Kreikkalainen painiveistos. Muinaisen Kreikan veistokselliset ja arkkitehtoniset piirteet

Lähes yksikään kreikkalaisten kuvanveistäjien teoksista ei ole tullut meille. Tiedämme vain niiden kuvaukset ja roomalaiset kopiot niistä. Mutta taitavasti toteutettu kopio vääristää alkuperäistä. Useammin kadonneesta alkuperäisestä on useita kopioita. Sitten veistos on huolella sävellettävä osiin, jotka säilyvät paremmin yhdessä tai toisessa kopiossa. Tämän seurauksena ihailemme nykyään tiettyä yleistettyä kuvaa antiikin kreikkalaisesta kuvanveistosta.

Muinaisen kreikkalaisen taiteen periodisointi on jaettu arkaaiseen (VIII - VI vuosisataa eKr.), klassiseen (V - IV vuosisataa eKr.) ja hellenistiseen (IV - II vuosisataa eKr.) ajanjaksoihin.

Kreikkalaiset ovat lähes kokonaan kivisen maan poikaa. Ja tästä maasta kreikkalaiset taiteilijat loivat kauneimman kuvanveistomateriaalin - marmorin. Veistos kehitettiin Egeanmeren saarilla - täältä löydettiin rikkaimmat marmoriesiintymät, erityisesti Paroksen saarella. Lisäksi kreikkalaiset käsityöläiset loivat veistoksia kalkkikivestä, puusta, norsunluusta ja leivotusta savesta.

Sekä arkkitehtuurissa että kuvanveistossa nousi esiin kaksi luovuuden suuntausta: doorinen ja joonialainen. Doorialaisilla alueilla Argosin ja Korintin veistoskoulut olivat kuuluisia, Joonian mailla - saarikoulut Naxosissa ja Parosissa Kazimierz Kumanetsky. Muinaisen Kreikan ja Rooman kulttuurin historia. kanssa. 83.

Kuten jo mainittiin, kreikkalaisessa kuvanveistossa heijastuu kaksi maailmaa: mytologinen ja todellinen.

Arkaainen aikakausi on taiteen, erityisesti kuvanveiston, muodostumisen aikaa. Tämä oli massojen keskuudessa vallinneiden mytologisten ideoiden ruumiillistuma-aikaa. Tällä hetkellä luotiin ensin kuvia jumalista, sankareista ja mytologisista tapahtumista, mikä on yksi tämän ajanjakson taiteen piirteistä. Temppeliveistokselle on ominaista mytologiset aiheet. Sävellyksen olemus pelkistettiin jumalallisen voiman näyttämiseen, dynaamiset kohtaukset heijastivat mytologisia tarinoita voitosta pahoja voimia. Patsaat on veistetty rohkealla, mutta silti taitamattomalla kädellä. Monumentaalisissa marmoriveistoksissa kuvan perinteiset piirteet ovat silmiinpistäviä, mikä pakottaa muistuttamaan muinaisen Egyptin taiteen. Nämä olivat tasomaisia ​​kokoonpanoja; lineaarinen näkymä hahmojen ääriviivat, vaatteiden poimujen liike ja muut yksityiskohdat loivat arkaaisen taiteen erityisen viehätyksen Kobylina MM Perinteen rooli kreikkalaisessa taiteessa. kanssa. 23. Muodot näyttelijät kyykky, kiinteä ja toteutettu hieman naiivilla tavalla.

Arkaainen taide suosi poikkeuksellisesti kahta tyyppiä: kouros - alaston nuori ja haukku - pukeutunut tyttö André Bonnard. Kreikkalainen sivilisaatio. 1992. s. 46, 55...

Kurosissa kuvanveistäjät ilmensivät tiettyä täydellinen kuva, jota eivät rasita epäilykset tai yksilön yksilölliset piirteet. Joskus kirjallisuudessa kouroilla on toinen nimi - Apollo. Tällä kreikkalaiset yrittivät antaa idealisoidulle kuvalle joitain jumalallisia piirteitä. Nuorten parrattomien urheilijoiden patsaat luotiin elävien ihmisten vaikutelman alla; Jossain tapauksessa mallina voisi olla useita erilaisia ​​nuoria miehiä kerralla.

Kourojen asennon tilastojen piti todistaa kävelyn vahvuudesta ja hengen lujuudesta. Vasen jalka kuvattiin välttämättä esiasetettuna, kasvot valaistuivat etäisellä, salaperäisellä hymyllä (ns. "arkaainen hymy"). Teosten tekijöiden kaikki huomio kohdistui pään, vatsalihasten, polvilumpioiden ja tärkeimpien kohokuviointilinjojen mallinnuksen perusteellisuuteen.

Kuoret ovat peräisin Joonianmeren alueilta, ja ne erottuivat korostetusta jyrkyydestään ja tyylikkyydestään. Ne on valmistettu Parian-marmorista, jonka rakenne pystyy paljastamaan naisen ihon tietyn läpinäkyvyyden sekä hienoimmat sävyt ja värimuutokset, ja joka soveltuu hienoimpaan käsittelyyn, joka mahdollisti kaikkien ihon käyrien välittämisen. figuuri, hiusten kiharat, vaatepoimut. Ionialaiset eivät kiinnittäneet paljon huomiota ihmiskehon mittasuhteisiin, mutta he välittivät ääriviivojen sileydestä, verhojen pehmeästä tulkinnasta. Kuoret käytettiin tukemaan temppelin kattoa, mutta joskus ne erotettiin toisistaan ​​ja kuvattiin pitelemässä omenaa tai granaattiomenaa lahjana jumalille.

Peisistratidien hallituskaudella Joonian alueen kuvanveistäjät laajensivat toimintansa Ateenaan. Ullakkoveistos erottuu kuitenkin jonkinasteisesta vakavuudesta: taitavasti taltalla "kierretyt" kiharat katoavat, hahmojen asennossa ilmaantuu epätavallinen juhlallisuus, oikeita verhoja korvataan. yksinkertaiset linjat virtaavia kaapuja. Ateenalaiset haukut ovat täynnä armoa ja armoa, päät on koristeltu kiharoilla, itse patsaat ovat runsaasti värillisiä monilla väreillä; samalla Kazimierz Kumanetskyn vakavuus ja arvokkuus näkyvät heidän hahmoissaan. Muinaisen Kreikan ja Rooman kulttuurin historia. kanssa. 84.

Arkaaisella aikakaudella kuvanveistäjä ei voinut kuvitella ruumista liikkeessä. VI vuosisadalla. eKr e. hän oli vielä kaukana siitä, että se olisi tarkasti vanginnut lihasten leikin ihmiskehossa. Ei yhtään käännöstä oikealle tai vasemmalle, ei pienintäkään pään kallistusta, anatomia on alkeellisinta. Taiteilija ei pyrkinyt saavuttamaan patsaan samankaltaisuutta elävän henkilön Andre Bonnardin kanssa. Kreikkalainen sivilisaatio. 1992. s. 55, 58...

Arkaaisen aikakauden loppuun mennessä mestarit olivat saavuttaneet hämmästyttävän kyvyn luoda yksityiskohtia, erittäin ilmeikkäitä patsaiden fragmentteja, erityisesti käsiä ja päitä. Arkaaisten kuvanveistäjien hahmon osien kuvauksen tarkkuus ja hienostuneisuus on paljon korkeampi kuin klassisen ajan mestareiden, mutta patsaat koetaan leikatuiksi, niistä puuttuu harmonia, eheys.

Klassinen aikakausi on kukoistusaika. A. Bonnard määritteli klassismin taiteilijan valitsemien piirteiden, muotojen ja asentojen yhdistelmäksi, joka perustuu aitoon realismiin. Tämä aikakausi on inhimillisempi; se ei ole enää täysin täynnä jumalallista; se edustaa miestä, joka on korotettu jumalan tasolle. Tällä aikakaudella arkaainen symmetria on katkennut: viivat lakkaavat olemasta vaakasuoria, ne eivät ole symmetrisiä toistensa suhteen.

5-luvulla eKr e. kuvanveisto on kokenut merkittäviä muutoksia. Sen pääteemat pysyivät samoina: jumalien ja sankareiden kuva - politiikan suojelijoita, "kauniita ja urheita" kansalaisia ​​ja voittaneita urheilijoita sekä vainajien hautakivet. Mutta nyt jumala on yksinkertainen alaston nuori, jumalatar on tyttö, kauniisti pukeutunut ja jolla on miellyttävät kasvot.

Näissä kuvissa ei ollut enää jähmettynyttä tunnottomuutta; arkaaisten veistosten kaavamaisuus on voitettu. Klassisen aikakauden veistoksissa yritettiin voittaa liikkumattomuutta, välittää elävää liikettä. Klassisen aikakauden uusi harmonia rakentuu kontrastille: oikean jalan ja vasemman käsivarren jännityksen ja tietoisen kuormituksen poistamisen myötä vasemmasta jalasta ja oikeasta käsivarresta figuuri on harmoninen, täynnä rauhallisuutta, loistoa, vapautta Kumanetsky K. Muinaisen Kreikan ja Rooman kulttuurihistoria: Per. lattialta - M.: Korkeakoulu, 1990. s. 119. Realismi perustuu luuston rakenteen ja lihasten pelin tarkkaan tuntemiseen. Siellä on jumaluuskuvan inhimillistäminen, ihanteellisten piirteiden pehmentäminen ja puhtaasti inhimillisten ominaisuuksien korostaminen. Rohkeus näkyy nyt kasvojen tyyneinä. Tämä tasapuolisuus on merkki henkilökohtaisten intohimojen hallitsemisesta, merkki henkisestä voimasta, hengen täydellisyydestä, joka jumalilla kerran oli.

Tämän välitti onnistuneesti kuvanveistäjä Myron Eleutheruksesta (Keski-Kreikka) "Discoboluksessa" (5. vuosisadan puoliväli eKr., hieman aikaisemmin kuin 450). On syytä huomata, että tämä on jo miehen patsas, ei jumala. Urheilijan hahmo esitetään vaikeassa asennossa kiekon heiton hetkellä. Vartalo on kaareva siihen tarttuvassa liikkeessä, vasemman jalan varpaat lepäävät maassa antaakseen erittäin jännittyneelle epävakaassa asennossa olevalle miehelle vahvan tukipisteen, oikea käsi - levyä pitelevä - heitetään taaksepäin, mutta seuraavassa hetkessä heitetään eteenpäin heittämään kuormansa, vasen käsi ja oikea jalka näyttävät olevan passiivinen, mutta ovat itse asiassa mukana toiminnassa. Siten "Discobolus" on André Bonnardin liikkeen ruumiillistuma. Kreikkalainen sivilisaatio. 1992. s. 63.

Suurin rooli klassisen kuvanveiston luomisessa oli 5. vuosisadan puolivälin ja toisen puoliskon peloponnesolaisen mestarin Polykleitosin osa. eKr e. Hän pyrki luomaan tyypillisen kuvan urheilija-kansalaisuudesta. Poliklet tiesi numeroiden merkityksestä elävien olentojen rakenteessa ja sanoi: "Taideteoksen menestys riippuu monista numeerisista suhteista, ja jokaisella pienellä asialla on merkitystä." Andre Bonnard. Kreikkalainen sivilisaatio. 1992. s. 68. Siksi hän ymmärsi tehtävänsä kaanonin luomisena - tiettyjä matemaattisia suhteita, joiden pohjalle ihmiskeho tulisi rakentaa. Tämän kaanonin mukaan jalan pituuden tulee olla 1/6 vartalon pituudesta, pään korkeuden tulee olla 1/8 Kumanetsky K. Muinaisen Kreikan ja Rooman kulttuurin historia: Per. lattialta - M.: Korkeakoulu, 1990. s. 119. Hän pyrki luomaan illuusion liikkeen jatkuvuudesta. Hänen patsaansa "Dorifor" (Keihäsmies) näyttää kävelevän, siirtää koko kehon painon oikealle jalalle, joka nostetaan eteenpäin, kun taas vasen on hieman työnnetty taaksepäin ja koskettaa maata yhdellä varpaalla. Taivutettu polvi, supistuneempi lonkka vasemmalla vastaa kohonneempaa olkapäätä ja päinvastoin.

Toinen kuvanveistäjä, Phidias, A. Bonnardin mukaan antoi ihmiskunnan kukoistaa jumalallisissa muodoissa. Phidian jumalat ovat luonnossa, ne ovat luonnollisia. Hyvä esimerkki on temppelin friisi, joka kuvaa joukon jumalia. Mutta Hephaistos, tulen ja käsityön jumala, ja Ateena, käsityön jumalatar, on kuvattu seisomassa vierekkäin. Täällä he puhuvat keskenään yksinkertaisesti ja ystävällisesti, kuin työntekijät työpäivän päätteeksi. Näissä jumalissa ei ole mitään yliluonnollista, mutta ihmiskunta on kohonnut täydellisyyden korkeimmalle tasolle. Tämä on merkki, joka luonnehtii varhaisen klassismin aikakautta.

Jäykkä suuntaus ihanteeseen, harmonia ja tasapaino eivät voineet hallita. IV vuosisadalla. eKr e. Majesteetti, arvokkuus ja vakavuus tulivat puhtaasti esteettisistä tarpeista, joista tuli kuvanveistäjän työssä ratkaisevia.

