Hvad hedder de uklare billeder. De mærkeligste malerier.

2. Poly Gogen "Hvor kom vi fra? Hvem er vi? Hvor er vi på vej hen?"

897-1898, lærred, olie. 139,1 × 374,6 cm
Museum finere kunst, Boston.

Et dybfilosofisk billede af post-accept af Gaugaen-feltet blev skrevet i Tahiti, hvor han rømmede fra Paris. Efter afslutning ønskede han selv at afslutte selvmordets liv, fordi han troede: "Jeg tror, \u200b\u200bat dette lærred ikke kun overstiger alle mine tidligere, men at jeg aldrig vil skabe noget bedre eller endda lignende."

Om sommeren i slutningen af \u200b\u200b80'erne i det sidste århundrede samled mange franske kunstnere i Pont-Aven (Bretagne, Frankrig). Buet og næsten umiddelbart opdelt i to fjendtlige grupper. Kunstnerne, der blev indsat på stien for quest og forenet af navnet "impressionister", blev behandlet. Ifølge den anden gruppe, som blev ledet af Paul Gaugugen, var dette navn misbrugt. P. Gogen på det tidspunkt var allerede under fyrre. Omgivet af en mystisk halo af en rejsende, der havde lavet andres kanter, havde han en stor life Experience. og fans og efterligner af hans kreativitet.

Begge lejre blev også adskilt ved fordel af deres position. Hvis impressionisterne boede på loftet eller på loftsrum, så besatte de andre kunstnere de bedste værelser på Gloine hoteller, frokost i den store og mest velhavende restauranthal, hvor medlemmer af den første gruppe ikke var tilladt. Skirmishes mellem grupperingerne ikke kun blindte ikke kun P. Gogen-arbejde, tværtimod hjalp ham til en vis grad til at indse de træk, der forårsagede en stormagtig protest. Afvisningen af \u200b\u200bden analytiske metode for impressionister var en manifestation af fuld omtanke af maleriopgaver. Ønsket om at impressionister til at fange alt set, deres kunstneriske princip selv - for at fastgøre synligheden af \u200b\u200btilfældigt peeped - svarede ikke til den kraftige og energiske karakter af P. Gogen.

Det var endnu mindre tilfredsstillende af sin teoretiske og kunstneriske forskning af J. Serez, der søgte at bringe maleri til den kolde, rationelle anvendelse af videnskabelige formler og opskrifter. Pointilistisk teknik J. Svovl, hans metodiske påføring af maling med tværs slag af børste og prikker irriteret til Gaugaen-felterne med deres monotoni.

Opholder kunstneren på Martinique blandt naturen, som syntes for ham med et luksuriøst, fabelagtigt tæppe, endelig overbevist om, at P. Gaugugen skulle bruge i billederne kun ulextreret farve. Sammen med ham erklærede kunstnerne sine tanker proklamerede deres princip "syntese" - det vil sige syntetisk forenkling af linjer, former og maling. Formålet med en sådan forenkling var at formidle indtryk af den maksimale farveintensitet og udelade alt, der svækker et sådant indtryk. Denne teknik var grundlaget for den gamle dekorativt maleri Fresker og farvet glas.

Spørgsmålet om farve- og farverforholdet var meget besat af P. Gogen. Han forsøgte også sit maleri at udtrykke ikke tilfældigt og ikke overfladisk, men opholder sig og afgørende. For ham var loven kun kunstnerens kreative vilje, og hende kunstnerisk opgave Han så i udtrykket af den indre harmoni, som han forstod som en syntese af menneskeligheden af \u200b\u200bnaturen og stemningen hos kunstneren, der var foruroliget over denne frankhed. P. Gogen selv talte om det sådan: "Jeg tæller ikke med den sande natur, synlig eksternt ... Rett dette falske perspektiv, der fordrejer emnet på grund af din sandhed ... Dynamicitet bør undgås. Lad dig trække vejret og sjælens fred ånder., Undgå poser i bevægelse ... Hver af tegnene skal være i en statisk position. " Og han reducerede perspektivet på hans malerier, bragte det til flyet, implementere figurerne i frontalpositionen og undgå vinklerne. Derfor er folk stadig på malerierne af P. Gogen: De ligner statuer af en stor cutter uden unødvendige detaljer.

Periode moden kreativitet Hojen Fields begyndte på Tahiti, det var her, at problemet med kunstnerisk syntese modtog sin fulde udvikling. I Tahiti afviste kunstneren fra meget, som han kendte: I troperne er formerne klare, og visse skygger er tunge og stege, og kontraster er specielt skære. Her blev alle de opgaver, han indstillet af ham i Pont-Avenue, løst af sig selv. Malinger P. Gogen bliver rent, uden udtværing. Hans tahitiske malerier imponerer Østlige tæpper. Eller fresker, så malinger i dem er harmonisk vist til en bestemt tone.

Kreativitet P. Gogen af \u200b\u200bdenne periode (betyder den første ankomst af kunstneren på Tahiti) vidunderlige eventyrHan overlevede blandt den primitive, eksotiske karakter af fjernt polynesien. I Mateay District finder han en lille landsby, køber en hytte for sig selv, på den ene side af hvilke ocean spars, og på den anden side kan du se et bjerg med en stor kløft. Europæere har endnu ikke nået her, og livet syntes at være P. Gauguen med et ægte jordisk paradis. Han sender til den langsomme rytme af Taitian Life, absorberer lyse farver blue Sea, lejlighedsvis dækket af grønne bølger, med støjbrud om koralrev.

Med Taitsa blev kunstneren fra de første dage etableret simpelt, menneskeligt forhold. Arbejdet starter mere og mere indfangning af P. Gogen. Han gør mange skitser og skitser fra naturen, under alle omstændigheder forsøger at fange på lærredet, papiret eller træet. Karakteristika for Taitians, deres tal og stillinger - i arbejdets proces eller under hvile. I løbet af denne periode skaber han de verdensberømte billeder af "den døde tur", "og er du jaloux?", "Samtale", "Taitian Pastoral".

