Ang pagpipinta ng Russia sa unang kalahati ng ika-19 na siglo.

Ang romantismo at realismo ay katangian ng pinong sining ng Russia. Gayunpaman, ang opisyal na kinikilala na pamamaraan ay klasismo. Ang Academy of Arts ay naging isang konserbatibo at inert na institusyon na pinanghihinaan ng loob ang anumang pagtatangka sa malikhaing kalayaan. Hinihiling niya ang mahigpit na pagsunod sa mga canon ng klasismo, hinimok ang pagsulat ng mga kuwadro na gawa sa bibliya at mitolohiyang balak... Ang mga batang may talento na Ruso na artista ay hindi nasiyahan sa balangkas ng akademismo. Samakatuwid, madalas silang lumingon sa genre ng portrait.

Ang pagpipinta ay sumasalamin sa mga romantikong ideyal ng panahon ng pambansang pagtaas. Tinatanggihan ang mahigpit, hindi nakakainis na mga prinsipyo ng klasismo, natuklasan ng mga artista ang pagkakaiba-iba at pagiging natatangi ng mundo sa kanilang paligid. Hindi lamang ito nasasalamin sa mga pamilyar na genre - portrait at tanawin - ngunit nagbigay din ng lakas sa pagsilang ng pang-araw-araw na pagpipinta, na naging pokus ng pansin ng mga masters ng ikalawang kalahati ng siglo. Pansamantala, nanatili ang pagkaunahin para sa pang-makasaysayang genre... Ito ang huling kanlungan ng klasismo, ngunit narito rin, ang mga romantikong ideya at tema ay nakatago sa likurang pormalista na "harapan".

Romantismo - (Pranses romantisme), ideolohikal at direksyong masining sa European at American spiritual culture ng huling bahagi ng ika-18 - ika-1 kalahati. Ika-19 na siglo Sumasalamin ng pagkabigo sa ilalim na linya Rebolusyon sa Pransya huling bahagi ng ika-18 siglo, sa ideolohiya ng kaliwanagan at pag-unlad sa lipunan. Ang Romanismo ay pinagkakaiba ang utilitarianism at ang leveling ng personalidad sa pagsisikap para sa walang limitasyong kalayaan at "walang katapusan", ang pagkauhaw para sa pagiging perpekto at pagbago, ang mga pathos ng personal at sibil na kalayaan. Ang isang masakit na hindi pagkakasundo sa pagitan ng ideyal at panlipunang katotohanan ay ang batayan ng romantikong pananaw sa mundo at sining. Ang pagpapahayag ng tunay na halaga ng pang-espiritwal at malikhaing buhay ng isang tao, ang imahe ng malalakas na kinahihiligan, ang imahe ng malalakas na kinahihiligan, isang ispiritwalisado at nakagagamot na kalikasan, para sa maraming mga romantiko - mga kabayanihan ng protesta o pakikibaka ay magkakasama sa mga motibo ng "mundo kalungkutan "," kasamaan sa daigdig ", ang" gabi "na bahagi ng kaluluwa, na nakasuot ng mga anyo ng kabalintunaan, nakakagulat na mga makata ng isang dobleng mundo. Ang interes sa pambansang nakaraan (madalas na ideyalisasyon nito), ang mga tradisyon ng alamat at kultura ng sarili at ibang mga tao, ang pagnanais na lumikha ng isang pangkalahatang larawan ng mundo (pangunahing kasaysayan at panitikan), ang ideya ng isang pagbubuo ng sining natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at pagsasanay ng Romantismo.

SA sining Ang romantismo ay nagpapakita ng higit na malinaw sa pagpipinta at graphics, hindi gaanong malinaw sa iskultura at arkitektura (halimbawa, maling Gothic). Karamihan sa mga pambansang paaralan ng Romantismo sa mga visual arts na binuo sa pakikibaka laban sa opisyal na klasiko na akademiko.

Sa kailaliman ng opisyal na kultura ng estado, mayroong isang layer ng kulturang "elite" na nagsisilbi sa naghaharing uri (aristokrasya at korte ng hari) at nagtataglay ng isang espesyal na madaling kapitan sa mga dayuhang pagbabago. Sapatin itong alalahanin ang romantikong pagpipinta ni O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov at iba pang pangunahing mga artista ng ika-19 na siglo.

Kiprensky Orest Adamovich, Russian artist. Isang natitirang master ng pinong sining ng romantismo ng Russia, kilala siya bilang isang kahanga-hangang pintor ng larawan. Sa pagpipinta na "Dmitry Donskoy sa Kulikovo Field" (1805, Russian Museum) ipinakita niya ang isang tiwala na kaalaman sa mga canon ng akademikong larawan sa kasaysayan. Ngunit maaga, ang isang larawan ay nagiging lugar kung saan ang kanyang talento ay isiniwalat na natural at natural. Ang kanyang kauna-unahang larawan sa larawan ("A. K. Schwalbe", 1804, ibid.), Pininturahan sa pamamaraang "Rembrandt", ay tumatayo para sa nagpapahayag at dramatikong cut-and-shadow system na ito. Sa paglipas ng mga taon, ang kanyang kasanayan - naipamalas sa kakayahang lumikha, una sa lahat, natatanging mga indibidwal na katangian na mga imahe, pagpili ng mga espesyal na plastik na nangangahulugang lilimin ang katangiang ito - ay lumalakas. Puno sila ng kamangha-manghang sigla: isang larawan ng isang batang lalaki na A.A. Chelishchev (mga 1810-11), ipinares na mga imahe ng mag-asawa na F.V. at E.P. Rostopchin (1809) at V.S. at D.N. Tretyakov Gallery). Ang artista ay lalong nagpe-play ng mga posibilidad ng kulay at mga hiwa-hiwalay na pagkakaiba, background ng tanawin, mga detalyeng simboliko (E. S. Avdulina, circa 1822, ibid.). Alam ng artista kung paano gumawa ng kahit malaking seremonyal na mga larawan sa liriko, halos malapit sa kaluwagan ("Portrait of the Life-Hussar Colonel Evgraf Davydov", 1809, Russian Museum). Ang kanyang larawan ng isang bata, pinahanga ng makatang kaluwalhatian ni A.S. Pushkin ay isa sa pinakamahusay sa paglikha ng isang romantikong imahe. Sa gawain ni Kiprensky, si Pushkin ay mukhang solemne at romantiko, sa isang puwang ng maluwalhating patula. "Flatter mo ako, Orest," singhal ni Pushkin, sumulyap sa tapos na canvas. Si Kiprensky ay isa ring birtuoso draftsman, na lumikha (pangunahin sa diskarteng Italyano lapis at pastel) na mga halimbawa ng kasanayang grapiko, na madalas na daig ang kanyang larawan sa larawan na may bukas, kapanapanabik na ilaw na emosyonal. Ito ang mga pang-araw-araw na uri ("The Blind Musician", 1809, Russian Museum; "Kalmychka Bayusta", 1813, Tretyakov Gallery), at ang tanyag na serye ng mga lapis na larawan ng mga kalahok sa Patriotic War noong 1812 (mga guhit na naglalarawan sa E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilov , PAOlenin, ang parehong pagguhit kasama ng makatang Batyushkov at iba pa; 1813-15, Tretyakov Gallery at iba pang mga koleksyon); ang magiting na simula dito ay tumatagal ng isang may kaluluwang konotasyon. Ang isang malaking bilang ng mga sketch at ebidensyang pangkonteksto ay nagpapakita na ang artista sa buong panahon ng kanyang pag-iingat ay nagkagulo patungo sa paglikha ng isang malaki (sa kanyang sariling mga salita mula sa isang liham hanggang A.N. " inilalarawan sa anyong patulad. Ang "Mga Mambabasa ng dyaryo sa Naples" (1831, Tretyakov Gallery) - na parang isang potograpiya ng isang pangkat - ay isang lihim na simbolikong tugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan sa Europa.

Gayunpaman, ang pinaka-ambisyoso sa nakalarawan na mga alegasyon ni Kiprensky ay nanatiling hindi natanto o nawala (tulad ng Anacreon Tomb, na nakumpleto noong 1821). Ang mga romantikong paghahanap na ito, gayunpaman, ay nakatanggap ng isang malakihang pagpapatuloy sa mga gawa nina K. P. Bryullov at A. A. Ivanov.

Makatotohanang pamamaraan sumasalamin sa mga gawa ng V.A. Tropinin Ang maagang mga larawan ng Tropinin, na ipininta sa isang pinipigil na scheme ng kulay (mga larawan ng pamilya ng Count Morkovs noong 1813 at 1815, kapwa sa Tretyakov Gallery), buong pagmamay-ari pa rin ng tradisyon ng Age of Enlightenment: sa kanila ang modelo ay walang pasubali at matatag na gitna ng imahe. Nang maglaon, ang mga kulay ng pagpipinta ni Tropinin ay naging mas matindi, ang mga volume ay kadalasang nililok nang mas malinaw at sculpturally, ngunit ang pinakamahalaga, ang isang pulos romantikong pakiramdam ng mobile na elemento ng buhay ay insinuatingly lumalaki, isang bahagi lamang, isang fragment kung saan ang bayani ng ang larawan ay tila isang fragment ng (Bulakhov, 1823; KG Ravich ", 1823; self-portrait, circa 1824; ang lahat ay nasa parehong lugar). Tulad ni A.S Pushkin sa sikat na larawan ng 1827 (All-Russian Museum ng A.S. Pushkin, Pushkin): ang makata, na inilalagay ang kanyang kamay sa isang salansan ng papel, na parang "naririnig ang muso", nakikinig sa malikhaing panaginip na nakapalibot sa imahe hindi nakikita halo. Nagpinta din siya ng isang larawan ni Alexander Pushkin. Ang manonood ay ipinakita sa isang matalinong karanasan sa buhay, hindi isang napakasayang tao. Sa larawan ni Tropinin, ang makata ay kaakit-akit sa bahay. Isang bagay na espesyal na dating init at paginhawa ng Moscow ay nagmula sa mga gawa ng Tropinin. Hanggang sa edad na 47, nasa pagkabihag siya ng serf. Iyon ang dahilan kung bakit, marahil, ang mga mukha ng ordinaryong tao ay napaka-sariwa, napaka ispiritwalisado sa kanyang mga canvases. At walang katapusang kabataan at alindog ng kanyang "Lacemaker". Kadalasan, lumiliko ang VA Tropinin sa imahe ng mga tao mula sa mga tao ("The Lacemaker", "Portrait of a Son", atbp.).

Masining at ideolohikal na pakikipagsapalaran Kaisipang panlipunan ng Russia, ang pag-asa ng pagbabago ay makikita sa mga kuwadro na gawa ni K.P. Si Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" at si AA Ivanov "Ang Hitsura ni Kristo sa Tao."

Ang pagpipinta na "The Last Day of Pompeii" ni Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ay isang mahusay na likhang sining. Noong 1830 sa paghuhukay sinaunang siyudad Si Pompeii ay binisita ng Russian artist na si Karl Pavlovich Bryullov. Naglakad siya kasama ang mga sinaunang aspalto, hinahangaan ang mga fresko, at ang malagim na gabi ng Agosto 79 AD ay tumaas sa kanyang imahinasyon. e., nang ang lungsod ay natakpan ng mainit na abo at pumice ng nagising na si Vesuvius. Makalipas ang tatlong taon, ang pagpipinta na "The Last Day of Pompeii" ay gumawa ng isang matagumpay na paglalakbay mula sa Italya patungong Russia. Ang artista ay natagpuan ang mga kamangha-manghang kulay upang mailarawan ang trahedya ng sinaunang lungsod, namamatay sa ilalim ng lava at abo ng sumabog na Vesuvius. Ang larawan ay napuno ng matayog na humanistic ideals. Ipinapakita nito ang tapang ng mga tao, ang kanilang pagtatalaga, na ipinakita sa panahon ng isang matinding sakuna. Si Bryullov ay nasa Italya sa isang paglalakbay sa negosyo sa Academy of Arts. Sa institusyong pang-edukasyon na ito, mahusay na naayos ang pagsasanay sa pamamaraan ng pagpipinta at pagguhit. Gayunpaman, ang Academy ay walang alinlangan na ginabayan ng sinaunang pamana at kabayanihan na mga tema. Para kay pinturang pang-akademiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pandekorasyon na tanawin, theatricality ng pangkalahatang komposisyon. Ang mga tagpo mula sa modernong buhay, isang ordinaryong tanawin ng Russia ay itinuturing na hindi karapat-dapat sa brush ng artist. Ang klasismo sa pagpipinta ay tinawag na akademikismo. Si Bryullov ay naiugnay sa Academy sa lahat ng kanyang trabaho.

Siya ay nagkaroon ng isang malakas na imahinasyon masigla ang mata at may tapat na kamay - at nanganak siya ng mga nabubuhay na nilikha, na naaayon sa mga canon ng akademismo. Tunay na may biyaya ni Pushkin, alam niya kung paano makunan sa canvas at ang kagandahan ng hubad katawan ng tao, at ang panginginig ng isang sunbeam sa isang berdeng dahon. Ang walang kupas na mga obra ng pagpipinta ng Russia ay mananatili magpakailanman ng kanyang mga canvases na "Horsewoman", "Bathsheba", "Italian Morning", " Italyano tanghali", Maraming seremonyal at kilalang-kilala na mga larawan. Gayunpaman, ang artist ay palaging gravitated patungo sa malalaking mga tema ng kasaysayan, patungo sa paglalarawan ng mga makabuluhang kaganapan sa kasaysayan ng tao. Marami sa kanyang mga plano hinggil sa bagay na ito ay hindi naipatupad. Hindi iniwan ni Bryullova ang ideya ng paglikha ng isang epic canvas batay sa isang balangkas mula sa kasaysayan ng Russia. Sinimulan niya ang pagpipinta na "The Siege of Pskov ng mga Tropa ni Haring Stefan Batory". Inilalarawan nito ang kasukdulan na sandali ng pagkubkob noong 1581, nang ang mga mandirigma ng Pskov at. ang mga mamamayan ay naglunsad ng isang pag-atake sa mga Pole na pumasok sa lungsod at itinapon sila sa likod ng mga pader. Ngunit ang pagpipinta ay nanatiling hindi natapos, at ang gawain ng paglikha ng tunay na pambansang mga kuwadro ng kasaysayan ay isinagawa hindi ni Bryullov, ngunit ng susunod na henerasyon ng mga artista ng Russia. Ang isang taong gulang na si Pushkin, nabuhay siya ni Bryullov ng 15 taon. Siya ay may sakit sa mga nakaraang taon. Mula sa isang self-portrait, na pininturahan sa oras na iyon, isang mapula-pula na lalaking may maselan na mga tampok at isang kalmado, nakapangyarihang tingin ang tumingin sa amin.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. ang artist na si Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) ay nanirahan at nagtrabaho. Lahat ng aking malikhaing buhay inialay niya ang ideya ng espiritwal na paggising ng mga tao, na isinulat ito sa pagpipinta na "The Appearance of Christ to the People." Sa loob ng higit sa 20 taon ay nagtrabaho siya sa pagpipinta na "The Appearance of Christ to the People", kung saan inilagay niya ang lahat ng lakas at ningning ng kanyang talento. Sa harapan ng kanyang kamangha-manghang canvas, ang matapang na pigura ni Juan Bautista ay nakakuha ng mata, na itinuturo ang papalapit kay Cristo. Ang kanyang pigura ay ibinibigay sa di kalayuan. Hindi pa siya dumarating, darating siya, tiyak na darating siya, sabi ng artist. At ang mga mukha at kaluluwa ng mga naghihintay sa Tagapagligtas ay lumiwanag at nagpapadalisay. Sa larawang ito, ipinakita niya, tulad ng sinabi ni Ilya Repin na kalaunan, "isang api na taong hinahangad para sa salita ng kalayaan."

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Kasama sa pagpipinta ng Russia ang isang plot ng sambahayan.

Si Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) ay isa sa mga unang lumingon sa kanya. Inilaan niya ang kanyang gawain sa paglalarawan ng buhay ng mga magsasaka. Ipinakita niya ang buhay na ito sa isang perpektong, pinalamutian na form, na nagbibigay ng pagkilala sa noon ay sunod sa moda ng sentimentalismo. Gayunpaman, ang mga kuwadro na gawa ni Venetsianov na "The threshing floor", "Sa pag-aani. Tag-araw "," Sa lupang matamnan. Ang Spring "," Peasant Woman with Cornflowers "," Zakharka "," Umaga ng Landowner "na sumasalamin sa kagandahan at maharlika ng mga ordinaryong mamamayang Ruso, ay nagsilbi upang iginawad ang dignidad ng isang tao, anuman ang kanyang katayuan sa lipunan.

Ang kanyang mga tradisyon ay ipinagpatuloy ni Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Ang kanyang mga canvases ay makatotohanang, napuno ng nilalaman ng satirical, inilalantad ang walang katuturang moralidad, buhay at kaugalian ng tuktok ng lipunan ("The Courtship of a Major", "Fresh Cavalier", atbp.). Sinimulan niya ang kanyang karera bilang isang satirist bilang isang opisyal-bantay. Pagkatapos ay gumawa siya ng nakakatawa, pilyong mga sketch ng buhay hukbo. Noong 1848, ang kanyang pagpipinta na "The Fresh Cavalier" ay ipinakita sa isang akademikong eksibisyon. Ito ay isang matapang na pagbibiro hindi lamang ng mapurol, matuwid na burukrasya, kundi pati na rin ng mga tradisyon ng akademiko. Ang maruming balabal kung saan isinusuot ng bida ng larawan ay lubos na nakapagpapaalala ng isang antigong toga. Si Bryullov ay nakatayo sa harap ng canvas ng mahabang panahon, at pagkatapos ay sinabi sa may-akda na medyo pabirong kalahating seryoso: "Binabati kita, tinalo mo ako." Ang iba pang mga kuwadro na gawa ni Fedotov ("Almusal ng isang Aristocrat", "The Courtship of a Major") ay din ng isang comedy-satirical character. Ang kanyang huling mga kuwadro na gawa ay napakalungkot ("Anchor, anchor pa rin!", "The Widow"). Wastong inihambing ng mga kapanahon ang P. A. Fedotov sa pagpipinta kay N. V. Gogol sa panitikan. Ang pagkakalantad sa mga ulser ng pyudal na Russia ay ang pangunahing tema ng gawain ni Pavel Andreevich Fedotov.

Ang pagpipinta ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.

Pangalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng yumayabong na pagmulturang sining ng Russia. Ito ay naging isang tunay na mahusay na sining, napuno ng mga pathos ng pakikibaka ng paglaya ng sambayanan, tumugon sa hinihingi ng buhay at aktibong sinalakay ang buhay. Ang pagiging totoo ay tuluyang naitatag sa mga visual arts - isang totoo at komprehensibong pagsasalamin sa buhay ng mga tao, ang pagnanais na muling itayo ang buhay na ito sa batayan ng pagkakapantay-pantay at hustisya.

Ang kamalayan ng pagliko ng bagong pagpipinta ng Russia patungo sa demokratikong realismo, nasyonalidad, modernidad ay naging maliwanag sa huling bahagi ng 50s, kasama ang rebolusyonaryong sitwasyon sa bansa, kasama ang pagkahinog sa lipunan ng magkakaibang intelektuwal, kasama ang rebolusyonaryong paliwanag ng Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov -Shchedrin, kasama ang mga taong mahilig sa mga tula ng Nekrasov ... Sa "Sketches of the Gogol Period" (noong 1856) sumulat si Chernyshevsky: "Kung ang pagpipinta ay sa pangkalahatan ay nasa isang malungkot na posisyon, ang pangunahing dahilan para dito ay dapat isaalang-alang ang paglayo ng sining na ito mula sa mga napapanahong hangarin." Ang parehong ideya ay binanggit sa maraming mga artikulo ng magasing Sovremennik.

Ang sentral na tema ng sining ay naging mga tao, hindi lamang inaapi at nagdurusa, kundi pati na rin ang mga tao - ang tagalikha ng kasaysayan, ang taong-manlalaban, ang lumikha ng lahat ng pinakamahusay sa buhay.

