Mahusay na mga artista ng Renaissance. Mga numero ng Renaissance: listahan at mga nagawa Mga sikat na artista ng Renaissance na Italyano

Ang mga unang harbinger ng sining ng Renaissance ay lumitaw sa Italya noong ika-14 na siglo. Mga artista sa panahong ito, sina Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) at (pinaka-kapansin-pansin) Giotto (1267-1337) nang lumikha ng mga pintura ng tradisyonal na mga tema ng relihiyon, nagsimula silang gumamit ng bago masining na pamamaraan: pagbuo ng isang three-dimensional na komposisyon, gamit ang isang landscape sa background, na nagpapahintulot sa kanila na gawing mas makatotohanan at animated ang mga larawan. Ito ay malinaw na nakikilala ang kanilang trabaho mula sa nakaraang tradisyon ng iconographic, na puno ng mga kombensiyon sa imahe.
Ang terminong ginamit upang tukuyin ang kanilang pagkamalikhain Proto-Renaissance (1300s - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Italyano na pintor at arkitekto ng panahon ng Proto-Renaissance. Isa sa mga pangunahing tauhan sa kasaysayan ng Kanluraning sining. Ang pagkakaroon ng pagtagumpayan ang tradisyon ng pagpipinta ng icon ng Byzantine, siya ay naging tunay na tagapagtatag ng paaralan ng pagpipinta ng Italya at nakabuo ng isang ganap na bagong diskarte sa paglalarawan ng espasyo. Ang mga gawa ni Giotto ay inspirasyon ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Maagang Renaissance (1400s - Quattrocento).

Sa simula ng ika-15 siglo Filippo Brunelleschi (1377-1446), Florentine scientist at arkitekto.
Nais ni Brunelleschi na gawing mas visual ang pang-unawa sa mga paliguan at mga sinehan na kanyang muling itinayo at sinubukang lumikha ng geometrically perspective na mga painting mula sa kanyang mga plano para sa isang partikular na punto ng view. Sa paghahanap na ito ito ay natuklasan direktang pananaw.

Pinahintulutan nito ang mga artist na makakuha ng perpektong mga larawan ng three-dimensional na espasyo sa isang flat painting canvas.

Ang isa pang mahalagang hakbang sa landas tungo sa Renaissance ay ang paglitaw ng di-relihiyoso, sekular na sining. Portrait at landscape ay itinatag ang kanilang mga sarili bilang mga malayang genre. Kahit na ang mga relihiyosong paksa ay nakakuha ng ibang interpretasyon - nagsimulang tingnan ng mga artista ng Renaissance ang kanilang mga karakter bilang mga bayani na may malinaw na mga indibidwal na katangian at pagganyak ng tao para sa mga aksyon.

Ang pinakasikat na mga artista sa panahong ito ay Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - sikat na pintor ng Italyano, ang pinakamalaking master ng paaralang Florentine, repormador ng pagpipinta ng panahon ng Quattrocento.

Fresco. Himala na may statir.

Pagpipinta. Pagpapako sa krus.

Fresco. Ang kwento ng Reyna ng Sheba. Simbahan ng San Francesco sa Arezzo

tagsibol.

Kapanganakan ni Venus.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Italyano na pintor (pintor, eskultor, arkitekto) at siyentipiko (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat.

Self-portrait

Babaeng may ermine. 1490. Czartoryski Museum, Krakow

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Hermitage Museum.

Madonna Benoit(Madonna na may dalang bulaklak). 1478-1480

Madonna kasama si Carnation. 1478

Sa panahon ng kanyang buhay, si Leonardo da Vinci ay gumawa ng libu-libong mga tala at mga guhit sa anatomy, ngunit hindi nai-publish ang kanyang trabaho. Habang hinihihiwalay ang mga katawan ng mga tao at hayop, tumpak niyang inihatid ang istraktura ng balangkas at mga panloob na organo, kabilang ang maliliit na bahagi. Ayon sa propesor ng clinical anatomy na si Peter Abrams, ang gawaing pang-agham ni da Vinci ay 300 taon nang mas maaga kaysa sa panahon nito at sa maraming paraan ay nakahihigit sa sikat na Gray's Anatomy.

Listahan ng mga imbensyon, parehong totoo at naiugnay sa kanya:

Parasyut, saOlestsovo Castle, sabisikleta, tank, lmagaan na portable na tulay para sa hukbo, pprojector, saatapult, rpareho, dVuhlens teleskopyo.

Ang mga kuwadro na gawa at eskultura ni Michelangelo Buonarotti ay puno ng mga kabayanihan at, sa parehong oras, isang trahedya na kahulugan ng krisis ng humanismo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay niluluwalhati ang lakas at kapangyarihan ng tao, ang kagandahan ng kanyang katawan, habang sabay na binibigyang-diin ang kanyang kalungkutan sa mundo.

Ang henyo ni Michelangelo ay nag-iwan ng marka hindi lamang sa sining ng Renaissance, kundi pati na rin sa lahat ng kasunod na kultura ng mundo. Ang kanyang mga aktibidad ay pangunahing konektado sa dalawang lungsod ng Italya - Florence at Roma.

Gayunpaman, napagtanto ng artista ang kanyang pinaka-ambisyosong mga plano nang tumpak sa pagpipinta, kung saan kumilos siya bilang isang tunay na innovator ng kulay at anyo.
Inatasan ni Pope Julius II, pininturahan niya ang kisame ng Sistine Chapel (1508-1512), na kumakatawan kuwento sa Bibliya mula sa paglikha ng mundo hanggang sa baha at may kasamang higit sa 300 mga numero. Noong 1534-1541, sa parehong Sistine Chapel, nagtanghal siya ng isang engrande, dramatikong fresco para kay Pope Paul III " Huling Paghuhukom».
Sistine Chapel 3D.

Ang mga gawa nina Giorgione at Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang interes sa landscape at poeticization ng balangkas. Ang parehong mga artista ay nakamit ang mahusay na karunungan sa sining ng portraiture, sa tulong kung saan naihatid nila ang karakter at mayamang panloob na mundo ng kanilang mga karakter.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Italian artist, kinatawan ng Venetian school of painting.

Natutulog si Venus. 1510

Judith. 1504g

Titian painted paintings base sa biblical at mga kwentong mitolohiya, sumikat din siya bilang portrait painter. Nakatanggap siya ng mga utos mula sa mga hari at papa, kardinal, duke at prinsipe. Wala pang tatlumpung taong gulang si Titian nang kinilala siya bilang pinakamahusay na pintor ng Venice.

Self-portrait. 1567

Venus ng Urbino. 1538

Larawan ni Tommaso Mosti. 1520

Huling Renaissance.
Kasunod ng sako ng Roma ng mga puwersa ng imperyal noong 1527, ang Renaissance ng Italya ay pumasok sa isang panahon ng krisis. Nasa trabaho na ni late Raphael, isang bagong artistikong linya ang binalangkas, tinawag ugali.
Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng napalaki at putol-putol na mga linya, pinahaba o kahit na deformed na mga pigura, kadalasang hubad, tense at hindi natural na mga pose, hindi pangkaraniwan o kakaibang mga epekto na nauugnay sa laki, ilaw o pananaw, ang paggamit ng isang caustic chromatic range, overloaded na komposisyon, atbp. unang masters mannerism Parmigianino , Pontormo , Bronzino- nanirahan at nagtrabaho sa korte ng bahay ng Dukes ng Medici sa Florence. Lumaganap ang mannerist fashion sa buong Italya at higit pa.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "residente ng Parma") (1503-1540) Italyano na artista at engraver, kinatawan ng mannerism.

Self-portrait. 1540

Larawan ng isang babae. 1530.

Jacopo Robusti, mas kilala bilang Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pintor ng paaralang Venetian ng huling Renaissance.

Huling Hapunan. 1592-1594. Simbahan ng San Giorgio Maggiore, Venice.

Kristo sa krus. OK. 1577. Pribadong koleksyon.

Trinidad. 1579 Prado.

Sa panahon ng Renaissance, maraming pagbabago at pagtuklas ang naganap. Ang mga bagong kontinente ay ginalugad, ang kalakalan ay umuunlad, ang mga mahahalagang bagay ay naimbento, tulad ng papel, isang marine compass, pulbura at marami pang iba. Malaki rin ang kahalagahan ng mga pagbabago sa pagpipinta. Ang mga pagpipinta ng Renaissance ay nakakuha ng napakalaking katanyagan.

Pangunahing mga estilo at uso sa mga gawa ng mga masters

Ang panahon ay isa sa pinakamabunga sa kasaysayan ng sining. Isang malaking bilang ng mga obra maestra natatanging mga masters ay matatagpuan ngayon sa iba't-ibang mga sentro ng sining. Lumitaw ang mga innovator sa Florence noong unang kalahati ng ikalabinlimang siglo. Ang kanilang mga pagpipinta sa Renaissance ay minarkahan ang simula bagong panahon sa kasaysayan ng sining.

Sa panahong ito, ang agham at sining ay napakalapit na magkaugnay. Sinikap ng mga artista at siyentipiko na makabisado ang pisikal na mundo. Sinubukan ng mga pintor na samantalahin ang mas tumpak na mga ideya tungkol sa katawan ng tao. Maraming mga artista ang nagsikap para sa pagiging totoo. Nagsisimula ang istilo sa pagpipinta ni Leonardo da Vinci na "The Last Supper", na ipininta niya sa loob ng halos apat na taon.

