Ang kasaysayan ng teatro ay bumalik sa sinaunang Greece higit sa dalawang libong taon na ang nakalilipas. Ang pinaka sinaunang sining ay nagmula bilang isang kamangha-manghang libangan para sa publiko, mga maligaya na eksena ng mga naka-costume na aktor. Ang mga pagtatanghal ay orihinal na nag-time upang magkasabay sa Great Dionysius, isang mahusay na holiday sa relihiyon.

Ngayon ang teatro ay walang alinlangan na higit pa sa isang prusisyon ng mga lalaking umaawit na nakabalat ng kambing sa buong lungsod. Siya ay naging mataas na sining, isang paraan ng libangan ng mataas na lipunan, isang lugar ng kultural na kaliwanagan. Ang kasaysayan ng teatro ay isang kamangha-manghang proseso ng pag-unlad na nagpapatuloy hanggang ngayon. Sasabihin namin sa mambabasa sa aming artikulo. Makakakita ka rin ng maraming kawili-wiling mga katotohanan sa ipinakita na materyal. Kaya, magsimula tayo.

Magsimula

Athens noong ika-5 siglo BC. e. Ang mga pagtatanghal sa teatro ay isang mahalagang bahagi ng mga relihiyosong pista opisyal. Ang mga prusisyon kasama ang rebulto ni Dionysus ay sinamahan ng masasayang pag-awit at mga dramatikong laro. Masasabi nating nagsimula ang kasaysayan ng teatro ng Atenas bilang isang amateur na pagtatanghal para sa maliit na halaga mga nanonood. Sa una, ang mga trahedya lamang ang itinanghal, ang mga komedya ay nagsimulang ipakita sa ibang pagkakataon. Kapansin-pansin na ang mga dula, bilang panuntunan, ay ipinakita nang isang beses lamang. Pinasigla nito ang mga may-akda na lumikha ng may-katuturan, kawili-wiling mga gawa. Ang playwright ay hindi lamang sumulat ng dula, siya ay isang ganap na kalahok sa pagtatanghal, gumaganap sa mga tungkulin ng direktor, kompositor, koreograpo at maging aktor. Naturally, ang mga ito ay pambihirang mahuhusay na mga tao.

Ngunit upang maging isang choreg (lider ng koro), hindi kinakailangan ang mahusay na talento. Ang kailangan lang nila ay pera at koneksyon sa mga opisyal ng gobyerno. Ang pangunahing tungkulin ng choreg ay magbayad ng mga bayarin, kumpleto materyal na suporta at suporta sa teatro. Noong mga panahong iyon, isang lugar ng kompetisyon, ang choreg, ang makata at ang pangunahing tauhan ang nanalo. Ang mga nanalo ay kinoronahan ng ivy at ginawaran ng mga premyo. Ang tagumpay ay ibinigay sa kanila sa pamamagitan ng desisyon ng hurado.

Ang isang kawili-wiling katotohanan ay ang mga sinaunang Romano ay tunay na mga tagahanga ng realismo. Ang produksyon ay itinuturing na perpekto kung saan ang aktor ay nasanay sa papel sa pamamagitan ng 100% - kung kinakailangan, kailangan niyang maging handa kahit na mamatay.

Walang bubong sa teatro ng Greek, ang mga manonood at mga aktor ay, sa katunayan, sa kalye. Ang laki ng mga sinaunang sinehan ay napakalaki, maaari silang tumanggap mula 17 hanggang 44 na libong tao. Sa una, ang mga kahoy na platform ay ginamit upang upuan ang madla, pagkatapos ay ang mga natural na slope ng bato ay inangkop para sa teatro. At pagkatapos lamang, sa IV siglo BC. e., isang stone theater ang itinayo.

Malamang na interesado kang malaman na ang gobyerno, simula sa Pericles, ay ginawang posible na bisitahin ang teatro at sumali sa maganda, kahit na para sa mga mamamayang may kapansanan sa pananalapi. Upang gawin ito, ang bawat isa ay inilaan ng subsidy para sa isang pagbisita sa teatro, at sa hinaharap para sa tatlong pagbisita.

Kwento sinaunang teatro may isa kapansin-pansing tampok: ginampanan ng mga aktor ang kanilang mga tungkulin nang walang tulong ng kanilang sariling mga ekspresyon sa mukha. Ito ay pinalitan ng lahat ng uri ng mga maskara, kadalasang napaka-katawa-tawa. Bigyang-pansin ng aktor ang mga galaw ng katawan, pananamit. Ang mga artista ay mga lalaki, kahit sa mga tungkulin ng babae. Sinakop nila ang isang magandang posisyon sa lipunan at walang bayad sa buwis.

Ang isang kawili-wiling katotohanan ay si Livy Andronicus, isang sinaunang Romanong manunulat ng dulang, ang naging ama ng unang "ponograma" sa mundo. Siya ay naiwang walang boses, ngunit nakaalis sa sitwasyon sa pamamagitan ng paghahanap ng isang batang lalaki na nagsalita para sa kanya.

Ilang termino ng sinaunang teatro

Maraming mga kahulugan na ginamit sa mga sinaunang teatro ang nakaligtas hanggang sa kasalukuyan. Ang isang maliit na diksyunaryo ng mga termino ng sinaunang panahon ay ipinakita sa iyong pansin sa ibaba:

• Orchestra - isang bahagi ng teatro na may isang bilog na hugis na may dalawang pasukan, na idinisenyo para sa pagganap ng mga dramatic at lyrical choir. Sa teatro ng Atenas, ang diameter nito ay 24 metro.
• Ang Skene ay isang lugar para sa pagpapalit ng damit. Ito ay orihinal na isang simpleng tolda, pagkatapos ay konektado sa mga fragment palamuti mga eksena, halimbawa, sa background.
• Proskenium - isang colonnade sa harap ng skene.
• Paraskenium - mga side stone outbuildings.
• Stage - isang burol sa itaas ng orkestra, kung saan nagsimulang tumugtog ang mga aktor noong huling bahagi ng unang panahon.
• Ang Ekkiklema ay isang mobile platform na gawa sa kahoy na nagbibigay-daan sa iyong baguhin ang eksena at ilipat ang mga aktor sa paligid ng entablado.
• Koturny - sapatos na may mataas na soles, nakapagpapaalaala sa mga stilts. Sa tulong ng mga naturang sapatos, ang mga aktor ay naging mas matangkad, mas kahanga-hanga at katulad ng mga gawa-gawang nilalang.

Ang isang kapansin-pansing katotohanan ay na ito ay sa Roma na ang pariralang "Finita la commedia" ay unang binigkas.

Mga puppet sa mundo ng teatro

Ang kasaysayan ng papet na teatro ay nagmula sa Egypt, kung saan ginamit ng mga pari ang papet ng diyos na si Osiris upang magsagawa ng mga ritwal na aksyon. Sa simula, ang papet na teatro ay ritwal at ritwal lamang, ngunit ngayon ang kahulugan ng relihiyon ay nawala sa wala. Ang mga kilalang ritwal at ritwal na papet na teatro ay umiiral sa maraming bansa: Japan (Bunraku), Indonesia (Wayang), Catalonia (El Pastores), Belarus (Batleika) at iba pa.

Sa kasaysayan ng papet na teatro sa Amerika, ang teatro na nilikha noong 1962 sa ilalim ng pangalang "Bread and the Doll" ay namumukod-tangi. Nagtatampok ito ng mga higanteng papier-mâché na manika, halatang political overtones, at masasarap na tinapay sa pasukan. Ang ganitong pakikipag-ugnayan sa pagitan ng mga aktor at manonood ay simboliko: ang sining ng teatro ay dapat na malapit sa mga tao hangga't maaari.

Iba-iba ang laki at hitsura ng mga manika. May mga daliri at guwantes, tungkod at tableta, mga puppet at higanteng mga puppet. Ang pagiging artista sa isang papet na teatro ay hindi ganoon kadali, dahil kailangan mong buhayin ang isang walang buhay na bagay, pagkalooban ito ng karakter at boses.

Ang isang tampok na katangian ng anumang papet na teatro ay ang pangungutya sa isang bagay, ang pagkakaroon ng moralidad, isang elementong pang-edukasyon sa mga eksena. Gaano man katanda ang manonood ng papet na teatro, makikita niya doon hindi lamang isang bagay na pagtawanan, kundi isang bagay na dapat isipin. Kadalasan ang mga bayani sa papet na teatro ay hindi kaakit-akit, kahit na mga pangit na karakter, halimbawa, ang French Open na may baluktot na ilong.

Marahil ay interesado kang malaman na ang mga artista ay hindi palaging mayayaman. Sa kasaysayan ng papet na teatro sa Amerika, may mga katotohanang makikita ng mga theatergoers ang produksyon kapalit ng pagkain.

Drama

Ang kasaysayan ng teatro ng drama ay nagsimula noong sinaunang panahon. Ito ay isa sa mga anyo ng sining, kasama ang papet na teatro, pantomime, opera at balete. Ang pangunahing natatanging tampok ng dramatikong teatro ay ang mga aksyon ng aktor ay pinagsama sa mga salita na kanyang binigkas. Ang talumpati sa entablado ay binibigyan ng espesyal na pansin sa iba't ibang uri ng genre. Ang batayan ng isang dramatikong pagtatanghal ay isang dula. Sa proseso ng pag-arte, posible ang improvisasyon, maaaring kabilang sa aksyon ang pagsasayaw, pagkanta. Ang dula ay batay sa gawaing pampanitikan. Ang pangunahing tagapagsalin ng isang dula o iskrip ay ang direktor.

Medyo kapansin-pansin ang katotohanan na ang mga manggagawa sa teatro ay naniniwala na ang pag-drop ng isang script ay hindi mabuti. Kung nangyari ang problemang ito, tiyak na dapat kang umupo dito.

Ang paglitaw ng mga domestic theatrical na tradisyon

Ang kasaysayan ng teatro sa Russia ay nahahati sa mga yugto:

• Inisyal ("mapaglaro").
• Katamtaman.
• Mature.

Mapaglarong entablado

Tulad ng sa sinaunang Roma, ang kasaysayan ng teatro sa Russia ay nagsimula bilang isang hindi masyadong seryosong trabaho. Ang mga pagtatanghal sa teatro ay tinawag na "katuwaan", at mga pagtatanghal - "mga laro". Ang unang salaysay na pagbanggit ng mga buffoon ay nagsimula noong 1068. Sa katunayan, kahit sino ay maaaring maging isang nakakaaliw na artista. Mula sa pananaw ng relihiyon, ang mga gawain ng mga buffoon ay kahiya-hiya. Sa mga talaan sila ay tinatawag na mga lingkod ng diyablo, at ang pangungutya, pangungutya at pagbabalatkayo ay mga kasalanan. Ang matalim na pangungutya ay hindi tinanggap ng simbahan, gayunpaman, hindi ito partikular na huminto sa sinuman.

Ang buffooner ay hindi rin itinuturing na isang sining na nakalulugod sa mga awtoridad, sa kabaligtaran, ang matalim na panlipunang mga tema ng skits, panlilibak sa mga modernong pagkukulang ay naging mapanganib at nakakapinsala sa mga aktor. Ngunit ang mga tao ay mahilig manood at tumawa sa mga pagtatanghal ng mga buffoon. Gayunpaman, dapat itong maunawaan na ang klasikal na teatro, tulad ng alam natin ngayon, ay hindi lumaki mula sa mga eksenang buffoon, ngunit independyente sa kanila, kahit na sa kabila ng mga ito.

gitnang yugto

Ang susunod na yugto sa kasaysayan ng teatro ng Russia ay intermediate sa pagitan ng mapaglaro at mature. Sa yugtong ito, ang courtier at mga sinehan sa paaralan. Sa oras na iyon, pinasiyahan ni Tsar Alexei Mikhailovich, ang mga aktor ng teatro ng korte ay mga dayuhan, ang teatro ng paaralan ay mga mag-aaral. Matapos ang pagkamatay ni Alexei Mikhailovich, huminto ang mga aktibidad ng teatro ng korte hanggang sa makapangyarihan si Peter I. Siya ay may positibong saloobin sa "panoorin", ngunit, bilang karagdagan sa libangan, pinagkalooban din siya ng isang function ng propaganda. Noong 1702, lumitaw ang isang teatro para sa masa - isang pampubliko. Ang gusali nito ay tinawag na "Comedy Temple", kung saan ang mga pagtatanghal ay ibinigay ng tropang Aleman. Hindi tinanggap ng mga tao ang teatro na ito. Bagaman hindi nakamit ni Peter I ang kanyang layunin, hindi ginawa ang teatro na isang paboritong lugar para sa mga tao, pampubliko at tanyag, ngunit inilatag niya ang lahat ng kinakailangang mga kinakailangan para dito.

