Gambar paling pelik di dunia. Mengalahkan Bayi oleh Peter Paul Rubens

Lukisan, jika anda tidak mengambil kira golongan realis, sentiasa, adalah dan akan menjadi pelik, metafora, mencari bentuk dan cara ekspresi baru. Tetapi terdapat beberapa lukisan, yang keanehannya tidak boleh membuat sesiapa pun acuh tak acuh.
Beberapa karya seni seolah-olah memukul kepala penonton, tercengang dan kagum; beberapa - menyeret ke dalam pemikiran dan mencari lapisan semantik, simbolisme rahsia. Beberapa lukisan ditutup dengan rahsia dan teka-teki mistik, dan ada yang mengejutkan dengan harga yang terlalu tinggi.

10 gambar paling pelik di dunia

1. Edvard Munch "Menjerit"

1893, kadbod, minyak, tempera, pastel. 91 × ​​73.5 cm
Galeri Negara, Oslo

Meninggalkan banyak rasa selepas yang sangat tidak menyenangkan dan juga gambar menakutkan "The Scream", mungkin, adalah salah satu gambar paling aneh di dunia.

The Scream dianggap sebagai peristiwa penting dalam Ekspresionisme dan salah satu yang paling banyak lukisan terkenal di dunia.
“Saya sedang berjalan di sepanjang laluan bersama dua kawan - matahari terbenam - tiba-tiba langit bertukar menjadi merah darah, saya berhenti, berasa letih, dan bersandar pada pagar - saya melihat darah dan api di atas fjord hitam kebiruan dan bandar - kawan saya pergi, dan saya berdiri, menggeletar dengan keseronokan, merasakan tangisan yang tidak berkesudahan menusuk alam semula jadi, "- kata Edvard Munch tentang sejarah lukisan itu.

2. Paul Gauguin “Dari mana kita datang? Siapakah kita? Kemana kita akan pergi?"
1897-1898, minyak di atas kanvas. 139.1 × 374.6 cm
Muzium Seni Halus, Boston

Gambaran falsafah yang mendalam tentang post-impresionis Paul Gauguin dilukis di Tahiti, tempat dia melarikan diri dari Paris. Setelah menyiapkan kerja itu, dia juga mahu membunuh diri, kerana dia percaya: "Saya percaya bahawa kanvas ini bukan sahaja lebih baik daripada semua yang saya sebelum ini, tetapi saya tidak akan mencipta sesuatu yang lebih baik atau serupa."

3. Pablo Picasso "Guernica"
1937, kanvas, minyak. 349 × 776 cm
Muzium Reina Sofia, Madrid

Anda tidak perlu menjadi pakar dalam seni untuk melihat banyak kesakitan dalam lukisan pelik dan pelik ini. Lukisan-lukisan besar "Guernica", yang dilukis oleh Picasso pada tahun 1937, menceritakan tentang serbuan unit sukarelawan "Luftwaffe" di bandar Guernica, akibatnya bandar 6,000 itu musnah sepenuhnya. Gambar itu ditulis secara literal dalam sebulan - hari pertama kerja pada gambar Picasso bekerja selama 10-12 jam, dan sudah dalam lakaran pertama seseorang dapat melihat idea utama... Ini adalah salah satu daripada ilustrasi terbaik mimpi ngeri fasisme, serta kekejaman dan kesedihan manusia.

4. Jan van Eyck "Potret pasangan Arnolfini"
1434, kayu, minyak. 81.8 × 59.7 cm
London Galeri Nasional, London

Pada pandangan pertama, gambar itu tidak memberikan gambaran kerja yang pelik dan tidak dapat difahami, tetapi ia membuatkan penonton terpaku dan sebaya.

Potret itu, mungkin Giovanni di Nicolao Arnolfini dan isterinya, adalah salah satu karya paling kompleks dari sekolah lukisan Renaissance Utara Barat.
Lukisan terkenal itu penuh dan lengkap dengan simbol, alegori dan pelbagai rujukan - sehingga tandatangan "Jan van Eyck berada di sini", yang mengubahnya bukan sahaja menjadi karya seni, tetapi menjadi dokumen sejarah yang mengesahkan peristiwa sebenar yang artis itu hadir.

5. Mikhail Vrubel "Demon Duduk"
1890, kanvas, minyak. 114 × 211 cm
Galeri Tretyakov, Moscow

Keanehan gambar ini terletak terutamanya pada imej syaitan yang tidak dijangka. Lelaki berambut panjang yang sedih itu sama sekali tidak menyerupai idea manusia umum tentang rupa roh jahat. Artis itu sendiri bercakap tentang lukisannya yang paling terkenal: "Setan bukanlah roh jahat tetapi roh yang menderita dan sedih, dengan semua ini roh yang menguasai dan megah."

6. Vasily Vereshchagin "The Apotheosis of War"
1871, kanvas, minyak. 127 × 197 cm
Galeri Tretyakov Negeri, Moscow

Vereshchagin adalah salah seorang pelukis pertempuran utama Rusia, tetapi dia melukis peperangan dan pertempuran bukan kerana dia mencintai mereka. Sebaliknya, dia cuba menyampaikan kepada orang ramai sikap negatif untuk berperang. Sekali Vereshchagin, dalam kepanasan emosi, berseru: “Saya tidak akan melukis gambar pertempuran lagi - itu sahaja! Saya mengambil apa yang saya tulis terlalu dekat dengan hati saya, menangis (secara harfiah) kesedihan setiap yang terluka dan terbunuh." Mungkin, hasil tangisan ini adalah lukisan "The Apotheosis of War" yang mengerikan dan pelik, yang menggambarkan padang, burung gagak dan gunung tengkorak manusia.

7. Grant Wood "American Gothic"
1930, minyak. 74 × 62 cm
Institut Seni Chicago, Chicago

"American Gothic" ialah salah satu imej yang paling dikenali dalam seni Amerika pada abad ke-20, meme artistik paling terkenal pada abad ke-20 dan ke-21. Keanehan gambar itu serta-merta terserlah. Lukisan dengan bapa dan anak perempuan yang muram penuh dengan butiran yang menunjukkan keterukan, puritanisme dan kemunduran orang yang digambarkan. Muka marah, garpu rumput betul-betul di tengah-tengah gambar, pakaian lama walaupun mengikut piawaian 1930, siku terdedah, jahitan pada pakaian petani, mengulangi bentuk garpu rumput, dan oleh itu ancaman yang ditujukan kepada sesiapa yang menceroboh pada mereka. Semua butiran ini boleh diteliti tanpa henti dan berasa tidak selesa.

8. Rene Magritte "Kekasih"
1928, kanvas, minyak

Lukisan "Lovers" ("Lovers") wujud dalam dua versi. Pada salah seorang daripada mereka seorang lelaki dan seorang wanita, yang kepalanya dibalut dengan kain putih, sedang berciuman, dan pada yang lain, mereka "memandang" kepada penonton. Gambar itu mengejutkan dan memukau. Dengan dua figura tanpa wajah, Magritte menyampaikan idea tentang buta cinta. Mengenai kebutaan dalam setiap pengertian: kekasih tidak melihat sesiapa, tidak melihat mereka wajah-wajah sejati dan penonton, dan selain itu, kekasih adalah misteri antara satu sama lain.

9. Marc Chagall "Berjalan"
1917, kanvas, minyak
Galeri Tretyakov Negeri

Biasanya sangat serius dalam lukisannya, Marc Chagall menulis manifesto yang menggembirakan tentang kebahagiaannya sendiri, penuh dengan alegori dan cinta. The Walk ialah potret diri bersama isterinya Bella. Kekasihnya melambung ke langit dan pandangan itu akan berlarutan dan Chagall, berdiri di atas tanah dengan keadaan tidak menentu, seolah-olah menyentuhnya hanya dengan hujung kasutnya. Chagall mempunyai titmouse di tangannya yang lain - dia gembira, dia mempunyai kedua-dua titmouse di tangannya (mungkin lukisannya), dan kren di langit.