Isa sa mga pinakatanyag na gawa

Ipininta ito noong 1490 para sa refectory ng monasteryo ng Santa Maria delle Grazie sa Milan. Ang pagpipinta ay kumakatawan sa huling pagkain ni Jesus kasama ang kanyang mga alagad bago siya dinakip at pinatay. Napansin ng mga kontemporaryo na nagmamasid sa gawa ng artista sa panahong ito kung paano siya makapagpinta mula umaga hanggang gabi, nang hindi man lang huminto sa pagkain. At pagkatapos ay maaari niyang iwanan ang kanyang pagpipinta sa loob ng ilang araw at hindi ito lapitan.

Ang artista ay labis na nag-aalala tungkol sa imahe ni Kristo mismo at ang taksil na si Judas. Nang sa wakas ay natapos na ang pagpipinta, ito ay nararapat na kinilala bilang isang obra maestra. "Ang Huling Hapunan" ay isa pa rin sa pinakasikat. Ang mga reproduksyon ng Renaissance ay palaging hinihiling, ngunit ang obra maestra na ito ay minarkahan ng hindi mabilang na mga kopya.

Isang kinikilalang obra maestra, o ang misteryosong ngiti ng isang babae

Kabilang sa mga akda na nilikha ni Leonardo noong ikalabing-anim na siglo ay isang larawan na tinatawag na Mona Lisa, o La Gioconda. Sa modernong panahon, ito na marahil ang pinakasikat na pagpipinta sa mundo. Naging tanyag ito pangunahin dahil sa mailap na ngiti sa mukha ng babaeng inilalarawan sa canvas. Ano ang humantong sa gayong misteryo? Ang husay na gawain ng isang master, ang kakayahan na napakahusay na lilim ang mga sulok ng mga mata at bibig? Ang eksaktong katangian ng ngiti na ito ay hindi matukoy hanggang ngayon.

Ang iba pang mga detalye ng larawang ito ay lampas sa kompetisyon. Ito ay nagkakahalaga ng pagbibigay pansin sa mga kamay at mata ng babae: kung gaano katumpak ang pagtrato ng artist sa pinakamaliit na detalye ng canvas kapag pininturahan ito. Hindi gaanong kawili-wili ang dramatikong tanawin sa background ng larawan, isang mundo kung saan ang lahat ay tila nasa isang estado ng daloy.

Isa pang sikat na kinatawan ng pagpipinta

Ang isang pantay na sikat na kinatawan ng Renaissance ay si Sandro Botticelli. Ito ay isang mahusay na pintor ng Italyano. Ang kanyang mga pagpipinta ng Renaissance ay napakapopular din sa mga malawak na saklaw mga manonood. "The Adoration of the Magi", "Madonna and Child Enthroned", "The Annunciation" - ang mga gawang ito ni Botticelli, na nakatuon sa mga relihiyosong tema, ay naging napakalaking tagumpay ng artist.

Isa pa sikat na gawain master - "Madonna Magnificat". Naging tanyag siya sa buhay ni Sandro, na pinatunayan ng maraming pagpaparami. Ang mga katulad na hugis-bilog na canvases ay lubos na hinihiling sa ikalabinlimang siglo ng Florence.

Isang bagong pagliko sa trabaho ng artista

Simula noong 1490, binago ni Sandro ang kanyang istilo. Ito ay nagiging mas asetiko, ang kumbinasyon ng mga kulay ay mas pinigilan na ngayon, ang mga madilim na tono ay madalas na nangingibabaw. Bagong diskarte Ang pangako ng lumikha sa pagsusulat ng kanyang mga gawa ay malinaw na nakikita sa "Koronasyon ni Maria", "Panaghoy ni Kristo" at iba pang mga canvases na naglalarawan sa Madonna at Bata.

Ang mga obra maestra na ipininta ni Sandro Botticelli noong panahong iyon, halimbawa, ang larawan ni Dante, ay walang mga background sa landscape at interior. Ang isa sa mga pantay na makabuluhang likha ng artist ay ang "Mystical Christmas". Ang pagpipinta ay ipininta sa ilalim ng impluwensya ng kaguluhan na naganap sa pagtatapos ng 1500 sa Italya. Maraming mga pagpipinta ng mga artista ng Renaissance ay hindi lamang nakakuha ng katanyagan, sila ay naging isang halimbawa para sa kasunod na henerasyon ng mga pintor.

Isang artista na ang mga canvases ay napapalibutan ng aura ng paghanga

Si Rafael Santi da Urbino ay hindi lamang isang arkitekto. Ang kanyang Renaissance paintings ay hinahangaan para sa kanilang kalinawan ng anyo, pagiging simple ng komposisyon, at visual na pagkamit ng ideal ng kadakilaan ng tao. Kasama sina Michelangelo at Leonardo da Vinci, isa siya sa tradisyunal na trinidad ng mga pinakadakilang master sa panahong ito.

Nabuhay siya ng medyo maliit na buhay, 37 taong gulang lamang. Ngunit sa panahong ito ay lumikha siya ng isang malaking bilang ng kanyang mga obra maestra. Ang ilan sa kanyang mga gawa ay nasa Vatican Palace sa Roma. Hindi lahat ng manonood ay nakakakita ng mga painting ng mga Renaissance artist gamit ang kanilang sariling mga mata. Ang mga larawan ng mga obra maestra na ito ay magagamit sa lahat (ang ilan sa mga ito ay ipinakita sa artikulong ito).

Ang pinakasikat na mga gawa ni Raphael

Mula 1504 hanggang 1507, lumikha si Raphael ng isang buong serye ng Madonnas. Ang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kaakit-akit na kagandahan, karunungan at sa parehong oras ng isang tiyak na napaliwanagan na kalungkutan. Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay ang Sistine Madonna. Siya ay inilalarawan na lumulutang sa kalangitan at maayos na bumababa patungo sa mga taong may Sanggol sa kanyang mga bisig. Ito ang kilusang ito na nagawang ilarawan ng artista nang napakahusay.

Ang gawaing ito ay lubos na pinahahalagahan ng marami mga sikat na kritiko, at lahat sila ay dumating sa parehong konklusyon na ito ay talagang bihira at hindi karaniwan. Ang lahat ng mga pagpipinta ng mga artista ng Renaissance ay may mahabang kasaysayan. Ngunit siya ay naging pinakatanyag salamat sa kanyang walang katapusang paglalagalag, simula sa sandali ng kanyang paglikha. Nang dumaan sa maraming pagsubok, sa wakas ay nakuha nito ang nararapat na lugar sa mga eksibisyon ng Dresden Museum.

Mga painting ng Renaissance. Mga larawan ng mga sikat na painting

At isa pang sikat na Italyano na pintor, iskultor, at arkitekto na may malaking impluwensya sa pag-unlad ng Kanluraning sining ay si Michelangelo di Simoni. Sa kabila ng katotohanan na siya ay higit na kilala bilang isang iskultor, mayroon ding mga magagandang gawa ng kanyang pagpipinta. At ang pinakamahalaga sa kanila ay ang kisame ng Sistine Chapel.

Ang gawaing ito ay isinagawa sa loob ng apat na taon. Ang espasyo ay sumasakop ng humigit-kumulang limang daang metro kuwadrado at naglalaman ng higit sa tatlong daang mga numero. Sa pinakasentro ay siyam na yugto mula sa aklat ng Genesis, na nahahati sa ilang grupo. Ang paglikha ng lupa, ang paglikha ng tao at ang kanyang pagkahulog. Kabilang sa karamihan sikat na mga painting sa kisame - "Ang Paglikha ni Adan" at "Adan at Eba".

Ang kanyang parehong sikat na gawa ay "Ang Huling Paghuhukom." Ginawa ito sa dingding ng altar ng Sistine Chapel. Inilalarawan ng fresco ang ikalawang pagdating ni Hesukristo. Dito binabalewala ni Michelangelo ang mga karaniwang artistikong kombensiyon sa pagpipinta kay Hesus. Inilarawan niya siya na may napakalaking maskuladong istraktura ng katawan, bata at walang balbas.

Ang Kahulugan ng Relihiyon, o Renaissance Art

Ang mga pagpipinta ng Italyano ng Renaissance ay naging batayan para sa pag-unlad ng sining ng Kanluranin. Marami sa mga sikat na gawa ng henerasyong ito ng mga tagalikha ay may malaking impluwensya sa mga artista na nagpapatuloy hanggang ngayon. Itinuon ng mga dakilang kinatawan ng sining noong panahong iyon ang kanilang pansin sa mga tema ng relihiyon, kadalasang gumagawa sa mga utos mula sa mayayamang patron, kasama ang mismong Papa.

Literal na nakapasok ang relihiyon araw-araw na pamumuhay ang mga tao sa panahong ito, ay malalim na nakatanim sa isipan ng mga artista. Halos lahat ng mga relihiyosong pagpipinta ay matatagpuan sa mga museo at mga imbakan ng sining, ngunit ang mga reproduksyon ng mga pagpipinta ng Renaissance, na nauugnay hindi lamang sa paksang ito, ay matatagpuan sa maraming mga institusyon at maging sa mga ordinaryong tahanan. Walang katapusang hahangaan ng mga tao ang mga gawa mga sikat na master ang panahong iyon.

Agosto 7, 2014

Alam ng mga mag-aaral ng mga unibersidad sa sining at mga taong interesado sa kasaysayan ng sining na sa pagliko ng ika-14-15 na siglo nagkaroon ng matalim na pagbabago sa pagpipinta - ang Renaissance. Sa paligid ng 1420s, ang lahat ay biglang naging mas mahusay sa pagguhit. Bakit biglang naging makatotohanan at detalyado ang mga imahe, at bakit lumilitaw ang liwanag at lakas ng tunog sa mga kuwadro na gawa? Walang nag-isip tungkol dito sa mahabang panahon. Hanggang sa kinuha ni David Hockney ang isang magnifying glass.