Mature stage sa kasaysayan ng theatrical art

Ang panahong ito sa kasaysayan ng paglikha ng teatro sa Russia ang pinakamahalaga. Sa yugtong ito, nagsimulang makuha ng teatro ang mga tampok na pamilyar sa modernong tao, at nabuo sa isang seryosong propesyonal na komunidad. Noong Agosto 30, 1756, ang simula ay ibinigay, ibig sabihin, ang Imperial Theater ay binuksan. Ang parehong petsa ay ang araw ng pagkakatatag ng Alexandrinsky Theater sa St. Petersburg. Nangyari ito sa ilalim ni Elizabeth Petrovna.

Ang isang tampok ng teatro noong panahong iyon ay ang sabay-sabay na pakikilahok sa mga paggawa ng parehong mga Ruso at mga dayuhang artista. Sa yugtong ito unang ipinagkatiwala ang pagganap ng mga tungkulin hindi lamang sa mga lalaki, kundi pati na rin sa mga kababaihan. Si Catherine II ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa teatro, sa ilalim niya mayroong tatlong tropa sa St. Petersburg, isang kamangha-manghang halaga ng pera ang ginugol sa pagpapaunlad ng industriyang ito.

Bilang karagdagan sa pag-unlad ng estado, binigyang pansin ni Catherine ang mga pribadong teatro ng maharlika, mayroong, halimbawa, ang teatro ng Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev. Kahit sa mga probinsya, nilikha ang sariling tropa ng panginoong maylupa. Ang isang teatro ng Russia ay itinayo, lalo na ang mga paggawa mismo, batay sa mga modelo ng kanilang mga kasamahan sa Pransya. Sa pinuno ng French school of acting ay si I. A. Dmitrevsky, na nagpalaki ng higit sa isang henerasyon ng mga mahuhusay na aktor.

Alam mo ba?

Nagpapakita pa kami sa mambabasa nakakaaliw na mga katotohanan mula sa kasaysayan ng sining ng teatro.

Noong nabubuhay pa si Pushkin, ang mga sinehan sa Russia ay hindi ganap na nakaupo. Ang mga hilera sa likod ay inookupahan ng mga taong nakatayo sa kanilang mga paa sa buong pagtatanghal.

Ang isang palatandaan na dula sa kasaysayan ng sining ng teatro ng Russia ay ang "Undergrowth" ni D. I. Fonvizin, na naging unang pagtatangka na kutyain ang mga opisyal, maharlika, karaniwang mga karakter ng ika-18 siglo. Staroduma ( positibong karakter) ay ang unang naglaro lamang ng nabanggit na Dmitrevsky.

Noong 1803 nahati ang mga teatro ng imperyal. Madula at tropang musikal, opera at ballet, bilang mga bahagi ng musikal. Ang pangingibabaw ng paaralang Pranses ng paglalaro sa entablado ng Russia ay tumagal hanggang ika-19 na siglo. Noon sa wakas ay tumayo ang teatro ng Russia at pumunta sa sarili nitong paraan. Ang pinagtibay na karanasan ay naging isang magandang base, at ang pagtuklas ng mga bagong mahuhusay na kompositor, aktor, mananayaw ng Russia ay nagtaas ng teatro sa isang mataas na antas.

Si P. N. Arapov ang unang naglalarawan sa buong kasaysayan ng teatro ng Russia sa isang encyclopedia - "Chronicles of the Russian Theater". Lumilitaw ang mga magasin sa teatro at mga propesyonal na kritiko. Kaya, ang pag-unlad ng teatro ay nagbigay ng lakas, bukod sa iba pang mga bagay, sa panitikang Ruso.

Ang pinakasikat na teatro sa Moscow

Ang kasaysayan ng Bolshoi Theater ay nagsisimula noong Marso 28, 1776. Sa araw na ito sa Moscow na nilagdaan ni Empress Catherine II ang isang "pribilehiyo" para kay Prinsipe Peter Urusov, na nagpapahintulot sa kanya na mapanatili ang teatro sa loob ng sampung taon. Sa una ay tinawag itong Petrovsky Theatre (bilang karangalan sa kalye kung saan napunta ang pasukan). Noong 1805, ganap na nasunog ang gusali, nilikha ng arkitekto na si Osip Bove bagong proyekto. Noong 1820, nagsimula ang pagtatayo, na tumagal ng 5 taon.

Ang itinayong teatro ay naging mas malaki, kaya naman nakuha ang pangalan nito. Ang maganda, maayos, mayaman na gusaling ito ay nasiyahan sa mga naninirahan sa Moscow hanggang 1853, nang sumiklab ang pangalawang sunog. Sa oras na ito, ang muling pagtatayo ay ipinagkatiwala sa arkitekto na si Albert Kavos. Ang teatro ay naibalik na noong 1856. Ang Imperial Bolshoi Theatre ay naging sikat hindi lamang sa Russia, kundi pati na rin sa mundo: mayroon itong mahusay na acoustics. Noong 1917, pagkatapos ng Rebolusyon, ang pangalan ay pinalitan ng State Bolshoi Theatre. Ang dekorasyon ay dinagdagan ng mga simbolo ng Sobyet.

Siya ay malubhang nasugatan sa panahon ng Great Patriotic War, na sumakay ng bomba. Ang gusali ay muling itinayo. Hanggang 1987, ang gusali ay sumailalim lamang sa menor de edad na pag-aayos ng kosmetiko. Ngayon ang Bolshoi Theater ay isang gusali na may bagong eksena kung saan maaari kang gumamit ng mga modernong epekto. Kasabay nito, napanatili nito ang diwa ng klasikal na arkitektura, ang "pirma" nitong acoustics, na nagbibigay sa kanya ng karapatang ituring na isa sa pinakamahusay na mga sinehan sa mundo. Ito ang kasaysayan ng Bolshoi Theatre.

At sa wakas, isa pa, hindi gaanong kawili-wiling katotohanan. Mga pelikulang itinakda nang buo o bahagyang sa isang sinehan: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black swan", "The Puppeteer", "A Terribly Big Adventure" , "Shakespeare in Love", "Pagpatay sa Isang Maliit na Bayan", "Orfevre Quay".

Ang kasaysayan ng teatro (drama at iba pang mga genre ng sining na ito) ay patuloy na bubuo, dahil ang interes dito ay nanatiling hindi nagbabago sa loob ng higit sa dalawang libong taon.

Para kahit kanino modernong tao ang mga teatro ay naging mahalagang bahagi ng mga nakaplanong gawaing pangkultura. At marami ang interesado sa kasaysayan ng paglitaw ng teatro, dahil nagkaroon ng panahon na walang mga sinehan? Mahirap matandaan kung kailan ito, dahil ang pinakaunang mga sinehan ay lumitaw sa mga primitive na komunidad.

Noong mga panahong iyon, hindi pa rin maintindihan ng mga tao kung bakit umuulan, bakit biglang lumamig at kung paano sila nagkasala sa Poong Maykapal na nagpadala siya ng niyebe o malakas na ulan. Upang walang nagbabanta sa kanila, sinubukan nilang magsagawa ng isang seremonya sa teatro bago ang bawat mahalagang kaganapan. Ang impormasyon tungkol sa gayong mga kaganapan ay nagbigay sa amin ng pagkakataon na maunawaan kung paano lumitaw ang teatro at kung bakit ito binigyan ng pansin.

Mula primitive hanggang moderno

Ang primitive na teatro, siyempre, ay hindi katulad mga kontemporaryong produksyon. Walang tanong tungkol sa propesyonalismo o talento dito - sinubukan ng mga tao na i-theatricalize ang mga kaganapan sa paraang nararamdaman nila, inilalagay ang kanilang kaluluwa at lahat ng kanilang mga karanasan sa bawat kaganapan. Taos-puso silang naniniwala na kung mas emosyonal na maihaharap nila ang kanilang debosyon, mas maganda ang ani, halimbawa. Ang lahat ng ito ay sinamahan ng improvised na musika at mga kanta.

Nang maglaon, sa isang lugar sa ikatlong milenyo BC. sa Egypt, mas organisado na ang theatrical skits tungkol sa mga patron ng mga artisan at magsasaka. Ang Greece ay naging lugar ng kapanganakan ng mga pagtatanghal ng karnabal, na higit na nakaayos sa open air. Ang mga katutubong sinehan ay sikat dito. Ang mga aktor ay halos palaging kailangang magsuot ng maskara.

Ang Renaissance - sa panahong ito, pangunahing mga pagtatanghal ng komedya ang itinanghal. Itinatanghal sila sa mga parisukat ng lungsod, at maraming tao ang nagtipon upang panoorin ang palabas.

Sa isang lugar sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. - sa simula ng ika-17 siglo, kinilala ng mundo ang opera, at nang maglaon, sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, lumitaw ang ballet, ang mga unang operetta ay lumitaw lamang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo.

Mga produksyon ng mga nakaraang taon ngayon

Sa pagsasalita tungkol sa teatro noong ika-18 at ika-19 na siglo, pinag-uusapan na natin ang tungkol sa mga pagtatanghal at paggawa kung saan nakibahagi ang mga mahuhusay na aktor. Ang mga ito ay itinanghal at ang mga teatro mismo ay lubos na naiiba sa mga primitive at ang Renaissance. Kaya, mula noong katapusan ng ika-19 na siglo, dumating sa amin ang isang kahanga-hangang produksyon ng ballet na The Nutcracker. At sa mga araw na iyon, at ngayon ay hindi magagamit sa lahat. Ito ay dahil, siyempre, sa mahusay at patuloy na lumalagong katanyagan ng produksyon. Kung kanina lamang ang mga piling tao, marangal na mga kababaihan at mga ginoo ang kayang bumili ng gayong luho gaya ng teatro, ngayon ay magagamit na sila ng lahat. Sa kabila ng hype sa paligid ng mga tiket, ang mga tao ay patuloy na naghahanap ng mga alternatibong paraan upang bumili ng mga tiket. Kaya, halimbawa, maaari mong i-order ang mga ito sa aming website. Ito ay magliligtas sa iyo mula sa mga pila at hindi inaasahang hindi kasiya-siyang sitwasyon.

Ngayon ang teatro ay nagkaroon ng ibang hitsura. Ito ay naging simbolo at pagmamalaki sa bawat bansa. Ang mga ensemble ng arkitektura, pandekorasyon na disenyo at maluluwag na bulwagan, mga larawan ng mga sikat na makata, direktor at tagalikha ng teatro, bilang isang panuntunan, ay palaging pinalamutian ang bulwagan. Sa kontemporaryong eksena madalas tayong makakita ng mga pagtatanghal na itinanghal sa unang pagkakataon sa ilalim ng Tsar. Oo, sumailalim sila sa ilang mga pagsasaayos, marahil ang ilan ay ginawa pa totoong pangyayari, at sa isang lugar ay nagpasya ang mga artistikong direktor na magdagdag ng saliw ng musika, na pinagsasama ang opera at ballet. Ngunit, gayunpaman, kinukumpirma pa rin nito na ang teatro ay palaging umiiral sa nakaraan, at sa hinaharap ay maakit nito ang atensyon ng madla, kahit na ang isang pagtatanghal ng huling siglo ay ipinakita sa entablado - ito ang ating kasaysayan at para sa marami. ito ay isang mahalagang bahagi ng pagbuo ng kultura at tradisyon.

Ang modernong tao kung minsan ay minamaliit ang teatro, ginagawa ang kanyang pagpili sa pabor ng sinehan. Gayunpaman, kakaunti ang maihahambing sa sining ng teatro. Malayo na ang narating ng teatro ng Russia mula sa pagkakabuo nito hanggang sa pagtanggap ng titulo ng isa sa pinakamahusay sa mundo. Inaanyayahan ka naming alalahanin ang kasaysayan ng paglikha nito kasama namin.

Sa Russia, ang sining ng teatro ay nagsimulang umunlad nang mas huli kaysa sa karamihan sa mga bansang Europeo at Asyano. Ngunit sa parehong oras, ang mga buffoon, na nagbigay ng mga pagtatanghal, pati na rin ang mga musikero sa kalye, na nagsabi ng mga epiko at alamat, ay naglibot sa teritoryo ng modernong Russia.

Tagapaglikha una, masasabing isang propesyonal na teatro na tinatawag "Comedy Mansion" itinuturing na isa sa mga unang hari ng dinastiya Romanov Alexey Mikhailovich. Gayunpaman, pagkamatay niya, ang mga simbahan, na hindi nasisiyahan sa koro, ay sinira ang teatro.

Sa parehong panahon, ang mayayamang may-ari ng lupa ay nagsimulang lumikha ng kanilang sariling mga sinehan kung saan naglalaro ang mga serf. Ang isang seryosong patron ng teatro ay Peter I. Kung saan emperador ng Russia hiniling na ang mga pagtatanghal ay nasa Russian at "hindi masyadong seryoso, hindi masyadong nakakatawa, walang anumang pag-iibigan at hindi magiging masyadong malungkot."

