ภาพวาดญี่ปุ่น. จิตรกรรมญี่ปุ่นร่วมสมัย

ภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์อันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปะตะวันออก งานและการศึกษาจำนวนมากได้รับการอุทิศให้กับมัน แต่มักถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเงื่อนไขมากและบางครั้งก็มีการตกแต่ง ไม่เป็นเช่นนั้น โลกฝ่ายวิญญาณของศิลปินญี่ปุ่นนั้นมั่งคั่งมาก และเขาไม่ได้สนใจองค์ประกอบด้านสุนทรียะมากนักเท่ากับเกี่ยวกับจิตวิญญาณ Art of the East เป็นการสังเคราะห์จากภายนอกและภายใน ทั้งแบบชัดแจ้งและโดยปริยาย

ในโพสต์นี้ฉันไม่ต้องการให้ความสนใจกับประวัติศาสตร์ของการวาดภาพขาวดำ แต่ให้คำนึงถึงแก่นแท้ของมัน นี่คือสิ่งที่จะกล่าวถึง

หน้าจอ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku, 1593

สิ่งที่เราเห็นในภาพวาดขาวดำเป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของศิลปินกับกลุ่มไม้สน: กระดาษ แปรง หมึก ดังนั้นเพื่อให้เข้าใจงานได้อย่างถูกต้อง เราต้องเข้าใจตัวศิลปินเองและทัศนคติของเขา

"ทิวทัศน์" เส็ตชู 1398

กระดาษไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่น วัสดุที่มีประโยชน์ซึ่งเขาอยู่ใต้บังคับบัญชาของเขา แต่ตรงกันข้ามคือ "พี่ชาย" ดังนั้นทัศนคติที่มีต่อเธอจึงพัฒนาขึ้นตามลำดับ กระดาษเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติโดยรอบ ซึ่งชาวญี่ปุ่นมักปฏิบัติต่อความกังวลใจเสมอมาและพยายามไม่ปราบปรามตนเอง แต่ให้อยู่ร่วมกับมันอย่างสันติ กระดาษเป็นอดีตต้นไม้ที่ยืนอยู่ในบางพื้นที่ เวลาที่แน่นอน, "เห็น" บางอย่างรอบตัวเขา และเธอเก็บมันไว้ทั้งหมด นี่คือวิธีที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นรับรู้ถึงเนื้อหา บ่อยครั้งก่อนเริ่มงาน อาจารย์ดูแผ่นเปล่าเป็นเวลานาน (ครุ่นคิด) แล้วจึงเริ่มวาดภาพ แม้กระทั่งตอนนี้ ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัยที่ฝึกฝนเทคนิคนิฮงกะ (ภาพวาดญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม) ก็เลือกใช้กระดาษอย่างระมัดระวัง พวกเขาซื้อตามสั่งจากโรงงานกระดาษ สำหรับศิลปินแต่ละคนที่มีความหนา การซึมผ่านของความชื้น และเนื้อสัมผัสที่แน่นอน (ศิลปินหลายคนถึงกับสรุปข้อตกลงกับเจ้าของโรงงานที่จะไม่ขายกระดาษนี้ให้กับศิลปินคนอื่น) ดังนั้น ภาพวาดแต่ละภาพจึงถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวา

"อ่านหนังสือในป่าไผ่" ซือบุน ค.ศ. 1446

เมื่อพูดถึงความสำคัญของเนื้อหานี้ ควรกล่าวถึงอนุเสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงของวรรณคดีญี่ปุ่นเช่น "Notes at the Headboard" โดย Sei Shonagon และ "Genji Monogotari" โดย Murasaki Shikibu: ใน "Notes" และ "Genji" คุณสามารถหาแปลงได้ เมื่อข้าราชบริพารหรือคู่รักแลกเปลี่ยนข้อความ ... กระดาษที่ใช้เขียนข้อความเหล่านี้มีฤดูกาลที่เหมาะสม เฉดสี และลักษณะการเขียนข้อความที่สอดคล้องกับพื้นผิว

"Murasaki Shikibu ที่ศาลเจ้า Ishiyama" โดย Kyosh

แปรง- องค์ประกอบที่สองคือความต่อเนื่องของมืออาจารย์ (อีกครั้งนี่คือ วัสดุธรรมชาติ). ดังนั้นแปรงจึงสั่งทำ แต่ส่วนใหญ่โดยศิลปินเอง เขาหยิบขนตามความยาวที่ต้องการ เลือกขนาดของแปรงและจับได้ถนัดมือที่สุด อาจารย์เขียนด้วยพู่กันของเขาเองเท่านั้นไม่มีอย่างอื่น (จาก ประสบการณ์ส่วนตัว: อยู่ที่ชั้นเรียนปริญญาโทของศิลปินชาวจีน Jiang Shilun ผู้ชมถูกขอให้แสดงสิ่งที่นักเรียนของเขาที่อยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทสามารถทำได้และแต่ละคนหยิบแปรงของอาจารย์บอกว่ามันจะไม่ทำงาน สิ่งที่พวกเขาคาดหวังเนื่องจากแปรงไม่ใช่ของพวกเขาพวกเขาจึงไม่ชินกับมันและไม่รู้วิธีใช้อย่างถูกต้อง)

ภาพวาดหมึก "ฟูจิ" โดย Katsushika Hokusai

มาสคาร่า- ที่สาม องค์ประกอบที่สำคัญ... มาสคาร่าเกิดขึ้น ประเภทต่างๆ: หลังจากการอบแห้ง มันสามารถให้เอฟเฟกต์มันวาวหรือด้าน มันสามารถผสมกับเฉดสีเงินหรือสีเหลือง ดังนั้นการเลือกมาสคาร่าที่เหมาะสมก็ไม่สำคัญเช่นกัน

ยามาโมโตะ เบย์ทสึ สิ้นสุด XVIII- ศตวรรษที่ XIX

วิชาหลักของการวาดภาพขาวดำคือทิวทัศน์ ทำไมไม่มีสีในพวกเขา?