Alamin natin kung ano ang natuklasan niya...

Isang araw tinitingnan niya ang mga guhit ni Jean Auguste Dominique Ingres, ang pinuno ng French academic school noong ika-19 na siglo. Naging interesado si Hockney na makita ang kanyang maliliit na guhit sa mas malaking sukat, at pinalaki niya ang mga ito sa isang photocopier. Iyon ay kung paano siya natisod sa lihim na bahagi ng kasaysayan ng pagpipinta mula noong Renaissance.

Nang gumawa ng mga kopya ng maliliit na (mga 30 sentimetro) na guhit ni Ingres, namangha si Hockney sa pagiging makatotohanan ng mga ito. At tila bagay din sa kanya ang mga linya ni Ingres
paalalahanan. Pinaalalahanan pala siya ng mga gawa ni Warhol. At ginawa ito ni Warhol - pinalabas niya ang isang larawan sa isang canvas at binalangkas ito.

Kaliwa: detalye ng pagguhit ni Ingres. Kanan: Warhol drawing ni Mao Zedong

Mga kawili-wiling bagay, sabi ni Hockney. Malamang, ginamit ni Ingres ang Camera Lucida - isang device na isang istraktura na may prisma na naka-mount, halimbawa, sa isang stand sa isang tablet. Kaya, ang artista, na tumitingin sa kanyang pagguhit gamit ang isang mata, ay nakikita ang tunay na imahe, at sa isa pa - ang aktwal na pagguhit at ang kanyang kamay. Iyon pala optical illusion, na nagbibigay-daan sa iyong tumpak na ilipat ang mga tunay na sukat sa papel. At ito ay tiyak na "garantiya" ng pagiging totoo ng imahe.

Pagguhit ng portrait gamit ang camera lucida, 1807

Pagkatapos ay si Hockney ay naging seryosong interesado sa ganitong "optical" na uri ng mga guhit at pagpipinta. Sa kanyang studio, siya at ang kanyang koponan ay nag-hang ng daan-daang reproductions ng mga painting na nilikha sa loob ng maraming siglo sa mga dingding. Mga gawang mukhang "totoo" at yaong hindi. Pagsasaayos ayon sa oras ng paglikha at rehiyon - hilaga sa itaas, timog sa ibaba, nakita ni Hockney at ng kanyang koponan ang isang matalim na pagbabago sa pagpipinta sa pagliko ng ika-14-15 na siglo. Sa pangkalahatan, alam ito ng lahat na nakakaalam kahit kaunti tungkol sa kasaysayan ng sining - ang Renaissance.

Baka pareho silang camera-lucida? Ito ay patented noong 1807 ni William Hyde Wollaston. Bagaman, sa katunayan, ang gayong aparato ay inilarawan ni Johannes Kepler noong 1611 sa kanyang gawaing Dioptrice. Pagkatapos siguro gumamit sila ng isa pang optical device - isang camera obscura? Ito ay kilala mula pa noong panahon ni Aristotle at ito ay isang madilim na silid kung saan ang liwanag ay pumapasok sa isang maliit na butas at sa gayon sa madilim na silid ay nakuha ang projection ng kung ano ang nasa harap ng butas, ngunit baligtad. Magiging maayos ang lahat, ngunit ang imahe na nakuha kapag na-project ng isang pinhole camera na walang lens, upang ilagay ito nang mahinahon, ay hindi mataas ang kalidad, hindi ito malinaw, nangangailangan ito ng maraming maliwanag na ilaw, hindi sa banggitin ang laki ng projection. Ngunit ang mataas na kalidad na mga lente ay halos imposibleng gawin hanggang sa ika-16 na siglo, dahil walang mga paraan upang makakuha ng gayong mataas na kalidad na salamin sa oras na iyon. Negosyo, naisip ni Hockney, na sa oras na iyon ay nahihirapan na sa problema sa physicist na si Charles Falco.

Gayunpaman, mayroong isang pagpipinta ni Jan Van Eyck, isang master mula sa Bruges, isang Flemish na pintor ng unang bahagi ng Renaissance, na naglalaman ng isang palatandaan. Ang pagpipinta ay tinatawag na "Portrait of the Arnolfini Couple."

Jan Van Eyck "Portrait of the Arnolfini Couple" 1434

Ang pagpipinta ay kumikinang lamang sa isang malaking halaga ng detalye, na medyo kawili-wili, dahil ito ay ipininta lamang noong 1434. At isang palatandaan kung paano nagawa ng may-akda ang isang malaking hakbang pasulong sa pagiging totoo ng imahe ay ang salamin. At isa ring candlestick - hindi kapani-paniwalang kumplikado at makatotohanan.

Si Hockney ay puno ng kuryusidad. Kumuha siya ng kopya ng naturang chandelier at sinubukang iguhit ito. Ang artista ay nahaharap sa katotohanan na ang isang kumplikadong bagay ay mahirap iguhit sa pananaw. Isa pa mahalagang punto nagkaroon ng materyalidad ng imahe ng metal na bagay na ito. Kapag naglalarawan ng isang bagay na bakal, napakahalaga na iposisyon ang mga highlight nang makatotohanan hangga't maaari, dahil nagbibigay ito ng mahusay na pagiging totoo. Ngunit ang problema sa mga highlight na ito ay gumagalaw ang mga ito kapag gumagalaw ang mata ng manonood o artist, ibig sabihin, hindi sila madaling makuha. At isang makatotohanang imahe ng metal at liwanag na nakasisilaw ay din tampok na nakikilala mga kuwadro na gawa ng Renaissance, bago iyon ay hindi pa sinubukan ng mga artista na gawin ito.

Sa pamamagitan ng muling paglikha ng isang tumpak na 3D na modelo ng chandelier, tiniyak ng koponan ni Hockney na ang chandelier sa Arnolfini Portrait ay iginuhit nang tumpak sa perspektibo na may isang solong pagkawalang punto. Ngunit ang problema ay ang mga tumpak na optical na instrumento tulad ng isang camera obscura na may lens ay hindi umiral hanggang mga isang siglo pagkatapos malikha ang pagpipinta.

Fragment ng pagpipinta ni Jan Van Eyck na "Portrait of the Arnolfini Couple" 1434

Ang pinalaki na fragment ay nagpapakita na ang salamin sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple" ay matambok. Nangangahulugan ito na mayroon ding mga salamin sa kabaligtaran - malukong. Bukod dito, sa mga araw na iyon ang gayong mga salamin ay ginawa sa ganitong paraan - isang salamin na globo ang kinuha, at ang ilalim nito ay natatakpan ng pilak, pagkatapos ay ang lahat maliban sa ilalim ay pinutol. Ang likod na bahagi ng salamin ay hindi madilim. Nangangahulugan ito na ang malukong salamin ni Jan Van Eyck ay maaaring ang parehong salamin na inilalarawan sa pagpipinta, gamit lamang ang reverse side. At alam ng sinumang pisiko na ang gayong salamin, kapag nasasalamin, ay nagpapalabas ng larawan ng kung ano ang sinasalamin. Dito tinulungan ng kanyang kaibigang physicist na si Charles Falco si David Hockney sa mga kalkulasyon at pananaliksik.

Ang isang malukong salamin ay nagpapalabas ng imahe ng tore sa labas ng bintana papunta sa canvas.

Ang malinaw, nakatutok na bahagi ng projection ay sumusukat ng humigit-kumulang 30 square centimeters - na eksaktong sukat ng mga ulo sa maraming larawan ng Renaissance.

Binabalangkas ni Hockney ang projection ng isang lalaki sa canvas

Ito ang sukat, halimbawa, ng larawan ni “Doge Leonardo Loredan” ni Giovanni Bellini (1501), ang larawan ng isang lalaki ni Robert Campin (1430), ang aktwal na larawan ni Jan Van Eyck “isang lalaking naka-red turban. ” at marami pang ibang sinaunang larawang Dutch.

Mga Larawan ng Renaissance

Ang pagpipinta ay isang mataas na bayad na trabaho, at natural, lahat ng mga lihim ng negosyo ay itinatago sa mahigpit na kumpiyansa. Ito ay kapaki-pakinabang para sa artist na ang lahat ng hindi pa nakikilalang mga tao ay naniniwala na ang mga lihim ay nasa mga kamay ng master at hindi maaaring magnakaw. Ang negosyo ay sarado sa mga tagalabas - ang mga artista ay mga miyembro ng guild, at kasama rin dito ang iba't ibang mga manggagawa - mula sa mga gumagawa ng mga saddle hanggang sa mga gumagawa ng mga salamin. At sa Guild of Saint Luke, na itinatag sa Antwerp at unang nabanggit noong 1382 (pagkatapos ay ang mga katulad na guild ay binuksan sa maraming hilagang lungsod, at isa sa pinakamalaki ay ang guild sa Bruges, ang lungsod kung saan nakatira si Van Eyck) mayroon ding mga master na gumagawa ng mga salamin. .

Ito ay kung paano muling nilikha ni Hockney kung paano maipinta ang isang kumplikadong chandelier mula sa isang Van Eyck painting. Hindi kataka-taka na ang laki ng chandelier na inaasahang si Hockney ay eksaktong tumutugma sa laki ng chandelier sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple." At siyempre, ang mga highlight sa metal - sa projection ay nakatayo sila at hindi nagbabago kapag nagbago ang posisyon ng artist.