Matapos ang pagkamatay ni Peter, ang sining ng teatro ay tumigil na suportahan ng mga pinuno, at pagkatapos lamang na magkaroon ng kapangyarihan Anna Ioannovna muli itong tumanggap ng subsidyo ng estado.

Kasaysayan ng paglikha teatro ng estado sa Russia, ayon sa karamihan ng mga eksperto, ay nagsimula sa pagtatatag ng maharlika cadet corps, kung saan inayos ang mga unang studio ng teatro at tinuruan ang mga anak ng mga maharlika ng sining ng pag-arte. Kasabay nito, lumitaw ang unang propesyonal na teatro sa Russia Yaroslavl sa batayan ng tropa ng mangangalakal na si Fyodor Volkov.

Sa oras teatro ng Russia napabuti at nakakuha ng mga tagahanga mula sa iba't ibang bahagi ng populasyon.

Bolshoi Theatre: kasaysayan ng paglikha

Ang Bolshoi Theater, na matatagpuan sa pinakasentro ng Moscow, ay may karapatang taglay ang pamagat ng templo ng sining at ang sikat sa buong mundo na teatro ng opera at ballet. Kapansin-pansin na ang Bolshoi Theater ay may dalawang "kaarawan" - Marso 1776 at Enero 1852. Gayunpaman, ang unang petsa ay itinuturing na karaniwang tinatanggap na petsa.

Sa una, ang Bolshoi Theatre ay itinayo sa Petrovsky Square at, nang naaayon, ay tinawag na Petrovsky. Ang nagtatag ng teatro ay si Prince Pyotr Vasilyevich Urusov, na nakatanggap mula kay Catherine II ng pinakamataas na pahintulot sa nilalaman ng mga konsyerto, mga pagtatanghal sa teatro at pagbabalatkayo.

Sa kasamaang palad, ang Petrovsky Theatre ay nasunog sa lupa bago pa man ito buksan, na lubos na nagpalala sa posisyon ng Urusov. Ibinigay ng prinsipe ang mga gawain sa Ingles na si Michael Medox na matagal na niyang kasama. Ang Petrovsky Theatre ng Medox ay nakatayo sa loob ng dalawampu't limang taon, kung saan paulit-ulit din itong nasusunog at nakaranas ng mga baha.

Pagkatapos, noong 1821, nagsimula ang pagtatayo ng pangunahing gusali para sa Bolshoi Theater ayon sa disenyo ni Andrei Mikhailova at Osip beauvais na tumagal ng apat na taon.

Mula noon, sa kabila ng lahat ng mga digmaan, apoy at iba pang mga sakuna, isang walong hanay na teatro na may karwahe ng Apollo ay tumataas sa itaas ng portico, na sumisimbolo sa walang hanggang kilusan ng buhay at sining, sa gitna ng kabisera.

Ang gusali ng Bolshoi Theater sa loob ay hindi gaanong kahanga-hanga kaysa sa labas. Limang baitang auditorium, malaking entablado, hindi kapani-paniwalang acoustics, mga mural sa kisame, ginintuan na stucco, kristal na multi-tiered na chandelier malaking sukat at iba pang karilagan ng dekorasyon ng Bolshoi Theater nang higit sa isang beses ay namangha sa imahinasyon at nagbigay inspirasyon sa mga manunulat ng dula, aktor, mananayaw, mang-aawit, kompositor at musikero.

Ang mga bituin ng mahusay na ballerina ng Russia, mang-aawit, koreograpo, musikero, kompositor, aktor at iba pang mga kinatawan ng mga malikhaing propesyon ay naiilawan sa entablado ng Bolshoi Theater. Bilang karagdagan, ang mga dakilang dayuhang artista ay tinatrato nang may espesyal na pangamba ang mga panukala upang gumanap sa Bolshoi Theater.

Ang unang aktor ay itinuturing na Greek Thesipus, na nanalo sa patula na kompetisyon bilang parangal kay Dionysus.

Noong ika-3 siglo BC. Ang mga Romano, na inspirasyon ng teatro ng Greek, ay lumikha ng kanilang sariling mga bersyon ng mga sinaunang dulang Griyego at itinanghal ang mga ito sa mga impromptu na yugto. Ang mga artista sa mga pagtatanghal na ito ay mga alipin. Ang mga babae ay pinapayagan lamang na maglaro mga menor de edad na tungkulin. Habang ang mga teatro ng Romano ay kailangang makipagkumpetensya para sa atensyon ng mga manonood na nakasanayan na sa mga labanan ng gladiator, pampublikong pagpatay, at karera ng mga kalesa, ang mga dula ay lalong nagsasama ng mga marahas na eksena at bastos na katatawanan. Sa paglaganap ng Kristiyanismo, ang gayong mga ideya ay nagwakas.

Ang paglitaw ng teatro ng Middle Ages

Nang maglaon, nagsimulang maglaro ang mga misteryo sa iba pang mga relihiyosong pista opisyal, na naglalahad ng iba't ibang mga kuwento sa Bibliya.

Teatro ng Renaissance

Noong 1576, ang unang gusali ng teatro ay itinayo sa London, bago iyon ang lahat ng mga dula ay nilalaro sa mga hotel, sa fair stage o sa gitna ng mga bulwagan sa mga kastilyo at marangal na bahay. Ang Ingles na Reyna na si Elizabeth I ay tumangkilik sa sining ng teatro, sa panahon na nagtataglay ng kanyang pangalan, lumitaw ang mga unang propesyonal na manunulat ng dula, na ang pinakatanyag ay dakilang Shakespeare, mga aktor, ang tradisyon ng paggamit ng props at pagpapalit ng kasuotan sa panahon ng pagtatanghal. Ang klasikal na teatro ay sa wakas ay nabuo sa kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Ang mga manika ng Matryoshka ay itinuturing na isang primordially Russian souvenir at samakatuwid ay napakapopular sa mga turista na pumupunta sa Russian Federation mula sa iba't-ibang bansa. Ang lahat ng mas kawili-wili ay ang katotohanan na ang mga kahoy na pininturahan na mga pigurin ng mga eleganteng beauties, namumuhunan sa bawat isa, ay malayo sa mga ugat ng Russia.

Ang unang Russian matryoshka

Ang prototype ng isang masayahin, bilog na mukha na batang babae na Ruso, na nakapaloob sa mga klasikong pugad na mga manika, ay dinala sa Russia mula sa Japan noong simula ng ika-19 na siglo. Ang souvenir mula sa lupain ng araw ay isang wooden nesting figurine ng Japanese sage na si Fukurum. Ang mga ito ay maganda ang ipininta at inilarawan sa pangkinaugalian sa diwa ng mga tradisyon ng inang bansa ng modernong matryoshka.

Minsan sa Moscow Toy Workshop, isang Japanese souvenir ang nagbigay inspirasyon sa lokal na turner na si Vasily Zvezdochkin at artist na si Sergei Malyutin na lumikha ng katulad na mga laruan. Ang mga craftsmen ay gumawa at nagpinta ng mga katulad na pigurin na namumugad sa loob ng isa. Ang unang analogue ng isang souvenir ng Hapon ay isang batang babae sa isang headscarf at isang sundress, ang mga kasunod na nesting na mga manika ay naglalarawan ng mga cute na nakakatawang bata - mga lalaki at babae, sa huling, ikawalong pugad na manika, isang swaddled na sanggol ay iginuhit. Malamang, nakuha nito ang pangalan bilang parangal sa babaeng pangalan na Matryona, na laganap noong panahong iyon.

Sergiev Posad na pugad ng mga manika

Matapos ang pagsasara ng pagawaan sa Moscow, noong 1900, ang mga manggagawa sa Sergiev Posad, sa isang workshop sa pagsasanay at demonstrasyon, ay nagsagawa ng paggawa ng matryoshkas. Ang ganitong uri ng katutubong bapor ay naging laganap, ang mga workshop ng Bogoyavlenskys, Ivanovs, Vasily Zvezdochkin, na lumipat sa Posad mula sa Moscow, ay lumitaw hindi kalayuan sa kabisera.

Sa paglipas ng panahon, ang laruang souvenir na ito ay nakakuha ng katanyagan na ang mga dayuhan ay nagsimulang mag-order nito mula sa mga panginoon ng Russia: ang Pranses, Aleman, atbp. Ang gayong mga nesting na manika ay hindi mura, ngunit mayroong isang bagay na hinahangaan! Ang pagpipinta ng mga laruang kahoy na ito ay naging makulay, gayak, iba-iba. Ang mga artista ay naglalarawan ng magagandang babae sa Russia sa mahabang sundresses at pininturahan ang mga scarf, na may mga bouquet ng mga bulaklak, basket at buhol. Sa simula ng ikadalawampu siglo, ang mass production ng matryoshka dolls para sa mga dayuhang bansa ay itinatag.

Nang maglaon, lumitaw ang mga masculine nesting na manika, halimbawa, na naglalarawan ng mga pastol na may plauta, bigote na nobyo, balbas na matatandang lalaki na may mga patpat, atbp. Ang mga laruan na gawa sa kahoy ay inayos ayon sa iba't ibang mga prinsipyo, ngunit ang pattern, bilang isang panuntunan, ay kinakailangang masubaybayan - halimbawa, ang mga nesting doll-grooms ay ipinares sa mga nesting doll-bride at mga kamag-anak.

Mga nesting na manika ng lalawigan ng Nizhny Novgorod

Mas malapit sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, ang matryoshka ay kumalat nang malayo sa Sergiev Posad. Kaya, sa lalawigan ng Nizhny Novgorod, lumitaw ang mga manggagawa na gumawa ng mga pugad na mga manika sa anyo ng mga payat na matataas na batang babae sa maliwanag na kalahating shawl. At ginawa ng mga craftsmen ni Sergiev Posad ang mga laruang ito sa anyo ng mas maraming squat at malago na mga binibini.

Mga modernong pugad na manika

Ang Matryoshka ay itinuturing pa rin na isa sa mga simbolo ng kulturang Ruso. Ang mga modernong nesting doll ay ginawa sa iba't ibang genre: bilang karagdagan sa mga klasikal na guhit, ang mga larawan ng mga sikat na pampulitikang figure, mga presenter sa TV, pelikula at mga pop na bituin ay inilalagay sa kanila.

Sa Sergiev Posad, sa Museum of Toys, mayroong mga koleksyon ng mga matryoshka na manika ng iba't ibang mga masters ng simula at kalagitnaan ng ika-20 siglo, pati na rin ang unang matryoshka na manika, na pininturahan sikat na artista Sergei Malyutin.

Mga kaugnay na video

Ang salungatan ay isang salungatan ng magkasalungat na opinyon, interes at pananaw. Ito ay dinisenyo upang tumulong sa pagtugon sa mga pangangailangan. AT sitwasyon ng tunggalian sinisikap ng bawat panig na makamit ang layunin nito at malutas ang mga problema nito.

Ang mga pangunahing sanhi ng mga salungatan sa pamilya: - hindi nasisiyahang pangangailangan para sa pagpapatibay sa sarili; - ang pagnanais ng mag-asawa na matanto ang mga personal na pangangailangan sa pag-aasawa; - kawalan ng kakayahang makipag-usap sa isa't isa; - labis na materyal na ambisyon; - ang pagkakaroon ng napalaki na pagpapahalaga sa sarili; - hindi pagkakatugma ng mga pananaw sa edukasyon; - hindi pagkakatugma ng mga ideya tungkol sa papel ng asawa, asawa, ama, ina at iba pa;- iba't ibang uri ugali; - hindi pagpayag na magsagawa ng isang diyalogo; - sekswal na lamig ng isa sa mga asawa; - paninibugho ng isa sa mga asawa; - pangangalunya; - masamang ugali. Tinutukoy ng mga espesyalista sa pamamahala ang mga sumusunod na sanhi ng mga salungatan sa mga koponan: 1. Limitadong mapagkukunan. Ang mga mapagkukunan ng materyal, pananalapi at paggawa ay palaging limitado. Ang gawain ng tagapamahala ay upang maipamahagi ang mga ito nang mahusay sa iba't ibang mga dibisyon ng istruktura ng organisasyon. Ngunit, dahil medyo mahirap gawin ito dahil sa kondisyon ng mga pamantayan sa pamamahagi, ang mga limitadong mapagkukunan ay hindi maiiwasang humantong sa iba't ibang uri ng mga salungatan.2. Pagkakaisa ng mga gawain. Ang lahat ng mga negosyo ay binubuo ng magkakaugnay na mga elemento, iyon ay, ang gawain ng isang empleyado ay nakasalalay sa gawain ng isa pa. Kung ang isang indibidwal na manggagawa o isang yunit ay gumagana sa hindi naaangkop na paraan, ang pagtutulungang ito ay maaaring maging sanhi ng tunggalian.3. Mga pagkakaiba sa pananaw, layunin at halaga. Karaniwan sa mga istruktura ng organisasyon sa paglipas ng panahon mayroong isang proseso ng pagdadalubhasa, iyon ay, mga aktibidad sa isang makitid na lugar. Bilang resulta, ang mga dating structural division ay nagsisimula nang hatiin sa mas maliliit na specialized na unit. Ang ganitong mga istruktura ay bumubuo ng mga bagong layunin at nagsimulang tumuon sa pagkamit ng mga ito, na nagpapataas ng posibilidad ng mga salungatan.4. Mga pagkakaiba sa karanasan sa buhay at kilos. Ang mga tao ay naiiba sa bawat isa. Mayroong sobrang agresibo, awtoritaryan na mga personalidad, walang malasakit sa iba. Ito ang mga madalas na pumukaw mga salungatan. Ang mga pagkakaiba sa karanasan, edukasyon, haba ng serbisyo, edad ay nagpapataas ng posibilidad ng mga sagupaan.5. Mahinang komunikasyon. Ang salungatan ay maaaring pasiglahin ng labis na impormasyon, mahirap Feedback, pagbaluktot ng mga mensahe. Ang tsismis sa koponan ay nagbibigay ng isang espesyal na pangangailangan ng madaliang pagkilos sa salungatan. Maaari silang kumilos bilang isang katalista, nakakasagabal sa indibidwal na empleyado maunawaan ang totoong sitwasyon. Ang iba pang mga karaniwang problema ng paglilipat ng impormasyon ay hindi sapat na malinaw na binuo na mga responsibilidad sa trabaho ng mga empleyado, ang pagtatanghal ng magkaparehong eksklusibong mga kinakailangan para sa trabaho.