10. Hieronymus Bosch“Taman kenikmatan duniawi»
1500-1510, kayu, minyak. 389 × 220 cm
Prado, Sepanyol

The Garden of Earthly Delights ialah triptych Hieronymus Bosch yang paling terkenal, dinamakan sempena tema bahagian tengah, dan didedikasikan untuk dosa nafsu. Sehingga kini, tiada satu pun tafsiran gambar yang tersedia telah diiktiraf sebagai satu-satunya yang betul.
Daya tarikan yang kekal dan pada masa yang sama keanehan triptych terletak pada cara artis menyatakan idea utama melalui banyak butiran.

2. Paul Gauguin “Dari mana kita datang? Siapakah kita? Kemana kita akan pergi?"

897-1898, minyak di atas kanvas. 139.1 × 374.6 cm
Muzium Seni Halus, Boston

Gambaran falsafah yang mendalam tentang post-impresionis Paul Gauguin dilukis di Tahiti, tempat dia melarikan diri dari Paris. Setelah selesai kerja, dia juga mahu membunuh diri, kerana dia percaya: "Saya percaya bahawa kanvas ini bukan sahaja lebih baik daripada semua yang saya sebelum ini, tetapi saya tidak akan mencipta sesuatu yang lebih baik atau serupa."

Pada musim panas lewat 80-an abad yang lalu, ramai artis Perancis berkumpul di Pont-Aven (Brittany, Perancis). Mereka bergerak bersama-sama dan hampir serta-merta berpecah kepada dua kumpulan yang bermusuhan. Salah seorang daripada mereka termasuk artis yang memulakan jalan mencari dan bersatu dengan nama biasa untuk semua "impresionis". Menurut kumpulan kedua, yang diketuai oleh Paul Gauguin, nama ini adalah kesat. P. Gauguin pada masa itu sudah berusia di bawah empat puluh tahun. Dikelilingi oleh halo misteri pengembara yang telah mengalami tanah asing, dia mempunyai besar Pengalaman hidup pengagum dan peniru karyanya.

Kedua-dua kem dibahagikan dan kebanyakannya dalam kedudukan mereka. Walaupun Impresionis tinggal di loteng atau loteng, artis lain menduduki bilik terbaik Hotel Gloanek, makan di bilik terbesar dan paling bagus di restoran, di mana ahli kumpulan pertama tidak dibenarkan. Bagaimanapun, pertembungan antara kumpulan itu bukan sahaja tidak menghalang P. Gauguin daripada bekerja, sebaliknya, sedikit sebanyak membantunya menyedari ciri-ciri yang membangkitkan protes ganasnya. Penolakan kaedah analisis Impresionis adalah manifestasi pemikirannya semula sepenuhnya tentang tugas lukisan. Keinginan golongan impresionis untuk menangkap segala yang mereka lihat, milik mereka sendiri prinsip seni- untuk memberikan lukisan mereka rupa yang tidak sengaja diintip - tidak sesuai dengan sifat angkuh dan bertenaga P. Gauguin.

Malah kurang berpuas hati dengan penyelidikan teori dan artistiknya J. Seurat, yang berusaha mengurangkan lukisan kepada penggunaan formula dan resipi saintifik yang rasional dan sejuk. Teknik pointillistic J. Seurat, penggunaan metodologi cat dengan sapuan silang berus dan titik merengsa Paul Gauguin dengan monotoni mereka.

Kediaman artis di Martinique di tengah-tengah alam semula jadi, yang seolah-olah dia permaidani mewah dan hebat, akhirnya meyakinkan P. Gauguin untuk menggunakan hanya warna yang tidak dihias dalam lukisannya. Bersamanya, artis yang berkongsi pemikirannya mengisytiharkan "Sintesis" sebagai prinsip mereka - iaitu, penyederhanaan sintetik garis, bentuk dan warna. Tujuan penyederhanaan ini adalah untuk menyampaikan kesan keamatan warna maksimum dan untuk menghilangkan apa-apa yang melemahkan kesan itu. Teknik ini membentuk asas yang lama lukisan hiasan lukisan dinding dan kaca berwarna.

P. Gauguin sangat berminat dengan persoalan nisbah warna dan warna. Dia juga cuba untuk menyatakan dalam lukisannya bukan yang tidak sengaja dan bukan yang cetek, tetapi yang kekal dan penting. Baginya, undang-undang hanyalah kehendak kreatif artis, dan dia tugas seni dia melihat dalam ekspresi keharmonian dalaman, yang difahaminya sebagai sintesis kejujuran alam dan suasana jiwa artis yang terganggu oleh keterusterangan ini. P. Gauguin sendiri bercakap mengenainya dengan cara ini: "Saya tidak mengira dengan kebenaran alam semula jadi, yang boleh dilihat secara luaran ... Betulkan perspektif palsu ini, yang memesongkan subjek berdasarkan kebenarannya ... Dinamisme harus dielakkan. Biarkan semuanya bernafaslah dengan ketenangan dan kedamaian jiwa, elakkan pose dalam gerakan... Setiap watak mesti berada dalam kedudukan statik." Dan dia memendekkan perspektif lukisannya, membawanya lebih dekat ke pesawat, meletakkan angka dalam kedudukan hadapan dan mengelakkan pemendekan. Oleh itu, orang-orang yang digambarkan oleh P. Gauguin tidak bergerak dalam lukisan: mereka seperti patung yang diukir dengan pahat besar tanpa butiran yang tidak perlu.

Tempoh kreativiti yang matang Paul Gauguin bermula di Tahiti, di sinilah masalah sintesis artistik menerima perkembangan penuhnya. Di Tahiti, artis itu meninggalkan banyak perkara yang dia tahu: di kawasan tropika, bentuknya jelas dan pasti, bayang-bayangnya berat dan panas, dan kontrasnya sangat tajam. Di sini semua tugas yang ditetapkan olehnya di Pont-Aven diselesaikan sendiri. Cat P. Gauguin menjadi jelas, tanpa calitan. Lukisan Tahitinya mengagumkan permaidani oriental atau lukisan dinding, jadi warna di dalamnya harmoni dibawa ke nada tertentu.

Karya P. Gauguin pada zaman ini (bermaksud lawatan pertama artis ke Tahiti) dibentangkan kisah dongeng yang indah, yang dia alami di kalangan purba, sifat eksotik Polinesia jauh. Di rantau Mataje, dia menemui sebuah kampung kecil, membeli sebuah pondok, di satu sisi lautan memercik, dan di sisi lain, gunung dengan celah besar kelihatan. Orang Eropah belum sampai ke tempat ini, dan kehidupan seolah-olah P. Gauguin seperti syurga duniawi yang sebenar. Dia mematuhi irama perlahan kehidupan Tahiti, menyerap warna-warna terang laut biru, kadangkala dilitupi ombak hijau menghempas terumbu karang dengan bunyi bising.

Dari hari-hari pertama, artis itu menjalinkan hubungan manusia yang mudah dengan orang Tahiti. Kerja itu mula menangkap lebih banyak P. Gauguin. Dia membuat banyak lakaran dan lakaran dari alam semula jadi, dalam apa jua keadaan, dia cuba menangkap di atas kanvas, kertas atau kayu wajah ciri orang Tahiti, figura dan postur mereka - dalam proses kerja atau semasa rehat. Dalam tempoh ini, beliau mencipta lukisan terkenal di dunia "The Spirit of the Dead is Awake", "Are You Jealous?", "Conversation", "Tahitian Pastorals".

Tetapi jika pada tahun 1891 jalan ke Tahiti nampaknya bercahaya (dia mengembara ke sini selepas beberapa kemenangan artistik di Perancis), maka kali kedua dia pergi ke pulau tercintanya sebagai seorang lelaki yang sakit yang telah kehilangan sebahagian besar ilusinya. Segala-galanya di sepanjang jalan membuat dia menjengkelkan: terpaksa berhenti, sisa tidak berguna, kesulitan jalan raya, omelan kastam, teman yang obsesif ...