Ngunit ang problema ay hindi pa rin ganap na nalutas, dahil ang pagdating ng mataas na kalidad na optika, na kinakailangan upang gumamit ng isang camera obscura, ay 100 taon ang layo, at ang laki ng projection na nakuha gamit ang isang salamin ay napakaliit. Paano magpinta ng mga kuwadro na mas malaki kaysa sa 30 square centimeters? Sila ay nilikha tulad ng isang collage - mula sa maraming mga punto ng view, ito ay tulad ng isang spherical paningin na may maraming mga nawawalang punto. Naunawaan ito ni Hockney dahil siya mismo ang gumawa ng gayong mga larawan - gumawa siya ng maraming mga collage ng larawan na nakakamit ng eksaktong parehong epekto.

Pagkalipas ng halos isang siglo, noong 1500s sa wakas ay naging posible na makakuha at maiproseso nang maayos ang salamin - lumitaw ang mga malalaking lente. At maaari silang sa wakas ay maipasok sa isang camera obscura, ang prinsipyo ng pagpapatakbo nito ay kilala mula noong sinaunang panahon. Ang camera obscura na may lens ay isang hindi kapani-paniwalang rebolusyon sining biswal, dahil ngayon ang projection ay maaaring maging anumang laki. At isa pang bagay, ngayon ang imahe ay hindi "malawak na anggulo", ngunit humigit-kumulang sa isang normal na aspeto - iyon ay, humigit-kumulang pareho sa ngayon kapag nakuhanan ng larawan gamit ang isang lens na may focal length na 35-50mm.

Gayunpaman, ang problema sa paggamit ng pinhole camera na may lens ay ang forward projection mula sa lens ay isang mirror image. Ito ay humantong sa isang malaking bilang ng mga kaliwang kamay na pintor sa mga unang yugto ng paggamit ng optika. Tulad ng pagpipinta na ito mula sa 1600s mula sa Frans Hals Museum, kung saan ang isang kaliwang kamay na mag-asawa ay sumasayaw, ang isang kaliwang kamay na matandang lalaki ay nanginginig ang kanyang daliri sa kanila, at isang kaliwang kamay na unggoy ang nakatingin sa ilalim ng damit ng babae.

Lahat ng nasa larawang ito ay kaliwete

Ang problema ay malulutas sa pamamagitan ng pag-install ng salamin kung saan ang lens ay nakadirekta, kaya nakuha ang tamang projection. Ngunit tila, ang isang mahusay, makinis at malaking salamin ay nagkakahalaga ng maraming pera, kaya hindi lahat ay nagkaroon nito.

Ang isa pang problema ay ang pagtutok. Ang katotohanan ay ang ilang bahagi ng larawan, sa isang posisyon ng canvas sa ilalim ng projection ray, ay wala sa focus at hindi malinaw. Sa mga gawa ni Jan Vermeer, kung saan ang paggamit ng optika ay medyo halata, ang kanyang mga gawa sa pangkalahatan ay mukhang mga litrato, maaari mo ring mapansin ang mga lugar na wala sa "focus". Maaari mo ring makita ang pattern na ginawa ng lens - ang kilalang "bokeh". Tulad dito, halimbawa, sa pagpipinta na "The Milkmaid" (1658), ang basket, ang tinapay sa loob nito at ang asul na plorera ay wala sa pokus. Pero mata ng tao hindi makita ang "out of focus".

Wala sa focus ang ilang bahagi ng larawan

At sa liwanag ng lahat ng ito, hindi ito nakakagulat mabuting kaibigan Si John Vermeer ay si Anthony Phillips van Leeuwenhoek, isang scientist at microbiologist, pati na rin ang isang natatanging master na lumikha ng kanyang sariling mga microscope at lens. Ang siyentipiko ay naging posthumous steward ng artist. Iminumungkahi nito na inilarawan ni Vermeer ang kanyang kaibigan sa dalawang canvases - "Geographer" at "Astronomer".

Upang makita ang anumang bahagi na nakatutok, kailangan mong baguhin ang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray. Ngunit sa kasong ito, lumitaw ang mga error sa proporsyon. Tulad ng makikita mo dito: ang malaking balikat ng "Anthea" ni Parmigianino (circa 1537), ang maliit na ulo ng "Lady Genovese" ni Anthony Van Dyck (1626), ang malalaking binti ng isang magsasaka sa isang pagpipinta ni Georges de La Tour .

Mga error sa proporsyon

Siyempre, iba-iba ang paggamit ng mga lente ng lahat ng artista. Ang ilan ay para sa mga sketch, ang ilan ay binubuo mula sa iba't ibang bahagi - pagkatapos ng lahat, ngayon ay posible na gumawa ng isang portrait, at tapusin ang lahat ng iba pa sa isa pang modelo o kahit na sa isang mannequin.

Halos wala ng naiwang drawing si Velazquez. Gayunpaman, nanatili ang kanyang obra maestra - isang larawan ni Pope Innocent 10th (1650). Sa damit ng papa - maliwanag na sutla - mahusay na laro Sveta. Blikov. At upang maisulat ang lahat ng ito mula sa isang punto ng view, kailangan ng maraming pagsisikap. Ngunit kung gagawa ka ng isang projection, ang lahat ng kagandahang ito ay hindi tatakas kahit saan - ang mga highlight ay hindi na gumagalaw, maaari kang magpinta gamit ang malalawak at mabilis na mga stroke tulad ng Velasquez's.

Ginawa ni Hockney ang pagpipinta ni Velazquez

Kasunod nito, maraming mga artista ang nakakabili ng isang camera obscura, at hindi na ito naging isang malaking lihim. Aktibong ginamit ni Canaletto ang camera upang lumikha ng kanyang mga pananaw sa Venice at hindi ito itinago. Ang mga kuwadro na ito, dahil sa kanilang katumpakan, ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol kay Canaletto bilang isang dokumentaryo. Salamat sa Canaletto, higit pa sa nakikita mo magandang larawan, ngunit pati na rin ang kuwento mismo. Makikita mo kung ano ang hitsura ng unang Westminster Bridge sa London noong 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Ang British artist na si Sir Joshua Reynolds ay nagmamay-ari ng isang camera obscura at tila hindi ito sinabi kaninuman, dahil ang kanyang camera ay nakatiklop at mukhang isang libro. Ngayon ito ay nasa London Science Museum.

Camera obscura na nakabalatkayo bilang isang libro

Sa wakas, sa simula ng ika-19 na siglo, si William Henry Fox Talbot, gamit ang isang camera lucida - ang isa kung saan kailangan mong tumingin sa isang mata at gumuhit gamit ang iyong mga kamay, isinumpa, na nagpasya na ang gayong abala ay dapat na tapusin nang isang beses at para sa lahat, at naging isa sa mga imbentor ng chemical photography, at kalaunan ay isang popularizer na ginawa itong mass.

Sa pag-imbento ng litrato, nawala ang monopolyo ng pagpipinta sa pagiging totoo ng isang larawan, ngayon ay naging monopolista na ang photography. At dito, sa wakas, ang pagpipinta ay pinalaya ang sarili mula sa lens, na nagpatuloy sa landas kung saan ito lumiko noong 1400s, at si Van Gogh ang naging tagapagpauna ng lahat ng sining ng ika-20 siglo.

Kaliwa: Byzantine mosaic mula sa ika-12 siglo. Kanan: Vincent Van Gogh, Larawan ni Monsieur Trabuc, 1889.

Ang pag-imbento ng litrato ay ang pinakamagandang bagay na nangyari sa pagpipinta sa buong kasaysayan nito. Hindi na kinakailangan na lumikha ng eksklusibong tunay na mga imahe; naging malaya ang artista. Siyempre, inabot ng isang siglo ang publiko upang maabutan ang mga artist sa kanilang pag-unawa sa visual na musika at itigil ang pag-iisip na ang mga taong tulad ni Van Gogh ay "baliw." Kasabay nito, nagsimulang aktibong gumamit ng mga larawan ang mga artista bilang " sangguniang materyal" Pagkatapos ay lumitaw ang mga taong tulad ni Wassily Kandinsky, ang Russian avant-garde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Kasunod ng pagpipinta, arkitektura, iskultura at musika ay nagpalaya din sa kanilang sarili. Totoo, ang akademikong paaralan ng pagpipinta ng Russia ay natigil sa oras, at ngayon sa mga akademya at paaralan ay itinuturing pa rin na isang kahihiyan ang paggamit ng litrato bilang isang tulong, at ang pinakamataas na gawa ay itinuturing na purong teknikal na kakayahang magpinta nang makatotohanan hangga't maaari. na walang mga kamay.

Salamat sa isang artikulo ng mamamahayag na si Lawrence Weschler, na naroroon sa panahon ng pananaliksik nina David Hockney at Falco, isa pang kawili-wiling katotohanan ang ipinahayag: ang larawan ng mag-asawang Arnolfini ni Van Eyck ay isang larawan ng isang mangangalakal na Italyano sa Bruges. Si Mr. Arnolfini ay isang Florentine at, higit pa rito, siya ay isang kinatawan ng Medici bank (halos ang mga masters ng Florence sa panahon ng Renaissance, sila ay itinuturing na mga patron ng sining ng panahong iyon sa Italya). Ano ang ibig sabihin nito? Ang katotohanan na madali niyang kinuha ang lihim ng Guild of St. Luke - ang salamin - kasama niya sa Florence, kung saan, tulad ng pinaniniwalaan, tradisyonal na kasaysayan, at nagsimula ang Renaissance, at ang mga artista mula sa Bruges (at, nang naaayon, iba pang mga master) ay itinuturing na "primitivists."