Mga Pinagmulan:

• Mga salungatan sa koponan: mabuti o masama

Payo 4: Ang pinagmulan ng iyong apelyido: kung paano malaman ang kasaysayan

Pinahahalagahan ng bawat tao ang kanyang apelyido. Ang bawat tao ay maaga o huli ay nais na ibunyag ang lihim ng pinagmulan nito. Aalamin natin kung ano ang ginagawa ng mga eksperto para ibunyag ang sikreto ng pinagmulan ng apelyido.

Ang kasaysayan ng teatro ay ang mundo ng sangkatauhan

Teatro ng sinaunang Greece

Pinagmulan ng sinaunang Griyegong drama at teatro.

Ang hitsura ng drama sa Greece ay nauna sa isang mahabang panahon, kung saan ang epiko, at pagkatapos ay ang liriko, ay unang sumakop sa nangingibabaw na lugar. Alam nating lahat ang mayamang bayaning epikong tula ng Iliad at Odyssey, ang didaktiko (nakapagtuturo) na mga epikong tula ni Hesiod (ika-7 siglo BC); Ito ang mga gawa ng mga liriko na makata noong ika-6 na siglo. BC.

Ang pagsilang ng Greek drama at teatro ay nauugnay sa mga larong ritwal na nakatuon sa mga diyos ng patron ng agrikultura: Demeter, ang kanyang anak na babae na si Kore at Dionysus. Tatlong genre ng sinaunang Griyegong drama ang lumago mula sa mga larong ritwal at mga kanta bilang parangal kay Dionysus: trahedya, komedya at satyr comedy (pinangalanan sa koro, na binubuo ng mga satyr).

• Sinasalamin ng trahedya ang seryosong bahagi ng kultong Dionysian.
• Komedya - karnabal-satirical.
• Ang satir drama ay ipinakita bilang isang karaniwang genre. Masayahin ang karakter ng laro at ang masayang pagtatapos natukoy ang lugar nito sa mga pista opisyal bilang parangal kay Dionysus: ang satyr drama ay itinanghal bilang isang konklusyon sa pagtatanghal ng mga trahedya.

Napakalaki ng papel ng mga trahedya na ideya sa sosyo-politikal at etikal na edukasyon. Nasa ikalawang kalahati ng ika-6 na siglo BC. ang trahedya ay umabot sa isang makabuluhang pag-unlad. Ang sinaunang kasaysayan ay nag-uulat na ang unang Athenian na trahedya na makata ay si Thespis (VI siglo BC). Ang unang paggawa ng kanyang trahedya (ang pangalan nito ay hindi kilala) ay naganap noong tagsibol ng 534 BC. sa Pista ng Dakilang Dionysius. Ang taong ito ay itinuturing na taon ng kapanganakan ng teatro sa mundo.

Sa komedya, higit pa kaysa sa trahedya, ang mga makamundong motibo ay hinaluan ng mga mitolohikong motif, na unti-unting naging nangingibabaw o maging ang isa lamang, bagama't sa pangkalahatan, ang komedya ay itinuturing pa rin na nakatuon kay Dionysus. Ang mga improvised na eksena ay isang elementarya na anyo ng folk farce theater at tinatawag na mimes (sa pagsasalin ay nangangahulugang "imitasyon", "reproduction"; ang mga gumaganap ng mga eksenang ito ay tinatawag ding mimes). Ang mga bayani ng mimes ay ang mga tradisyonal na maskara ng katutubong teatro: isang magiging mandirigma, isang magnanakaw sa palengke, isang charlatan scientist, isang simpleng tao na niloloko ang lahat, atbp.

Teatro ng Athens.

Ang sinaunang sining ng teatro ng Griyego ay umabot sa rurok nito sa gawain ng tatlong mahusay na trahedya noong ika-5 siglo BC - Aeschylus, Sophocles, Euripides at ang komedyante na si Aristophanes, na ang mga aktibidad ay nakukuha sa simula ng ika-4 na siglo BC. BC. Sabay-sabay na nagsulat ang ibang mga manunulat ng dula, ngunit maliliit na piraso lamang ng kanilang mga gawa ang napunta sa atin, at kung minsan ay mga pangalan at kakarampot na impormasyon lamang.

Hellenistic na teatro.

Sa panahon ng Hellenism (VI-I siglo BC), ang teatro ng Griyego ng klasikal na panahon ay sumailalim sa mga makabuluhang pagbabago tungkol sa parehong dramaturhiya at pag-arte, at ang arkitektura ng gusali ng teatro. Ang mga pagbabagong ito ay konektado sa mga bagong makasaysayang kondisyon. Sa teatro ng panahon ng Helenistiko, itinatanghal pa rin ang mga komedya at trahedya. Ngunit mula sa mga trahedya ng IV siglo. BC. maliliit na fragment lamang ang nabubuhay, at tila masining na merito Maliit ang mga trahedyang Helenistiko. Marami pang data ang makukuha para sa paghusga sa komedya, dahil isang dula lang at ilang sipi mula sa iba pang mga dula ng pinakadakilang komedyante noong panahong iyon, si Menander, ang dumating sa amin.

Ang komedya ng panahon ng Hellenistic ay tinatawag na bagong komedya ng Attic (o neo-Attic). Malaki ang papel ng motif ng pag-ibig sa bagong komedya. Ang mga may-akda ng bagong komedya ng Attic ay malawakang ginamit ang sikolohikal na teorya ng mag-aaral ni Aristotle na si Theophrastus, ayon sa kung saan ang lahat ng mga katangian ng karakter ay ipinakita sa hitsura ng isang tao at sa kanyang mga aksyon. Ang mga physiognomic na paglalarawan ni Theophrastus ay walang alinlangan na nakaimpluwensya sa disenyo ng mga maskara, na nakatulong sa madla na makilala ito o ang karakter na iyon. Sa bagong komedya, kapansin-pansin ang impluwensya ng Euripides. Ang lapit ng marami sa kanyang mga bayani sa buhay, ang pagsisiwalat ng kanilang mga emosyonal na karanasan - ito ang kinuha ng bagong komedya mula sa Euripides.

Ang arkitektura ng sinaunang teatro ng Greek.

Sa una, ang lugar para sa mga pagtatanghal ay isinaayos nang napakasimple: ang koro kasama ang mga awit at sayaw nito ay ginanap sa isang round rammed platform-orchestra (mula sa verb orheomai - "I dance"), kung saan nagtipon ang mga manonood. Ngunit bilang kahalagahan ng sining ng teatro sa panlipunan at kultural na buhay Greece, at habang ang drama ay naging mas kumplikado, nagkaroon ng pangangailangan para sa mga pagpapabuti. Ang maburol na tanawin ng Greece ay nag-udyok sa pinaka makatwirang pag-aayos ng entablado at upuan ng manonood: ang orkestra ay nagsimulang matatagpuan sa paanan ng burol, at ang madla ay inilagay sa dalisdis.

Ang lahat ng mga sinaunang teatro ng Greek ay bukas at tinanggap ang isang malaking bilang ng mga manonood. Ang Athens theater of Dionysus, halimbawa, ay maaaring tumanggap ng hanggang 17,000 katao, ang teatro sa Epidaurus - hanggang 10,000. Noong ika-5 siglo BC. sa Greece, nabuo ang isang matatag na uri ng istruktura ng teatro, katangian ng buong panahon ng unang panahon. Ang teatro ay may tatlong pangunahing bahagi: isang orkestra, isang theatron (mga lugar para sa mga manonood, mula sa pandiwang teaomai - "tumingin ako") at skene (skene - "tolda", kalaunan ay isang kahoy o bato na istraktura).

Ang laki ng teatro ay tinutukoy ng diameter ng orkestra (mula 11 hanggang 30 m) Ang skene ay matatagpuan nang tangential sa circumference ng orkestra. Ang harap na dingding ng skene-proskenia, na karaniwang may hitsura ng isang colonnade, ay naglalarawan sa harapan ng isang templo o palasyo. Ang skene ay pinagsama ng dalawang lateral na istruktura, na tinatawag na paraskenias. Ang Paraskenii ay nagsilbing isang lugar upang mag-imbak ng mga tanawin at iba pang pag-aari ng teatro. Sa pagitan ng skene at mga upuan para sa mga manonood, na sumasakop ng kaunti sa kalahati ng bilog, mayroong mga pasilyo-parody, kung saan ang mga manonood ay pumasok sa teatro bago magsimula ang pagtatanghal, at pagkatapos ay ang koro at mga aktor ay pumasok sa orkestra. Sa teatro ng klasikal na panahon, ang atensyon ng madla ay nakatuon sa pag-unlad ng aksyon, sa kapalaran ng mga karakter, at hindi sa mga panlabas na epekto. Ang layout ng Greek theater ay nagbigay ng magandang audibility. Bilang karagdagan, sa ilang mga sinehan, ang mga resonating na sisidlan ay inilagay sa mga upuan ng madla upang palakasin ang tunog. Walang kurtina sa sinaunang teatro ng Greek, bagaman posible na sa ilang mga dula ang ilang bahagi ng proscenium ay pansamantalang isinara mula sa madla.

Romanong teatro

Ang pinagmulan ng teatro ng Roma.

Ang mga pinagmulan ng Romanong teatro at drama ay bumalik, tulad ng sa Greece, sa mga larong ritwal na mayaman sa mga elemento ng karnabal. Ganito, halimbawa, ang kapistahan ng Saturnalia, bilang parangal sa diyos na Italyano na si Saturn. Ang kakaiba ng holiday na ito ay ang "pagbabalik" ng karaniwang mga relasyon sa lipunan: ang mga panginoon ay naging "mga alipin" nang ilang sandali, at ang mga alipin ay naging "mga panginoon".

Isa sa mga pinagmulan ng Romanong teatro at drama ay ang mga pagdiriwang ng pag-aani sa kanayunan. Kahit na sa malalayong panahon, noong ang Roma ay isang maliit na komunidad ng Latium, ang mga pista opisyal ay ipinagdiriwang sa mga nayon kaugnay ng pagtatapos ng pag-aani. Sa mga holiday na ito, ang mga masayang bastos na kanta-fescennins ay inaawit. Tulad ng sa Greece, dalawang half-choir ang karaniwang nagtatanghal, nagpapalitan ng mga biro, kung minsan ay may nilalamang mapanlinlang.

Ang pagkakaroon ng nagmula sa panahon ng sistema ng tribo, ang mga fescennin ay umiral din sa mga sumunod na siglo, at, ayon kay Horace, ang panlipunang pakikibaka sa pagitan ng mga plebeian at patrician ay makikita sa kanila. Ito ay kung paano lumitaw ang saturas (sa pagsasalin ay nangangahulugang "halo"). Ang Saturas ay mga dramatikong tagpo ng domestic at komiks, na kinabibilangan ng diyalogo, pagkanta, musika at pagsasayaw.

