Hvor underviser kunstkritiker Lyubov Mikhailovna Popova? Hvordan finder du din individuelle stil? Osinka: Men så, er stil opnåelig for almindelige mennesker?

På en skole i Moskva moderne fotografi Fotospil fandt sted i en unik mesterklasse af kandidat til kunsthistorie Lyubov Mikhailovna Popova “ Nationale traditioner i vores garderobe."

Antallet af mennesker i publikum sagde, at emnet var yderst relevant! Et helt omklædningsrum ved siden af ​​foredragssalen vakte på forhånd nysgerrighed.

Ukrainske panevas, lyse anorakker, blondesjaler, Tajik ikat, japanske kimonoer - det var umuligt at tro, at al denne "museumskønhed" kunne bryde ind i vores garderobeskabe, ikke som en vintage møl, men som et frisk pust af ny stil.

Og vi var overbeviste: ja, det kan det!

Lyubov Mikhailovna kom ud til hallen i nye outfits, der kombinerede en kjole fra Kirill Gasilin med ukrainsk paneva, Tajik ikat med vintage fløjl, japansk kimono- med dekoration i stil med "Ryazan beading", og en kjole lavet af afrikansk stof - med øreringe fra Lacroix. Hvorfor var det til tider stilfuldt og endda luksuriøst? Fordi det forbindende element var Lyubov Mikhailovnas personlighed.

“Min garderobe er min livserfaring”

Lyubov Mikhailovna Popova, kandidat for kunsthistorie, forfatter til metoden til at skabe et stilfuldt billede, leder af Development Studio kreativitet.

Dagens emne National stolthed dukkede op igen i vores hjerter og sind, men ikke i vores garderobeskabe. Tag noget på folkelige stil- betyder at være lidt "mærkelig", og de vil sikkert sige om dig, at "hun arbejder på et museum" eller "tilsyneladende en madam fra teatret." Og hvis du kigger dybere, så Det er autentiske ting, der bærer verdens sjæl, den stærkeste energi, vores forfædres DNA! Og vi har brug for russian_style-trend, russian_style-trend.

Historikeren Alexander Vasiliev har gentagne gange "inviteret" vores etablissement, skuespillerinder og show business-stjerner til at blive patriotiske trendsættere! "Væv" elementer af den nationale russiske stil ind i dit billede.

"For eksempel en kokoshnik eller en krone som tilbehør på den røde løber!"

"Måske ikke alle endnu er modne til kokoshnik! Men ideen er, hvordan man kombinerer autentiske ting og samtidig ser stilfuldt ud, og ikke som en rededukke eller en executive folklore ensemble Kadysheva, og det er relevant!"

6 regler, hvad der må og ikke må
bære ting med national karakter.

Hvad skal man ikke gøre:

1. "Mere end to er allerede for meget"

At have mere end 2 ting i dit outfit er en mulighed for at være bedste udstilling på udstillingen med mere.

2. "Eksperimenter ikke med etniske sko"

Røde støvler og boyarsko vil ødelægge selv de mest moderne outfits. Skuespilleren havde ikke tid til at skifte sine sko - det er præcis, hvad de vil tænke på dig :).

3. "Fald ikke for de gamle klichékombinationer!"

For eksempel er de mest foretrukne Pavloposad-sjalet og pelsfrakken.

Hvordan:

1 . Kombiner en autentisk genstand med usædvanlige, interessante teksturer, der vil give den en ny, moderne lyd. Læder, denim, neopren.

2. Vælg mindst ét ​​moderne trendy element til dette outfit.

3. Sko er den første og vigtigste ting, der gør det muligt for sådanne sæt at se friske og relevante ud 👌🏻

Du kan og bør se "porusski" stilfuld ud! Lad en frisk vind af forandring ind i dine garderober!

Og hvem ved, måske vil hele verdens street style i morgen kopiere vores outfits. Køb anorakker og bukser! Og til de årlige løb i Ascot vil dronning Elizabeth skifte hat og bære en kokoshnik.

Nadezhda Azarova til portalen Osinka.ru

Osinka: Lyubov Mikhailovna, individuel stil er en fashionabel kategori, men ret mystisk. Hvad er det - en persons stil?

Lyubov Mikhailovna: En persons stil er udtryk for en levende personlighed. Du kan ikke være stilfuld og ikke have en lys personlighed. Du kan ikke leve et kedeligt, standard liv og være stilfuld. Folk lever ofte nøjagtigt det samme som deres naboer, og af en eller anden grund er de sikre på, at de med sådan et liv kan være stilfulde. Stil er en naturlig, organisk fortsættelse af en persons essens og en lys, unik essens. Derfor ser stilen ud til at spire fra den menneskelige kerne, lige så naturligt som et opsvulmet korn spirer i god jord. Du kan ikke være stilfuld udenpå og ikke stilfuld indeni.

Udover, individuel stil i ydre udtryk er et kunstnerisk billede. Og et kunstnerisk billede er et indre, immanent træk ved et kunstværk. Det er stil er altid kunst. Derfor er individuel stil en obligatorisk manifestation af den enkeltes kunstneriske evner, derfor kræver det en vis viden inden for kunst. Du skal indse, at stil er dannet på et vist, ret højt, kulturelt niveau af en person.

Osinka: Giv venligst eksempler på stilfulde mennesker. Hvad gør dem stilfulde?

