Drama Rusia kontemporari. Apa permainan terpenting abad XXI

Mengungkap sendiri teori drama, kita seolah-olah mendapati diri kita berada di alam semesta yang beroperasi mengikut undang-undang yang memukau dengan keindahan dan ketepatan matematik mereka. Drama ini berdasarkan undang-undang utama, intinya adalah perpaduan yang harmoni. Drama, seperti mana-mana karya seni, mestilah gambaran seni yang holistik.

Drama adalah teori dan seni membina karya dramatik.

Apa maksud lain yang digunakan kata yang diberi? Apa asasnya? Apa itu drama dalam sastera?

Definisi konsep

Terdapat beberapa makna konsep ini.

• Pertama, drama adalah asas penggabungan plot (konsep plot-kiasan) dari sinematik bebas atau karya teater... Prinsip asas mereka secara sejarah boleh berubah. Frasa terkenal seperti drama filem atau persembahan.

• teori drama. Itu ditafsirkan bukan sebagai tindakan yang telah terjadi, tetapi sebagai tindakan yang sedang berlangsung.
• Dan ketiga, drama adalah keseluruhan karya era tertentu, orang tertentu atau penulis.

Tindakan adalah perubahan yang diketahui pada selang waktu tertentu. Perubahan dalam drama sesuai dengan perubahan nasib. Dalam komedi dia gembira, dalam tragedi dia sedih. Jangka masa boleh berbeza-beza. Ia boleh menjadi beberapa jam (seperti dalam bahasa Perancis drama klasik) dan meliputi bertahun-tahun (seperti di William Shakespeare).

Peringkat drama

• Eksposisi membawa pembaca, pendengar atau penonton beraksi. Di sinilah kenalan pertama dengan watak-watak berlaku. Bahagian ini memperlihatkan kewarganegaraan orang, era ini dan masa-masa lain. Aksi boleh dimulakan dengan pantas dan aktif. Atau, sebaliknya, sedikit demi sedikit.
• Tali leher itu. Nama itu bercakap untuk dirinya sendiri. Unsur utama drama. Kemunculan konflik atau perkenalan pahlawan antara satu sama lain.
• Pembangunan tindakan dan gambar. Ketegangan secara beransur-ansur.
• Kemuncaknya boleh menjadi cerah dan mengagumkan. Titik tertinggi dari sekeping. Pergi ke sini luahan emosi, intensiti nafsu, dinamika plot atau hubungan pahlawan.
• Pertukaran. Menamatkan tindakan. Ia boleh beransur-ansur atau, sebaliknya, seketika. Ia secara tiba-tiba boleh mengganggu tindakan atau menjadi penghujungnya. Ini adalah hasil komposisi.

Rahsia ketukangan

Untuk mengetahui rahsia sastera atau kemahiran pentas, anda harus mengetahui asas-asas drama. Pertama sekali, ia adalah bentuk sebagai alat untuk menyatakan isi. Juga, dalam bentuk seni apa pun, selalu ada gambar. Selalunya ini adalah versi realiti khayalan, yang digambarkan melalui muzik lembaran, kanvas, kata, plastik, dan lain-lain. Semasa membuat gambar, penulis mesti mengambil kira bahawa peserta utama akan menjadi penonton, pembaca atau pendengar (bergantung pada jenisnya seni). Unsur utama seterusnya dalam drama adalah aksi. Ini menyiratkan adanya kontradiksi, dan di dalamnya pasti ada konflik dan drama.

Inti drama adalah penekanan kehendak bebas, titik tertinggi adalah kematian ganas... Masa tua dan tidak dapat dielakkan kematian juga dramatik. Bencana alam menjadi dramatik apabila orang mati.

Karya pengarang mengenai karya bermula apabila topik itu timbul. Idea menyelesaikan masalah topik yang dipilih. Ia tidak pernah statik atau terbuka. Sekiranya ia berhenti berkembang, maka ia akan mati. Konflik adalah tahap tertinggi dalam manifestasi percanggahan dramatik. Untuk pelaksanaannya, plot diperlukan. Rangkaian peristiwa disusun menjadi jalan cerita yang memperincikan konflik melalui konkritisasi plot. Terdapat juga rantai peristiwa seperti intrik.

Seni dramatis separuh kedua abad ke-20

Drama moden bukan sekadar jangka waktu tertentu, tetapi keseluruhan proses pembakaran. Hak cipta seluruh generasi dan pelbagai arah kreatif terlibat di dalamnya. Perwakilan seperti Arbuzov, Vampilov, Rozov dan Shchvarts adalah inovator genre drama sosio-psikologi. Drama kontemporari tidak berhenti, terus dikemas kini, dikembangkan dan dipindahkan. Di antara sebilangan besar gaya dan genre yang merangkul teater dari akhir 50-an abad ke-20 hingga zaman kita, permainan sosio-psikologi jelas mendominasi. Banyak dari mereka mempunyai implikasi falsafah yang mendalam.

Selama beberapa dekad, drama moden telah berusaha mengatasi klise yang sudah ada, untuk lebih dekat dengan kehidupan pahlawan yang sebenar dalam menyelesaikan masalahnya.

Apa itu drama dalam sastera?

Drama adalah dalam kesusasteraan jenis khas, yang memiliki bentuk dialog dan dimaksudkan untuk diwujudkan di atas panggung. Pada asasnya, inilah kehidupan watak di atas pentas. Dalam drama, mereka hidup dan berkembang biak kehidupan sebenar dengan semua konflik dan percanggahan yang dihasilkan.

Momen-momen yang diperlukan agar karya bertulis dapat hidup di atas pentas dan membangkitkan emosi tertentu di khalayak:

• Seni drama dan pengarahan mesti dihubungkan dengan inspirasi.
• Pengarah mesti dapat membaca karya-karya dramatis dengan betul, memeriksa komposisi mereka, mengambil kira bentuknya.
• Memahami logik proses holistik. Setiap tindakan seterusnya harus berjalan lancar dari yang sebelumnya.
• Pengarah mempunyai kaedah teknik artistik.
• Berusahalah untuk hasilnya untuk semua orang pasukan kreatif... Persembahan mesti difikirkan dengan teliti, kaya secara ideologi dan teratur dengan jelas.

Karya dramatik

Terdapat sebilangan besar dari mereka. Sebahagian daripada mereka harus disenaraikan sebagai contoh:

• Othello, Impian Malam Musim Panas, Romeo dan Juliet oleh Shakespeare.
• "Badai Petir" oleh Ostrovsky.
• "Ketua Polis Negara" Gogol.

Oleh itu, drama adalah teori dan seni membina karya-karya dramatik. Ini juga merupakan dasar penggabungan plot, sekumpulan karya dan teori drama. Terdapat pentas drama. permulaan, pengembangan, kemuncak dan penukaran. Untuk memahami rahsia drama, anda perlu mengetahui asasnya.

Meneruskan analisis playbill yang dimulakan dalam terbitan sebelumnya, "Teater." memutuskan untuk mengira berapa bahagian dari jumlah persembahan di Moscow dan St. prinsip umum dasar repertoir kedua ibu negara.

1. Pemimpin repertoir Moscow dan Peter Chekhov. Terdapat 31 persembahan Chekhov di playbill Moscow, 12 di St Petersburg. Drama klasik sangat diminati (di Moscow sudah ada lima Cherry Orchards dan lima Seagulls), tetapi prosa juga digunakan: Three Years, The Lady with the Dog, "Bride", dll. Selalunya pengarah menggabungkan beberapa cerita lucu- seperti yang dilakukan, misalnya, dalam persembahan teater Et Cetera "Faces".