Mayroong maraming kontrobersya na nakapalibot sa teorya ng Hockney-Falco. Ngunit tiyak na may butil ng katotohanan dito. Tulad ng para sa mga kritiko ng sining, kritiko at istoryador, mahirap isipin kung gaano karaming mga akdang pang-agham sa kasaysayan at sining ang talagang naging ganap na kalokohan, ngunit binago nito ang buong kasaysayan ng sining, lahat ng kanilang mga teorya at teksto.

Ang mga katotohanan ng paggamit ng optika ay hindi sa anumang paraan ay nakakabawas sa mga talento ng mga artista - pagkatapos ng lahat, ang teknolohiya ay isang paraan ng paghahatid ng kung ano ang nais ng artist. At sa kabaligtaran, ang katotohanan na ang mga kuwadro na ito ay naglalaman ng pinaka totoong katotohanan ay nagdaragdag lamang ng bigat sa kanila - pagkatapos ng lahat, ito mismo ang hitsura ng mga tao noong panahong iyon, mga bagay, lugar, mga lungsod. Ito ang mga tunay na dokumento.

Nagsimula ang Renaissance sa Italy. Nakuha nito ang pangalan nito dahil sa dramatikong intelektwal at artistikong pamumulaklak na nagsimula noong ika-14 na siglo at lubos na nakaimpluwensya sa lipunan at kultura ng Europa. Ang Renaissance ay ipinahayag hindi lamang sa mga kuwadro na gawa, kundi pati na rin sa arkitektura, iskultura at panitikan. Ang pinakakilalang kinatawan ng Renaissance ay sina Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo at Raphael.

Sa mga panahong ito pangunahing layunin Ang mga pintor ay may makatotohanang paglalarawan ng katawan ng tao, kaya pangunahin nilang pinipintura ang mga tao at naglalarawan ng iba't ibang paksang panrelihiyon. Ang prinsipyo ng pananaw ay naimbento din, na nagbukas ng mga bagong posibilidad para sa mga artista.

Ang Florence ay naging sentro ng Renaissance, ang Venice ay kinuha ang pangalawang lugar, at nang maglaon, mas malapit sa ika-16 na siglo, ang Roma.

Si Leonardo ay kilala sa amin bilang isang mahuhusay na pintor, iskultor, siyentipiko, inhinyero at arkitekto ng Renaissance. Nagtrabaho si Leonardo sa halos buong buhay niya sa Florence, kung saan lumikha siya ng maraming obra maestra na kilala sa buong mundo. Kabilang sa mga ito: "Mona Lisa" (kung hindi man kilala bilang "La Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Benois Madonna", "John the Baptist" at "St. Anna kasama si Maria at ang Anak ni Kristo."

Ang artist na ito ay nakikilala salamat sa natatanging istilo na kanyang binuo sa mga nakaraang taon. Pininturahan din niya ang mga dingding ng Sistine Chapel sa personal na kahilingan ni Pope Sixtus IV. Sumulat si Botticelli ng mga sikat na painting sa mga tema ng mitolohiya. Kasama sa mga naturang pagpipinta ang "Spring", "Pallas and the Centaur", "Birth of Venus".

Si Titian ang pinuno ng paaralang Florentine ng mga artista. Pagkamatay ng kanyang gurong si Bellini, si Titian ay naging opisyal, karaniwang kinikilalang artista ng Republika ng Venetian. Ang pintor na ito ay kilala sa kanyang mga larawan sa mga relihiyosong tema: "The Ascension of Mary", "Danae", "Earthly Love and Heavenly Love".

Ang Italyano na makata, iskultor, arkitekto at pintor ay nagpinta ng maraming mga obra maestra, kabilang ang sikat na estatwa ni "David" na gawa sa marmol. Ang estatwa na ito ay naging isang pangunahing atraksyon sa Florence. Ipininta ni Michelangelo ang vault ng Sistine Chapel sa Vatican, na isang pangunahing komisyon mula kay Pope Julius II. Sa panahon ng kanyang pagkamalikhain, mas binigyan niya ng pansin ang arkitektura, ngunit binigyan kami ng "The Crucifixion of St. Peter", "Entombment", "The Creation of Adam", "Forteller".

Ang kanyang trabaho ay nabuo sa ilalim ng malaking impluwensya nina Leonardo da Vinci at Michelangelo, salamat sa kung kanino siya nakakuha ng napakahalagang karanasan at kasanayan. Pinintura niya ang mga silid ng estado sa Vatican, na kumakatawan aktibidad ng tao at naglalarawan ng iba't ibang eksena mula sa Bibliya. Kabilang sa mga sikat na painting ni Raphael ay ang "The Sistine Madonna", "The Three Graces", "St. Michael and the Devil".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Sa mga mahihirap na panahon para sa Italya, nagsimula ang isang panandaliang "gintong edad". Italian Renaissance- ang tinatawag na High Renaissance, ang pinakamataas na punto ng pamumulaklak ng sining ng Italyano. Ang Mataas na Renaissance ay kasabay ng panahon ng matinding pakikibaka ng mga lungsod sa Italya para sa kalayaan. Ang sining ng panahong ito ay napuno ng humanismo, pananampalataya sa mga malikhaing kapangyarihan ng tao, sa walang limitasyong mga posibilidad ng kanyang mga kakayahan, sa makatwirang istruktura ng mundo, sa tagumpay ng pag-unlad. Sa sining, ang mga problema ng civic duty, mataas na moral na katangian, kabayanihan na gawa, ang imahe ng isang maganda, harmoniously binuo, malakas sa espiritu at katawan bayani tao na pinamamahalaang upang tumaas sa itaas ng antas ng pang-araw-araw na buhay ay dumating sa unahan. Ang paghahanap para sa gayong ideal ay humantong sa sining sa synthesis, generalization, sa pagsisiwalat ng mga pangkalahatang pattern ng phenomena, sa pagkilala sa kanilang lohikal na relasyon. Ang sining ng High Renaissance ay nag-iiwan ng mga detalye at hindi gaanong mahalagang mga detalye sa pangalan ng isang pangkalahatang imahe, sa pangalan ng pagnanais para sa isang maayos na synthesis ng magagandang aspeto ng buhay. Ito ay isa sa mga pangunahing pagkakaiba Mataas na Renaissance mula sa maaga.

Si Leonardo da Vinci (1452-1519) ang unang artist na malinaw na isinama ang pagkakaibang ito. Ang unang guro ni Leonardo ay si Andrea Verrocchio. Ang pigura ng isang anghel sa pagpipinta ng guro na "Bautismo" ay malinaw na nagpapakita ng pagkakaiba sa pang-unawa ng artist sa mundo ng nakaraang panahon at sa bagong panahon: walang frontal flatness ng Verrocchio, ang pinakamahusay na cut-off modeling ng volume at hindi pangkaraniwang espirituwalidad. ng larawan. . Napetsahan ng mga mananaliksik ang "Madonna na may Bulaklak" ("Benois Madonna," gaya ng tawag noon, pagkatapos ng mga may-ari) sa oras ng pag-alis ni Verrocchio sa workshop. Sa panahong ito, si Leonardo ay walang alinlangan na naimpluwensyahan ng ilang panahon ni Botticelli. Mula sa 80s ng ika-15 siglo. Dalawang hindi natapos na komposisyon ni Leonardo ang nakaligtas: "The Adoration of the Magi" at "St. Jerome." Marahil sa kalagitnaan ng 80s, ang "Madonna Litta" ay nilikha sa sinaunang pamamaraan ng tempera, sa imahe kung saan ang uri ng Leonardo ay natagpuan ang expression babaeng kagandahan: mabibigat, kalahating ibabang talukap ng mata at banayad na ngiti ang nagbibigay sa mukha ng Madonna ng isang espesyal na espirituwalidad.

Pinagsasama ang mga prinsipyong pang-agham at malikhaing, nagtataglay ng parehong lohikal at masining na pag-iisip, ginugol ni Leonardo ang kanyang buong buhay sa pananaliksik na pang-agham kasama ang sining; ginulo, siya ay tila mabagal at naiwan sa likod ng maliit na sining. Sa Milanese court, nagtrabaho si Leonardo bilang isang artist, siyentipikong technician, imbentor, mathematician at anatomist. Ang unang pangunahing gawain na ginawa niya sa Milan ay "Madonna of the Rocks" (o "Madonna of the Grotto"). Ito ang unang monumental na komposisyon ng altar ng High Renaissance, na kawili-wili din dahil ito ay ganap na nagpahayag ng mga tampok ng estilo ng pagsulat ni Leonardo.

Ang pinakadakilang gawain ni Leonardo sa Milan, ang pinakamataas na tagumpay ng kanyang sining, ay ang pagpipinta ng dingding ng refectory ng monasteryo ng Santa Maria della Grazie sa paksa ng Huling Hapunan (1495-1498). Nakipagpulong si Kristo sa kanyang mga alagad sa huling pagkakataon sa hapunan upang ibalita sa kanila ang pagkakanulo ng isa sa kanila. Para kay Leonardo, ang sining at agham ay umiral nang hindi mapaghihiwalay. Habang nakikibahagi sa sining, gumawa siya ng siyentipikong pananaliksik, mga eksperimento, mga obserbasyon, dumaan siya sa pananaw sa larangan ng optika at pisika, sa pamamagitan ng mga problema ng mga proporsyon - sa anatomy at matematika, atbp. "Ang Huling Hapunan" ay nakumpleto ang isang buong yugto sa artist's siyentipikong pananaliksik. Isa rin itong bagong yugto sa sining.