Ang pagpapahayag ng pagiging totoo sa sining ay naganap sa isang matigas ang ulo pakikibaka laban sa opisyal na direksyon, ang kinatawan nito ay ang pamumuno ng Academy of Arts. Ang mga pigura ng akademya ay nagtanim sa kanilang mga mag-aaral ng ideya na ang sining ay mas mataas kaysa sa buhay, na isinasaad lamang sa mga biblikal at mitolohikal na tema para sa gawain ng mga artista.

Ngunit ang pagpipinta ay nagsisimulang sumunod sa modernong mga hangarin - una sa lahat sa Moscow. Paaralang Moscow at ang ikasampu ay hindi nasiyahan sa mga pribilehiyo ng St. Petersburg Academy of Arts, ngunit hindi gaanong nakasalalay sa mga naka-ugat na dogma, ang kapaligiran dito ay mas buhay. Bagaman ang mga guro sa Paaralan ay kadalasang akademiko, ang mga akademiko ay pangalawa at nag-aalangan - hindi nila pinigilan ang kanilang awtoridad tulad ng sa Academy of F. Bruni, ang haligi ng lumang paaralan, na dating nakikipagkumpitensya sa pagpipinta ni Bryullov na "The Brazen Serpent ".

Noong 1862, nagpasya ang Konseho ng St. Petersburg Academy of Arts na gawing pantay ang mga karapatan ng lahat ng mga genre, tinanggal ang kataas-taasang kapangyarihan pagpipinta sa kasaysayan... Ang gintong medalya ay iginawad ngayon anuman ang tema ng pagpipinta, na isinasaalang-alang lamang ang mga katangian nito. Gayunpaman, ang "kalayaan" sa loob ng dingding ng akademya ay hindi nagtagal.

Noong 1863, ang mga batang artista na nakikilahok sa kompetisyon sa akademiko ay nagsumite ng isang petisyon "para sa pahintulot na malayang pumili ng mga paksa para sa mga nais ito, bilang karagdagan sa isang naibigay na tema." Tumanggi ang council ng akademya. Ang sumunod na nangyari, sa kasaysayan ng sining ng Russia, ay tinawag na "rebelyon ng labing-apat." Labing-apat na mag-aaral ng klase sa kasaysayan ay hindi nais na magpinta ng mga larawan sa iminungkahing tema mula sa mitolohiyang Scandinavian - "Feast in Valgaal" at demonstrative na nagsumite ng isang petisyon - na umalis sa akademya. Nahanap ang kanilang sarili na walang mga pagawaan at walang pera, ang mga rebelde ay nagkakaisa sa isang uri ng komyunidad - tulad ng mga komyun na inilarawan ni Chernyshevsky sa nobelang "Ano ang dapat gawin?" - ang Artel of Artists, na pinamumunuan ng pintor na si Ivan Nikolaevich Kramskoy. Ang mga artel ay kumuha ng mga order para sa pagpapatupad ng iba`t ibang likhang sining, nanirahan sa parehong bahay, natipon sa karaniwang silid para sa mga pag-uusap, pagtalakay sa mga kuwadro na gawa, pagbabasa ng mga libro.

Pagkalipas ng pitong taon, naghiwalay ang Artel. Sa oras na ito, noong dekada 70, sa inisyatiba ng artist na Grigory Grigorievich Myasoedov, lumitaw ang isang asosasyon - "The Association of Artistic Movable Inserts", isang propesyonal at komersyal na asosasyon ng mga artista na nagtataglay ng magkatulad na posisyon sa ideolohiya.

Ang Association of the Wanderers, hindi katulad ng maraming mga asosasyon sa paglaon, ay gumawa nang walang anumang mga deklarasyon at manifesto. Inilahad lamang ng charter nito na ang mga kasapi ng Pakikipagtulungan ay dapat na pamahalaan ang kanilang mga materyal na gawain, hindi depende sa sinuman sa paggalang na ito, pati na rin ayusin ang kanilang mga eksibisyon at dalhin sila sa iba't ibang mga lungsod ("ilipat" ang mga ito sa paligid ng Russia) upang makilala ang bansa na may Russian art ... Ang parehong mga puntong ito ay may makabuluhang kahalagahan, na igiit ang kalayaan ng sining mula sa mga awtoridad at kagustuhan ng mga artista na makipag-usap nang malawak sa mga tao hindi lamang mula sa kabisera. Ang pangunahing papel sa paglikha ng Pakikipagtulungan at pagpapaunlad ng charter nito ay pagmamay-ari ng Kramskoy Myasoedov, Ge - mula sa Petersburgers, at mula sa Muscovites - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.

Ang mga "Wanderers" ay nagkakaisa sa kanilang pagtanggi sa "akademikismo" ng mitolohiya nito, pandekorasyon na mga tanawin at magarbong teatrikalidad. Nais nilang ilarawan ang buhay na pamumuhay. Nangungunang lugar sa kanilang gawain ay inookupahan ng mga genre (pang-araw-araw) na mga eksena. Ang magsasaka ay nasiyahan sa partikular na pakikiramay sa mga "Itinerant". Ipinakita nila ang kanyang pangangailangan, pagdurusa, pang-aapi. Sa oras na iyon - noong 60s at 70s. XIX siglo - ang pang-ideolohikal na bahagi ng sining ay pinahahalagahan nang mas mataas kaysa sa aesthetic. Sa paglipas ng panahon lamang naalala ng mga artista ang tunay na halaga ng pagpipinta.

Marahil ang pinakadakilang pagkilala sa ideolohiya ay ibinigay ni Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Sapat na alalahanin ang mga naturang larawan niya bilang "Ang pagdating ng pulisya para sa pagsisiyasat", "Pag-inom ng tsaa sa Mytishchi". Ang ilan sa mga gawa ni Perov ay napuno ng tunay na trahedya ("Troika", "Matandang magulang sa libingan ng kanilang anak na lalaki"). Ang brush ni Perov ay kabilang sa isang bilang ng mga larawan ng kanyang bantog na mga kapanahon (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky).

Ang ilan sa mga "Wanderers" na canvase, na ipininta mula sa buhay o sa ilalim ng impression mula sa totoong mga eksena, ay nagpayaman ng aming mga ideya tungkol sa buhay ng mga magsasaka. Ang pagpipinta ni SA Korovin na "Sa Mundo" ay nagpapakita ng isang sagupaan sa isang nayon na pagtitipon sa pagitan ng isang mayaman at isang mahirap na tao. Nakuha ni VM Maksimov ang galit, luha, at kalungkutan ng dibisyon ng pamilya. Ang solemne na kasiyahan ng paggawa ng mga magsasaka ay makikita sa pagpipinta ni G. G. Myasoedov "Mowers".

Sa gawain ng Kramskoy, ang pangunahing lugar ay sinakop pagpipinta ng larawan... Sumulat siya kay Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Nagmamay-ari siya ng isa sa pinakamagandang larawan ni Leo Tolstoy. Tumingin ang manunulat ay hindi iniiwan ang manonood, mula sa anumang puntong tinitingnan niya ang canvas. Ang isa sa pinakamakapangyarihang gawa ng Kramskoy ay ang pagpipinta na "Christ in the Desert".

Ang unang eksibisyon ng "Wanderers" ay binuksan noong 1871 na kapani-paniwalang ipinakita ang pagkakaroon ng isang bagong kalakaran na kumukuha ng anyo noong dekada 60. Mayroong lamang 46 na mga exhibit (sa kaibahan sa masalimuot na mga eksibisyon ng Academy), ngunit maingat na napili, at kahit na ang eksibisyon ay hindi sadyang nai-program, ang pangkalahatang hindi nakasulat na programa ay sapat na malinaw. Ipinakita ang lahat ng mga genre - makasaysayang, araw-araw, tanawin ng landscape - at maaaring husgahan ng madla kung ano ang bago sa kanila ng mga "Wanderers". Ang iskultura lamang ang hindi pinalad (mayroon lamang, at kahit na pagkatapos ay isang hindi kapansin-pansin na iskultura ni F. Kamensky), ngunit ang ganitong uri ng sining ay "malas" sa mahabang panahon, talaga ang buong ikalawang kalahati ng siglo.

Sa pagsisimula ng dekada 90, sa mga batang artista ng paaralang Moscow, mayroon, gayunpaman, ang mga taong may karapat-dapat at seryosong nagpatuloy sa tradisyon ng pamamasyal sa sibiko: S. Ivanov kasama ang kanyang ikot ng mga kuwadro na gawa tungkol sa mga imigrante, S. Korovin - ang may-akda ng ang pagpipinta na "Sa Mundo", kung saan ito ay kagiliw-giliw na dramatiko (talagang dramatiko!) mga banggaan ng nayon ng pre-reporma ay naisip na isiniwalat. Ngunit hindi sila ang nagtakda ng tono: ang pagdating sa unahan ng "Daigdig ng Sining" ay papalapit, pantay na malayo sa naglalakbay na kilusan at ng Academy. Ano ang hitsura ng Academy sa oras na iyon? Ang kanyang dating masining na mahigpit na pag-uugali ay nawala, hindi na niya iginiit ang mahigpit na mga kinakailangan ng neoclassicism, sa kilalang hierarchy ng mga genre, siya ay medyo mapagparaya sa pang-araw-araw na genre, mas pinili niya na ito ay "maganda" kaysa "muzhik" ( isang halimbawa ng mga "magagandang" gawaing hindi pang-akademiko - mga eksena mula sa sinaunang buhay ng sikat noon na S. Bakalovich). Sa karamihan ng bahagi, ang mga produktong hindi pang-akademiko, tulad ng nangyari sa ibang mga bansa, ay mga produktong burgis-salon, kanilang "kagandahan" - bulgar na kagandahan. Ngunit hindi masasabing hindi niya inilahad ang mga talento: ang nabanggit na G. Semiradsky ay may talento, si V. Smirnov, na namatay ng maaga (na nagawang lumikha ng isang kahanga-hangang malaking larawan na "The Death of Nero"); tiyak artistikong merito mga kuwadro na gawa ni A. Svedomsky at V. Kotarbinsky. Tungkol sa mga artist na ito, isinasaalang-alang ang mga ito na maging tagadala ng "Hellenic spirit", nagsalita siyang aprubado sa kanya mamaya taon Repin, pinahanga nila si Vrubel, tulad ni Aivazovsky, isang "akademiko" ring artista. Sa kabilang banda, walang iba kundi ang Semiradsky, sa panahon ng muling pag-aayos ng Academy, mapagpasyang nagsalita pabor sa uri, na itinuturo kina Perov, Repin at V. Mayakovsky bilang isang positibong halimbawa. Kaya't may sapat na mga punto ng tagpo sa pagitan ng "Wanderers" at ng Academy, at ang dating bise-pangulo ng Academy, II Tolstoy, na nauunawaan ito, sa kaninong pagkusa ang mga nangungunang "Wanderers" ay tinawag upang magturo.

Ngunit ang pangunahing bagay na hindi pinapayagan kaming ganap na bawasin ang papel na ginagampanan ng Academy of Arts, pangunahin bilang isang institusyong pang-edukasyon, sa ikalawang kalahati ng siglo ay ang simpleng katotohanan na maraming natitirang mga artista... Ito ang Repin, at Surikov, at Polenov, at Vasnetsov, at kalaunan - Serov at Vrubel. Bukod dito, hindi nila inulit ang "kaguluhan ng labing-apat" at, tila, nakinabang mula sa kanilang pagiging mag-aaral.

Ang paggalang sa pagguhit, para sa itinayo na nakabubuo na form ay nag-ugat sa sining ng Russia. Ang pangkalahatang oryentasyon ng kultura ng Russia tungo sa pagiging totoo ay naging dahilan para sa katanyagan ng pamamaraan ni Chistyakov - isang paraan o iba pa, ang mga pintor ng Russia hanggang sa Serov, Nesterov at Vrubel, kasama, pinarangalan ang "hindi matitinag na walang hanggang mga batas ng porma" at nag-ingat sa "pagkabihag "o pagsusumite sa makukulay na sangkap na walang hugis, gaano man nila mahal ang kulay.

Kabilang sa mga Itinerant na naimbitahan sa Academy ay ang dalawang mga pintor sa landscape - sina Shishkin at Kuindzhi. Sa panahong iyon nagsimula ang hegemonya ng tanawin sa sining kapwa bilang isang malayang genre, kung saan naghari si Levitan, at bilang isang pantay na elemento ng pang-araw-araw, makasaysayang, at bahagyang pagpipinta ng larawan. Taliwas sa mga pagtataya ng Stasov, na naniniwala na ang papel na ginagampanan ng tanawin ay mabawasan, noong dekada 90 ay lumaki ito nang higit pa kaysa dati. Ang liriko na "mood landscape" ay nanaig, na sinusundan ang linya nito mula sa Savrasov at Polenov.

Ang "Wanderers" ay gumawa ng totoong mga pagtuklas sa pagpipinta ng landscape. Alexei Kondratyevich Savrasov (1830-1897) pinamamahalaang ipakita ang kagandahan at banayad na lyricism ng isang simpleng tanawin ng Russia. Ang kanyang pagpipinta na "The Rooks Have Dumating" (1871) na gumawa ng maraming mga kapanahon na tumingin ng sariwang likas na kalikasan.

Si Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) ay namuhay ng maikling buhay. Ang kanyang trabaho, na pinutol sa simula pa lamang, ay nagpayaman sa pagpipinta ng Russia na may isang bilang ng mga pabago-bago, kapana-panabik na mga landscape. Lalo na nagtagumpay ang artist sa mga transitional state na likas: mula sa araw hanggang sa pag-ulan, mula sa kalmado hanggang sa bagyo.

Si Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) ay naging mang-aawit ng kagubatan ng Russia, ang lawak ng kalikasan ng kalikasan ng Russia. Ang Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) ay naakit ng nakamamanghang pag-play ng ilaw at hangin. Ang mahiwagang ilaw ng buwan sa mga bihirang ulap, ang mga pulang pagsasalamin ng bukang liwayway sa mga puting pader ng mga kubo ng Ukraine, pahilig na mga sinag ng umaga na sinisira ang hamog na ulap at naglalaro sa mga puddle sa maputik na kalsada - ito at maraming iba pang magagandang natuklasan ay nakuha sa kanya mga canvases

Ang pagpipinta ng tanawin ng Russia ng ika-19 na siglo ay umabot sa rurok ng gawain ng mag-aaral ng Savrasov na si Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Si Levitan ay isang master ng kalmado, tahimik na mga tanawin. Ang tao ay napaka mahiyain, mahiyain at mahina, alam niya kung paano magpahinga lamang mag-isa sa kalikasan, napuno ng kalagayan ng kanyang minamahal na tanawin.

Kapag siya ay dumating sa Volga upang ipinta ang araw, hangin at ilawak na paglawak. Ngunit walang araw, walang katapusang ulap ang gumagapang sa kalangitan, at tumigil ang mapurol na ulan. Kinabahan ang artist hanggang sa siya ay nasali sa panahon na ito at natuklasan ang espesyal na alindog ng mga lilac na kulay ng masamang panahon ng Russia. Mula noon, ang Upper Volga, ang bayan ng Ples, ay matatag na naitatag sa kanyang trabaho. Sa mga bahaging iyon, nilikha niya ang kanyang "maulan" na mga gawa: "After the Rain", "Gloomy Day", "Over Eternal Peace". Mayroon ding ipininta na matahimik na mga tanawin ng gabi: "Gabi sa Volga", "Gabi. Gintong pag-abot "," Mga kampanilya sa gabi "," Tahimik na tirahan ".

Sa huling mga taon ng kanyang buhay, iginuhit ng pansin ni Levitan ang gawain ng mga pinturang impresyonista ng Pransya (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Napagtanto niya na marami siyang pagkakapareho sa kanila, na ang kanilang malikhaing paghahanap ay papunta sa parehong direksyon. Tulad ng mga ito, ginusto niyang magtrabaho hindi sa studio, ngunit sa bukas na hangin (sa bukas na hangin, tulad ng sinasabi ng mga artista). Tulad ng mga ito, pinasasalamatan niya ang paleta, tinatanggal ang madilim, makalupang mga kulay. Tulad ng mga ito, pinagsikapan niyang makuha ang panandalian ng buhay, upang maiparating ang mga paggalaw ng ilaw at hangin. Sa ito ay nagpunta sila nang higit pa kaysa sa kanya, ngunit halos natunaw ang mga volumetric form (bahay, puno) sa mga daloy ng ilaw-hangin. Iniwasan niya ito.

"Ang mga kuwadro na gawa ni Levitan ay nangangailangan ng mabagal na pagsusuri, - sumulat ng isang mahusay na tagapagsilbi sa kanyang gawa na KG Paustovsky, - Hindi nila pinalalaki ang mata. Ang mga ito ay katamtaman at tumpak, tulad ng mga kwento ni Chekhov, ngunit kung mas matagal mo silang tiningnan, mas kaaya-aya ang katahimikan ng mga bayan ng probinsya, pamilyar na mga ilog at mga kalsada sa bansa.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. kailangan malikhaing yumayabong I. E. Repin, V. I. Surikov at V. A. Serov.

Si Ilya Efimovich Repin (1844-1930) ay ipinanganak sa lungsod ng Chuguev, sa pamilya ng isang settler ng militar. Nagawa niyang pumasok sa Academy of Arts, kung saan ang kanyang guro ay si P.P Chistyakov, na nagdala ng buong kalawakan ng mga sikat na artista (V.I.Surikov, V.M. Vasnetsov, M.A.Vrubel, V.A. Serov). Marami ring natutunan si Repin mula kay Kramskoy. Noong 1870 ang batang artista ay naglakbay kasama ang Volga. Maraming mga sketch na dinala mula sa paglalakbay, ginamit niya para sa pagpipinta na "Barge Haulers on the Volga" (1872). Malakas ang naging impression niya sa publiko. Agad na lumipat ang may-akda sa ranggo ng pinakatanyag na mga panginoon.

Si Repin ay isang napakaraming gamit sa sining. Ang isang bilang ng mga hindi kapani-paniwala na mga kuwadro na genre ay nabibilang sa kanyang brush. Marahil ay hindi gaanong kahanga-hanga kaysa sa Burlaki ay ang Proseso ng Krus sa Lalawigan ng Kursk. Ang maliwanag na asul na langit, ang mga ulap ng alikabok sa kalsada ay natagos ng araw, ang ginintuang ningning ng mga krus at damit, pulisya, karaniwang tao at lumpo - lahat ay umaangkop sa canvas na ito: ang kadakilaan, lakas, kahinaan at sakit ng Russia.

Sa maraming mga kuwadro na gawa ni Repin, ang mga rebolusyonaryong tema ay hinawakan ("Pagtanggi sa Kumpisal", "Hindi nila Inaasahan", "Ang Pag-aresto ng isang Propagandist"). Ang mga rebolusyonaryo sa kanyang mga kuwadro ay kumilos nang simple at natural, na iniiwasan ang mga pose at kilos ng teatro. Sa pagpipinta na "Pagtanggi sa Kumpisal", ang hinatulang mamatay ay tila sadyang itinago ang kanyang mga kamay sa kanyang manggas. Malinaw na nakiramay ang artist sa mga bayani ng kanyang mga kuwadro.

Ang isang bilang ng mga canvases ni Repin ay nakasulat sa mga tema ng kasaysayan ("Ivan the Terrible and his son Ivan", "Cossacks na bumubuo ng isang liham sa Turkish sultan", atbp.). Gumawa si Repin ng isang buong gallery ng mga larawan. Nagpinta siya ng mga larawan ng mga siyentista (Pirogov at Sechenov), mga manunulat na Tolstoy, Turgenev at Garshin, mga kompositor na sina Glinka at Mussorgsky, mga artista na Kramskoy at Surikov. Sa simula ng XX siglo. nakatanggap siya ng isang order para sa pagpipinta na "Ang seremonya ng pagpupulong ng Konseho ng Estado." Ang artist ay pinamamahalaang hindi lamang sa komposisyon na ilagay sa canvas tulad malaking bilang kasalukuyan, ngunit din upang magbigay ng isang sikolohikal na paglalarawan ng marami sa kanila. Kabilang sa mga ito ay tulad sikat na pigura bilang S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tyan-Shansky. Si Nicholas II ay halos hindi kapansin-pansin sa larawan, ngunit napaka-manipis na paglalarawan.