Dia tidak pergi ke Tahiti hanya selama dua tahun, dan banyak yang telah berubah di sini. Serbuan Eropah memusnahkan kehidupan asli orang asli, segala-galanya nampaknya P. Gauguin adalah kekacauan yang tidak dapat ditanggung: pencahayaan elektrik di Papeete, ibu kota pulau itu, dan karusel yang tidak dapat ditanggung di sebelah istana diraja, dan bunyi fonograf pecah kesunyian dahulu.

Kali ini, artis itu tinggal di kawasan Punoauia, di pantai barat Tahiti, di sebidang tanah yang disewa, dia sedang membina sebuah rumah yang menghadap ke laut dan gunung. Mengharapkan untuk menetap di pulau itu dan mewujudkan keadaan untuk bekerja, dia tidak berbelanja untuk mengatur rumahnya dan tidak lama lagi, seperti yang sering berlaku, ditinggalkan tanpa wang. P. Gauguin mengharapkan rakan-rakan yang, sebelum pemergian artis dari Perancis, meminjam sejumlah 4,000 franc daripadanya, tetapi mereka tidak tergesa-gesa untuk memulangkannya. Walaupun fakta bahawa dia menghantar mereka banyak peringatan tentang hutang itu, dia mengadu tentang nasib dan penderitaan yang sangat ...

Menjelang musim bunga tahun 1896, artis mendapati dirinya berada dalam cengkaman keperluan yang paling teruk. Ditambah lagi dengan rasa sakit di bahagian kaki yang patah, yang diselaputi ulser dan menyebabkan dia menderita yang tidak tertanggung, menyebabkan dia tidak dapat tidur dan tenaga. Pemikiran tentang sia-sia usaha dalam perjuangan untuk kewujudan, tentang kegagalan semua rancangan artistik membuatkan dia semakin kerap berfikir tentang bunuh diri. Tetapi seseorang hanya perlu kepada P. Gauguin untuk merasakan sedikit kelegaan, kerana sifat artis menang dalam dirinya, dan pesimisme hilang di hadapan kegembiraan hidup dan kreativiti.

Walau bagaimanapun, ini adalah detik-detik yang jarang berlaku, dan nasib malang mengikuti satu sama lain dengan keteraturan malapetaka. Dan berita yang paling mengerikan baginya ialah berita dari Perancis tentang kematian anak perempuan kesayangannya Alina. Tidak dapat bertahan dalam kehilangan itu, P. Gauguin mengambil sejumlah besar arsenik dan pergi ke pergunungan supaya tiada siapa boleh mengganggunya. Percubaan membunuh diri membawa kepada fakta bahawa dia menghabiskan malam itu dalam penderitaan yang dahsyat, tanpa sebarang bantuan dan dalam kesendirian sepenuhnya.

Untuk masa yang lama, artis itu dalam sujud lengkap, dia tidak dapat memegang berus di tangannya. Satu-satunya saguhatinya ialah kanvas besar (450 x 170 cm), yang dilukis olehnya sebelum cuba membunuh diri. Dia memanggil lukisan itu "Dari mana kita? Siapa kita? Ke mana kita?" dan dalam salah satu surat dia menulis: "Sebelum saya mati, saya meletakkan seluruh tenaga saya, keghairahan yang menyedihkan dalam keadaan saya yang mengerikan, dan penglihatan itu sangat jelas, tanpa pembetulan, sehingga jejak tergesa-gesa hilang dan keseluruhannya. kehidupan dapat dilihat di dalamnya."

P. Gauguin bekerja pada gambar itu dalam ketegangan yang dahsyat, walaupun dia telah menetas idea untuk itu dalam imaginasinya untuk masa yang lama, dia sendiri tidak dapat mengatakan dengan pasti bila idea kanvas ini mula-mula muncul. Beberapa serpihan karya monumental ini telah ditulis oleh beliau tahun yang berbeza dan dalam karya lain. Sebagai contoh, tokoh wanita dari "Tahitian Pastorals" diulang dalam gambar ini di sebelah berhala, tokoh tengah Saya bertemu dengan seorang pemetik buah dalam lakaran emas "Seorang lelaki memetik buah dari pokok" ...

Bermimpi untuk memperluaskan kemungkinan lukisan, Paul Gauguin berusaha untuk memberikan gambarnya sebagai watak lukisan dinding. Untuk tujuan ini, dia meninggalkan dua sudut atas (satu dengan nama lukisan, satu lagi dengan tandatangan artis) kuning dan tidak diisi dengan lukisan - "seperti lukisan dinding yang rosak di sudut dan ditumpangkan pada dinding emas."

Pada musim bunga tahun 1898, dia menghantar lukisan itu ke Paris, dan dalam sepucuk surat kepada pengkritik A. Fontaine berkata bahawa matlamatnya bukanlah untuk mencipta rangkaian kompleks alegori cerdik yang perlu diselesaikan. Sebaliknya, alegori kandungan lukisan itu sangat mudah - tetapi bukan dalam erti kata jawapan kepada soalan yang dikemukakan, tetapi dalam erti kata rumusan soalan-soalan ini." Paul Gauguin tidak akan menjawab soalan yang dikemukakan olehnya dalam tajuk gambar, kerana dia percaya bahawa ia adalah dan akan menjadi teka-teki yang mengerikan dan paling manis untuk kesedaran manusia... Oleh itu, intipati alegori yang digambarkan pada kanvas ini terletak pada penjelmaan yang sangat indah dari misteri yang tersembunyi di alam semula jadi ini, kengerian suci keabadian dan rahsia kewujudan.

Pada lawatan pertamanya ke Tahiti, P. Gauguin melihat dunia dengan mata bersemangat anak-anak besar, yang dunia masih belum kehilangan kebaharuan dan separa berharga yang mengagumkan. Pandangannya yang kekanak-kanakan membuka warna yang tidak dapat dilihat oleh orang lain di alam semula jadi: herba zamrud, langit nilam, bayangan matahari kecubung, bunga delima dan emas merah kulit Maori. Lukisan Tahiti oleh P. Gauguin pada zaman ini menyala dengan cahaya keemasan yang mulia, seperti kaca berwarna katedral gothic dilemparkan dalam kemegahan agung mozek Byzantine, wangi dengan tumpahan cat yang berair.

Kesepian dan keputusasaan yang mendalam, yang merasukinya pada lawatan kedua ke Tahiti, membuatkan P. Gauguin melihat segala-galanya hanya dalam warna hitam. Walau bagaimanapun, naluri semula jadi tuan dan matanya sebagai seorang pewarna tidak membenarkan artis itu kehilangan sepenuhnya rasa untuk kehidupan dan warnanya, walaupun dia mencipta kanvas yang suram, dia melukisnya dalam keadaan seram mistik.

Jadi apakah yang masih disembunyikan oleh gambar ini? Seperti manuskrip oriental, yang harus dibaca dari kanan ke kiri, kandungan gambar terbentang dalam arah yang sama: langkah demi langkah arus diturunkan kehidupan manusia- dari permulaannya hingga mati, menanggung ketakutan akan ketiadaan.

Di hadapan penonton, di atas kanvas besar yang diregangkan secara mendatar, tebing aliran hutan digambarkan, di dalam perairan gelap di mana bayang-bayang misteri dan tidak pasti tercermin. Di sisi lain - tumbuh-tumbuhan tropika yang lebat, subur, rumput zamrud, semak hijau tebal, pokok biru yang aneh, "tumbuh seolah-olah tidak di bumi, tetapi di syurga."

Batang-batang pokok berpusing aneh, berjalin, membentuk rangkaian renda, di mana laut dengan puncak putih ombak pantai kelihatan di kejauhan, gunung ungu gelap di pulau jiran, langit biru- "sebuah tontonan alam dara yang boleh menjadi syurga".