Nagpahinga si Leonardo mula sa pag-aaral ng anatomy, geometry, fortification, land reclamation, linguistics, versification, at musika para magtrabaho sa "The Horse," isang equestrian monument kay Francesco Sforza, kung saan siya ay pangunahing pumunta sa Milan at kung saan siya ay natapos sa buong laki. noong unang bahagi ng 90s sa clay. Ang monumento ay hindi nakalaan na katawanin sa tanso: noong 1499 sinalakay ng mga Pranses ang Milan at binaril ng mga crossbowmen ni Gascon ang monumento ng mangangabayo. Noong 1499, nagsimula ang mga taon ng paglalagalag ni Leonardo: Mantua, Venice at, sa wakas, ang bayan ng artist ng Florence, kung saan pininturahan niya ang karton na "St. Anna kasama si Mary sa kanyang kandungan," kung saan siya ay lumikha ng isang oil painting sa Milan (kung saan siya bumalik noong 1506)

Ang isa pa ay sinimulan ni Leonardo sa Florence gawaing pagpipinta: larawan ng asawa ng merchant del Giocondo na si Mona Lisa, na naging isa sa mga pinaka sikat na mga painting sa mundo.

Ang Portrait ni Mona Lisa Gioconda ay isang mapagpasyang hakbang patungo sa pag-unlad ng sining ng Renaissance

Sa kauna-unahang pagkakataon, ang genre ng portrait ay naging kapareho ng mga komposisyon sa mga tema ng relihiyon at mitolohiya. Sa kabila ng lahat ng hindi maikakaila na pagkakatulad ng physiognomic, ang mga larawan ni Quattrocento ay nakikilala sa pamamagitan ng, kung hindi panlabas, pagkatapos ay panloob na pagpilit. Ang kamahalan ng Mona Lisa ay naihatid na sa pamamagitan lamang ng pagkakatugma ng kanyang malakas na pinalawak patungo sa gilid ng canvas, binigyang-diin volumetric figure na may tanawin na may mga bato at batis na nakikita na parang mula sa malayo, natutunaw, nakakaakit, mailap at samakatuwid, sa kabila ng lahat ng katotohanan ng motif, hindi kapani-paniwala.

Noong 1515, sa mungkahi ng haring Pranses na si Francis I, umalis si Leonardo sa France magpakailanman.

Si Leonardo ang pinakadakilang artista sa kanyang panahon, isang henyo na nagbukas ng mga bagong abot-tanaw ng sining. Nag-iwan siya ng ilang mga gawa, ngunit ang bawat isa sa kanila ay isang yugto sa kasaysayan ng kultura. Si Leonardo ay kilala rin bilang isang versatile scientist. Ang kanyang mga natuklasang siyentipiko, halimbawa, ang kanyang pananaliksik sa larangan ng sasakyang panghimpapawid, ay interesado sa ating edad ng mga astronautika. Libu-libong mga pahina ng mga manuskrito ni Leonardo, na sumasaklaw nang literal sa bawat larangan ng kaalaman, ay nagpapatotoo sa pagiging pangkalahatan ng kanyang henyo.

Ang mga ideya ng monumental na sining ng Renaissance, kung saan pinagsama ang mga tradisyon ng unang panahon at ang espiritu ng Kristiyanismo, ay natagpuan ang kanilang pinaka matingkad na pagpapahayag sa gawain ni Raphael (1483-1520). Sa kanyang sining, dalawang pangunahing gawain ang nakahanap ng isang mature na solusyon: ang plastik na pagiging perpekto ng katawan ng tao, na nagpapahayag ng panloob na pagkakaisa ng isang komprehensibong binuo na personalidad, kung saan sinundan ni Raphael ang unang panahon, at isang kumplikadong multi-figure na komposisyon na naghahatid ng lahat ng pagkakaiba-iba ng mundo. Pinayaman ni Raphael ang mga posibilidad na ito, na nakamit ang kamangha-manghang kalayaan sa paglalarawan ng espasyo at ang paggalaw ng pigura ng tao sa loob nito, hindi nagkakamali na pagkakaisa sa pagitan ng kapaligiran at ng tao.

Wala sa mga masters ng Renaissance ang nakaisip ng paganong kakanyahan ng sinaunang panahon na kasing lalim at natural ni Raphael; Ito ay hindi walang dahilan na siya ay itinuturing na ang artist na pinaka-ganap na konektado sinaunang tradisyon sa Western European sining ng modernong panahon.

Si Rafael Santi ay ipinanganak noong 1483 sa lungsod ng Urbino, isa sa mga sentro ng artistikong kultura sa Italya, sa korte ng Duke ng Urbino, sa pamilya ng isang pintor ng korte at makata, na siyang unang guro ng hinaharap na master.

Maagang panahon Ang pagkamalikhain ni Raphael ay ganap na nailalarawan maliit na pagpipinta sa anyo ng isang tondo na "Madonna Conestabile", na may pagiging simple at laconicism ng mga mahigpit na napiling mga detalye (kasama ang lahat ng pagkamahiyain ng komposisyon) at ang espesyal, likas sa lahat ng mga gawa ni Raphael, banayad na liriko at isang pakiramdam ng kapayapaan. Noong 1500, umalis si Raphael sa Urbino patungong Perugia upang mag-aral sa workshop ng sikat na Umbrian artist na Perugino, kung saan isinulat ang The Betrothal of Mary (1504). Ang kahulugan ng ritmo, proporsyonalidad ng mga masa ng plastik, mga spatial na pagitan, ang relasyon sa pagitan ng mga figure at background, koordinasyon ng mga pangunahing tono (sa "The Betrothal" ito ay ginto, pula at berde na pinagsama sa isang malambot na asul na background sa kalangitan) ay lumikha ng pagkakaisa na ay maliwanag na sa mga unang gawa ni Raphael at nakikilala siya sa mga artista ng nakaraang panahon.

Sa buong buhay niya, hinanap ni Raphael ang imaheng ito sa Madonna; ang kanyang maraming mga gawa na nagpapakahulugan sa imahe ng Madonna ay nakakuha sa kanya. katanyagan sa buong mundo. Ang merito ng artist, una sa lahat, ay nagawa niyang isama ang lahat ng mga banayad na lilim ng damdamin sa ideya ng pagiging ina, upang pagsamahin ang lyricism at malalim na emosyonalidad na may monumental na kadakilaan. Ito ay makikita sa lahat ng kanyang mga Madonna, na nagsisimula sa mahiyain na "Madonna Conestabile": sa "Madonna of the Greens", "Madonna with the Goldfinch", "Madonna in the Armchair" at lalo na sa tuktok ng espiritu at kasanayan ni Raphael - sa "Sistine Madonna".

Ang "The Sistine Madonna" ay isa sa mga pinakaperpektong gawa ni Raphael sa mga tuntunin ng wika: ang pigura ni Maria at Bata, na mahigpit na naka-silweta laban sa kalangitan, ay pinagsama ng isang karaniwang ritmo ng paggalaw kasama ang mga pigura ng St. Ang mga barbaro at si Pope Sixtus II, na ang mga kilos ay nakadirekta sa Madonna, gayundin ang mga pananaw ng dalawang anghel (mas katulad ng putti, na napaka katangian ng Renaissance), ay nasa ibabang bahagi ng komposisyon. Ang mga pigura ay pinagsama rin ng isang karaniwang ginintuang kulay, na parang nagpapakilala sa Banal na ningning. Ngunit ang pangunahing bagay ay ang uri ng mukha ng Madonna, na naglalaman ng synthesis ng sinaunang perpekto ng kagandahan na may espirituwalidad ng Kristiyanong ideyal, na kung saan ay katangian ng pananaw sa mundo ng High Renaissance.

Ang Sistine Madonna ay isang huli na gawa ni Raphael.

Sa simula ng ika-16 na siglo. Si Rome ang pumalit sentro ng kultura Italya. Ang sining ng High Renaissance ay umabot sa pinakadakilang pamumulaklak nito sa lungsod na ito, kung saan, sa pamamagitan ng kalooban ng tumatangkilik na mga papa Julius II at Leo X, ang mga artista tulad nina Bramante, Michelangelo at Raphael ay sabay-sabay na nagtatrabaho.

Ipininta ni Raphael ang unang dalawang saknong. Sa Stanza della Segnatura (silid ng mga lagda, mga selyo) ay nagpinta siya ng apat na fresco-allegory ng mga pangunahing larangan ng espirituwal na aktibidad ng tao: pilosopiya, tula, teolohiya at jurisprudence. (“The School of Athens”, “Parnassus”, “Disputa” , "Sukatan, Karunungan at Lakas" ". Sa pangalawang silid, na tinatawag na "Stanza of Eliodorus", nagpinta si Raphael ng mga fresco sa makasaysayang at maalamat na mga eksena na niluluwalhati ang mga papa: "The Expulsion of Eliodorus"

Para sa sining ng Middle Ages at maagang Renaissance Karaniwang ilarawan ang agham at sining sa anyo ng mga indibidwal na alegorikal na pigura. Nalutas ni Raphael ang mga paksang ito sa anyo multi-figure na komposisyon, minsan ay kumakatawan sa mga tunay na larawan ng grupo, na kawili-wili para sa kanilang pagiging indibidwal at karaniwan

Tinulungan din ng mga estudyante si Raphael sa pagpipinta ng mga loggia ng Vatican na katabi ng mga silid ng Papa, na pininturahan ayon sa kanyang mga sketch at sa ilalim ng kanyang pangangasiwa ng mga motif ng mga sinaunang burloloy, pangunahin na iginuhit mula sa mga bagong tuklas na sinaunang grotto (kaya tinawag na "grotesques").