Men hvis i 1891 var vejen til Tahiti syntes at være strålende (han gik her efter nogle kunstneriske sejre i Frankrig), så gik han for den elskede ø for anden gang til den elskede ø med en syg person, tabte de fleste af hans illusioner. Hele hans vej irriteret: tvunget stopper, ubrugelige udgifter, road ulejlighed, toldsoldater, obsessive andre rejsende ...

Kun to år var han ikke på Tahiti, og så meget ændret her. Den europæiske flare ødelagde det oprindelige liv i de indfødte, alt ser ud til at være P. Gauguene ved et uudholdeligt mesh: og elektrisk belysning i papeete - hovedstaden på øen og skruede karrusler ud for det kongelige slot og overtræder den tidligere stilhed Phonograph lyder.

Denne gang stopper kunstneren i Punouya-området, på West Coast of Tahiti, på den lejede jordplot bygger et hus med udsigt over havet og bjergene. Beregning fast bosætt på øen og skaber betingelser for arbejde, det fortryder ikke midler på enheden af \u200b\u200bhans bolig og snart, som det ofte findes, forbliver det uden penge. P. Gogen håbede på venner, som før de forlod kunstneren fra Frankrig, havde han i alt 4.000 francs i hans gæld, men de skyndte sig ikke med at returnere dem. På trods af at han gik til dem mange påmindelser om gælden, klagede over skæbnen og ekstremt nød ...

Ved foråret 1896 viser kunstneren sig at være i vice af det mest grusomme behov. Dette forbinder smerten i et brudt ben, som er dækket af sår og forårsager ham uudholdelig lidelse, fratage søvn og energi. Tanken om infertilitetsindsats i kampen for eksistensen, om manglende alle kunstplaner tvinger det mere og oftere at tænke på selvmord. Men det er kun P. Gaugen at føle den mindste lindring, da kunstnerens natur udløser i den, og pessimisme spredes før glæden ved liv og kreativitet.

Men de havde sjældne øjeblikke, og ulykker fulgte efter hinanden med katastrofal regelmæssighed. Og det værste var for ham nyheden fra Frankrig om hans elskede datter Alina. Kan ikke overleve et tab, P. Gogen tog en enorm dosis arsen og gik til bjerget, så ingen kunne forhindre ham. Forsøget på selvmord førte til, at han tilbragte natten i forfærdelig pine uden hjælp og i fuldstændig ensomhed.

I lang tid var kunstneren i fuld prostration, kunne ikke holde en børste i hans hænder. Dens eneste hans trøst var en enorm web (450 x170 cm), skrevet af ham, før han forsøgte selvmord. Han kaldte billedet "Hvor er vi? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?" Og i et af de bogstaver skrev jeg: "Jeg investerede i hende, før jeg døde, al min energi, så sørgelig lidenskab i mine forfærdelige omstændigheder, og visionen er så klar, uden rettelser, at sporene af rushen forsvandt og hele livet er synlig i den.

P. Gogen arbejdede på maleriet i frygtelig spænding, selvom han blev sat på sin ide i sin fantasi i lang tid, kunne han selv ikke sige, at tanken var stammer fra denne canvase. Separate fragmenter af dette monumentalt arbejde De skrev til dem i i forskellige år Og i andre værker. For eksempel gentages en kvindelig figur fra "Tahitian Pastoral" i dette billede ved siden af \u200b\u200bidol, central figur Frugtsamleren mødtes i Golden Etude "en mand, der samler frugter fra træet" ...

Drømmer om at udvide mulighederne for at male, søgte Paul Gaen at give sit billede af freskerne. Til dette formål forlader han to øvre vinkel (en - med navnet på maleriet, den anden - med kunstnerens underskrift) gul og ikke fyldt med maleri - "som en fresco beskadiget i hjørnerne og pålagt den gyldne væg . "

I foråret 1898 sendte han et billede til Paris, og i brevet kritiserede A. Fontaine rapporterede, at han satte det til et mål "ikke at skabe en kædekæde af de intelligente allegorier, som skulle løses. Tværtimod , Det allegoriske indhold af billedet er ekstremt enkelt - men ikke i form af svaret på de stillede spørgsmål og i form af selve formuleringen af \u200b\u200bdisse spørgsmål. " Paul Gorgent og skulle ikke besvare de spørgsmål, han har lavet i billedets navn, for det troede, at de var og ville være forfærdelige og det mest søde mysterium for menneskelig bevidsthed. Derfor er essensen af \u200b\u200bde pålideligheder, der er afbildet på dette lærred, rent malerisk udførelsesform for gåden, hellige rædsel i naturen og før hemmeligheden er.

I det første besøg i Tahiti P. Gogen kiggede i verden med entusiastiske øjne af et stort barn, for hvem verden endnu ikke havde mistet sin nyhed og storslåede selvkomplejende. Hans barnlige ophøjede udsigter åbnet i naturen usynlig for andre maling: smaragd urter, safir himmel, ametyst solskygge, rubin blomster og worber guld maori hud. Tahitiske malerier P. Gogen af \u200b\u200bdenne periode flammer med ædle guld glød, som farvede glasvinduer gotiske katedralerSkimmel en kongelig storhed byzantinisk mosaik.Landbrug med saftige spild af maling.

Ensomhed og dyb fortvivlelse, der ejede dem til den anden ankomst på Tahiti, tvunget P. Gogen for at se alt i sort. Men den naturlige flair af mesteren og hans øjne af farven tillod ikke kunstneren at endelig løfte smagen af \u200b\u200blivet og hendes maling, selvom han skabte lærredet dyster, skrev ham i en tilstand af mystisk rædsel.