2. Chekhov sedikit lebih rendah daripada Ostrovsky: di playbill Moscow terdapat 27 drama, di St. Petersburg - 10. "Mad Money", "Forest", "Wolves and Sheep" sangat digemari. Namun, setelah diperiksa lebih dekat, bukan Ostrovsky, tetapi Pushkin, yang berada di barisan kedua penarafan di St Petersburg: di St Petersburg terdapat 12 persembahan Pushkin berbanding 10 persembahan Ostrovsky. Mereka menggunakan drama, prosa, dan komposisi asli, seperti "BALbesy (Pushkin. Three Tales") atau "Don Juan dan lain-lain."

3. Shakespeare mendapat tempat ketiga di kedua ibu kota (18 persembahan di Moscow dan 10 di St. Petersburg). Di Moscow, Hamlet memimpin, di St. Petersburg - Love's Labour's Lost.

4. Gogol - dari segi peratusan - juga dihormati dengan cara yang sama. Di Moscow terdapat 15 pertunjukan, di St. Petersburg - 8. Sudah tentu, "Perkahwinan" dan "Inspektor Jeneral" mendahului.

5. Pushkin menempati barisan kelima di Moscow (ada 13 pertunjukan berdasarkan karya-karyanya di playbill), dan di St. Petersburg, poin kelima dikongsi oleh Tennessee Williams dan Yuri Smirnov-Nesvitsky, seorang penulis drama dan pengarah yang mementaskannya drama sendiri: "Kerinduan Jiwa Rita V." "Di meja hantu", "Windows, jalan, pintu masuk", dll.

6. Mulai dari sudut ini, dasar repertoar kedua-dua ibu kota berbeza dengan ketara. Tempat keenam dalam penilaian Moscow dihuni oleh Dostoevsky (12 persembahan di playbill), yang paling popular " Impian pakcik". Di St. Petersburg, Dostoevsky berkongsi baris keenam dengan: Vampilov, Schwartz, Anui, Turgenev, Neil Simon dan Sergei Mikhalkov. Nama-nama semua pengarang yang disenaraikan muncul di playbill Petersburg sebanyak tiga kali.

7. Setelah Dostoevsky di Moscow muncul Bulgakov (11 persembahan), yang paling popular adalah "Kabbalah suci". Di St Petersburg terdapat sebilangan besar kelas satu, kelas kedua, dan tidak diketahui golongan penulis mana yang dikaitkan. Karya Wilde, Strindberg, Mrozhek, Gorky, Moliere with Schiller, Lyudmila Ulitskaya, dan "Achaean" Maxim Isaev muncul di poster sama seperti karya Gennady Volnokhodets ("Minum Laut" dan "The Architect of Love) "), Konstantin Gershov (" Nose- Angeles "," Lucu pada tahun 2000 ") atau Valery Zimin (" The Adventures of Chubrik "," Bris! Atau kisah-kisah kucing Filofey ").

8. Mengikuti Bulgakov di Moscow adalah Alexander Prakhov dan Kirill Korolev, yang mementaskan apa yang mereka buat sendiri. Lelucon sebagai jenaka, dan di playbill Moscow terdapat 9 (!) Persembahan oleh setiap pengarang ini. Di antara sandiwara Ratu adalah "Menunggang Bintang", "Dunia Ini Tidak Dicipta oleh Kami", "Hingga Akhir Lingkaran, atau Putri dan Sampah." Peru Prakhova memiliki: "Cornice untuk perbualan", "Anjing saya", "Burung-kerbau", "Biarkan semuanya seperti apa?!", "Selamat ulang tahun! Doktor "dan drama lain. Di St Petersburg, yang kelapan dan, ternyata, baris terakhir penarafan dihuni oleh kira-kira lima puluh pengarang, nama masing-masing muncul di papan iklan sekali. Antaranya: Arbuzov, Griboyedov, Albert Ivanov ("The Adventures of Khoma and the Gopher"), duet kreatif Andrei Kurbsky dan Marcel Berkier-Marinier ("Three of Love"), Arthur Miller, Sukhovo-Kobylin, Brecht, Shaw , Grossman, Petrushevskaya, Alexey Ispolatov ("Desa melewati petani") dan banyak lagi nama, di antaranya, setelah diperiksa dekat, seseorang dapat melihat sebanyak dua karya penulis drama baru: "The Apple Thief" oleh Ksenia Dragunskaya dan "Locust" oleh Bilyana Srblyanovich.

9. Baris kesembilan di Moscow dikongsi oleh Schwartz, Moliere dan Williams - masing-masing mempunyai 7 nama di dalam poster. Pemimpinnya adalah "Tartuffe" dan "Glass Menagerie".

10. Seterusnya adalah penulis yang namanya muncul di playbill Moscow sebanyak 6 kali. Ini adalah Beckett yang tidak masuk akal dan kesatuan kreatif Irina Egorova dan Alena Chubarova, yang menggabungkan tulisan dengan tugas masing-masing, ketua pengarah dan pengarah artistik teater Moscow "Comediant". Teman wanita Playwright Mengkhususkan Hidup orang luar biasa... Dari bawah pena mereka muncul drama-drama yang menjadi asas persembahan "Lebih daripada teater!" (tentang Stanislavsky), "Sadovaya, 10, kemudian - di mana-mana ..." (mengenai Bulgakov), "Bilik dengan empat meja" (juga mengenai Bulgakov), serta drama "Shindry-Byndra", yang, setelah diperiksa lebih dekat , ternyata kisah dongeng tentang Baba Yaga, kucing terpelajar dan pengembala Nikita.

Di luar sepuluh teratas, dalam urutan menurun, di Moscow tetap ada: Vampilov, Saroyan, box office Erik-Emmanuel Schmitt dan Yannis Ritsos, intelektual murni intelektual, penulis drama Yunani tua, yang menulis ulang versi moden drama kuno. Alexander Volodin, Boris Akunin, Evgeny Grishkovets, Gorky, Rostan dan Yuliy Kim masing-masing mempunyai 4 sebutan. Sungguh mengagumkan bahawa mereka lebih rendah daripada Ray Cooney (!), Serta Wilde dan Harms - masing-masing 3 menyebut. Nama-nama Vazhdi Muavad, Vasily Sigarev, Elena Isaeva, Martin McDonagh dan Mikhail Ugarov disebut dua kali dalam poster Moscow, begitu juga dengan nama-nama klasik seperti Sophocles, Beaumarchais dan Leo Tolstoy.

Pusat Drama dan Pengarahan dan Teater tetap berada di luar ruang lingkup kajian repertoar ini. doc dan Praktika - mereka hanya tidak menghantar repertoar mereka ke pejabat editorial panduan pengumpulan data " Teater Rusia". Tetapi walaupun dengan penyertaan mereka, gambar itu tidak akan banyak berubah.

Rangkai dua Ibu negara Rusia hanya ada sedikit drama baru Rusia dan praktikalnya tidak moden yang berkualiti tinggi prosa domestik... Bagi pengarang asing dua atau tiga dekad terakhir - dari Heiner Müller hingga Elfriede Jelinek, dari Bernard-Marie Coltes hingga Sarah Kane, dari Boto Strauss hingga Jean-Luc Lagarse, maka mereka semestinya dicari dalam poster dengan api ketika hari itu. Sebilangan besar poster Moscow dan St Petersburg tidak dipenuhi dengan drama terjemahan box office, yang entah bagaimana dapat difahami, tetapi dengan nama-nama yang tidak mengatakan apa-apa kepada siapa pun seperti "Dialog Lelaki" oleh Artur Artimentyev dan "Alien Windows ”oleh Alexei Burykin. Oleh itu, ada perasaan bahawa prinsip utama dan teater dari teater di ibu kota adalah prinsip pembersih vakum.

