, hvis navne ikke siger noget til vores landsmænd (undtagen måske, Virginia Wolfe). I midten af ​​sammensætningen er ikke mad, men låg. Chicago fuldførte dette arbejde med hjælp fra 400 frivillige.

CATHERINES EVENTYR II

Catherine II kan næppe kaldes en god mor: hendes vanskelige forhold til hendes eneste søn Paul (fremtidige Paul I) er et velkendt historisk kendsgerning... Drengen voksede op langt fra sin mor, han så hende sjældent. Catherine II fjernede vilkårligt sin søn fra magten, da hans far døde under et statskup, Peter III... Hele sit liv mistænkte Paul sin mor for at være involveret i sin fars død og kunne ikke tilgive hende for dette. Men Catherine IIs bedstemor var omsorgsfuld og følsom.

Hun håbede på direkte at overføre regeringstøjlerne til sit barnebarn Alexander, så hun var selv engageret i hans opdragelse og uddannelse. Til opbyggelsen af ​​sit barnebarn skrev kejserinden "Fortællingen om Tsarevich Chlorus" (en historie om en ung mand, der overvandt alle slags forhindringer på jagt efter magisk rose uden torne) og "Fortællingen om Prins Theben", dedikeret til opførselsreglerne for tronfølgeren.

Litteraturkritikere anser Catherine II's værker for at være de første litterære fortællinger i den russiske kulturs historie.

"Prinsen svarede:

Vi leder efter en rose uden torne, der ikke prikker.

Jeg hørte, - sagde den unge mand, - fra vores lærer om en rose uden torne, der ikke stikker. Denne blomst er intet andet end en dyd. Andre mener at nå det ad krogede stier, men kun en lige vej fører til det. Her er et bjerg i dit sind, hvorpå der vokser en rose uden torne, som ikke prikker; men vejen er stejl og stenet."

Catherine II, "Fortællingen om Tsarevich Chlorus"

PORTRÆTTER af Ilya Repin

Familielivet for Ilya Repin med sin første kone Vera var meget vanskeligt. Men problemer i forholdet til sin kone påvirkede ikke kunstnerens følelser for børn - Repin elskede dem meget. Hans ældste datter Vera blev ofte heltinde i hans malerier, for eksempel værkerne "Portræt af Vera Repina" (1878), "Dragonfly" (1884), " Efterårs buket"(1892). Repin malede også sin anden datter Nadia ikke mindre ofte - hun er også afbildet i malerierne "Portræt af Nadya Repina" (1881), "I solen" (1900). Den eneste søn Repin Yuri, som senere selv blev kunstner, poserede for sin far for hans børneportræt i 1882.

PORTRÆTTER AF KONSTANTIN MAKOVSKY

Konstantin Makovsky var gift tre gange. Hans første ægteskab var kortvarigt - Makovsky blev enke kort efter brylluppet. Men med sin anden kone, Yulia Letkova, levede han mere end 20 glade år... I dette ægteskab fik de tre børn, som blev kunstnerens yndlingsmodeller. I "Familieportræt" skildrede han sin kone med sin søn Sergei og datteren Elena. Unge Sergei blev helten i andre malerier, for eksempel "Den lille tyv" (1881), "Lille antikvar", "Portræt af en søn i en sømandsdragt".

Allerede i en ærværdig alder mødte Makovsky sin tredje kone, for hvilken han forlod sin tidligere familie. Fire børn fra dette ægteskab (Konstantin, Olga, Marina og Nikolai) Makovsky skrev lige så ofte som sine ældre.

PORTRÆTTER AF VALENTIN SEROV

Valentin Serov var en far stor familie- hans kone Olga Trubnikova fødte kunstneren seks børn, som Serov ofte malede. Blandt de berømte børneportrætter af kunstneren - et havportræt "Børn (Sasha og Yura Serov)", et portræt af "Misha Serov", en akvarelskitse "Sasha Serov", et maleri "Børn af kunstneren Olga og Antosha Serov" . Valentin Serovs børns liv udviklede sig på forskellige måder: den ældste datter Olga blev kunstner, søn Yuri blev filmskuespiller, og Alexander Serov, en skibsbygger og militærpilot, emigrerede til Libanon, hvor han var engageret i vejbygning.

PORTRÆTTER AF ZINAIDA SEREBRYAKOVA

Før revolutionen levede Zinaida Serebryakova lykkeligt med sin mand Boris Serebryakov og fire børn: Eugene, Alexander, Tatiana og Ekaterina. Børn poserede gladeligt til kunstnerens portrætter. Serebryakova portrætterede tre børn i maleriet "At Dinner", separat - den sovende søn Zhenya i en skitse-skitse fra 1908 og døtre i portrættet "Tata og Katya". I 1919 ændrede familiens liv sig - Serebryakovas mand døde. Så begyndte kunstneren at male sine børn endnu oftere og ledte efter trøst i dem. Billederne " korthus"," På terrassen i Kharkov ", samt adskillige portrætter af døtre. I 1924 blev Zinaida Serebryakova tvunget til at rejse til Frankrig og efterlade sine børn i USSR. Et par år senere var Alexander og Yekaterina i stand til at besøge hende, og hun var i stand til at se Tatyana Serebryakova kun 36 år senere.