Tämän voimme nähdä Praxitelesin veistoksissa. Hänen talttansa alta nousi esiin uusia, siroja ja siroja, pehmeitä ja helliä kasvoja sekä jumalien ja jumalattareiden hahmoja. Hänen patsaidensa pehmeät ja joustavat linjat merkitsevät uuden aikakauden alkua. Täynnä charmia, vilpittömyyttä, Paraxitelesin tyyli on intiimi: ensimmäistä kertaa kreikkalaisen kuvanveiston historiassa hän kuvaa Afroditen kauniissa ja ylevässä alastomuudessa.

Suuri kuvanveistäjä Lysippus (4. vuosisata eKr.) jätti jälkeläisilleen paitsi kauniin Aleksanteri Suuren rintakuvan (säilönnyt vain roomalaisessa kopiossa), myös kehitti uuden muovikaanonin, joka korvasi Polykleitoksen kaanonin. Kuvaillessaan toimintaansa Lysippus sanoi: "Policlet edusti ihmisiä sellaisina kuin he todella ovat, ja minä - sellaisilta kuin he näyttävät." Hänen patsaidensa mittasuhteet eroavat toisistaan: niillä on erittäin pitkät, hoikat jalat, ohut siro hahmo ja hyvin pieni pää. Tämä on uusi plastinen kauneusideaali Kumanetsky K. Muinaisen Kreikan ja Rooman kulttuurihistoria: Per. lattialta - M.: Korkeakoulu, 1990. s. 141.

Uutta tällä ajanjaksolla eivät olleet pelkästään hahmojen mittasuhteet, vaan ennen kaikkea ennennäkemätön vapaus kuvata ihmiskehon tilavuuksia. Vasta nyt veistoksesta tuli kolmiulotteisia, plastisesti täydellisiä.

Klassisen ajan kreikkalaiset mestarit oppivat välittämään kiinteässä materiaalissa monia ihmistilojen sävyjä, heidän patsaansa ovat täynnä elämää ja liikettä.

Hellenismia pidetään kuvanveiston kriisin aikana. Tämän ajanjakson pääpiirre oli arkaaisten perinteiden sekoittuminen kreikkalaisen taiteen saavutuksiin. Syynä tähän on vieraisiin kulttuureihin tutustuminen kauppareittien ja kulttuurisiteiden laajentamisen kautta. Tämän ajanjakson teoksissa oli puolikäsityötä. Niissä havaitaan alkuperäisen perinteisen tyyppisten kuvien unohtaminen, arkaaisen koulukunnan vääristymiä. Samaan aikaan ilmestyy useita saman juonen kopioita, joiden suoritustaso on erilainen.

Hellenismi nosti esiin uusia veistoksellisen luovuuden keskuksia, kuten Pergamonin, Rodoksen ja Antiokian.

Kuvanveistotaide koki erityisen merkittävän kukoistuksen tänä aikana. Nyt patsaat on tehty naturalistisesti ja korostaen kuvatun henkilön yksilöllisyyttä. Kuvanveistäjät loivat patsaita ja reliefejä eri-ikäisistä ihmisistä - vauvoista rappeutuneisiin vanhoihin miehiin ja naisiin - ja korostivat huolellisesti etnisiä ja etnografisia piirteitä.

Kreikkalaiset kuvanveistäjät loivat ja ylistivät kansalaisihanteen, joka heijasteli realistisesti kansalaisuuden keskikerroksen poliittista ja sosiaalista valta-asemaa. Hellenistiset kuvanveistäjät loivat patsaita ja patsasryhmiä, jotka kuvaavat fyysistä ja henkistä kärsimystä, taistelua, voittoa ja kuolemaa. Siellä oli myös kuva maisemasta ja arkisista yksityiskohdista taustana, jota vasten teoksen pääjuoni avautui.

Tämän ajan veistoksessa voidaan jäljittää useita koulukuntia.

Ateenassa ja Aleksandriassa kehitettiin Praxitelekseen asti juonteita ja tekniikoita, jotka on suunniteltu rikkaiden ihmisten makuun, jotka haluavat nauttia elämästä ja näkevät taideteoksia ihailun kohteena.

Rodoksen koulu palasi Lysippukseen. Kuvanveistäjät kuvasivat voimakkaita urheilijoita, sotureita ja taistelukohtauksia. Mutta nyt tämä ei ole rauhallinen ja rohkea urheilija - klassisten aikojen kansalainen, vaan hallitsija, jolla on valtaisa, ylpeä ilme, joka pettää suurta tahdonvoimaa. Tämä koulu omistaa kuuluisan Rodoksen Koloksen, 31 metriä pitkän, ja hyväntahtoisen istuvan naisjumalattar Tychen patsaan.

Skopas-ajoilta peräisin oleva Pergamon-koulu on täynnä draamaa. Tälle koululle on ominaista suuri tunteiden intensiteetti. Tämä näkyy veistoksissa kuolevasta Galliasta, galliasta, joka tappoi vaimonsa ja puukotti itseään välttääkseen vangitsemisen jne., joissa näemme paatos: kuolevien soturien piinaa, valloitettujen barbaarien kärsimystä.

Hellenistisen kauden loppuun mennessä hellenistisen kuvanveiston paatos alkoi rapistua liialliseksi kiehtomiseksi kauheisiin juoniin ja tapoihin.

Hellenistisen ajanjakson toisella puoliskolla kuvanveistossa voimistui halu palata klassikon idealisoituihin muotoihin. Tämän koulun muistomerkki on Aphrodite de Milon patsas, joka yhdistää klassikoiden ihanteelliset muodot ja uudet saavutukset hahmon muotoilussa.

Hellenistisellä kaudella veistokset koristavat yksityisiä taloja, julkisia rakennuksia, aukioita, akropoleita, risteyksiä, puistoalueita. Patsaiden runsaus oli tyypillistä jopa sellaisille pienille kaupungeille kuin Thermae. Mutta tämä runsaus johti taiteelliseen massatuotantoon. Tällaisen tuotannon aiheena olivat terrakottahahmot - pienikokoiset patsasteokset, jotka valettiin erityisesti valmistettuihin muotteihin. Nämä ovat yleensä tyylikkäitä kotimaisia ​​hahmoja, joilla on itsenäinen taiteellinen arvo Blavatsky V. D., Pikus N. N. Muinaisen Kreikan historia. Ed. V. I. Avdiev ja N. N. Pikus. Moskova - 1962 s. 485. Ne kuvasivat tavallisia kansalaisia ​​ja arkielämän kohtauksia, olivat halpoja ja saavutettavia, ja he pitivät kovasti Helleenien kaupunkien tavallisista asukkaista. Yksi näistä kaupungeista oli Tanagran kaupunki, joten näitä hahmoja kutsutaan usein Tanagra-terrakottaksi. Mutta massatuotanto puolestaan ​​johti luovuuden sukupuuttoon.

Hellenistiset mestarit kieltäytyivät kehittämästä kuvia kauniista ja rohkeasta, hieman idealisoidusta kansalaisesta. Toinen oli asenne jumalia kohtaan. Nyt jumaluus ei ole rauhallinen, kaunis, voimakas ja hyvä olento vaan oikukas ja pelottava voima.

suunnittelu matkustaa Kreikkaan, monet ihmiset ovat kiinnostuneita paitsi mukavista hotelleista, myös tämän muinaisen maan kiehtovasta historiasta, jonka olennainen osa ovat taide-esineitä.

Suuri määrä tunnettujen taidehistorioitsijoiden tutkielmia on omistettu nimenomaan antiikin kreikkalaiselle kuvanveistolle, joka on maailmankulttuurin perushaara. Valitettavasti monet tuon ajan monumentit eivät säilyneet alkuperäisessä muodossaan, ja ne tunnetaan myöhemmistä kopioista. Niitä tutkimalla voidaan jäljittää kreikkalaisen kuvataiteen kehityshistoriaa Homeroksen kaudesta hellenistiseen aikakauteen ja tuoda esiin kunkin ajanjakson silmiinpistävimmät ja kuuluisimmat luomukset.

Aphrodite de Milo

Maailmankuulu Afrodite Miloksen saarelta kuuluu kreikkalaisen taiteen hellenistiseen aikaan. Tällä hetkellä Aleksanteri Suuren voimien vaikutuksesta Hellas-kulttuuri alkoi levitä kauas Balkanin niemimaan ulkopuolelle, mikä heijastui selvästi kuvataiteeseen - veistokset, maalaukset ja freskot tulivat realistisemmiksi, jumalien kasvot niissä. on inhimillisiä piirteitä - rennot asennot, abstrakti ilme, pehmeä hymy.

Afroditen patsas, tai kuten roomalaiset kutsuivat sitä, Venus, on valmistettu lumivalkoisesta marmorista. Sen korkeus on hieman ihmisen korkeutta korkeampi ja on 2,03 metriä. Patsaan löysi sattumalta tavallinen ranskalainen merimies, joka vuonna 1820 yhdessä paikallisen talonpojan kanssa kaivoi Afroditen läheltä muinaisen amfiteatterin jäänteitä Miloksen saarella. Kuljetus- ja tullikiistansa aikana patsas menetti käsivartensa ja jalustansa, mutta siinä on säilytetty muistiinpano mestariteoksen tekijästä: Agesanderista, Antiokian Menidan asukkaan pojasta.

Tänään, perusteellisen restauroinnin jälkeen, Aphrodite on näytteillä Pariisin Louvressa ja houkuttelee häntä. luonnollinen kauneus miljoonia turisteja joka vuosi.

Nike of Samothrace

Voiton jumalattaren Niken patsaan luomisaika juontaa juurensa 2. vuosisadalle eKr. Tutkimukset ovat osoittaneet, että Nika asennettiin meren rannikon yläpuolelle jyrkälle kalliolle - hänen marmorivaatteensa lepattavat kuin tuulesta, ja kehon kaltevuus edustaa jatkuvaa liikettä eteenpäin. Vaatteiden ohuimmat poimut peittävät jumalattaren vahvan vartalon, ja voimakkaat siivet leviävät ilosta ja voiton voitosta.

Patsaan päätä ja käsiä ei ole säilynyt, vaikka yksittäisiä sirpaleita löydettiin kaivauksissa vuonna 1950. Erityisesti Karl Lehmann arkeologien ryhmän kanssa löysi oikea käsi jumalattaria. Nike of Samothrace on nyt yksi Louvren merkittävimmistä näyttelyistä. Hänen kättään ei koskaan lisätty yleisnäyttelyyn, vain oikea kipsistä tehty siipi kunnostettiin.

Laocoon ja hänen poikansa

Veistosrakennelma, joka kuvaa Apollon jumalan papin Laocoönin ja hänen poikiensa kuolevaista kamppailua kahden käärmeen kanssa, jotka Apollo lähetti kostoksi siitä, että Laocoön ei kuunnellut hänen tahtoaan ja yritti estää Troijan hevosta pääsemästä kaupunkiin .

Patsas tehtiin pronssista, mutta sen alkuperäinen ei ole säilynyt tähän päivään asti. 1400-luvulla veistoksen marmorikopio löydettiin Neron "kultaisen talon" alueelta, ja paavi Julius II:n määräyksestä se asennettiin Vatikaanin Belvederen erilliseen kapekoon. Vuonna 1798 Laokoonin patsas siirrettiin Pariisiin, mutta Napoleonin vallan kaatumisen jälkeen britit palauttivat sen alkuperäiselle paikalleen, jossa sitä säilytetään tähän päivään asti.

Laocoönin epätoivoista kuolinvuoteellista kamppailua jumalallisen rangaistuksen kanssa kuvaava sävellys inspiroi monia myöhäisen keskiajan ja renessanssin kuvanveistäjiä ja synnytti muodin kuvata kuvataiteessa ihmiskehon monimutkaisia, pyörteitä muistuttavia liikkeitä.

Zeus Cape Artemisionista

Patsas, jonka sukeltajat löysivät Cape Artemisionin läheltä, on valmistettu pronssista, ja se on yksi harvoista tämäntyyppisistä taideteoksista, jotka ovat säilyneet tähän päivään alkuperäisessä muodossaan. Tutkijat ovat eri mieltä siitä, kuuluuko veistos nimenomaan Zeukselle, koska he uskovat, että se voi kuvata myös merien jumalaa Poseidonia.

Patsaan korkeus on 2,09 m, ja se kuvaa korkeimman kreikkalaisen jumalan, joka kohotti oikean kätensä heittääkseen salaman vanhurskaan vihan vallassa. Itse salama ei ole säilynyt, mutta lukuisat pienemmät hahmot osoittavat sen näyttävän litteältä, voimakkaasti pitkänomaiselta pronssikiekolle.

Lähes kaksituhatta vuotta veden alla olemisesta patsas ei melkein kärsinyt. Vain silmät, jotka oli oletettavasti tehty norsunluusta ja peitetty jalokivillä, katosivat. Voit nähdä tämän taideteoksen kansallisessa arkeologisessa museossa, joka sijaitsee Ateenassa.