Ang isa pang uri ng dramatikong pagtatanghal na may likas na komiks ay ang Atellani, na hiniram mula sa ibang mga tribo na naninirahan sa Apennine Peninsula, kung saan nakipagdigma ang Roma. Ang mga kabataan ay naging interesado sa mga larong ito at nagsimulang ayusin ang mga ito sa mga pista opisyal. Mayroong apat na umuulit na karakter sa komiks sa atellan: Mack, Bukkon, Papp, at Dossen. Walang solidong teksto ang mga Atellani, kaya nang itanghal sila, isang malawak na saklaw para sa improvisasyon ang nagbukas. Bumalik din si Mime sa folk drama. Tulad ng sa Greece, ang mime ay nag-reproduce ng mga eksena mula sa katutubong buhay, at kung minsan ay nagpaparody ng mga alamat, na hinuhusgahan ang mga diyos at bayani sa isang clownish na anyo. Kaya, sa Roma, mayroong humigit-kumulang kaparehong mga larong ritwal tulad ng sa Sinaunang Greece. Ngunit ang pag-unlad ng katutubong teatro ay hindi lumampas sa mahinang simula ng dula. Ito ay dahil sa konserbatibong paraan ng pamumuhay ng mga Romano at ang malakas na pagtutol ng mga pari. Samakatuwid, ang isang independiyenteng mitolohiya ay hindi nabuo sa Roma, na sa Greece ay nagsilbing "lupa at arsenal" ng sining, kabilang ang drama.

Romanong teatro ng panahon ng Republikano.

Kinuha ng mga Romano ang dulang pampanitikan sa tapos na anyo mula sa mga Griyego at isinalin ito sa Latin, inangkop ito sa kanilang sariling mga konsepto at panlasa. Matapos ang matagumpay na pagtatapos ng unang Digmaang Punic, sa maligaya na mga laro ng 240 BC, napagpasyahan na ayusin ang isang dramatikong pagganap. Ang produksyon ay ipinagkatiwala sa Griyegong si Livius Andronicus, na nasa pagkaalipin sa Romanong senador, na nagbigay sa kanya ng Latin na pangalang Livius. Pagkatapos niyang palayain, nanatili siya sa Roma at nagsimulang magturo ng Griyego at Latin mga anak ng maharlikang Romano. Nagtanghal din ang gurong ito ng trahedya at, malamang, komedya din, na kanyang muling ginawa mula sa modelong Griyego, o, marahil, isinalin lamang mula sa Griyego sa Latin. Ang produksyon na ito ay nagbigay ng unang impetus sa pag-unlad ng teatro ng Roma.

Mula 235 BC ang manunulat ng dulang si Gnaeus Neviy ay nagsimulang magtanghal ng kanyang mga dula. Isang nakababatang kontemporaryo ni Nevius, si Titus Maccius Plavt. Ang kanyang gawain ay tumutukoy sa panahon kung kailan ang Roma mula sa isang pamayanang agrikultural ay naging pinakamalakas na estado - una sa Apennine Peninsula, at pagkatapos ay sa buong Mediterranean basin. Publius Terence Afr, na nagtrabaho, tulad ni Plautus, sa genre ng palliata, ay kabilang sa susunod na henerasyon ng mga manunulat ng dula. Si Terence ay maaaring tawaging nangunguna sa bagong European drama. Ang teatro ng Europa ay paulit-ulit na bumaling sa kanyang trabaho. Ang impluwensya ng kanyang mga komedya na "Formion" at "Brothers" ay nararamdaman sa akda ni Moliere.

Romanong teatro noong panahon ng imperyal.

Noong ika-1 siglo BC, bumagsak ang republika sa Roma. Matapos ang pagpatay kay Caesar at ang tagumpay laban kay Antony noong 31 BC. Si Octavian ay naging emperador sa Roma, na kalaunan ay tumanggap ng karangalan na palayaw na Augustus ("Banal"). Alam na alam ni Augustus ang panlipunang kahalagahan ng teatro at nag-ambag sa lahat ng posibleng paraan sa pag-unlad nito. Una sa lahat, nais ni Augustus na buhayin ang trahedya ng uri ng Griyego sa entablado ng Roma, na nakikita ito bilang isang paraan ng pagpapabuti at pagtuturo ng moral ng kanyang mga mamamayan. Ang mga mithiing ito ni Augustus ay sinuportahan ng isa sa mga namumukod-tanging makatang Romano, si Horace, at makikita sa kanyang Science of Poetry. Gayunpaman, ang lahat ng mga pagsisikap ni Augustus na buhayin ang isang seryosong genre sa entablado ng Roman ay hindi nagtagumpay.

Mula sa trahedya ng panahon ng imperyal, walang bumaba sa atin, maliban sa mga trahedya ng pilosopo na si Seneca. Si Lucius Annei Seneca ay ang tagapagturo ng Emperador Nero, sa isang pagkakataon ay hawak niya ang pinakamataas na posisyon sa estado sa ilalim niya, ngunit pagkatapos ay inakusahan siya ng pakikipagsabwatan laban sa emperador at, sa utos ni Nero, nagpakamatay sa pamamagitan ng pagbubukas ng kanyang mga ugat. Si Seneca ay nagsimulang magsulat ng mga trahedya sa mga huling taon ng kanyang buhay, nang magbago ang saloobin ni Nero sa kanya at napilitan siyang mas maingat na ipahayag ang kanyang mga pananaw sa umiiral na kaayusan.

Organisasyon ng mga pagtatanghal sa teatro.

Ang mga pagtatanghal ay ginanap sa Roma sa panahon ng iba't ibang mga pista opisyal. Ang mga dula ay nilalaro sa kapistahan ng mga patrician, ang Roman Games, na ginanap noong Setyembre bilang parangal kay Jupiter, Juno at Minerva; sa Apollo Games noong Hulyo. Walang permanenteng gusali ng teatro sa Roma hanggang sa kalagitnaan ng ika-1 siglo. BC.; ang pagtatayo nito ay tinutulan ng konserbatibong Senado. Para sa pagtatanghal, isang kahoy na plataporma, kalahati ng taas ng isang lalaki, ay karaniwang itinayo sa forum. Ang isang makitid na hagdan na may 4-5 na mga hakbang ay humantong sa platform ng entablado, kung saan umakyat ang mga aktor sa entablado.

Sa trahedya, naganap ang aksyon sa harap ng palasyo. Sa mga komedya, halos palaging inilalarawan ng tanawin ang isang kalye ng lungsod na may mga harapan ng dalawa o tatlong bahay na tinatanaw ito, at ang aksyon ay naganap sa harap ng bahay. Umupo ang mga manonood sa mga bench sa harap ng stage. Ngunit kung minsan ay ipinagbawal ng Senado ang pagtatatag ng mga upuan sa mga pansamantalang teatro na ito: ang pag-upo sa mga pagtatanghal, ayon sa Senado, ay isang tanda ng pagkababae. Nasira kaagad ang lahat ng istrukturang itinayo para sa mga theatrical na laro pagkatapos nilang makumpleto.

Isang kaganapan para sa Roma ang paglitaw ng unang permanenteng teatro na gawa sa bato. Ang teatro na ito ay itinayo noong 55 BC. Gneem Pompey the Great at tumanggap ng hanggang 40 libong tao. Sa pagtatapos ng ika-1 siglo BC. sa Roma, dalawang teatro pang bato ang itinayo: ang teatro ng Balba at ang teatro ni Marcellus. Mula sa huli, ang mga labi ng panlabas na dingding, na nahahati sa tatlong palapag, ay nakaligtas hanggang sa araw na ito, na tumutugma sa tatlong panloob na mga tier.

Teatro ng Middle Ages

Liturgical at semi-liturgical na drama.

Ang drama ng simbahan ay naging isa sa mga anyo ng sining ng teatro noong unang bahagi ng Middle Ages. Sa pakikipaglaban sa mga labi ng sinaunang teatro, laban sa mga laro sa kanayunan, hinangad ng simbahan na gamitin ang bisa ng propaganda sa teatro para sa sarili nitong mga layunin.

Nasa ika-9 na siglo, ang misa ay ginawang teatro, isang ritwal ng pagbabasa ng mga yugto mula sa mga alamat tungkol sa buhay ni Kristo, tungkol sa kanyang libing at muling pagkabuhay ay binuo. Mula sa mga dialogue na ito ay ipinanganak ang maagang liturgical drama. Mayroong dalawang siklo ng gayong drama - ang Pasko, na nagsasabi tungkol sa kapanganakan ni Kristo, at ang Pasko ng Pagkabuhay, na nagsasabi ng kuwento ng kanyang muling pagkabuhay. Sa Christmas liturgical drama, isang krus ang inilagay sa gitna ng templo, pagkatapos ay binalot ito ng itim na tela, na ang ibig sabihin ay ang paglilibing ng katawan ng Panginoon.

Sa paglipas ng panahon, ang liturgical drama ay nagiging mas kumplikado, ang mga kasuotan ng "mga aktor" ay sari-sari, at ang "mga tagubilin ng direktor" ay nilikha na may eksaktong indikasyon ng pagsubok at paggalaw. Ang lahat ng ito ay ginawa ng mga pari mismo. Ang mga organizer ng mga liturgical performance ay nag-ipon ng karanasan sa entablado at nagsimulang mahusay na ipakita sa mga tao ang pag-akyat ni Kristo at iba pang mga himala ng ebanghelyo. Ang paglapit sa buhay at paggamit ng mga itinanghal na epekto, ang liturgical drama ay hindi na nakakaakit, ngunit nakakagambala sa mga parokyano mula sa serbisyo. Ang pag-unlad ng genre ay puno ng pagkawasak nito sa sarili. Dahil ayaw tanggihan ang mga serbisyo ng teatro at hindi makayanan ito, ang mga awtoridad ng simbahan ay naglalabas ng liturgical drama mula sa ilalim ng mga vault ng mga templo papunta sa beranda. Isang semi-liturgical drama ang isinilang. At pagkatapos ang teatro ng simbahan, na pormal na nasa kapangyarihan ng klero, ay nahulog sa ilalim ng impluwensya ng karamihan ng tao sa lungsod. Ngayon ay idinidikta na niya ang kanyang mga panlasa sa kanya, na pinipilit siyang magbigay ng mga pagtatanghal sa mga araw ng mga fairs, at hindi mga pista opisyal sa simbahan, upang ganap na lumipat sa kanyang sariling wika, na naiintindihan ng karamihan. Nag-aalala tungkol sa tagumpay, ang mga klero ay nagsimulang kumuha ng higit pang mga pang-araw-araw na paksa, at ang materyal para sa semi-liturgical na drama ay mga kuwento sa Bibliya napapailalim sa pang-araw-araw na interpretasyon. Ang mga alamat sa Bibliya ay napapailalim sa pagpoproseso ng patula sa paglipas ng panahon. Ang mga teknikal na inobasyon ay ipinakilala din: ang prinsipyo ng sabay-sabay na tanawin ay sa wakas ay naitatag, kapag ang ilang mga eksena ng aksyon ay ipinapakita nang sabay-sabay; ang bilang ng mga trick ay tumataas. Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng ito, ang drama ng simbahan ay nagpatuloy sa pagpapanatili ng isang malapit na kaugnayan sa simbahan. Ang drama ay itinanghal sa balkonahe, sa mga pondo ng simbahan, ang repertoire nito ay pinagsama ng mga klero (bagaman ang mga kalahok sa mga pagtatanghal, kasama ang mga pari at layko). Kaya, kakatwang pinagsasama ang mga elementong magkapareho, ang drama ng simbahan ay umiral nang mahabang panahon.

sekular na dramaturhiya.

Ang simula ng makatotohanang direksyon

Ang mga unang usbong ng isang bagong makatotohanang kalakaran ay nauugnay sa pangalan ng trouveur (troubadour) Adam de La Halle (circa 1238-1287) mula sa Pranses na lungsod ng Arras. Si De La Alle ay mahilig sa tula, musika at teatro. Siya ay nanirahan sa Paris at sa Italya (sa hukuman ni Charles ng Anjou) at naging lubos na kilala bilang isang makata, musikero, at manunulat ng dula.

Noong ika-13 siglo, ang comedic stream ay nalunod na ng miracle theater, na may mga pangyayari sa buhay bilang tema nito, ngunit naging relihiyon.

Himala.

Ang pangalan ng Miracle mismo ay nagmula sa salitang Latin para sa "himala". At sa katunayan, ang lahat ng mga salungatan, kung minsan ay napakalinaw na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng buhay, ay nalutas sa genre na ito salamat sa interbensyon ng mga banal na puwersa - St. Nicholas, ang Birheng Maria, atbp. Ang oras mismo - siglo XIV, puno ng digmaan, tanyag na kaguluhan at hindi makataong paghihiganti, ay nagpapaliwanag ng pagbuo ng naturang kontrobersyal na genre bilang himala. Hindi nagkataon lang na ang himala, na karaniwang nagsisimula sa isang denunciatory depiction ng realidad, ay palaging nagtatapos sa isang kompromiso, isang gawa ng pagsisisi at pagpapatawad, na halos nangangahulugan ng pagkakasundo sa mga kalupitan na ipinakita, dahil ipinapalagay nito sa bawat kontrabida ang isang posibleng matuwid. lalaki. Ito ay angkop sa parehong kamalayan ng burgher at sa simbahan.

Misteryo.