L.M.: Jeg har udvalgt billeder af stilfulde kvinder til dig. Se med hvilken respekt for individualitet deres forskelligheder præsenteres: Marlene Dietrichs ydre kulde og hemmelige varme, Audrey Hepburns frygt, Sophia Lorens naturlighed, Maya Plisetskayas frie flugt. Fotografer formåede gennem fotografering at gøre deres stil manifest og synlig.

Marlene Dietrich - klassisk eksempel tragisk søgen efter stil: Jeg led, prøvede, brugte penge på tøj, smykker, pelse og alt forgæves. Hun kaldte sig selv en "håret kartoffel". Der er så meget fortvivlelse i det her! Men hun elskede passioneret musik, spillede selv violin, læste poesi, men hun var ude af stand til at udtrykke dette indre i et fuldgyldigt visuelt billede. Hvorfor? Ikke nok kunstnerisk dygtighed, kunstnerisk smag, sans for stil. Og så et møde med instruktør Sternberg, filmen "Den blå engel". Og det bliver ikke bare stilfuldt, men et symbol på stil! Hvordan skete dette? Hvad og hvordan var Sternberg nødt til at ændre i den provinsielle skuespillerinde?

For mig en af ​​de mest lyse eksempler var og forbliver en stilfuld person Maya Mikhailovna Plisetskaya. Der er intet kunstigt, overfladisk eller usædvanligt i hendes stil. Flugt og energi er stadig bevaret i hendes udseende. Men denne hendes originalitet viste sig ikke så umiddelbart og så tydeligt. Og dette kunne siges om alle vores helte. Se billeder af dem, da de var unge. Stilen så ud til at vokse i dem, efterhånden som deres personlighed blev dannet.

Hvad gør folk stilfulde? Deres liv, deres kreativ holdning til livet, deres møder, deres omgivelser. Det er det altid lyse personligheder. De er forskellige, og de værdsætter denne unikhed.

Det er vigtigt at finde sig selv! Dette er begyndelsen på fødslen af ​​en persons stil. Individuel stil er altid en manifestation af personlighed og en manifestation af kreativitet, uanset typen af ​​aktivitet. Jeg bliver ofte spurgt: Kan der være stilfulde mennesker, for eksempel inden for erhvervslivet, politik eller videnskab? Selvfølgelig ja! Og jeg har mødt dem i mit liv. Mange af dem ville nok blive overrasket over at blive kaldt stilfulde. De tænkte jo næsten ikke på stil. De levede et levende liv, og de havde kultur nok til at udtrykke sig passende, altså kunstnerisk, eksternt.

Akademiker V.Ya. Propp, filolog, forfatter berømt værk"Morphology of a Fairy Tale" er bestemt en stilfuld mand. Hans liv, hans lyse karakteristisk udseende med et skarpt skæg, en semi-militær tablet i stedet for en mappe - alt er solidt, organisk, på trods af en vis uagtsomhed, og måske takket være det.

Ægte stil modnes gradvist, fordi spørgsmålet om individuel stil er et spørgsmål om udvikling!

Osinka: Hvorfor er der så få stilfulde mennesker?

L.M.:Årsagen er, at én person ikke ofte kombinerer det unikke ved personlighed og viden, desuden praktiske færdigheder på området kunstnerisk kreativitet. Derfor den blinde efterligning. Det er blindt, netop fordi en person ikke har nok kultur til at forstå, at dette billede, selvom det er moderigtigt og stilfuldt, kan være i sig selv, men har et meget fjernt forhold til det. Ofte er der ingen lyst til at forstå sig selv. Så det viser sig, at kjolen skriger om én ting, damens ansigt hvisker om en anden, og tasken knirker omkring en tredje!

Osinka: Lyubov Mikhailovna, giv venligst eksempler på åbenlyse stilistiske fejl?

L.M.: Jeg ser ofte en pige i høje hæle, "på parade", og ved siden af ​​hende en ung mand nærmest i træningsdragt. Det bemærker jeg moderne mode favoriserer blanding forskellige stilarter, men det kræver enestående dygtighed. Dette kan også ses ved sociale aftener. En dames elegante udseende er ofte uoverensstemmende med udseendet af hendes ledsager: baggy jakke, blå stribet skjorte.

Parret skal være i samme stilrum. Hvis du har den rette viden, smag og brug anderledes stilfulde billeder, At de skal flettes ind i én historie: de ser ud til at klamre sig til hinanden, som et puslespil, der supplerer hinanden og understreger noget vigtigt.

Johnny Depp og hans kone, skuespillerinde Vanessa Paradis, altid behagelig overraskelse. De er ikke bare økologiske ved siden af ​​hinanden, men hver gang er det en ny spændende historie fortalt med delikat smag og helt i tråd med deres personlighed.

Se billederne af dette par. Bemærk venligst, at Johnny har en smoking på, men på fødderne er ikke sko, som man kunne forvente, men støvler med tykke såler, og på hovedet er en filthat med en ret høj, slet ikke klassisk, krone. Johnny ser ud til at grine af sig selv, af sin prætentiøse smoking. Og Vanessa er meget organisk ved siden af ​​ham: hun ligner en pjusket fugl med våde fjer. I hendes skildring er Johnnys hån blevet til et varmt smil, og det forstærker Vanessas rørende.

Se på næste billede. Johnny er klædt efter klassikernes love, og Vanessa, ser det ud til, er simpelthen en smagfuldt klædt ung kvinde. Men der er noget i dette par, der får dig til at holde op med at kigge og reagere på følelsen. Hvad? Og hvordan skete det?