Diadumenin patsas

Marmorikopio nuoren miehen pronssista patsaasta, joka kruunaa itsensä diadeemilla - urheiluvoiton symbolilla, luultavasti koristeltu Olympian tai Delphin kilpailujen paikkaa. Diadem oli tuolloin punainen villaside, joka laakeriseppeleiden ohella myönnettiin olympialaisten voittajille. Teoksen kirjoittaja Poliklet esitti sen suosikkityyliillään - nuori mies on kevyessä liikkeessä, hänen kasvonsa osoittavat täydellistä rauhallisuutta ja keskittymistä. Urheilija käyttäytyy kuin ansaittu voittaja - hän ei osoita väsymystä, vaikka hänen kehonsa tarvitsee lepoa taistelun jälkeen. Veistoksessa kirjailija onnistui hyvin luonnollisesti välittämään paitsi pieniä elementtejä myös yleinen asema kehon jakamalla hahmon massan oikein. Kehon täysi suhteellisuus on tämän ajanjakson kehityksen huippu - 500-luvun klassismi.

Vaikka pronssinen alkuperäinen ei ole säilynyt meidän aikanamme, sen kopioita voi nähdä monissa museoissa ympäri maailmaa - Ateenan kansallisessa arkeologisessa museossa, Louvressa, Metropolitanissa, British Museumissa.

Aphrodite Braschi

Afroditen marmoripatsas kuvaa rakkauden jumalatarta, joka oli alasti ennen kuin meni legendaariseen, usein myytteissä kuvattuun kylpyyn ja palautti neitsyytensä. Aphrodite vasemmassa kädessään pitää irrotettuja vaatteitaan, jotka putoavat varovasti läheisen kannun päälle. Insinöörin näkökulmasta tämä päätös teki hauraasta patsaasta vakaamman ja antoi kuvanveistäjälle mahdollisuuden antaa sille rennompi asento. Aphrodite Brascan ainutlaatuisuus on, että tämä on ensimmäinen tunnettu jumalattaren patsas, jonka kirjoittaja päätti kuvata hänet alasti, jota pidettiin aikoinaan ennenkuulumattomana röyhkeänä.

On olemassa legendoja, joiden mukaan kuvanveistäjä Praxiteles loi Afroditen rakkaansa, hetaera Phrynen kuvaksi. Kun hänen entinen ihailijansa, puhuja Euthias sai tietää tästä, hän nosti skandaalin, jonka seurauksena Praxiteles syytettiin anteeksiantamattomasta jumalanpilkasta. Oikeudenkäynnissä puolustaja, koska hän näki, etteivät hänen väitteensä tehneet tuomarissa vaikutusta, riisui Phrynen vaatteet osoittaakseen läsnäolijoille, että mallin niin täydellisessä ruumiissa ei yksinkertaisesti voi olla pimeää sielua. Tuomarit, jotka kannattavat kalokagatiya-käsitettä, pakotettiin vapauttamaan syytetyt täysin syytteistä.

Alkuperäinen patsas vietiin Konstantinopoliin, missä se kuoli tulipalossa. Monet kopiot Afroditen kirjasta ovat säilyneet meidän aikanamme, mutta niissä kaikissa on omat eronsa, koska ne on palautettu sanallisen ja kirjalliset kuvaukset ja kuvia kolikoissa.

maraton nuoriso

Nuoren miehen patsas on tehty pronssista ja oletettavasti kuvaa kreikkalaista jumalaa Hermestä, vaikka hänen käsissään tai vaatteissaan ei ole hänen edellytyksiään tai ominaisuuksiaan. Veistos nostettiin Maratoninlahden pohjalta vuonna 1925, ja siitä lähtien se on täydentänyt Ateenan kansallisen arkeologisen museon näyttelyä. Koska patsas pitkä aika oli veden alla, kaikki sen ominaisuudet ovat erittäin hyvin säilyneet.

Patsaan valmistustyyli paljastaa kuuluisan kuvanveistäjä Praxitelesin tyylin. Nuori mies seisoo rennossa asennossa, kätensä lepää seinällä, jonka lähelle hahmo asennettiin.

Kiekonheittäjä

Muinaisen kreikkalaisen kuvanveistäjä Myronin patsas ei ole säilynyt alkuperäisessä muodossaan, mutta se tunnetaan laajalti kaikkialla maailmassa pronssi- ja marmorikopioiden ansiosta. Veistos on ainutlaatuinen siinä mielessä, että se esitti ensimmäistä kertaa miehen kompleksissa, dynaaminen liike. Tällainen rohkea tekijän päätös toimi elävänä esimerkkinä hänen seuraajilleen, jotka yhtä menestyksekkäästi loivat taideesineitä "Figura serpentinata" -tyyliin - erityinen tekniikka, joka kuvaa henkilöä tai eläintä usein luonnottomassa, jännittyneessä, mutta erittäin ilmeikäs, tarkkailijan näkökulmasta katsottuna.

Delphin vaununkuljettaja

Pronssinen veistos vaununkuljettajasta löydettiin kaivauksissa vuonna 1896 Delphin Apollon pyhäköstä. klassinen esimerkki antiikki taide. Figuuri esittää antiikin kreikkalaista nuorta ajamassa vaunua aikana Pythian pelit.

Veistoksen ainutlaatuisuus piilee siinä, että silmien upotus jalokivillä on säilytetty. Nuoren miehen ripset ja huulet on koristeltu kuparilla, ja pääpanta on hopeaa, ja siinä oletettavasti myös upote.

Veistoksen syntyaika on teoriassa arkaaisen ja varhaisen klassikon risteyskohdassa - sen asennolle on ominaista jäykkyys ja liikkeen vihjeen puuttuminen, mutta pää ja kasvot on tehty melko suurella realismilla. Kuten myöhemmissä veistoksissa.

Athena Parthenos

Majesteettinen jumalatar Ateenan patsas ei ole säilynyt meidän aikanamme, mutta siitä on olemassa monia kopioita, jotka on entisöity muinaisten kuvausten mukaan. Veistos oli valmistettu kokonaan norsunluusta ja kullasta, ilman kiveä tai pronssia, ja se seisoi Ateenan päätemppelissä - Parthenonissa. Jumalattaren erottuva piirre on korkea kypärä, joka on koristeltu kolmella harjalla.

Patsaan luomishistoria ei ollut ilman kohtalokkaita hetkiä: jumalattaren kilpeen kuvanveistäjä Phidias asetti amatsonien kanssa käydyn taistelun kuvan lisäksi muotokuvansa muotoon. hauras vanha mies joka nostaa painavaa kiveä molemmin käsin. Tuon ajan yleisö piti epäselvästi Phidiasin tekoa, joka maksoi hänelle hänen henkensä - kuvanveistäjä vangittiin, missä hän teki itsemurhan myrkyn avulla.

Kreikkalaisesta kulttuurista on tullut kuvataiteen kehityksen perustaja kaikkialla maailmassa. Nykyäänkin katsomalla joitain moderneja maalauksia ja patsaita voi havaita tämän muinaisen kulttuurin vaikutuksen.

Muinainen Hellas siitä tuli kehto, jossa kulttia kasvatettiin aktiivisesti ihmisen kauneus fyysisessä, moraalisessa ja henkisessä ilmenemismuodossaan. Kreikan asukkaat tuohon aikaan he eivät vain palvoneet monia olympiajumalia, vaan yrittivät myös muistuttaa niitä mahdollisimman paljon. Kaikki tämä on esillä pronssi- ja marmoripatsaissa - ne eivät vain välitä kuvan henkilöstä tai jumaluudesta, vaan myös tekevät niistä lähellä toisiaan.

Vaikka monet patsaat eivät ole säilyneet nykypäivään, niiden tarkat kopiot ovat nähtävissä monissa museoissa ympäri maailmaa.

Tulivuoren kävely

On monia syitä, miksi kuka tahansa matkailija voi vierailla Egeanmeren eteläpuolella sijaitsevalla Nisyroksen saarella: sukeltaa parantavaan lähteeseen ja tuoda kotiin loistava matkamuisto, joka on syntynyt punakuumena laavassa, kumartaa ihmeellisen Neitsyt-kuvakkeen edessä, ihmetellä maan tulisten voimien voima. Ulkonäöltään Nisyros on kaunis, mutta täysin asumiskelvoton saari.

Kreikka: Halkidiki. Psakudya

Psakoudian lomakaupunki sijaitsee Kassandran niemimaalla, jota kutsutaan usein Halkidikin ensimmäiseksi haaraksi. Kaupungilla on suotuisa maantieteellinen sijainti, jonka ansiosta muu Kreikan Psakoudia ei rajoitu paikallisiin nähtävyyksiin ja viihteeseen, täältä on helppo päästä mihin tahansa Halkidikin pisteeseen.

Meteora, Pyhän Tapanin luostari

Kun lähestyt Kalambakaa, poistuttuasi Trikalan kaupungista ja katsot Meteoran kallioita 16 km:n etäisyydeltä, näet ensimmäisellä oikeallasi kalliolla Pyhän Tapanin luostarin, joka on majesteettisesti kohonnut vuosisatojen ajan. tässä paikassa. Luostariin pääsee kahta tietä, joista ensimmäinen johtaa Kastrakin kylästä ja toinen Kalambakin kaakkoispuolelta.

Athoksen luostarien ihmeelliset ikonit

Athos-vuorella on upea Pantokratorin luostari. Siellä on nyt tämä ihmeellinen kuva hopeisessa viittassa. Jumalanäiti kuvataan rukouksessa. Hän ojentaa kätensä taivasta kohti. Kaikkein pyhimmän Theotokos Gerontissan kuvan ihmeelliseen voimaan liittyy monia tarinoita.

Kreikan muinaiset veistokset yhdessä temppelien, Homeroksen runojen, ateenalaisten näytelmäkirjailijoiden ja koomikkojen tragedioiden kanssa tekivät hellenien kulttuurista suuren. Mutta Kreikan plastiikkataiteen historia ei ollut staattinen, vaan kävi läpi useita kehitysvaiheita.

Veistos Arkaainen antiikin Kreikka

Pimeällä keskiajalla kreikkalaiset tekivät puusta ikonisia kuvia jumalista. Heitä kutsuttiin xoans. Heistä tiedetään muinaisten kirjailijoiden kirjoituksista, näytteitä Xoanista ei ole säilynyt.

Niiden lisäksi kreikkalaiset tekivät XII-VIII vuosisadalla primitiivisiä hahmoja terrakottasta, pronssista tai norsunluusta. Monumentaaliveistos ilmestyi Kreikkaan 700-luvun alussa. Patsaat, joita käytettiin koristelemaan muinaisten temppelien friisit ja päällysteet, on tehty kivestä. Yksittäisiä veistoksia tehtiin pronssista.

Varhaisimmat muinaisen Kreikan arkaaisen veistokset löydettiin Kreeta. Niiden materiaali on kalkkikiveä ja kuvissa näkyy idän vaikutus. Mutta pronssinen patsas kuuluu tälle alueelle" cryofor”, joka kuvaa nuorta miestä pässi olkapäillään.

Veistos arkaainen antiikin Kreikka

Arkaaisen aikakauden patsaita on kahta päätyyppiä - kouros ja haukkuu. Kouros (käännetty kreikaksi "nuoriksi") oli seisova alaston nuori. Patsaan toinen jalka siirtyi eteenpäin. Kourojen huulten kulmat tehtiin usein hieman kohotetuiksi. Tämä loi niin sanotun "arkaaisen hymyn".

Kuori (käännetty kreikaksi "neitsyt", "tyttö") on naisveistos. Muinainen Kreikka 700-600-luvuilla jätti kuvia korista pitkiin chitoneihin. Argosin, Sikyonin ja Kykladien mestarit tekivät mieluummin kouroja. Joonian ja Ateenan kuvanveistäjät - Kor. Kourot eivät olleet yksittäisten ihmisten muotokuvia, vaan yleistettyä kuvaa.

Muinaisen Kreikan arkkitehtuuri ja veistos alkoivat olla vuorovaikutuksessa arkaaisen aikakauden aikana. VI vuosisadan alussa Ateenassa oli Hekatompedonin temppeli. Kulttirakennuksen päädyssä oli kuvia Herkuleen ja Tritonin kaksintaistelusta.

Löytyi Ateenan Akropolista Moschoforin patsas(vasikkaa kantavasta miehestä) valmistettu marmorista. Se valmistui noin 570. Vihkimiskirjoitus sanoo, että se on lahja jumalille ateenalaisesta Ronbasta. Toinen ateenalainen patsas - kouros ateenalaisen soturin Kroisoksen haudalla. Patsaan alla oleva kirjoitus kertoo, että se pystytettiin nuoren soturin muistoksi, joka kuoli eturintamassa.

klassinen aikakausi

500-luvun alussa hahmojen realismi kasvaa kreikkalaisessa plastiikkataiteessa. Mestarit toistavat huolellisesti ihmiskehon mittasuhteet ja sen anatomian. Veistokset kuvaavat liikkeessä olevaa henkilöä. Entisten kourojen seuraajat - urheilijoiden patsaita.