Ang kasagsagan ng misteryong teatro ay ang ika-15-16 na siglo, ang panahon ng mabilis na pag-unlad ng mga lungsod at ang paglala ng mga kontradiksyon sa lipunan. Ang lungsod ay higit na nagtagumpay sa pyudal na pag-asa, ngunit hindi pa nahulog sa ilalim ng pamamahala ng isang ganap na monarko. Ang misteryo ay ang pagpapahayag ng pag-usbong ng medyebal na lungsod at ng kultura nito. Lumaki ito mula sa tinatawag na "mimic mysteries" - mga prusisyon sa lunsod bilang karangalan ng mga pista opisyal sa relihiyon, bilang parangal sa mga solemne na pag-alis ng mga hari. Mula sa mga pagdiriwang na ito, unti-unting nabuo ang isang misteryong dula, gamit ang unang karanasan ng teatro sa medieval. Ang mga pagtatanghal ng mga misteryo ay inayos hindi ng simbahan, ngunit ng mga workshop sa lungsod at munisipalidad. Ang mga may-akda ay mga pigura ng isang bagong uri - mga siyentipiko, teologo, abogado, doktor. Sa kabila ng katotohanan na ang mga produksyon ay itinuro ng mataas na burgesya ng lungsod, ang mga misteryo ay isang napakalaking panlabas na sining ng amateur. Daan-daang tao ang nakibahagi sa mga pagtatanghal.

Ang mga misteryo ay nagpakita ng paglikha ng mundo, ang paghihimagsik ni Lucifer laban sa Diyos, mga himala sa Bibliya. Pinalawak ng Misteryo ang pampakay na hanay ng medyebal na teatro, naipon ang isang malaking karanasan sa entablado, na ginamit ng mga kasunod na genre ng Middle Ages. Ang tagapagpatupad ng misteryo ay ang mga taga-lungsod. Paghiwalayin ang mga episode ng isang malaking pagtatanghal sa teatro ay ginanap ng mga kinatawan ng iba't ibang mga workshop sa lungsod. Kasabay nito, ginawang posible ng misteryo para sa bawat propesyon na ipahayag ang sarili nito nang buo hangga't maaari. Binuo ng Mysteries ang theatrical technique, nakumpirma sa mga tao ang panlasa sa teatro, at inihanda ang ilan sa mga tampok ng Renaissance drama. Ngunit noong 1548 ang mga mystery society, lalo na ang laganap sa France, ay pinagbawalan na magpakita ng mga misteryo: ang kritikal na linya ng komedya ng mystery theater ay naging masyadong nakikita. Ang dahilan ng pagkamatay ay hindi rin siya nakatanggap ng suporta mula sa mga bago, progresibong pwersa ng lipunan.

kilusang reporma

Anti-pyudal na karakter

Ang Repormasyon ay naganap sa Europa noong ika-16 na siglo. Ito ay may katangiang anti-pyudal at nagkaroon ng anyo ng isang pakikibaka laban sa ideolohikal na haligi ng pyudalismo, ang Simbahang Katoliko.

Pinagtitibay ng kilusang reporma ang prinsipyo ng "personal na pakikipag-isa sa Diyos", ang prinsipyo ng personal na kabutihan. Sa kamay ng mayayamang magnanakaw, ang moralidad ay nagiging sandata ng pakikibaka kapwa laban sa mga pyudal na panginoon at laban sa mahihirap na masa sa kalunsuran. Ang pagnanais na bigyan ng kabanalan ang burges na pananaw sa mundo ay nagbubunga ng teatro ng moralidad.

Moralidad.

Pinalaya ng moralidad ang moralisasyon mula sa parehong mga relihiyosong pakana at pang-araw-araw na mga kaguluhan at, nang ihiwalay ang sarili nito, nakuha ang pagkakaisa ng istilo at isang mas malawak na oryentasyong didaktiko.

Farce.

Ang areal farce ay namumukod-tangi bilang isang malaya theatrical genre mula sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Gayunpaman, malayo na ang narating niya sa nakatagong pag-unlad bago iyon. Ang pangalan mismo ay nagmula sa Latin na farta ("pagpupuno"). Sa katunayan, ang mga tagapag-ayos ng mga misteryo ay madalas na sumulat: "Ipasok ang komedya dito." Ang mga masasayang karnabal na pagtatanghal at katutubong pagtatanghal ay nagbubunga ng "mga hangal na korporasyon" - isang samahan ng mga maliliit na opisyal ng hudisyal, iba't ibang mga bohemian ng lungsod, mga mag-aaral, mga seminarista. Noong ika-15 siglo, lumaganap ang mga clownish na lipunan sa buong Europa. Mayroong apat na malalaking organisasyon sa Paris, at ang mga parada ng kanilang mga nakakatawang pagtatanghal ay regular na ginaganap. Sa mga parada na ito, kinutya ang mga talumpati ng mga obispo, mga pagtatalo sa salita ng mga hukom, at pagpasok ng mga hari sa lungsod. Bilang tugon dito, inusig ng mga sekular at espirituwal na awtoridad ang mga farser, pinalayas sila mula sa lungsod, itinapon sila sa mga bilangguan. Ang komedya ay nakabukas kasama ang lahat ng nilalaman at artistikong istraktura patungo sa katotohanan. Pinagtatawanan niya ang mga mandarambong na kawal, mga monghe na nagpapatawad, mga mayayabang na maharlika, mga kuripot na mangangalakal. Malinaw na napansin at nakabalangkas na mga katangian ng karakter ay nagdadala ng satirically pointed life material. Ang mga pangunahing prinsipyo ng pag-arte ng sining para sa mga farcer ay characterization, dinala sa isang parody caricature, at dynamism, na nagpapahayag ng aktibidad at kagalakan ng mga performer mismo. Ang monarchical at ecclesiastical na mga awtoridad ay lalong umaatake sa urban freethinking at isa sa mga anyo nito - ang farcical theater.

Malaki ang impluwensya ng komedya sa karagdagang pag-unlad teatro Kanlurang Europa. Sa Italya, ipinanganak ang commedia dell'arte mula sa komedya; sa Espanya - ang gawain ng "ama ng teatro ng Espanya" na si Lope de Rueda; at sa England, ayon sa uri ng komedya, isinulat ni John Heywood ang kanyang mga interludes, sa Germany, Hans Sachs; sa France ang mga nakakatawang tradisyon ay nagpalusog sa sining ng henyong si Molière at ng dakilang Shakespeare.

Ang komedya ang naging ugnayan sa pagitan ng luma at ng bagong teatro.

Bagong teatro

Teatro (mula sa Greek theatron - mga lugar para sa panoorin, panoorin). Ang generic na konsepto ng teatro ay nahahati sa mga uri ng theatrical art: drama theater, opera, ballet, pantomime theater, atbp. Ang pinagmulan ng termino ay konektado sa sinaunang Griyego na antigong teatro, kung saan ang mga lugar sa auditorium ay tinawag na ganoong paraan. Gayunpaman, ngayon ang kahulugan ng terminong ito ay lubhang magkakaibang.

Sa Panahon ng Enlightenment, ang paglipat sa kontemporaryong kultura. Ang isang bagong paraan ng pamumuhay at pag-iisip ay nahuhubog, na nangangahulugan na ang masining na kamalayan sa sarili ng isang bagong uri ng kultura ay nagbabago din. Ang pangalang "Enlightenment" ay mahusay na nagpapakilala sa pangkalahatang diwa ng kasalukuyang ito sa larangan ng kultura at espirituwal na buhay, na naglalayong palitan ang mga pananaw batay sa mga awtoridad sa relihiyon o pulitika ng mga sumusunod mula sa mga kinakailangan ng isip ng tao.

Ika-18 siglo nagbigay ng ganitong kultura sa mundo mga magagaling na artista at theater art theorists tulad ng Sheridan sa England, Voltaire, Diderot, Beaumarchais sa France, Lessing, Goethe, Schiller sa Germany, Goldoni sa Italy. Ang pangingibabaw ng katwiran ay humantong sa katotohanan na ang sining ng Enlightenment ay nagdusa mula sa katwiran, ang isang makatwirang pagsusuri ng buhay ay nangangailangan ng mga nakaayos na anyo.

Gayunpaman, ang mga enlighteners, na nakakita ng perpekto ng isang tao sa isang maayos na personalidad, ay hindi maaaring magpabaya sa mga kinakailangan ng pakiramdam pagdating sa sining. Kapansin-pansing ipinahayag ng teatro ng Enlightenment ang parehong nilalaman at pamamaraan Isang Bagong Hitsura sa isang mundo na sapat sa panahon.

Teatro sa Panahon ng Enlightenment sa England.

Ang mga manonood ng mga teatro noong ika-18 siglo ay naging mas demokratiko. Sa parterre, inilagay ang mga simpleng bangko para sa mga taong-bayan. Napuno si Raek ng mga katulong, estudyante at maliliit na artisan. Sa panahon ng mga pagtatanghal, ang mga manonood ay napaka-aktibo, tumutugon sa kung ano ang ipinakita sa entablado.

Kaya, sa Inglatera, pinuna ng teatro ng Enlightenment ang mga bisyo ng umuusbong na sistemang burges. Mayroong isang bagong ideolohikal na doktrina ng teatro: pampubliko at moral na edukasyon ng madla. Ang doktrinang ito ay ganap na akma sa mga tradisyon ng Puritan ng Inglatera - sa hinaharap, pinalambot ng mga Puritan ang kanilang posisyon na may kaugnayan sa sining ng teatro, at hindi na nakipaglaban sa teatro tulad nito, ngunit para sa repormasyon nito: ang pagtanggal ng imoralidad at pagbabago ng ang teatro sa isang institusyong kapaki-pakinabang sa lipunan.

Ang treatise ng Puritan theologian na si Jeremy Collier laban sa aristokratikong teatro, A Brief Review of the Immorality and Immorality of the English Stage (1698), ay naging programmatic document ng repormasyon ng teatro. Tinukoy ng treatise na ito ang emphasized moralizing at didacticism ng English theater sa halos buong ika-18 siglo. Sa puntong ito, ang gawain ng naturang mga manunulat ng dula gaya ni Joseph Addison (Cato, the Drummer), Richard Steele (The Liar Lover, o Woman's Friendship; Carefree Husband), Samuel Johnson (Irene), Collie Cibber (Carefree Husband; Last Rate of the Asawa; Inis na Asawa) na nabuo sa ugat na ito. ).

Noong 1731, sa paunang salita sa kanyang dulang The Merchant of London, o The History of George Barnwell, ang manunulat ng dulang si George Lillo ay naglathala ng manifesto para sa isang bagong programang aesthetic, ang makatotohanang teorya ng burges na drama. Tinututulan niya ang mga paghihigpit sa klase ng trahedya, na nagdala lamang ng mga matataas na personalidad sa mga bayani nito. Nang hindi itinatago ang kanyang pagkamuhi sa aristokrasya, hinihiling niya na ang trahedya ay maging tagapagpatakbo ng mga moral na ideya ng burgesya. Sampung taon bago nito, noong 1721, isang hindi kilalang dula, ang Fatal Madness, ay lumitaw sa England, na isinulat sa isa sa mga paboritong tema ng petiburges na drama—ang mapaminsalang bunga ng pagsusugal. Pagkatapos ang dula ay nanatiling halos hindi napapansin - ang oras para sa isang bagong genre ay hindi pa dumating. Ngunit ngayon, ang mga problemang burges ay naging lubhang hinihiling sa madla.

Ang mga satirical tendency sa dramaturgy ay matagumpay na binuo ni Henry Fielding ("Don Quixote in England"; "Grubstreet's Opera, or At the Wife's Shoe"; "Historical Calendar for 1736"). Ang talas ng satirikal na pagtuligsa ay humantong noong 1737 sa paglalathala ng isang batas ng gobyerno sa theatrical censorship, na nagtapos sa political satire. Ang atensyon ng mga playwrights-educators ay nakatuon sa komedya ng mga asal, na naging posible kahit para sa social satire. Ang pinaka-kagiliw-giliw na mga gawa ng komedya ng mga kaugalian sa panahong ito ay nabibilang sa panulat ni Oliver Goldsmith (Good Equal; Night of Errors) at Richard Sheridan (Rivals; School of Scandal).

Ang pinakamahusay na kinatawan ng English artistic art ay ang sikat na David Garrick (1717-1779), isang humanist at tagapagturo sa entablado. Matagumpay niyang itinaguyod ang dramaturhiya ni Shakespeare, na ginagampanan ang mga tungkulin ni Hamlet, Lear at iba pa.

Katapusan ng ika-18 siglo minarkahan sa England sa pamamagitan ng paglitaw ng isang bagong genre - ang trahedya ng "mga bangungot at kakila-kilabot", na siyang nangunguna sa bagong aesthetic na direksyon- romanticism. Ang lumikha ng genre na ito ay si Horace Walpole. Kahit na siya ay nagmamay-ari lamang ng isang dula - "Ang Mahiwagang Ina" (1768), na naglalarawan sa kuwento ng incestuous passion, nagkaroon ng malaking impluwensya ang manunulat sa pre-romantic at romantic dramaturgy.