Forestil dig, jeg ser Vanessa i en klassisk hvid kjole, lige, uden detaljer, af mellemlængde. Pludselig sker der noget med Vanessa, noget ændrer sig i hendes tilstand, og kjolen begynder at flyde ned i lag af flæser. Og straks reagerer Johnny på denne følelse, og hans kortklippede hår vokser hastigt og falder i en skødesløs pandelok. Rørende, sjov og lidt trist. Prøv mentalt at rede din pandehår: ingen stil, ingen historie.

Hvad er hemmeligheden bag det fjerde billede? Klassiciteten af ​​Vanessas sorte jakke afspejles i Johnnys runde briller, der er noget uoverensstemmende i deres ekstreme tradition. Billederne kommer til live. Sådanne billeder er ikke opfundet. De ses i fantasien, og de ses allerede klar.

Osinka: Men altså, er stilen opnåelig for almindelige mennesker?

L.M.: Hvis vi med "almindelige" mennesker mener standard mennesker, så nej. Hvis at identificere og bevare sin egenart, og ikke at være en automat, altså stil kan være tilgængelig for alle. Det er i hvert fald det, vi alle bør stræbe efter. At finde din stil betyder at lede efter dig selv: hvad du elsker, hvor du gerne vil arbejde, hvem du gerne vil se ved siden af ​​dig. Og bemærk, at dette ikke altid vil falde sammen med generelt accepterede ideer.

Osinka:Lyubov Mikhailovna, hvordan kommer du til stil?

L.M.: Det moderne menneske vil have alt på én gang. Det er vigtigt at indse, at en virkelig stilfuld person ikke er en maske, men et bestemt stadium af menneskelig udvikling. Derudover skal vi huske det Dannelsen af ​​en individuel stil er ikke en håndværksproces, men en kreativ proces: Når alt kommer til alt, dannes der et enestående, uforlignelig billede. Kunst spiller en stor rolle i denne proces.

Se på kvindelige billeder forskellige epoker. Kunst lærer os at se og værdsætte mangfoldigheden af ​​femininitet. For Botticelli er dette et billede på poetisk melankoli. Titian har luksusen af ​​livsbekræftende sensualitet. I Fragonards rockbillede er der en flirtende legesyg. Damen med en vifte i maleriet af Velazquez repræsenterer strenghed, værdighed og fromhed.

I billedet af Proserpina er der en tragisk sensualitet med en antydning af knapt mærkbar gift. Rene Notgaft på Kustodievs lærred er legemliggørelsen af ​​kvindelig intelligens. Billedet af grevinde Carpio på lærredet af Francisco Goya, der minder lidt om et skrøbeligt insekt, forbliver mystisk og utilgængeligt.

I den luksuriøse Monna af den prærafaelitiske Gabriel Rossetti overlapper den romantiske tradition med ekkoer, som om minderne om barokken: dens sanselighed er aggressiv og derfor farlig. De er forskellige. Og alle er smukke.

Kunst former personligheden og hjælper med at finde sig selv. Og samtidig udvikler det opfattelsesevner kunstnerisk billede. Men et stilfuldt udseende er altid et billede.

Derfor mestre kunst. Og husk, at for at kende biografier om kunstnere, instruktører, for at vide, hvad barok og rokoko er, italiensk neorealisme, for at nævne alle surrealisterne i fransk litteratur- vigtigt, men det er endnu ikke viden om kunst. Det er jo alle fakta kunstnerisk kultur. Kunst er et kunstnerisk billede. Og at kende kunst er at kunne begribe et kunstnerisk billede. Stil er altid et billede, og et billede født i kunstens rum.

Osinka: Hvor vil du råde dig til at starte din vej til at forstå kunst?

L.M.: Se bøgerne Boris Robertovich Vipper ("Introduktion til kunst"), Tatyana Valeryanovna Ilyina ("Kunsthistorie. Vesteuropæisk kunst", "Huskunst").

B.R. Vipper er en anerkendt klassiker i russisk kunsthistorie. T.V. Ilyina er professor ved Institut for Kunsthistorie ved St. Petersborg Universitet. Hendes bøger indeholder grundlæggende information om historie visuel kunst. Derudover finder du lister yderligere litteratur. Populære bøger af Lev Lyubimov er nyttige.

Og sørg samtidig for at stifte bekendtskab med selve kunstværkerne på museer, på udstillinger og på diverse rejser. Der er meget at se! Når du vælger illustrationer, ville jeg have, at du skulle se, hvor forskelligartet kunstens verden er, hvor meget den kan antyde og vække i en person. Alle billeder på sidste side kan øges. Udnyt dette.

Prøv nu at opfatte f.eks. maleri "Vase med blomster". Dyk ned i denne buket. Du skal ikke skynde dig. Reager med følelse på hver blomst. Se nærmere på den tunge pæon, den fløjlsbløde tusmørkeiris, den seje tulipan. Føl dem. Hvorfor er denne buket så ujævnt oplyst? Skynd dig ikke at svare! Reager først med en følelse, og søg derefter efter svar.

Måske vil du gerne se rigtige levende blomster, og du vil se dem anderledes, under forskellig belysning og omgivelser? Når alt kommer til alt, har hver blomst sin egen yndlingsbelysning og sit eget rum: frygtsom morgen, uddybende tusmørke eller lys dag. Hvilken blomst og hvilken belysning er din? Hvor er dit slægtskabsrum?