Semasa menyusun bahan, data yang disediakan oleh buku rujukan "Theatrical Russia" digunakan

Pada pergantian abad, generasi dua puluhan memasuki drama. Karya-karya mereka, sebagai peraturan, sangat suram dan dalam satu bentuk atau yang lain meneroka masalah kejahatan. Tempat utama dalam pementasan ditempati oleh penggambaran tidak berperikemanusiaan dan keganasan lebih kerap untuk semua perkara bukan dari negara, tetapi kejahatan, yang berakar pada hubungan orang dan memberi kesaksian bahawa jiwa mereka dimutilasi. Seperti "Plasticine" oleh Sigarev, "Claustrophobia" oleh Konstantin Kostenko, "Oksigen" oleh Ivan Viropaev, "Pub" oleh saudara Presnyakov. Permainan suram seperti itu dan dalam kuantiti sebegitu tidak pernah berlaku pada zaman bawah tanah. Ini menunjukkan kekecewaan nilai. tamadun moden dan pada orang itu sendiri. Dengan kaedah sebaliknya, menebalkan warna hitam, pengarang muda mempertahankan cita-cita kemanusiaan.

Pembuatan semula juga menduduki tempat yang penting dalam drama moden - versi baru dan moden karya terkenal... Playwrights beralih ke Shakespeare, seperti yang dibuktikan oleh "Hamlet. Versi "Boris Akunin," Dusun. Aksi nol "oleh Petrushevskaya," Dusun "oleh Klim (Klimenko)," Wabak di kedua rumah anda "oleh Grigory Gorin. Dari pengarang Rusia mereka beralih ke Pushkin (“Dry, Sieben, Ass, atau Ratu Sekop"Kolyada), Gogol (" Old World Love "oleh Kolyada," Bashmachkin "oleh Bogaev), Dostoevsky (" Paradoxes of Crime "oleh Klim), Tolstoy (" Anna Karenina - 2 "oleh Shishkin: ada kemungkinan Anna tetap hidup) ), Chekhova ("The Seagull. Versi" Akunin).

Tema utama drama moden adalah manusia dan masyarakat. Kemodenan di wajah mencerminkan karya penulis drama realis. Anda boleh merujuk karya seperti "Persaingan" karya Alexander Galin, "Gairah Perancis di dacha berhampiran Moscow" oleh Rozumovskaya, "Temubual percubaan mengenai topik kebebasan" oleh Arbatova dan banyak lagi. Maria Arbatova berjaya membangkitkan minat terbesar di kalangan wakil-wakil drama realistik pada tahun 90-an berkat feminis yang bermasalah, yang baru bagi kesusasteraan Rusia.

Kriteria klasik semasa penilaian kemodenan diakui lebih objektif daripada kriteria ideologi. Dalam kes lain, pendahulunya dipertikaikan atau diperhatikan. Tetapi, pertama sekali, drama ini merujuk kepada nilai-nilai kemanusiaan sejagat yang diwariskan oleh golongan klasik. Drama terbaik yang dihasilkan oleh penulis drama kontemporari telah menjadi milik bukan sahaja drama Rusia, tetapi juga drama asing.

Sastera Rusia akhir XX - awal XXI Seni. secara amnya mempunyai kepentingan yang besar. Dia mengajar untuk berfikir, membentuk perasaan moral, objek kepada yang jelek, memberi (selalunya dalam bentuk perantaraan) idea yang indah dan diinginkan.

14 Julai 2010

Satu lagi tema popular drama politik ialah tema totalitarianisme, penindasan individu di bawah keadaan sistem Stalinis. Dalam drama M. Shatrov tahun-tahun ini - "Dictatorship of Conscience" (1986) dan "Lebih jauh ... lebih jauh ... lebih jauh ..." (1985) (serta diterbitkan pada tahun 1987 Brest Peace, 1962) - imej diktator berdaulat dan tunggal Stalin berbeza dengan Lenin yang bijak, berpandangan jauh dan "demokrat". Tidak perlu dikatakan, karya-karya Shatrov kehilangan kaitannya dengan segera setelah fakta baru mengenai keperibadian dan sifat aktiviti "pemimpin proletariat dunia" diungkapkan kepada masyarakat. Mitos Ilyich yang ideal runtuh, dan dengan itu "pembuatan mitos" penulis drama Shatrov berhenti.

Sekiranya M. Shatrov menggarap tema Stalinis dalam kerangka teater tradisional dan realistik, maka drama akan segera muncul di mana percubaan dibuat (tentunya kontroversial dan tidak selalu meyakinkan) untuk mempersembahkan tokoh-tokoh yang dikemukakan oleh ideologi Soviet dalam bentuk parodi, aneh. Jadi, pada tahun 1989. ketenaran menerima "paratragedy" dalam puisi V. Korkia "Hitam, atau saya, Coco Dzhugashvili miskin", dipentaskan di Teater pelajar Universiti Negeri Moscow.

Ketika seluruh aliran memoar mengenai pengalaman perkemahan orang-orang yang mengalami nasib kejam untuk mengalami tekanan sistem totaliter yang dituangkan kepada pembaca, mereka juga pergi ke panggung teater wira tragis era Gulag. Drama cerita oleh E. Ginzburg menikmati kejayaan besar dan wajar. Laluan curam"Di pentas Teater Sovremennik. Masa perestroika dan pasca-perestroika sangat diminati untuk drama sepuluh atau dua puluh tahun yang lalu, dengan pengecualian yang jarang berlaku dalam bentuk seni dan dokumentari tradisional, yang menafsirkan pengalaman kem: "Republik Tenaga Kerja" oleh A. Solzhenitsyn, "Kolyma" oleh I. Dvoretsky, "Anna Ivanovna" oleh V. Shalamov, "Tiga" oleh Y. Edlis, "Empat soal siasat" oleh A. Stavitsky.

Berdiri, tetap manusia keadaan tidak berperikemanusiaan kem adalah sumber utama wira karya ini. Definisi mekanisme psikologi yang mengatur keperibadian adalah tema utama mereka.

Pada akhir tahun 1980-an, usaha dibuat untuk menggunakan sistem estetika lain yang sama material, untuk menerjemahkan konflik antara individu dan masyarakat totaliter menjadi yang lebih luas dan universal, seperti yang berlaku dalam novel anti-utopia oleh E Zamyatin atau J. Orwell. Anti-utopia yang begitu dramatik dapat dianggap sandiwara A. Kazantsev “ Budha yang hebat, tolong mereka! " (1988). Aksi kerja itu berlaku dalam "Komuniti teladan yang dinamai Ide Besar". Rezim yang berkuasa di sana ditandai dengan kekejaman khusus terhadap semua jenis perbezaan pendapat, manusia diturunkan menjadi makhluk primitif dengan naluri primitif dan satu-satunya manifestasi emosi yang kuat - ketakutan terhadap haiwan.