Ginawa ni Raphael ang mga gawa ng iba't ibang genre. Ang kanyang regalo bilang isang dekorador, gayundin bilang isang direktor at mananalaysay, ay ganap na ipinakita sa isang serye ng walong karton para sa mga tapiserya para sa Sistine Chapel sa mga eksena mula sa buhay ng mga apostol na sina Peter at Paul (“Isang Miraculous Catch of Fish,” para sa halimbawa). Ang mga kuwadro na ito sa buong ika-16-18 siglo. nagsilbing isang uri ng pamantayan para sa mga klasiko.

Si Raphael din ang pinakadakilang pintor ng larawan sa kanyang panahon. (“Pope Julius II”, “Leo X”, kaibigan ng artista ang manunulat na si Castiglione, ang magandang “Donna Velata”, atbp.). At sa kanyang mga larawang portrait, bilang panuntunan, ang panloob na balanse at pagkakaisa ay nananaig.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Raphael ay hindi katimbang na puno ng iba't ibang mga gawa at order. Kahit mahirap isipin na ang lahat ng ito ay kayang gawin ng isang tao. Siya ay gitnang pigura artistikong buhay ng Roma, pagkatapos ng kamatayan ni Bramante (1514) siya ay naging punong arkitekto ng Katedral ng St. Peter, ang namamahala sa mga archaeological excavations sa Roma at sa mga paligid nito at sa pagprotekta sa mga sinaunang monumento.

Namatay si Raphael noong 1520; ang kanyang napaaga na pagkamatay ay hindi inaasahan para sa kanyang mga kontemporaryo. Ang kanyang mga abo ay inililibing sa Pantheon.

Ang ikatlong pinakadakilang master ng High Renaissance - Michelangelo - malayo outlived Leonardo at Raphael. Ang unang kalahati ng kanyang malikhaing karera ay naganap sa panahon ng kasagsagan ng sining ng High Renaissance, at ang pangalawa sa panahon ng Counter-Reformation at ang simula ng pagbuo ng Baroque art. Sa napakatalino na kalawakan ng mga artista ng High Renaissance, nalampasan ni Michelangelo ang lahat ng may kayamanan ng kanyang mga imahe, civic pathos, at sensitivity sa mga pagbabago sa pampublikong mood. Samakatuwid ang malikhaing sagisag ng pagbagsak ng mga ideya sa Renaissance.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Noong 1488 sa Florence sinimulan niyang maingat na pag-aralan ang sinaunang iskultura. Ang kanyang kaluwagan na "Labanan ng mga Centaur" panloob na pagkakaisa isa nang gawa ng High Renaissance. Noong 1496, umalis ang batang artista sa Roma, kung saan nilikha niya ang kanyang mga unang gawa na nagdala sa kanya ng katanyagan: "Bacchus" at "Pieta". Literal na nakunan ng mga larawan ng sinaunang panahon. Ang "Pieta" ay nagbukas ng isang buong serye ng mga gawa ng master sa paksang ito at inilalagay siya sa mga unang iskultor ng Italya.

Pagbalik sa Florence noong 1501, si Michelangelo, sa ngalan ng Signoria, ay nagsagawa ng paglilok ng pigura ni David mula sa isang bloke ng marmol na nasira sa harap niya ng isang malas na iskultor. Noong 1504 natapos si Michelangelo sikat na rebulto, na tinatawag na "Giant" ng mga Florentine at inilagay nila sa harap ng Palazzo Vecchia, ang city hall. Ang pagbubukas ng monumento ay naging isang pambansang pagdiriwang. Ang imahe ni David ay nagbigay inspirasyon sa maraming mga artista ng Quattrocento. Ngunit inilarawan siya ni Michelangelo hindi bilang isang batang lalaki, tulad ng sa Donatello at Verrocchio, ngunit bilang isang binata sa buong pamumulaklak ng kanyang lakas, at hindi pagkatapos ng isang labanan, na may isang higanteng ulo sa kanyang paanan, ngunit bago ang labanan, sa sandaling ito. ng pinakamataas na pag-igting ng lakas. Sa magandang imahe ni David, sa kanyang mabagsik na mukha, ipinarating ng iskultor ang titanic na kapangyarihan ng pagsinta, hindi sumusukong kalooban, sibil na tapang, at ang walang hangganang kapangyarihan ng isang malayang tao.

Noong 1504, si Michelangelo (tulad ng nabanggit na may kaugnayan kay Leonardo) ay nagsimulang magtrabaho sa pagpipinta ng "Hall of the Five Hundred" sa Palazzo Signoria

Noong 1505, inimbitahan ni Pope Julius II si Michelangelo sa Roma upang itayo ang kanyang libingan, ngunit pagkatapos ay tumanggi sa utos at nag-utos ng hindi gaanong engrande na pagpipinta ng kisame ng Sistine Chapel sa Vatican Palace.

Si Michelangelo ay nagtrabaho nang mag-isa sa pagpipinta ng kisame ng Sistine Chapel, mula 1508 hanggang 1512, nagpinta ng isang lugar na humigit-kumulang 600 metro kuwadrado. m (48x13 m) sa taas na 18 m.

Inilaan ni Michelangelo ang gitnang bahagi ng kisame sa mga eksena ng sagradong kasaysayan, simula sa paglikha ng mundo. Ang mga komposisyon na ito ay naka-frame sa pamamagitan ng parehong pininturahan na cornice, ngunit lumilikha ng ilusyon ng arkitektura, at pinaghihiwalay, din ng mga nakamamanghang rod. Ang mga magagandang parihaba ay nagbibigay-diin at nagpapayaman sa tunay na arkitektura ng kisame. Sa ilalim ng kaakit-akit na cornice, nagpinta si Michelangelo ng mga propeta at sibyl (bawat pigura ay halos tatlong metro), sa mga lunettes (mga arko sa itaas ng mga bintana) ay inilarawan niya ang mga yugto mula sa Bibliya at ang mga ninuno ni Kristo bilang ordinaryong mga tao abala sa pang-araw-araw na gawain.

Siyam na sentral na komposisyon ang naglalahad ng mga pangyayari sa mga unang araw ng paglikha, ang kuwento nina Adan at Eva, pandaigdigang baha, at lahat ng mga eksenang ito, sa katunayan, ay isang himno sa taong likas sa kanya. Di-nagtagal pagkatapos makumpleto ang trabaho sa Sistine, namatay si Julius II at ang kanyang mga tagapagmana ay bumalik sa ideya ng isang lapida. Noong 1513-1516. Ginampanan ni Michelangelo ang pigura ni Moses at mga alipin (mga bihag) para sa lapida na ito. Ang imahe ni Moises ay isa sa pinakamakapangyarihan sa gawain ng may-gulang na panginoon. Namuhunan siya sa kanya ng pangarap ng isang matalino, matapang na pinuno, puno ng titanic na lakas, pagpapahayag, mga katangian ng kalooban, kaya kinakailangan para sa pagkakaisa ng kanyang tinubuang-bayan. Ang mga numero ng alipin ay hindi kasama sa huling bersyon ng libingan.

Mula 1520 hanggang 1534, nagtrabaho si Michelangelo sa isa sa pinakamahalaga at pinaka-trahedya na gawa sa iskultura - ang libingan ng Medici (Florentine church San Lorenzo), na nagpapahayag ng lahat ng mga karanasang nangyari sa amo mismo, sa kanyang bayan, at sa buong bansa sa kabuuan sa panahong ito. Mula noong huling bahagi ng 20s, ang Italya ay literal na napunit ng parehong panlabas at panloob na mga kaaway. Noong 1527, natalo ng mga mersenaryong sundalo ang Roma, ninakawan ng mga Protestante ang mga dambanang Katoliko ng walang hanggang lungsod. Pinatalsik ng Florentine bourgeoisie ang Medici, na muling namuno mula 1510

Sa isang kalagayan ng matinding pesimismo, sa isang estado ng pagtaas ng malalim na pagiging relihiyoso, si Michelangelo ay nagtatrabaho sa libingan ng Medici. Siya mismo ang nagtayo ng isang extension sa simbahan ng Florentine ng San Lorenzo - isang maliit ngunit napakataas na silid, na natatakpan ng isang simboryo, at pinalamutian ang dalawang dingding ng sakristiya (sa loob nito) ng mga sculptural na lapida. Ang isang dingding ay pinalamutian ng pigura ni Lorenzo, ang kabaligtaran ni Giuliano, at sa ibaba sa kanilang paanan ay may mga sarcophagi na pinalamutian ng mga alegoriko na larawang eskultura - mga simbolo ng mabilis na pag-agos ng oras: "Umaga" at "Gabi" sa lapida ni Lorenzo, "Gabi" at “Araw” sa lapida ni Giuliano .

Ang parehong mga imahe - Lorenzo at Giuliano - ay walang pagkakahawig ng portrait, kaya naman naiiba ang mga ito sa mga tradisyonal na solusyon noong ika-15 siglo.