หน้าจอคู่ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku

ประการแรก ศิลปินชาวญี่ปุ่นไม่สนใจวัตถุ แต่ในสาระสำคัญ เป็นองค์ประกอบบางอย่างที่พบได้ทั่วไปในสิ่งมีชีวิตทั้งหมด และนำไปสู่ความสามัคคีระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ดังนั้น รูปภาพจึงเป็นคำใบ้เสมอ มันส่งถึงประสาทสัมผัสของเรา ไม่ใช่การมองเห็น การพูดน้อยเป็นสิ่งกระตุ้นสำหรับการสนทนาซึ่งหมายถึงการเชื่อมต่อ เส้นและจุดมีความสำคัญในภาพ - พวกมันก่อตัวขึ้น ภาษาศิลป์... นี่ไม่ใช่เสรีภาพของอาจารย์ที่ทิ้งรอยอ้วนไว้ในที่ที่เขาต้องการ แต่ในอีกที่หนึ่งไม่ได้ทาสี - ทุกอย่างในภาพมีความหมายและความหมายของตัวเองและไม่ได้มีลักษณะสุ่ม .

ประการที่สอง สีมักจะมีการระบายสีตามอารมณ์และถูกมองว่าแตกต่างออกไป โดยต่างคนต่างในรัฐต่าง ๆ ดังนั้นความเป็นกลางทางอารมณ์ทำให้ผู้ชมเข้าสู่บทสนทนาได้อย่างเหมาะสมที่สุดเพื่อกำจัดเขาไปสู่การรับรู้การไตร่ตรองความคิด

ประการที่สามนี่คือปฏิสัมพันธ์ของหยินและหยาง ภาพวาดขาวดำใด ๆ ที่กลมกลืนกันในแง่ของอัตราส่วนของหมึกและพื้นที่กระดาษที่ไม่มีใครแตะต้อง

ทำไมพื้นที่กระดาษส่วนใหญ่จึงไม่ได้ใช้?

"ภูมิทัศน์" ซูบุน กลางศตวรรษที่ 15

อย่างแรก พื้นที่ว่างจะทำให้ผู้ชมดื่มด่ำกับภาพ ประการที่สอง ภาพถูกสร้างขึ้นราวกับว่ามันลอยขึ้นสู่พื้นผิวชั่วขณะและกำลังจะหายไป - นี่เป็นเพราะโลกทัศน์และโลกทัศน์ ประการที่สาม ในพื้นที่ที่ไม่มีหมึก พื้นผิวและเงาของกระดาษจะมาก่อน (สิ่งนี้ไม่สามารถมองเห็นได้บนการทำสำเนาเสมอไป แต่อันที่จริง มันเป็นปฏิกิริยาระหว่างวัสดุสองชนิด - กระดาษและหมึกเสมอ)

เส็ตชู 1446

ทำไมต้องภูมิทัศน์?

"การไตร่ตรองของน้ำตก" โดย Geiami, 1478

ตามโลกทัศน์ของญี่ปุ่น ธรรมชาติมีความสมบูรณ์แบบมากกว่ามนุษย์ ดังนั้นเขาจึงต้องเรียนรู้จากมัน ดูแลมันในทุกวิถีทาง และไม่ทำลายหรือปราบมัน ดังนั้นในภูมิประเทศหลายแห่ง คุณสามารถเห็นภาพเล็กๆ ของคนได้ แต่มักไม่มีนัยสำคัญ เล็กเมื่อสัมพันธ์กับภูมิทัศน์นั้นเอง หรือภาพของกระท่อมที่จารึกไว้ในพื้นที่รอบตัวพวกเขา และไม่ได้สังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอไป สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นสัญลักษณ์ ของโลกทัศน์

"ฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วงและฤดูหนาว" เส็ตชู "ทิวทัศน์" เส็ตชู 1481

โดยสรุป ฉันต้องการจะบอกว่าภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นไม่ใช่หมึกที่สาดกระเซ็นอย่างวุ่นวาย นี่ไม่ใช่ความตั้งใจของอัตตาภายในของศิลปิน - มันคือ ทั้งระบบรูปภาพและสัญลักษณ์ นี้เป็นที่เก็บความคิดเชิงปรัชญา และที่สำคัญที่สุดคือ วิธีการสื่อสารและการประสานกันระหว่างตนเองและโลกรอบตัวเรา

ฉันคิดว่านี่คือคำตอบสำหรับคำถามหลักที่เกิดขึ้นกับผู้ชมเมื่อต้องเผชิญกับภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่น ฉันหวังว่าพวกเขาจะช่วยให้คุณเข้าใจอย่างถูกต้องที่สุดและรับรู้เมื่อคุณพบกัน

ญี่ปุ่น จิตรกรรมคลาสสิกมีความยาวและ เรื่องราวที่น่าสนใจ... วิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นเป็นตัวแทนใน หลากสไตล์และแนวเพลงซึ่งแต่ละประเภทมีเอกลักษณ์ในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังดอตาคุทองแดงและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนไปถึงปีค.ศ. 300

ปฐมนิเทศพุทธศิลป์

ในญี่ปุ่นศิลปะการเพ้นท์ฝาผนังได้รับการพัฒนามาอย่างดี ในศตวรรษที่ 6 ภาพที่เกี่ยวกับปรัชญาของพระพุทธศาสนาได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ในเวลานั้นมีการสร้างวัดขนาดใหญ่ในประเทศและผนังของพวกเขาทุกแห่งตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังที่ทาสีบนพื้นฐานของตำนานและตำนานทางพุทธศาสนา ยังมีตัวอย่างภาพวาดฝาผนังโบราณในวัดโฮริวจิใกล้กับเมืองนาราของญี่ปุ่น ภาพเฟรสโกของโฮริวจิแสดงฉากชีวิตของพระพุทธเจ้าและเทพเจ้าอื่นๆ รูปแบบศิลปะของภาพจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ใกล้เคียงกับแนวคิดภาพที่นิยมในประเทศจีนในสมัยราชวงศ์ซ่ง

แบบภาพวาดของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในสมัยนารา ภาพเฟรสโกที่พบในสุสานทาคามัตสึซึกะมีอายุย้อนไปถึงช่วงเวลานี้ ย้อนหลังไปถึงราวศตวรรษที่ 7 เทคนิคทางศิลปะซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถัง ต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานของประเภทการวาดภาพการะเอะ ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งผลงานชิ้นแรกในสไตล์ Yamato-e ปรากฏขึ้น จิตรกรรมฝาผนังและผลงานชิ้นเอกของจิตรกรรมส่วนใหญ่เป็นแปรงของนักเขียนที่ไม่รู้จัก ปัจจุบัน ผลงานหลายชิ้นในสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของโรงเรียนพุทธศาสนาใหม่เช่น Tendai มีอิทธิพลต่อการปฐมนิเทศทางศาสนาในวงกว้าง ทัศนศิลป์ประเทศญี่ปุ่นในคริสต์ศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ซึ่งเห็นความก้าวหน้าเป็นพิเศษในพุทธศาสนาของญี่ปุ่น ประเภทของ raigodzu "ภาพวาดต้อนรับ" ซึ่งบรรยายถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตกได้ปรากฏขึ้น ตัวอย่างแรกๆ ของ raigodzu ที่มีอายุตั้งแต่ปี 1053 สามารถเห็นได้ที่วัด Bedo-in ซึ่งได้รับการอนุรักษ์ไว้ในเมือง Uji จังหวัดเกียวโต

เปลี่ยนสไตล์

กลางสมัยเฮอันเข้ามาแทนที่ สไตล์จีน kara-e มาจากประเภท yamato-e ซึ่งเป็นเวลานานกลายเป็นแนวจิตรกรรมญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบการวาดภาพใหม่นี้ใช้กับภาพวาดของฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อนเป็นหลัก เมื่อเวลาผ่านไป yamato-e ได้ย้ายไปที่ม้วนหนังสือ emakimono ในแนวนอน ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ทั้งหมดของพล็อตที่เลือกในงานของพวกเขา Genji Monogatari Scroll ประกอบด้วยหลายตอนที่เชื่อมโยงเข้าด้วยกัน ศิลปินในยุคนั้นใช้จังหวะที่รวดเร็วและสีสันที่สดใสและแสดงออก

E-maki เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของ otoko-e ซึ่งเป็นประเภทการถ่ายภาพบุคคลของผู้ชาย ภาพเหมือนของผู้หญิงถูกแยกออกเป็นประเภท onna-e ที่แยกจากกัน มีความแตกต่างกันค่อนข้างมากระหว่างประเภทเหล่านี้ อันที่จริงแล้ว เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง สไตล์ออนนะ-เอะถูกนำเสนออย่างมีสีสันในการออกแบบของนิทานเก็นจิ ซึ่งธีมหลักของภาพวาดประกอบด้วยโครงเรื่องโรแมนติก ฉากจากชีวิตในราชสำนัก สไตล์โอโตโกะเอะของผู้ชายส่วนใหญ่เป็นภาพศิลปะการต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และอื่นๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของอาณาจักร

โรงเรียนสอนศิลปะญี่ปุ่นคลาสสิกได้กลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมความคิด ศิลปะร่วมสมัยญี่ปุ่นซึ่งอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอนิเมะค่อนข้างชัดเจน ที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่ง ศิลปินญี่ปุ่นความทันสมัยเรียกได้ว่า Takashi Murakami ซึ่งผลงานของเขาทุ่มเทให้กับการพรรณนาฉากจากชีวิตชาวญี่ปุ่น ช่วงหลังสงครามและแนวคิดของการผสานสูงสุด ศิลปกรรมและกระแสหลัก

ในบรรดาศิลปินญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงของโรงเรียนคลาสสิกสามารถตั้งชื่อได้ดังต่อไปนี้

เครียด ชูบุน

ชูบุนทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยอุทิศเวลาให้กับการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในสมัยราชวงศ์ซ่งเป็นอย่างมาก ชายผู้นี้เป็นต้นกำเนิดของญี่ปุ่น ประเภทที่ดี... Shubun ถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดหมึกขาวดำสไตล์ sumi-e เขาพยายามอย่างมากที่จะเผยแพร่แนวเพลงใหม่นี้ให้กลายเป็นหนึ่งในแนวทางชั้นนำของการวาดภาพญี่ปุ่น นักเรียนของ Syubun เป็นจำนวนมากที่ต่อมากลายเป็น ศิลปินชื่อดังรวมทั้ง Sesshu และผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะชื่อดัง Kano Masanobu ภูมิประเทศหลายแห่งมีสาเหตุมาจากผลงานของ Syubun แต่งานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ "การอ่านในป่าไผ่" ตามธรรมเนียม

โอกาตะ โคริน (1658-1716)

Ogata Korin เป็นหนึ่งในศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์จิตรกรรมญี่ปุ่น ผู้ก่อตั้งและหนึ่งในตัวแทนที่เฉียบแหลมที่สุดของศิลปะแนวริม Korin ย้ายออกจากแบบแผนดั้งเดิมในผลงานของเขาอย่างกล้าหาญสร้างสไตล์ของตัวเองซึ่งมีลักษณะสำคัญคือรูปแบบเล็ก ๆ และอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใสของพล็อต Corinne เป็นที่รู้จักในด้านทักษะเฉพาะของเขาในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีที่เป็นนามธรรม "ดอกพลัมสีแดงและสีขาว" เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Ogata Korin ภาพวาดของเขา "เบญจมาศ", "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" และผลงานอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่งก็เป็นที่รู้จัก

ฮาเซงาวะ โทฮาคุ (1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะญี่ปุ่น Hasegawa สำหรับ ช่วงต้นความคิดสร้างสรรค์ Tohaku โดดเด่นด้วยอิทธิพลของโรงเรียนจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง Kano แต่เมื่อเวลาผ่านไปศิลปินได้สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้น ในหลาย ๆ ด้าน งานของโทฮาคุได้รับอิทธิพลจากผลงานของปรมาจารย์เซ็สชูที่เป็นที่รู้จัก โฮเซกาวะถึงกับคิดว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดตำแหน่งที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ ภาพวาดของ Hasegawa Tohaku "The Pines" ได้รับ มีชื่อเสียงระดับโลกยังเป็นที่รู้จักจากผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและไม้ดอก" และอื่น ๆ