500-luvun ensimmäisen puoliskon veistoksia kutsutaan joskus "vakavaksi" tyyliksi. Silmiinpistävin esimerkki tämän ajan työstä - Veistoksia Zeuksen temppelissä Olympiassa. Siellä olevat luvut ovat realistisempia kuin arkaaisen kourot. Kuvanveistäjät yrittivät kuvata tunteita hahmojen kasvoilla.

Rankkaat tyyliset veistokset kuvaavat ihmisiä rennommissa asennoissa. Tämä tehtiin "contrapostan" avulla, kun vartalo on käännetty hieman toiselle puolelle ja sen paino on yhdellä jalalla. Patsaan päätä tehtiin hieman käännettynä, toisin kuin kurās katsoi eteenpäin. Esimerkki tällaisesta patsaasta on Kritiksen poika". 500-luvun ensimmäisen puoliskon naishahmojen vaatteet on tehty yksinkertaisemmiksi verrattuna arkaaisen aikakauden korsien monimutkaisiin vaatteisiin.

500-luvun toista puoliskoa kutsutaan veistoksen korkean klassikon aikakaudeksi. Tänä aikana muovi ja arkkitehtuuri jatkoivat vuorovaikutusta. Muinaisen Kreikan veistokset koristavat 500-luvulla rakennettuja temppeleitä.

Tällä kertaa majesteettinen Parthenonin temppeli, jonka koristeluun käytettiin kymmeniä patsaita. Phidias hylkäsi vanhat perinteet luodessaan veistoksia Parthenonista. Athenen temppelin veistosryhmien ihmiskehot ovat täydellisempiä, ihmisten kasvot ovat välittömämpiä, vaatteet on kuvattu realistisemmin. 500-luvun mestarit kiinnittivät päähuomiota hahmoihin, mutta eivät veistosten sankarien tunteisiin.

440-luvulla Argiven mestari Polikle t kirjoitti tutkielman, jossa hän hahmotteli esteettisiä periaatteitaan. Hän kuvaili ihmiskehon ihanteellisten mittasuhteiden digitaalista lakia. Eräänlainen esimerkki sille oli patsas " Doryphorus"("Keihäsmies").

4. vuosisadan veistoksessa kehitettiin vanhoja perinteitä ja luotiin uusia. Patsaat ovat muuttuneet naturalistisemmiksi. Kuvanveistäjät yrittivät kuvata tunnelmaa ja tunteita hahmojen kasvoilla. Jotkut patsaat voisivat toimia käsitteiden tai tunteiden personifikaatioina. Esimerkiksi jumalattaren patsas Eirenan rauha. Kuvanveistäjä Kefisodot loi sen Ateenan valtiolle vuonna 374 pian uuden rauhan solmimisen jälkeen Spartan kanssa.

Aikaisemmin mestarit eivät kuvanneet jumalattaria alasti. Ensimmäinen, joka teki tämän, oli 4. vuosisadan kuvanveistäjä Praxiteles, joka loi patsaan. Aphrodite Knidosista". Praxiteleksen teos menehtyi, mutta sen myöhemmät kopiot ja kuvat kolikoissa ovat säilyneet. Selittääkseen jumalattaren alastomuuden kuvanveistäjä sanoi, että hän kuvasi hänen kylpevän.

IV vuosisadalla työskenteli kolme kuvanveistäjää, joiden teokset tunnustettiin suurimmiksi - Praxiteles, Scopas ja Lysippus. Paroksen saarelta kotoisin olevan Scopasin nimeen muinainen perinne liitti kuvan emotionaalisten kokemusten hahmojen kasvoilla. Lysippus oli kotoisin peloponnesolaisen Sicyonin kaupungista, mutta asui monta vuotta Makedoniassa. Hän oli ystävä Aleksanteri Suuren kanssa ja teki hänen veistoksellisia muotokuviaan. Lysippus pienensi figuurien päätä ja vartaloa jalkoihin ja käsivarsiin verrattuna. Tämän ansiosta hänen patsaansa olivat joustavampia ja joustavampia. Lysippus kuvasi naturalistisesti patsaiden silmät ja hiukset.

Muinaisen Kreikan veistokset, joiden nimet ovat tiedossa koko maailmalle, kuuluvat klassiseen ja hellenistiseen aikakauteen. Suurin osa heistä kuoli, mutta niiden Rooman valtakunnan aikakaudella luodut kopiot ovat säilyneet.

Muinaisen Kreikan veistokset: nimet hellenistisellä aikakaudella

Hellenismin aikakaudella kehittyy mielikuva tunteista ja ihmistiloista - vanhuus, uni, ahdistus, päihtymys. Veistoksen teema voi olla jopa rumuus. Väsyneiden painijoiden, raivostuneiden jättiläisten, rappeutuneiden vanhusten patsaita ilmestyi. Samaan aikaan veistoksellisen muotokuvan genre kehittyi. Uusi tyyppi oli "filosofin muotokuva".

Patsaat luotiin Kreikan kaupunkivaltioiden kansalaisten ja hellenististen kuninkaiden määräyksestä. Heillä voi olla uskonnollisia tai poliittisia tehtäviä. Jo IV vuosisadalla kreikkalaiset kunnioittivat komentojensa veistosten avulla. Lähteet säilyttivät viittauksia patsaisiin, jotka kaupunkien asukkaat pystyttivät spartalaisen komentajan, voittajan kunniaksi. Ateena Lysandra. Myöhemmin ateenalaiset ja muiden politiikkojen kansalaiset pystyttivät strategeja Konon, Khabria ja Timothy sotilaallisten voittojensa kunniaksi. Hellenistisellä aikakaudella tällaisten patsaiden määrä lisääntyi.

Yksi hellenistisen aikakauden kuuluisimmista teoksista - Nike of Samothrace. Sen luominen juontaa juurensa 2. vuosisadalle eKr. Patsas, kuten tutkijat ehdottavat, ylisti yhtä Makedonian kuninkaiden merivoimien voitosta. Muinaisen Kreikan veistos on hellenistisellä aikakaudella jossain määrin esitys hallitsijoiden vallasta ja vaikutuksesta.

Hellenismin monumentaalisista veistosryhmistä voidaan muistaa Pergamon koulu. III ja II vuosisadalla eKr. tämän valtion kuninkaat kävivät pitkiä sotia galatalaisten heimoja vastaan. Noin 180 eaa. Pergamonissa valmistui Zeuksen alttari. Voitto barbaareista esiteltiin siellä allegorisesti veistoksellisen ryhmän muodossa taistelevat olympialaisia ​​jumalia ja jättiläisiä vastaan.

Kreikan muinaiset veistokset luotiin eri tarkoituksiin. Mutta renessanssista lähtien ne ovat houkutelleet ihmisiä kauneudellaan ja realismillaan.

Muinaisen Kreikan veistokset: esitys

1.1 Veistos muinaisessa Kreikassa. Sen kehittämisen edellytykset

Kaikkien muinaisten sivilisaatioiden kuvataiteiden joukossa antiikin Kreikan taide, erityisesti sen veistos, on hyvin erityinen paikka. Kreikkalaiset asettivat kaiken edelle elävän ruumiin, joka kykenee mihin tahansa lihastyöhön. Vaatteiden puute ei järkyttänyt ketään. Kaikkea kohdeltiin liian yksinkertaisesti, jotta olisi voinut hävetä mitään. Ja samaan aikaan siveys ei tietenkään menettänyt tästä.

1.2 Veistos Kreikasta arkaaisella aikakaudella

Arkaainen ajanjakso on muinaisen kreikkalaisen kuvanveiston muodostumisen aikaa. Kuvanveistäjän halu välittää ihanteellisen ihmiskehon kauneutta, joka ilmeni täysin myöhemmän aikakauden teoksissa, on jo selvä, mutta taiteilijan oli silti liian vaikeaa siirtyä pois kivikappaleen muodosta. , ja tämän ajanjakson luvut ovat aina staattisia.

Ensimmäiset muinaisen kreikkalaisen arkaaisen aikakauden veistoksen monumentit määräytyvät geometrisen tyylin (VIII vuosisadan) mukaan. Nämä ovat kaavamaisia ​​hahmoja, jotka löytyvät Ateenasta, Olympiasta , Boiotiassa. Muinaisen kreikkalaisen kuvanveiston arkaainen aikakausi osuu 7. - 6. vuosisadalle. (varhainen arkaainen - noin 650 - 580 eKr.; korkea - 580 - 530; myöhään - 530 - 500/480). Monumentaalisen kuvanveiston alku Kreikassa juontaa juurensa 700-luvun puoliväliin. eKr e. ja sille on ominaista orientalisoituminen tyylejä, joista korkein arvo oli Daedalian, joka liittyy puolimyyttisen kuvanveistäjä Daedaluksen nimeen . "Dedalian"-veistoksen ympyrä sisältää Deloksen Artemiksen patsaan ja kreetalaisen työn naispatsaan, joka on tallennettu Louvreen ("Oxerin rouva"). 700-luvun puolivälissä eKr e. päivätty ja ensimmäinen kuros . Ensimmäinen veistoksellinen temppelikoristelu juontaa juurensa samaan aikaan. - helpotuksista ja patsaita Priniasta Kreetalta. Tulevaisuudessa veistoksellinen koristelu täyttää ne kentät, jotka temppelissä on jo suunnittelunsa - päällysteiden - varaama. ja metoopit sisään Doorinen temppeli, jatkuva friisi (tsofori) - ionikielellä. Varhaisimmat muinaisen kreikkalaisen veistoksen päällystyskoostumukset ovat peräisin Ateenan Akropolista. ja Artemiin temppelistä Kerkyran saarella (Korfu). Hautakiveä, vihkimistä ja kulttipatsaita edustavat arkaaisessa kouro- ja kuorityypit . Arkaaiset reliefit koristavat patsaiden jalkoja, pylväitä ja temppelien metooppeja (myöhemmin pyöreä veistos korvasi koristeet päädyissä), hautakiviä . Arkaaisen pyöreän veistoksen kuuluisien monumenttien joukossa on Heran pää, joka löytyy hänen temppelistään Olympiasta, Kleobiksen patsas. ja Beaton alkaen Delph, Moskhofor ("Taurus") Ateenan akropolista, Samoksen Herasta , patsaita Didymasta, Nikka Archerma ym. Viimeinen patsas näyttää arkaaisen kaavion ns. "polvistuvasta juoksusta", jota käytetään kuvaamaan lentävää tai juoksevaa hahmoa. Arkaaisessa kuvanveistossa omaksutaan useita muita käytäntöjä - esimerkiksi niin kutsuttu "arkaainen hymy" arkaaisten veistosten kasvoilla.

Arkaaisen aikakauden veistoksia hallitsevat hoikkien alastomien nuorten ja verhoiltujen nuorten tyttöjen patsaat - kourot ja haukku. Lapsuus tai vanhuus eivät silloin herättäneet taiteilijoiden huomiota, sillä vasta kypsässä nuoruudessa elinvoimat ovat parhaimmillaan ja tasapainossa. Varhainen kreikkalainen taide luo kuvia miehistä ja naisista heidän ihanteellisessa muodossaan. Tuolloin henkiset horisontit laajenivat poikkeuksellisen paljon, ihminen ikään kuin tunsi seisovansa kasvotusten maailmankaikkeuden kanssa ja halusi ymmärtää sen harmoniaa, sen eheyden salaisuutta. Yksityiskohdat jäivät karkuun, ajatukset universumin erityisestä "mekanismista" olivat mitä fantastisimpia, mutta kokonaisuuden paatos, tietoisuus yleismaailmallisesta yhteenliittämisestä - tämä muodosti arkaaisen Kreikan filosofian, runouden ja taiteen vahvuuden *. Aivan kuten filosofia, joka oli silloin vielä lähellä runoutta, arvasi taitavasti yleiset kehityksen periaatteet ja runous - inhimillisten intohimojen ydin, taide loi yleisen ihmismuodon. Katsotaanpa kouroja tai, kuten niitä joskus kutsutaan, "arkaainen Apollos". Ei ole niin tärkeää, aikooko taiteilija todella kuvata Apolloa, sankaria vai urheilijaa, mies on nuori, alaston, eikä hänen siveä alastomuutensa kaipaa röyhkeitä peitteitä. Hän seisoo aina suorassa, hänen ruumiinsa on täynnä valmiutta liikkua. Rungon rakenne on esitetty ja korostettu äärimmäisen selkeästi; on heti selvää, että pitkät lihaksikkaat jalat voivat taipua polvissa ja juosta, vatsalihakset voivat jännittyä, rintakehä voi turvota syvässä hengityksessä. Kasvot eivät ilmaise mitään erityistä kokemusta tai yksilöllisiä luonteenpiirteitä, mutta niihin kätkeytyy erilaisten kokemusten mahdollisuudet. Ja ehdollinen "hymy" - hieman koholla olevat suun kulmat - on vain hymyn mahdollisuus, vihje olemisen ilosta, joka on ominaista tälle, ikään kuin vasta luotulle henkilölle.