Dalam semangat teater absurdis, V. Voinovich cuba mengemukakan konflik yang sama di Tribunal (1984, diterbitkan pada tahun 1989). Percubaan untuk membuat teater versi Soviet yang tidak masuk akal dalam kes ini tidak boleh dianggap benar-benar berjaya, sifat sekunder jelas dirasakan di sini, pertama sekali, pengaruh "Proses" F. Kafka. Dan realiti Soviet itu sendiri sangat tidak masuk akal sehingga usaha untuk sekali lagi “menyerahkan” dunia yang sudah lama menderita, untuk mengubahnya menjadi prosedur kehakiman yang berterusan atas orang yang hidup tidak dapat meyakinkan secara artistik.

Sudah tentu, perlu diperhatikan bahawa masalah hubungan antara individu dan negara adalah salah satu yang paling mendesak dan akan selalu memberikan tempat yang kaya untuk penemuan seni.

Keupayaan untuk bebas membicarakan topik yang dilarang sebelumnya, masalah sosial dan moral masyarakat dalam tempoh perestroika menyebabkan kenyataan bahawa adegan domestik dipenuhi terutamanya oleh semua jenis watak dari "bawah": pelacur dan penagih dadah, orang-orang gelandangan dan penjenayah dari semua jalur. Sebilangan penulis mengarang mereka yang terpinggir, yang lain berusaha untuk mengungkapkan jiwa mereka yang terluka kepada pembaca dan penonton sebaik mungkin, yang lain mengaku digambarkan. " kebenaran hidup Dalam semua ketelanjangannya yang tidak tersembunyi. Pemimpin yang jelas musim teater 1987-1989. Karya-karya seperti itu menjadi: "Bintang di langit pagi" oleh A. Galina, "Dump" oleh A. Dudarev, "Meja wanita di ruang berburu" oleh V. Merezhko, "Adegan sukan 1981" dan "Dekameron kami" oleh E Radzinsky.

Dari drama komik yang disebutkan di atas, A. Galin adalah yang pertama membawa pemandangan teater seluruh negara sebagai "heroin" baru pada masa itu, walaupun topik pelacuran menjadi tidak asing lagi dalam kewartawanan akhbar dan majalah. Pada masa The Stars in the Morning Sky diciptakan, nama penulis drama terkenal. "Perjalanan kemenangan bertahun-tahunnya melalui panggung di negara kita dan di luar negeri, - tulis pengkritik teater I. Vasilinina, - A. Galin dimulakan dengan drama" Retro ".<...>Walaupun dia tidak sampai ke dasar alasan sebenar untuk ini atau fenomena kehidupan dalam setiap lakonannya, dia selalu dengan tepat menemukan moden yang menyakitkan, konflik dan, kerana ini, situasi yang menarik. Kadang-kadang dia tidak terlalu sibuk dengan asas sosial nasib wanita, ketergantungannya yang tidak selesa pada iklim ekonomi dan politik umum negara, tetapi dia pasti bersimpati dengan wanita itu, menunjukkan minat, perhatian, kebaikan kepadanya. "

Kata-kata ini benar terutama berkaitan dengan drama "Stars in the Morning Sky". Setelah membaca Galinskiy, kami memahami bahawa penulis drama telah mengambil kedudukan sebagai peguam yang berhati-hati dalam hubungannya dengan heroinnya. Pelacuran adalah kenyataan realiti kita, dan siapa pun cenderung menuduhnya, tetapi bukan pelacur itu sendiri. Inilah masyarakat munafik dan munafik yang secara sembunyi menyembunyikan "ngengat" sejauh kilometer ke-101, agar tidak menggelapkan pemandangan teladan Olimpik Moscow. Di sini ada bayi atau, sebaliknya, kejam dengan cara terbaik, lelaki yang telah kehilangan rasa hormat terhadap seorang wanita. Dan inilah wanita yang malang itu sendiri - dan apa sahaja nasib, maka " Sonechka yang kekal Marmeladova, selagi dunia ini berdiri. " Cuma, tidak seperti pahlawan wanita Dostoevsky, di sini tidak ada yang mengeksekusi dirinya sendiri, apalagi, dia bahkan tidak memikirkan hakikat bahawa, mungkin, pada suatu ketika ada kesalahan, bahawa masih ada pilihan. Oleh itu, tiada satu pun dari empat watak utama yang mencari jalan keluar dari keadaan mereka sekarang. Penulis drama itu tidak menawarkannya, walaupun dia sengaja menekankan hubungan alkitabiah dalam nasib Mary, mungkin "penderita" utama di halaman-halaman drama itu. Motif Kristiani, menurut saya, muncul dalam "Bintang di Langit Pagi" sama-sama sia-sia, kerana kisah itu sendiri yang diceritakan oleh penulis drama, plot yang agak teater dan tidak masuk akal dalam banyak cara "tidak mencapai" ketinggian alkitabiah.

Perendaman yang semakin sembrono dalam masalah “bawah”, dalam sinisme dan kekejaman dalam kehidupan seharian, memberi makan dan mengasuh salah satu penulis drama paling popular generasi baru - Nikolai Kolyada. Sehingga kini, dia telah membuat lebih dari 20 drama, yang pasti merupakan rekod pada tahun 1990-an. Sejauh mana perhatian terhadap penulis drama itu wajar diperhatikan, tetapi alasan untuk perhatian ini dapat difahami. Kolyada, tidak seperti penulis drama " gelombang baru", Menimbulkan sentimentalitas dan kecerahan teater semata-mata ke drama sehari-hari yang sudah biasa. Dalam kebanyakan karyanya ("The Game of Forfeits", "Barack", "Murlin Murlo", "Boater", "Slingshot") kita disambut oleh suasana yang paling primitif - perumahan tipikal yang kurang lebih: "Kertas dinding di pangsapuri jatuh. Semua dindingnya berdarah. Pemilik pangsapuri, seolah-olah terlepas dari seseorang, kutu busuk dihancurkan. Di luar tingkap terdapat bunyi samar, aneh, tidak dapat difahami, di bandar malam. Kedua-dua orang ini sama peliknya. Seolah-olah benang perak membentang di antara mereka dan menghubungkannya "(" Slingshot "). Sudah dari ucapan di atas, jelas bahawa kekotoran dan celaka dunia sekitarnya sama sekali tidak mengganggu kefasihan nafsu penulis drama.

Dengan kontras antara vulgar dan luhur, Kolyada membina dan watak-watak pahlawannya. Semua sifat dan sifat mereka jelas dibesar-besarkan, reaksi mereka ditinggikan, sehingga suasana tindakan yang berterusan di sini adalah skandal. Wira dapat menyelesaikan sesuatu secara eksklusif dengan suara yang tinggi. Hanya dalam ucapan terakhir drama "Murlin Murlo" terdapat 25 tanda seru. Namun, perlu diperhatikan bahawa watak-watak Kolyada bertengkar dengan sangat bijak, kerana skandal untuk mereka adalah satu-satunya percutian dan hiburan dalam hidup mereka.

Pembinaan plot dalam karya penulis drama ini juga tidak berbeza. Biasanya dia mengikuti satu corak win-win: di sebuah bandar provinsi dengan keberadaannya yang monoton dan separuh miskin, Seseorang Cantik tiba-tiba muncul, seorang tetamu yang berkunjung, mengganggu kehidupan yang membosankan dan biasa. Dengan kedatangannya, dia memberi harapan kepada penduduk tempatan yang miskin untuk yang terbaik, untuk cinta, persefahaman, pemurnian. Pengakhiran ceritanya mungkin berbeza, tetapi lebih kerap ia tetap tidak ada harapan. Para pahlawan ditinggalkan dengan nasib yang hancur dan harapan yang kecewa. Dalam "Slingshot", misalnya, pendatang baru yang cantik bernama Anton, walaupun dia kembali, tetapi terlambat - pemiliknya telah membunuh diri. Dan dalam "Murlin Murlo" watak utama Alexei ternyata pengecut dan pengkhianat.