คาโนะ เอโทคุ (1543-1590)

รูปแบบของโรงเรียน Kano ได้ครอบงำทัศนศิลป์ในญี่ปุ่นมาเป็นเวลาประมาณสี่ศตวรรษ และ Kano Eitoku อาจเป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดของโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ เจ้าหน้าที่ Eitoku ได้รับการปฏิบัติด้วยความกรุณา การอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถสนับสนุนการเสริมสร้างความเข้มแข็งของโรงเรียนของเขาและความนิยมในผลงานนี้ได้อย่างแน่นอนศิลปินที่มีความสามารถมาก หน้าจอเลื่อน Cypress 8 แผงที่วาดโดย Eitoku Kano เป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงและเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของขอบเขตและพลังของสไตล์ Monoyama ผลงานอื่นๆ ของอาจารย์ดูน่าสนใจไม่น้อย เช่น "นกและต้นไม้สี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่นๆ อีกมากมาย

คัตสึชิกะ โฮคุไซ (1760-1849)

โฮคุไซ - ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดประเภท ukiyo-e (แม่พิมพ์ญี่ปุ่น) ความคิดสร้างสรรค์ของโฮคุไซได้รับ การยอมรับระดับโลกชื่อเสียงของเขาในต่างประเทศเทียบไม่ได้กับความนิยมของศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ผลงานของเขา” คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า "กลายเป็นอะไรทำนองนั้น นามบัตรวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในฉากศิลปะโลก ของเขา ทางสร้างสรรค์โฮคุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบนาม หลังจากหกสิบแล้ว ศิลปินได้อุทิศตนให้กับงานศิลปะทั้งหมด และคราวนี้ถือเป็นช่วงที่ผลงานของเขาเกิดผลมากที่สุด งานของ Hokusai มีอิทธิพลต่องานของ Western Impressionist และ Post-Impressionist masters รวมทั้งงานของ Renoir, Monet และ van Gogh

แต่ละประเทศมีวีรบุรุษในศิลปะร่วมสมัยของตนเองซึ่งมีชื่อที่รู้จักกันดี ซึ่งมีการจัดนิทรรศการที่รวบรวมแฟน ๆ และความอยากรู้อยากเห็น และผลงานของเขาก็กระจัดกระจายอยู่ในคอลเล็กชันส่วนตัว

ในบทความนี้เราจะมาแนะนำให้คุณรู้จักกับความนิยมมากที่สุด ศิลปินร่วมสมัยญี่ปุ่น.

เคโกะ ทานาเบะ

เกิดที่ Kyoto Keiko เมื่อตอนเป็นเด็ก เธอได้รับรางวัลมากมาย การแข่งขันศิลปะ, แต่ อุดมศึกษาไม่ได้รับเลยในด้านศิลปะ ทำงานในแผนก ความสัมพันธ์ระหว่างประเทศในองค์กรการค้าปกครองตนเองของญี่ปุ่นในโตเกียวในวงกว้าง สำนักงานกฎหมายในซานฟรานซิสโกและในบริษัทที่ปรึกษาส่วนตัวในซานดิเอโก ได้เดินทางอย่างกว้างขวาง เธอลาออกจากงานในปี 2546 และได้เรียนรู้พื้นฐานของการวาดภาพสีน้ำในซานดิเอโก อุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยเฉพาะ

อิเคนากะ ยาสึนาริ

ศิลปินชาวญี่ปุ่น อิเคนากะ ยาสุนาริ วาดภาพเหมือน ผู้หญิงสมัยใหม่ในสมัยโบราณ ประเพณีญี่ปุ่นการวาดภาพโดยใช้แปรง Menso, เม็ดสีแร่, คาร์บอนแบล็ค, หมึกและผ้าลินินเป็นฐาน ตัวละครของเขาเป็นผู้หญิงในสมัยของเรา แต่ต้องขอบคุณสไตล์ Nihonga เราจึงรู้สึกว่าพวกเขามาหาเราตั้งแต่สมัยโบราณ

อาเบะ โทชิยูกิ

Abe Toshiyuki เป็นศิลปินแนวความจริงที่เชี่ยวชาญเทคนิคสีน้ำอย่างสมบูรณ์แบบ อาเบะสามารถเรียกได้ว่าเป็นศิลปินนักปรัชญา: โดยพื้นฐานแล้วเขาไม่ได้วาดภาพสถานที่สำคัญที่มีชื่อเสียงโดยชอบองค์ประกอบเชิงอัตนัยที่สะท้อน สภาพภายในคนที่กำลังเฝ้าดูพวกเขาอยู่

ฮิโรโกะ ซาไก

อาชีพศิลปินของ Hiroko Sakai เริ่มต้นขึ้นในช่วงต้นยุค 90 ในเมืองฟุกุโอกะ หลังจากจบการศึกษาจากมหาวิทยาลัย Seinan Gakuin และ Nihon French School of Interior Design ด้านการออกแบบและการแสดงภาพ เธอได้ก่อตั้ง Atelier Yume-Tsumugi Ltd. และประสบความสำเร็จในการจัดการสตูดิโอนี้เป็นเวลา 5 ปี ผลงานหลายชิ้นของเธอตกแต่งล็อบบี้ของโรงพยาบาล สำนักงานของบริษัทขนาดใหญ่ และอาคารเทศบาลบางแห่งในญี่ปุ่น หลังจากย้ายมาอยู่ที่สหรัฐอเมริกา นภาพรเริ่มทาสีด้วยน้ำมัน

ริวสุเกะ ฟุคาโฮริ

งานสามมิติของ Riusuki Fukahori เป็นเหมือนโฮโลแกรม สำเร็จแล้ว ภาพวาดสีอะคิลิกซ้อนทับหลายชั้นและของเหลวเรซินโปร่งใส - ทั้งหมดนี้ไม่รวมถึงวิธีการดั้งเดิมเช่นการวาดเงาการทำให้ขอบอ่อนลง การควบคุมความโปร่งใสช่วยให้ Riusuki สามารถสร้างภาพวาดประติมากรรมและให้ความลึกและความสมจริงแก่ผลงานของเขา