DIGTE AF MARINA TSVETAEVA

Tsvetaeva skrev ofte i detaljer om sine børn - Ariadne, Irina og Georgy - i sine dagbøger og dedikerede adskillige digte til dem. Hendes hovedmuse var Ariadne. Hun skrev til hende for eksempel "Digte til hendes datter" og "Ale". Tsvetaeva var alvorligt bekymret over den tvungne adskillelse fra ældste datter da hun skulle sende Ariadne på et børnehjem, hvilket afspejlede sig i hendes digt "Lille hjemmets ånd, mit hjemlige geni." Tsvetaeva dedikerede ikke mindre tragisk digt "Under the Roar of Civil Storms" til Irina, der døde i en alder af tre.

Under brølet af civile storme
I en hård tid,
Jeg giver dig et navn - fred
Arven er azurblå.

Kom ud, kom ud, fjende!
Hold, treenig,
Arving til evige velsignelser
Baby Irina!

Marina Tsvetaeva

DIGTE AF BORIS PASTERNAK

I 1920'erne og 30'erne var børnedigte for mange digtere den eneste måde offentliggøre uden frygt for gengældelse. Det var på dette tidspunkt, at to "børns" digte af Pasternak blev udgivet i separate udgaver, skrevet dog ikke så meget for at tjene penge, men for at læse dem lille søn Eugene. Det var bøgerne "Menageri" med illustrationer af Nikolai Kupreyanov og "Karrusel" med tegninger af Nikolai Tyrsa. Disse digte er kun blevet genoptrykt én gang siden da, i 2016. Pasternak selv inspirerede som barn sin far-kunstner Leonid Pasternak til at skabe flere børneportrætter ("Portræt af Boris Pasternak mod Østersøens baggrund", grafisk "Boris Pasternak ved klaveret", "Sovende skoledreng").

... Pumaernes fjerne knurren
Går over i uharmonisk støj.
En knurren ruller gennem parken
Og himlen bliver varm
Men ikke en sky i sigte
I den zoologiske have.
Som godmodige naboer
Bjørne taler med børn
Og de ekkoende plader døver
Bjørneungers bare hæle.
Løber på en flisebelagt landgangsbro
Gå ned i ét undertøj
Hvide bjørne trekant
En familiedam.
Boris Pasternak, "Menageri"

EVENTYR AF BULAT OKUJAVA

Da Bulat Okudzhava i slutningen af ​​1960'erne boede i Jalta, skrev han breve til sin søn med eventyr og tegnede sjove billeder til dem. Han tænkte ikke engang på at udgive, før Bella Akhmadulina så denne korrespondance. På hendes råd kombinerede Okudzhava forskellige eventyr til én historie. Sådan udkom bogen "Adorable Adventures" - en historie om eksotiske væsner Craig Kootenay ram, Good Snake og Sea Gridig. Den blev udgivet i USSR i 1971 og udkom med illustrationer af forfatteren. Snart blev bogen oversat til flere fremmede sprog.

"Her er, hvad Craig Cooteney Sheep fortalte mig.

Engang gik jeg i Kootenay-bjergene. Pludselig ser jeg: Den ensomme lumske ulv sniger sig ind på mig. Jeg besluttede at spille ham et puds. Jeg er jo også meget snu. Jeg ville ikke slås med ham, og han ville huske min joke i lang tid.

Jeg skreg og løb som vinden. Ulven skyndte sig efter mig.

Aha! han råbte. - Du forlader mig ikke! Jeg spiser dig nu!

Han indhentede mig næsten, da jeg var på vej mod en dyb afgrund.

Aha! - råbte Ulven.

Og så sprang jeg. Jeg fløj meget let over afgrunden: jeg er trods alt meget fingernem, og den enlige forræderiske ulv faldt ned.

Han løb langs bunden af ​​afgrunden, men han kunne ikke komme ud. Så råbte han:

Red mig! Jeg vil aldrig igen. Jeg spiser kun græs.

Jeg sænkede rebet for ham. Han klatrede hurtigt over den, og da han kom ud, grinede han og sagde:

Og du troede mig, dit fjols... Du har virkelig besluttet, at jeg vil spise græs? Jeg har virkelig brug for dit dumme græs! Jeg kan godt lide kød! Og jeg spiser dig nu!

Han var ved at angribe mig igen, men jeg er meget klog. Jeg sprang og befandt mig på den anden side af afgrunden."

Bulat Okudzhava, "bedårende eventyr"