Bemærk venligst, hvordan værkerne er beskrevet i annotationerne til billederne: forfatter, titel, skabelsesår, materiale, størrelse, hvor det er opbevaret. For eksempel Andrea Mantegna. Parnassus. 1497. Tempera på lærred. 150x192 cm. Louvre. Paris. Denne beskrivelse af værket er ikke tilfældig: den hjælper med at komme ind i kunstens rum. Bemærk venligst, hvor værket er opbevaret. Lad dette være begyndelsen på bekendtskab med museumssamlinger for nogle.

Bemærk, at malerierne blev malet ikke kun på lærred, men også på træ. Og de blev ikke altid skrevet olie maling, men også med tempera og i den enkaustiske teknik, altså med voksmalinger, når farvepigmentet blev fortyndet i opvarmet voks. Spørg dig selv, om opløsningsmidlet (voks i encaustic, kyllingeblomme i tempera og olie - det er alle opløsningsmidler) påvirker den indre betydning af det kunstneriske billede, og i så fald hvordan og hvorfor?

Kunst hjælper dig med at se mangfoldigheden i verden, dens rigdom, dens inkonsekvens, dens skønhed. Din opfattelse bliver mere raffineret, din fantasi udvikler sig, og du udvikler gradvist, ubemærket selv af dig selv, en følelse af stil.

Det er vigtigt, at du har mulighed for hele tiden at se på veludgivne kunstalbum, hvor illustrationerne er fyldestgørende i forhold til originalen. Desværre, i mange publikationer, i stedet for for eksempel sennepsfarven på originalen, ser du lys citron, og i stedet for dyb kirsebær ser du snavset brun. Derfor er det vigtigt, at det du køber bøgerne var godt udgivet: Illustrationer skal være klare, ikke slørede, og farven skal matche originalen. Derfor anbefaler jeg at købe bøger fra forlagene "Taschen/Rodnik", "AST" og "Astrel", som er forskellige. høj kvalitet trykudførelse.

Glem ikke at uddannelse skal være systematisk: Du kan ikke hoppe over tre trin. Tilegn dig først det nødvendige minimum, hvormed du senere vil kunne læse og forstå Heinrich Wölfflin og komme videre til mere komplekse problemstillinger.

Hvad er stil?
- Hvordan adskiller strukturen af ​​et barokbillede sig fra strukturen af ​​et klippebillede?
- Og hvad er det her - strukturen af ​​et kunstnerisk billede?
- Hvilket stofmønster vil bedre formidle let, foranderlig, flirtende, gyngende bevægelse, og hvilken vil være skarp og energisk, barok?
- Hvilken farve, altså forholdet mellem farvepletter, skal jeg vælge, hvis jeg vil formidle en lidt fræk glæde, i kitsch-barok ånd?
- Hvilken sammensætning vil formidle kompliceret følelse blandet angst og frygtsom glæde (som selvfølgelig er mere almindelig i romantikkens rum), og hvilken - urokkelig selvtillid og styrke (som er tættere på den romanske stil)?

Disse spørgsmål bør ikke være terra inkognito for dig. Du skal undgå at vandre i mørket, du skal vide, hvordan du ikke skal genopfinde hjulet. Men det vigtigste: se, rør, lyt, føl, i et ord – lev kreativt!

Få kunstrummet til at føles som en familie for dig, så du bliver budt velkommen og elsket der, så hver farveplet fortæller dig sin egen historie, og linjens karakter afslører skjulte hemmeligheder. Vermeer fra Delphi vil lære dig at se skønheden i farver, Botticelli vil lære dig at reagere på linjens karakter, Goya vil give dig mulighed for at se romantikkens fødsel. Kunst vil afsløre oprindelsen af ​​kreativiteten hos de mest fremtrædende modedesignere i det 20. århundrede - Balenciaga, Yves Saint Laurent, Christian Lacroix, Vivienne Westwood.

Osinka:Lyubov Mikhailovna, Mange tak for en informativ samtale! Hvad vil du ønske Osinkas læsere?

L.M.: At finde din egen stil er en fascinerende aktivitet. Du bliver mere moden, mere hel, mere aktiv. Dit liv bliver dybere. Kig derfor efter dig selv, lad være med at trække dig tilbage, når du fejler.

Og videre. Lev i kunsten.
Langs denne vej vil du finde din sande individuelle stil. Og dette er den eneste mulige måde.

Du kan lytte til, hvad Lyubov Mikhailovna siger i det uendelige, og nu kan du uendeligt genlæse det. Jeg tog noter på den første forelæsning af kurset "Jeg er en skaber". Jeg vil sige, at fordybelse i materialet og bevidstheden om det, du hører, er kvalitativt anderledes efter det udførte arbejde.
Jeg håber virkelig, at det snart vil være muligt at stifte bekendtskab med Lyubov Mikhailovnas metode i hendes udgivne bøger, hvis udgivelse hun talte kl. forberedende klasser. I mellemtiden, for mig selv og, håber jeg, mine kolleger, sender jeg et hint - en metode til dybdegående opfattelse af kunstværker og omverdenen på flere trin, hvis forfatterskab udelukkende tilhører den uforlignelige Lyubov Mikhailovna Popova http://popova-art.livejournal.com/:

Den første er omhyggelig, koncentreret undersøgelse for at fange nuancen. Ikke for at tænke, men for at se.