Si Paul III, kaagad pagkatapos ng kanyang halalan, ay nagsimulang patuloy na hilingin na matupad ni Michelangelo ang planong ito, at noong 1534, naputol ang trabaho sa libingan, na natapos lamang niya noong 1545, umalis si Michelangelo patungong Roma, kung saan sinimulan niya ang kanyang pangalawang gawain sa Sistine Chapel. - sa pagpipinta ng "The Last Judgment" (1535-1541) - isang engrandeng nilikha na nagpahayag ng trahedya sangkatauhan. Mga tampok ng bago masining na sistema lumitaw nang mas malinaw sa gawaing ito ni Michelangelo. Ang malikhaing paghatol, ang pagpaparusa kay Kristo ay inilalagay sa gitna ng komposisyon, at sa paligid niya sa isang umiikot na pabilog na galaw ay inilalarawan ang mga makasalanang itinapon ang kanilang sarili sa impiyerno, ang mga matuwid na umaakyat sa langit, at ang mga patay na bumangon mula sa kanilang mga libingan patungo sa paghatol ng Diyos. Ang lahat ay puno ng kakila-kilabot, kawalan ng pag-asa, galit, pagkalito.

Ang pintor, eskultor, makata, si Michelangelo ay isa ring napakatalino na arkitekto. Nakumpleto niya ang hagdanan ng Florentine Laurentian Library, dinisenyo ang Capitol Square sa Roma, itinayo ang Pius Gate (Porta Pia), at mula noong 1546 ay nagtatrabaho siya sa Cathedral of St. Peter, na sinimulan ni Bramante. Pag-aari ni Michelangelo ang pagguhit at pagguhit ng simboryo, na isinagawa pagkatapos ng kamatayan ng master at isa pa rin sa mga pangunahing nangingibabaw na tampok sa panorama ng lungsod.

Namatay si Michelangelo sa Roma sa edad na 89. Ang kanyang bangkay ay dinala sa gabi sa Florence at inilibing sa pinakalumang simbahan sa kanyang bayan ng Santa Croce. Makasaysayang kahulugan Ang sining ni Michelangelo, ang epekto nito sa kanyang mga kontemporaryo at sa mga sumunod na panahon ay halos hindi matataya. Ang ilang mga dayuhang mananaliksik ay binibigyang kahulugan siya bilang unang pintor at arkitekto ng Baroque. Ngunit higit sa lahat ay kawili-wili siya bilang tagapagdala ng mga dakilang makatotohanang tradisyon ng Renaissance.

Si Giorgio Barbarelli da Castelfranco, na pinangalanang Giorgione (1477-1510), ay isang direktang tagasunod ng kanyang guro at isang tipikal na pintor ng High Renaissance. Siya ang una sa lupang Venetian na bumaling sa mga pampanitikan na tema at mga paksang mitolohiya. Ang tanawin, kalikasan at ang magandang hubad na katawan ng tao ay naging paksa para sa kanya ng sining at isang bagay ng pagsamba.

Nasa unang kilalang gawain, "Madonna of Castelfranco" (circa 1505), lumilitaw si Giorgione bilang isang ganap na artista; Ang imahe ng Madonna ay puno ng tula, maalalahanin na panaginip, na puno ng kalungkutan na katangian ng lahat ng mga babaeng imahe ni Giorgione. Sa huling limang taon ng kanyang buhay, nilikha ng artista ang kanyang pinakamahusay na mga gawa, na isinagawa sa teknolohiya ng langis, pangunahin sa paaralan ng Venice sa panahong iyon. . Sa 1506 painting na "The Thunderstorm," inilalarawan ni Giorgione ang tao bilang bahagi ng kalikasan. Ang isang babaeng nagpapasuso sa isang bata, isang binata na may isang tauhan (na maaaring mapagkamalan na isang mandirigma na may halberd) ay hindi nagkakaisa ng anumang aksyon, ngunit nagkakaisa sa marilag na tanawin na ito sa pamamagitan ng isang karaniwang kalagayan, isang karaniwang estado ng pag-iisip. Ang imahe ng "Sleeping Venus" (circa 1508-1510) ay puno ng espirituwalidad at tula. Ang kanyang katawan ay naisulat nang madali, malaya, maganda, hindi walang dahilan na pinag-uusapan ng mga mananaliksik ang tungkol sa "musika" ng mga ritmo ni Giorgione; hindi ito walang senswal na alindog. "Konsiyerto sa Rural" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477?-1576) -pinakamahusay na artista Venetian Renaissance. Lumikha siya ng mga gawa sa parehong mythological at Christian subject, nagtrabaho sa portrait genre, ang kanyang coloristic na talento ay katangi-tangi, ang kanyang compositional inventiveness ay hindi mauubos, at ang kanyang masayang mahabang buhay ay nagpahintulot sa kanya na iwan ang isang mayayaman. malikhaing pamana, na may malaking impluwensya sa mga inapo.

Noong 1516 siya ay naging unang pintor ng republika, mula sa 20s - ang pinakasikat na artista ng Venice

Sa paligid ng 1520, inutusan siya ng Duke ng Ferrara ng isang serye ng mga pagpipinta kung saan lumilitaw si Titian bilang isang mang-aawit ng sinaunang panahon, na nakadarama at, higit sa lahat, isinama ang diwa ng paganismo ("Bacchanalia", "Feast of Venus", " Bacchus at Ariadne”).

Inatasan ng mayayamang Venetian patrician si Titian na gumawa ng mga altarpieces, at gumawa siya ng malalaking icon: "The Assumption of Mary", "Madonna of Pesaro"

"The Presentation of Mary into the Temple" (c. 1538), "Venus" (c. 1538)

(Larawan ng grupo ni Pope Paul III kasama ang mga pamangkin na sina Ottavio at Alexander Farnese, 1545-1546)

Marami pa siyang sinusulat mga antigong kwento(“Venus and Adonis”, “The Shepherd and the Nymph”, “Diana and Actaeon”, “Jupiter and Antiope”), ngunit lalong bumabaling sa mga Kristiyanong tema, sa mga eksena ng pagkamartir, kung saan ang paganong kasayahan at sinaunang pagkakaisa ay pinalitan ng isang kalunos-lunos na saloobin (“ The Flagellation of Christ”, “Penitent Mary Magdalene”, “St. Sebastian”, “Lamentation”),

Ngunit sa pagtatapos ng siglo, ang mga tampok ng paparating na bagong panahon sa sining, isang bagong artistikong direksyon. Ito ay makikita sa gawa ng dalawang pangunahing artista ng ikalawang kalahati ng siglong ito - sina Paolo Veronese at Jacopo Tintoretto.

Si Paolo Cagliari, binansagang Veronese (siya ay mula sa Verona, 1528-1588), ay nakatakdang maging ang huling mang-aawit maligaya, masayang Venice noong ika-16 na siglo.

: “Pista sa Bahay ni Levi” “Kasal sa Cana ng Galilea” para sa refectory ng monasteryo ng San Giorgio Maggiore

Si Jacopo Robusti, na kilala sa sining bilang Tintoretto (1518-1594) (“tintoretto”-dyer: ang ama ng artista ay isang silk dyer). "Ang Himala ni St. Mark" (1548)

(“The Rescue of Arsinoe”, 1555), “Introduction into the Temple” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro sa Piombino, Villa Rotonda sa Vicenza, natapos pagkatapos ng kanyang kamatayan ng mga mag-aaral ayon sa kanyang disenyo, maraming mga gusali sa Vicenza). Ang resulta ng kanyang pag-aaral ng antiquity ay ang mga aklat na "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581), ngunit ang antiquity ay isang "living organism" para sa kanya, ayon sa patas na obserbasyon ng mananaliksik.

Ang Dutch Renaissance sa pagpipinta ay nagsimula sa "Ghent Altarpiece" ng magkapatid na Hubert (namatay 1426) at Jan (c. 1390-1441) van Eyck, na natapos ni Jan van Eyck noong 1432. Pinahusay ni Van Eyck ang oil technique: oil made it posible upang ihatid ang higit pang kakayahang umangkop shine, depth, kayamanan layunin ng mundo, umaakit sa atensyon ng mga Dutch artist, ang makulay na sonority nito.

Sa maraming Madonna ni Jan van Eyck, ang pinakatanyag ay ang "Madonna of Chancellor Rollin" (circa 1435)

(“Man with a Carnation”; “Man in a Turban”, 1433; larawan ng asawa ng artist na si Margaret van Eyck, 1439

Malaki ang utang na loob ng Dutch art sa paglutas ng mga ganitong problema kay Rogier van der Weyden (1400?-1464).Ang “The Descent from the Cross” ay isang tipikal na gawa ni Weyden.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. account para sa trabaho ng isang master ng pambihirang talento, Hugo van der Goes (circa 1435-1482) "Ang Kamatayan ni Maria").

Hieronymus Bosch (1450-1516), tagalikha ng madilim na mystical na mga pangitain, kung saan siya ay bumaling din sa medieval allegorism, "The Garden of Delights"

Ang tugatog ng Dutch Renaissance ay, walang alinlangan, ang gawa ni Pieter Bruegel the Elder, na binansagang Muzhitsky (1525/30-1569) (“Kusina ng Payat”, “Kusina ng Mataba”). Ang “Winter Landscape” mula sa cycle na "The Seasons" (iba pang pamagat - "Hunters in the Snow", 1565), "The Battle of Carnival and Lent" (1559).

Albrecht Durer (1471-1528).

"The Feast of the Rosary" (isa pang pangalan ay "Madonna with the Rosary", 1506), "The Horseman, Death and the Devil", 1513; "St. Jerome" at "Melancholia",

Hans Holbein the Younger (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Dance of Death") portrait ni Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renaissance Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (c. 1420-1481), Larawan ni Charles VII

Si Jean Clouet (circa 1485/88-1541), anak ni François Clouet (circa 1516-1572) ay ang pinakamahalagang artista ng France noong ika-16 na siglo. larawan ni Elizabeth ng Austria, circa 1571, (larawan ni Henry II, Mary Stuart, atbp.)