Pada pelan gambar yang paling dekat, di atas tanah, bebas daripada semua tumbuhan, sekumpulan orang terletak di sekeliling patung batu dewa. Watak tidak disatukan oleh mana-mana satu peristiwa atau tindakan biasa, semua orang sibuk dengan urusan masing-masing dan tenggelam dalam diri mereka sendiri. Bayi yang sedang tidur itu dikawal oleh seekor anjing hitam yang besar; "Tiga wanita, mencangkung di atas paha mereka, seolah-olah mendengar diri mereka sendiri, beku dengan menjangkakan beberapa kegembiraan yang tidak dijangka... Seorang lelaki muda berdiri di tengah dengan kedua-dua tangan memetik buah dari pokok ... Satu sosok, sengaja besar, bertentangan dengan undang-undang perspektif ... mengangkat tangannya, memandang terkejut pada dua watak yang berani memikirkan tentang mereka. nasib. "

Di sebelah patung itu, seorang wanita kesepian, seolah-olah secara mekanikal, berjalan ke tepi, tenggelam dalam keadaan pemikiran yang sengit dan tertumpu. Seekor burung sedang bergerak ke arahnya di atas tanah. Di sebelah kiri kanvas, seorang kanak-kanak yang duduk di atas tanah membawa buah ke mulutnya, seekor kucing menjilat dari mangkuk ... Dan penonton bertanya pada dirinya sendiri: "Apakah maksud semua ini?"

Pada pandangan pertama, ia seolah-olah kehidupan seharian tetapi selain daripada makna langsung, setiap imej membawa alegori puitis, petunjuk kemungkinan tafsiran kiasan. Jadi, sebagai contoh, motif aliran hutan atau mata air yang memancar dari tanah adalah metafora kegemaran Gauguin untuk sumber kehidupan, permulaan kehidupan yang misterius. Bayi yang sedang tidur melambangkan kesucian fajar kehidupan manusia. Seorang lelaki muda memetik buah dari pokok dan wanita duduk di atas tanah di sebelah kanan mewujudkan idea perpaduan organik manusia dengan alam semula jadi, sifat semula jadi kewujudannya di dalamnya.

Seorang lelaki dengan tangan terangkat, memandang rakan-rakannya dengan terkejut, adalah pandangan pertama kebimbangan, dorongan awal untuk memahami rahsia dunia dan makhluk. Yang lain mendedahkan keberanian dan penderitaan minda manusia, misteri dan tragedi roh, yang terkandung dalam pengetahuan manusia yang tidak dapat dielakkan tentang takdir fananya, singkatnya kewujudan duniawi dan kesudahan yang tidak dapat dielakkan.

Banyak penjelasan telah diberikan oleh Paul Gauguin sendiri, tetapi dia memberi amaran terhadap keinginan untuk melihat simbol yang diterima umum dalam gambarnya, untuk menguraikan imej-imej itu dengan terlalu terang-terangan, dan lebih-lebih lagi untuk mencari jawapan. Sesetengah ahli sejarah seni percaya bahawa keadaan tertekan artis, yang menyebabkan dia cuba membunuh diri, dinyatakan dalam bentuk yang ketat dan singkat. bahasa seni... Mereka perhatikan bahawa gambar itu terharu. butiran kecil, yang tidak menjelaskan idea umum, tetapi hanya mengelirukan penonton. Malah penjelasan dalam surat tuan tidak dapat menghilangkan kabus mistik yang dia masukkan ke dalam butiran ini.

P. Gauguin sendiri menganggap karyanya sebagai bukti kerohanian, mungkin itulah sebabnya lukisan itu menjadi puisi bergambar, di mana imej konkrit diubah menjadi idea yang luhur, dan jirim menjadi semangat. Plot kanvas didominasi oleh suasana puitis, kaya dengan warna yang sukar difahami dan makna dalaman. Walau bagaimanapun, suasana kedamaian dan rahmat sudah dikaburkan oleh kegelisahan yang samar-samar berhubung dengan dunia misteri, menimbulkan perasaan kebimbangan yang tersembunyi, ketidaklarutan yang menyakitkan dari misteri kehidupan yang paling dalam, misteri kedatangan manusia ke dunia dan misteri kehilangannya. Dalam gambar, kebahagiaan digelapkan oleh penderitaan, siksaan rohani dibasuh oleh kemanisan kewujudan fizikal - "kengerian emas, ditutupi dengan kegembiraan." Segala-galanya tidak dapat dipisahkan, seperti dalam kehidupan.

P. Gauguin sengaja tidak membetulkan perkadaran yang salah, berusaha dengan segala cara untuk mengekalkan gaya lakarannya. Lakaran ini, ketidaklengkapan, dia sangat menghargainya, percaya bahawa dialah yang membawa aliran hidup ke dalam kanvas dan memberikan kepada gambar puisi istimewa, yang bukan ciri-ciri perkara yang telah selesai dan terlalu siap.

Seni boleh jadi apa sahaja. Seseorang melihat keindahan alam semula jadi dan menyampaikannya dengan berus atau pahat, seseorang mengambil gambar tubuh manusia yang menakjubkan, dan seseorang mendapati keindahan dalam keadaan yang mengerikan - dalam gaya ini Caravaggio dan Edvard Munch bekerja. Seniman kontemporari mereka bersaing dengan bapa pengasas.

1. Dado

Yugoslavia Dado dilahirkan pada tahun 1933 dan meninggal dunia pada tahun 2010. Pada pandangan pertama, kerjanya mungkin kelihatan biasa atau menyeronokkan - ini disebabkan oleh pilihan warna: Ramai artis seram memilih warna hitam atau merah, dan Dado menyukai warna pastel.

Tetapi lihat lebih dekat pada lukisan seperti "The Big Farm" pada tahun 1963 atau "The Footballer" pada tahun 1964, dan anda akan melihat makhluk aneh pada mereka. Wajah mereka penuh dengan kesakitan atau penderitaan, tumor atau organ tambahan kelihatan pada badan mereka, atau badan mereka hanya bentuk tidak teratur... Malah, lukisan seperti "The Big Farm" jauh lebih menakutkan daripada seram - tepat kerana pada pandangan pertama anda tidak perasan apa-apa yang mengerikan di dalamnya.

2. Keith Thompson

Keith Thompson lebih kepada seorang artis komersial daripada seorang lelaki seni. Dia mereka bentuk raksasa untuk Rim Pasifik Guillermo Del Toro dan Leviathan karya Scott Westerfield. Kerjanya dilakukan dalam teknik yang anda lebih suka lihat pada kad Magic: The Gathering daripada di muzium.

Lihat lukisannya "The Creature from Pripyat": raksasa itu dibentuk dari beberapa haiwan dan sangat hodoh, tetapi ia memberikan idea yang sangat baik tentang teknik Thompson. Raksasa itu juga mempunyai cerita - ia didakwa hasil bencana Chernobyl. Sudah tentu, raksasa itu agak direka-reka, seolah-olah ia datang terus dari tahun 1950-an, tetapi itu tidak menjadikannya kurang menyeramkan.

Yayasan SCP telah menggunakan makhluk ini sebagai maskotnya, memanggilnya SCP-682. Tetapi dalam senjata Thompson masih terdapat banyak raksasa seperti itu, dan ada yang lebih buruk.

3. Junji Ito

Mengenai persoalan artis komersial: sebahagian daripada mereka melukis komik. Dalam perniagaan komik seram, Junji Ito adalah juara. Raksasanya bukan sahaja aneh: artis itu dengan susah payah melukis setiap kedutan, setiap lipatan pada badan makhluk itu. Inilah yang menakutkan orang ramai, dan sama sekali tidak rasional raksasa itu.

Sebagai contoh, dalam komiknya "The Mystery of the Amigara Fault" dia menanggalkan orang dan menghantar mereka ke dalam lubang berbentuk manusia dalam batu pepejal - semakin dekat kita melihat lubang ini, semakin menakutkan, tetapi walaupun "dari jauh" ia kelihatan menakutkan.