Si Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) ay ipinanganak sa Krasnoyarsk, sa isang pamilyang Cossack. Ang kasagsagan ng kanyang trabaho ay bumagsak noong dekada 80, nang lumikha siya ng tatlo sa kanyang pinakatanyag na mga kuwadro ng kasaysayan: "Ang Umaga ng Pagpapatupad ng Strelets", "Menshikov sa Berezovo" at "Boyarynya Morozova".

Alam na alam ni Surikov ang buhay at kaugalian ng nakaraang mga panahon, nakapagbigay ng maliwanag sikolohikal na katangian... Bilang karagdagan, siya ay isang mahusay na colourist (master of color). Sapat na alalahanin ang nakasisilaw na sariwang, sparkling snow sa pagpipinta na Boyarynya Morozova. Kung lalapit ka sa canvas, ang niyebe, na parang, "gumuho" sa asul, asul, rosas na mga stroke. Ito magandang pagtanggap, kapag dalawa o tatlong magkakaibang mga stroke sa isang distansya na sumanib at ibigay ang ninanais na kulay, ay malawakang ginamit ng mga impressionista ng Pransya.

Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), ang anak ng kompositor, ay nagpinta ng mga landscape, canvases sa mga makasaysayang tema, nagtrabaho bilang isang artista sa teatro. Ngunit ang katanyagan ay dinala sa kanya, una sa lahat, sa pamamagitan ng kanyang mga larawan.

Noong 1887, ang 22-taong-gulang na Serov ay nagbabakasyon sa Abramtsevo, isang dacha ng patron na si S. I. Mamontov malapit sa Moscow. Kabilang sa kanyang maraming mga anak, ang batang artist ay ang kanyang sariling tao, isang kalahok sa kanilang maingay na mga laro. Isang hapon, dalawang tao ang aksidenteng nagtagal sa silid kainan - sina Serov at 12-taong-gulang na si Verusha Mamontova. Nakaupo sila sa mesa, kung saan may mga milokoton, at sa panahon ng pag-uusap ay hindi napansin ni Verusha kung paano sinimulang iguhit ng artist ang kanyang larawan. Ang trabaho ay nag-drag sa loob ng isang buwan, at nagalit si Verusha na pinipilit siya ni Anton (iyon ang pangalan ni Serov) na umupo sa silid kainan ng maraming oras.

Sa simula ng Setyembre "Girl with Peaches" ay natapos na. Sa kabila ng maliit na laki nito, ang pagpipinta, na pininturahan ng mga rosas-gintong tono, ay tila napaka "maluwang". Maraming ilaw at hangin dito. Ang batang babae, na naupo sa mesa na para bang isang minuto at nakatuon ang kanyang tingin sa manonood, inanyayahan siya ng kalinawan at kabanalan. Oo, at ang buong canvas ay pinasadahan ng isang pulos pambata na pang-unawa sa pang-araw-araw na buhay, kung ang kaligayahan ay hindi alam ang sarili nito, at may isang buong buhay sa hinaharap.

Ang mga naninirahan sa bahay na "Abramtsevo", syempre, naintindihan na isang himala ang nangyari sa kanilang mga mata. Ngunit ang oras lamang ang nagbibigay ng huling pagtatantya. Inilagay nito ang "Girl with Peach" kabilang sa mga pinakamahusay na gawa sa portrait sa Russian at pandaigdigang pagpipinta.

Nang sumunod na taon ay nagawang ulit ni Serov ang kanyang mahika. Nagpinta siya ng isang larawan ng kanyang kapatid na si Maria Simonovich ("Isang batang babae na naiilawan ng araw"). Ang pangalan ay natigil nang medyo hindi tumpak: ang batang babae ay nakaupo sa lilim, at ang background glade ay naiilawan ng mga sinag ng araw ng umaga. Ngunit sa larawan ang lahat ay nagkakaisa, kaya't isa - umaga, araw, tag-araw, kabataan at kagandahan - na mahirap mag-isip ng isang mas mahusay na pangalan.

Si Serov ay naging isang naka-istilong pintor ng larawan. Ang mga bantog na manunulat, artista, pintor, negosyante, aristokrata, kahit mga tsars ay nagpose sa harap niya. Maliwanag, hindi lahat ng sinulat niya ay mayroong kaluluwa. Ang ilang mga larawan sa mataas na lipunan, na may diskarteng filigree ng pagpapatupad, ay naging malamig.

Sa loob ng maraming taon nagturo si Serov sa Moscow School of Painting, Sculpture at Architecture. Siya ay isang hinihingi na guro. Kalaban ng nagyeyelong mga porma ng pagpipinta, si Serov, nang sabay-sabay, ay naniniwala na ang mga malikhaing paghahanap ay dapat na batay sa isang matibay na karunungan ng pamamaraan ng pagguhit at pagsulat ng larawan. Maraming natitirang mga masters ang itinuturing na mga mag-aaral ni Serov. Ito ang M.S.Saryan, K.F. Yuon, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Maraming mga kuwadro na gawa ni Repin, Surikov, Levitan, Serov, "Itinerants" ay kasama sa koleksyon ng Tretyakov. Si Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), isang kinatawan ng isang matandang pamilya ng merchant sa Moscow, ay isang hindi pangkaraniwang tao... Manipis at matangkad, na may makapal na balbas at mahinang boses, mukhang mas banal siya kaysa sa isang mangangalakal. Nagsimula siyang mangolekta ng mga kuwadro na gawa ng mga Russian artist noong 1856. Ang kanyang libangan ay lumago sa pangunahing gawain ng kanyang buhay. Noong unang bahagi ng dekada 90. ang koleksyon ay umabot sa antas ng museo, na sumisipsip ng halos buong estado ng kolektor. Nang maglaon ay naging pag-aari ng Moscow. Ang Tretyakov Gallery ay naging isang tanyag na museyo ng pagpipinta ng Russia, graphics at iskultura.

Noong 1898, ang Russian Museum ay binuksan sa St. Petersburg, sa Mikhailovsky Palace (ang paglikha ng K. Rossi). Nakatanggap ito ng mga gawa ng mga Russian artist mula sa Hermitage, Academy of Arts at ilang mga imperyo na palasyo. Ang pagbubukas ng dalawang museyo na ito, ay bilang korona, nakoronahan ang mga nagawa ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo.

Mahusay na mga foreign artist

Mga foreign artist

Ang mga pinta ni Lorenzetti ay magkakasama na pinagsama ang mga tradisyon ng pagpipinta ng Sienese kasama ang lirisismo nito at ang paglalahat ng mga form na katangian ng sining ni Giotto at ang pananaw ng spatial na konstruksyon. Bagaman ang artista ay gumagamit ng mga asignaturang pang-relihiyoso at pantulad, malinaw na ipinapakita ng mga kuwadro na gawa ang mga tampok ng kontemporaryong buhay. Ang maginoo na tanawin, katangian ng mga kuwadro na gawa ng mga master ng ika-14 na siglo, ay pinalitan ng mga makikilalang mga tanawin ng Tuscan sa Lorenzetti. Nagpinta siya ng napaka makatotohanang mga ubasan, bukirin, lawa, pantalan ng dagat, napapaligiran ng hindi maaabot na mga bato.

Eyck Wang
Bansa: Netherlands

Ang lugar ng kapanganakan ng mga kapatid na Van Eyck ay ang lungsod ng Maaseik. Maliit na impormasyon ang nakaligtas tungkol sa kanyang nakatatandang kapatid na si Hubert. Nabatid na siya ang nagsimulang magtrabaho sa sikat na altar ng Ghent sa simbahan ng St. Bavo sa Ghent. Marahil, ang komposisyon ng disenyo ng dambana ay pagmamay-ari niya. Ang paghuhusga sa pamamagitan ng napanatili na mga archaic na bahagi ng altar - "Pagsamba sa Kordero", mga pigura ng Diyos Ama, Maria at Juan Bautista- Ang Hubert ay maaaring tawaging isang master ng panahon ng paglipat. Ang kanyang mga gawa ay nagdala ng higit na malapit sa mga tradisyon ng huli na Gothic (abstract-mystical interpretasyon ng tema, pagkakasunud-sunod sa paglipat ng espasyo, hindi gaanong ipinahayag ang interes sa imahe ng isang tao).

Mga foreign artist

Si Albrecht Durer, ang dakilang artista ng Aleman, ang pinakamalaking kinatawan ng kulturang Renaissance sa Alemanya. Ipinanganak sa Nuremberg sa isang pamilya ng mga goldsmith mula sa Hungary. Sa una ay nag-aral siya kasama ang kanyang ama, pagkatapos ay sa pintor ng Nuremberg na M. Wolgemut (1486-89). Sa panahon ng kanyang pag-aaral at sa mga taon ng paggala sa southern Germany (1490-94), sa isang paglalakbay sa Venice (1494-95), natanggap niya ang pamana ng ika-15 siglo, ngunit ang kalikasan ang naging pangunahing guro niya.

Bosch Jerome
(1450-1516)
Bansa: Alemanya

Bosch Jerome, mahusay na pintor ng Dutch. Ipinanganak sa Herzogenbosch. Ang kanyang lolo, kapatid na lalaki ng lolo, at lahat ng lima niyang mga tiyuhin ay artista. Noong 1478, ikinasal si Bosch sa isang mayamang babaeng patrician, si Aleid van Merverme, na ang pamilya ay kabilang sa pinakamataas na aristokrasya. Walang mga anak mula sa kasal na ito, at hindi siya partikular na masaya. Gayunpaman, nagdala siya ng kagalingang materyal sa artist, at, hindi pa naging sapat na kilalang kilala, kayang magsulat ni Bosch ayon sa gusto niya.

Botticelli Sandro
(1445-1510)
Bansa: Italya

Tunay na pangalan - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, ang mahusay na pintor ng Italian Renaissance. Ipinanganak sa Florence sa pamilya ng isang tanner. Sa una, siya ay ipinadala upang mag-aral kasama ang isang tiyak na Botticelli, isang platero, mula kanino tinanggap ni Alessandro Filipepi ang kanyang apelyido. Ngunit ang pagnanasa para sa pagpipinta ay pinilit siya noong 1459-65 upang mag-aral kasama ang sikat na artista sa Florentine na si Fra Philippe Lhio. Maagang gumagana Botticelli ( "Adoration of the Magi", "Judith and Holofernes" at lalo na ang Madonna - "Madonna Corsini", "Madonna na may Rosas", "Madonna na may dalawang anghel") ay nakasulat sa ilalim ng impluwensya ng huli.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
Bansa: Italya

Ang totoong pangalan ay Andrea di Michele di Francesco Cioni, isang natitirang iskulturang Italyano. Ipinanganak sa Florence. Ay sikat na iskultor, pintor, draftsman, arkitekto, alahas, musikero. Sa bawat genre, itinatag niya ang kanyang sarili bilang isang master inovator, na hindi inuulit kung ano ang nagawa ng kanyang mga hinalinhan.

Carpaccio Vittore
(mga 1455/1465 - mga 1526)
Bansa: Italya

Carpaccio Vittore (c. 1455/1465 - c. 1526) - pintor ng Italyano. Ipinanganak sa Venice. Nag-aral siya ng Gentile Bellini, malakas na naiimpluwensyahan ni Giovanni Bellini at bahagyang ni Giorgione. Maingat na pinagmamasdan ang mga kaganapan sa modernong buhay, ang artist na ito ay nakapagbusog ng kanyang mga relihiyosong komposisyon sa isang buhay na buhay na salaysay at maraming mga detalye ng genre. Sa katunayan, lumikha siya ng isang encyclopedia ng buhay at kaugalian ng Venice noong ika-15 siglo. Sinabi nila tungkol sa Carpaccio na ang master na ito ay "nasa bahay pa rin sa Venice." At kahit na ang mismong ideya ng Venice ay hindi mapaghihiwalay na konektado sa memorya ng maberde, na parang nakikita sa pamamagitan ng tubig sa dagat, mga larawan ng napakatalino na draftsman at colorist.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
Bansa: Italya

Ang isa sa pinakadakilang pintor ng Italyano na Renaissance, si Leonardo da Vinci, ay isa ring natitirang siyentista, mapag-isip at inhinyero. Sa buong buhay niya ay sinusunod at pinag-aralan niya ang kalikasan - ang mga katawang langit at ang mga batas ng kanilang paggalaw, bundok at mga lihim ng kanilang pinagmulan, tubig at hangin, ang ilaw ng araw at ang buhay ng mga halaman. Bilang bahagi ng kalikasan, isinasaalang-alang ni Leonardo ang tao, na ang katawan ay napapailalim sa mga pisikal na batas at kasabay nito ay nagsisilbing isang "salamin ng kaluluwa." Ipinakita niya ang kanyang matanong, aktibo, hindi mapakali na pagmamahal sa kalikasan sa lahat ng bagay. Siya ang tumulong sa kanya na tuklasin ang mga batas ng kalikasan, ilagay ang kanyang puwersa sa paglilingkod sa tao, siya ang gumawa kay Leonardo bilang pinakadakilang artista, na may pantay na atensyon na kumukuha ng isang namumulaklak na bulaklak, isang nagpapahiwatig na kilos ng isang tao at isang foggy haze na sumasakop malayong bundok.

Michelangelo Buonarroti
(1475 - 1564)
Bansa: Italya

"Ang isang tao ay hindi pa ipinanganak na, tulad ko, ay may gawi na mahalin ang mga tao," isinulat ng mahusay na Italyano, pintor, arkitekto at makatang Italyano na si Michelangelo. Lumikha siya ng mga makikinang, titanic na gawa at pinangarap na lumikha ng mas makabuluhang mga bago pa. Minsan, nang ang artista ay nasa marmol na mga albularyo sa Carrara, nagpasya siyang mag-ukit ng isang rebulto mula sa isang buong bundok.

Raphael Santi
(1483 - 1520)
Bansa: Italya

Si Raphael Santi, mahusay na pintor ng Italyano ng panahon Mataas na Renaissance at isang arkitekto. Ipinanganak sa Urbino sa pamilya ni G. Santi - pintor sa korte at makata ng Duke ng Urbino. Natanggap niya ang kanyang unang aralin sa pagpipinta mula sa kanyang ama. Nang siya ay namatay, si Raphael ay nagtungo sa studio ni T. Viti. Noong 1500 ay lumipat siya sa Perugio at pumasok sa pagawaan ng Perugino, una bilang isang baguhan at pagkatapos ay bilang isang katulong. Natuto ako dito pinakamahusay na mga tampok istilo ng Umbrian School of Painting: pagsisikap para sa nagpapahiwatig ng interpretasyon balangkas at maharlika ng mga porma. Hindi nagtagal ay dinala niya ang kanyang kasanayan sa punto na naging imposibleng makilala ang kopya mula sa orihinal.

Titian Vecellio
(1488- 1576)
Bansa: Italya

Ipinanganak sa Pieve di Cadoro - maliit na bayan sa hangganan ng mga pag-aari ng Venice sa Alps. Nanaog mula sa pamilyang Vecelli, na kung saan ay napaka-impluwensyado sa bayan. Sa panahon ng giyera sa pagitan ng Venice at ng emperador na si Maximilian, ang ama ng artist ay nagbigay ng mahusay na serbisyo sa Republic of St.

Mga foreign artist

Rubens Peter Paul, mahusay na pintor ng Flemish. Ang "Hari ng mga pintor at pintor ng mga hari" ay tinawag na kasabay ng Flemish Rubens. Ang isa sa pinakamagandang sulok ng Antwerp ay nasa bahay pa rin ni Rubens Hughes - ang bahay ng artist, na itinayo alinsunod sa kanyang sariling disenyo, at isang pagawaan. Mula dito nagmula ang tungkol sa tatlong libong mga kuwadro na gawa at maraming mga kahanga-hangang guhit.

Goyen Yang Wang
(1596-1656)
Bansa: Holland

Si Goyen Jan van ay isang pintor na Dutch. Ang hilig para sa pagpipinta ay nagpakita ng napakaaga. Sa edad na sampu, nagsimulang mag-aral si Goyen ng pagguhit kasama ang mga artist ng Leyden na sina I. Svanenburg at K. Schilperort. Nais ng ama na ang kanyang anak na lalaki ay maging isang pintor ng salamin, ngunit si Goyen mismo ay nangangarap na maging isang pintor ng tanawin, at siya ay naatasang mag-aral kasama ng hindi pinagsama na pintor ng tanawin na si Willem Gerrits sa lungsod ng Goorn.

Mga Segers Hercule
(1589/1590 - c. 1638)
Bansa: Holland

Segers Hercules - Dutch artist- pintor ng landscape, graphic artist. Nag-aral sa Amsterdam kasama si G. van Koninkloo. Mula 1612 hanggang 1629 nakatira siya sa Amsterdam, kung saan siya ay napapasok sa guild ng mga artista. Bumisita sa Flanders (c. 1629-1630). Mula noong 1631 siya ay nanirahan at nagtrabaho sa Utrecht, at mula 1633 - sa The Hague.

Frans Hals
(c. 1580-1666)
Bansa: Holland

Isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng pambansang sining sa maagang yugto ng pag-unlad ng Dutch paaralan ng sining gumanap sa gawa ni Frans Hals, ang kanyang unang mahusay na master. Halos eksklusibo siyang isang pintor ng larawan, ngunit malaki ang kahulugan ng kanyang sining, hindi lamang sa paglitrato ng Dutch, kundi pati na rin sa pagbuo ng iba pang mga genre. Sa gawain ni Hals, ang tatlong uri ng mga komposisyon ng larawan ay maaaring makilala: isang pangkat na potograpiya, isang pasadyang ginawa na indibidwal na larawan at isang espesyal na uri ng mga larawan ng larawan, katulad ng likas na katangian sa pagpipinta ng genre, na nilinang niya pangunahin noong 20s - maagang 30 .

Velazquez Diego de Silva
(1559-1660)
Bansa: Espanya

Ipinanganak sa Seville, isa sa pinakamalaking sentro ng pansining sa Espanya noong huling bahagi ng ika-16 - maagang bahagi ng ika-17 na siglo. Ang ama ng artista ay nagmula sa isang pamilyang Portuges na lumipat sa Andalusia. Nais niya na ang kanyang anak ay maging isang abugado o manunulat, ngunit hindi pinigilan si Velazquez mula sa pagpipinta. Ang kanyang unang guro ay si Fr. Herrera ang Matatanda, at pagkatapos - F. Pacheco. Ang anak na babae ni Pacheco ay naging asawa ni Velazquez. Sa pagawaan ng Pacheco, si Velazquez ay nakikibahagi sa pagpipinta ng mga ulo mula sa buhay. Sa ikalabimpito, natanggap ni Velazquez ang titulong master. Ang karera ng batang pintor ay matagumpay na nabuo.

Bansa: Espanya

El Greco
(1541-1614)
Bansa: Espanya

El Greco, totoong pangalan - Domenico Teotokopouli, ang dakilang pintor ng Espanya. Ipinanganak sa isang mahirap ngunit maliwanagan na pamilya sa Candia, Crete. Ang Crete noong mga panahong iyon ay ang pag-aari ng Venice. Pinag-aralan niya, sa lahat ng posibilidad, mula sa mga pintor ng lokal na icon, na napanatili pa rin ang mga tradisyon ng medieval Byzantine art... Bandang 1566 lumipat siya sa Venice, kung saan pumasok siya sa pagawaan ng Titian.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
Bansa: Italya

Si Caravaggio Michelangelo Merisi, isang natitirang pintor ng Italyano. Ang pangalan ng Caravaggio ay nauugnay sa paglitaw at pamumulaklak ng makatotohanang kalakaran sa Pagpipinta ng Italyano huli ng ika-16 - maagang bahagi ng ika-17 siglo. Ang gawain ng kapansin-pansin na master na ito ay may malaking papel sa artistikong buhay ng hindi lamang Italya, kundi pati na rin ng ibang mga bansa sa Europa. Ang sining ng Caravaggio ay umaakit sa atin ng malaki nitong masining na pagpapahayag, malalim na katotohanan at pagkamakatao.