นัตสึกิ โอทานิ

Natsuki Otani เป็นนักวาดภาพประกอบชาวญี่ปุ่นที่มีพรสวรรค์ซึ่งอาศัยและทำงานในอังกฤษ

มาโกโตะ มูรามัตสึ

มาโกโตะ มูรามัตสึ เลือกธีมแบบ win-win เป็นพื้นฐานสำหรับงานศิลปะของเขา - เขาวาดแมว รูปภาพของเขาเป็นที่นิยมไปทั่วโลก โดยเฉพาะในรูปของปริศนา

เท็ตสึยะ มิชิมะ

ภาพวาดส่วนใหญ่โดยศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นชื่อ มิชิมะ ทำด้วยน้ำมัน เธอทำงานด้านการวาดภาพอย่างมืออาชีพตั้งแต่ยุค 90 เธอมีอาชีพหลายอย่าง นิทรรศการส่วนตัวและนิทรรศการรวมจำนวนมากทั้งในญี่ปุ่นและต่างประเทศ

สวัสดี, ผู้อ่านที่รัก- ผู้แสวงหาความรู้และความจริง!

ศิลปินญี่ปุ่นมีความโดดเด่นด้วยสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว ซึ่งได้รับการฝึกฝนโดยศิลปินรุ่นต่อรุ่น วันนี้เราจะบอกคุณเกี่ยวกับตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของภาพวาดญี่ปุ่นและภาพวาดของพวกเขาตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงสมัยใหม่

มาเข้าสู่ศิลปะแห่งดินแดนอาทิตย์อุทัยกันเถอะ

กำเนิดศิลปะ

ศิลปะการวาดภาพโบราณในญี่ปุ่นมีความเกี่ยวข้องกับลักษณะเฉพาะของการเขียนเป็นหลัก ดังนั้นจึงสร้างบนพื้นฐานของการประดิษฐ์ตัวอักษร ตัวอย่างแรก ได้แก่ เศษระฆังทองสัมฤทธิ์ จาน และของใช้ในครัวเรือนที่พบระหว่างการขุดค้น หลายคนทาสีด้วยสีย้อมธรรมชาติ และการวิจัยชี้ให้เห็นว่าผลิตภัณฑ์เหล่านี้ทำขึ้นก่อน 300 ปีก่อนคริสตกาล

เวทีใหม่ในการพัฒนางานศิลปะเริ่มต้นด้วยการมาถึงญี่ปุ่น บนกระดาษอิมะกิโมโนะ - ม้วนกระดาษพิเศษ - รูปภาพของเทพเจ้าแห่งวิหารแพนธีออนของพุทธศาสนา, โครงเรื่องจากชีวิตของอาจารย์และผู้ติดตามของเขาถูกนำไปใช้

ความโดดเด่นของหัวข้อทางศาสนาในการวาดภาพสามารถสืบย้อนไปถึงในยุคกลางของญี่ปุ่น กล่าวคือตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ถึงศตวรรษที่ 15 อนิจจาศิลปินในยุคนั้นยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในช่วง 15-18 ศตวรรษ ยุคใหม่เริ่มต้นขึ้น โดดเด่นด้วยการปรากฎตัวของศิลปินที่พัฒนาแล้ว สไตล์เฉพาะตัว... พวกเขากำหนดเวกเตอร์ พัฒนาต่อไปทัศนศิลป์.

ตัวแทนที่สดใสของอดีต

Tense Shubun (ต้นศตวรรษที่ 15)

ที่จะกลายเป็น ปรมาจารย์ที่โดดเด่น Xiubun ศึกษาเทคนิคการเขียนของศิลปินเพลงของจีนและผลงานของพวกเขา ต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งจิตรกรรมในญี่ปุ่นและเป็นผู้สร้าง sumi-e

สุมิเอะ - สไตล์ศิลปะซึ่งอิงจากการวาดด้วยหมึกซึ่งหมายถึงสีเดียว

ชูบุนทำมามากมาย สไตล์ใหม่หยั่งรากในแวดวงศิลปะ เขาสอนศิลปะให้กับความสามารถอื่น ๆ รวมถึงอนาคต จิตรกรชื่อดังตัวอย่างเช่น Sesshu

ที่สุด ภาพวาดยอดนิยมชูบุนะเรียกว่า "การอ่านในป่าไผ่"

การอ่านในป่าไผ่โดย Tense Shubun

ฮาเซงาวะ โทฮาคุ (1539-1610)

เขากลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนที่ตั้งชื่อตามตัวเอง - Hasegawa ตอนแรกเขาพยายามทำตามหลักการของโรงเรียน Kano แต่ค่อยๆ "ลายมือ" ของแต่ละคนเริ่มถูกติดตามในงานของเขา Tohaku ได้รับคำแนะนำจากกราฟิกของ Sesshu

พื้นฐานของงานประกอบด้วยความเรียบง่ายพูดน้อยแต่ ทิวทัศน์ที่สมจริงด้วยชื่อง่าย ๆ :

• "ต้นสน";
• "เมเปิ้ล";
• "ต้นสนและไม้ดอก".

"ต้นสน" ฮาเซงาวะ โทฮาคุ

พี่น้อง Ogata Korin (1658-1716) และ Ogata Kenzan (1663-1743)

พี่น้องเคยเป็น ช่างฝีมือดีศตวรรษที่ 18. โอกาตะ โคริน คนโต อุทิศตนอย่างเต็มที่ในการวาดภาพและก่อตั้งแนวริม เขาหลีกเลี่ยงภาพโปรเฟสเซอร์โดยเลือกประเภทอิมเพรสชั่นนิสต์

Ogata Korin วาดธรรมชาติโดยทั่วไปและดอกไม้เป็นความสว่างของนามธรรมโดยเฉพาะ พู่กันของเขาเป็นของภาพวาด:

• "ดอกพลัมสีแดงและสีขาว";
• "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ";
• "เบญจมาศ".

"คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" โดย Ogata Korin

Ogata Kenzan น้องชายมีนามแฝงมากมาย แม้ว่าเขาจะทำงานด้านจิตรกรรม แต่เขาก็มีชื่อเสียงมากขึ้นในฐานะนักเซรามิกส์ที่ยอดเยี่ยม

Ogata Kenzan เชี่ยวชาญเทคนิคมากมายในการสร้างเซรามิกส์ เขาโดดเด่นด้วยวิธีการที่ไม่ได้มาตรฐานเช่นเขาสร้างจานเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัส

ภาพวาดของเขาเองไม่ได้โดดเด่นด้วยความงดงาม - นี่เป็นคุณลักษณะของเขาด้วย เขาชอบที่จะใช้การประดิษฐ์ตัวอักษรกับผลิตภัณฑ์ต่างๆ เช่น ม้วนหนังสือหรือข้อความที่ตัดตอนมาจากบทกวี บางครั้งพวกเขาก็ทำงานร่วมกับพี่ชายของพวกเขา

คัตสึชิกะ โฮคุไซ (1760-1849)

เขาทำงานในสไตล์อุกิโยะ ซึ่งเป็นงานแกะสลักไม้ชนิดหนึ่ง ตลอดเวลาของความคิดสร้างสรรค์เขาเปลี่ยนชื่อประมาณ 30 ชื่อ ผลงานดัง- "คลื่นลูกใหญ่นอกคานางาวะ" ขอบคุณที่เขามีชื่อเสียงนอกบ้านเกิดของเขา

คลื่นลูกใหญ่นอกคานางาวะ โดย Hokusai Katsushika

โฮคุไซเริ่มทำงานอย่างหนักเป็นพิเศษหลังจากผ่านไป 60 ปี ซึ่งได้ผลดี Van Gogh, Monet, Renoir คุ้นเคยกับงานของเขาและมีอิทธิพลต่องานของอาจารย์ชาวยุโรปในระดับหนึ่ง

อันโดะ ฮิโรชิเกะ (1791-1858)

หนึ่งใน ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดศตวรรษที่ 19. เกิด อยู่ ทำงานในเอโดะ สานต่องานของโฮคุไซ โดยได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของเขา วิธีที่เขาพรรณนาถึงธรรมชาติเกือบจะโดดเด่นพอๆ กับจำนวนผลงาน

เอโดะ - ชื่อเดิมโตเกียว.

ต่อไปนี้คือตัวเลขบางส่วนเกี่ยวกับงานของเขา ซึ่งแสดงโดยวัฏจักรของภาพวาด:

• 5.5 พัน - จำนวนการแกะสลักทั้งหมด
• “100 มุมมองของเอโดะ;
• "36 วิวฟูจิ";
• "69 สถานีของคิโซไคโด";
• "53 สถานีของโทไคโด"

ภาพวาดโดยอันโดะ ฮิโรชิเกะ

ที่น่าสนใจคือ แวนโก๊ะผู้โดดเด่นได้วาดภาพพิมพ์ของเขาสองสามชุด

ความทันสมัย

ทาคาชิ มูราคามิ

จิตรกรประติมากรนักออกแบบแฟชั่นเขาได้รับชื่อเมื่อปลายศตวรรษที่ 20 ในงานของเขา เขายึดมั่นในเทรนด์แฟชั่นด้วยองค์ประกอบของความคลาสสิก และได้แรงบันดาลใจจากการ์ตูนอนิเมะและมังงะ

ภาพวาดโดยทาคาชิ มูราคามิ

ผลงานของทาคาชิ มูราคามิถือเป็นวัฒนธรรมย่อย แต่ก็ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ตัวอย่างเช่นในปี 2008 ผลงานชิ้นหนึ่งของเขาถูกซื้อในการประมูลมากกว่า 15 ล้านเหรียญสหรัฐ ครั้งหนึ่งผู้สร้างสมัยใหม่ได้ทำงานร่วมกับบ้านแฟชั่น "Marc Jacobs" และ "Louis Vuitton"

Tycho Asima

เพื่อนร่วมงานของศิลปินคนก่อน เธอสร้างภาพวาดแนวเซอร์เรียลสมัยใหม่ สิ่งเหล่านี้ให้ภาพทิวทัศน์ของเมือง ถนนของมหานคร และสิ่งมีชีวิตราวกับมาจากอีกจักรวาลหนึ่ง ทั้งผี วิญญาณชั่วร้าย สาวต่างดาว ในพื้นหลังของภาพวาด คุณมักจะเห็นธรรมชาติที่เก่าแก่และบางครั้งก็ดูน่ากลัว

ภาพวาดของเธอมีขนาดใหญ่และไม่ค่อยจำกัดเฉพาะสื่อกระดาษ พวกมันถูกถ่ายโอนไปยังหนังวัสดุพลาสติก

ในปี 2549 ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการในเมืองหลวงของอังกฤษ ผู้หญิงคนหนึ่งได้สร้างโครงสร้างโค้งประมาณ 20 แห่งที่สะท้อนความงามของชนบทและเมืองทั้งกลางวันและกลางคืน หนึ่งในนั้นประดับสถานีรถไฟใต้ดิน

เฮ้ อาราคาวะ

ชายหนุ่มไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพียงศิลปินในความหมายคลาสสิกของคำ - เขาสร้างการติดตั้งที่ได้รับความนิยมในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 ธีมงานนิทรรศการของเขาเป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงและเกี่ยวข้องกับความสัมพันธ์ฉันมิตรตลอดจนงานของทั้งทีม

Hey Arakawa มักจะเข้าร่วมงาน biennials ต่างๆ เช่น ในเมืองเวนิส มีการจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยในบ้านเกิดของเขา และสมควรได้รับรางวัลต่างๆ มากมาย

อิเคนากะ ยาสึนาริ

จิตรกรสมัยใหม่ Ikenaga Yasunari สามารถผสมผสานสองสิ่งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้: ชีวิตของเด็กผู้หญิงในทุกวันนี้ในรูปแบบภาพเหมือนและเทคนิคดั้งเดิมของญี่ปุ่นตั้งแต่สมัยโบราณ ในงานของเขา จิตรกรใช้แปรงพิเศษ สีธรรมชาติ หมึก ถ่าน แทนผ้าลินินธรรมดา - ผ้าลินิน