Siri komiknya Uzumaki (Spiral) mempunyai seorang lelaki yang obses dengan spiral. Pada mulanya, obsesinya kelihatan tidak masuk akal, dan kemudian ia sudah menakutkan. Lebih-lebih lagi, ia menjadi menakutkan walaupun sebelum obsesi wira menjadi sihir, dengan bantuannya dia mengubah seseorang menjadi sesuatu yang tidak berperikemanusiaan, tetapi pada masa yang sama hidup.

Karya Ito menyerlah di kalangan semua manga Jepun - watak "biasa"nya kelihatan sangat realistik dan juga comel, dan raksasa di latar belakang mereka kelihatan lebih menyeramkan.

4. Zdzislaw Beksiński

Jika seorang artis mengisytiharkan: "Saya tidak dapat membayangkan apa yang dimaksudkan dengan rasional dalam lukisan," kemungkinan besar, dia tidak melukis anak kucing.

Pelukis Poland Zdzislaw Beksiński dilahirkan pada tahun 1929. Selama beberapa dekad, dia mencipta imej mimpi ngeri dalam genre realisme hebat sehingga kematiannya yang mengerikan pada tahun 2005 (dia ditikam 17 kali). Tempoh yang paling berkesan dalam karyanya jatuh pada tahun 1960-an - 1980-an: kemudian dia mencipta imej yang sangat terperinci, yang dia sendiri panggil "foto impiannya."

Menurut Beksiński, makna lukisan ini atau itu tidak mengganggunya, tetapi beberapa karyanya jelas melambangkan sesuatu. Sebagai contoh, pada tahun 1985 dia mencipta lukisan "Trollforgatok". Artis itu dibesarkan di negara yang musnah akibat Perang Dunia II, jadi figura hitam dalam lukisan itu boleh mewakili warga Poland, dan kepala adalah sejenis pihak berkuasa yang kejam.

Artis itu sendiri mendakwa bahawa dia tidak bermaksud seperti itu. Malah, Beksiński berkata mengenai gambar ini bahawa ia harus dianggap sebagai jenaka - inilah maksud humor hitam yang benar-benar hitam.

5. Wayne Barlow

Beribu-ribu artis telah cuba menggambarkan Neraka, tetapi Wayne Barlow jelas berjaya. Walaupun anda tidak pernah mendengar namanya, anda mungkin melihat karya itu. Dia telah bekerja pada filem-filem seperti Avatar James Cameron (yang dipuji oleh pengarahnya secara peribadi), Pacific Rim, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, dan Harry Potter and the Goblet of Fire. Tetapi salah satu karyanya yang paling cemerlang boleh dipanggil buku yang diterbitkan pada tahun 1998 yang dipanggil "Inferno".

Nerakanya bukan hanya penjara bawah tanah dengan tuan dan tentera syaitan. Barlow berkata: "Neraka adalah ketidakpedulian sepenuhnya terhadap penderitaan manusia." Iblisnya sering mengambil minat badan manusia dan jiwa dan berkelakuan lebih seperti penguji - mereka mengabaikan kesakitan orang lain. Bagi syaitannya, manusia bukanlah objek kebencian sama sekali, tetapi hanya satu cara untuk hiburan terbiar, tidak lebih.

6. Tetsuya Ishida

Dalam lukisan akrilik Isis, orang sering berubah menjadi objek seperti pembungkusan, tali pinggang penghantar, kencing, atau bantal buasir. Dia juga mempunyai lukisan yang menarik secara visual di mana orang bergabung dengan alam semula jadi atau melarikan diri tanah ajaib imaginasi anda. Tetapi karya sedemikian jauh lebih malap daripada lukisan di mana pekerja restoran bertukar menjadi peragawati, mengepam makanan kepada pelanggan seolah-olah mereka sedang menservis kereta di stesen minyak.

Tidak kira pendapat tentang ketepatan dan wawasan artis, atau kejelasan metaforanya, tidak dapat dinafikan bahawa gaya karyanya adalah menakutkan. Mana-mana jenaka dalam Isis berjalan seiring dengan rasa jijik dan ketakutan. Kerjayanya berakhir pada tahun 2005 - Ishida yang berusia 31 tahun telah dilanggar kereta api, dan hampir pasti ia adalah bunuh diri. Kerja yang ditinggalkan oleh beliau dianggarkan mencecah ratusan ribu ringgit.

7. Dariusz Zawadsky

Zavadsky dilahirkan pada tahun 1958. Seperti Beksiński, dia bekerja dalam gaya realisme hebat yang menakutkan. Guru-gurunya di sekolah seni memberitahu Zavadsky bahawa dia tidak mempunyai terlalu banyak penglihatan yang baik dan mata yang buruk, jadi dia tidak boleh menjadi seorang artis. Nah, mereka jelas tergesa-gesa membuat kesimpulan.

Terdapat unsur-unsur steampunk dalam karya Zavadsky: dia sering melukis makhluk yang serupa dengan robot, di bawah kulit tiruan yang mana seseorang boleh melihat mekanisme kerja. Sebagai contoh, lihat lukisan minyak 2007 "The Nest". Pose burung adalah sama seperti yang hidup, tetapi bingkainya jelas logam, hampir tidak ditutupi dengan serpihan kulit. Gambar itu boleh menjijikkan, tetapi pada masa yang sama ia menarik mata - anda ingin mempertimbangkan semua butiran.

8. Joshua Hoffin

Joshua Hoffin dilahirkan pada tahun 1973 di Emporia, Kansas. Dia mengambil gambar yang menakutkan di mana cerita dongeng yang biasa dari zaman kanak-kanak diperoleh ciri yang menakutkan- sejarah, tentu saja, boleh dipelajari, tetapi pada masa yang sama maknanya sangat diputarbelitkan.

Banyak karya beliau kelihatan terlalu berperingkat dan tidak wajar untuk benar-benar menakutkan. Tetapi terdapat juga beberapa siri gambar seperti Pickman's Masterpieces - penghormatan kepada salah satu watak Lovecraft, artis Pickman.

Foto 2008 yang anda boleh lihat di sini ialah anak perempuannya Chloe. Wajah gadis itu hampir tidak meluahkan emosi, dan dia hampir tidak memandang ke arah penonton. Perbezaannya menakutkan: foto keluarga di atas meja sisi katil, seorang gadis berpijama merah jambu - dan lipas besar.

9. Patricia Piccinini

Arca Piccinini kadang-kadang sangat berbeza antara satu sama lain: sesetengah arca adalah motosikal bentuk tidak teratur, yang lain adalah belon aneh dengan udara panas. Tetapi kebanyakannya dia mencipta arca yang sangat, sangat tidak selesa untuk berdiri bersama di dalam bilik yang sama. Mereka juga kelihatan menyeramkan dalam gambar.

Dalam karya 2004 "Indivisible," humanoid ditekan ke belakang kanak-kanak manusia biasa. Yang paling mengganggu ialah unsur kepercayaan dan kasih sayang - seolah-olah sifat tidak bersalah kanak-kanak itu digunakan dengan kejam untuk mencederakannya.

Sudah tentu, kerja Piccinini dikritik. Malah dikatakan tentang "Tidak boleh dipisahkan" bahawa ia bukan patung, tetapi sejenis haiwan sebenar. Tetapi tidak - ia hanya rekaan imaginasinya, dan artis itu terus mencipta karyanya daripada gentian kaca, silikon dan rambut.

10. Mark Powell

Karya-karya Mark Powell dari Australia sungguh mengejutkan. Pertunjukannya pada tahun 2012 ialah satu siri gubahan di mana makhluk hebat berkembang, memakan dan membezakan antara satu sama lain daripada badan sendiri, membiak dan mereput. Tekstur makhluk dan persekitaran adalah sangat meyakinkan, dan bahasa badan tokoh-tokoh itu disesuaikan dengan tepat untuk menjadikan situasi kelihatan sebiasa mungkin - dan oleh itu meyakinkan.