Carracci
Bansa: Italya

Si Carracci, isang pamilya ng mga pinturang Italyano mula sa Bologna noong unang bahagi ng ika-17 siglo, ang nagtatag ng akademismo sa pagpipinta ng Europa. Sa pagsisimula ng ika-16 - ika-17 dantaon sa Italya, bilang isang reaksyon sa Pamamaraan, nagkaroon ng isang direksyong pang-akademiko sa pagpipinta. Ang mga pangunahing prinsipyo nito ay inilatag ng magkakapatid na Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) at Annibale (1560-1609).

Bruegel Peter the Elder
(sa pagitan ng 1525 at 1530-1569)
Bansa: Netherlands

Ang nagbasa kamangha-manghang pag-ibig Si Charles de Coster, "The Legend of Thiel Ulenspiegel," ay alam na ang buong bansa ay nakilahok sa rebolusyong Dutch, sa pakikibaka laban sa mga Espanyol para sa kanilang kalayaan, isang malupit at walang awa na pakikibaka. Tulad ng Ulenspiegel, ang pinakamalaking Dutch artist, draftsman at printmaker, isa sa mga nagtatag ng makatotohanang Dutch at Flemish arts, si Pieter Bruegel the Elder, ay isang saksi at lumahok sa mga kaganapang ito.

Van Dyck Anthony
(1599- 1641)
Bansa: Netherlands

Van Dyck Anthony, sikat na pintor ng Flemish. Ipinanganak sa Antwerp sa pamilya ng isang mayamang negosyante. Sa una ay nag-aral siya sa pintor ng Antwerpen na si Hendrik van Balen. Noong 1618 ay pumasok siya sa pagawaan ng Rubens. Sinimulan niya ang kanyang trabaho sa pamamagitan ng pagkopya ng kanyang mga kuwadro na gawa. At di nagtagal ay naging pangunahing katulong siya ni Rubens sa pagpapatupad ng malalaking order. Natanggap ang pamagat ng Master ng Guild ng San Lukas sa Antwerp (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
Bansa: France

Poussin Nicolas (1594-1665), natitirang Pintor ng Pransya, isang nangungunang kinatawan ng klasismo. Ipinanganak sa nayon ng Andely sa Normandy sa pamilya ng isang maliit na may-ari ng lupa. Sa una, nag-aral siya sa kanyang tinubuang-bayan kasama ang isang hindi kilalang, ngunit may talento at marunong mag-aral ng artista na si K. Varen. Noong 1612 nagpunta si Poussin sa Paris, kung saan si G. Allemand ay naging guro niya. Sa Paris, naging kaibigan niya ang makatang Italyano na si Marina.

XVII (ika-17 siglo)

Mga foreign artist

Si Cape Albert Gerrits ay isang pinturang Dutch at etcher.

Nag-aral siya kasama ang kanyang ama, ang artist na si J. Cape. Ang kanyang istilo ng arte ay naimpluwensyahan ng pagpipinta nina J. van Goyen at S. van Ruisdael. Nagtrabaho siya sa Dordrecht. Ang mga unang gawa ng Cape, malapit sa mga kuwadro na gawa ni J. van Goyen, ay monochrome. Nagpinta siya ng mga mabubukid na tanawin, mga kalsada sa bansa na dumadaloy sa malayo, mga mahirap na kubo ng mga magsasaka. Ang mga larawan ay madalas na ginawa sa isang solong madilaw na tono.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)
Bansa: Holland

Ruisdael Jacob van (1628 / 1629-1682) - pintor ng Dutch landscape, draftsman, etcher. Marahil ay pinag-aralan niya ang kanyang tiyuhin, ang artista na si Salomon van Ruisdael. Bumisita sa Alemanya (1640-1650s). Nabuhay at nagtrabaho sa Haarlem, noong 1648 siya ay naging miyembro ng guild ng mga pintor. Mula noong 1656 siya ay nanirahan sa Amsterdam, noong 1676 natanggap niya ang degree ng Doctor of Medicine sa Treasury at isinama sa listahan ng mga doktor ng Amsterdam.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(1606-1669)
Bansa: Holland

Ipinanganak sa Leiden sa pamilya ng isang miller. Ang mga gawain ng ama sa panahong ito ay maayos, at nagawa niyang bigyan ang kanyang anak ng mas mahusay na edukasyon kaysa sa ibang mga bata. Pumasok si Rembrandt sa Latin School. Nag-aral siya ng mahina at nais na magpinta. Gayunpaman, nagtapos siya sa paaralan at pumasok sa Unibersidad ng Leiden. Makalipas ang isang taon nagsimula siyang kumuha ng mga aralin sa pagpipinta. Ang kanyang unang guro ay si J. van Swanenburg. Matapos ang paggastos ng higit sa tatlong taon sa kanyang studio, nagpunta si Rembrandt sa Amsterdam upang makita ang pintor ng makasaysayang si P. Lastman. Siya ay nagkaroon ng isang malakas na impluwensiya sa Rembrandt at itinuro sa kanya ang sining ng pag-ukit. Pagkalipas ng anim na buwan (1623) bumalik si Rembrandt sa Leiden at binuksan ang kanyang sariling pagawaan.

Terborch Gerard
(1617-1681)
Bansa: Holland

Terborch Gerard (1617-1681), sikat na pintor ng Dutch. Ipinanganak sa Zwolle sa isang mayamang pamilya ng burgher. Ang kanyang ama, kapatid na lalaki at babae ay artista. Ang mga unang guro ni Terborch ay ang kanyang ama at si Hendrik Averkamp. Ang kanyang ama ay gumawa sa kanya ng maraming kopya. Nilikha niya ang kanyang unang gawa sa edad na siyam. Sa edad na labinlimang taon, si Terborch ay nagpunta sa Amsterdam, pagkatapos ay sa Haarlem, kung saan napunta siya sa ilalim ng malakas na impluwensya ni Fr. Khalsa. Sa oras na ito siya ay bantog bilang isang master ng genre ng genre, mas kusa na pininturahan ang mga eksena mula sa buhay ng militar - ang tinaguriang "mga guardhouse".

Canalletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
Bansa: Italya

Ang unang guro ni Canaletto ay ang kanyang ama, taga-disenyo ng teatro na si B. Canale, na tinulungan niya sa pagdisenyo ng mga palabas sa mga sinehan sa Venice. Nagtrabaho siya sa Roma (1717-1720, maagang bahagi ng 1740s), Venice (mula 1723), London (1746-1750, 1751-1756), kung saan nagsagawa siya ng mga gawa na nabuo ang batayan ng kanyang trabaho. Sumulat siya ng mga ve-duot - mga tanawin ng lungsod, nakalarawan na mga lansangan, gusali, mga kanal na dumudulas mga alon ng dagat mga bangka.

Magnasco Alessandro
(1667-1749)
Bansa: Italya

Magnasco Alessandro (1667-1749) - pintor ng Italyano, pintor ng genre at pintor ng landscape. Nag-aral siya kasama ang kanyang ama, ang artist na si S. Magnasco, pagkatapos ay kasama ang pinturang taga-Milan na si F. Abbiati. Ang kanyang istilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga masters ng paaralang pintura ng Genoese, sina S. Rosa at J. Callot. Nabuhay at nagtrabaho sa Milan, Florence, Genoa.

Watteau Antoine
(1684-1721)
Bansa: France

Ang Watteau Antoine, isang natitirang pinturang Pranses, na ang gawain ay naiugnay sa isa sa mga makabuluhang yugto ng pag-unlad pagpipinta ng sambahayan sa France. Hindi pangkaraniwan ang kapalaran ni Watteau. Ni sa Pransya, o sa mga kalapit na bansa, sa mga taon nang pininturahan niya ang kanyang pinakamagagaling na mga gawa, walang isang artist na may kakayahang makipagkumpitensya sa kanya. Titans Ika-17 siglo ay hindi nabuhay upang makita ang panahon ng Watteau; ang mga sumunod sa kanya ay niluwalhati ang siglong XVIII, naging kilala lamang sa mundo pagkamatay niya. Sa katunayan, Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David sa France, Tiepolo at Longhi sa Italya, Hogarth, Reynolds, Gainsborough sa England, Goya sa Spain - lahat ng ito ay ang gitna o kahit na ang pagtatapos ng ika-18 siglo.

Lorrain Claude
(1600-1682)
Bansa: France

Lorrain Claude (1600-1682) - pintor ng Pransya.Sa murang edad ay nagtrabaho siya sa Roma bilang isang tagapaglingkod kay A. Tassi, pagkatapos ay naging estudyante niya. Ang artista ay nagsimulang makatanggap ng malalaking order noong 1630s, ang kanyang mga customer ay sina Papa Urban VIII at Cardinal Bentivoglio. Mula noong panahong iyon, si Lorrain ay naging tanyag sa mga lupon ng Roman at Pranses ng mga artista.

XVIII (ika-18 siglo)

Mga foreign artist

Si Gainsborough Thomas, isang natitirang pintor ng Ingles, tagalikha ng pambansang uri ng larawan. Ipinanganak sa Sudbury, Suffolk, ang anak ng isang negosyanteng tela. Ang kaakit-akit na paligid ng bayan, na matatagpuan sa River Stour, ay inakit ang Gainsborough mula pagkabata, na walang katapusang inilalarawan ang mga ito sa mga sketch ng kanyang mga anak. Ang hilig ng bata sa pagguhit ay napakaganda ng kanyang ama, nang walang pag-aatubili nang mahabang panahon, ay nagpadala ng kanyang labing tatlong taong gulang na anak na mag-aral sa London, na sa panahong iyon ay naging sentro ng buhay masining.

Turner na si Joseph Mallord William
(1775-1851)
Bansa: Inglatera

Si Turner Joseph Mallord William ay isang pintor sa pintura, pintor, taga-draft at taga-print ng Ingles. Kinuha ang mga aralin sa pagpipinta mula kay T. Molton (c. 1789), noong 1789-1793. nag-aral sa Royal Academy sa London. Noong 1802 si Turner ay isang akademiko, at noong 1809 siya ay isang propesor sa mga klase sa akademiko. Ang artista ay naglakbay nang marami sa Inglatera at Wales, bumisita sa Pransya at Switzerland (1802), Holland, Belgium at Alemanya (1817), Italya (1819, 1828). Ang kanyang istilo ng arte ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ni K. Lorrain, R. Wilson at mga pinturang marino ng Dutch.

Jan Vermeer ng Delft
(1632-1675)
Bansa: Holland

Si Jan Vermeer Delft ay isang mahusay na Dutch artist. Halos walang impormasyon tungkol sa artist ang nakaligtas. Ipinanganak sa Delft sa pamilya ng isang burgher na nagmamay-ari ng isang hotel. Sumali din siya sa paggawa ng sutla at ipinagpalit sa mga kuwadro na gawa. Marahil na ang dahilan kung bakit ang bata ay naging interesado sa pagpipinta nang maaga. Si Master Karel Fabricius ay naging kanyang tagapagturo. Hindi nagtagal ay ikinasal si Vermeer kay Catherine Bolnee, ang anak na babae ng isang mayamang burgher, at noong 1653 ay tinanggap sa guild ng St. Luke.

Goya y Lucientes Francisco Jose
(1746-1828)
Bansa: Espanya

Isang araw ang maliit na si Francisco, anak ng isang mahirap na gilder ng mga altarpieces mula sa isang nayon malapit sa lungsod ng Zaragoza ng Espanya, ay nagpinta ng baboy sa dingding ng kanyang bahay. Ang isang estranghero na dumadaan ay nakakita ng tunay na talento sa pagguhit ng sanggol at pinayuhan ang bata na mag-aral. Ang alamat ng Goya na ito ay katulad sa mga nagsasabi tungkol sa iba pang mga masters ng Renaissance, kung ang mga totoong katotohanan ng kanilang talambuhay ay hindi alam.

Guardi Francesco Lazzaro
(1712-1793)
Bansa: Italya

Guardi Francesco Lazzaro - pintor at draftsman ng Italyano, kinatawan ng paaralan ng pagpipinta ng Venetian. Nag-aral siya kasama ang kanyang nakatatandang kapatid na lalaki, ang artist na si Giovanni Antonio, na ang pagawaan ay nagtatrabaho siya kasama ang kanyang nakababatang kapatid na si Niccolo. Nagpinta siya ng mga landscape, kuwadro na gawa ng relihiyoso at mitolohikal na tema, mga komposisyon ng kasaysayan. Nagtrabaho siya sa paglikha ng mga pandekorasyon na pandekorasyon para sa loob ng mga sinehan ng Manin at Fenice sa Venice (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
Bansa: France

Vernet Claude Joseph - Pranses na artista... Nag-aral muna siya kasama ang kanyang ama na si A. Vernet, pagkatapos ay kasama si L.R. Viali sa Aix at B. Fergioni, mula 1731 - sa Avignon kasama si F. Sauvan, at kalaunan sa Italya kasama si Manglars, Pannini at Locatelli. Noong 1734-1753 nagtrabaho sa Roma. Sa panahon ng Roman, naglaan siya ng maraming oras upang magtrabaho mula sa kalikasan sa Tivoli, Naples, sa pampang ng Tiber. Nagpinta siya ng mga tanawin ng lupa at dagat ("Seashore malapit sa Anzio", 1743; "Tanawin ng tulay at kastilyo ng St. Angela", "Ponte Rotto sa Roma", 1745 - kapwa sa Louvre, Paris; "Waterfall at Tivoli", 1747; "Umaga sa Castellammare", 1747, Hermitary, St. Petersburg; "Villa Pamphili", 1749, Pushkin Museum, Moscow; "Italian harbor", "Sea baybayin na may mga bato", 1751; "Rocks by the sea", 1753 - lahat sa Hermitage, St. Petersburg). Ang mga gawaing ito ay humanga sa kabutihan sa paghahatid ng ilaw-himpapawid na kapaligiran at pag-iilaw, pagiging maaasahan at banayad na pagmamasid.

Verne Horace
(1789-1863)
Bansa: France

Si Vernet Horace ay isang pinturang Pranses at graphic artist. Nag-aral kasama ang kanyang ama, si Karl Verne. Sumusulat sa kasikatan ng sining ng romantikismo, ginagamit ng artist sa kanyang mga gawa ang mga paraan na likas sa mga romantiko. Interesado siya sa isang tao sa awa ng mga natural na elemento, sa matinding sitwasyon. Inilalarawan ni Vernet ang mabagsik na pakikipaglaban na mga mandirigma, mga bagyo at pagkalunod ng barko ("Battle at Sea", 1825, Hermitage, St.

Delacroix Eugene
(1798 - 186)
Bansa: France

Ipinanganak sa Charenton sa pamilya ng isang prefek. Nakatanggap ng mahusay na edukasyon. Nag-aral ng pagpipinta sa simula sa Paaralan sining sa Paris, pagkatapos ay sa pagawaan ng P. Guerin (1816-22), na ang malamig na kasanayan ay hindi gaanong naimpluwensyahan sa kanya kaysa sa masigasig na sining ng romantikong si T. Gericault, kung kanino siya naging malapit sa Paaralan. Ang mapagpasyang papel sa pagbuo ng pinturang istilo ng Delacroix ay ginampanan ng pagkopya ng mga gawa ng matandang panginoon, lalo na sina Rubens, Veronese at D. Velazquez. Noong 1822 nag-debut siya sa pagpipinta ng Talona Dante's Rook("Dante at Virgilia") sa isang balangkas mula sa unang kanta ng "Hell" ("Divine Comedy").

Gericault Theodore
(1791-1824)
Bansa: France

Ipinanganak sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Nag-aral sa Paris sa Imperial Lyceum (1806-1808). Ang kanyang mga guro ay sina C.J. Berne at P.N. Guerin. Ngunit wala silang impluwensya sa pagbuo ng kanya istilo ng arte- sa pagpipinta ng Gericault, ang mga ugali ng sining nina A. J. Gro at J. L. David ay nasusundan. Binisita ng artist ang Louvre, kung saan gumawa siya ng mga kopya ng mga gawa ng matandang masters, lalo na ang pagpipinta ni Rubens na hinahangaan siya.

Artvedia art gallery - talambuhay ng mga kasalukuyang artista. Bumili, magbenta ng mga napapanahong kuwadro na gawa ng mga artista mula sa iba`t ibang mga bansa.

Hiroshige Ando
(1797-1858)
Bansa: Japan

Ipinanganak sa Edo (ngayon Tokyo) sa pamilya ng isang maliit na samurai Ando Ganemon. Ang kanyang ama ay nagsilbing isang foreman ng mga bumbero ng lungsod, at ang buhay ng pamilya ay medyo maayos. Salamat sa maagang pagsasanay, mabilis niyang natutunan na maunawaan ang mga katangian ng papel, brush at tinta. Ang pangkalahatang antas ng edukasyon sa oras na iyon ay medyo mataas. Ang mga sinehan, kopya, ikeba fa ay bahagi ng pang-araw-araw na buhay.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
Bansa: Japan

Si Hokusai Katsushika ay isang pintor ng Japanese at draftsman, master ng mga color woodcuts, manunulat at makata. Nag-aral sa ilalim ng magkukulit na si Nakayama Tetsuson. Naimpluwensyahan ng artist na si Shunsho, kung kaninong pagawaan ay nagtrabaho siya. Nagpinta siya ng mga tanawin kung saan ang buhay ng kalikasan, ang kagandahan nito ay malapit na nauugnay sa buhay at mga gawain ng tao. Sa paghahanap ng mga bagong karanasan, malawak na naglakbay si Hokusai sa buong bansa, na gumagawa ng mga sketch ng lahat ng kanyang nakita. Pinilit ng artista na ipakita sa kanyang trabaho ang problema ng ugnayan sa pagitan ng tao at ng kalapit na kalikasan. Ang kanyang sining ay puno ng mga pathos ng kagandahan ng mundo at ang kamalayan ng ispiritwalisadong prinsipyo na ipinakilala ng tao sa lahat ng bagay na nakikipag-ugnay sa kanya.

Mga foreign artist

Si Bonington Richard Parks ay isang pintor sa Ingles at graphic artist. Mula 1817 nanirahan siya sa France. Nag-aral siya ng pagpipinta sa Calais kasama si L. Francia, mula 1820 ay nag-aral siya sa School of Fine Arts sa Paris, kung saan ang kanyang guro ay si A. J. Gros. Mula noong 1822 nagsimula siyang ipakita ang kanyang mga kuwadro na gawa sa Parisian Salons, at mula 1827 siya ay nakilahok sa mga eksibisyon ng Kapisanan ng Mga Artista ng Great Britain at ng Royal Academy of Arts sa London.

Si ensor James
(1860-1949)
Bansa: Belgium

Ensor James (1860-1949) - Belgian na pintor at graphic artist. Ang artist ay ipinanganak at lumaki sa lungsod ng port ng Ostend, kung saan ginugol niya ang halos buong buhay niya. Ang hitsura ng bayan na ito sa tabing dagat na may makitid na mga kalye na tinitirhan ng mga mangingisda at mandaragat, na may taunang Maslenitsa carnivals at ang natatanging kapaligiran ng dagat ay madalas na lumilitaw sa marami sa kanyang mga kuwadro na gawa.

Van Gogh Vincent
(1853- 1890)
Bansa: Holland

Van Gogh Vincent, mahusay na pintor ng Dutch, kinatawan ng Post-Impressionism. Ipinanganak sa Brabant Village ng Groot Zundert sa pamilya ng isang pastor. Mula sa edad na labing-anim ay nagtrabaho siya para sa isang kumpanya na nagbebenta ng mga kuwadro na gawa, at pagkatapos ay bilang isang katulong na guro sa isang pribadong paaralan sa England. Noong 1878 nakakuha siya ng trabaho bilang isang mangangaral sa isang lugar ng pagmimina sa timog ng Belgium.