Det andet er et forsøg på at reagere med kroppen. Ikke på strukturen, i hvert fald på individuelle elementer af strukturen: linjer (lineær eller billedstruktur), farvepletter/farve/kontrast, tekstur/karakter af overfladen, rytmer. Du kan ikke lære at reagere på struktur, den er for kompleks og usynlig, dens opfattelse er altid intuitiv. Men denne færdighed kan dannes som et resultat af systemisk erfaring i opfattelsen af ​​individuelle elementer af strukturer.

For det tredje - forsøger at fange følelsen. En følelse, der burde begynde indeni som et resultat af en kropslig reaktion.

For det fjerde skal vi navngive denne følelse. Vi skal finde et ord. Desuden skal ordet nuanceres, ordet skal udtrykke præcis denne følelse, præcis denne følelsesnuance. Og for dette skal du være rig leksikon. Tanker udtrykkes kun i ord.

De kan hjælpe i flertrins-processen af ​​perception korrekt stillede spørgsmål:
Hvilke strukturelle elementer ser jeg?
a) linje (solid eller brøkdel? nervøs eller rolig? øm eller lidenskabelig? energisk eller træg? rocaille eller barok? fleksibel?). Husk, at linjens art afhænger af arten af ​​bevægelsen af ​​kunstnerens hånd, som igen afhænger af tilstanden af ​​kunstnerens krop, arten af ​​hans sanseoplevelse i det øjeblik.
b) farveplet (stift kontur, grafisk eller med bløde overgange, malerisk? Er farverne varme eller kolde?) / farve (baseret på lighed eller kontrast? Hvis kontrasten er i kontrast, er kontrasten hård eller blød? Husk at en farveplet gør eksisterer ikke alene, men kun omgivet af andre farvepletter) Husk, at slagets art afhænger af malingens konsistens (flydende eller tyk, med eller uden opløsningsmiddel), af penslen (af dens størrelse, af hårdheden /blødhed af børstehår)
c) overfladestruktur
d) komposition (hvor er kompositionens centrum)? Proportioner?
e) rytmer (vandrette eller lodrette? skjulte rytmer eller tydelige rytmer?)

Hvad sker der med kroppen, når jeg ser individuelle elementer i strukturen?
a) Hvad med rygsøjlen? (Ger det glatte eller krøller?)
b) Hvad med vejrtrækningen? (Er vejrtrækningen dyb eller overfladisk? Er der en uregelmæssig rytme - en spændt rytme eller en afmålt rytme? Indåndingen og udåndingen er skarp eller blød? Lang eller kort? Ruset eller rolig vejrtrækning?)
c) Hvad med musklerne? (Ryker de? Er de spændte? Hæver de, fordi blodet suser?)
d) Hvad med blodgennemstrømningen? (pulserer der meget blod i kroppen? eller er pulseringen undvigende og flyder ubemærket?)
d) Hvad med knoglerne?
f) Hvad med senerne?

Hvilken følelse fødes indeni? Hvilken følelse?

Teknikker, der kan hjælpe dig med at opfatte et kunstværk:
- Find dig selv inde i det pågældende maleri.

Hvad er kunst, og er det muligt at lære at opfatte det?

For at forstå dette skal vi besvare følgende spørgsmål.

Hvad er kunst?

Hvad er et kunstnerisk billede?

Hvordan lærer man at opfatte kunst? Er det muligt at lære at opfatte kunst, eller er det en intuitiv evne hos fem procent af befolkningen, som statistikken siger? Eller kan vi stadig lære at opfatte kunst, som at lære at cykle? Det vil sige, jeg taler om praktiske færdigheder.

Jeg vil med det samme sige, at denne færdighed kan læres. Det er ikke nemt, langt fra nemt. Det hele afhænger af, hvilken slags liv du levede, og hvilken slags liv dine forældre levede.

Men alligevel viser min praksis, at hvis en person vil. Hvis han prøver. Hvis han har de to kvaliteter, som jeg vil fortælle dig om nu, vil han begynde at få succes.

Hvad er disse kvaliteter?

1. Tro på dig selv og dine evner. En fælles kvalitet i vores samfund. Der er dog ingen, der garanterer dig, at du vil lykkes. Og jeg garanterer ikke, at du vil lykkes. Dette fører til den anden kvalitet.


2. Ydmyghed. Det lyder meget mærkeligt i vores samfund. Ydmyghed, når du indser, at du ikke kan alt. Men du forstår, at du ikke kan alt og stadig prøver. Dette kræver mod, som ofte mangler. moderne mennesker. Mod er, når du forstår, at fiasko kan vente dig, og du går alligevel.

Hvornår er det muligt? Når der er kærlighed uselvisk kærlighed til kunst, uden gavn for sig selv. Dette er meget vigtigt for en person, der træder ind i kunstrummet. Så åbner kunsten sig for dig.

Kunst er den menneskelige sjæls verden. Dette er ikke en sætning - dette er virkeligheden. Og det er ikke sort/hvidt. Dette er selvmodsigende. Det er kompliceret. Det er flerdelt.

Så det første, vi skal forstå, er, hvad kunst er. I vores samfund er der en helt forkert idé om, hvad kunst er, og hvad en kunstkender er.

Vi tror ofte, at en kunstkender er en person, der kender fakta om kunst, har læst Vasari, ved, hvordan Firenze er i det 14.-15. århundrede osv.