Så stadig betale i dig selv dette billede? Som orientalske manuskripter, som skal læses ret til venstre, udfolder indholdet af billedet i samme retning: Trin for trin er afsløret for kurset menneskeliv - fra sin oprindelse til døden, bærer frygt for manglende eksistens.

Foran seeren på et stort, langstrakt vandret lærred viser skovstrømmen i skovstrømmen, hvis mørke farvande reflekteres mystiske, usikre skygger. På den anden side - tyk, frodig tropisk vegetation, smaragd urter, tætte grønne buske, vidunderlige blå træer, "vokser som om ikke på jorden, men i paradis."

Træstammer spænder mærkeligt, sammenflettet, der danner et blonder netværk, gennem afstanden i afstanden, havet med hvide kamme af kystbølger, et mørkt lilla bjerg på en nærliggende ø, blå himmel - "The Wirgin Nature, som kunne være et paradis."

På den nærmeste plan af billedet på jorden, fri for alle planter, ligger omkring stenskulpturen af \u200b\u200bguddommene af mennesker. Tegn er ikke kombineret af en hvilken som helst begivenhed eller generel handling, alle er optaget og nedsænket i sig selv. Sove baby bevogter en stor sort hund; "Tre kvinder, der squatted synes at lytte til sig selv, frossere venter på nogle utilstrækkelig glæde. Stående i midten af \u200b\u200ben ung mand med to hænder tårer frugten fra træet ... en figur, bevidst enormt i modsætning til perspektivets love ... hæver hånden og kigger på to tegn, der tør at tænke på deres skæbne. "

I nærheden af \u200b\u200bstatuen af \u200b\u200ben ensom kvinde, som om mekanisk, går det til siden, nedsænket i en tilstand af intens, koncentreret refleksion. At møde hendes fugle bevæger sig på jorden. I venstre side af lærredet, der sidder på jorden, bringer barnet til mund til munden, katten lakker fra skålen ... og seeren spørger sig selv: "Hvad betyder alt dette?"

Ved første øjekast er det som om hverdagen, men ud over direct Sense.Hvert billede bærer en poetisk allegorie, et strejf af bærbar fortolkning. Så for eksempel er motivet for skovstrømmen eller det vigtigste vand, der slår fra jorden, en favorit Gaenovskaya-metafor af en livskilde, det mystiske princip om at være. Sove Baby personificerer kyskheden af \u200b\u200bdaggryen af \u200b\u200bmenneskelivet. En ung mand med et træ med et træ og en kvinde, der sidder på jorden på jorden, vil legemliggøre ideen om en organisk enhed af en mand med naturen, den naturlige eksistens i den.

En mand med sin hånd hævet, med overraskelse, der kigger på kæresten, er det første glimt af angst, den oprindelige impuls for at forstå fredens hemmeligheder. Andre afslører audaciteten og lidelsen hos det menneskelige sind, mysteriet og åndens tragedie, som er uundgåelige i uundgåeligheden af \u200b\u200bkendskabet til deres dødelige gåtur, kortfattelsen af \u200b\u200bjordisk eksistens og uundgåeligheden af \u200b\u200benden.

Mange forklaringer selv gav Paulus Gaugaen sig selv, men han advarede mod ønsket om at se i sit billede generelt accepterede symboler, for retfærdigt dechiffrere billederne og endnu mere se på svarene. Nogle kunsthistorikere mener, at kunstnerens deprimerede tilstand, der fører ham til selvmords forsøg, blev udtrykt i streng, kortfattet kunstsprog. De bemærker, at billedet er overbelastet små detaljer.Hvem klarer ikke den overordnede idé, men kun forvirrer seeren. Selv forklaringer i guiden breve kan ikke fjerne den mystiske tåge, som han investerede i disse detaljer.

P. Gogen selv betragtede sit arbejde som et åndeligt testamente, måske, derfor billedet og blev et malerisk digt, hvor konkrete billeder blev omdannet til en ophøjet ide, og sagen var i ånden. I plottet af lærredet, der fremhæver det poetiske humør, rig på undvigende nuancer og indre betydning. Imidlertid er stemningen i hvile og nåde allerede snoet af den vage bekymring for kontakt med den mystiske verden, giver anledning til en følelse af skjult angst, smertefuld insolvens af de inderste mysterier for at være, hemmelighederne i den kommer ind i verden af mand og hemmelighederne i hans forsvinden. På billedet er lykke overskygget af lidelsen, det åndelige mel af ultra af sødme af fysisk eksistens er "Gold Horror, dækket af glæde." Alt er uadskilleligt, som i livet.

P. Gogen kræver ikke den forkerte andel, stræber efter noget for at bevare sin skitseringsmåde. Denne skitse, den ufuldstændighed, han værdsat især, i betragtning af at det gør det i lærredet i live og informerer billedet en speciel poesi, ikke karakteristisk for ting trimmet og over-afsluttet.

Der er kunstværker, der synes at slå seeren på hovedet, stille og fantastisk. Andre er forsinket i tankerne og på jagt efter semantiske lag, hemmelig symbolik. Nogle malerier er sheaven ved hemmeligheder og mystiske gåder, mens andre overrasker en ublu pris.

Vi har omhyggeligt set alle de vigtigste resultater i verdensmaleriet og valgte to dusin mere mærkelige malerier fra dem. Salvador Dali, hvis værker helt falder under formatet af dette materiale og er de første til at komme i tankerne, ikke med vilje inkluderet i dette valg.

Det er klart, at "Oddity" er et ret subtabilt begreb, og for alle er der deres fantastiske malerier, der banker ud af en række andre kunstværker. Vi vil være glade, hvis du deler dem i kommentarerne og fortæller om dem lidt.

"Creek"

Edward Munk. 1893, pap, olie, temperaturer, pastel.
National Gallery, Oslo.