Anker Mikael
(1849-1927)
Bansa: Denmark

Si Anker Mikael ay isang artista sa Denmark. Nag-aral siya sa Academy of Arts sa Copenhagen (1871-1875), pati na rin sa pagawaan ng Denmark artist na si P. Kreyer. Nang maglaon sa Paris nag-aral siya sa pagawaan ng Puvis de Chas-vann, ngunit ang panahong ito ay hindi nasasalamin sa kanyang trabaho. Kasama ang kanyang asawang si Anna ay nagtatrabaho siya sa Skagen, sa maliliit na mga nayon ng pangingisda. Sa kanyang mga gawa, ang dagat ay hindi maiiwasang maiugnay sa mga imahe ng mga mangingisda ng Jutland. Inilalarawan ng artist ang mga tao sa mga sandali ng kanilang pagsusumikap at mapanganib na trabaho.

Modigliani Amedeo
(1884-1920)
Bansa: Italya

Kung gaano ka-subtly, elegante siyang nagsalita tungkol sa Amedeo Modigliani Anna Akhmatova! Aba, siya ay isang makata! Mapalad si Amedeo: nagkita sila noong 1911, sa Paris, umibig sa isa't isa, at ang mga damdaming ito ay naging pag-aari ng mundo ng sining, na ipinahayag sa kanyang mga guhit at mga tula.

Eakins Thomas
(1844-1916)
Bansa: USA

Nag-aral sa Academy of Fine Arts sa Philadelphia (Pennsylvania) at sa School of Fine Arts sa Paris (1866-1869). Ang pagbuo ng kanyang artistikong istilo ay lubos na naiimpluwensyahan ng gawain ng matandang Espanyol masters, na pinag-aralan niya sa Madrid. Mula noong 1870, ang pintor ay nanirahan sa kanyang sariling bayan, sa Philadelphia, kung saan siya ay nakikibahagi sa pagtuturo. Nasa kanyang kauna-unahang mga independiyenteng akda, ipinakita ni Eakins ang kanyang sarili bilang isang realista (Max Schmitt sa isang Bangka, 1871, Metropolitan Museum, New York; Sa isang Sailboat, 1874; Sailing Boats sa Delaware, 1874).

Kent Rockwell
(1882-1971)
Bansa: USA

Si Kent Rockwell ay isang pinturang taga-landscape ng Amerika, draftsman, graphic artist at manunulat. Nag-aral siya kasama ang kinatawan ng plein air school ng artist na si William Merritt Chase sa Shinnecock sa Long Island, pagkatapos ay kasama si Robert Henry sa School of Art sa New York, kung saan dumalo rin siya sa mga klase ni Kenneth Miller.

Homer Winslow
(1836-1910)
Bansa: USA

Si Homer Winslow ay isang Amerikanong pintor at draftsman. Hindi siya nakatanggap ng sistematikong edukasyon, na pinagkadalubhasaan lamang ang likha ng isang lithographer sa kanyang kabataan. Noong 1859-1861. dumalo sa isang paaralang pagguhit ng paaralan sa National Academy of Arts sa New York. Mula noong 1857 gumawa siya ng mga guhit para sa mga magasin, sa panahon ng Digmaang Sibil (1861-1865) nakipagtulungan siya sa nakalarawan na lingguhang lathalang "Harpers Weekly", kung saan gumawa siya ng mga makatotohanang guhit na may mga eksena ng laban, na nakikilala sa pamamagitan ng mga nagpapahayag at mahigpit na mga form. Noong 1865 siya ay naging kasapi ng National Academy of Arts.

Bonnard Pierre
(1867-1947)
Bansa: France

Bonnard Pierre - pintor ng Pransya, draftsman, lithographer. Ipinanganak sa paligid ng Paris. Sa kanyang kabataan, nag-aral siya ng abogasya, habang sabay na nag-aaral ng pagguhit at pagpipinta sa School of Fine Arts at sa Julian Academy. Ay mahilig sa Pag-ukit ng Hapon... Kasama ang mga artista na si E. Vuillard, M. Denis, P. Serusier ay bumuo ng nucleus ng isang pangkat na tumawag sa kanilang sarili na "Nabi" - mula sa salitang Hebreo para sa "propeta". Ang mga miyembro ng pangkat ay mga tagasuporta ng simbolismo na hindi gaanong kumplikado at pampanitikan kaysa sa simbolismo ni Gauguin at ng kanyang mga tagasunod.

Marriage Georges
(1882-1963)
Bansa: France

Ang Braque Georges ay isang pinturang Pranses, taga-print at iskultor. Noong 1897-1899. nag-aral sa School of Fine Arts sa Le Havre, pagkatapos ay sa Academy of Amber at sa School of Fine Arts sa Paris (1902-1903). Ang kanyang maagang trabaho minarkahan ng impluwensya ng Fauves, lalo na A. Derain at A. Matisse. Sa panahong ito ay madalas na lumiliko ang artist sa genre ng landscape: nagsusulat siya ng mga pantalan, mga baybaying dagat na may mga bangka, mga gusaling nasa baybayin.

Gauguin Paul
(1848-1903)
Bansa: France

Paul Gauguin (1848-1903), isang natitirang pinturang Pranses. Kinatawan ng Impresyonismo. Ipinanganak sa Paris. Ang kanyang ama ay isang katamtamang republikanong empleyado ng pahayagan ng Nacional. Ang isang pagbabago sa kurso sa pampulitika ay pinilit siyang iwanan ang kanyang tinubuang-bayan noong 1849. Sa isang barkong patungong Timog Amerika, bigla siyang namatay. Ginugol ni Gauguin ang unang apat na taon ng kanyang buhay sa Lima (Peru) kasama ang mga kamag-anak ng kanyang ina. Sa edad na 17-23 nagsilbi siyang isang mandaragat, bumbero, helmman sa mangangalakal at navy, naglayag patungo sa Rio de Janeiro at iba pang malalayong lungsod.

Degas Edgar
(1834-1917)
Bansa: France

Si Edgar Degas ay isang kontrobersyal at kakaiba sa unang tingin. Ipinanganak sa isang pamilyang pamilya sa Paris. Isang scion ng isang maharlika pamilya (ang kanyang totoong pangalan ay de Ha), inabandona niya ang marangal na unlapi mula sa isang murang edad. Nagpakita siya ng interes na gumuhit bilang isang bata. Nakatanggap ng magandang edukasyon. Noong 1853 ay nakapasa siya sa mga pagsusulit para sa isang bachelor's degree at nagsimulang mag-aral ng batas. Ngunit sa oras na iyon nag-aral siya kasama ang pintor na si Barrias, pagkatapos ay kasama si Louis Lamotte. Tulad ni Édouard Manet, handa siya para sa isang napakatalino karera, ngunit huminto siya sa paaralan ng abugado upang ituloy ang École des Beaux-Arts.

Derain Andre
(1880-1954)
Bansa: France

Derain André - pintor ng Pransya, ilustrador ng libro, mangukulit, iskultor, isa sa mga nagtatag ng Fauvism. Nagsimula siyang magpinta sa Shatu noong 1895, ang kanyang guro ay isang lokal na artista. Noong 1898-1900. nag-aral sa Paris sa Academy Career, kung saan nakilala niya sina A. Matisse, J. Puy at A. Marquet. Kaagad na umalis si Derain sa akademya at nagsimulang mag-aral nang mag-isa.

Daubigny Charles Francois
(1817-1878)
Bansa: France

Daubigny Charles Francois - pintor ng landscape ng Pransya, graphic artist, kinatawan ng paaralan ng Barbizon. Nag-aral siya kasama ang kanyang ama, ang artist na si E. F. Daubigny, pagkatapos ay kasama si P. Delaroche. Naranasan ang impluwensya ng Rembrandt. Sa Louvre kinopya niya ang mga kuwadro na gawa ng mga Dutch masters, lalo na ang kanyang mga obra nina J. Ruisdael at Hobbems ay naakit. Noong 1835-1836. Binisita ni Daubigny ang Italya, at noong 1866 nagpunta sa Holland, Great Britain at Spain. Ngunit ang mga paglalakbay na ito ay halos hindi nasasalamin sa akda ng artista, halos lahat ng kanyang mga gawa ay nakatuon sa mga landscape ng Pransya.

Dufy Raoul
(1877-1953)
Bansa: France

Si Dufy Raoul ay isang pinturang Pranses at graphic artist. Nag-aral siya sa Le Havre, sa mga klase sa gabi ng Municipal Art School, kung saan nagturo siya kay Luye (1892-1897). Dito nakilala ni Dufy sina O. J. Braque at O. Friez. Sa panahong ito, nagpinta siya ng mga larawan ng mga miyembro ng kanyang pamilya, pati na rin ang mga tanawin na katulad ng mga kuwadro na gawa ni E. Boudin.

Isabe Louis Gabrielle Jean
(1803-1886)
Bansa: France

Isabe Louis Gabriel Jean (1803-1886) - Pranses na romantikong pintor, watercolorist, lithographer. Nag-aral siya kasama ang kanyang ama, ang miniaturist na si J.-B. Isabe. Naimpluwensyahan ng pagpipinta ng mga pinturang marino ng Ingles at maliliit na Dutch sa ika-17 siglo. Nagtrabaho siya sa Paris. Sa paghahanap ng mga bagong impression, binisita ni Isabe ang Normandy, Auvergne, Brittany, southern France, Holland, England, bilang isang artista na sinamahan ng isang ekspedisyon sa Algeria.

Courbet Gustave
(1819-1877)
Bansa: France

Ang Courbet Gustave ay isang natitirang pinturang Pranses, isang kapansin-pansin na master ng makatotohanang paglitrato. "... hindi kailanman kabilang sa anumang paaralan, o sa anumang simbahan ... sa anumang rehimen ngunit sa rehimen ng kalayaan."

Manet Edward
(1832-1883)
Bansa: France

Manet Edouard (1832-1883), isang natitirang artista ng Pransya na muling naisip ang mga tradisyon ng makatotohanang pagpipinta ng balangkas. "Ang kabutihan sa sining ay kapwa kinakailangan at kagandahan. Ang isang tao na nagsasalita ng maikling sabi sa tingin mo; ang isang taong walang paso ay nakakasawa. "

Marche Albert
(1875-1947)
Bansa: France

Marquet Albert (1875-1947) - pintor ng Pransya at graphic artist. Noong 1890-1895. nag-aral sa Paris sa School pandekorasyon na sining, at mula 1895 hanggang 1898 - sa School of Fine Arts sa pagawaan ng G. Moreau. Nagpinta siya ng mga larawan, interior, lifes, landscapes, kabilang ang mga tanawin ng dagat, mga imahe ng mga daungan at daungan. Sa mga landscapes na nilikha ng artist ng huling bahagi ng 1890s - unang bahagi ng 1900s. ang malakas na impluwensiya ng mga Impressionist ay kapansin-pansin, sa partikular na A. Sisley (Mga Puno sa Billancourt, noong 1898, Museum of Fine Arts, Bordeaux).

Monet Claude
(1840-1926)
Bansa: France

Monet Claude, pinturang Pranses, nagtatag ng Impresyonismo. "Ang sinusulat ko ay isang instant." Ipinanganak sa Paris sa pamilya ng isang groser. Ginugol niya ang kanyang pagkabata sa Le Havre. Sa Le Havre, nagsimula siyang gumawa ng mga cartoons, ibinebenta ito sa isang stationery shop. Si E. Boudin ay iginuhit ang pansin sa kanila at binigay kay Monet ang mga unang aralin sa plein air painting. Noong 1859, pumasok si Monet sa Paris School of Fine Arts, at pagkatapos ay sa Gleyer atelier. Matapos ang dalawang taong pananatili sa Algeria sa serbisyo militar (1860-61), bumalik siya sa Le Havre at nakilala si Yonkind. Ang mga tanawin ng Ionkind, na puno ng ilaw at hangin, ay gumawa ng isang malalim na impression sa kanya.

Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)
Bansa: France

Si Pierre Auguste Renoir ay ipinanganak sa pamilya ng isang mananahi na may maraming mga bata, at mula sa maagang pagkabata natutunan niyang "mabuhay nang maligaya magpakailanman" kahit na walang piraso ng tinapay sa bahay. Sa labintatlong taon ay pinagkadalubhasaan na niya ang bapor - nagpinta siya ng mga tasa at platito sa isang pabrika ng porselana. Ang kanyang blusa sa trabaho, na nabahiran ng pintura, ay nasa kanya nang siya ay dumating sa School of Fine Arts. Sa atelier ni Glair, kinuha niya ang walang laman na mga tubo ng pintura na itinapon ng ibang mga mag-aaral. Pinipiga ang mga ito ang huling patak, siya ay purring isang bagay na gaanong puso masayang sa ilalim ng kanyang hininga.

Redon Odilon
(1840-1916)
Bansa: France

Si Redon Odilon ay isang pinturang Pranses, draftsman at dekorador. Sa Paris nag-aral siya ng arkitektura, ngunit hindi natapos ang kurso. Para sa ilang oras siya ay nag-aral sa School of Sculpture sa Bordeaux, pagkatapos ay nag-aral sa Paris sa pagawaan ng Jerome. Bilang isang pintor, naimpluwensyahan siya ng sining nina Leonardo da Vinci, J. F. Corot, E. Delacroix at F. Goya. Ang botanistang si Armand Clavo ay may mahalagang papel sa kanyang buhay. Ang pagkakaroon ng isang mayamang silid aklatan, ipinakilala niya ang batang artista sa mga gawa nina Baudelaire, Flaubert, Edgar Poe, pati na rin sa tulang India at pilosopiya ng Aleman. Kasama ni Clavo Redon ay pinag-aralan niya ang mundo ng mga halaman at mikroorganismo, na kalaunan ay nasasalamin sa kanyang mga inukit.

Cezanne Paul
(1839-1906)
Bansa: France

Hanggang ngayon, ang isa sa mga kalahok sa unang eksibisyon sa Boulevard des Capucines, ang pinaka-tahimik ng mga bisita sa Herbois cafe, si Paul Cezanne, ay nanatili sa mga anino. Panahon na upang mapalapit sa kanyang mga kuwadro na gawa. Magsimula tayo sa mga sariling larawan. Tingnan natin ang mukha ng may balbas na ito, mataas ang pisngi, na mukhang isang magbubukid (kapag naka-cap siya), pagkatapos ay isang eskriba ng pantas (kapag nakikita ang kanyang matarik, malakas na noo). Si Cezanne ay kapwa isa at isa pa, na pinagsasama ang matigas ang ulo ng magsasaka sa pagsubok na isip ng isang siyentista-mananaliksik.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
Bansa: France

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, sikat na pintor ng Pransya. Ipinanganak sa Albi sa timog ng Pransya sa isang pamilya na kabilang sa pinakamalaking aristokratikong pamilya na dating namuno sa mga krusada. Mula pagkabata, ipinakita niya ang talento ng isang artista. Gayunpaman, kumuha siya ng pagpipinta pagkatapos mahulog mula sa isang kabayo (sa edad na labing-apat), bilang isang resulta kung saan siya ay naging kapansanan. Makalipas ang ilang sandali matapos na ipakilala siya ng kanyang ama kay Prensto, nagsimulang patuloy na dumating si Henri sa kanyang pagawaan sa rue ng Faubourg-Saint-Honoré. Ilang oras niyang napapanood ang gumuhit ng artista o sumulat.

Mga foreign artist

Dali Salvador, malaki Espanyol na artista, ang pinakamalaking kinatawan ng surealismo. Ipinanganak sa Figueres (Catalonia) sa pamilya ng isang bantog na abogado. Sa edad na labing anim, si Dalí ay ipinadala sa isang kolehiyo ng Katoliko sa Figueres. Ang pagbuo ng kanyang pagkatao ay lubos na naiimpluwensyahan ng pamilyang Pichot. Ang lahat ng mga miyembro ng pamilya ay nagmamay-ari ng mga instrumento sa musika at organisadong konsyerto. Si Ramon Pichot - pintor, nagtrabaho sa Paris at kilalang kilala si P. Picasso. Sa bahay ng Pichot, si Dali ay nakikibahagi sa pagguhit. Noong 1918 ang kanyang unang eksibisyon ay ginanap sa Fegeras, na pinapaburan ng mga kritiko.

Kalninsh Eduardas
(1904-1988)
Bansa: Latvia

Si Kalnins Eduardas ay isang taga-pinturang taga-Latvian. Ipinanganak sa Riga sa pamilya ng isang simpleng manggagawa, nagsimula siyang gumuhit ng maaga. Ang unang guro ng Kalninsh ay ang artist na si Evgeny Moshkevich, na nagbukas sa Tomsk, kung saan lumipat ang pamilya ng bata sa simula ng Unang Digmaang Pandaigdig, isang studio para sa mga pintor ng baguhan. Pagkatapos ng 1920, kasama ang kanyang mga magulang, si Kalnins ay bumalik sa Riga at noong 1922 ay pumasok sa Latvian Academy of Arts. Ang kanyang guro ay si Vilhelme Purvitis, isang mag-aaral ng A.I Kuindzhi.