Kouros-patsaat luotiin pääasiassa alueille, joilla doorialainen tyyli hallitsi, eli Manner-Kreikan alueelle; naispatsaat - kora - pääasiassa Vähä-Aasiassa ja saarikaupungeissa, Joonian tyylin keskuksissa. Kauniita naishahmoja löydettiin VI vuosisadalla eKr. rakennetun arkaaisen Ateenan Akropoliin kaivauksissa. e., kun Pisistratus hallitsi siellä ja tuhoutui persialaisten kanssa käydyn sodan aikana. Kahdenkymmenenviiden vuosisadan ajan marmorikuoret haudattiin "persalaiseen roskaan"; vihdoin ne otettiin sieltä pois puoliksi rikkinäisenä, mutta eivät menettäneet poikkeuksellista viehätysvoimaansa. Ehkä joitain niistä esittivät ionialaiset mestarit, jotka Peisistratus kutsui Ateenaan; Heidän taiteensa vaikutti ullakkoveistokseen, jossa nyt yhdistyy doorialaisen ankaruuden piirteet ja Joonian armo. Ateenalaisen Akropoliksen kuoressa naiseuden ihanne ilmenee sen koskemattomassa puhtaudessa. Hymy on kirkas, katse luottavainen ja ikäänkuin iloisesti hämmästynyt maailman spektaakkelista, hahmo on siveellisesti päällystetty peplolla - hunnulla tai kevyellä vaatteella - kitinillä (arkaaisella aikakaudella nainen hahmoja, toisin kuin miehiä, ei vielä kuvattu alasti), hiukset virtasivat olkapäille kiharalla säikeellä. Nämä korat seisoivat sokkelilla Athenen temppelin edessä pitäen omenaa tai kukkaa kädessään.

Arkaaiset veistokset (sekä muuten klassiset) eivät olleet niin tasaisen valkoisia kuin nyt kuvittelemme. Monissa on maalin jälkiä. Marmorityttöjen hiukset olivat kultaiset, posket vaaleanpunaiset, silmät siniset. Hellasen pilvettömän taivaan taustalla kaiken tämän olisi pitänyt näyttää erittäin juhlavalta, mutta samalla tiukalta muotojen ja siluettien selkeyden, rauhallisuuden ja rakentavuuden ansiosta. Ei ollut liiallista loistoa ja kirjavaisuutta. Kauneuden rationaalisen perustan, mittaan ja lukumäärään perustuvan harmonian etsiminen on erittäin tärkeä hetki kreikkalaisten estetiikassa. Pythagoralaiset filosofit pyrkivät vangitsemaan luonnolliset numeeriset suhteet musiikillisiin konsonansseihin ja taivaankappaleiden järjestelyyn uskoen, että musiikillinen harmonia vastaa asioiden luonnetta, kosmista järjestystä, "sfäärien harmoniaa". Taiteilijat etsivät matemaattisesti sovitettuja mittasuhteita ihmiskehosta ja arkkitehtuurin "kehosta", jossa varhainen kreikkalainen taide eroaa olennaisesti kreetalais-mykeenalaisesta taiteesta, joka on vieras matematiikalle.

Erittäin vilkas genrekohtaus: Siten arkaaisen aikakaudella luotiin antiikin kreikkalaisen kuvanveiston perusta, sen kehittämisen suunnat ja vaihtoehdot. Jo silloin kuvanveiston päätavoitteet, muinaisten kreikkalaisten esteettiset ihanteet ja pyrkimykset olivat selvät. Enemmässä myöhäiset kuukautiset näitä ihanteita ja muinaisten kuvanveistäjien taitoja kehitetään ja parannetaan.

1.3 Klassinen kreikkalainen veistos

Muinaisen kreikkalaisen kuvanveiston klassinen aika osuu 5. - 4. vuosisatoille eKr. (varhainen klassikko tai "tiukka tyyli" - 500/490 - 460/450 eKr.; korkea - 450 - 430/420 eKr.; "rikas tyyli" - 420 - 400/390 eKr., myöhäinen klassikko - 400/390 - OK. 320 jKr eKr e.). Kahden aikakauden - arkaaisen ja klassisen - vaihteessa on veistoksellinen koristelu Athena Aphaian temppelistä Aiginan saarella . Länsipäällysteen veistokset ovat peräisin temppelin perustamisajasta (510 - 500 vuotta eKr eKr.), toisen idän veistokset, jotka korvaavat entiset, - varhaiseen klassiseen aikaan (490 - 480 eKr.). Muinaisen kreikkalaisen varhaisten klassikoiden veistoksen keskeinen muistomerkki on Olympian Zeuksen temppelin päädyt ja metoopit (noin 468 - 456 eKr e.). Toinen merkittävä varhaisten klassikoiden teos - niin sanottu "Ludovisin valtaistuin", koristeltu reliefeillä. Tästä ajasta on tullut myös useita pronssisia alkuperäiskappaleita - Delphic Charioteer, Poseidonin patsas Cape Artemisiumista, pronssia Riacesta . Varhaisten klassikoiden suurimmat kuvanveistäjät - Pythagoras Rhegian, Calamis ja Myron . Arvioimme kuuluisien kreikkalaisten kuvanveistäjien töitä pääasiassa kirjallisten todisteiden ja heidän teostensa myöhempien kopioiden perusteella. Korkeaa klassikkoa edustavat nimet Phidias ja Polykleitos . Sen lyhytaikainen kukoistusaika liittyy Ateenan Akropoliin työhön eli Parthenonin veistoksiseen koristeluun. (Pedmentit, metoopit ja zophoros tulivat, 447 - 432 eKr.). Muinaisen kreikkalaisen kuvanveiston huippu oli ilmeisesti krysoelefantiini Athena Parthenoksen patsaat ja Phidias Zeus Olympus (molempia ei ole säilynyt). "Rikas tyyli" on ominaista Callimachuksen, Alkamenin teoksille, Agoracritus ja muut 500-luvun kuvanveistäjät. eKr e .. Sen tyypillisiä monumentteja ovat Ateenan Akropolilla (noin 410 eKr.) sijaitsevan pienen Nike Apteroksen temppelin kaiteen kohokuviot ja useat hautakivilaatat, joista Gegeso-stele on tunnetuin . Myöhäisklassikoiden antiikin kreikkalaisen veistoksen tärkeimmät teokset ovat Asklepiuksen temppelin koristelu Epidauruksessa (noin 400 - 375 eaa.), Athena Alein temppeli Tegeassa (noin 370 - 350 eaa.), Artemiin temppeli Efesoksessa (noin 355 - 330 eKr.) ja mausoleumi Halikarnassoksessa (n. 350 eKr.), jonka veistoksellista koristelua työskentelivät Skopas, Briaxides, Timothy ja Leohar . Myös Apollo Belvederen patsaat luetaan jälkimmäiselle. ja Diana Versailles'sta . Siellä on myös useita pronssisia alkuperäiskappaleita 4. vuosisadalta eKr. eKr e. Myöhäisten klassikoiden suurimmat kuvanveistäjät ovat Praxitel, Skopas ja Lysippus, ennakoiden pitkälti seuraavaa hellenismin aikakautta.

Kreikkalainen veistos säilyi osittain sirpaleina ja fragmentteina. Suurin osa patsaista tunnetaan roomalaisista kopioista, joita esitettiin monissa, mutta jotka eivät välittäneet alkuperäisten kauneutta. Roomalaiset kopioijat karkaisivat ja kuivasivat ne ja muuttivat pronssituotteet marmoriksi ja vääristelivät niitä kömpelöillä rekvisiittailla. Ateenan, Afroditen, Hermeksen ja Satyrin suuret hahmot, joita nyt näemme Eremitaasin hallissa, ovat vain haaleita versioita kreikkalaisista mestariteoksista. Ohitat ne melkein välinpitämättömästi ja pysähdyt yhtäkkiä jonkun pään eteen, jolla on murtunut nenä ja vaurioitunut silmä: tämä on kreikkalainen alkuperäinen! Ja hämmästyttävä elämänvoima leijuu yhtäkkiä tästä fragmentista; marmori itsessään on erilainen kuin roomalaisissa patsaissa - ei kuolleenvalkoinen, vaan kellertävä, läpinäkyvä, valoisa (kreikkalaiset hieroivat sitä edelleen vahalla, mikä antoi marmorille lämpimän sävyn). Chiaroscuron sulavat siirtymät ovat niin lempeitä, kasvojen pehmeä mallinnus on niin jaloa, että tulee tahtomattaan mieleen kreikkalaisten runoilijoiden ilot: nämä veistokset todella hengittävät, ne ovat todella elossa *. Vuosisadan ensimmäisen puoliskon veistoksessa, jolloin käytiin sotia persialaisten kanssa, vallitsi rohkea, tiukka tyyli. Sitten luotiin patsas tyrannisidien ryhmä: kypsä aviomies ja nuori mies seisovat vierekkäin, tekevät impulsiivisen liikkeen eteenpäin, nuorempi nostaa miekan, vanhempi suojaa sitä viitalla. Tämä on muistomerkki historiallisia henkilöitä- Harmodia ja Aristogeiton, jotka tappoivat ateenalaisen tyranni Hipparchuksen muutama vuosikymmen aiemmin, on kreikkalaisen taiteen ensimmäinen poliittinen monumentti. Samalla se ilmaisee vastarinnan ja vapaudenrakkauden sankarillista henkeä, joka leimahti Kreikan ja Persian sotien aikakaudella. "He eivät ole kuolevaisten orjia, he eivät ole kenenkään alaisia", sanovat ateenalaiset Aischyloksen tragediassa "Persialaiset". Taistelut, yhteenotot, sankarien riistot... Varhaisten klassikoiden taide on täynnä näitä sotajuttuja. Aeginassa sijaitsevan Athenen temppelin päädyillä - kreikkalaisten taistelu troijalaisten kanssa. Zeuksen temppelin länsipäädyssä Olympiassa - lapihien taistelu kentaurien kanssa, metooppien päällä - kaikki Herkuleen kaksitoista työtä. Toinen suosikki motiivikompleksi on voimistelukilpailut; niinä kaukaisina aikoina fyysinen kunto, kehon liikkeiden hallinta oli ratkaisevaa taistelujen tuloksen kannalta, joten urheilupelit olivat kaukana vain viihteestä. Käsitaistelujen, ratsastuskilpailujen, juoksukilpailujen ja kiekonheiton teemat opettivat kuvanveistäjät kuvaamaan ihmiskehoa dynaamisesti. Figuurien arkaainen jäykkyys voitettiin. Nyt he näyttelevät, liikkuvat; monimutkaisia ​​asentoja, rohkeita kulmia ja lakaisuisia eleitä tulee näkyviin. Kirkkain uudistaja oli Attic-veistäjä Myron. Mironin päätehtävänä oli ilmaista liike mahdollisimman täydellisesti ja voimakkaasti. Metalli ei salli niin tarkkaa ja hienoa työtä kuin marmori, ja ehkä siksi hän kääntyikin liikerytmin löytämiseen. Tasapaino, majesteettinen "eetos", on säilynyt tiukan tyylin klassisessa veistoksessa. Figuurien liike ei ole kaoottista, liian innostunutta eikä liian nopeaa. Jopa taistelun, juoksun, putoamisen dynaamisissa motiiveissa "olympiarauhallisuuden", kiinteän plastisen täydellisyyden tunne ei katoa, itseeristys ei katoa.

Athena, jonka hän teki Plataian tilauksesta ja joka maksoi tälle kaupungille erittäin kalliisti, vahvisti nuoren kuvanveistäjän mainetta. Hänelle tilattiin jättimäinen patsas suojelijasta Athenesta Akropolista varten. Se saavutti 60 jalkaa korkean ja ylitti kaikki viereiset rakennukset; kaukaa, merestä, se loisti kuin kultainen tähti ja hallitsi koko kaupunkia. Se ei ollut akroliitti (komposiitti), kuten Plataean, vaan kaikki valettu pronssiin. Toinen Akropoliin patsas, Athena Neitsyt, valmistettu Parthenonille, koostui kullasta ja norsunluusta. Athena kuvattiin taistelupuvussa, kultaisessa kypärässä, jonka sivuilla oli kohokuvioinen sfinksi ja korppikotkat. Toisessa kädessään hän piti keihästä, toisessa voittohahmoa. Hänen jaloissaan oli käärme, Akropoliin vartija. Tätä patsasta pidetään Phidiaan parhaana vakuutuksena Zeuksensa jälkeen. Se toimi alkuperäisenä lukemattomille kopioille. Mutta kaikkien Phidiaan teosten täydellisyyden huippua pidetään hänen Olympolaisena Zeuksena. Se oli hänen elämänsä suurin työ: kreikkalaiset itse antoivat hänelle kämmen. Hän teki aikalaisiinsa vastustamattoman vaikutuksen.

Zeus kuvattiin valtaistuimella. Toisessa kädessään hän piti valtikka, toisessa - voiton kuvaa. Vartalo oli norsunluusta, hiukset kultaiset, vaippa kultainen, emaloitu. Valtaistuimen kokoonpano sisälsi eebenpuuta, luuta ja jalokiviä. Jalkojen väliset seinät on maalannut Phidiaan serkku Panen; valtaistuimen jalka oli veistoksen ihme. Kreikkalaisten ihailu elävän kehon kauneutta ja viisasta rakennetta kohtaan oli niin suurta, että he ajattelivat sitä esteettisesti vain patsasmaisen täydellisyyden ja täydellisyyden ansiosta, jolloin pystyi arvostamaan asennon majesteettisuutta, kehon liikkeiden harmoniaa. Mutta silti ilmeisyys ei ollut niinkään ilmeissä kuin kehon liikkeissä. Katsoessamme Parthenonin salaperäisen seesteistä moiraa, nopeaa, räväkkää Nikaa, joka avaa sandaalinsa, unohdamme melkein, että heidän päänsä on lyöty irti - heidän hahmojensa plastisuus on niin kaunopuheista.