"Creek" betragtes som en ikonisk begivenhed af ekspressionisme og en af \u200b\u200bde mest berømte malerier i verden.

Der er to fortolkninger af det afbildede: Det er helten, der er dækket af rædsel og råber stille stille og presser hænderne til ørerne; Eller helten lukker ørerne fra den grædende grædende fred og natur rundt om grædet. Munk skrev fire muligheder "Cream", og der er en version, som dette billede er frugten af \u200b\u200ben manisk depressiv psykose, hvorfra kunstneren led. Efter behandlingen i klinikken blev Munk ikke returneret til arbejde på internettet.

"Jeg gik på en sti med to venner. Solen var skyld - uventet blev himlen blodig-rød, jeg suspenderede, følte mig udmattet og lænede sig om hegnet - jeg kiggede på blod og flamme sprog over en blålig-sort fjord og byen. Mine venner gik videre, og jeg stod, skælvet af spænding, følte mig en endeløs græd, piercing natur, "sagde Edward Munk om maleriets historie.

"Hvor kom vi fra? Hvem er vi? Hvor er vi på vej hen?"

Paul Gajen. 1897-1898, lærred, olie.
Museum of Fine Arts, Boston.

I retning af mogen selv skal billedet læses ret til venstre - de tre hovedgrupper i figurer illustrerer spørgsmålene i titlen.

Tre kvinder med et barn repræsenterer livets begyndelse; medium Group. symboliserer den daglige eksistens af modenhed; I den endelige gruppe, ifølge kunstneren, synes "den gamle kvinde, der nærmer sig døden, at være forenet og forberede sine refleksioner," hendes ben "en mærkelig hvid fugl ... repræsenterer den ubrugelige ord."

Det dybfilosofiske billede af postfunktionerne på Gaugaen-feltet blev skrevet til dem på Tahiti, hvor han rømmede fra Paris. I slutningen af \u200b\u200barbejdet ønskede han selv at afslutte selvmordets liv: "Jeg tror, \u200b\u200bat denne kanice overstiger alle mine tidligere, og at jeg aldrig vil skabe noget bedre eller endda ens." Han boede i yderligere fem år, og det viste sig.

"GERNIK"

Pablo Picasso. 1937, lærred, olie.
Dronning Sofia Museum, Madrid.

"Gernika" præsenterer scener af død, vold, grusomheder, lidelse og hjælpeløshed uden at specificere deres direkte grunde, men de er indlysende. De siger, at i 1940 blev Pablo Picasso kaldt til Gestapo i Paris. Tale gik straks om billedet. "Gjorde du det?" "Nej, det gjorde du det."

Den enorme kludfresco "Gernika", skrevet af Picasso i 1937, forhandlinger om skatten på frivillig divisionen af \u200b\u200bLuftwaffe til byen Heret, som følge af, at den sekseste by blev fuldstændig ødelagt. Billedet blev skrevet bogstaveligt for måneden - de første arbejdsdage på billedet Picasso arbejdede i 10-12 timer, og i de første skitser kunne du se hovedideen. Dette er en af bedste illustrationer. Et mareridt af fascisme, såvel som menneskelig grusomhed og sorg.

"Portræt af Arnolphin Fours"

Jan van Ek. 1434, træ, olie.
London national Gallery., London.

Det berømte maleri er helt fyldt med symboler, allegorier og en række referencer - op til underskriften "Yang Van Eyn var her", som gjorde billedet ikke kun ind i kunstværket, og i det historiske dokument, der bekræfter virkeligheden af begivenhed, som kunstneren var til stede.

Portræt af en påstået Giovanni Di Nikolao Arnolphin og hans kone er et af de sværeste værker af Western Painting School Northern Renaissance..

I Rusland har billedet i de sidste par år fået stor popularitet takket være portrætets lighed mellem Arnolphin med Vladimir Putin.

"Demon sidder"

Mikhail vrubel. 1890, lærred, olie.
Stat Tretyakov Gallery., Moskva.

"Hænder modsætter sig ham"

Bill Stonehem. 1972.

Dette arbejde kan selvfølgelig ikke tælles for mesterværkerne på verdensmaleriet, men det faktum, at det er mærkeligt, er en kendsgerning.

Omkring maleriet med en dreng, dukke og palmer, presset mod glasset, gå legender. Fra "på grund af dette billede dør" til "børnene på det er i live." Ligner et maleri og forfærdeligt, som racer folk med svag psyke Masse af frygt og spekulationer.

Kunstneren forsikrede sig om, at han blev afbildet i billedet selv i en alder af fem, at døren er repræsentationen af \u200b\u200bskillelinjen mellem rigtig mir. Og drømmens verden, og dukken er en dirigent, der kan tilbringe drengen gennem denne verden. Hænder repræsenterer alternative liv eller muligheder.

Billedet fik berømmelse i februar 2000, da det blev sat til salg på eBay med baggrunden og fortæller, at billedet er "med spøgelser". "Hænder modsætter sig ham" købt for $ 1025 Kim Smith, som blev så simpelthen fyldt med bogstaver med uhyggelige historier Og for at brænde billedet.

I dag vil vi gerne fortælle dig lidt om de mennesker, der efter vores mening er blandt de mest usædvanlige kunstnere Moderne. De bruger ikke-standardteknikker, usædvanlige ideer.Ved at sætte din kreative og talent i dit unikke arbejde.

1. Lorenzo Duran.

Hans måde at skabe malerier på er baseret på historisk forskning Skæring på papir i Kina, Japan, Tyskland og Schweiz. Han samler bladene, vasker, tørrer dem, det græder og skærer forsigtigt sine malerier på dem.

2. Nina Aoyama.

Ved første øjekast kan det virke, at denne unge franskvand ikke gør noget særligt - bare skærer ud af papiret. Men hun stikker ud af hendes mørbrad på kluden eller glaset, og det viser sig sådan skønhed!