Alt, hvad jeg lige har nævnt, er fakta om kultur eller historie. Fakta er bestemt vigtige for opfattelsen af ​​kunst. For en person, der ikke kender kunstens fakta, er kunsten lukket.

Du kan mestre kulturelle fakta på egen hånd. Jeg har en liste over referencer i mit LiveJournal.
Men kulturelle fakta er ikke kunst.

Hvad er kunst?

Kunst er et specifikt værk, eller rettere sagt, det er mange, mange forskellige specifikke værker. Og hvert værk er unikt. Og hvis det ikke kan gentages, betyder det, at hver gang du står foran et bestemt værk, du ny opgave. Du kan ikke gøre det samme som i går, før et andet stykke.

Kernen i et kunstværk er det kunstneriske billede.

Et kunstnerisk billede er en idé udtrykt i en levende kunstnerisk form.

En idé er ikke en tanke, den er ikke resultatet af logisk tænkning.

En idé i et kunstnerisk billede er altid en følelse.

En idé er ikke en tanke.

Det er ikke kunst, men videnskab, der er bygget på tanken. Grundlaget for enhver videnskab er logiske konstruktioner. Resultatet af logisk konstruktion er tænkt.

Tanke er resultatet af videnskab.

Resultatet af kunst er en kropslig følelse. Hvad betyder legemliggjort?

Følelsen kan ikke formidlestil en anden person. Vi kan ikke forstå en anden persons følelse. Vi kan kun tilpasse os den anden persons følelser. Prøv at være med. Og i kunsten er følelser legemliggjort i kunstnerisk form. Nogen menneskelige følelser, skal udmøntes i kunstnerisk form.

Den kunstneriske form gør menneskelig følelse synlig og tilgængelig for perception. Vi kan se denne følelse i billedkunst. Vi kan høre denne følelse i musikken. Vi kan lugte denne følelse i parfumekunsten. Vi kan smage denne følelse på tungen i den kulinariske kunst. Det hele er en kunstform.

Idéer i alle typer kunst er hentet fra én kilde – fra den menneskelige sjæl, det er menneskelige følelser. og derfor kan lidenskab eller ømhed legemliggøres i musik, i farvesammensætning, i farvepletter, men det vil være lidenskab og ømhed. De kan være legemliggjort i et moderigtigt billede, eller rettere i kunsten af ​​store modedesignere, lidenskab er legemliggjort og ømhed er legemliggjort. Fortvivlelse er legemliggjort og stolt tro, forskellige følelser er legemliggjort. Vivienne Westwood, Gaultier, Gogliano, Yves Saint Laurent, McQueen er baseret på Feeling. Men følelsen er uforståelig, hvilket betyder, at du skal lære at opfatte denne følelse.

Før jeg går videre til dette emne, vil jeg give dig et eksempel. Vi vil dvæle lidt ved den kunstneriske form.

Så endnu en gang er et kunstnerisk billede en idé (menneskelig følelse) udtrykt i kunstnerisk form.

Idéer er hentet fra én kilde – den menneskelige sjæl.

Og den kunstneriske form er specifik for forskellige typer kunst. Det vil sige, at hver type kunst har sin egen kunstneriske form. I musik er disse lyde, melodiske rytmer, lydstyrke. En stille melodi, eller en høj, der fylder hele rummet - det er visse følelser. Og valget af lydstyrke er arbejde med legemliggørelsen af ​​følelse i musikken. Rytmer er afmålte, jævne, melodiske eller ujævne med percussion-instrumenter - det er forskellige følelser.

Ligeledes inden for parfumeri, kogekunst og selvfølgelig en vis specificitet i visuel kunst.

Hvad er en kunstform i billedkunst?

En kunstnerisk form består af individuelle elementer og forbindelser mellem disse elementer.

En kunstform har forskellige dele og forbindelser mellem disse dele.

Struktur er konstruktion kunstnerisk form: hvilke dele og hvordan de er forbundet med hinanden - dette er strukturen.

Elementer af kunstnerisk form, det vil sige, hvad vi ser. Hvad er disse elementer?

1. Dette er primært en linje. Først og fremmest, fordi det var sådan det menneskelige øje udviklede sig, først så vi konturlinje. Det siger videnskabsmænd, og det var det højst sandsynligt. Mange mennesker ser trods alt linjer, men skelner ikke farvenuancer. Grøn har hundredvis af nuancer, men du skal kende mindst et dusin navne. Og mange mennesker forstår ikke, at det er forskellige farver.


2. Farveplet (farveforhold mellem farvepletter)


3. Tekstur - overfladens beskaffenhed. Alle fag i kunst, i virkelige verden have en form for overflade. For eksempel i kostumekunsten er stoffets tekstur af enorm betydning for at skabe et billede. Sanjen er én ting. Stoffet er meget komplekst i farven, det ændrer sig under forskellige lysforhold. Dens tekstur er ru og endda forskellige tråde skiller sig ud, og denne raslende tekstur skaber et bestemt billede.

Klæd er en helt anden sag. Klæd afspejler ikke farve, silke (sanjen) afspejler farve. Med

Et helt andet Atlas, der er en anden vævning (gennem fem tråde). her skabes en helt anden tekstur og overflade. Og satin er efterspurgt i en vis barokstil. I en sensuel, levende stil.

det samme i dekorative brugskunst møbel. Det samme i arkitektur er, hvordan sten bliver forarbejdet. Alt dette skaber et kunstnerisk billede.