Pengkritik dengan tepat menyatakan bahawa titik paling lemah dalam drama Kolyada adalah monolog pahlawan, dan semakin lama, semakin ketara kemiskinan bahasa mereka, yang kebanyakannya terdiri daripada klise dan vulgarisme.

Karya-karya N. Kolyada ingin tahu, pertama sekali, kerana mereka merangkum perkembangan "drama baru" dengan cara tertentu. Teknik avant-garde, perincian mengejutkan dan pahlawan marginal masuk ke dalam kategori budaya massa, kehilangan ketajaman histeris dan menyakitkan yang menjadi ciri watak dan konflik drama L. Petrushevskaya.

Seperti kesusasteraan Rusia pada awal abad ini, drama ditandai dengan semangat pluralisme estetik. Ini mengemukakan realisme, modenisme, postmodernisme. Perwakilan dari generasi yang berbeza mengambil bahagian dalam penciptaan drama moden: akhirnya, wakil yang sah dari gelombang pasca-vampilov Petrushevskaya, Arbatova, Kazantsev, pencipta drama pascamoden Prigov, Sorokin, serta wakil-wakil drama tahun sembilan puluhan . The playwrights Ugarov, Grishkovets, Dragunskaya, Mikhailova, Slapovsky, Kurochkin dan lain-lain berjaya menarik perhatian mereka sendiri - keseluruhan galaksi pengarang yang menarik dan berbeza.

Tema utama drama kontemporari adalah manusia dan masyarakat. Kemodenan dalam wajah mencerminkan kreativiti penulis drama realis. Anda boleh merujuk karya seperti "Persaingan" karya Alexander Galin, "Gairah Perancis di dacha berhampiran Moscow" oleh Razumovskaya, "Temu ramah percubaan mengenai topik kebebasan" oleh Arbatova dan banyak lagi. Maria Arbatova berjaya membangkitkan minat terbesar di kalangan wakil-wakil drama realistik pada tahun 90-an berkat feminis yang bermasalah, yang baru bagi kesusasteraan Rusia.

Feminisme memperjuangkan pembebasan dan persamaan wanita. Pada tahun 1990-an, pendekatan gender untuk masalah ini dapat dilihat. Terjemahan harfiah dari kata "jantina" adalah "seks", tetapi jantina dalam hal ini dipahami tidak hanya sebagai faktor biofisik, tetapi juga sebagai faktor sosio-biokultur yang membentuk stereotaip tertentu lelaki dan wanita. Secara tradisional, dalam sejarah dunia ribuan tahun terakhir, wanita diberi tempat kedua, dan kata "lelaki" dalam semua bahasa adalah maskulin.

Dalam salah satu pidatonya, sebagai tanggapan terhadap kata-kata "Sudah ada pembebasan di Rusia, mengapa anda menerobos gerbang terbuka?" Arbatova berkata: “Untuk membicarakan pembebasan wanita yang telah berlaku, kita perlu melihat berapa banyak wanita yang berada di cabang kekuasaan, bagaimana mereka dibenarkan mengakses sumber [anggaran nasional] dan membuat keputusan. Setelah mengkaji angka tersebut, anda akan melihat bahawa tidak ada pembicaraan mengenai pembebasan wanita yang serius di Rusia. Wanita itu ... didiskriminasi di pasaran buruh. Seorang wanita tidak dilindungi dari ... keganasan rumah tangga dan seksual yang mengerikan ... Undang-undang mengenai perkara ini berfungsi sedemikian rupa untuk melindungi perogol ... seperti yang ditulis oleh lelaki. " Hanya sebahagian daripada pernyataan Arbatova yang dipetik untuk menunjukkan kesahihan pergerakan wanita yang mulai membuat diri mereka dikenali di Rusia.

Latar belakang muzik dari drama ini adalah lagu "Under the Blue Sky" oleh Khvostenko - Grebenshchikov. Lagu ini dipelajari oleh anak perempuan jiran, muziknya kedengaran tidak sesuai dan tidak sesuai. Lagu mengenai bandar yang ideal ternyata manja. Melodi manja seperti iringan lagu yang tidak berjaya kehidupan keluarga, di mana, bukannya keharmonian, kebencian dan kesakitan memerintah.

Arbatova menunjukkan bahawa seorang wanita yang bebas, menegaskan dirinya, tidak boleh mengulangi lelaki biasa, meminjam psikologinya. Mengenai ini - dalam permainan "War of Reflections". Di sini jenis wanita Rusia baru diciptakan semula, berusaha untuk bersikap seperti itu, menurut ideanya yang salah, kebanyakan wanita di Barat berkelakuan. "Saya juga percaya bahawa seorang lelaki adalah objek pemakaian, dan saya juga menuntut keselesaan darinya. Biarkan dia bersih dan diam. " Lelaki dan wanita menjadi cermin dalam permainan, saling mencerminkan. Buat pertama kalinya, seorang pahlawan lelaki mendapat peluang untuk melihat dirinya dari luar dalam bentuk monster moral. Feminisme baru tidak bermaksud perang antara jantina, tetapi kesamaan, kesetaraan mereka.

Untuk soalan "Adakah anda melihat bahaya dari feminisme?" Arbatova memberikan contoh negara-negara scandinavia, di mana sehingga 70% ulama adalah wanita, separuh parlimen dan kabinet menteri dihuni oleh wanita. Akibatnya, mereka mempunyai "dasar yang paling seimbang, jaminan sosial tertinggi dan masyarakat yang paling sah."

Drama lain oleh Arbatova juga berjaya - "Pengambilan Bastille" (mengenai keaslian feminisme Rusia dibandingkan dengan Barat) dan "Percubaan percubaan mengenai topik kebebasan" (percubaan untuk menunjukkan seorang wanita yang berjaya moden).

Sejak pertengahan 1990-an, Arbatova meninggalkan drama untuk politik dan hanya menulis prosa autobiografi. Skoropanova percaya bahawa drama dalam diri Arbatova telah banyak kehilangan. Drama yang diterbitkan itu relevan hingga hari ini.