3. Claire Morgan

Britisk kunstner Claire Morgan skaber usædvanlige installationer, der fryses lige i luften. Arbejdsmateriale til kunstneren tjener tørre planter, korn, insekter, fyldte dyr og friske frugter. Tusindvis af installationsdetaljer med smykkernes nøjagtighed er fastsat på en tynd fiskelinje. Claire Morgan's luftskulpturer er afsat til jorden og alle bor på det beboet.

4. Mike Stilkey.

Mike Stilkey skaber malerier fra rødderne af bøger. Han bygger en hel væg fra bøger, og på deres rødder skriver deres malerier. Mike i lang tid drømte om at offentliggøre et album med sine malerier, men ingen udgiver blev taget for det. Hans maleri fandt ikke et svar i kritikere. Derefter besluttede kunstneren, lad bøgerne fortælle om hans arbejde.

5. Jim DenVevan.

Jim trækker mønstre med hidtil uset matematisk nøjagtighed i sandet. Jim trækker primært på strandene, dog på det sidste Han begyndte at tegne ørkenerne. "Jeg har ikke meget tid på stranden som i ørkenerne," siger han. "Hørtningen er trods alt meget hurtigt skyllet."

6. Vhils.

Hans værker er usædvanlige, fordi han ridser dem på det gamle gips.

7. Bruce Munro.

I sit arbejde arbejder han med lys. Ikke så længe siden åbnede hans installation af det næste lysområde i den engelske by af flagermus. Det er et felt af dedikerede lamper på tynde plaststænger. Ligner et landskab til filmen "Avatar".

8. Jason Mecier.

Problemet med afhængighed er akut over hele verden. I et forsøg på at være opmærksom på hendes brede offentlighed, talentfulde american Artist. Jason Mecier gennemførte portrætter af stjerner fra tabletter. Den mest interessante ting er, at kunstneren som et materiale til sine webs kun brugte piller, som frigives af en særlig opskrift, som han lovligt ikke kunne komme overalt. Det kan siges, at Jason lavede en ulovlig handling, men han gjorde også opmærksom på det ulovlige spredning af narkotika.

9. Jennifer Maester.

Maleri, hvis ikke at tage hensyn til realisterne, har altid været, der er også mærkeligt. Men nogle billeder er stabile andre.
Nogle kunstværker synes at slå seeren på hovedet, stille og fantastisk. Nogle - forsinkelser i tankerne og på jagt efter semantiske lag, hemmelig symbolik. Nogle malerier er vandrere med hemmeligheder og mystiske gåder, og nogle er overrasket over en ublu pris.

Adee.ru kigget omhyggeligt gennem alle de vigtigste resultater i verdensmaleriet og valgte to dusin mere mærkelige malerier fra dem. Valget gik ikke ind i malvadors Dali-malerier, hvis værker helt falder under formatet af dette materiale, og det første kommer til at tænke på.

"Creek"

Edward Munk. 1893, pap, olie, temperatur, pastel
National Gallery, Oslo

"Creek" betragtes som en ikonisk begivenhed af ekspressionisme og en af \u200b\u200bde mest berømte malerier i verden. Der er to fortolkninger af det afbildede: Det er helten, der er dækket af rædsel og råber stille stille og presser hænderne til ørerne; Eller helten lukker ørerne fra den grædende grædende fred og natur rundt om grædet. Munk skrev fire versioner af "Cry", og der er en version, at dette billede er frugten af \u200b\u200ben manisk depressiv psykose, hvorfra kunstneren led. Efter behandlingen i klinikken blev Munk ikke returneret til arbejde på internettet.

"Jeg gik langs stien med to venner - solen var skylden - uventet blev himlen blodig-rød, jeg suspenderede, følte mig udmattet og lænede sig om hegnet - jeg kiggede på blodet og flamme sprog over en blålig-sort Fjord og byen - mine venner gik videre, og jeg stod, rystede fra spænding, følte mig en uendelig græd, piercing natur, "sagde Edward Munk på maleriets historie.

"Hvor kom vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?"

Paul Gajen. 1897-1898, lærred, olie
Museum of Fine Arts, Boston

I retning af mogen selv skal billedet læses ret til venstre - de tre hovedgrupper i figurer illustrerer spørgsmålene i titlen. Tre kvinder med et barn repræsenterer livets begyndelse; Den gennemsnitlige gruppe symboliserer den daglige eksistens af modenhed; I den endelige gruppe, ifølge kunstnerens plan, ", synes den gamle kvinde, der nærmer sig døden, at være forenet og forberede sine refleksioner", hendes ben "en mærkelig hvid fugl ... repræsenterer den ubrugelige ord."

Det dybfilosofiske billede af postfunktionerne på Gaugaen-feltet blev skrevet til dem på Tahiti, hvor han rømmede fra Paris. Efter afslutning ønskede han selv at tilslutte sig selvmordets liv, fordi: "Jeg tror, \u200b\u200bat dette lærred ikke kun overstiger alle mine tidligere, og at jeg aldrig vil skabe noget bedre eller endda ens." Han boede i yderligere 5 år, og det viste sig.

"GERNIK"

Pablo Picasso. 1937, lærred olie
Dronning Sofia Museum, Madrid

"Gernika" præsenterer scener af død, vold, grusomheder, lidelse og hjælpeløshed uden at specificere deres direkte grunde, men de er indlysende. De siger, at i 1940 blev Pablo Picasso kaldt til Gestapo i Paris. Tale gik straks om billedet. "Gjorde du det?" - "Nej, det gjorde du det."

Den enorme kludfresco "Gernika", skrevet af Picasso i 1937, forhandlinger om skatten på frivillig division af Luftwaffe til byen Heret, som et resultat af, at den seks tusind by blev fuldstændig ødelagt. Billedet blev skrevet bogstaveligt for måneden - de første arbejdsdage på billedet Picasso arbejdede i 10-12 timer og allerede i de første skitser, du kunne se hovedideen. Dette er en af \u200b\u200bde bedste illustrationer af fascismes mareridt, såvel som menneskelig grusomhed og sorg.