Itse asiassa kreikkalaisten patsaiden ruumiit ovat epätavallisen inspiroimia. Ranskalainen kuvanveistäjä Rodin sanoi yhdestä heistä: "Tämä nuorekas vartalo ilman päätä hymyilee valolle ja keväälle iloisemmin kuin silmät ja huulet pystyvät." Liikkeet ja asennot ovat useimmiten yksinkertaisia, luonnollisia eivätkä välttämättä liity johonkin ylevään. Kreikkalaisten patsaiden päät ovat pääsääntöisesti persoonattomia, eli vähän yksilöllisiä, pelkistetty muutamaan yleistyypin muunnelmaan, mutta tämä yleinen tyyppi on korkea henkinen kapasiteetti. Kreikan tyyppisissä kasvoissa ajatus "ihmisestä" voittaa. ihanteellinen. Kasvot on jaettu kolmeen samanpituiseen osaan: otsa, nenä ja alaosa. Oikea, pehmeä soikea. Nenän suora linja jatkaa otsalinjaa ja muodostaa kohtisuoran nenän alusta korvan aukkoon (oikea kasvokulma) piirrettyyn viivaan nähden. Melko syvällä olevien silmien pitkänomainen osa. Pieni suu, täyteläiset pullistuneet huulet, ylähuuli ohuempi kuin pohja ja siinä on kaunis sileä pääntie kuin amorin rusetti. Leuka on suuri ja pyöreä. Aaltoilevat hiukset sopivat pehmeästi ja tiukasti päähän häiritsemättä kallon pyöristettyä muotoa. Tämä klassinen kauneus saattaa tuntua yksitoikkoiselta, mutta koska se on ilmeikäs "hengen luonnollinen kuva", se soveltuu vaihteluun ja pystyy ilmentämään erilaisia ​​antiikin ihanteita. Hieman enemmän energiaa huulten varastoon, ulkonevaan leukaan - edessämme on tiukka neitsyt Athena. Poskien ääriviivat ovat pehmeämpiä, huulet ovat hieman puoliavoimia, silmäkuopat varjostettuja - meillä on edessämme Afroditen aistilliset kasvot. Kasvojen soikea on lähempänä neliötä, kaula on paksumpi, huulet ovat suuremmat - tämä on jo nuoren urheilijan kuva. Ja perusta pysyy samana tiukasti suhteellisena klassisena ilmeenä.

Sodan jälkeen ... Seisomahahmon ominainen asento muuttuu. Arkaaisella aikakaudella patsaat seisoivat täysin suorassa, edestä. Aikuiset klassikot elvyttävät ja elävöittävät niitä tasapainoisilla, sileät liikkeet säilyttäen samalla tasapainon ja vakauden. Ja Praxitelesin - lepäävän Satyrin, Apollo Sauroktonin - patsaat nojaavat laiskalla armolla pylväisiin, ilman niitä heidän pitäisi kaatua. Toisella puolella lonkka on erittäin voimakkaasti kaareva ja olkapää on laskettu alas lantiota kohti - Rodin vertaa tätä kehon asentoa huuliharppuun, kun palkeet puristetaan toiselta puolelta ja siirretään erilleen toiselta puolelta. Tasapainoon tarvitaan ulkopuolista tukea. Tämä on unenomaisen rentoutumisen asento. Praxiteles noudattaa Polykleitoksen perinteitä, hyödyntää löytämiensä liikkeiden motiiveja, mutta kehittää niitä siten, että niissä näkyy jo erilainen sisäinen sisältö. Myös "haavoittunut Amazon" Polikletai nojaa puolipylvääseen, mutta kesti ilman sitäkin, hänen vahva, energinen, jopa haavasta kärsivä ruumis seisoo tukevasti maassa. Praxitelesin Apolloon ei osu nuoli, hän itse tähtää puunrunkoa pitkin juoksevaa liskoa - toiminta näyttää vaativan vahvatahtoista malttia, siitä huolimatta hänen ruumiinsa on epävakaa, kuin huojuva varsi. Eikä tämä ole satunnainen yksityiskohta, ei kuvanveistäjän mielijohte, vaan eräänlainen uusi kaanoni, jossa muuttunut maailmankuva saa ilmaisun. Kuitenkin, ei vain liikkeiden ja asemien luonne muuttunut 4. vuosisadalla eKr. e. Praxitelesin suosikkiaihepiiri muuttuu, hän siirtyy pois sankarillisista juoneista "Afroditen ja Eroksen valomaailmaan". Hän veisti kuuluisan Afroditen Knidus-patsaan. Praxiteles ja hänen piirinsä taiteilijat eivät halunneet kuvata urheilijoiden lihaksikasta vartaloa, vaan naisvartalon herkkä kauneus ja pehmeät virtaavat volyymit houkutteli heitä. He pitivät parempana nuoruuden tyyppiä, joka erottui "ensimmäisestä nuoresta naisellisesta kauneudesta". Praxiteles oli kuuluisa mallinnuksen erityisestä pehmeydestä ja materiaalin käsittelytaidosta, kyvystä välittää elävän kehon lämpöä kylmässä marmorissa2.

Ainoa säilynyt alkuperäinen Praxiteles on Olympiasta löydetty Hermeksen ja Dionysoksen marmoripatsas. Alaston Hermes nojaa puunrunkoon, jonne hänen viittansa heitettiin rennosti, pitää pikku Dionysosta toisessa koukussa käsivarressa ja toisessa rypäleterttua, johon lapsi kurkottaa (rypäleitä pitävä käsi on kadonnut). Kaikki marmorin kuvallisen käsittelyn viehätys on tässä patsaassa, erityisesti Hermeksen päässä: valon ja varjon siirtymät, hienoin "sfumato" (sumu), jonka Leonardo da Vinci saavutti monia vuosisatoja myöhemmin maalauksessa. Kaikki muut mestarin teokset tunnetaan vain viittauksista muinaisiin kirjailijoihin ja myöhempien kopioiden perusteella. Mutta Praxitelesin taiteen henki leijuu 4. vuosisadalla eKr. e., ja mikä parasta, sen voi tuntea ei roomalaisissa kopioissa, vaan pienessä kreikkalaisessa muovissa, Tanagra-savihahmoissa. Niitä valmistettiin vuosisadan lopulla suuria määriä, se oli eräänlainen massatuotanto, jonka pääkeskus oli Tanagra. (Erittäin hyvä kokoelma niistä on säilytetty Leningradin Eremitaašissa.) Jotkut hahmot jäljittelevät tunnettuja suuria patsaita, toiset vain antavat erilaisia ​​ilmaisia ​​muunnelmia drapedoidusta naishahmosta. Näiden hahmojen elävä armo, unenomainen, ajattelevainen, leikkisä, on kaiku Praxitelesin taiteesta.

1.4 Hellenistisen Kreikan veistos

"Hellenismin" käsite sisältää epäsuoran osoituksen hellenisen periaatteen voitosta. Jopa hellenistisen maailman syrjäisillä alueilla, Baktriassa ja Parthiassa (nykyinen Keski-Aasia), muinaiset taiteen muodot esiintyvät omituisella tavalla. Ja Egyptiä on vaikea tunnistaa, sen uusi kaupunki Aleksandria on jo todellinen valaistunut keskus muinaista kulttuuria, jossa Pythagoralta ja Platonilta peräisin olevat eksaktitieteet, humanistiset tieteet ja filosofiset koulukunnat kukoistavat. Hellenistinen Aleksandria antoi maailmalle suuren matemaatikon ja fyysikon Arkhimedesen, geometrin Euklidoksen, Aristarkoksen Samoksen, joka kahdeksantoista vuosisataa ennen Kopernikusta todisti, että maa kiertää Auringon. kuuluisat kaapit Aleksandrian kirjasto, merkitty kreikkalaisilla kirjaimilla, alfasta omegaan, säilytti satoja tuhansia kääröjä - "kirjoituksia, jotka loistivat kaikilla tiedon aloilla". Siellä seisoi mahtava Pharoksen majakka, joka on luokiteltu maailman seitsemän ihmeen joukkoon; Sinne luotiin Museyon, muusien palatsi - kaikkien tulevien museoiden prototyyppi. Verrattuna tähän rikkaaseen ja ylelliseen satamakaupunkiin, Ptolemaioksen Egyptin pääkaupunkiin, Kreikan metropolin kaupunkiin, jopa Ateenan on täytynyt näyttää vaatimattomalta. Mutta nämä vaatimattomat pienet kaupungit olivat tärkeimmät lähteet kulttuuriaarteille, joita Aleksandria säilytti ja kunnioitti, perinteitä, joita seurattiin edelleen. Jos hellenistinen tiede oli paljon velkaa muinaisen idän perinnölle, plastiikkataiteet säilyttivät pääasiassa kreikkalaisen luonteen.

Tärkeimmät muotoiluperiaatteet tulivat kreikkalaisilta klassikoilta, sisältö muuttui erilaiseksi. Julkinen ja yksityinen elämä rajattiin ratkaisevasti. Hellenistisissa monarkioissa on vakiinnutettu jumaluuteen rinnastettavan ainoan hallitsijan kultti, samoin kuin muinaisissa idän despotismissa. Mutta samankaltaisuus on suhteellista: "yksityinen henkilö", johon poliittiset myrskyt eivät kosketa tai koskettavat vain vähän, ei ole suinkaan niin persoonaton kuin muinaisissa itävaltioissa. Hänellä on oma elämä: hän on kauppias, hän on yrittäjä, hän on virkamies, hän on tiedemies. Lisäksi hän on usein kreikkalaista alkuperää - Aleksanterin valloitusten jälkeen alkoi kreikkalaisten joukkomuutto itään - hän ei ole vieras käsite ihmisarvo kasvatettu Kreikkalainen kulttuuri. Otetaan hänet pois vallasta ja valtion asioista - hänen eristäytynyt yksityinen maailmansa vaatii ja löytää itselleen taiteellisen ilmaisun, jonka perustana ovat myöhäisen kreikkalaisen klassikon perinteet, jotka on muokattu suuremman läheisyyden ja genren hengessä. Ja "valtion", virallisessa taiteessa, suurissa julkisissa rakennuksissa ja monumenteissa, samoja perinteitä käsitellään, päinvastoin, mahtipontisuuden suuntaan.

Loisto ja läheisyys ovat vastakkaisia ​​piirteitä; Hellenistinen taide on täynnä vastakohtia - jättimäistä ja miniatyyriä, seremoniallista ja kotimaista, allegorista ja luonnollista. Maailmasta on tullut monimutkaisempi, monipuolisemmat esteettiset vaatimukset. Päätrendi on poikkeaminen yleistetystä ihmistyypistä ihmisen ymmärtämiseen konkreettisena, yksilöllisenä olentona, ja sitä kautta lisääntyvä huomio hänen psykologiaan, kiinnostus tapahtumiin sekä uusi valppaus kansallisiin, ikäisiin, sosiaalisiin ja muihin merkkeihin. persoonallisuudesta. Mutta koska tämä kaikki ilmaistiin klassikoilta perityllä kielellä, joka ei asettanut itselleen sellaisia ​​​​tehtäviä, hellenistisen aikakauden innovatiivisissa teoksissa tunnetaan tietty elimistö, ne eivät saavuta suurten edeltäjiensä eheyttä ja harmoniaa. Sankarisoidun Diadochuksen patsaan muotokuva ei sovi hänen alaston vartalonsa kanssa, mikä toistaa klassisen urheilijan tyyppiä. Monihahmoisen veistosryhmän "Farnese Bull" draamaa vastustaa hahmojen "klassinen" edustavuus, niiden asennot ja liikkeet ovat liian kauniita ja sileitä, jotta heidän kokemustensa totuuteen uskottaisiin. Lukuisissa puisto- ja kammioveistoksissa Praxitelesin perinteet pienenevät: Eros, "suuri ja voimakas jumala", muuttuu leikkisäksi, leikkisäksi Cupidoksi; Apollo - kekseliäästi hemmoteltu Apollono; genren vahvistaminen ei ole heidän eduksi. Ja tunnetuista hellenistisista patsaat vanhoista naisista, jotka kantavat ruokaa, juopuneen vanhan naisen, vanhan kalastajan velttovartaloisena, puuttuu kuvaannollisen yleistyksen voima; taide hallitsee nämä sille uudet tyypit ulkoisesti, tunkeutumatta syvyyteen, - loppujen lopuksi klassista perintöä ei antanut heille avainta. Afroditen patsas, jota perinteisesti kutsutaan Venus de Miloksi, löydettiin vuonna 1820 Meloksen saarelta, ja se saavutti heti maailmanlaajuisen mainetta täydellisenä kreikkalaisen taiteen luomuksena. Tätä korkeaa arviota eivät horjuttaneet monet myöhemmät kreikkalaisten alkuperäiskappaleiden löydöt - Miloksen Afroditella on erityinen paikka heidän joukossaan. Teloitettu ilmeisesti II vuosisadalla eKr. e. (kuvanveistäjä Agesander tai Aleksanteri, kuten sokkelin puoliksi pyyhitty kirjoitus sanoo), hän ei juurikaan muistuta hänen nykyaikaisia ​​rakkauden jumalatarta kuvaavia patsaita. Hellenistiset Aphrodites nousivat useimmiten Cnidus Praxitelesin Afroditen tyyppiin, tehden hänestä aistillisesti viettelevän, jopa hieman söpön; tällainen on esimerkiksi tunnettu Medicean Aphrodite. Afrodite Milosista, vain puolialaston, lantiolle peitettynä, on tiukka ja ylevän rauhallinen. Hän ei ilmennä niinkään naisen kauneuden ihannetta, vaan ihmisen ihannetta yleisessä ja korkeammassa mielessä. Venäläinen kirjailija Gleb Uspensky löysi hyvän ilmaisun: "suoran miehen" ihanteen. Patsas on hyvin säilynyt, mutta sen käsivarret ovat katkenneet. Paljon on spekuloitu siitä, mitä nämä kädet tekivät: Pitelikö jumalatar omenaa? tai peili? vai pitikö hän vaatteensa reunasta? Vakuuttavaa jälleenrakennusta ei ole löydetty, itse asiassa sille ei ole tarvetta. Milon Afroditen "käsittömyydestä" on tullut ajan myötä ikään kuin hänen ominaisuutensa, se ei häiritse hänen kauneuttaan ja jopa lisää vaikutelmaa hahmon majesteettisuudesta. Ja koska ainuttakaan koskematonta kreikkalaista patsasta ei ole säilynyt, juuri tässä osittain vaurioituneessa tilassa Afrodite ilmestyy eteemme, kuten "marmoriarvoitus", jonka antiikin keksi kaukaisen Hellasin symbolina.