Sudah tentu, Internet tidak boleh gagal untuk memberikan artis itu haknya. Yayasan SCP yang disebutkan di atas mengambil raksasa yang mengerikan itu daripada imej di atas dan menjadikannya sebahagian daripada cerita yang dipanggil Flesh That Hates. Selain itu, banyak kisah seram dikaitkan dengan karyanya.

Berapa banyak yang diperlukan untuk menjadi seorang artis? Mungkin bakat? Atau keupayaan untuk mempelajari sesuatu yang baru? Atau fantasi liar? Sudah tentu, ini semua adalah faktor yang perlu, tetapi apakah yang paling penting? Inspirasi. Apabila seorang artis benar-benar meletakkan jiwanya ke dalam lukisan, ia menjadi seolah-olah hidup. Keajaiban warna berfungsi dengan keajaiban, tetapi rupanya tidak dapat diterjemahkan, saya ingin mengkaji setiap perkara kecil ...

Dalam artikel ini, kita akan melihat 25 lukisan yang benar-benar cemerlang dan terkenal.

✰ ✰ ✰

Kegigihan Ingatan, Salvador Dali

Lukisan kecil ini membawa populariti Dali ketika berusia 28 tahun. Ini bukan satu-satunya nama gambar, ia juga mempunyai nama " Jam tangan lembut"," Kegigihan ingatan "," Kekerasan ingatan ".

Idea melukis gambar itu datang kepada artis ketika dia memikirkan tentang keju cair. Dali tidak meninggalkan rekod tentang makna dan kepentingan lukisan itu, jadi para saintis menafsirkannya dengan cara mereka sendiri, bersandar pada teori relativiti Einstein.

✰ ✰ ✰

Tarian, Henri Matisse

Lukisan itu hanya dilukis dengan tiga warna sahaja - merah, biru dan hijau. Mereka melambangkan langit, bumi dan manusia. Selain "Tari", Matisse juga melukis gambar "Muzik". Mereka telah dipesan oleh seorang pengumpul Rusia.

Tidak ada butiran yang tidak perlu mengenainya, hanya latar belakang semula jadi dan orang-orang itu sendiri, yang beku dalam tarian. Inilah yang dimahukan artis itu - untuk merakamkan detik yang berjaya apabila orang ramai bersatu dengan alam semula jadi dan terharu dengan ekstasi.

✰ ✰ ✰

The Kiss, Gustav Klimt

The Kiss ialah lukisan paling terkenal oleh Klimt. Dia menulisnya semasa tempoh kreativiti "emas"nya. Dia menggunakan daun emas asli. Terdapat dua versi biografi lukisan itu. Menurut versi pertama, lukisan itu menggambarkan Gustav sendiri dengan Emilia Flöge yang dicintainya, yang namanya disebut terakhir dalam hidupnya. Menurut versi kedua, kiraan tertentu mengarahkan gambar itu supaya Klimt melukis dia dan kekasihnya.

Apabila kiraan bertanya mengapa ciuman itu sendiri tidak ada dalam gambar, Klimt berkata bahawa dia seorang artis dan dia melihat seperti itu. Malah, Klimt jatuh cinta dengan gadis Count dan ia adalah sejenis balas dendam.

✰ ✰ ✰

The Sleeping Gypsy oleh Henri Rousseau

Kanvas itu ditemui hanya 13 tahun selepas kematian pengarang dan segera menjadi karyanya yang paling mahal. Semasa hayatnya, dia cuba menjualnya kepada datuk bandar, tetapi tidak berjaya.

Gambar menyampaikan maksud asal dan idea yang mendalam. Kedamaian, kelonggaran - ini adalah perasaan yang ditimbulkan oleh Sleeping Gypsy.

✰ ✰ ✰

Penghakiman Terakhir, Hieronymus Bosch

Lukisan itu adalah yang paling bercita-cita tinggi daripada semua karyanya yang masih hidup. Gambar tidak memerlukan penjelasan plot, semuanya jelas dari tajuk. Penghakiman terakhir, kiamat. Allah menghakimi orang benar dan orang berdosa. Lukisan itu dibahagikan kepada tiga babak. Dalam adegan pertama, syurga, taman hijau, kebahagiaan.

Di bahagian tengah adalah Penghakiman Terakhir itu sendiri, di mana Tuhan mula menghakimi manusia untuk perbuatan mereka. V sebelah kanan menggambarkan neraka sebagaimana yang kelihatan. Raksasa yang dahsyat, panas terik dan penyeksaan yang dahsyat ke atas orang berdosa.

✰ ✰ ✰

"Metamorfosis Narcissus", Salvador Dali

Banyak plot diambil sebagai asas, tetapi tempat yang paling penting diduduki oleh kisah Narcissus - seorang lelaki yang sangat mengagumi kecantikannya sehingga dia mati kerana dia tidak dapat memenuhi keinginannya.

Di latar depan gambar, Narcissus duduk dalam pemikiran di tepi air dan tidak dapat melepaskan dirinya dari pantulannya sendiri. Berdekatan adalah tangan batu, di mana telur adalah, ia adalah simbol kelahiran semula dan kehidupan baru.

✰ ✰ ✰

Mengalahkan Bayi oleh Peter Paul Rubens

Gambar itu berdasarkan plot daripada Alkitab, apabila Raja Herodes memerintahkan untuk membunuh semua kanak-kanak lelaki yang baru lahir. Lukisan itu menggambarkan taman di istana Herodes. Pahlawan bersenjata dengan paksa mengambil bayi dari ibu yang menangis dan membunuh mereka. Tanah berselerak dengan mayat.

✰ ✰ ✰

Nombor 5 1948 oleh Jackson Pollock

Jackson menggunakan kaedah unik melukis lukisan itu. Dia meletakkan kanvas di atas tanah dan berjalan di sekelilingnya. Tetapi daripada menggunakan calitan, dia mengambil berus, picagari dan disembur pada kanvas. Kemudian kaedah ini dipanggil "lukisan tindakan".

Pollock tidak menggunakan lakaran, dia sentiasa bergantung hanya pada emosinya.

✰ ✰ ✰

Bola di Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir

Renoir adalah satu-satunya artis yang tidak melukis satu pun gambar sedih. Renoir menemui subjek untuk lukisan ini berhampiran rumahnya, di restoran Moulin de la Galette. Suasana yang meriah dan ceria penubuhan itu memberi inspirasi kepada pelukis untuk mencipta lukisan ini. Rakan-rakan dan model kegemaran bergambar untuk dia menulis karya itu.

✰ ✰ ✰

Perjamuan Terakhir oleh Leonardo da Vinci

Lukisan ini menggambarkan perayaan terakhir Kristus bersama murid-muridnya. Adalah dipercayai bahawa masa telah tiba apabila Kristus berkata bahawa salah seorang murid akan mengkhianatinya.

Da Vinci menghabiskan banyak masa untuk mencari pengasuh. Yang paling sukar ialah imej Kristus dan Yudas. Dalam koir gereja, Leonardo melihat seorang penyanyi muda dan menarik imej Kristus daripadanya. Tiga tahun kemudian, artis itu melihat seorang pemabuk di dalam parit dan menyedari bahawa ini adalah orang yang dicari dan membawanya ke bengkel.

Apabila dia menyalin imej dari pemabuk, dia mengaku kepadanya - tiga tahun lalu artis itu sendiri menarik imej Kristus daripadanya. Jadi ia berlaku bahawa imej Yesus dan Yudas disalin dari orang yang sama, tetapi dalam tempoh kehidupan yang berbeza.

✰ ✰ ✰

Lili Air oleh Claude Monet

Pada tahun 1912, artis itu didiagnosis dengan katarak berganda, kerana ini, dia menjalani pembedahan. Setelah kehilangan kanta pada mata kiri, artis mula melihat cahaya ultraviolet sebagai biru atau ungu, kerana ini, lukisannya memperoleh warna baru dan bersemangat. Melukis gambar ini, Monet melihat bunga lili dalam warna biru, sambil orang biasa hanya melihat teratai putih biasa.