Pranses na teatro siglo XVIII.

Ang proseso ng demokratisasyon ng lipunan sa Panahon ng Enlightenment ay nagbigay ng bagong dramatikong genre - petiburges na drama, na ang mga lumikha sa France ay D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.

Ang mga pagkukulang ng petiburges na drama at "nakakaiyak na komedya" ay napagtagumpayan sa mga komedya ng P. O. Beaumarchais " barbero ng seville"(1775) at" The Marriage of Figaro "(1784), kung saan kasama ang bagong puwersa ang mga tradisyon ng Moliere ay nabuhay at ang pinakamahusay na mga tampok ng paliwanag aesthetics ay katawanin.

Ang heroic at civic aspirations ng educational dramaturgy ay naihayag nang may pinakamalaking puwersa sa panahon ng French bourgeois revolution sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang mga trahedya ni M. J. Chenier, na puno ng mga anti-pyudal na pathos ("Charles IX", 1789, "Henry VIII", 1791, "Jean Calas", 1791, "Kai Gracchus", 1792), ay mga halimbawa ng dramaturhiya ng rebolusyonaryong klasisismo .

Sa France, ang pilosopo-educator na si Voltaire, na tumutugon sa kanyang dramaturgy sa pag-aapoy sa mga isyung panlipunan at pagtuligsa sa despotismo, ay nagpatuloy na bumuo ng genre ng trahedya.

Kasabay nito, pinananatili ang komedya-satirical na tradisyon sa entablado ng Pransya. Kaya, pinuna ni Lesage (1668-1747) sa komedya na "Turcare" hindi lamang ang nabubulok na maharlika, kundi pati na rin ang usurious bourgeoisie. Naghangad siyang lumikha ng mga komedya para sa mass folk theater.

Ang isa pang tagapagturo at manunulat ng dula, si Denis Diderot (1713-1784), ay nagtanggol sa katotohanan at pagiging natural sa entablado. Bilang karagdagan sa isang bilang ng mga dula ("Bad Son", "Ama ng Pamilya", atbp.), Sumulat si Diderot ng isang treatise na "The Paradox of the Actor", kung saan binuo niya ang teorya ng pag-arte.

Sa pagtatanghal ng mga nakakapagpapaliwanag na trahedya ni Voltaire, ang mga aktor ng isang bagong uri ay dumating sa unahan, na may kakayahang ipahayag ang civic pathos ng heroic at accusatory theme.

Ang isang malaking lugar sa pag-unlad ng teatro ng Enlightenment sa France ay inookupahan ng fairground at boulevard theaters. Ang genre ng patas na teatro ay pantomime, farces, moralidad, fastachtshpils, ang mga pagtatanghal na kung saan ay batay sa sining ng improvisasyon. Ang mga ito ay madalas na satirical na pagtatanghal, na may mga elemento ng katawa-tawa at buffoonery, na puno ng bastos na katatawanan. Ang mga mananayaw ng lubid, mga juggler, at mga sinanay na hayop, ang mga prototype ng mga aktor ng sirko, ay nagtanghal din sa mga perya. Ginamit nila nang husto ang parody at satire. Ang demokratikong katangian ng sining na ito ay nagbunsod ng mga pag-atake dito ng mga may pribilehiyong mga sinehan.

Pagbuo ng teatro ng Aleman.

Ang pinakakilalang Aleman na manunulat-edukador na si Gotthold-Ephraim Lessing (1729-1781) ay ang tunay na lumikha ng pambansang teatro ng Aleman. Nilikha niya ang unang pambansang komedya ng Aleman na "Minna von Barnholm", ang anti-pyudal na trahedya na "Emilia Galotti" at maraming iba pang mga dramatikong gawa. Sa trahedya sa edukasyon na si Nathan the Wise, nagsalita ang may-akda laban sa panatisismo sa relihiyon.

Sa sikat na aklat na "Hamburg Dramaturgy" ay binalangkas ni Lessing ang kanyang mga opinyon sa aesthetics at teorya ng drama. Si G. E. Lessing ang lumikha ng social drama, national comedy at educational tragedy, theater theorist, founder ng realistic trend sa German theater noong ika-18 siglo.

Ang mga ideya sa paliwanag ay may malaking impluwensya sa pag-arte ng Aleman, na inilapit ito sa pagiging totoo. Ang pinakatanyag na aktor sa Alemanya sa mga taong ito ay si Friedrich Ludwig Schroeder (1744-1816), na nauugnay sa mga ideya ng "bagyo at stress". Noong dekada 70. Ika-18 siglo sa sining ng Aleman, isang bagong uso ang lumitaw sa ilalim ng pangalang "bagyo at pagsalakay".

Sinasalamin nito ang kilusan ng pinaka-advanced, rebolusyonaryong mga bilog ng burgesya, na lumaban laban sa pyudalismo at absolutismo. Ang pinakadakilang makatang Aleman at manunulat ng dulang sina Goethe at Schiller ay lumahok sa kasalukuyang ito. Noong 1777, binuksan ang Mannheim National Theater, na naging isa sa pinakamalaking teatro ng Aleman noong 80s at 90s. Noong ika-18 siglo, ang aktibidad ng aktor, direktor at playwright na si A. V. Iffland ay nabuksan dito. Nagtanim siya ng burges-philistine na drama sa entablado ng Mannheim (kanyang sariling mga dula, pati na rin ang mga dula ni A. Kotzebue), na nagpasiya sa malikhaing mukha ng teatro.

Sa pagtatapos ng siglo XVIII. ang pag-unlad ng teatro ng Aleman ay nauugnay sa mga aktibidad ng mga dakilang manunulat ng dulang Aleman na sina J. W. Goethe at F. Schiller sa teatro ng Weimar. Dito sa unang pagkakataon sa Germany itinanghal pangunahing mga gawa mundo klasikal na dramaturgy (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire at iba pa), ang mga pundasyon ng pagdidirekta ng sining ay inilatag, ang prinsipyo ng isang grupo ng mga aktor na nasasakop sa isang solong artistikong paglilihi ay ipinatupad.

Goethe sa kanyang teoretikal na programa at artistikong kasanayan, pinagtibay niya ang mga prinsipyo ng paglikha ng isang monumental na teatro na nakakatugon sa mahigpit na pamantayan ng sinaunang sining. Ang "Weimar school" ng pag-arte ay kabaligtaran ng paaralan ng Mannheim at lumapit sa klasiko.

Italyano na teatro.

Sa kabila ng pagkaatrasado sa ekonomiya at pulitika, ang Italya ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan at pagkakaiba-iba ng buhay teatro. Pagsapit ng ika-18 siglo Ang Italya ay nagtataglay ng pinakamahusay na musikal na teatro sa mundo, kung saan ang dalawang uri ay nakikilala - seryosong opera at komiks opera(mahilig sa opera). Nagkaroon ng papet na teatro, ang mga pagtatanghal ng commedia dell'arte ay ibinigay sa lahat ng dako.

Gayunpaman, ang reporma ng drama theater ay namumuo sa mahabang panahon. Sa Panahon ng Enlightenment, hindi na natutugunan ng impromptu comedy ang mga kinakailangan ng panahon. Isang bago, seryoso, pampanitikan na teatro ang kailangan. Ang komedya ng mga maskara ay hindi maaaring umiral sa dating anyo nito, ngunit ang mga nagawa nito ay kailangang mapanatili at maingat na ilipat sa bagong teatro.

Ang pagtagos ng mga ideya ng Enlightenment sa teatro ng Italyano ay sinamahan ng mahabang pakikibaka laban sa pormalismo at kakulangan ng mga ideya sa entablado ng teatro. Ang isang innovator sa Italya ay ang kahanga-hangang manunulat ng dulang si Carlo Goldoni (1707-1793). Ginawa niya bagong komedya mga karakter. Sa halip na improvisasyon, ang pagtatanghal ay batay sa isang tekstong pampanitikan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-18 siglo ay pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang panahon ng mga digmaang teatro. Siya ay tinutulan ng abbe Chiari, isang katamtaman na manunulat ng dula at samakatuwid ay hindi mapanganib, ngunit ang kanyang pangunahing kalaban, na katumbas sa kanya sa talento, ay si Carlo Gozzi. Dumating si Gozzi sa pagtatanggol sa teatro ng mga maskara, na nagtatakda ng gawain ng muling pagbuhay sa tradisyon ng impromptu comedy. At sa ilang yugto ay tila nagtagumpay siya. At bagama't nag-iwan ng puwang si Goldoni para sa improvisasyon sa kanyang mga komedya, at si Gozzi mismo sa kalaunan ay naitala ang halos lahat ng kanyang mga dramatikong gawa, ang kanilang pagtatalo ay malupit at walang kompromiso. Dahil ang pangunahing ugat ng paghaharap sa pagitan ng dalawang mahusay na Venetian ay ang kanilang hindi pagkakatugma. pampublikong posisyon, sa magkaibang pananaw sa mundo at sa tao.

Si Carlo Gozzi (1720-1806) ay isang mahuhusay na manunulat ng dula. Sa pagsisikap na tutulan ang mga komedya ni Goldoni gamit ang kanyang sariling repertoire, binuo ni Gozzi ang genre ng theatrical fairy tale. Ito ang kanyang mga dulang "The Love for Three Oranges", "The Deer King", ang sikat na "Princess Turandot", "The Snake Woman" at iba pa. Salamat sa mayamang kabalintunaan at makatas na katatawanan, matagumpay pa rin ngayon ang mga mahuhusay na kuwento ni Gozzi para sa entablado.

Ang pinakadakilang may-akda ng mga trahedya ay si Vittorio Alfieri. Ang kapanganakan ng trahedya ng repertoryong Italyano ay konektado sa kanyang pangalan. Lumikha siya ng isang trahedya ng sibilyan na nilalaman na halos nag-iisa. Isang madamdaming makabayan na nangarap ng pagpapalaya ng kanyang tinubuang-bayan, sinalungat ni Alfieri ang paniniil. Ang lahat ng kanyang mga trahedya ay puno ng kabayanihan ng pakikibaka para sa kalayaan.

Nagtalo si Alfieri na ang mga tao ay dapat tumanggap ng kalayaan mula sa mga kamay ng aristokrasya, iginiit ang kalayaan ng tao, na ang kalooban ay napapailalim lamang sa katwiran at isang pakiramdam ng tungkulin. Sa treatise na "On the Sovereign and Literature" (1778-86), tinukoy ni Alfieri ang gawain ng dramatikong tula bilang ang paggising ng damdamin ng kabutihan at pagmamahal sa kalayaan. Ang mga trahedya ni Alfieri na "Saul", "Philip", "Virginia", "Brutus I" at "Brutus II" ay nag-ambag sa pag-unlad ng teatro ng Italyano.

Danish na teatro ng Enlightenment.

Ang propesyonal na teatro sa Denmark ay lumitaw noong ika-18 siglo, ang paglikha nito ay sanhi ng pag-unlad ng ekonomiya at kultura ng bansa. Noong Setyembre 23, 1722, binuksan ang teatro na "Danish Stage" sa Copenhagen kasama ang dulang "The Miser", hindi nagtagal ay naganap ang premiere ng unang komedya ni L. Holberg na "The Tin Man-Politician".

Noong 1728, nakamit ng mga kinatawan ng mga lupon ng korte ang pagsasara ng Danish Stage. Ang teatro ay nagpatuloy lamang sa trabaho noong 1748 (sa isang silid sa Royal Square). Noong 1770, natanggap niya ang titulong Royal at nasa ilalim ng hurisdiksyon ng Ministri ng Hukuman. Sa ikalawang kalahati ng siglo XVIII. ang teatro ay nagtanghal ng singspiel, mga komedya ni J. Ewald, mga trahedya ni Voltaire at ng kanyang mga Danish na epigone, ngunit ang dramaturhiya ni Holberg ay patuloy na naging batayan ng repertoire ng teatro.

Ang isang kilalang papel sa pagtataguyod ng mga ideya ng Enlightenment sa Denmark ay ginampanan ng gawa ni J. X. Wessel, ang may-akda ng parody na trahedya na Love Without Stockings (1772), na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Holberg.

Ang teatro ng Enlightenment ay isa sa mga pinakakapansin-pansin at makabuluhang phenomena sa kasaysayan ng buong kultura ng mundo; ito ay isang malakas na pinagmumulan ng European theatrical art - para sa lahat ng oras. Ang bagong teatro ay ipinanganak mula sa pangangailangan na ibuhos ang batang enerhiya sa pagkilos. At kung tatanungin mo ang iyong sarili, sa anong larangan ng sining ang dapat na ibuhos ng aksyon na ito, ito ay isang dagat ng kasiyahan, kung gayon ang sagot ay malinaw: siyempre, sa globo ng teatro.