Toinen merkittävä hellenismin muistomerkki (niistä, jotka ovat tulleet alas meille ja kuinka monet ovat kadonneet!) on Zeuksen alttari Pergamonissa. Pergamon-koulu, enemmän kuin muut, vetosi kohti paatosuutta ja draamaa jatkaen Scopas-perinteitä. Sen taiteilijat eivät aina turvautuneet mytologisiin aiheisiin, kuten klassisella aikakaudella. Pergamon Akropoliksen aukiolla oli veistosryhmiä, jotka säilyttivät todellisen historiallisen tapahtuman - voiton "barbaareista", Pergamonin valtakuntaa piirittäneistä gallialaisista heimoista. Nämä ilmaisua ja dynamiikkaa täynnä olevat ryhmät ovat merkittäviä myös siitä, että taiteilijat osoittavat kunnioitusta hävinneille osoittaen heille sekä rohkeita että kärsiviä. Ne kuvaavat Galliaa tappamassa vaimonsa ja itsensä välttääkseen vankeuden ja orjuuden; kuvata kuolettavasti haavoittunutta Galliaa, joka makaa maassa pää alas kallistettuna. Hänen kasvoistaan ​​ja vartalostaan ​​käy heti selväksi, että hän on "barbaari", ulkomaalainen, mutta hän kuolee sankarillisen kuoleman, ja tämä näkyy. Taiteessaan kreikkalaiset eivät taipuneet nöyryyttääkseen vastustajiaan; tämä eettisen humanismin piirre tulee erityisen selkeästi esiin, kun vastustajat - gallialaiset - kuvataan realistisesti. Aleksanterin kampanjoiden jälkeen yleensä paljon on muuttunut suhteessa ulkomaalaisiin. Kuten Plutarch kirjoittaa, Aleksanteri piti itseään maailmankaikkeuden sovittelijana, "saten kaikki juomaan... samasta ystävyyden maljasta ja sekoittaen yhteen elämät, tavat, avioliitot ja elämänmuodot". Moraalit ja elämänmuodot sekä uskonnon muodot alkoivat todella sekoittua hellenismin aikakaudella, mutta ystävyys ei vallannut eikä rauhaa tullut, riidat ja sodat eivät loppuneet. Pergamon sodat gallialaisten kanssa ovat vain yksi jaksoista. Kun voitto gallialaisista lopulta saatiin, hänen kunniakseen pystytettiin Zeuksen alttari, joka valmistui vuonna 180 eaa. e. Tällä kertaa pitkäaikainen sota "barbaarien" kanssa ilmestyi jättimäisenä - olympiajumalien taisteluna jättiläisten kanssa. Mukaan muinainen myytti, jättiläiset - jättiläiset, jotka asuivat kaukana lännessä, Gaian (Maan) ja Uranuksen (Taivas) pojat - kapinoivat olympialaisia ​​vastaan, mutta he voittivat heidät ankaran taistelun jälkeen ja haudattiin tulivuorten alle, äidin syvälle suolistoon. maan päällä, sieltä ne muistuttavat itsestään tulivuorenpurkauksia ja maanjäristyksiä. Alttarin pohjaa ympäröi suurenmoinen, noin 120 metriä pitkä marmorifriisi, joka oli tehty korkeareliefitystekniikalla. Tämän rakenteen jäänteet kaivettiin 1870-luvulla; restauraattoreiden huolellisen työn ansiosta oli mahdollista yhdistää tuhansia fragmentteja ja saada melko täydellinen kuva yleinen koostumus friisi. Voimakkaat ruumiit kasautuvat, kietoutuvat yhteen, kuin käärmepallo, takkuharjaiset leijonat piinaavat tappioita jättiläisiä, koirat kaivavat hampaitaan, hevoset tallaavat jalkojensa alle, mutta jättiläiset taistelevat kiivaasti, heidän johtajansa Porfirion ei vetäydy Zeus-ukkonen eteen. Jättiläisten äiti Gaia anoo armoa pojilleen, mutta häntä ei oteta huomioon. Taistelu on kauhea. Kehojen jännittyneissä kulmissa, niiden titaanisessa voimassa ja traagisessa paatossessa on jotain, joka ennakoi Michelangeloa. Vaikka taistelut ja yhteenotot ovat olleet usein muinaisten reliefien teemana arkaaisista ajoista lähtien, niitä ei ole koskaan kuvattu samalla tavalla kuin Pergamonin alttarilla - niin järkyttävällä kataklysmin tunteella, taisteluita ei elämästä, vaan kuolemasta, jossa kaikki kosmiset voimat, kaikki demonit ovat mukana maa ja taivas. Sävellyksen rakenne on muuttunut, se on menettänyt klassisen selkeytensä, siitä on tullut pyörteilevä, hämmentävä. Muistetaanpa Scopas-hahmot Halicarnassoksen mausoleumin kohokuviossa. Ne sijaitsevat kaikella dynamisuudellaan samassa tilatasossa, ne erotetaan toisistaan ​​rytmisillä intervalleilla, jokaisella hahmolla on tietty riippumattomuus, massat ja tila ovat tasapainossa. Pergamon-friisi on erilainen - ne, jotka taistelevat tiiviisti täällä, massa on tukahduttanut avaruuden, ja kaikki hahmot ovat niin kietoutuneet yhteen, että ne muodostavat myrskyisen sotkun kehoista. Ja ruumiit ovat edelleen klassisen kauniita, "joskus säteileviä, joskus pelottavia, eläviä, kuolleita, voittavia, katoavia hahmoja", kuten I. S. Turgenev sanoi heistä *. Kauniita olympialaisia, kauniita ja heidän vihollisiaan. Mutta hengen harmonia vaihtelee. Kärsimyksen vääristämät kasvot, syvät varjot silmien kiertoradalla, kiemurtelevat hiukset... Olympolaiset voittivat edelleen maanalaisten elementtien voimat, mutta tämä voitto ei ole pitkä - elementtiperiaatteet uhkaavat räjäyttää harmonisen, harmonisen maailman. Aivan kuten kreikkalaista arkaaista taidetta ei pidä arvioida vain klassikoiden ensimmäisiksi edelläkävijöiksi, ja Hellenististä taidetta kokonaisuutena ei voida pitää klassikoiden myöhäisenä kaiuna, aliarvioimalla sen tuomaa perustavanlaatuista uutta. Tämä uusi yhdistettiin taiteen horisonttien laajentamiseen ja hänen uteliaan kiinnostukseen ihmispersoonaa ja hänen elämän erityisiä, todellisia olosuhteita kohtaan. Tästä syystä ennen kaikkea muotokuvan kehitys, korkealle klassikoille lähes tuntematon yksilömuotokuva ja myöhäiset klassikot olivat vain sen laitamilla. Hellenistiset taiteilijat tekivät jopa muotokuvia ihmisistä, jotka eivät olleet elossa pitkään aikaan, antoivat heille psykologisen tulkinnan ja pyrkivät paljastamaan sekä ulkoisen että sisäisen ilmeen ainutlaatuisuuden. Eivät aikalaiset, vaan jälkeläiset jättivät meille Sokrateen, Aristoteleen, Euripideksen, Demostheneen ja jopa legendaarisen Homeroksen, inspiroidun sokean tarinankertojan, kasvot. Tuntemattoman vanhan filosofin muotokuva on realistisuudessaan ja ilmaisussaan hämmästyttävä - ilmeisesti sovittamaton intohimoinen polemisti, jonka ryppyiset kasvot ja terävät piirteet eivät liity mitenkään klassiseen tyyppiin. Aikaisemmin sitä pidettiin Senecan muotokuvana, mutta kuuluisa stoalainen asui myöhemmin kuin tämä pronssinen rintakuva veistettiin.

Ensimmäistä kertaa lapsesta, jolla on kaikki lapsuuden anatomiset piirteet ja kaikki hänelle luontainen viehätys, tulee plastiikkakirurgia. Klassisella aikakaudella pienet lapset kuvattiin, jos ollenkaan, pienoiskokoisina aikuisina. Jopa Praxiteleksessä, Hermes Dionysoksen kanssa -ryhmässä, Dionysos muistuttaa vähän vauvaa anatomialtaan ja mittasuhteiltaan. Näyttää siltä, ​​​​että vasta nyt he huomasivat, että lapsi on hyvin erikoinen olento, ovela ja ovela, jolla on omat erityiset tapansa; hän huomasi ja kiehtoi häntä niin, että rakkauden jumalaa Erosta alettiin esittää lapsena, mikä loi perustan vuosisatojen ajan vakiintuneelle perinteelle. Hellenististen kuvanveistäjien pulleat kiharat lapset ovat kiireisiä kaikenlaisten temppujen kanssa: he ratsastavat delfiinillä, viuluttavat lintuja, jopa kuristavat käärmeitä (tämä on pieni Herkules). Erityisen suosittu oli hanhia vastaan ​​taistelevan pojan patsas. Tällaisia ​​patsaita sijoitettiin puistoihin, ne olivat suihkulähteiden koristeita, sijoitettiin parantamisen jumalan Asklepiuksen pyhäkköihin ja joskus niitä käytettiin hautakivinä.

Johtopäätös

Tutkimme muinaisen Kreikan veistosta koko sen kehityskauden ajan. Näimme koko sen muodostumis-, kukoistus- ja rappeutumisprosessin - koko siirtymisen tiukoista, staattisista ja idealisoiduista arkaaisista muodoista klassisen kuvanveiston tasapainoisen harmonian kautta hellenististen patsaiden dramaattiseen psykologismiin. Muinaisen Kreikan veistosta pidettiin oikeutetusti mallina, ihanteena, kaanonina vuosisatojen ajan, ja nyt sitä ei lakata tunnusteta maailman klassikoiden mestariteokseksi. Mitään tällaista ei ole saavutettu ennen eikä sen jälkeen. Kaikkea modernia kuvanveistoa voidaan tavalla tai toisella pitää antiikin Kreikan perinteiden jatkona. Muinaisen Kreikan veistos on kehityksessään kulkenut vaikean polun, mikä tasoittaa tietä myöhempien aikakausien plastiikkataiteen kehitykselle eri maissa. Myöhemmin antiikin kreikkalaisen kuvanveiston perinteet rikastuivat uusilla kehityksellä ja saavutuksilla, kun taas muinaiset kaanonit toimivat välttämättömänä perustana, perustana plastiikkataiteen kehitykselle kaikilla myöhemmillä aikakausilla.

( ArticleToC: enabled=yes )

Muinaisen Kreikan veistosten edessä monet näkyvät ihmiset ilmaisivat aitoa ihailua. Yksi antiikin Kreikan taiteen tunnetuimmista tutkijoista, Johann Winckelmann (1717-1768) sanoo kreikkalaisesta kuvanveistosta: "Kreikkalaisten teosten asiantuntijat ja jäljittelijät löytävät mestarillisista luomuksistaan ​​paitsi kauneimman luonnon, myös enemmän kuin luonnon, nimittäin jokin sen ihannekauneus, joka ... on luotu mielen luonnostelemista kuvista. Jokainen, joka kirjoittaa kreikkalaisesta taiteesta, huomaa siinä hämmästyttävän yhdistelmän naiivia välittömyyttä ja syvyyttä, todellisuutta ja fiktiota.