✰ ✰ ✰

Jeritan, Edvard Munch

Munch mengalami psikosis manic-depressive, dia sering diseksa oleh mimpi buruk dan kemurungan. Ramai pengkritik percaya bahawa dalam gambar Munch menggambarkan dirinya - menjerit panik dan seram gila.

Artis itu sendiri menggambarkan maksud gambar itu sebagai "seruan alam." Dia berkata bahawa dia berjalan dengan rakan-rakan pada waktu matahari terbenam dan langit menjadi merah darah. Menggigil ketakutan, dia didakwa mendengar "seruan alam" yang sama.

✰ ✰ ✰

"Ibu Whistler" oleh James Whistler

Ibu artis itu bergambar. Pada mulanya, dia mahu ibunya bergambar sambil berdiri, tetapi bagi wanita tua itu ternyata sukar.
Whistler memanggil lukisannya Arranged in Grey and Black. Ibu artis." Tetapi lama-kelamaan, nama sebenar telah dilupakan dan orang ramai mula memanggilnya "Ibu Whistler."

Ini pada asalnya adalah arahan daripada ahli parlimen. yang mahu artis itu melukis anak perempuan Maggie. Tetapi dalam proses itu, dia meninggalkan lukisan itu dan James meminta ibunya menjadi model untuk menyiapkan lukisan itu.

✰ ✰ ✰

"Potret Dora Maar", Pablo Picasso

Dora memasuki karya Picasso sebagai "wanita menangis." Dia menyatakan bahawa dia tidak boleh menulis dia tersenyum. Mata yang dalam, sedih dan kesedihan di wajah - itu ciri-ciri potret Maar. Dan semestinya kuku merah darah - ini sangat menggembirakan artis. Picasso sering melukis potret Dora Maar dan semuanya mengagumkan.

✰ ✰ ✰

Malam Berbintang oleh Vincent Van Gogh

Lukisan itu menggambarkan landskap malam, yang diungkapkan oleh artis dengan tebal, warna terang dan suasana ketenangan pada waktu malam. Objek yang paling terang adalah, sudah tentu, bintang dan bulan, ia dilukis paling ketara.

Pokok cemara yang tinggi tumbuh di atas tanah, seolah-olah bermimpi menyertai tarian bintang yang mempesonakan.

Makna gambar ditafsirkan dengan cara yang berbeza. Ada yang melihat rujukan kepada Perjanjian Lama, dan seseorang hanya cenderung untuk mempercayai bahawa lukisan itu adalah hasil daripada penyakit artis yang berlarutan. Semasa rawatannya dia menulis The Starry Night.

✰ ✰ ✰

Olympia, Edouard Manet

Lukisan itu adalah sebab salah satu yang paling banyak skandal berprofil tinggi dalam sejarah. Lagipun, ia menggambarkan seorang gadis telanjang berbaring di atas cadar putih.
Orang yang marah meludah ke arah artis itu, malah ada yang cuba merosakkan kanvas.

Manet hanya mahu melukis Venus "moden", untuk menunjukkan bahawa wanita masa kini tidak lebih buruk daripada wanita masa lalu.

✰ ✰ ✰

3 Mei 1808, Francisco Goya

Artis itu sangat terkesan dengan peristiwa yang berkaitan dengan serangan Napoleon. Pada Mei 1808, pemberontakan Madrid berakhir dengan tragis, dan ia menyentuh jiwa artis itu sehingga 6 tahun kemudian dia mencurahkan perasaannya di atas kanvas.

Peperangan, kematian, kehilangan - semua ini digambarkan secara realistik dalam gambar yang masih menggembirakan fikiran ramai.

✰ ✰ ✰

"Gadis dengan Subang Mutiara" oleh Jan Vermeer

Lukisan itu mempunyai tajuk lain "Girl in a Turban". Secara umum, sedikit yang diketahui tentang gambar itu. Menurut satu versi, Yang melukis anak perempuannya sendiri Maria. Dalam gambar tersebut, gadis itu kelihatan berpaling kepada seseorang dan pandangan penonton tertumpu pada anting-anting mutiara di telinga gadis itu. Kilauan anting-anting itu bersinar di mata dan di bibir.

Sebuah novel telah ditulis berdasarkan gambar itu, dan sebuah filem dengan nama yang sama telah dirakam.

✰ ✰ ✰

"Waktu Malam", Rembrandt

Ini ialah potret kumpulan syarikat Kapten Frans Banning Kock dan Leftenan Willem van Ruutenbürg. Potret itu ditauliahkan oleh Persatuan Menembak.
Untuk semua kesukaran kandungan, gambar itu penuh dengan semangat perarakan dan kesungguhan. Seolah-olah musketeers berpose untuk artis, melupakan pertempuran.
Kemudian, lukisan itu dipotong di semua sisi agar sesuai dengan dewan baru. Beberapa anak panah hilang dari gambar tanpa boleh ditarik balik.

✰ ✰ ✰

The Meninas, Diego Velazquez

Dalam gambar itu, artis melukis potret Raja Phillip the Fourth dan isterinya, yang boleh dilihat di cermin. Di tengah-tengah gubahan itu adalah anak perempuan mereka yang berusia lima tahun, dikelilingi oleh rombongan mereka.

Ramai yang percaya bahawa Velazquez mahu menggambarkan dirinya pada masa kreativiti - "melukis dan melukis".

✰ ✰ ✰

Landskap dengan Kejatuhan Icarus, Pieter Bruegel

Ini adalah satu-satunya karya artis yang masih hidup dengan tema mitos.

Watak utama gambar boleh dikatakan tidak kelihatan. Dia jatuh ke dalam sungai, hanya kaki yang terkeluar dari permukaan air. Di permukaan sungai terdapat bulu-bulu Icarus yang bertaburan, yang terbang keluar dari musim gugur. Dan orang sibuk dengan urusan mereka sendiri, tidak ada yang peduli dengan pemuda yang gugur.

Nampaknya gambar itu tragis, kerana ia menggambarkan kematian seorang lelaki muda, tetapi gambar itu dicat dengan warna yang tenang dan membosankan dan, seolah-olah, berkata - "tiada apa yang berlaku."

✰ ✰ ✰

"Sekolah Athens", Raphael

sebelum" sekolah Athens“Raphael mempunyai sedikit pengalaman dengan lukisan dinding, tetapi yang menghairankan, lukisan dinding ini ternyata sangat cemerlang.

Lukisan ini menggambarkan Akademi yang diasaskan oleh Plato di Athens. Mesyuarat Akademi telah diadakan di bawah udara terbuka, tetapi artis memutuskan bahawa idea yang lebih bernas datang dalam bangunan antik yang dibuat dengan hebat dan oleh itu menggambarkan pelajar tepat pada latar belakang alam semula jadi. Pada lukisan dinding, Raphael juga menggambarkan dirinya.

✰ ✰ ✰

"Penciptaan Adam" oleh Michelangelo

Ini adalah yang keempat daripada sembilan lukisan dinding siling Kapel Sistina pada penciptaan dunia. Michelangelo tidak menganggap dirinya seorang artis yang hebat, dia meletakkan dirinya sebagai seorang pemahat. Itulah sebabnya badan Adam dalam gambar sangat berkadar, mempunyai ciri-ciri yang jelas.

Pada tahun 1990, didapati bahawa struktur tepat anatomi otak manusia telah disulitkan dalam imej Tuhan. Mungkin Michelangelo sangat mengenali anatomi manusia.

✰ ✰ ✰

Mona Lisa oleh Leonardo da Vinci

Mona Lisa sehingga hari ini kekal sebagai salah satu yang paling lukisan misteri dalam dunia seni. Pengkritik masih membahaskan siapa sebenarnya yang digambarkan di atasnya. Ramai yang cenderung untuk mempercayai bahawa Mona Lisa adalah isteri kepada Francesco Gioconda, yang meminta artis itu melukis potret.