Dette er de tre hovedelementer. Men struktur er ikke kun individuelle elementer, men også forbindelserne mellem dem. Det vil sige, ikke kun linjens beskaffenhed, ikke kun farven, ikke kun farvepletterne, ikke kun arten af ​​teksturen, men forbindelserne mellem dem. Disse elementer bør ikke eksistere separat i et kunstnerisk billede; de ​​er forbundet og forbundet ikke af sindet, ikke som et resultat af refleksion, men som et resultat af indsigt.

Dette er ord for dig for nu, men husk dem, de vil være nyttige for dig senere, fordi du vil være til stede ved disse indsigter.

Naturen af ​​kommunikation i billedkunsten udføres af rytmer.

Rytme er en gentagelse af noget. Der er simple rytmer, når den samme form gentages. Hvor kan vi finde dette? For eksempel i Egypten. Søjlegangen består af helt identiske søjler – det er en simpel rytme. I kostumekunsten i halvtredserne, da en rød håndtaske blev kombineret med røde sko. Der er ikke noget lignende i samtidskunst den simple rytme er erstattet af en kompleks rytme, en nuanceret rytme. Når der under gentagelse sker en ændring i dette element, som vil blive gentaget. Ofte er en nuanceret ændring ikke stor, og nogle gange en kompleks, usynlig ændring.

Eksempel. Lad os tage en rød pose, åben skarlagen. Det røde pigment er grundlaget for den røde åbne farve. Hvis vi tilføjer blåt pigment til dette røde pigment, kan vi opnå forskellige nuancer fra crimson til lilla, og skoene til denne taske kan være crimson, eller de kan være tykke lilla. Dette er en nuanceret rytme, den er ikke åben, ikke indlysende. Dette er den anden type rytme.

Men der er en anden rytme, skjult. Dette er en semantisk rytme. Jeg vil ikke tale om det nu. Men skriv det nu ned. så du ved, at der overhovedet ikke er noget simpelt i kunst. Hvis du levede i en verden, hvor alt var sort og hvidt, så glem det. For i virkeligheden er der ikke noget sort og hvidt i verden, det er helt sort og hvidt i dine hoveder. Og i kunsten kan intet være enkelt. Kunst er store kunstneres spirituelle oplevelse, som afspejler den menneskelige sjæl og alt komplekst, nogle gange utilgængeligt for forståelse og opfattelse.

Enhver træning er altid en forenkling. Du kan ikke undervise uden at forenkle. Så jeg prøver at forenkle, men lad dig vide, at jeg forenkler. Der er meget, du ikke forstår. Dette skal forstås. Jeg har dedikeret mit liv til kunst, jeg bevæger mig fremad, jeg forsøger at forstå, hvad der ikke er tilgængeligt i dag. Jeg prøver at have det tilgængeligt for mig i morgen. og denne proces er uendelig indtil min død. Hvis der er noget, jeg kan lære af min rejse, hvor jeg aldrig faldt til ro og sagde: "Åh, du er en ekspert." Jeg kiggede altid med overraskelse og glæde, og jeg indså, at hver dag åbnede nye verdener sig for mig. Og denne min evne har givet mig mulighed for at vokse gennem hele mit liv.

Du skal tydeligt forstå, at kunst er et stort hul, og i vores klasser vil vi forsøge at fjerne det øverste lag fra det, det mest tilgængelige. Jeg udvælger eksempler, så de er tilgængelige for dig. Men der er hundreder og hundreder af lag, der går dybere. Og et sted meget dybt er der Rembrandt, Velasquez, McQueen, i modsætning til Chanel, som er på overfladen.

Så vi fandt ud af, at det vigtigste i et kunstværk er det kunstneriske billede. Et kunstnerisk billede er en følelse, der er legemliggjort i kunstnerisk form. Og ikke kun i form, men dette billede har altid en struktur. Ikke kun individuelle elementer i en kunstnerisk form, men forbundet af komplekse forbindelser med hinanden. Disse forbindelser er ikke født ud af at tænke, "Jeg vil bære denne håndtaske i denne farve med disse sko." Sådan sker det aldrig.

Kunstnerens sjæl er menneskelig sjæl. Ikke alle mennesker har en sjæl.

De gamle japanere har geniale ord, der afslører meget om kunst: "Når kunstnerens sjæl er fyldt til randen med indtryk, er det, der flyder over sjælen, et kunstværk." Men vi lever i et samfund af mennesker uden sjæle. Systemet med opdragelse og uddannelse i vores samfund ødelægger følelser. Et barn op til seks år har følelser, men i en alder af seks år har samfundet og uddannelsen håndteret dette problem. Følelser er ødelagt. Og med tabet af evnen til at føle, er sjælen tabt.

Stil er kunstens højdepunkt. Det højeste billede i kunst er stil. Hvor kommer han fra, hvis der ikke er nogen sjæl?

Opfattelsen af ​​kunst kræver sansernes oplevelse. Hvis folk træffer beslutninger fra sindet og ikke giver sig selv mulighed for at se verdenen. Hvis man lever inden for rammerne af et forbrugersamfunds ideer, når kun det, der giver penge, er værdifuldt.