ภาพวาดโดย อิเคนากะ ยาสุนาริ

เทคนิคความคมชัดที่คล้ายกันของยุคที่ปรากฎและ รูปร่างนางเอกให้ความรู้สึกว่าพวกเขาได้กลับมาหาเราจากอดีต

เป็นที่นิยมใน ครั้งล่าสุดในชุมชนอินเทอร์เน็ต ชุดภาพวาดเกี่ยวกับความซับซ้อนของชีวิตจระเข้ก็ถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนการ์ตูนชาวญี่ปุ่นชื่อ Keigo

บทสรุป

ดังนั้น, ภาพวาดญี่ปุ่นเกิดขึ้นราวๆ ศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสตกาล และเปลี่ยนแปลงไปมากตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ภาพแรกถูกนำไปใช้กับเซรามิกส์แล้วแรงจูงใจทางพุทธศาสนาก็เริ่มมีชัยในงานศิลปะ แต่ชื่อของผู้เขียนยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในยุคปัจจุบัน ปรมาจารย์พู่กันได้รับบุคลิกลักษณะเฉพาะมากขึ้นเรื่อย ๆ สร้างขึ้น ทิศทางต่างๆ,โรงเรียน. วิจิตรศิลป์ในปัจจุบันไม่ได้จำกัดอยู่แค่การวาดภาพแบบดั้งเดิมเท่านั้น - มีการใช้ศิลปะจัดวาง การ์ตูน ประติมากรรมทางศิลปะ และโครงสร้างพิเศษ

ขอบคุณมากสำหรับความสนใจของคุณผู้อ่านที่รัก! เราหวังว่าคุณจะพบว่าบทความของเรามีประโยชน์ และเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของตัวแทนศิลปะที่ฉลาดที่สุดทำให้คุณรู้จักพวกเขามากขึ้น

แน่นอนว่ามันยากที่จะบอกในบทความเดียวเกี่ยวกับศิลปินทุกคนตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงสมัยใหม่ ดังนั้นขอให้นี่เป็นก้าวแรกสู่ความรู้ด้านจิตรกรรมญี่ปุ่น

และเข้าร่วมกับเรา - สมัครสมาชิกบล็อก - มาศึกษาพระพุทธศาสนาและวัฒนธรรมตะวันออกด้วยกัน!

ถ้าคุณคิดว่าศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนล้วนแต่เป็นอดีตไปแล้ว คุณไม่มีทางรู้หรอกว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้ คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับที่มีชื่อเสียงที่สุดและ ศิลปินมากความสามารถความทันสมัย และเชื่อฉันเถอะ ผลงานของพวกเขาจะฝังอยู่ในความทรงจำของคุณไม่น้อยไปกว่าผลงานของเกจิในสมัยก่อน

Wojciech Babski

Wojciech Babski เป็นศิลปินชาวโปแลนด์ร่วมสมัย เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันสารพัดช่าง Silesian แต่เชื่อมโยงตัวเองด้วย ล่าสุดเขาวาดรูปผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์มุ่งมั่นที่จะได้รับผลที่ดีที่สุดด้วยวิธีง่ายๆ

ชอบสี แต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อประสบการณ์ที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองกับเทคนิคใหม่ๆ เมื่อเร็ว ๆ นี้ได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อย ๆ ในต่างประเทศโดยเฉพาะในสหราชอาณาจักรซึ่งประสบความสำเร็จในการขายผลงานซึ่งสามารถพบได้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจในจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังแจ๊ส. ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานใน Katowice

วอร์เรน ชาง

Warren Chung - สมัยใหม่ ศิลปินอเมริกัน... เกิดปี 2500 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาระดับเกียรตินิยมอันดับสองจาก Pasadena Art Center College of Design ในปี 1981 โดยได้รับปริญญาศิลปศาสตรบัณฑิตในสาขานี้ ในอีกสองทศวรรษข้างหน้า เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนจะเริ่มอาชีพในฐานะศิลปินมืออาชีพในปี 2552

ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาสามารถแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก: ภาพวาดภายในชีวประวัติและภาพวาดที่วาดภาพคนทำงาน ความสนใจในการวาดภาพสไตล์นี้มีรากฐานมาจากผลงานของ Jan Vermeer ศิลปินในศตวรรษที่ 16 และขยายไปถึงวัตถุ ภาพเหมือนตนเอง รูปภาพของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน สตูดิโอ ห้องเรียน และการตกแต่งภายในบ้าน จุดประสงค์คือเพื่อ ภาพวาดเสมือนจริงสร้างอารมณ์และอารมณ์ด้วยการปรับแสงและใช้สีที่ไม่ออกเสียง

ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนไปใช้ทัศนศิลป์แบบดั้งเดิม ในช่วง 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters Association of America ซึ่งเป็นชุมชนนักวาดภาพสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียงคนเดียวใน 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่ Monterey และทำงานในสตูดิโอของเขาและสอน (รู้จักกันในชื่อนักการศึกษาที่มีความสามารถ) ที่ San Francisco Academy of Arts

ออเรลิโอ บรูนี

ออเรลิโอ บรูนี - ศิลปินชาวอิตาลี... เกิดที่แบลร์ 15 ตุลาคม 2498 ได้รับประกาศนียบัตรการออกแบบเวทีจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเองในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในอุมเบรีย

ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิสถิตยศาสตร์ แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์เชิงโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้ด้วยความซับซ้อนที่ประณีตและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่มีการเคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะเกินจริง แต่ในขณะเดียวกันวัตถุเหล่านี้ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบ และประสิทธิผลคือจิตวิญญาณของออเรลิโอ บรูนี ที่หล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเล็กซานเดอร์ บาลอส

Alkasandr Balos เป็นศิลปินชาวโปแลนด์ร่วมสมัยที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดปี 1970 ที่เมือง Gliwice ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 ก็ได้อาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกาที่เมือง Shasta รัฐแคลิฟอร์เนีย