Ang romantismo at realismo ay katangian ng pinong sining ng Russia. Gayunpaman, ang opisyal na kinikilala na pamamaraan ay klasismo. Ang Academy of Arts ay naging isang konserbatibo at inert na institusyon na pinanghihinaan ng loob ang anumang pagtatangka sa malikhaing kalayaan. Hinihiling niya ang mahigpit na pagsunod sa mga canon ng klasismo, hinimok ang pagsulat ng mga kuwadro na gawa sa bibliya at mitolohikal na paksa. Ang mga batang may talento na Ruso na artista ay hindi nasiyahan sa balangkas ng akademismo. Samakatuwid, madalas silang lumingon sa genre ng portrait.
Ang pagpipinta ay sumasalamin sa mga romantikong ideyal ng panahon ng pambansang pagtaas. Tinatanggihan ang mahigpit, hindi mapanirang prinsipyo ng klasismo, natuklasan ng mga artista ang pagkakaiba-iba at pagiging natatangi ng mundo sa kanilang paligid. Hindi lamang ito nasasalamin sa mga pamilyar na genre - portrait at tanawin - ngunit nagbigay din ng lakas sa pagsilang ng pang-araw-araw na pagpipinta, na naging pokus ng pansin ng mga masters ng ikalawang kalahati ng siglo. Pansamantala, nananatili ang pagiging pangunahing nasa makasaysayang genre. Ito ang huling kanlungan ng klasismo, ngunit narito rin, ang mga romantikong ideya at tema ay nakatago sa likurang pormalista na "harapan".
Romantismo - (Pranses romantisme), isang ideolohikal at masining na kalakaran sa European at American spiritual culture ng huli na ika-18 - ika-1 kalahati. Ika-19 na siglo Sumasalamin ng pagkabigo sa mga resulta ng French Revolution noong huling bahagi ng ika-18 siglo, sa ideolohiya ng Paliwanag at pag-unlad ng lipunan. Ang Romanismo ay pinagkakaiba ang utilitarianism at ang leveling ng personalidad sa pagsisikap para sa walang limitasyong kalayaan at "walang katapusan", ang pagkauhaw para sa pagiging perpekto at pagbago, ang mga pathos ng personal at sibil na kalayaan. Ang isang masakit na hindi pagkakasundo sa pagitan ng ideyal at panlipunang katotohanan ay ang batayan ng romantikong pananaw sa mundo at sining. Ang pagpapahayag ng tunay na halaga ng pang-espiritwal at malikhaing buhay ng isang tao, ang imahe ng malalakas na kinahihiligan, ang imahe ng malalakas na kinahihiligan, isang ispiritwalisado at nakagagamot na kalikasan, para sa maraming mga romantiko - mga kabayanihan ng protesta o pakikibaka ay magkakasama sa mga motibo ng "mundo kalungkutan "," kasamaan sa daigdig ", ang" gabi "na bahagi ng kaluluwa, na nakasuot ng mga anyo ng kabalintunaan, nakakagulat na mga makata ng isang dobleng mundo. Ang interes sa pambansang nakaraan (madalas na ideyalisasyon nito), ang mga tradisyon ng alamat at kultura ng sarili at ibang mga tao, ang pagnanais na lumikha ng isang pangkalahatang larawan ng mundo (pangunahing kasaysayan at panitikan), ang ideya ng isang pagbubuo ng sining natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at pagsasanay ng Romantismo.
Sa mga visual arts, napakalinaw na ipinamalas ng Romanticism ang sarili sa pagpipinta at grapiko, hindi gaanong malinaw sa iskultura at arkitektura (halimbawa, maling Gothic). Karamihan sa mga pambansang paaralan ng Romantismo sa mga visual arts na binuo sa pakikibaka laban sa opisyal na klasiko na akademiko.
Sa kailaliman ng opisyal na kultura ng estado, mayroong isang layer ng kulturang "elite" na nagsisilbi sa naghaharing uri (aristokrasya at korte ng hari) at nagtataglay ng isang espesyal na madaling kapitan sa mga dayuhang pagbabago. Sapatin itong alalahanin ang romantikong pagpipinta ni O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov at iba pang pangunahing mga artista ng ika-19 na siglo.
Kiprensky Orest Adamovich, Russian artist. Isang natitirang master ng pinong sining ng romantismo ng Russia, kilala siya bilang isang kapansin-pansin na pintor ng larawan. Sa pagpipinta na "Dmitry Donskoy sa Kulikovo Field" (1805, Russian Museum) ipinakita niya ang isang tiwala na kaalaman sa mga canon ng akademikong larawan sa kasaysayan. Ngunit maaga, ang isang larawan ay nagiging lugar kung saan ang kanyang talento ay isiniwalat na natural at natural. Ang kanyang kauna-unahang larawan sa larawan ("A. K. Schwalbe", 1804, ibid.), Pininturahan sa pamamaraang "Rembrandt", ay tumatayo para sa nagpapahayag at dramatikong cut-and-shadow system na ito. Sa paglipas ng mga taon, ang kanyang kasanayan - naipamalas sa kakayahang lumikha, una sa lahat, natatanging mga indibidwal na katangian na mga imahe, pagpili ng mga espesyal na plastik na nangangahulugang lilimin ang katangiang ito - ay lumalakas. Puno sila ng kamangha-manghang sigla: isang larawan ng batang A.A. Chelishchev (mga 1810-11), mga ipinares na larawan ng mag-asawa na F.V. at E.P. Rostopchin (1809) at V.S. at D.N. Tretyakov Gallery). Ang artista ay lalong nagpe-play ng mga posibilidad ng kulay at hiwa-hiwalay na mga kaibahan, background ng tanawin, mga detalyadong simboliko (E. S. Avdulina, mga 1822, ibid.). Alam ng artista kung paano gumawa ng kahit malaking seremonyal na mga larawan sa liriko, halos malapit sa kaluwagan ("Portrait of the Life-Hussar Colonel Evgraf Davydov", 1809, Russian Museum). Ang kanyang larawan ng isang bata, pinahanga ng makatang kaluwalhatian ng A.S. Ang Pushkin ay isa sa pinakamahusay sa paglikha ng isang romantikong imahe. Sa gawain ni Kiprensky, si Pushkin ay mukhang solemne at romantiko, sa isang aura ng maluwalhating patula. "Ibinigay mo ako, Orest," singhal ni Pushkin, nakatingin sa natapos na canvas. Si Kiprensky ay isa ring birtuoso draftsman, na lumikha (pangunahin sa diskarteng Italyano lapis at pastel) na mga halimbawa ng kasanayang grapiko, na madalas na daig ang kanyang larawan sa larawan na may bukas, kapanapanabik na ilaw na emosyonal. Ito ang mga pang-araw-araw na uri ("The Blind Musician", 1809, Russian Museum; "Kalmychka Bayusta", 1813, Tretyakov Gallery), at ang tanyag na serye ng mga lapis na larawan ng mga kalahok sa Patriotic War noong 1812 (mga guhit na naglalarawan sa E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilov , PAOlenin, ang parehong pagguhit kasama ng makatang Batyushkov at iba pa; 1813-15, Tretyakov Gallery at iba pang mga koleksyon); ang magiting na simula dito ay tumatagal ng isang nakamamanghang kahulugan. Ang isang malaking bilang ng mga sketch at ebidensyang pangkonteksto ay nagpapakita na ang artista sa buong panahon ng kanyang pag-iingat ay nag-gravit patungo sa paglikha ng isang malaki (sa kanyang sariling mga salita mula sa isang liham kay A. N. Olenin noong 1834), "kamangha-manghang, o, sa Ruso, isang kapansin-pansin at mahiwagang larawan" kung saan ang mga resulta ng kasaysayan ng Europa ay mailalarawan sa anyong alegorikal, pati na rin ang kapalaran ng Russia. "Mga Mambabasa ng dyaryo sa Naples" (1831, Tretyakov Gallery) - na parang isang potograpiya ng pangkat - sa katunayan ay lihim na simbolikong tugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan sa Europa.
Gayunpaman, ang pinaka-ambisyoso sa nakalarawan na mga alegasyon ni Kiprensky ay nanatiling hindi natupad o nawala (tulad ng Anacreon Tomb, na nakumpleto noong 1821). Ang mga romantikong paghahanap na ito, gayunpaman, ay nakatanggap ng isang malakihang pagpapatuloy sa mga gawa nina K. P. Bryullov at A. A. Ivanov.
Ang makatotohanang istilo ay nasasalamin sa mga gawa ng V.A. Tropinin Ang maagang mga larawan ng Tropinin, na ipininta sa isang pinipigil na scheme ng kulay (mga larawan ng pamilya ng Count Morkovs noong 1813 at 1815, kapwa sa Tretyakov Gallery), buong pagmamay-ari pa rin ng tradisyon ng Age of Enlightenment: sa kanila ang modelo ay walang pasubali at matatag na gitna ng imahe. Nang maglaon, ang pagkukulay ng pagpipinta ni Tropinin ay naging mas matindi, ang mga volume ay kadalasang nililok nang mas malinaw at sculpturally, ngunit ang pinakamahalaga, ang isang pulos romantikong pakiramdam ng mobile na elemento ng buhay ay lumalaki nang insinuating, isang bahagi lamang, isang bahagi kung saan ang bayani ng Ang portrait ay tila isang piraso ng (Bulakhov, 1823; KG Ravich, 1823; self-portrait, circa 1824; lahat ng tatlo ay nasa parehong lugar). Tulad ng A.S. Pushkin on sikat na larawan 1827 (All-Russian Museum of Alexander Pushkin, Pushkin): ang makata, na inilalagay ang kanyang kamay sa isang salansan ng papel, na para bang "naririnig ang muso", ay nakikinig ng mabuti sa malikhaing pangarap na pumapalibot sa imahe ng isang hindi nakikitang halo. Nagpinta din siya ng isang larawan ng A.S. Pushkin. Ang manonood ay ipinakita sa isang matalinong karanasan sa buhay, hindi isang napakasayang tao. Sa larawan ni Tropinin, ang makata ay kaakit-akit sa bahay. Isang bagay na espesyal na dating init at paginhawa ng Moscow ay nagmula sa mga gawa ng Tropinin. Hanggang sa edad na 47, nasa pagkabihag siya ng serf. Iyon ang dahilan kung bakit, marahil, ang mga mukha ng ordinaryong tao ay napaka-sariwa, napaka ispiritwalisado sa kanyang mga canvases. At walang katapusang kabataan at alindog ng kanyang "Lacemaker". Kadalasan V.A. Ang Tropinin ay lumingon sa imahe ng mga tao mula sa mga tao ("The Lacemaker", "Portrait of a Son", atbp.).
Ang mga masining at ideolohikal na paghahanap ng sosyal na pag-iisip ng Russia, ang pag-asa ng mga pagbabago ay makikita sa mga kuwadro na gawa ni K.P. Si Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" at A.A. Ivanov "Ang Hitsura ni Kristo sa Tao".
Ang isang mahusay na gawa ng sining ay ang pagpipinta na "The Last Day of Pompeii" ni Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). Noong 1830, binisita ng Russian artist na si Karl Pavlovich Bryullov ang paghuhukay ng sinaunang lungsod ng Pompeii. Naglakad siya kasama ang mga sinaunang aspalto, hinahangaan ang mga fresko, at ang malagim na gabi ng Agosto 79 AD ay tumaas sa kanyang imahinasyon. e., nang ang lungsod ay natakpan ng mainit na abo at pumice ng nagising na si Vesuvius. Makalipas ang tatlong taon, ang pagpipinta na "The Last Day of Pompeii" ay gumawa ng isang matagumpay na paglalakbay mula sa Italya patungong Russia. Ang artista ay natagpuan ang mga kamangha-manghang kulay upang mailarawan ang trahedya ng isang sinaunang lungsod na namamatay sa ilalim ng lava at abo ng sumabog na Vesuvius. Ang larawan ay napuno ng matayog na humanistic ideals. Ipinapakita nito ang tapang ng mga tao, ang kanilang pagtatalaga, na ipinakita sa panahon ng isang matinding sakuna. Si Bryullov ay nasa Italya sa isang paglalakbay sa negosyo sa Academy of Arts. Sa institusyong pang-edukasyon na ito, mahusay na naayos ang pagsasanay sa pamamaraan ng pagpipinta at pagguhit. Gayunpaman, ang Academy ay walang alinlangan na ginabayan ng sinaunang pamana at kabayanihan na mga tema. Ang pagpipinta sa akademiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pandekorasyon na tanawin, theatricality ng pangkalahatang komposisyon. Ang mga tagpo mula sa modernong buhay, isang ordinaryong tanawin ng Russia ay itinuturing na hindi karapat-dapat sa brush ng artist. Ang klasismo sa pagpipinta ay natanggap ang pamagat ng akademismo. Si Bryullov ay naiugnay sa Academy sa lahat ng kanyang trabaho.
Nagmamay-ari siya ng isang makapangyarihang imahinasyon, isang masigasig na mata at isang matapat na kamay - at nanganak siya ng mga nabubuhay na nilikha, na naaayon sa mga canon ng akademismo. Tunay na may biyaya ni Pushkin, nakakuha siya ng canvas ng parehong kagandahan ng hubad na katawan ng tao at ang panginginig ng isang sunbeam sa isang berdeng dahon. Ang kanyang mga kuwadro na "Horsewoman", "Bathsheba", "Italian Umaga", "Italian Noon", maraming seremonyal at kilalang-kilala na mga larawan ay magpakailanman na mananatiling hindi nawawalang mga obra ng pagpipinta ng Russia. Gayunpaman, ang artist ay palaging gravitated patungo sa malalaking mga tema ng kasaysayan, patungo sa paglalarawan ng mga makabuluhang kaganapan sa kasaysayan ng tao. Marami sa kanyang mga plano hinggil sa bagay na ito ay hindi naipatupad. Hindi iniwan ni Bryullova ang ideya ng paglikha ng isang epic canvas batay sa isang balangkas mula sa kasaysayan ng Russia. Sinimulan niya ang pagpipinta na "The Siege of Pskov ng mga Tropa ni Haring Stefan Batory". Inilalarawan nito ang kasukdulan na sandali ng pagkubkob noong 1581, nang ang mga mandirigma ng Pskov at. ang mga mamamayan ay naglunsad ng isang pag-atake sa mga Pole na pumasok sa lungsod at itinapon sila sa likod ng mga pader. Ngunit ang pagpipinta ay nanatiling hindi natapos, at ang gawain ng paglikha ng tunay na pambansang mga kuwadro ng kasaysayan ay isinagawa hindi ni Bryullov, ngunit ng susunod na henerasyon ng mga artista ng Russia. Ang isang taong gulang na si Pushkin, nabuhay siya ni Bryullov ng 15 taon. Siya ay may sakit sa mga nakaraang taon. Mula sa isang self-portrait, na pininturahan sa oras na iyon, isang mapula-pula na lalaking may maselan na mga tampok at isang kalmado, nakapangyarihang tingin ang tumingin sa amin.
Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. ang artist na si Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) ay nanirahan at nagtrabaho. Inilaan niya ang kanyang buong malikhaing buhay sa ideya ng pang-espiritong paggising ng mga tao, na isinulat ito sa pagpipinta na "The Appearance of Christ to the People." Sa loob ng higit sa 20 taon ay nagtrabaho siya sa pagpipinta na "The Appearance of Christ to the People", kung saan inilagay niya ang lahat ng lakas at ningning ng kanyang talento. Sa harapan ng kanyang kamangha-manghang canvas, ang matapang na pigura ni Juan Bautista ay nakakuha ng mata, na itinuturo ang papalapit kay Cristo. Ang kanyang pigura ay ibinibigay sa di kalayuan. Hindi pa siya dumarating, darating siya, tiyak na darating siya, sabi ng artist. At ang mga mukha at kaluluwa ng mga naghihintay sa Tagapagligtas ay lumiwanag at nagpapadalisay. Sa larawang ito, ipinakita niya, tulad ng sinabi ni Ilya Repin na kalaunan, "isang api na taong hinahangad para sa salita ng kalayaan."
Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Kasama sa pagpipinta ng Russia ang isang plot ng sambahayan.
Si Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) ay isa sa mga unang lumingon sa kanya. Inialay niya ang kanyang gawa sa paglalarawan ng buhay ng mga magsasaka. Ipinakita niya ang buhay na ito sa isang perpektong, pinalamutian na form, na nagbibigay ng pagkilala sa noon ay sunod sa moda ng sentimentalismo. Gayunpaman, ang mga kuwadro na gawa ni Venetsianov na "The threshing floor", "Sa pag-aani. Tag-araw "," Sa lupang matamnan. Ang Spring "," Peasant Woman with Cornflowers "," Zakharka "," Umaga ng Landowner "na sumasalamin sa kagandahan at maharlika ng mga ordinaryong mamamayang Ruso, ay nagsilbi upang iginawad ang dignidad ng isang tao, anuman ang kanyang katayuan sa lipunan.
Ang kanyang mga tradisyon ay ipinagpatuloy ni Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Ang kanyang mga canvases ay makatotohanang, napuno ng nilalaman ng satirical, inilalantad ang walang katuturang moralidad, buhay at kaugalian ng tuktok ng lipunan ("The Courtship of a Major", "Fresh Cavalier", atbp.). Sinimulan niya ang kanyang karera bilang isang satirist bilang isang opisyal-bantay. Pagkatapos ay gumawa siya ng nakakatawa, nakakulit na mga pagsikat ng buhay ng hukbo. Noong 1848, ang kanyang pagpipinta na "The Fresh Cavalier" ay ipinakita sa isang akademikong eksibisyon. Ito ay isang matapang na pagbibiro hindi lamang ng hangal, matuwid na burukrasya, kundi pati na rin ng mga tradisyon ng akademiko. Ang maruming balabal kung saan isinusuot ng bida ng larawan ay lubos na nakapagpapaalala ng isang antigong toga. Si Bryullov ay nakatayo sa harap ng canvas ng mahabang panahon, at pagkatapos ay sinabi sa may-akda na medyo pabirong kalahating seryoso: "Binabati kita, tinalo mo ako." Ang iba pang mga kuwadro na gawa ni Fedotov ("Almusal ng isang Aristocrat", "The Courtship of a Major") ay din ng isang comedy-satirical character. Ang kanyang huling mga kuwadro na gawa ay napakalungkot ("Anchor, anchor pa rin!", "The Widow"). Makatarungang inihambing ng mga kapanahon ang P.A. Si Fedotov sa pagpipinta kasama ang N.V. Gogol sa panitikan. Ang pagkakalantad sa mga ulser ng pyudal na Russia ay ang pangunahing tema ng gawain ni Pavel Andreevich Fedotov.