"Portræt af Arnolphin Fours"

Jan van Ek. 1434, træ, olie
London National Gallery, London

Det berømte maleri er helt fyldt med symboler, allegorier og en række referencer - op til signaturen "Yang Van Eyn var her", som gjorde hende ikke kun til et kunstværk og i et historisk dokument, der bekræfter den faktiske begivenhed, at Kunstner var til stede.

Portræt, formodentlig Giovanni Di Nikolao Arnolfini og hans kone er et af de sværeste værker af den vestlige skole af maleri af den nordlige renæssance. I Rusland seneste år Billedet har fået mere popularitet takket være portrætets lighed mellem Arnolphin med Vladimir Putin.

"Demon sidder"

Mikhail vrubel. 1890, lærred, olie
Tretyakovskaya Gallery, Moskva

Billede af Mikhail Vrubel overrasker arbejdet i dæmonen. Den triste langhårede fyr ligner slet ikke universelle ideer om, hvordan den onde ånd skal se ud. Dette er billedet af kraften i den menneskelige ånd, indre kamp, \u200b\u200btvivl. Tragisk chazzing hans hænder, dæmonen sidder med trist, rettet i afstanden i store øjne omgivet af blomster. Sammensætningen understreger konstanceringen af \u200b\u200bdæmonens form, som om fastspændt mellem rammens øvre og nedre rammer.

Kunstneren selv talte om sit mest berømte billede: "Demon - Ånden er ikke så meget ondt som lidelse og sorgfuldt, med al denne ånd dominerende, storslået."

"Apotheose of War"

Vasily vereshkagin. 1871, lærred olie
State Tretyakov Gallery, Moskva

Billedet er skrevet så dybt og følelsesmæssigt, at bag hver kranium ligger i denne bunke, begynder du at se folk, deres skæbne og skæbnen hos dem, der ikke længere vil se disse mennesker. Verhkagin har selv kaldt kludet af "stilleben" med trist sarkasme - "død natur" er afbildet på det. Alle maleri detaljer, herunder gul smag, symboliserer død og tømning. Klar blå himmel understreger maleriets død. Ideen om "apotheose of war" udtrykkes også ar fra saberen og hullerne fra kuglerne på skildpadderne.

Verhkagin er en af \u200b\u200bde vigtigste russiske kampkunstnere, men han malede krige og kampe, ikke fordi han elskede dem. Tværtimod forsøgte han at formidle sin negative holdning til mennesker. Når en verhkagin i varmen af \u200b\u200bfølelser udbrød: "Jeg vil ikke skrive flere kampmalerier - Basta! Jeg er for tæt på hjertet, jeg accepterer, hvad jeg skriver, jeg lugter (bogstaveligt talt), som hver sårede og dræbte." Sandsynligvis var resultatet af dette udråb, det forfærdelige og fascinerende billede af "apotheose of war", hvor feltet, kragerne og bjerget af menneskelige kranier er afbildet.

"American Gothic."

Give træ. 1930, olie. 74 × 62 cm
Chicago Institute of Arts, Chicago

Maleriet med dyster far og datter er fyldt med detaljer, der angiver sværhedsgraden, rensning og retrogradment af de afbildede personer. Vrede ansigter, gafler lige midt i malerierne, gammeldags, selv ved hjælp af standarderne i 1930, sendt tøjet til albuen, sømme på landbrugerens tøj og gentog form af gaffelen og derfor den trussel, der er adresseret til alle, der vil kroacitere. Alle disse detaljer kan ses uendelig og sidde ned. "American Gothic" er et af de mest genkendelige billeder i den amerikanske kunst i det 20. århundrede, som er berømt for ART'erne i XX og XXI århundreder. Interessant nok opfattes dommerne i Chicago Institute of Arts "Gothic" som "humoristisk valentine", og beboerne i Iowa er forfærdeligt fornærmet af træ til at skildre dem i et sådant ubehageligt lys.

"Lovers"

Rene Magritte. 1928, lærred olie

Maleriet "elskere" ("elskere") eksisterer i to versioner. På en mand og en kvinde, hvis hoveder er skubbet med en hvid klud, kys og på den anden - "Watch" på seeren. Billedet overrasker og fascinerer. To figurer uden ansigter Magritte gav ideen om blindhed af kærlighed. På blindhed i alle sanser: De elskende kan ikke se nogen, vi ser ikke deres sande personer, og vi, og derudover er elskere en gåde selv for hinanden. Men med denne tilsyneladende klarhed fortsætter vi stadig med at se på Magrittov-elskere og tænke på dem.

Næsten alle malerier af Magrite er rebuser, som ikke kan løses fuldt ud, da de sætter spørgsmål om selve essensen af \u200b\u200bat være. Magritt hele tiden taler om den synlige skønhed, om hans skjulte mysterium, som vi normalt ikke bemærker.

"Spadseretur"

Mark Shagal. 1917, lærred olie
State Tretyakov Gallery.

"Walk" er et selvportræt med sin kone Bella. Hans elskede er færge i himlen, og det kiggede væk i flyvningen og springer stod på jorden, som om at røre ved hende kun sokker hendes sko. På den anden side, Chagal Sinitsa - han er glad, han har en tit i hænderne (sandsynligvis hans maleri) og kran i himlen. Normalt er Mark Chagall alvorligt alvorligt i hans maleri, skrevet den dejlige manifest, hans egen lykke fyldt med pålidelser og kærlighed.