Misteri utama gambar itu terletak pada senyuman wanita itu. Terdapat banyak versi - dari kehamilan seorang wanita dan senyuman mengkhianati pergerakan janin, berakhir dengan fakta bahawa sebenarnya ini adalah potret diri artis dalam imej wanita. Nah, seseorang hanya boleh meneka dan mengagumi keindahan gambar yang luar biasa.

✰ ✰ ✰

Kelahiran Venus oleh Sandro Botticelli

Lukisan itu menggambarkan mitos kelahiran dewi Venus. Dewi itu dilahirkan dari buih laut, pada awal pagi. Dewa angin Zephyr membantu dewi berenang ke pantai dalam cangkerangnya, di mana dewi Ora bertemu dengannya. Gambar itu melambangkan kelahiran cinta, membangkitkan perasaan kecantikan, kerana tidak ada yang lebih indah di dunia daripada cinta.

✰ ✰ ✰

Kesimpulan

Kami telah cuba memuatkan dalam artikel ini hanya sebahagian daripada yang paling lukisan popular di dunia. Tetapi terdapat juga banyak karya agung lain yang sama menariknya. seni visual... Gambar apa yang anda rasa popular?

Terdapat karya seni yang seolah-olah memukul kepala penonton, tercengang dan kagum. Orang lain menyeret anda ke dalam pemikiran dan mencari lapisan semantik, simbolisme rahsia. Beberapa lukisan ditutup dengan rahsia dan teka-teki mistik, sementara yang lain mengejutkan dengan harga yang terlalu tinggi.

Kami menyemak dengan teliti semua pencapaian utama dalam lukisan dunia dan memilih daripada mereka dua dozen lukisan paling aneh. Salvador Dali, yang karya-karyanya benar-benar jatuh ke dalam format bahan ini dan yang pertama diingati, tidak disertakan dalam koleksi ini dengan sengaja.

Jelas bahawa "keanehan" adalah satu konsep yang agak subjektif dan masing-masing ada yang tersendiri gambar yang menakjubkan yang menonjol daripada beberapa karya seni yang lain. Kami akan gembira jika anda berkongsi mereka dalam komen dan memberitahu kami sedikit tentang mereka.

"Jerit"

Edvard Munch. 1893, kadbod, minyak, tempera, pastel.
Galeri Negara, Oslo.

The Scream dianggap sebagai peristiwa penting dalam Ekspresionisme dan salah satu lukisan paling terkenal di dunia.

Terdapat dua tafsiran tentang apa yang digambarkan: wira itu sendiri dirampas dengan seram dan diam-diam menjerit, menekan tangannya ke telinganya; atau pahlawan menutup telinganya daripada jeritan keamanan dan alam semula jadi yang kedengaran di sekeliling. Munch menulis empat versi The Scream, dan terdapat versi bahawa gambar ini adalah buah dari psikosis manic-depressive yang dialami oleh artis itu. Selepas menjalani rawatan di klinik, Munch tidak kembali bekerja di atas kanvas.

“Saya berjalan di sepanjang laluan bersama dua rakan. Matahari terbenam - tiba-tiba langit menjadi merah darah, saya berhenti seketika, berasa letih, dan bersandar pada pagar - saya melihat darah dan api di atas fjord hitam kebiruan dan bandar. Rakan-rakan saya pergi lebih jauh, dan saya berdiri, gemetar dengan keseronokan, merasakan tangisan yang tidak berkesudahan, "kata Edward Munch mengenai sejarah lukisan itu.

“Dari mana kita datang? Siapakah kita? Kemana kita akan pergi?"

Paul Gauguin. 1897-1898, minyak di atas kanvas.
Muzium Seni Halus, Boston.

Atas arahan Gauguin sendiri, lukisan itu harus dibaca dari kanan ke kiri - tiga kumpulan tokoh utama menggambarkan soalan yang dikemukakan dalam tajuk.

Tiga wanita dengan seorang anak mewakili permulaan kehidupan; kumpulan pertengahan melambangkan kewujudan kematangan harian; dalam kumpulan terakhir, mengikut rancangan artis, "seorang wanita tua yang menghampiri kematian nampaknya didamaikan dan menumpukan pada renungannya", di kakinya "seorang pelik burung putih... mewakili ketiadaan kata-kata."

Gambaran falsafah yang mendalam tentang post-impresionis Paul Gauguin telah dilukis olehnya di Tahiti, tempat dia melarikan diri dari Paris. Selepas menyiapkan kerja itu, dia juga mahu membunuh diri: "Saya percaya bahawa kanvas ini lebih baik daripada semua yang saya sebelum ini dan saya tidak akan mencipta sesuatu yang lebih baik atau serupa." Dia hidup selama lima tahun lagi, dan ia berlaku.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kanvas, minyak.
Muzium Reina Sofia, Madrid.

Guernica mempersembahkan adegan kematian, keganasan, kekejaman, penderitaan dan ketidakberdayaan, tanpa menyatakan punca serta-merta mereka, tetapi ia adalah jelas. Dikatakan bahawa pada tahun 1940, Pablo Picasso telah dipanggil ke Gestapo di Paris. Ucapan segera beralih kepada gambar. "Adakah anda melakukan ini?" - "Tidak, anda melakukannya."

Lukisan-lukisan besar "Guernica", yang dilukis oleh Picasso pada tahun 1937, menceritakan tentang serbuan unit sukarelawan Luftwaffe di bandar Guernica, akibatnya bandar keenam ribu itu musnah sepenuhnya. Lukisan itu telah disiapkan secara literal dalam sebulan - hari-hari pertama kerja pada lukisan itu, Picasso bekerja selama 10-12 jam, dan sudah dalam lakaran pertama seseorang dapat melihat idea utama. Ini adalah salah satu ilustrasi terbaik tentang mimpi ngeri fasisme serta kekejaman dan kesedihan manusia.

"Potret pasangan Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kayu, minyak.
Galeri Nasional London, London.

Lukisan terkenal itu penuh dan lengkap dengan simbol, alegori dan pelbagai rujukan - sehingga tandatangan "Jan van Eyck berada di sini", yang menjadikan lukisan itu bukan sahaja sebagai karya seni, tetapi menjadi dokumen sejarah yang mengesahkan realiti acara di mana artis itu hadir.

Potret itu, mungkin Giovanni di Nicolao Arnolfini dan isterinya, adalah salah satu karya paling kompleks dari sekolah lukisan Renaissance Utara Barat.

Di Rusia, dalam beberapa tahun kebelakangan ini, lukisan itu telah mendapat populariti yang besar kerana persamaan potret Arnolfini dengan Vladimir Putin.

"Setan duduk"

Mikhail Vrubel. 1890, kanvas, minyak.
Galeri Tretyakov Negeri, Moscow.

"Tangan lawan dia"

Bill Stoneham. 1972.

Kerja ini, sudah tentu, tidak boleh dikira antara karya lukisan dunia, tetapi hakikat bahawa ia adalah pelik adalah fakta.

Terdapat legenda di sekeliling lukisan dengan seorang budak lelaki, anak patung dan tapak tangan ditekan pada kaca. Daripada "kerana gambar ini mereka mati" kepada "kanak-kanak di atasnya masih hidup." Gambar itu kelihatan sangat menyeramkan, yang menimbulkan orang dengan jiwa yang lemah banyak ketakutan dan spekulasi.

Artis itu menegaskan bahawa lukisan itu menggambarkan dirinya pada usia lima tahun, bahawa pintu itu adalah gambaran garis pemisah antara dunia sebenar dan dunia impian, dan anak patung itu adalah panduan yang boleh membimbing budak lelaki itu melalui dunia ini. Senjata mewakili kehidupan atau kemungkinan alternatif.

Lukisan itu menjadi terkenal pada Februari 2000 apabila ia dijual di eBay dengan latar belakang yang memberitahu bahawa lukisan itu "berhantu." "Hand Resist Him" ​​​​dibeli dengan harga $ 1,025 oleh Kim Smith, yang kemudiannya dibanjiri surat dengan cerita seram dan menuntut untuk membakar gambar itu.