En dag indså jeg det, da jeg står foran forskellige malerier, min krop lever sit eget liv. Jeg indså, at jeg trak vejret anderledes, at mine muskler var i forskellige tilstande. Og så gik det op for mig, at det var mig, der reagerede på farve, linje, komposition, skala, proportion osv. Jeg indså, at min krop reagerer på disse ting. Den lever livet af det kunstværk, jeg står foran.

Uden en levende krop er opfattelse af verden og kunst umulig. Ingen kropsreaktion - ingen opfattelse.

I det væsentlige, hvis du ser den blide farvning af maleriet, bør din vejrtrækning blive blødere.

Opfattelsen af ​​et billede er en reaktion på den skjulte struktur i et kunstnerisk billede. Dette kan slet ikke læres. fordi struktur er en meget kompleks ting. At opfatte det er en intuitiv proces. Enhver intuitiv proces kan ikke læres. det er dårlige nyheder. Og nu er det godt - du kan lære at reagere og opfatte individuelle elementer i strukturen.

Når du får erfaring med personligt at opfatte individuelle elementer i en struktur, kan hele billedet pludselig afsløre sig selv.

Intuition er altid resultatet af erfaring. Jo mere erfaring, jo hurtigere vil intuitive processer komme i gang. Og når der ikke er nogen erfaring, har stilen ingen steder at komme fra.

Evnen til at reagere på betydninger i kunst afslører verdener for os, og ikke kun kunst, men verden omkring os. Fred med din mand, barn. Ofte opdrager kvinder et barn ud fra deres egoistiske ideer, uden overhovedet at forsøge at opfatte barnet. Uden at forsøge at åbne sin sjæl, for det er ikke din sjæl. Han er anderledes.

Men er der mange hustruer, der accepterer deres mænd, forstår dem og opgiver deres ideer om, hvad de burde være? Og de elsker dem, ikke deres fantasier. De elsker rigtige mennesker.

Bliv ikke gift, hvis du ikke ser verden omkring dig. Dette betyder nødvendigvis skuffelse. Lær at se verden.

Kunst er en spirituel oplevelse. Kunst er ikke underholdende. Kunst giver ikke glæde. Kunst lærer dig at leve. Kunst lærer dig at reagere på din sjæl og forme din sjæl. Kunst lærer dig at være menneske eller lærer dig, hvordan du bliver menneske.

I øjeblikket er en af ​​de mest berømte typologier af udseende Kibbey-teorien. Internettet er fyldt med sider med beskrivelser af typer, eksempler på stjerner og deres billeder i tøj, der er passende og upassende til dem. Dette er dog langt fra den eneste teori, der giver os mulighed for at læse de linjer og former, der er iboende i en person, fra hans udseende. Hvilke andre teorier kan du bruge til at tjekke dit udseende, vil jeg fortælle dig i denne artikel.

1. Typer af udseende ifølge L.M. Popova

Kandidat for kunsthistorie og leder af studiet til udvikling af kreative evner Lyubov Mikhailovna Popova udviklede en af ​​de mest grundlæggende typologier for udseende. Ifølge hendes teori er der 5 stiltyper af udseende:

• Dramatisk
• Kompliceret romantisk
• Klassisk
• Naturlig
• Naiv-romantisk

Hvordan kan du afgøre, hvilken type du er? Den første ting at gøre er at besvare spørgsmålet: "Hvilke følelser fremkalder ansigtet?" Giver det en følelse af aggression, autoritet eller ro og status, eller udtrykker det måske gemyt og naturlighed? Vær ærlig over for dig selv, eller endnu bedre, bed dine venner om at give deres kommentarer til denne sag. Det andet trin vil være at analysere linjer og former i ansigtet, hvad der er mere i det: skarphed eller blødhed, samt fremhæve det dominerende: hvad fanger øjet mest i ansigtet? Og endelig er det vigtigste at kontrollere ansigtets interaktion med baggrunden, der er karakteristisk for hver type.

Denne tilgang, selv om den er grundlæggende og ikke tillader dig at hænge fast i junglen af ​​en omhyggelig analyse af udseende, er efter min mening for subjektiv. En stylist kan se harmonien i et ansigt med dramatiske baggrunde, og en anden - det samme ansigt - med komplekse romantiske print og landskaber, og vil bevise, at hans vision er korrekt. Derudover tager denne teori slet ikke højde for fysik og figur. Men vi vil vurdere, hvordan tøj passer på os, ikke kun med hensyn til harmonisk kombination med ansigtet, men også med hensyn til pasform til figuren, understreger dets fordele osv. På kurserne på mange billedskabende skoler tilbydes fremtidige stylister netop denne tilgang, men personligt har jeg ikke arbejdet med dette system. Efter at have analyseret det indvendigt og udvendigt, gik jeg næsten straks videre til Kibbeys teori.

2. Teorien om udseendetyper ifølge David Kibbey

Kibbies teori udvider tilgangen til at opdele i grundlæggende typer og tilføjer blandede muligheder.

3. Teorien om udseendetyper ifølge Dvin Larson

Men med tiden blev Kibbeys teori, der indeholdt huller og udeladelser, suppleret og forbedret af hans tilhænger Dwin Larson. Denne kvinde, kendetegnet ved sin slanke logisk tænkning, lavede ikke kun mange skitser af typiske figurer og ansigter af hver type, men fuldendte også Kibbys teori med Gamin-Natural og Gamin-Classic, som han ikke havde, og i stedet for den ideelle klassiker, som Kibby til sidst helt afskaffede, foreslog den naturlige-klassiske.