Siinä, erityisesti kuvanveistossa, ruumiillistuu ihmisen ihanne. Mikä on ihanteen luonne? Kuinka hän kiehtoi ihmisiä niin paljon, että iäkäs Goethe nyyhkytti Louvressa Afroditen veistoksen edessä? Kreikkalaiset ovat aina uskoneet, että kaunis sielu voi elää vain kauniissa ruumiissa. Siksi kehon harmonia, ulkoinen täydellisyys on välttämätön edellytys ja ihanteellisen ihmisen perusta. Kreikan ihanteen määrittelee termi kalokagathia (kreikaksi kalos - kaunis + agathos hyvä). Koska kalokagatiya sisältää sekä ruumiillisen rakenteen että henkisen ja moraalisen varaston täydellisyyden, niin kauneuden ja voiman ohella ihanne sisältää oikeudenmukaisuutta, siveyttä, rohkeutta ja järkeä. Sitä se tekee kreikkalaiset jumalat, muinaisten kuvanveistäjien veistämä, ainutlaatuisen kaunis.

Muinaisen kreikkalaisen kuvanveiston parhaat monumentit luotiin 500-luvulla. eKr. Mutta lisää on tullut meille varhaisia ​​töitä. 7. - 6. vuosisadan patsaat BC ovat symmetrisiä: ruumiin puolisko on toisen peilikuva. ketjutetut asennot, ojennetut kädet puristettu lihaksikasta vartaloa vasten. Ei pienintäkään pään kallistusta tai käännöstä, mutta huulet avautuvat hymyyn. Hymy, ikään kuin sisältä, valaisee veistoksen elämänilon ilmauksella. Myöhemmin, klassismin aikana, patsaat hankkivat enemmän erilaisia ​​muotoja. Harmoniaa yritettiin ymmärtää algebrallisesti. Ensimmäinen Tieteellinen tutkimus Pythagoras sitoutui siihen, mikä on harmoniaa. Hänen perustamansa koulu käsitteli filosofisia ja matemaattisia kysymyksiä soveltaen matemaattisia laskelmia kaikkiin todellisuuden puoliin.

Video: Muinaisen Kreikan veistoksia

Muinaisen Kreikan lukuteoria ja kuvanveisto

Musiikillinen harmonia, ihmiskehon tai arkkitehtonisen rakenteen harmonia eivät olleet poikkeus. Pythagoraan koulukunta piti numeroa maailman perustana ja alkuna. Mitä tekemistä lukuteorialla on kreikkalaisen taiteen kanssa? Se osoittautuu suorimmaksi, koska maailmankaikkeuden sfäärien harmonia ja koko maailman harmonia ilmaistaan ​​samoilla lukusuhteilla, joista tärkeimmät ovat suhteet 2/1, 3/2 ja 4 /3 (musiikissa nämä ovat vastaavasti oktaavi, kvintti ja kvartti). Lisäksi harmonia edellyttää mahdollisuutta laskea jokaisen esineen, mukaan lukien veistos, osien mikä tahansa korrelaatio seuraavan suhteen mukaan: a / b \u003d b / c, missä a on mikä tahansa pienempi osa esinettä, b on mikä tahansa suuri osa , c on kokonaisuus. Tällä perusteella suuri kreikkalainen kuvanveistäjä Polykleitos (5. vuosisata eKr.) loi nuoresta keihäänkantajasta (5. vuosisata eKr.) veistoksen, jota kutsutaan nimellä "Dorifor" ("Keihäänkantaja") tai "Canon" - kuvanveistäjän teoksen nimen mukaan, jossa hän, taideteoriasta väitteleessään pohtii täydellisen ihmisen kuvan lakeja.

(googlemaps)https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m23!1m12!1m3!1d29513.532198747886!2d21.799533410740295!3d39.074590607295!3d39.074590607201!3d39.07459060720 2i768! 4f13.1! 4m8! 3e6! 4m0! 4m5! 1S0x135b4ac711716c63% 3a0x363a1775dc9a2d1d! 2z0jprgnc10ybqungp! 3M2! 1D39.074208!

Kreikka kartalla, jossa muinaisen Kreikan veistokset luotiin

Polykleitoksen patsas "Keihäsmies"

Taiteilijan päättelyn uskotaan johtuvan hänen veistoksestaan. Polykleitoksen patsaat ovat täynnä intensiivistä elämää. Polikleitos halusi kuvata urheilijoita levossa. Ota sama "Spearman". Tämä vahvasti rakennettu mies on täynnä itsetuntoa. Hän seisoo liikkumattomana katsojan edessä. Mutta tämä ei ole staattinen loput muinaisista egyptiläisistä patsaista. Kuten mies, joka hallitsee taitavasti ja helposti kehoaan, keihäsmies taivutti hieman toista jalkaansa ja siirsi kehonsa painon toiselle. Näyttää siltä, ​​että hetki kuluu ja hän ottaa askeleen eteenpäin, kääntää päätään ylpeänä kauneudestaan ​​ja voimastaan. Edessämme on mies vahva, komea, vapaa pelosta, ylpeä, hillitty - kreikkalaisten ihanteiden ruumiillistuma.

Video: Kreikkalaiset kuvanveistäjät.

Myronin patsas "Discobolus"

Toisin kuin nykyaikainen Polikleitos, Myron halusi kuvata patsaitaan liikkeessä. Tässä on esimerkiksi patsas "Discobolus" (5. vuosisata eKr.; Thermae-museo. Rooma). Sen kirjoittaja loistava kuvanveistäjä Miron, kuvasi kaunista nuorta miestä sillä hetkellä, kun hän heilutti raskasta kiekkoa. Hänen liikkeen vangittu ruumis on taipunut ja jännittynyt, kuin jousi, joka on avautumassa.

Harjoitetut lihakset pullistuivat taaksepäin vedetyn käsivarren elastisen ihon alla. Varpaat, jotka muodostavat luotettavan tuen, painetaan syvälle hiekkaan.

Phidiaan veistos "Athena Parthenos"

Myronin ja Polykleitosin patsaat valettiin pronssiin, mutta meille on päässyt vain roomalaisten valmistamia marmorikopioita antiikin kreikkalaisista alkuperäiskappaleista. Kreikkalaiset pitivät Phidiasta aikansa suurimpana kuvanveistäjänä, joka koristi marmorinen veistos Parthenon. Hänen veistoksensa heijastavat erityisesti sitä, että Kreikan jumalat ovat vain kuvia ihanteellisesta henkilöstä. Parhaiten säilynyt friisin kohokuvioinen marmorinauha on 160 m pitkä ja se kuvaa kulkuetta kohti jumalatar Athenen temppeliä - Parthenonia. Parthenonin veistos vaurioitui pahoin. Ja "Athena Parthenos" kuoli muinaisina aikoina. Hän seisoi temppelin sisällä ja oli sanoinkuvaamattoman kaunis. Jumalattaren pää, jolla oli matala, sileä otsa ja pyöristetty leuka, kaula ja käsivarret tehtiin norsunluusta, ja hänen hiuksensa, vaatteet, kilpi ja kypärä lyötiin kultalevyistä. Kauniin naisen muodossa oleva jumalatar on Ateenan henkilöitymä. Tähän veistokseen liittyy monia tarinoita.

Muita Phidiaksen veistoksia

Luotu mestariteos oli niin suuri ja kuuluisa, että sen kirjoittajalla oli heti paljon kateellisia ihmisiä. He yrittivät kaikin mahdollisin tavoin uhkailla kuvanveistäjää ja etsivät erilaisia ​​syitä, miksi he voisivat syyttää häntä jostain. Sanotaan, että Phidiasta syytettiin osan jumalattaren koristeluun annetusta kullasta. Todisteena syyttömyydestään Phidias poisti veistoksesta kaikki kultaesineet ja punnitsi ne. Paino vastasi tarkasti veistokselle annetun kullan painoa. Sitten Phidiasta syytettiin jumalattomuudesta. Syynä tähän oli Athenen kilpi.

(googlemaps)https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m23!1m12!1m3!1d42182.53849530053!2d23.699654770691843!3d37.984481623375!3d37.984481623375 2i768! 4f13.1! 4m8! 3E6! 4m0! 4m5! 1s0x14a1bd1f067043f1% 3A0x2736354576668ddd! 2z0JDRhNC40L3Riywg0JPRgNC10YbQuNGP! 3m2! 1d37.9838096! 2d23.727538799999998! 5E1! 3m2! 1sru! 2s! 4v1473839004530 (/ GoogleMaps)

Ateena kartalla, jossa muinaisen Kreikan veistokset luotiin

Se kuvasi juonen kreikkalaisten ja amatsonien välisestä taistelusta. Kreikkalaisten keskuudessa Phidias kuvasi itseään ja rakkaansa Periklestä. Kilven kuvasta Phidiasista tuli konfliktin syy. Kaikista Phidiasin saavutuksista huolimatta kreikkalainen yleisö pystyi kääntymään häntä vastaan. Suuren kuvanveistäjän elämä päättyi julmaan teloitukseen. Phidiaan saavutukset Parthenonissa eivät olleet tyhjentäviä hänen työssään. Kuvanveistäjä loi monia muita teoksia, joista parhaat olivat Athena Promachosin jättimäinen pronssinen hahmo, joka pystytettiin Akropolikselle noin vuonna 460 eKr., ja yhtä suuri norsunluusta ja kullasta valmistettu Zeuksen hahmo Olympian temppeliin.

Valitettavasti autenttisempia teoksia ei ole, emmekä voi nähdä omin silmin upeita teoksia antiikin Kreikan taidetta. Vain niiden kuvaukset ja kopiot jäivät jäljelle. Tämä johtui monella tapaa uskovien kristittyjen fanaattisesta patsaiden tuhoamisesta. Näin voit kuvata Zeuksen patsasta Olympian temppeliä varten: Valtava neljätoistametrinen jumala istui kultaisella valtaistuimella, ja näytti siltä, ​​että jos hän nousisi seisomaan, suoristaisi leveät hartiansa, se tunkeutuisi avaruuteen. sali ja katto olisivat matalat. Zeuksen pää oli koristeltu oliivinoksaseppeleellä - merkki mahtavan jumalan rauhasta.Kasvot, hartiat, käsivarret, rintakehä tehtiin norsunluusta ja viitta heitettiin vasemman olkapäälle. Zeuksen kruunu ja parta olivat kimaltelevaa kultaa. Phidias antoi Zeukselle ihmisaateluuden. Hänen komeat kasvonsa, joita kehystävät kihara parta ja kiharat hiukset, eivät olleet vain ankarat, vaan myös ystävälliset, asento oli juhlallinen, majesteettinen ja rauhallinen.

Kehon kauneuden ja sielun ystävällisyyden yhdistelmä korosti hänen jumalallista ihanuuttaan. Patsas teki niin vaikutuksen, että muinaisen kirjailijan mukaan surusta masentuneet ihmiset etsivät lohtua harkitessaan Phidiaan luomista. Huhut ovat julistaneet Zeuksen patsaan yhdeksi "maailman seitsemästä ihmeestä". Kaikkien kolmen kuvanveistäjän teokset olivat samanlaisia ​​siinä mielessä, että ne kaikki kuvasivat kauniin ruumiin ja sen sisältämän ystävällisen sielun harmoniaa. Tämä oli sen ajan päätrendi. Tietenkin kreikkalaisen taiteen normit ja asenteet ovat muuttuneet historian aikana. Arkaaisuuden taide oli suoraviivaisempaa, siitä puuttui täynnä syvää pidättymistä, joka ilahduttaa ihmiskuntaa kreikkalaisten klassikoiden aikana. Hellenismin aikakaudella, kun ihminen menetti käsityksensä maailman vakaudesta, taide menetti vanhat ihanteensa. Se alkoi heijastaa sitä epävarmuuden tunnetta tulevaisuudesta, joka vallitsi tuon ajan yhteiskunnallisissa virroissa.

Antiikin Kreikan veistosmateriaalit

Yksi asia yhdisti kaikki kreikkalaisen yhteiskunnan ja taiteen kehityskaudet: tämä, kuten M. Alpatov kirjoittaa, on erityinen mieltymys muoviin, spatiaalinen taide. Tällainen mieltymys on ymmärrettävää: valtavat varastot erivärisiä, jaloa ja ihanteellista materiaalia - marmoria - tarjosivat runsaasti mahdollisuuksia sen toteuttamiseen. Vaikka useimmat Kreikkalaisia ​​veistoksia Se suoritettiin pronssista, koska marmori oli hauras, mutta juuri marmorin rakenne värillään ja koristeellisella tavalla mahdollisti ihmiskehon kauneuden toistamisen suurimmalla ilmaisuvoimalla. Siksi useimmiten "ihmiskeho, sen rakenne ja joustavuus, sen harmonia ja joustavuus herättivät kreikkalaisten huomion, he kuvasivat mielellään ihmiskehoa sekä alasti että vaaleissa läpinäkyvissä vaatteissa."

Video: Muinaisen Kreikan veistoksia