"Have jordiske fornøjelser"

Jerome Bosch. 1500-1510, træ, olie
Prado, Spanien

"Have of Earthly Pleasures" - Den mest berømte Triptych Jerome Bosch, der modtog sit navn på emnet i den centrale del, er dedikeret til Synd af Sweetusty. Billedet er fyldt med gennemsigtige figurer, fantastiske faciliteter, monstre, der har erhvervet kød ved hallucinationer, ADSK tegnefilm af virkelighed, som han ser testen, ekstremt skarpt udseende.

Nogle forskere ønskede at se i triptych billede af menneskeliv gennem prismen af \u200b\u200bhendes forfængelighed og billeder jord kærlighedAndet - Fejring af Sweetsthey. Men enkelheden og nogle frigørelse, som individuelle tal tolkes, såvel som en gunstig holdning til dette arbejde fra Kirkens myndigheder, tvunget til at tvivle på, at indholdet kan være glorificeringen af \u200b\u200bkropslige fornøjelser. Hidtil anses ingen af \u200b\u200bde eksisterende maleri fortolkninger som den eneste sande.

"Tre kvinders alder"

Gustav Klimt. 1905, lærred, olie
National Gallery. moderne kunst, Rom

"Tre alder af en kvinde" samtidig og glædelig og trist. I det blev der skrevet tre figurer Historien om kvindens liv: uforsigtighed, pacification og fortvivlelse. Ung kvinde, der er organisk vævet ind i livets ornament, gamle - skiller sig ud af det. Kontrasten mellem det stiliserede billede af en ung kvinde og naturligvis de gamle kvinder erhverver symbolsk betydning.: Livets første fase bærer dig en uendelige muligheder og metamorfose, den sidste er den konstante konstans og konflikt med virkeligheden. Lærredet slipper ikke, klatrer ind i sjælen og tænker på dybden af \u200b\u200bkunstnerens budskab, samt om livets dybde og uundgåelighed.

"En familie"

Egon syet. 1918, lærred olie
Galleri "Belvedere", Wien

Shile var en elev af Klimt, men som enhver fremragende studerende, han ikke kopierede sin lærer, men jeg ledte efter en ny. Shile meget mere tragisk, mærkeligt og skræmmende end Gustav Klimt. I sit arbejde kunne mange ting kaldes pornografi, en række perversioner, naturalisme og samtidig en delikat fortvivlelse. "Familie" - hans sidste arbejde.I hvilken fortvivlelse bragte til det absolutte, på trods af at det er det mindst mærkelige maleri. Han malede hende før døden, efter at hans gravide kone Edith døde fra spansken. Han døde i en alder af 28 år, kun tre dage efter Edith, havde tid til at tegne hende, sig selv og deres aldrig født.

"To frida"

Frida calo. 1939.

Historie hårdt liv Den mexicanske kunstner Frida Kalo blev bredt kendt efter frigivelsen af \u200b\u200bfilmen "Frida" med Salma Hayek i hovedrollen. Calo skrev for det meste selvportræt og forklarede det simpelthen: "Jeg skriver mig selv, fordi jeg bruger meget tid alene, og fordi jeg er det tema, jeg kender bedst." Heller ikke på et selvportræt Frida Kalo smiler: seriøst, selv et sorgligt ansigt tætte øjenbryn, lidt mærkbar overskæg over tæt komprimerede læber. Ideas af hendes malerier krypteres i detaljer, baggrund, figurer, der vises ved siden af \u200b\u200bFrieda. Symbol Calo er afhængig af nationale traditioner. Og tæt forbundet med den indiske mytologi i Damispan-perioden. I en af \u200b\u200bde bedste billeder. - "To frida" - hun udtrykte den mandlige og feminine begyndelse, forbundet i den med et enkelt kredsløbssystem, der viste dets integritet.

"Waterloo Bridge. FOG Effekt"

Claude Monet. 1899, lærred olie
Statens Hermitage, Skt. Petersborg

Når du overvejer billedet i nærheden, kan seeren ikke se noget, undtagen lærredet, hvortil hyppige tykke olie streger påføres. Al den magiske af arbejdet afsløres, når vi gradvist begynder at bevæge sig væk fra lærredet i lang tid. For det første begynder vi at vise uforståelige halvcirkoner, der passerer gennem midten af \u200b\u200bbilledet, så vi ser de klare skitser af bådene og ved at flytte i en afstand på cirka to meter foran os kraftigt trukket og line op alle sammenkoblingsværker i en logisk kæde.

"Nummer 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, fibrololit, olie

Åndigheden af \u200b\u200bdette billede er, at banen på den amerikanske leder af abstrakt ekspressionisme, som han malede, spildte maling på fibroliten dekomponeret på gulvet - mest kære maleri i verden. I 2006 betalte 140 millioner dollars for det på sothesshisauktionen. David Giffen, en filmproducent og samler, solgte den til Mexicansk Financier David Martinez. "Jeg fortsætter med at bevæge mig væk fra kunstnerens sædvanlige instrumenter, som f.eks. Easel, palæ og børster. Jeg foretrækker pinde, scoops, knive og hældning af maling eller en blanding af maling med sand, brudt glas eller noget andet. Når jeg inde Maleri, jeg er ikke klar over, hvad jeg laver. Forståelse kommer senere. Jeg har ingen frygt før du skifter eller ødelæggelse af billedet, da billedet lever med sit eget liv. Jeg hjælper bare hende med at komme ud. Men hvis jeg mister kontakt med Billedet, snavs og rod er ikke, så er dette en ren harmoni, den lethed, hvordan du tager og giver. "

"Mand og kvinde foran en flok ekskrement"

Joan Miro. 1935, kobber, olie
Foundation Joan Miro, Spanien

Godt navn. Og hvem ville have troet, at dette billede fortæller os om de rædsler i borgerkrige. Billedet blev lavet på kobberpladen for ugen mellem 15. oktober og 22, 1935. Ifølge Miro er dette resultatet af at forsøge at skildre tragedien Borgerkrig i Spanien. Miro sagde, at dette er et billede af angstperiode. Billedet viser en mand og en kvinde, der strækker sig mod hinanden i krammer, men ikke bevæger sig. Øget kønsorganer og uhyggelige farver blev beskrevet som "fuld afsky og gady seksualitet."