Realisme dalam drama sebahagiannya dimodenkan dan dapat disintesis dengan unsur-unsur puisi orang lain sistem seni... Secara khusus, terdapat aliran realisme seperti "sentimentalisme kejam" - gabungan puisi realisme kejam dan sentimentalisme. Penulis drama Nikolai Kolyada diakui sebagai penguasa trend ini. "Pergi, pergi" (1998) - pengarang menghidupkan semula garis lelaki kecil dalam kesusasteraan. "Orang-orang yang saya tulis adalah orang-orang di wilayah-wilayah ... Mereka berusaha untuk terbang di atas rawa, tetapi Tuhan tidak memberi mereka sayap." Permainan ini terletak di sebuah bandar kecil bersebelahan dengan unit ketenteraan. Dari tentera, wanita lajang melahirkan anak dan kekal sebagai ibu tunggal. Separuh daripada penduduk bandar seperti itu, jika mereka berjaya keluar dari kemiskinan, tidak berjaya menjadi bahagia. Kehidupan mengeraskan pahlawan wanita, Lyudmila, tetapi jauh di dalam jiwanya dia mempertahankan kelembutan, kehangatan dan kedalaman cinta, itulah sebabnya Lyudmila mengumumkan hasratnya untuk bertemu seorang lelaki untuk mewujudkan keluarga. Dalam hidupnya, Valentin tertentu muncul, namun kenyataannya mengecewakan: dia (seperti Lyudmila - suaminya) ingin mencari pasangan yang kuat dan kaya. Pada hari Jumaat, bandar itu jatuh dalam keadaan mabuk yang tidak terkawal, dan Valentine tiba hanya pada hari Sabtu dan Ahad. Semasa perayaan berikutnya, para pendatang menghina Lyudmila, dan Valentin berdiri untuknya. Ini adalah kejutan yang nyata baginya: untuk pertama kalinya dalam hidupnya (heroin anak perempuan dewasa) seorang lelaki berdiri untuknya. Lyudmila menangis dengan gembira kerana diperlakukan seperti orang. Nota sentimental yang meliputi permainan Kolyada mencerminkan perlunya kebaikan dan belas kasihan. Fakta bahawa semua orang tidak berpuas hati, Kolyada ingin menonjolkan karya ini dan karya-karyanya yang lain. Kasihan meresap semua yang ditulis oleh Kolyada dan menentukan spesifik karyanya.

Di latar depan drama mungkin bukan orangnya sendiri, tetapi kenyataan di Rusia dan dunia. Penulis menggunakan khayalan, simbolisme, kiasan, dan realisme mereka berubah menjadi pasca-realisme. Contohnya ialah "Russian Dream" (1994) oleh Olga Mikhailova. Drama ini mencerminkan sikap pasif sosial sebahagian besar masyarakat Rusia, dan juga utopianisme sosial yang tidak berkesudahan. Karya ini mencipta semula dunia konvensional mimpi dongeng, yang diekstrapolasi dengan realiti tahun sembilan puluhan. Di tengah permainan adalah gambaran Oblomov moden, menawan orang muda Ilya, yang dicirikan oleh kemalasan dan kemalasan. Di dalam hatinya, dia tetap kanak-kanak, wujud dalam dunia fantasi. Ilya berusaha untuk memujuk wanita Perancis Catherine untuk melakukan aktiviti sosial, tetapi baik tenaga dan cintanya dapat mengubah gaya hidup Ilya. Final mempunyai konotasi yang membimbangkan dan bahkan eskatologi: pasif seperti itu tidak dapat berakhir dengan baik.

Ciri-ciri realisme eskatologi juga muncul dalam drama Ksenia Dragunskaya "Surat Rusia" (1996). Situasi kiasan yang digambarkan menyerupai situasi " Cherry Orchard»: Rumah dacha, yang dijual oleh pemuda Penginapan, ketika pindah ke luar negeri, adalah kiasan: ini adalah rumah masa kecil, yang digambarkan sebagai mati, seperti kebun di depan rumah (kerana sinaran, semua makhluk hidup mati di sini). Walau bagaimanapun, Skye yang timbul antara Nightlegov dan wanita muda dapat berubah menjadi cinta, penulis menjelaskannya, dan ini, dengan akhir yang menyedihkan, meninggalkan samar-samar tetapi berharap akan kemungkinan keselamatan.

Jadi, di mana sahaja kod sentimentalisme, modenisme, atau postmodernisme dimasukkan ke dalam drama realistik. Terdapat juga fenomena sempadan, yang merangkumi drama Yevgeny Grishkovets. Sebilangan besar mereka tertarik ke arah realisme, tetapi mungkin merangkumi unsur-unsur aliran kesedaran moden. Grishkovets menjadi terkenal sebagai pengarang monodramas "How I Ate a Dog", "Serentak", "Dreadnoughts", di mana hanya ada satu watak (maka istilah "monodrama"). Wira drama ini terutama terlibat dalam refleksi, dengan hasilnya dia mengenali penonton. Dia merenungkan fenomena kehidupan yang paling bervariasi dan paling sering disebut dengan "perkara sederhana", dan juga pada kategori masa. Semua orang mendapat pengetahuan mengenai mata pelajaran ini di sekolah dan universiti, tetapi wira Grishkovets berusaha untuk berfikir secara bebas. Proses berfikir bebas, agak naif, membingungkan, tidak dimahkotai dengan hasil yang hebat, menduduki tempat utama dalam drama. Dia tertarik dengan keikhlasan pahlawan monodrama, yang membawanya lebih dekat dengan mereka yang duduk di dewan. Wira itu sering menafsirkan fakta tertentu dalam biografinya. Apa yang di masa mudanya tampak normal dan jelas pada dirinya, kini dikritik olehnya, yang membuktikannya pertumbuhan peribadi, meningkatkan keperluan moral untuk diri sendiri.

Sangat menarik bahawa Grishkovets bukan sahaja seorang penulis drama, tetapi juga seorang pelakon. Dia mengakui bahawa membosankan untuk mengatakan teks yang sama berulang kali, dan setiap ucapan baru merangkumi momen yang berbeza-beza. Itulah sebabnya Grishkovets menghadapi masalah dengan penerbitan: teks utama bersyarat sedang diterbitkan.

Bersama dengan monodrama, Grishkovets juga membuat "bermain dalam dialog" "Catatan Pengembara Rusia", yang menekankan pentingnya persahabatan sulit. Penulis menunjukkan bahawa persahabatan sangat membosankan bagi seseorang, kerana pertama-tama ia memperkuat kepercayaan terhadap keperluan seseorang. "Dua sudah lebih dari satu." Genre lisan menentukan keunikan puisi drama ini. Sebelum kita adalah perbualan rakan-rakan mengenai perkara ini dan itu. Dalam drama "City" ada silih berganti percakapan (dialog) dan monolog. Percubaan untuk mengatasi melankolis dan kesunyian, yang meresap protagonis karya-karya tersebut, terungkap. Pada satu ketika, dia hanya bosan dengan kehidupan, dan terutama bukan dari drama dan tragedi, melainkan dari monotoni, monotoni, pengulangan perkara yang sama. Dia mahukan sesuatu yang terang, tidak biasa, malah dia mahu pergi kampung halaman, tinggalkan keluarga; lontaran dalamannya mencerminkan teks. Pada akhirnya, seseorang memikirkan semula dirinya dengan banyak cara dan keuntungan bahasa bersama dengan dunia, dengan orang tersayang. Percubaan untuk menilai kembali diri sendiri, kembali kepada orang dan memperoleh dimensi kehidupan tambahan, yang akan memberi makna baru kewujudan berakhir dengan jayanya dalam drama ini. Penulis pertama sekali menekankan bahawa seseorang adalah ubat untuk seseorang.

Mainan oleh Grishkovets membawa cas humanistik dan mempunyai tahap kebolehpercayaan yang tinggi. Melalui semua yang diketahui, dia menembusi ke dalam dunia dalaman keperibadian individu dan memanggil wataknya untuk pembaharuan diri, yang difahami bukan sebagai perubahan tempat, tetapi juga sebagai perubahan dalaman seseorang. Evgeny Grishkovets menjadi terkenal pada pergantian abad ini, tetapi di kebelakangan ini mula berulang.