Noong ika-18 siglo ang teatro sa Europa ay nabuhay ng mahaba at masalimuot na buhay. Ang mga aesthetic na kaugalian, na itinuturing na ganap, ay nawala ang kanilang dating kahalagahan sa panahong ito. Ang mga opinyon at panlasa ay nasa walang tigil na paghaharap sa loob ng isang siglo, ang mga auditorium ay higit sa isang beses na naging isang arena ng mga pag-aaway sa lipunan. Ang mga may-akda ay kumilos bilang mga kalaban sa pulitika, na sa unang pagkakataon ay nalaman na ang isang mabangis na pakikibaka ay maaari ding umiral sa kanilang sining.

Ang teatro bilang isang anyo ng sining ay hindi napanatili sa mga materyal na monumento tulad ng pagpipinta at eskultura, bilang mga gawa ng panitikan at musika. Ngunit ang kasaysayan ng teatro ay nagsasabi tungkol sa mga magagaling na aktor ng nakaraan, kung paano sila naglalaro, kung ano ang mga hangarin ng kanilang mga kasabayan na kanilang kinatawan sa kanilang pagganap, kung ano ang mga hinihingi ng oras na kanilang tinugon.

Buhay sa teatro Russia XIX siglo.

Sa simula ng ika-19 na siglo, nabuo ang isang network ng mga teatro ng Russian Imperial, na pinamamahalaan ni
"Ministry of the Court of His Imperial Majesty". Ang hukuman ay may tatlong mga sinehan sa St. Petersburg - Alexandrinsky, Mariinsky at Mikhailovsky - at dalawa sa Moscow - ang Bolshoi at Maly na mga sinehan.

Sa pagdating ng mga dula ni A.N. Ostrovsky, I.S. Turgenev, prosa ni F.M. Ang tula ni Dostoevsky ng Nekrasov realism ay dumating sa kultura ng Russia.

Nagbago ang pag-arte kasama ang dramaturgy, sinira ang mga lumang ideya tungkol sa kung ano ang katotohanan sa entablado. Nobyembre 16, 1859 ang araw ng premiere sa Maly Theatre ng dulang "Thunderstorm" ni Ostrovsky. Isang bagyo ang sumiklab sa paligid ng pagtatanghal. Ang unang gumanap ng papel ni Katerina ay ang magandang aktres na si L.P. Nikulina - Kositskaya. Sa mga dula ng Ostrovsky, ang elemento ng buhay na Ruso ay sumabog sa entablado, isang bago, makatas at modernong wika. Sa mga dula ng Ostrovsky, ang mga aktor ng Maly ay nagningning sa lahat ng kasunod na mga dekada. G.N. Fedotova, M.N. Si Yermolova ay mga kahanga-hangang artista ng Maly Theatre.

Ang mga artistang Ruso noong unang kalahati ng ika-19 na siglo M.S. Shchepkin, P.S. Mochalov, V.A. Si Karatygin ay nanatili sa memorya ng mga inapo bilang mga pigura mula sa alamat. Si Shchepkin ay gumanap ng halos 600 mga tungkulin sa mga dula ni Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky at Turgenev. Isa siya sa mga unang nagtatag ng realismo sa teatro ng Russia, nilikha niya ang katotohanan sa entablado ng Russia.

Ang Mochalov ay ang eksaktong kabaligtaran ng Shchepkin. Ginampanan niya ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula ng Russian at Western drama - Shakespeare's Hamlet, Karl Moor sa Schiller's drama na The Robbers, Chatsky sa Woe from Wit.

Sa mga paggawa ng mga dula, ang mga aktor ng Russia ay lumikha ng mga imahe na bumaba sa kasaysayan ng sining ng teatro. Hinangaan ng madla sina Ekaterina Semyonova, Alexei Yakovlev. Ang mga aktor na ito ay ganap na muling nagkatawang-tao sa kinakatawan na tao. Unti-unti, nagsimulang magpakadalubhasa ang Maly Theatre sa mga dramatikong produksyon, at ang Bolshoi sa opera at ballet.

Bolshoi Petrovsky Theater 1825-1853

Ang pagbubukas ng Bolshoi Petrovsky Theatre noong Enero 6, 1825 ay napaka solemne na isinaayos. Ang mga manonood na bumisita sa bagong teatro noong gabing iyon ay nagulat sa pagiging maharlika ng disenyo ng arkitektura at sa pagkakatawang-tao nito, ang hindi pa nagagawang sukat ng gusali, at ang kagandahan ng dekorasyon ng auditorium nito.

Naalala ng manunulat na si Sergei Aksakov: "Ang Bolshoi Petrovsky Theater, na bumangon mula sa mga luma, nasunog na mga guho ... ay namangha at nagpasaya sa akin ... Isang napakagandang malaking gusali, na eksklusibong nakatuon sa aking paboritong sining, na sa hitsura lamang nito ay humantong sa akin sa masayang kaguluhan. ... "

Bago magsimula ang pagtatanghal, tinawag ng mga manonood ang tagabuo ng teatro na si Osip Bove sa entablado at binigyan siya ng palakpakan.

Sa isang maulap na nagyelo na umaga noong Marso 11, 1853, sa hindi malamang dahilan, nagsimula ang sunog sa teatro. Agad na nilamon ng apoy ang buong gusali, ngunit sa sobrang lakas ay sumiklab ang apoy sa entablado at sa auditorium. “Nakakatakot tingnan ang higanteng ito na nagliliyab,” inilarawan ng isang nakasaksi sa apoy. “Nang masunog ito, tila sa aming mga mata ay namamatay ang isang taong mahal namin, na pinagkalooban kami ng pinakamagagandang kaisipan at damdamin . ..”

Ang mga Muscovite ay nakipaglaban sa apoy sa loob ng dalawang araw, at sa ikatlong araw ang gusali ng teatro ay kahawig ng mga guho ng Roman Colosseum. Ang mga labi ng gusali ay umuusok nang halos isang linggo. Ang mga kasuutan sa teatro na nakolekta mula noong katapusan ng ika-18 siglo, mahuhusay na hanay ng entablado, ang archive ng tropa, bahagi ng musical library, at mga bihirang instrumentong pangmusika ay hindi na mababawi sa apoy.

Ang proyekto ng isang bagong gusali ng teatro, na iginuhit ni Propesor A. Mikhailov, ay inaprubahan ni Emperor Alexander I noong 1821, at ang pagtatayo nito ay ipinagkatiwala sa arkitekto na si Osip Bove.

Isa sa pinakamalaking teatro sa Europa, ay itinayo sa site ng isang nasunog na theatrical na gusali, ngunit ang harapan ay nakaharap sa Theater Square...

Bolshoi Theater (1856-1917)

Noong Agosto 20, 1856, ang naibalik na Bolshoi Theater ay binuksan sa presensya ng maharlikang pamilya at mga kinatawan ng lahat ng estado na may opera ni V. Bellini na "The Puritani" na ginanap ng tropang Italyano. Ang Moscow ballet ng panahong ito ay may utang sa tagumpay nito sa talento ng Pranses na si Marius Petipa, na nanirahan sa St. Ang koreograpo ay paulit-ulit na dumating sa Moscow para sa mga pagtatanghal sa entablado. Ang pinakamahalaga sa kanyang mga gawa sa Moscow ay ang "Don Quixote" ni L. Minkus, na unang ipinakita noong 1869. Kasunod nito, inilipat ni Petipa ang edisyon ng Moscow ng ballet na ito sa yugto ng St. Petersburg.

Ang malaking kahalagahan para sa pagpapaunlad ng kulturang gumaganap ay ang gawain ni P. Tchaikovsky. Ang mga debut ng kompositor sa opera music - "Voevoda" (1869) at ballet - " Swan Lake"(1877) ay naganap sa entablado ng Bolshoi Theater. Dito natanggap ng opera na Eugene Onegin (1881) ang tunay na kapanganakan nito, ang unang pagsubok para sa malaking entablado pagkatapos ng produksyon ng Conservatory noong 1879; ang opera na Mazepa (1884), isa sa mga tuktok ng opera ng kompositor, ay nakakita ng liwanag ng araw sa unang pagkakataon; ang huling bersyon ng opera na The Blacksmith Vakula, na sa pagganap noong 1887 ay natanggap ang bagong pangalan na Cherevichki.

Ang isang di-malilimutang pagganap sa mga talaan ng teatro ay ang unang pagtatanghal noong Disyembre 16, 1888 ng katutubong drama ni I. Mussorgsky na "Boris Godunov". Ang una sa mga opera ni N. Rimsky-Korsakov ay The Snow Maiden (1893), na sinundan ng The Night Before Christmas (1898). Sa parehong 1898, ang teatro sa unang pagkakataon ay nagpakita sa madla ng opera na "Prince Igor" ni A. Borodin, at pagkaraan ng dalawang taon, ang mga mahilig sa choreographic art ay nakilala ang ballet na "Raymonda" ni A. Glazunov.

Ang opera troupe ng teatro ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo ay kinabibilangan ng maraming natitirang mang-aawit. Kabilang sa mga maluwalhating pangalan ng mga nakaraang taon ay sina Evlalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov at iba pa. Ang mga mang-aawit ay lumitaw sa entablado ng teatro sa mga taong ito, na ang mga pangalan ay lalong kilala hindi lamang sa Russia, ngunit at sa ibang bansa - Leonid Sobinov, Fedor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Mabunga ang aktibidad sa teatro ni Sergei Rachmaninov, na nagpahayag ng kanyang sarili sa kinatatayuan ng konduktor. magaling na musikero. Pinahusay ni Rachmaninoff ang kalidad ng tunog ng mga klasikong opera ng Russia sa teatro. Sa pamamagitan ng paraan, ang pangalan ng Rachmaninov ay nauugnay sa paglipat ng console ng conductor sa lugar kung saan ito ngayon, bago tumayo ang konduktor sa likod ng orkestra, nakaharap sa entablado.

Noong 1899, pinalabas ang The Sleeping Beauty sa Bolshoi Theatre. Ang pagtatanghal ng ballet na ito, na nagtatag ng komonwelt ng musika at sayaw sa Russian teatro ng ballet, ay ang simula ng isang mahaba at masayang gawain sa Moscow ng koreograpo, librettist at guro na si Alexander Gorsky. Ang isang malaking pangkat ng mga mahuhusay na artista ay nagtrabaho sa kanya - sina Ekaterina Geltser, Vera Karalli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, konduktor at kompositor na si Andrey Arende at iba pa. bagong produksyon ballet na "Don Quixote" (1900) Unang inimbitahan ni Gorsky ang mga batang artista na sina Konstantin Korovin at Alexander Golovin, ang hinaharap na mahusay na mga master ng theatrical painting.

1911 Sa kompetisyon para sa restoration project ng theater building, nanalo ang planong isinumite ni Albert Kavos.

Ang Kavos, na nagpapanatili ng layout at dami ng gusali ng Beauvais, ay nagtaas ng taas, binago ang mga proporsyon at muling idinisenyo ang palamuti ng arkitektura. Sa partikular, ang mga payat na cast-iron na gallery na may mga lamp ay itinayo sa mga gilid ng gusali. Napansin ng mga kontemporaryo ang hitsura ng colonnade na ito, lalo na maganda sa gabi, kapag tiningnan mo ito mula sa malayo, at ang isang hanay ng mga nasusunog na lampara ay tila isang sinulid na brilyante na tumatakbo sa tabi ng teatro.

Ang grupo ng alabastro ni Apollo, na pinalamutian ang Beauvais Theatre, ay namatay sa apoy. Upang lumikha ng isang bagong Cavos, inanyayahan niya ang sikat na iskultor ng Russia na si Pyotr Klodt (1805-1867), ang may-akda ng sikat na apat na grupo ng mangangabayo sa Anichkov Bridge sa kabila ng Fontanka River sa St.

Nilikha ni Klodt ang sikat na ngayon sa buong mundo na pangkat ng iskultura kasama si Apollo. Ito ay inihagis sa mga pabrika ng Duke ng Lichtenberg mula sa isang metal na haluang metal, electroplated na may pulang tanso.

Sa panahon ng muling pagtatayo ng auditorium, binago ni Kavos ang hugis ng bulwagan, pinaliit ito sa entablado, pinalalim ang hukay ng orkestra. Sa likod ng mga upuan ng parterre, kung saan dati ay may gallery, inayos niya ang isang amphitheater. Ang mga sukat ng auditorium ay naging: halos pantay na lalim at lapad - mga 30 metro, taas - mga 20 metro. Ang auditorium ay nagsimulang tumanggap ng higit sa 2000 mga manonood.

Sa form na ito, ang Bolshoi Theater ay nakaligtas hanggang sa araw na ito, maliban sa maliliit na panloob at panlabas na muling pagtatayo.

Ang teatro ay isang himala ng mundo ng mga tao.