"Erosion"

Yatek Yerka.

Polsk neousurialist kendt over hele verden på grund af hans utroligt billedeI hvilken virkelighed er kombineret, skaber nye. Det er svært at overveje det ekstremt detaljeret og til en vis grad velhavende arbejde på en, men dette er formatet af vores materiale, og vi måtte vælge en - for at illustrere sin fantasi og dygtighed. Vi anbefaler at læse mere.

"Hænder modsætter sig ham"

Bill Stonehem. 1972.

Dette arbejde kan selvfølgelig ikke tælles for mesterværkerne på verdensmaleriet, men det faktum, at det er mærkeligt, er en kendsgerning. Omkring maleriet med en dreng, dukke og palmer, presset mod glasset, gå legender. Fra "på grund af dette maleri, der dør" til "børnene på det er i live." Det ligner en smerte og forfærdelig, hvilket skaber en masse frygt og spekulationer hos mennesker med en svag psyke. Kunstneren forsikrede sig om, at han selv blev afbildet i en alder af fem, at døren er repræsentationen af \u200b\u200bskillelinjen mellem den virkelige verden og drømmens verden, og dukken er en dirigent, der kan tilbringe drengen gennem denne verden. Hænder repræsenterer alternative liv eller muligheder. Billedet fik berømmelse i februar 2000, da det blev sat til salg på eBay med forhistorien og fortæller, at billedet er "med spøgelser". "Hænder modsætter sig ham" købt for $ 1025 Kim Smith, som blev så simpelthen fyldt med bogstaver med forfærdelige historier, og kravene brænder billedet.

) I sine ekspressive fejende værker var tågen gennemsigtigheden i stand til at bevare, den lette sejl, den glatte rystning af skibet på bølgerne.

Dens malerier påvirkes af deres dybde, volumen, mætning, og teksturen er sådan, at det er umuligt at rive væk fra dem.

Varm enkelhed Valentina Gubareva

Ven af \u200b\u200bprimtivist af minsk Valentin Gubarev. Chase ikke for herlighed og gør bare det, han elsker. Hans kreativitet er sindssygt populært i udlandet, men næsten ukendte for hans landsmænd. I midten af \u200b\u200b1990'erne blev franskerne forelsket i sine husstandsskitser og konkluderede en kontrakt med kunstneren i 16 år. Malerierne, der kun synes at være forståelige for os, bærerne af den "beskedne charme af uudviklet socialisme", kunne lide den europæiske offentlighed og begyndte udstillinger i Schweiz, Tyskland, Storbritannien og andre lande.

Sensuel realisme af Sergey Marronnikov

Sergey Marshnikov 41 år. Han bor i Skt. Petersborg og skaber i de bedste traditioner. Klassisk russisk skole realistisk portræt maleri. Heroisters af hans lærred bliver blide og forsvarsløse i deres semi-sygeplejerske. På mange af de mest berømte billeder. Kunstnerens muse og kone er afbildet - Natalia.

Mostic World Philip Barlow

I den moderne æra af billederne af høj opløsning og heydday of hyperealism kreativitet Philip Barlou. (Philip Barlow) tiltrækker straks opmærksomhed. Men seeren kræver en vis indsats for at tvinge sig til at se på de slørede silhuetter og lyse pletter på forfatterens lærred. Sandsynligvis, så se verden uden briller og kontaktlinser folk, der lider af myopi.

Sunny Bunnies Laurent Park

Maleri Laurent Parcelier (Laurent Parcelier) aMAZING WORLDER.hvor der ikke er tristhed eller despondency. Han vil ikke møde frowning og regnfulde malerier. Der er en masse lys, luft og lyse farver på sit lærred, som kunstneren påvirker karakteristiske genkendelige slagtilfælde. Det skaber en følelse af, at malerierne er vævet fra tusind solrige bunnies.

Dynamik i byen i Jeremiens værker

Olie på træpaneler American Artist Jeremy Mann (Jeremy Mann) skriver dynamiske portrætter af moderne storby. " Abstrakte former., linjer, kontrast af lys og mørke pletter - alt skaber et billede, der får følelsen af, at en person oplever i mængden og byens uro, men kan også udtrykke ro i sindet, der er opnået med at overveje stille skønhed, " kunstner siger.

Illusory World of Nile Simon

I malerierne i den britiske kunstner Nile Simon (Neil Simone) synes alt ikke ved første øjekast. "For mig er verden omkring en række skrøbelige og konstant skiftende former, skygger og grænser," siger Simon. Og i hans malerier er alt virkelig illusorisk og sammenkoblet. Grænserne vaskes væk, og tomterne strømmer ind i hinanden.

Kærlighed Drama Joseph Laratso

Italiensk på oprindelsen af \u200b\u200bden moderne amerikanske kunstner Joseph Lorasso (Joseph Lorusso) bærer tomterne på lærredet, der har fået dem i hverdagen almindelige mennesker. Hugs og kys, lidenskabelige impulser, minutter af ømhed og ønskerfylder sine følelsesmæssige malerier.

Rustikke liv dmitry lyowin

Dmitry Levin - en anerkendt mester i det russiske landskab, der har bevist sig som en talentfuld repræsentant for den russiske realistiske skole. Den vigtigste kilde til hans kunst er kærlighed til naturen, som han forsigtigt og lidenskabeligt elsker, og en del af det føles sig selv.

Bright East Valery Blokhina

I øst, alt andet: Andre maling, anden luft, andre livsværdier og virkeligheden er en fabelagtig fiktion - det er den moderne kunstner