Ang pagpipinta ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo

Pangalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng yumayabong na pagmulturang sining ng Russia. Ito ay naging isang tunay na mahusay na sining, napuno ng mga pathos ng pakikibaka ng paglaya ng sambayanan, tumugon sa hinihingi ng buhay at aktibong sinalakay ang buhay. Ang pagiging totoo ay tuluyang naitatag sa mga visual arts - isang totoo at komprehensibong pagsasalamin sa buhay ng mga tao, ang pagnanais na muling itayo ang buhay na ito sa batayan ng pagkakapantay-pantay at hustisya.
Ang sinadya na pagliko ng bagong pagpipinta ng Russia patungo sa demokratikong realismo, nasyonalidad, pagiging moderno ay naging maliwanag sa huling bahagi ng 50s, kasama ang rebolusyonaryong sitwasyon sa bansa, kasama ang pagkahinog sa lipunan ng magkakaibang intelektuwal, kasama ang rebolusyonaryong paliwanag ng Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov -Shchedrin, kasama ang tanyag na tula ng Nekrasov. Sa "Sketches of the Gogol Period" (noong 1856) sumulat si Chernyshevsky: "Kung ang pagpipinta ay sa pangkalahatan ay nasa isang malungkot na posisyon, ang pangunahing dahilan para dito ay dapat isaalang-alang ang paglayo ng sining na ito mula sa mga napapanahong hangarin." Ang parehong ideya ay binanggit sa maraming mga artikulo ng magasing Sovremennik.
Ang sentral na tema ng sining ay naging mga tao, hindi lamang inaapi at nagdurusa, kundi pati na rin ang mga tao - ang tagalikha ng kasaysayan, ang taong-manlalaban, ang lumikha ng lahat ng pinakamahusay sa buhay.
Ang pagpapahayag ng pagiging totoo sa sining ay naganap sa isang matigas ang ulo pakikibaka laban sa opisyal na direksyon, ang kinatawan nito ay ang pamumuno ng Academy of Arts. Ang mga pigura ng akademya ay nagtanim sa kanilang mga mag-aaral ng ideya na ang sining ay mas mataas kaysa sa buhay, na isinasaad lamang sa mga biblikal at mitolohikal na tema para sa gawain ng mga artista.
Ngunit ang pagpipinta ay nagsisimulang sumunod sa modernong mga hangarin - una sa lahat sa Moscow. Kahit na ang ikasampu ng Paaralan sa Moscow ay hindi nasiyahan sa mga pribilehiyo ng St. Petersburg Academy of Arts, ngunit hindi gaanong nakasalalay sa mga naka-ugat na dogma nito, ang buhay na kapaligiran dito ay mas buhay. Bagaman ang mga guro sa Paaralan ay kadalasang akademiko, ang mga akademiko ay pangalawa at nag-aalangan - hindi nila pinigilan ang kanilang awtoridad tulad ng sa Academy of F. Bruni, ang haligi ng lumang paaralan, na dating nakikipagkumpitensya sa pagpipinta ni Bryullov na "The Brazen Serpent ".
Noong 1862, nagpasya ang Konseho ng St. Petersburg Academy of Arts na gawing pantay ang lahat ng mga genre sa mga karapatan, tinanggal ang pagiging pangunahing ng pagpipinta sa kasaysayan. Ang gintong medalya ay iginawad ngayon anuman ang tema ng pagpipinta, na isinasaalang-alang lamang ang mga katangian nito. Gayunpaman, ang "kalayaan" sa loob ng dingding ng akademya ay hindi nagtagal.
Noong 1863, ang mga batang artista na nakikilahok sa kompetisyon sa akademiko ay nagsumite ng isang petisyon "para sa pahintulot na malayang pumili ng mga paksa para sa mga nais ito, bilang karagdagan sa isang naibigay na tema." Tumanggi ang council ng akademya. Ang sumunod na nangyari ay tinawag sa kasaysayan ng sining ng Russia na "pag-aalsa ng labing-apat." Labing-apat na mag-aaral ng klase sa kasaysayan ay hindi nais na magpinta ng mga larawan sa iminungkahing tema mula sa mitolohiyang Scandinavian - "Feast in Valgaal" at demonstrative na nagsumite ng isang petisyon - na umalis sa akademya. Nahanap ang kanilang mga sarili nang walang mga pagawaan at walang pera, ang mga rebelde ay nagkakaisa sa isang uri ng komyun - tulad ng mga komyun na inilarawan ni Chernyshevsky sa nobelang "Ano ang dapat gawin?" - isang Artel of Artists, na pinamumunuan ng pintor na si Ivan Nikolaevich Kramskoy. Ang mga manggagawa ng Artel ay kumuha ng mga order para sa pagpapatupad ng iba't ibang mga likhang sining, tumira sa iisang bahay, nagtipon sa karaniwang silid para sa pag-uusap, pagtalakay sa mga kuwadro, pagbabasa ng mga libro.
Pagkalipas ng pitong taon, naghiwalay ang Artel. Sa oras na ito, noong dekada 70, sa inisyatiba ng artist na Grigory Grigorievich Myasoedov, lumitaw ang isang asosasyon - "The Association of Artistic Movable Inserts", isang propesyonal at komersyal na asosasyon ng mga artista na nagtataglay ng magkatulad na posisyon sa ideolohiya.
Ang Association of the Wanderers, hindi katulad ng maraming mga asosasyon sa paglaon, ay gumawa nang walang anumang mga deklarasyon at manifesto. Inilahad lamang ng charter nito na ang mga kasapi ng Pakikipagtulungan ay dapat na pamahalaan ang kanilang mga materyal na gawain, hindi depende sa sinuman sa paggalang na ito, pati na rin ayusin ang kanilang mga eksibisyon at dalhin sila sa iba't ibang mga lungsod ("lumipat" sa paligid ng Russia) upang malaman ang bansa na may Russian art. Ang parehong mga puntong ito ay may makabuluhang kahalagahan, na igiit ang kalayaan ng sining mula sa mga awtoridad at kagustuhan ng mga artista na makipag-usap nang malawak sa mga tao hindi lamang mula sa kabisera. Ang pangunahing papel sa paglikha ng Pakikipagtulungan at pagpapaunlad ng charter nito ay pagmamay-ari ng Kramskoy Myasoedov, Ge - mula sa Petersburgers, at mula sa Muscovites - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.
Ang mga "Wanderers" ay nagkakaisa sa kanilang pagtanggi sa "akademikismo" ng mitolohiya nito, pandekorasyon na mga tanawin at magarbong teatrikalidad. Nais nilang ilarawan ang buhay na pamumuhay. Ang Genre (araw-araw) na mga eksena ang pumanguna sa kanilang gawain. Ang magsasaka ay nasiyahan sa partikular na pakikiramay sa mga "Itinerant". Ipinakita nila ang kanyang pangangailangan, pagdurusa, pang-aapi. Sa oras na iyon - noong 60-70s. XIX siglo - ang pang-ideolohikal na bahagi ng sining ay pinahahalagahan nang mas mataas kaysa sa aesthetic. Sa paglipas ng panahon lamang naalala ng mga artista ang tunay na halaga ng pagpipinta.
Marahil ang pinakadakilang pagkilala sa ideolohiya ay ibinigay ni Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Sapat na alalahanin ang mga naturang larawan niya bilang "Ang pagdating ng pulisya para sa pagsisiyasat", "Pag-inom ng tsaa sa Mytishchi." Ang ilan sa mga gawa ni Perov ay napuno ng tunay na trahedya ("Troika", "Matandang magulang sa libingan ng kanilang anak na lalaki"). Ang brush ni Perov ay kabilang sa isang bilang ng mga larawan ng kanyang bantog na mga kapanahon (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky).
Ang ilan sa mga "Wanderers" na canvase, na ipininta mula sa buhay o sa ilalim ng impression mula sa totoong mga eksena, ay nagpayaman ng aming mga ideya tungkol sa buhay ng mga magsasaka. Ang pagpipinta ni SA Korovin na "Sa Mundo" ay nagpapakita ng isang sagupaan sa isang nayon na pagtitipon sa pagitan ng isang mayaman at isang mahirap na tao. Nakuha ni VM Maksimov ang galit, luha, at kalungkutan ng dibisyon ng pamilya. Ang solemne na kasiyahan ng paggawa ng mga magsasaka ay makikita sa pagpipinta ni G. G. Myasoedov "Mowers".
Sa gawain ng Kramskoy, ang pangunahing lugar ay inookupahan ng pagpipinta ng larawan. Sumulat siya kay Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Nagmamay-ari siya ng isa sa pinakamagandang larawan ni Leo Tolstoy. Ang titig ng manunulat ay hindi iniiwan ang manonood, mula sa anumang punto na tinitingnan niya ang canvas. Ang isa sa pinakamakapangyarihang gawa ng Kramskoy ay ang pagpipinta na "Christ in the Desert".
Ang unang eksibisyon ng "Wanderers" ay binuksan noong 1871 na kapani-paniwalang ipinakita ang pagkakaroon ng isang bagong kalakaran na kumukuha ng anyo noong dekada 60. Mayroon lamang 46 na mga exhibit dito (kaibahan sa masalimuot na mga eksibisyon ng Academy), ngunit maingat na napili, at kahit na ang eksibisyon ay hindi sadyang nai-program, ang pangkalahatang hindi nakasulat na programa ay luminaw nang malinaw. Ipinakita ang lahat ng mga genre - makasaysayang, araw-araw, tanawin ng landscape - at maaaring husgahan ng madla kung ano ang bago sa kanila ng mga "Wanderers". Ang iskultura lamang ang hindi pinalad (mayroon lamang, at kahit na pagkatapos ay isang hindi kapansin-pansin na iskultura ni F. Kamensky), ngunit ang ganitong uri ng sining ay "malas" sa mahabang panahon, talaga ang buong ikalawang kalahati ng siglo.
Sa pagsisimula ng dekada 90, sa mga batang artista ng paaralang Moscow, mayroon, gayunpaman, ang mga taong may karapat-dapat at seryosong nagpatuloy sa tradisyon ng pamamasyal sa sibiko: S. Ivanov kasama ang kanyang ikot ng mga kuwadro na gawa tungkol sa mga imigrante, S. Korovin - ang may-akda ng ang pagpipinta na "Sa Mundo", kung saan ito ay kagiliw-giliw na dramatiko (talagang dramatiko!) mga banggaan ng nayon ng pre-reporma ay naisip na isiniwalat. Ngunit hindi sila ang nagtakda ng tono: ang pagdating sa unahan ng "Daigdig ng Sining" ay papalapit, pantay na malayo sa naglalakbay na kilusan at ng Academy. Ano ang hitsura ng Academy sa oras na iyon? Ang kanyang dating masining na mahigpit na pag-uugali ay nawala, hindi na niya iginiit ang mahigpit na mga kinakailangan ng neoclassicism, sa kilalang hierarchy ng mga genre, siya ay medyo mapagparaya sa pang-araw-araw na genre, mas pinili niya na ito ay "maganda" kaysa "muzhik" ( isang halimbawa ng mga "magagandang" gawaing hindi pang-akademiko - mga eksena mula sa sinaunang buhay ng sikat noon na S. Bakalovich). Sa karamihan ng bahagi, ang mga produktong hindi pang-akademiko, tulad ng nangyari sa ibang mga bansa, ay mga produktong burgis-salon, kanilang "kagandahan" - bulgar na kagandahan. Ngunit hindi masasabing hindi niya inilahad ang mga talento: ang nabanggit na G. Semiradsky ay may talento, si V. Smirnov, na namatay ng maaga (na nagawang lumikha ng isang kahanga-hangang malaking larawan na "The Death of Nero"); imposibleng tanggihan ang ilang mga artistikong katangian ng pagpipinta nina A. Svedomsky at V. Kotarbinsky. Sinasalita ni Repin na aprubado ang mga artist na ito, isinasaalang-alang ang mga ito na tagadala ng "Hellenic spirit" sa kanyang mga huling taon, pinahanga nila si Vrubel, tulad din ni Aivazovsky, isang "akademiko" ring artista. Sa kabilang banda, walang iba kundi ang Semiradsky, sa panahon ng muling pag-aayos ng Academy, mapagpasyang nagsalita pabor sa uri, na itinuturo kina Perov, Repin at V. Mayakovsky bilang isang positibong halimbawa. Kaya't may sapat na mga punto ng tagpo sa pagitan ng "Wanderers" at ng Academy, at noon ay vice-president ng Academy, I.I. Si Tolstoy, na may hakbangin na ang nangungunang "Wanderers" ay tinawag upang magturo.
Ngunit ang pangunahing bagay na hindi pinapayagan kaming ganap na bawasin ang papel ng Academy of Arts, pangunahin bilang isang institusyong pang-edukasyon, sa ikalawang kalahati ng siglo ay ang simpleng katotohanan na maraming natitirang mga artista ang lumitaw mula sa mga dingding nito. Ito ang Repin, at Surikov, at Polenov, at Vasnetsov, at kalaunan - Serov at Vrubel. Bukod dito, hindi nila inulit ang "kaguluhan ng labing-apat" at, tila, nakinabang mula sa kanilang pagiging mag-aaral.
Ang paggalang sa pagguhit, para sa itinayo na nakabubuo na form ay nag-ugat sa sining ng Russia. Ang pangkalahatang oryentasyon ng kultura ng Russia tungo sa pagiging totoo ay naging dahilan para sa katanyagan ng pamamaraan ni Chistyakov - isang paraan o iba pa, ang mga pintor ng Russia hanggang sa Serov, Nesterov at Vrubel, kasama, pinarangalan ang "hindi matitinag na walang hanggang mga batas ng porma" at nag-ingat sa "pagkabihag "o pagsusumite sa makukulay na sangkap na walang hugis, gaano man nila mahal ang kulay.
Kabilang sa mga Itinerant na naimbitahan sa Academy ay ang dalawang mga pintor sa landscape - sina Shishkin at Kuindzhi. Sa panahong iyon nagsimula ang hegemonya ng tanawin sa sining kapwa bilang isang malayang genre, kung saan naghari si Levitan, at bilang isang pantay na elemento ng pang-araw-araw, makasaysayang, at bahagyang pagpipinta ng larawan. Taliwas sa mga pagtataya ng Stasov, na naniniwala na ang papel na ginagampanan ng tanawin ay mabawasan, noong dekada 90 ay lumaki ito nang higit pa kaysa dati. Ang liriko na "mood landscape" ay nanaig, na sinusundan ang linya nito mula sa Savrasov at Polenov.
Ang "Wanderers" ay gumawa ng totoong mga pagtuklas sa pagpipinta ng landscape. Alexei Kondratyevich Savrasov (1830-1897) pinamamahalaang ipakita ang kagandahan at banayad na lyricism ng isang simpleng tanawin ng Russia. Ang kanyang pagpipinta na "The Rooks Have Dumating" (1871) na gumawa ng maraming mga kapanahon na tumingin ng sariwang pagtingin sa kanilang katutubong kalikasan.
Si Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) ay namuhay ng maikling buhay. Ang kanyang trabaho, na pinutol sa simula pa lamang, ay nagpayaman sa pagpipinta ng Russia na may isang bilang ng mga pabago-bago, kapana-panabik na mga landscape. Lalo na nagtagumpay ang artist sa mga transitional state na likas: mula sa araw hanggang sa pag-ulan, mula sa kalmado hanggang sa bagyo.
Si Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) ay naging mang-aawit ng kagubatan ng Russia, ang lawak ng kalikasan ng kalikasan ng Russia. Ang Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) ay naakit ng nakamamanghang pag-play ng ilaw at hangin. Ang mahiwagang ilaw ng buwan sa mga bihirang ulap, ang mga pulang pagsasalamin ng bukang liwayway sa mga puting pader ng mga kubo ng Ukraine, pahilig na mga sinag ng umaga na sinisira ang hamog na ulap at naglalaro sa mga puddle sa maputik na kalsada - ito at maraming iba pang magagandang natuklasan ay nakuha sa kanya mga canvases
Ang pagpipinta ng tanawin ng Russia ng ika-19 na siglo ay umabot sa rurok ng gawain ng mag-aaral ng Savrasov na si Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Si Levitan ay isang dalubhasa ng kalmado, tahimik na mga tanawin. Isang napaka-mahiyain, mahiyain at mahina na tao, alam niya kung paano magpahinga lamang mag-isa sa kalikasan, napuno ng pakiramdam ng kanyang minamahal na tanawin.
Kapag siya ay dumating sa Volga upang ipinta ang araw, hangin at ilawak na paglawak. Ngunit walang araw, walang katapusang ulap ang gumagapang sa kalangitan, at tumigil ang mapurol na ulan. Kinabahan ang artist hanggang sa siya ay nasali sa panahon na ito at natuklasan ang espesyal na alindog ng mga lilac na kulay ng masamang panahon ng Russia. Mula noon, ang Upper Volga, ang bayan ng Ples, ay matatag na naitatag sa kanyang trabaho. Sa mga bahaging iyon, nilikha niya ang kanyang "maulan" na mga gawa: "After the Rain", "Gloomy Day", "Over Eternal Peace". Mayroon ding ipininta na matahimik na mga tanawin ng gabi: "Gabi sa Volga", "Gabi. Gintong pag-abot "," Mga kampanilya sa gabi "," Tahimik na tirahan ".
Sa huling mga taon ng kanyang buhay, iginuhit ng pansin ni Levitan ang gawain ng mga pinturang impresyonista ng Pransya (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Napagtanto niya na marami siyang pagkakapareho sa kanila, na ang kanilang malikhaing paghahanap ay papunta sa parehong direksyon. Tulad ng mga ito, ginusto niyang magtrabaho hindi sa studio, ngunit sa bukas na hangin (sa bukas na hangin, tulad ng sinasabi ng mga artista). Tulad ng mga ito, pinasasalamatan niya ang paleta, tinatanggal ang madilim, makalupang mga kulay. Tulad ng mga ito, pinagsikapan niyang makuha ang panandalian ng buhay, upang maiparating ang mga paggalaw ng ilaw at hangin. Sa ito ay nagpunta sila nang higit pa kaysa sa kanya, ngunit halos natunaw ang mga volumetric form (bahay, puno) sa mga daloy ng ilaw-hangin. Iniwasan niya ito.
"Ang mga kuwadro na gawa ni Levitan ay nangangailangan ng isang mabagal na pagsusuri, - sumulat ng isang mahusay na tagapagsilbi ng kanyang gawa na KG Paustovsky, - Hindi nila napuno ang mata. Ang mga ito ay katamtaman at tumpak, tulad ng mga kwento ni Chekhov, ngunit kung mas matagal mo silang tiningnan, mas kaaya-aya ang katahimikan ng mga bayan ng probinsya, pamilyar na mga ilog at mga kalsada sa bansa.
Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. I.E.Repin, V.I.Surikov at V.A.
Si Ilya Efimovich Repin (1844-1930) ay ipinanganak sa lungsod ng Chuguev, sa pamilya ng isang settler ng militar. Nagawa niyang pumasok sa Academy of Arts, kung saan ang kanyang guro ay si P. P. Chistyakov, na nagdala ng buong kalawakan ng mga sikat na artista (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Marami ring natutunan si Repin mula kay Kramskoy. Noong 1870, ang batang artista ay naglakbay kasama ang Volga. Maraming mga sketch na dinala mula sa paglalakbay, ginamit niya para sa pagpipinta na "Barge Haulers on the Volga" (1872). Malakas ang naging impression niya sa publiko. Agad na lumipat ang may-akda sa ranggo ng pinakatanyag na mga panginoon.
Si Repin ay isang napakaraming gamit sa sining. Ang isang bilang ng mga hindi kapani-paniwala na pagpipinta ng genre ay nabibilang sa kanyang brush. Marahil ay hindi gaanong kahanga-hanga kaysa sa Burlaki ay ang Proseso ng Krus sa Lalawigan ng Kursk. Ang maliwanag na asul na langit, ang mga ulap ng alikabok sa kalsada ay natagos ng araw, ang ginintuang ningning ng mga krus at damit, pulisya, karaniwang tao at lumpo - lahat ay umaangkop sa canvas na ito: ang kadakilaan, lakas, kahinaan at sakit ng Russia.
Sa maraming mga kuwadro na gawa ni Repin, ang mga rebolusyonaryong tema ay hinawakan ("Pagtanggi sa Kumpisal", "Hindi nila Inaasahan", "Ang Pag-aresto ng isang Propagandist"). Ang mga rebolusyonaryo sa kanyang mga kuwadro ay kumilos nang simple at natural, na iniiwasan ang mga pose at kilos ng teatro. Sa pagpipinta na "Pagtanggi sa Kumpisal", ang hinatulang mamatay ay tila sadyang itinago ang kanyang mga kamay sa kanyang manggas. Malinaw na nakiramay ang artist sa mga bayani ng kanyang mga kuwadro.
Ang isang bilang ng mga canvases ni Repin ay nakasulat sa mga tema ng kasaysayan ("Ivan the Terrible and his son Ivan", "Cossacks na bumubuo ng isang liham sa Turkish sultan", atbp.). Gumawa si Repin ng isang buong gallery ng mga larawan. Nagpinta siya ng mga larawan ng mga siyentista (Pirogov at Sechenov), mga manunulat na Tolstoy, Turgenev at Garshin, mga kompositor na sina Glinka at Mussorgsky, mga artista na Kramskoy at Surikov. Sa simula ng XX siglo. nakatanggap siya ng isang order para sa pagpipinta na "Ang seremonya ng pagpupulong ng Konseho ng Estado." Ang artista ay namamahala hindi lamang sa komposisyon upang ilagay sa canvas tulad ng isang malaking bilang ng mga naroroon, ngunit din upang magbigay ng isang sikolohikal na paglalarawan ng marami sa kanila. Kabilang sa mga ito ay ang mga kilalang pigura tulad ng S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semyonov Tyan-Shansky. Si Nicholas II ay halos hindi kapansin-pansin sa larawan, ngunit napaka-manipis na paglalarawan.
Si Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) ay ipinanganak sa Krasnoyarsk, sa isang pamilyang Cossack. Ang kasikatan ng kanyang trabaho ay bumagsak noong dekada 80, nang nilikha niya ang tatlo sa kanyang pinakatanyag mga kuwadro ng kasaysayan: "Ang Umaga ng Pagpapatupad ng Strelets", "Menshikov in Berezovo" at "Boyarynya Morozova".
Alam na alam ni Surikov ang buhay at kaugalian ng mga nakaraang panahon, nakapagbigay ng matingkad na sikolohikal na mga katangian. Bilang karagdagan, siya ay isang mahusay na colourist (master of color). Sapat na alalahanin ang nakasisilaw na sariwang, sparkling snow sa pagpipinta na Boyarynya Morozova. Kung lalapit ka sa canvas, ang niyebe, na parang, "gumuho" sa asul, asul, rosas na mga stroke. Ang diskarteng nakalarawan na ito, kapag ang dalawang tatlong magkakaibang mga stroke mula sa isang distansya na pagsasama at ibigay ang nais na kulay, ay malawakang ginamit ng mga impresyonista ng Pransya.
Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), ang anak ng kompositor, ay nagpinta ng mga landscape, canvases sa mga makasaysayang tema, nagtrabaho bilang isang artista sa teatro. Ngunit ang katanyagan ay dinala sa kanya, una sa lahat, sa pamamagitan ng kanyang mga larawan.
Noong 1887, ang 22-taong-gulang na Serov ay nagbabakasyon sa Abramtsevo, isang dacha ng patron na si S. I. Mamontov malapit sa Moscow. Kabilang sa kanyang maraming mga anak, ang batang artist ay ang kanyang sariling tao, isang kalahok sa kanilang maingay na mga laro. Isang hapon, dalawang tao ang aksidenteng nagtagal sa silid kainan - sina Serov at 12-taong-gulang na si Verusha Mamontova. Nakaupo sila sa mesa, kung saan may mga milokoton, at sa panahon ng pag-uusap ay hindi napansin ni Verusha kung paano sinimulang iguhit ng artist ang kanyang larawan. Ang trabaho ay nag-drag sa loob ng isang buwan, at nagalit si Verusha na pinipilit siya ni Anton (iyon ang pangalan ni Serov) na umupo sa silid kainan ng maraming oras.
Sa simula ng Setyembre "Girl with Peaches" ay natapos na. Sa kabila ng maliit na laki nito, ang pagpipinta, na pininturahan ng mga rosas-gintong tono, ay tila napaka "maluwang". Maraming ilaw at hangin dito. Ang batang babae, na naupo sa mesa na para bang isang minuto at nakatuon ang kanyang tingin sa manonood, inanyayahan siya ng kalinawan at kabanalan. At ang buong canvas ay pinasadahan ng isang pulos pambata na pang-unawa sa pang-araw-araw na buhay, kung ang kaligayahan ay walang kamalayan sa sarili nito, at may isang buong buhay sa hinaharap.
Ang mga naninirahan sa bahay na "Abramtsevo", syempre, naintindihan na isang himala ang nangyari sa kanilang mga mata. Ngunit ang oras lamang ang nagbibigay ng huling pagtatantya. Inilagay nito ang "Girl with Peach" kabilang sa mga pinakamahusay na gawa sa portrait sa Russian at pandaigdigang pagpipinta.
Nang sumunod na taon ay nagawang ulit ni Serov ang kanyang mahika. Nagpinta siya ng isang larawan ng kanyang kapatid na si Maria Simonovich ("Isang batang babae na naiilawan ng araw"). Ang pangalan ay natigil nang medyo hindi tumpak: ang batang babae ay nakaupo sa lilim, at ang background glade ay naiilawan ng mga sinag ng araw ng umaga. Ngunit sa larawan ang lahat ay nagkakaisa, kaya't isa - umaga, araw, tag-araw, kabataan at kagandahan - na mahirap mag-isip ng isang mas mahusay na pangalan.
Si Serov ay naging isang naka-istilong pintor ng larawan. Ang mga bantog na manunulat, artista, pintor, negosyante, aristokrata, kahit mga tsars ay nagpose sa harap niya. Maliwanag, hindi lahat ng sinulat niya ay mayroong kaluluwa. Ang ilang mga larawan sa mataas na lipunan, na may diskarteng filigree ng pagpapatupad, ay naging malamig.
Sa loob ng maraming taon nagturo si Serov sa Moscow School of Painting, Sculpture at Architecture. Siya ay isang hinihingi na guro. Kalaban ng nagyeyelong mga porma ng pagpipinta, si Serov, nang sabay-sabay, ay naniniwala na ang mga malikhaing paghahanap ay dapat na batay sa isang matibay na karunungan ng pamamaraan ng pagguhit at pagsulat ng larawan. Maraming natitirang mga masters ang itinuturing na mga mag-aaral ni Serov. Ito ang M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Maraming mga kuwadro na gawa ni Repin, Surikov, Levitan, Serov, "Itinerants" ay kasama sa koleksyon ng Tretyakov. Si Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), isang kinatawan ng isang matandang pamilya ng merchant sa Moscow, ay isang hindi pangkaraniwang tao. Manipis at matangkad, na may makapal na balbas at mahinang boses, mukhang mas banal siya kaysa sa isang mangangalakal. Nagsimula siyang mangolekta ng mga kuwadro na gawa ng mga Russian artist noong 1856. Ang kanyang libangan ay lumago sa pangunahing gawain ng kanyang buhay. Noong unang bahagi ng dekada 90. ang koleksyon ay umabot sa antas ng isang museo, na sumisipsip ng halos buong kayamanan ng kolektor. Nang maglaon ay naging pag-aari ng Moscow. Ang Tretyakov Gallery ay naging isang tanyag na museyo ng pagpipinta ng Russia, graphics at iskultura.
Noong 1898, ang Russian Museum ay binuksan sa St. Petersburg, sa Mikhailovsky Palace (ang paglikha ng K. Rossi). Nakatanggap ito ng mga gawa ng mga Russian artist mula sa Hermitage, Academy of Arts at ilang mga imperyo na palasyo. Ang pagbubukas ng dalawang museyo na ito, ay bilang korona, nakoronahan ang mga nagawa ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo.