Seiring dengan realistik dan pasca-realistik, mereka mencipta drama komedi moden dan drama moden, terutamanya drama yang tidak masuk akal. Lakonan "Penyiasatan" Stanislav Shulyak, Maxim Kurochkin "Opus Mixtum", Petrushevskaya "Twenty-Five Again" menonjol. Penekanannya adalah pada percanggahan hidup sosio-politik yang tidak dapat diselesaikan, yang hingga kini menyatakan diri mereka sendiri. Skoropanova menganggap "Dua Puluh Lima Lagi" (1993) sebagai karya yang paling mencolok seperti ini. Dengan menggunakan konvensi yang hebat dan memperlihatkan kemustahilan dari apa yang berlaku, penulis menentang panoptisme yang belum pernah dirilis, iaitu menentang pencerobohan negara ke dalam kehidupan peribadi orang. Petrushevskaya mempertahankan hak untuk membantah dan, secara umum, yang lain, yang tidak dapat digunakan oleh para juara standard, yang melanggar nasib orang lain. Drama ini terdiri daripada dialog antara seorang Wanita yang dibebaskan dari penjara dan seorang Gadis yang ditugaskan kepadanya untuk penyesuaian sosial dia dan Anaknya yang dilahirkan di penjara. Menyedari bahawa kanak-kanak ini adalah makhluk yang lebih menyerupai binatang daripada seseorang, Gadis itu menjadi berani dan mula mengajukan soalan yang diajukan kepadanya oleh borang soal selidik. Heroin muda tidak dapat memahami bahawa Wanita itu sudah bebas, dan mengancam dengan hukuman penjara kedua. Gadis itu tidak boleh memahami bahawa di hadapannya adalah Wanita yang mempunyai kemampuan luar biasa. Petrushevskaya sepertinya mengajukan pertanyaan: apakah ini sangat penting bagi negara, dari mana sebenarnya dia melahirkan? (Dan dari siapa Perawan Maria melahirkan? Tetapi itu disembah, kerana dia melahirkan Kristus.) Petrushevskaya menegaskan pada pembaca massa dan penonton kategori privasi - wilayah peribadi setiap orang.

Dari drama yang ditulis oleh Petrushevskaya sudah pada abad baru, drama "Bifem" (2001) menonjol. Lakonan ini mempunyai gaya gaya sempadan dan sifat penggunaan konvensyen hebat di dalamnya dekat dengan modenisme. Nama umum Bifem adalah milik wanita Petrushevskaya dengan dua kepala. Tindakan itu dipindahkan ke masa depan, ketika pemindahan organ, termasuk pemindahan otak, menjadi mungkin - tetapi sangat mahal. Bee adalah salah satu yang pertama bersetuju untuk melekatkan kepala kedua ke badannya, kepalanya hanya anak perempuan yang telah meninggal dunia, berhati-hati Fem. Ketua bercakap sepanjang persembahan, dan ternyata Bee sangat bangga dengan pengorbanan, kepuasannya tugas moral di hadapan anak perempuannya, dan Fem, sebaliknya, sangat terseksa, menyedari bahawa seorang wanita dengan dua kepala tidak akan pernah tahu sama ada cinta atau perkahwinan, dan meminta ibunya untuk membunuh diri. Lekapan kepala pada satu badan melambangkan hubungan kekeluargaan untuk Petrushevskaya. Penulis mengajarkan kesetaraan dalam keluarga: jika tidak ada dalam keluarga, maka dari mana asalnya dalam masyarakat? "Bifem" juga mengandungi ciri-ciri distopia, yang memberi amaran bahawa tanpa perubahan moral, penemuan saintifik terkini tidak akan membawa ke mana-mana dan akan menghasilkan monster.

The Men's Zone (1994) adalah permainan pascamoden. Penulis sendiri mendefinisikan genre sebagai "kabaret". Aksi ini berlaku di "zon" bersyarat, yang mengingatkan pada sebuah kamp konsentrasi dan salah satu lingkaran neraka. Penulis membawa pembaca kepada gambar orang terkenal: Lenin, Hitler, Einstein, Beethoven. Permainan dengan gambar-gambar ini, menghancurkan watak kultus mereka, dikendalikan oleh Lyudmila Petrushevskaya sepanjang permainan. Sebelum kita ada watak petikan hibrid. Masing-masing dari mereka mengekalkan ciri-ciri gambar yang mapan, dan pada masa yang sama memperoleh ciri-ciri tahanan, samseng, yang ditunjukkan pada masa melakukan peranan yang benar-benar tidak sesuai untuknya, iaitu: Hitler dalam peranan Jururawat, Lenin dalam bentuk bulan yang mengambang di langit, Einstein dan Beethoven digambarkan, masing-masing, Romeo dan Juliet. Realiti skizo-absurdis muncul, yang memutarbelitkan intipati lakon Shakespeare. Tindakan itu berlaku di bawah bimbingan pengawas yang mempersonifikasikan totalitarianisme pemikiran dan logosentrisme. Dalam konteks ini, "zon lelaki" Petrushevskaya ternyata menjadi metafora untuk budaya yang dihasilkan secara besar-besaran yang menggunakan bahasa kebenaran palsu. Akibatnya, bukan hanya citra Lenin yang terdesakralisasi, tetapi juga pemujaan tanpa syarat dari setiap kultus pada umumnya.

Mikhail Ugarov juga memainkan permainan parodi dengan gambar tokoh sejarah sebenar dalam drama Green (...?) April (1994-95, dua edisi - satu untuk membaca, yang lain untuk pementasan). Sekiranya Korkia dalam drama "The Black Man" membongkar imej Stalin yang dibuat oleh propaganda rasmi, maka Ugarov dalam lakonannya menyingkirkan gambar Lenin dan isterinya serta rakan seperjuangannya Nadezhda Krupskaya. Seperti Petrushevskaya, wataknya adalah simulacra. Pada masa yang sama, gambar watak dipersonifikasikan di bawah pencalonan "Lisitsyn" dan "Krupa". Ugarov tidak tergesa-gesa untuk mendedahkan kadnya dan memberitahu siapa sebenarnya pahlawannya. Dia memintanya untuk melihatnya melalui mata seorang pemuda dari keluarga yang cerdas, Seryozha, yang tidak tahu dengan siapa plot itu menghadapinya, dan oleh karena itu tidak diprogramkan untuk mitos Leninis. Penulis mencipta kenyataan maya, iaitu fiksyen, tetapi realiti yang mungkin. Ini menggambarkan pertemuan kemungkinan Seryozha pada hari April tahun 1916 di Tasik Zurich di Switzerland dengan dua orang asing. Sudah penampilan kedua-duanya menetapkan penonton dengan cara komedi: mereka memasuki basikal, dan wanita itu segera jatuh, dan temannya tertawa terbahak-bahak dan tidak dapat menenangkan diri untuk waktu yang lama. Kedua-dua tokoh ini menyerupai badut dan mengingatkan trik sarkas standard meniru. "Lisitsyn" bereaksi dengan sangat berlebihan terhadap kejatuhan isterinya sehingga sekian lama dia tidak dapat menahan nafas dari tawa. "Lisitsyn" adalah subjek yang aktif dan hidup perawakan pendek, "Krupa" ditampilkan sebagai wanita gemuk dengan ekspresi kusam di wajahnya. Dalam hubungan ini "Lisitsyn" tergolong dalam peranan guru, dan "Krupa" - peranan muridnya yang bodoh. "Lisitsyn" selalu mengajar semua orang, sambil menunjukkan sikap tidak bertoleransi dan kasar. Pasangan suami isteri berada di tempat yang sama dengan Seryozha, dan mulai berkelakuan, secara sederhana, tidak beradab. "Lisitsyn" mengejek sepanjang masa dan secara amnya bersikap tanpa malu-malu. Seryozha pertama kali berjumpa dengan orang-orang seperti ini dan hampir tidak bertoleransi dengan apa yang berlaku, tetapi, sebagai orang yang sopan, dia diam. "Lisitsyn" merasakan ketidaksetujuan yang terpancar dan memutuskan untuk "mengajar" Seryozha pelajaran: dia masuk ke dalam lingkarannya dan mengajar bahawa kecerdasan adalah kekurangan kebebasan. "Dan inilah saya," kata Lisitsyn, "orang yang sangat bebas." Dalam perbualan pseudo-budaya "Lisitsyn" berusaha dengan segala cara yang mungkin untuk mempermalukan Seryozha dan, sebagai tambahan, untuk membuatnya minum. Setelah meninggalkan pemuda yang benar-benar mabuk dalam hujan lebat, "Lisitsyn" dan "Krupa" yang beristirahat dengan sempurna berangkat ke Zurich. Dan dengan kereta api petang, pengantin Seryozha harus tiba.