ตอนเป็นเด็กเขาเรียนศิลปะภายใต้การแนะนำของพ่อแจนซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนด้วยตัวเองดังนั้นแล้ว อายุยังน้อย, ความพยายามทางศิลปะได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากทั้งพ่อและแม่ ในปี 1989 เมื่ออายุได้สิบแปดปี Balos ได้ออกจากโปแลนด์เพื่อไปยังสหรัฐอเมริกา โดยเขา ครูโรงเรียนและศิลปินนอกเวลา Katie Gaggliardi กระตุ้นให้ Alkasandra ไปโรงเรียนสอนศิลปะ จากนั้น บาลอสก็ได้รับทุนเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี วิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ด้านปรัชญา แฮร์รี่ โรซิน

หลังจากสำเร็จการศึกษาในปี 1995 และได้รับปริญญาตรีของเขา Balos ย้ายไปชิคาโกเพื่อเข้าเรียนในโรงเรียนวิจิตรศิลป์ซึ่งมีวิธีการบนพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ Jacques-Louis David... ความสมจริงเป็นรูปเป็นร่างและ วาดภาพเหมือนแต่งขึ้น ที่สุดผลงานของ Balos ในยุค 90 และต้นยุค 2000 ทุกวันนี้ Balos ใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นลักษณะเฉพาะและเพื่อแสดงข้อบกพร่องของมนุษย์ โดยไม่เสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ

องค์ประกอบของภาพวาดของเขามีจุดประสงค์เพื่อให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระจากนั้นผืนผ้าใบจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปีพ.ศ. 2548 ศิลปินได้ย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ ตั้งแต่นั้นมา ขอบเขตงานของเขาได้ขยายกว้างขึ้นอย่างมาก และขณะนี้ได้รวมวิธีการทาสีที่เสรีมากขึ้น รวมทั้งนามธรรมและรูปแบบมัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการเป็นภาพวาด

พระอลิสสา

Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เธอเกิดในปี 2520 ที่ริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ เธอเริ่มมีความสนใจในการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เรียนที่ New School ในนิวยอร์กและ มหาวิทยาลัยของรัฐมอนต์แคลร์และหลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยบอสตันในปี 2542 ได้รับปริญญาตรี พร้อมกันนี้เธอเรียนจิตรกรรมที่สถาบันลอเรนโซ เมดิชิ ในเมืองฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ที่ Department of Figurative Art สำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอสอนที่มหาวิทยาลัยและ สถาบันการศึกษาทั่วประเทศได้สอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Art Academy College

“โดยการใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันบิดเบือน ร่างกายมนุษย์... ตัวกรองเหล่านี้ช่วยให้คุณสร้าง พื้นที่ขนาดใหญ่การออกแบบที่เป็นนามธรรมโดยมีเกาะสีต่างๆ มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าทางและท่าทางการอาบน้ำของผู้หญิงที่เป็นที่ยอมรับแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันถูกกดทับกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบี้ยว ร่างกายของตัวเองโดยตระหนักว่าด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงมีอิทธิพลต่อมุมมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ของผู้หญิงเปลือยกาย ชั้นสีหนาถูกผสมเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม คุณสมบัติทางกายภาพที่น่าทึ่งก็ปรากฏให้เห็นในระยะใกล้ สีน้ำมัน... โดยการทดลองกับชั้นของสีและสี ฉันพบช่วงเวลาที่ลายเส้นนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งในทันทีและถึงกับหมกมุ่นอยู่กับมัน และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุด ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนเริ่มคลี่คลายและเปิดเผยความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ภาพวาดที่เป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน - หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำ”

อันโตนิโอ ฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี - “ ตัวจับเวลา” - อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างกรุงโรมและกัมโปบัสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ " ตัวจับเวลา”อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางนิรันดร์ผ่าน ความสงบภายในช่วงเวลาของมนุษย์และเกี่ยวข้องกับการวิเคราะห์โลกนี้อย่างละเอียดถี่ถ้วนองค์ประกอบหลักคือการผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่มันวางบนผิวหนัง

ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย ทุกเพศ และทุกสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าเป็นพยานถึงการผ่านกาลเวลา ศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความโหดเหี้ยมของกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอกำหนดผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปหนึ่งชื่อ: "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขา เขาไม่เพียงแต่วาดภาพบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาภายในตัวบุคคล

ฟลามิเนีย คาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี ลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในกรุงโรมเป็นเวลาสิบสองปี ในอังกฤษและฝรั่งเศสเป็นเวลาสามปี ได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลป์จาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะผู้ฟื้นฟูงานศิลปะ ก่อนหางานทำและอุทิศตนอย่างเต็มที่ในการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักสี นักออกแบบ และนักแสดง

Flaminia พัฒนาความหลงใหลในการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมันเพราะเธอชอบ “coiffer la pate” และยังเล่นกับวัสดุ เธอได้เรียนรู้เทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ: สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังบำบัดของศิลปะ

เดนิส เชอร์นอฟ

Denis Chernov - มีความสามารถ ศิลปินยูเครนเกิดในปี 1978 ในเมืองซัมบอร์ ภูมิภาคลวิฟ ประเทศยูเครน หลังจากจบการศึกษาจาก Kharkov โรงเรียนศิลปะในปี 1998 เขาอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ เขายังเรียนที่ Kharkov สถาบันการศึกษาของรัฐการออกแบบและศิลปะ แผนกกราฟิก จบการศึกษาในปี 2547

เขาเข้าร่วมเป็นประจำใน นิทรรศการศิลปะ, บน ช่วงเวลานี้เกิดขึ้นมากกว่าหกสิบครั้งทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชั่นส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายให้กับคริสตี้

Denis ทำงานในหลากหลายกราฟิกและ เทคนิคการวาดภาพ... ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดที่เขาโปรดปราน รายการหัวข้อสำหรับภาพวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาเขียนภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย แนวเพลง, ภาพประกอบหนังสือ, วรรณกรรมและ การฟื้นฟูประวัติศาสตร์และแฟนตาซี