Mga artista ng Russia

Sa kadena ng motley ng mga taon ng malayong pagkabata, isang kahanga-hangang araw ng tag-init ang nanatiling lalong malinaw sa memorya ni Vladimir Alexandrovich Vasiliev. "Isinasaalang-alang ko ang araw na ito bilang isang mapagpasyang isa sa aking buhay bilang isang artista. Una kong naranasan ang pakiramdam ng espesyal na kaligayahan, kapunuan ng buhay, na madalas na napahawak ako sa paglaon, nang ako ay naging artista, sa mga sandaling iyon na naiwan kang nag-iisa ng kalikasan at palaging nauunawaan ito sa isang uri ng bago at masayang-mangha na paghanga.

Si Korovin Konstantin Alekseevich, sikat na pintor ng Russia at artista sa teatro. Nag-aral siya sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture - sa Department of Architecture (1875), at pagkatapos (mula 1876) sa nakamamanghang departamento ng I. Pryanishnikov., V., Perov, L. Savrasov! at V. Polenov. Sa loob ng maraming buwan (1882-83) nag-aral siya sa St. Petersburg Academy of Arts. Tapos na edukasyon sa sining sa Paaralan (1883-1886).

Kramskoy Ivan Nikolaevich
(1837-1887)

Si Kramskoy Ivan Nikolaevich, isang natitirang pintor ng Russia at progresibong art figure. Ipinanganak sa Ostrogozhsk, lalawigan ng Voronezh, sa isang mahirap na pamilyang burges. Natanggap niya ang kanyang paunang kaalaman sa paaralang distrito. Nag-drawing siya mula pagkabata nang mag-isa. Sa edad na labing-anim, pumasok siya sa mga retoucher para sa isang litratista ng Kharkov

Kuindzhi Arkhip Ivanovich
(1842-1910)

A.I. Si Kuindzhi ay anak ng isang mahirap na taga-sapatos ng Griyego mula sa Mariupol, maaga siyang naulila, at kailangan niyang makamit ang lahat sa kanyang buhay nang siya lamang. Noong unang bahagi ng 1860s, ang kanyang hilig sa pagguhit ay nagdala sa kanya sa St. Petersburg, kung saan dalawang beses niyang sinubukan na pumasok sa Academy of Arts, ngunit hindi ito nagawa. Walang sapat na pagsasanay, sapagkat nakuha niya ang lahat ng kanyang karanasan sa pagpipinta, pagiging retoucher sa isang photographic workshop.

Boris Mikhailovich Kustodiev
(1878 - 1927)

Boris Mikhailovich Kustodiev, natitirang Ruso Pintor ng Soviet, graphic artist, teatro artist, iskultor. Ipinanganak sa Astrakhan, ginugol niya ang kanyang pagkabata, pagbibinata at kabataan sa mga bangko ng Volga. Kasunod, pagiging isang sikat na pintor, siya ay nanirahan ng mahabang panahon sa Village malapit sa Kineshma, nagtayo doon ng isang bahay-pagawaan, na tinawag niyang "terem". Sa Volga, lumaki si Kustodiev at naging matured bilang isang artista. Inialay niya ang marami sa kanyang mga canvases sa Volga at Volzhans. Inang bayan binigyan siya ng malalim na kaalaman sa buhay ng Russia at katutubong buhay, pag-ibig para sa maingay na mga pagdiriwang ng tao, pagdiriwang, booth, ang mga maliliwanag at masasayang kulay na pumasok sa pagpipinta ng Russia kasama niya.

Lagorio Lev Feliksovich
(1827-1905)

Lagorio Lev Feliksovich - pintor ng tanawin ng Russia, pintor ng dagat. Ipinanganak sa pamilya ng isang Neapolitan consul sa Feodosia. Ang kanyang guro ay si I.K Aivazovsky. Mula pa noong 1843, nag-aral si Lagorio sa St. Petersburg sa Academy of Arts sa ilalim ng A. I. Sauerweid at M. N. Vorobyov.

Levitan na si Isaac Ilyich
(1861-1900)

Ipinanganak sa bayan ng Kybarty sa Lithuania sa pamilya ng isang empleyado ng riles. Nag-aral sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1873-74) sa ilalim ng A. Savrasov at V. Polenov. Mula noong 1884 gumanap siya sa mga eksibisyon ng Association of the Itinerants; mula noong 1891 - isang miyembro ng Pakikipagtulungan. Mula noong 1898 - akademiko ng pagpipinta sa landscape. Lumikha si Levitan ng maraming kamangha-mangha, taos-pusong mga imahe ng likas na Ruso. Sa kanyang trabaho, ang simula ng liriko ay nabuo, na likas sa pagpipinta ng kanyang guro at tagapagturo na si A. Savrasov.

Malevich Kazimir Severinovich
(1878-1935)

Ang pangalan ng Kazimir Malevich ay mabilis na natagpuan ang nararapat na lugar nito sa kasaysayan ng sining ng Russia sa lalong madaling pagbagsak ng opisyal na ideolohiya ng Soviet. Mas madali itong naganap sapagkat ang magaling na artista ay matagal nang nagwagi ng pangmatagalang katanyagan sa labas ng Fatherland. Ang bibliography na nakatuon sa kanya ay dapat na nai-publish bilang isang magkakahiwalay na edisyon, at siyam-ikasampu nito ay binubuo ng mga libro at artikulo sa mga banyagang wika: maraming mga pag-aaral sa Russian ang nai-publish mula noong huling bahagi ng 1980s, nang maganap ang unang malaking eksibisyon ni Malevich sa kanyang sariling bayan. pagkatapos ng mga dekada ng pananahimik at kalapastanganan.

Malyutin Sergey Vasilievich
(1859-1937)

Ang hinaharap na artista ay isinilang noong Setyembre 22, 1859 sa isang pamilyang negosyante sa Moscow. Nananatili sa loob ng tatlong taon ng isang kumpletong ulila, siya ay pinalaki sa bahay ng kanyang tiyahin, ang asawa ng isang maliit na opisyal. Ang batang lalaki ay ipinadala sa isang komersyal na paaralan, at pagkatapos ay sa mga kurso sa accounting, at pagkatapos ay naatasan siyang maglingkod bilang isang klerk sa Voronezh. Ang kanyang mga masining na hilig ay ipinakita nang maaga. Ngunit ang kapaligiran ay maliit na nagdulot ng kanilang kaunlaran. Sa pagtatapos lamang ng 1870s, nang bumisita siya sa isang naglalakbay na eksibisyon sa Voronezh, unang nakita ni Malyutin ang tunay na pagpipinta. Matagal nang hindi malinaw na mga pangarap ay natagpuan ang pagkakakonkreto: ang desisyon ay dumating, sa kabila ng anumang mga paghihirap, upang maging isang artista.

Nesterov Mikhail Vasilievich
(1862- 1942)

Nesterov Mikhail Vasilievich, isang natitirang artist ng Russian Soviet. Ipinanganak sa Ufa sa isang pamilya ng mangangalakal. Nag-aral sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1877-86) at sa Academy of Arts sa ilalim ng V. Perov, I. Pryanishnikov at P. Chistyakov. Sa una ay sinubukan niya ang kanyang sarili sa uri ng pang-araw-araw na buhay: "Ang biktima ng mga kaibigan" (1881), "Pagsusulit sa isang paaralan sa kanayunan" (1884). Noong 1882 ikinasal siya kay Maria Martynova, na namatay noong 1885 mula sa panganganak. Ang trahedyang ito ay lubos na naiimpluwensyahan ang lahat ng karagdagang gawain ng artista. Inabandona niya ang mga magaan na genre at bumaling sa mga tema ng kasaysayan at relihiyon.

Perov Vasily Grigorievich
(1834-1882)

Ang isa sa mga nagpasimula ng makatotohanang pagpipinta noong dekada 60 ay Vasily Grigorievich Perov- ang kahalili ng mga incriminating tendency ni Fedotov. Sa kaguluhan at pagkabalisa sa buhay ng Russia, nahahanap niya ang lupa para sa kanyang pagkamalikhain, ang medium na nakapagpapalusog, kung wala ang artist ay hindi maaaring magkaroon. Si Perov ay buong tapang at lantaran na sumugod sa labanan, na inilalantad ang kamalian at pagkukunwari ng mga ritwal ng simbahan ( "Prusisyon sa bukid sa Mahal na Araw", 1861), parasitism at pagkasira ng mga pari at monghe ( "Pag-inom ng tsaa sa Mytishchi", 1862; kapwa sa Tretyakov Gallery sa Moscow).

Polenov Vasily Dmitrievich
(1844- 1927)

Ipinanganak sa St. Petersburg sa isang masining na pamilya. Ang ina ay isang artista, ang ama ay isang tanyag na arkeologo at bibliographer, isang miyembro ng Academy of Science, isang art connoisseur at manliligaw. Bilang isang bata, nag-aral siya ng musika. Nagtapos siya mula sa high school sa Petrozavodsk at pumasok sa Academy of Arts (1863) sa klase ng pagpipinta sa kasaysayan at sa parehong oras sa guro ng abogasya ng St. Petersburg University. Gayunpaman, hindi siya sumuko sa musika at kumanta sa Academic Choir nang matagal. Sa kanyang pag-aaral binisita niya ang Alemanya at Pransya, hinahangaan sina R. Wagner at J. Offenbach.

Repin Ilya Efimovich
(1844-1933)

Si Repin Ilya Efimovich, isang natitirang Russian artist, kinatawan ng demokratikong realismo. Ipinanganak sa Chuguev, lalawigan ng Kharkov, sa pamilya ng isang settler ng militar. Sa edad na labintatlo nagsimula siyang mag-aral ng pagpipinta sa Chuguev kasama ang artist na si N. Bunakov. Nagtrabaho siya sa mga icon-painting artel. Noong 1863 siya ay dumating sa St. Petersburg at pumasok sa Drawing School ng Kapisanan para sa Pagganyak ng Sining. Nakilala ko si I. Kramskoy, na naging tagapayo ng batang artista sa loob ng maraming taon.

Roerich Nicholas Konstantinovich
(1874- 1947)

Roerich Nicholas Konstantinovich, isang natitirang Russian artist, art kritiko, archaeologist at pampublikong pigura. Ipinanganak sa St. Petersburg. Nag-aral siya sa St. Petersburg sa May gymnasium (1883-93). Kinuha ang mga aralin sa pagguhit mula kay M. Mikeshin. Nagtapos mula sa guro ng abogasya ng St. Petersburg University (1893-96) at ang departamento ng pagpipinta ng Academy of Arts (1893-97), klase ng A. Kuindzhi. Ang huli ay naghangad na bumuo sa kanyang mga mag-aaral ng isang pakiramdam ng dekorasyon ng kulay. Nang hindi tumatanggi na gumana mula sa kalikasan, iginiit niya na ang mga kuwadro ay ipininta mula sa memorya. Kailangang pangalagaan ng artista ang ideya ng pagpipinta.

Savitsky Konstantin Apollonovich
(1844-1905)

Savitsky Konstantin Apollonovich, pintor ng Russia at pinturang genre. Ipinanganak sa Taganrog sa pamilya ng isang doktor sa militar. Noong 1862 ay pumasok siya sa Academy of Arts sa St. Petersburg, ngunit dahil sa hindi sapat na paghahanda ay napilitan siyang umalis at makalipas ang dalawang taon na tumaas pansariling gawain noong 1864 ay pumasok ulit siya sa Academy. Noong 1871 nakatanggap siya ng isang maliit na gintong medalya para sa pagpipinta na "Kain at Abel". Nasa mga akademikong taon na siya ay malapit na sa Art Artel ng I. Kramskoy, at kalaunan sa Association of Traveling mga exhibit ng sining at ipinakita noong ika-2 naglalakbay na eksibisyon(1873). Pinukaw nito ang kawalang kasiyahan sa pamamahala ng Academy, kung saan, na nakakita ng pagkakamali sa unang isyu na nahanap (hindi ipinasa sa oras dahil sa kasal, ang pagsusulit), pinatalsik si Savitsky mula sa Academy (1873).

Alexey Savrasov
(1830-1890)

Mayroong mga kuwadro na kung saan hindi maiisip na isipin ang sining ng Russia, tulad ng imposibleng isipin ang panitikang Ruso na walang "Digmaan at Kapayapaan" ni Tolstoy, "Eugene Onegin" ni Pushkin. At hindi ito dapat malaki at kumplikadong gawain... Ang isang maliit na katamtaman na pagpipinta ni Alexei Kondratyevich Savrasov (1830-1897) "Dumating ang mga Rooks" ay naging isang tunay na hiyas ng pagpipinta sa landscape ng Russia. Lumitaw siya sa unang eksibisyon ng Itinerant Society noong 1871.

Serov Valentin Alexandrovich
(1865-1911)

Kahit na sa panahon ng buhay ni V.A Serov, at lalo na pagkatapos ng kanyang kamatayan, nagtalo ang mga istoryador ng sining at artist - kung sino si Serov: ang huling pintor ng matandang paaralan ng ika-19 na siglo. o isang kinatawan ng isang bagong sining? Ang pinaka tamang sagot sa katanungang ito ay: pareho. Ang Serov ay tradisyonal; sa kasaysayan ng pagpipinta ng Russia, maaari siyang tawaging anak ni Repin. Ngunit ang totoong kahalili ng mga tradisyon ay hindi hihinto sa isang lugar, ngunit magpatuloy at maghanap. Hinanap pa ni Serov higit sa iba. Hindi niya alam ang pakiramdam ng kasiyahan. Palagi na siyang nasa daan. Samakatuwid, siya ay naging artista na organiko na pinagsama ang sining noong ika-19 at ika-20 siglo.

Surikov Vasily Ivanovich
(1848-1916)

Si Surikov Vasily Ivanovich, isang natitirang pinturang makasaysayang Ruso at pintor ng genre. "Ang mga ideyal ng mga uri ng pang-kasaysayan ay inilabas sa akin ng Siberia." Ipinanganak sa Krasnoyarsk sa pamilya ng isang opisyal ng Cossack. Ang kanyang ama, isang masigasig na mahilig sa musika, naglalaro ng gitara nang napakahusay at isinasaalang-alang Pinakamagaling na mangaawit Krasnoyarsk. Ang ina ay isang kahanga-hangang burda.

Fedotov Pavel Andreevich
(1815-1852)

Si Pavel Andreevich Fedotov ay isinilang sa Moscow noong Hunyo 22, 1815. Ang aking ama ay nagsilbi bilang isang opisyal at nagtatrabaho tuwing umaga. Malaki ang pamilyang Fedotov, hindi sila namuhay nang maayos, ngunit hindi nila naramdaman ang labis na pangangailangan. Ang mga kapitbahay sa paligid ay simpleng tao - maliit na opisyal, retiradong mga kalalakihan, mahirap na mangangalakal. Lalo na palakaibigan si Pavlusha Fedotov sa mga anak na lalaki ni Kapitan Golovachev, na nakatira sa tapat, at ang kanyang maliit na kapatid na babae, "ang matalim ang mata na si Lyubochka," na tinawag niya sa kanya, ay kaibigan ni Katenka Golovacheva, kaedad niya.

Shishkin Ivan Ivanovich
(1832-1898)

Ipasok ang bulwagan ng Tretyakov Gallery, kung saan nakabitin ang mga kuwadro na gawa ni Ivan Ivanovich Shishkin, at mukhang sa iyo na ang basa-basa na hininga ng kagubatan, ang sariwang hangin ng mga bukid ay huminga, naging mas sikat ng araw at mas maliwanag. Sa mga kuwadro na gawa ni Shishkin nakikita natin ang maagang umaga sa kagubatan pagkatapos ng isang bagyo sa gabi, pagkatapos ay ang walang katapusang paglawak ng mga patlang na may landas na tumatakbo papalayo, pagkatapos ay ang mahiwagang takipsilim ng kagubatan.

Yuon Konstantin Fedorovich
(1875-1958)

Kapalaran ay pinalabi sa lahat ng paraan K.F. Yuon... Siya ay nabuhay ng mahabang buhay. Nagkaroon siya ng isang hindi masayang kasal. Mahal siya ng mga tao sa paligid niya. Hindi na niya kailangang harapin ang gusto. Maagang dumating sa kanya ang tagumpay at palaging sinamahan siya. Matapos ang rebolusyon, parangal, mataas na parangal, titulo, posisyon ng pamumuno ay tila hinahanap siya mismo. Mayroong mas kaunting paghihirap - ito ay isang pagtatalo sa loob ng maraming taon sa kanyang ama (isang empleyado sa bangko) dahil sa kasal ni Yuon sa isang babaeng magsasaka at maagang pagkamatay isa sa mga anak na lalaki.