Bermain dengan imej pemimpin, Ugarov tidak hanya menghilangkannya dari kemanusiaan propaganda, tetapi juga menciptakan model hubungan antara negara Soviet dan warganya, berdasarkan rasa tidak hormat terhadap seseorang, ketidakpatuhan terhadap haknya, sehingga semua orang boleh hancur pada bila-bila masa. Membongkar tokoh kultus sistem totaliter adalah langkah penting untuk mengatasinya.

"Stereoscopic Pictures of Private Life" (1993) oleh Prigov - mengenai budaya massa. Prigov menunjukkan bahawa Budaya massa zaman kita telah mengalami transformasi. Keperibadian ideologi yang luar biasa digantikan dengan strategi hasutan lembut, menggoda pura-pura, otak yang bersuara manis. Ini adalah cara yang lebih tersembunyi dan canggih untuk mempengaruhi bidang kesedaran dan bawah sedar. Ini menyumbang pada pembentukan dan penjinakan orang biasa, kerana meniru pemenuhan keinginan mereka. Tetap tidak berubah, Prigov menunjukkan, pemalsuan gambar realiti, penghinaan prinsip kerohanian, kehancurannya pada manusia. Dalam drama tersebut, Prigov meneliti kesannya terhadap produksi televisyen massa. Perhatiannya tertarik dengan rancangan bual bicara, di mana tidak ada yang buruk, menyedihkan, dan tidak tertahankan bagi otak. Sekiranya terdapat persamaan konflik, itu adalah konflik antara yang baik dan yang terbaik. Prigov sedang membina drama dari siri adegan miniatur (28 keseluruhan). Ini adalah episod dari kehidupan satu keluarga. peranan utama dalam miniatur tergolong dalam dialog komik. Topik yang diliputi adalah bergaya: seks, AIDS, muzik rock. Sementara itu, idea yang cukup pasti secara beransur-ansur dicadangkan:

Perkara utama dalam kehidupan adalah seks. "Generasi muda, serahkan kuasa dan wang kepada kami, dan lakukan seks untuk diri sendiri."

Komunis - orang yang baik... Dialog antara cucu dan nenek diberikan. Cucu itu diberitahu di sekolah tentang komunis, dan neneknya meyakinkannya bahawa idea bahawa komunis adalah "beberapa liar."

Ada yang paling dipercayai. "Masha, adakah kamu percaya kepada Tuhan?" - "Majoriti percaya, yang bermaksud, mungkin, ada Tuhan."

Selepas hampir setiap 28 adegan itu, tepukan gemuruh. Ini dilakukan untuk mendapatkan respons terprogram dari penonton yang berpotensi.

Tanpa diduga, makhluk asing muncul, tetapi tidak ada seorang pun ahli keluarga yang peduli kepadanya. Kemudian raksasa itu muncul. "Adakah itu kamu, Denis?" - "Tidak, ini aku, raksasa." - "Oh, baiklah." Raksasa itu memakan ibunya, dan kemudian keluarganya. Raksasa itu melambangkan kekuatan media terhadap seseorang. Tetapi akhirnya, ketika raksasa itu memakan makhluk asing, kedua-duanya dimusnahkan. Orang asing adalah simbol budaya yang benar, "lain", yang bersendirian mampu menentang budaya popular.

Tepuk tangan yang dirakam berterusan setelah tidak ada yang tersisa di atas panggung. Kecuali untuk Masha dan Tuhan, semua watak lain dimakan. Raksasa itu mereplikasi dirinya sendiri, ia meresap ke dalam jiwa orang.

Pada pergantian abad, generasi dua puluhan memasuki drama. Karya-karya mereka biasanya sangat gelap dan meneroka masalah kejahatan dalam satu cara atau yang lain. Tempat utama dalam pementasan ditempati oleh gambar tidak berperikemanusiaan dan keganasan, selalunya bukan dari negara, tetapi jahat, berakar pada hubungan orang dan memberi kesaksian bagaimana jiwa mereka dimutilasi. Itu adalah "Plasticine" oleh Sigarev, "Claustrophobia" oleh Konstantin Kostenko, "Oksigen" oleh Ivan Vyropaev, "Pub" oleh saudara Presnyakov. Permainan suram seperti itu dan dalam kuantiti sebegitu tidak pernah berlaku pada zaman bawah tanah. Ini menunjukkan kekecewaan terhadap nilai-nilai peradaban moden dan pada diri manusia. Walaupun begitu, dengan percanggahan, warna hitam yang menebal, pengarang muda mempertahankan cita-cita kemanusiaan.

Secara eksklusif tempat yang bagus dalam drama moden, pembuatan semula juga digunakan - versi baru karya moden yang dimodenkan. Playwrights beralih ke Shakespeare, seperti yang dibuktikan oleh "Hamlet. Versi "Boris Akunin," Dusun. Aksi nol "oleh Petrushevskaya," Dusun "oleh Klim (Klimenko)," Wabak di kedua rumah anda "oleh Grigory Gorin. Di antara pengarang Rusia mereka beralih ke Pushkin ("Kering, Ziben, Ace, atau The Queen of Spades" oleh Nikolai Kolyada), Gogol ("Cinta Dunia Lama" oleh Nikolai Kolyada, "Bashmachkin" oleh Oleg Bogaev), Dostoevsky ("Paradokses of Jenayah "oleh Klim), Tolstoy (" Anna Karenina - 2 "oleh Oleg Shishkin: ada kemungkinan Anna selamat), Chekhov (" The Seagull. Versi "oleh Akunin). Kriteria klasik dalam menilai kemodenan diakui lebih objektif daripada kriteria ideologi. Dalam kes lain, mereka berdebat dengan pendahulunya atau memperdalam pemerhatian mereka. Tetapi, pertama sekali, drama ini merujuk kepada nilai-nilai kemanusiaan sejagat yang diwariskan oleh golongan klasik. Drama terbaik yang dihasilkan oleh penulis drama kontemporari telah menjadi milik bukan sahaja drama Rusia, tetapi juga drama asing.

Sastera Rusia pada akhir XX - awal abad XXI secara keseluruhan, sepertinya Skoropanova, sangat menarik. Dia mengajar untuk berfikir, membentuk perasaan moral, menyangkal yang jelek, sering memberikan idea yang tidak baik dan indah dalam bentuk tidak langsung.