Mga modernong kuwadro na gawa na may mga paglalarawan. Aralin sa Anatomy mula kay Michelangelo

"Mona Lisa". Leonardo da Vinci 1503–1506

Isa sa pinakakilala at sikat na painting sa mundo, ang buong pangalan nito ay Portrait of Madame Lisa del Giocondo. Inilalarawan ng larawan ang Italyano na si Lisa del Giocondo, isang kinatawan ng gitnang klase ng Renaissance, ang ina ng anim na anak. Ang modelo ay nag-ahit ng mga kilay at buhok sa tuktok ng kanyang noo, na tumutugma sa Quattrocento fashion. Itinuring ni Leonardo da Vinci ang larawang ito na isa sa kanyang mga paboritong gawa, madalas na inilarawan ito sa kanyang mga tala at walang alinlangan na itinuturing na kanyang pinakamahusay na gawa. Ang pagpipinta na ito ay nararapat na nangunguna sa listahan ng mga pinakasikat na painting sa mundo.

"Kapanganakan ni Venus" Sandro Botticelli 1482 - 1486

Isang mahusay na paglalarawan ng alamat ng kapanganakan ni Aphrodite. Ang hubad na Venus ay tumungo sa lupa sa isang shell, na hinimok ng western wind Zephyr, ang hangin na may halong mga bulaklak - ito ay sumisimbolo sa tagsibol at kagandahan. Sa baybayin, sinalubong si Aphrodite ng isa sa mga diyosa ng kagandahan. Matapos malikha ang pagpipinta na ito, natanggap ng artist na si Botticelli pandaigdigang pagkilala, ang kanyang kakaibang istilo ng pagsulat ay nakatulong sa kanya sa bagay na ito; siya ay namumukod-tangi sa kanyang mga kapanahon sa kanyang mga lumulutang na ritmo, na hindi ginamit ng sinuman maliban sa kanya.

"Ang Paglikha ni Adan". Michelangelo 1511

Nakalagay sa kisame Sistine Chapel, ang pang-apat sa siyam na gawa sa serye. Nilinaw ni Michelangelo ang unreality ng symbiosis ng langit at tao; ayon sa artist, ang imahe ng Diyos ay hindi naglalaman ng kahanga-hanga makalangit na kapangyarihan, ngunit malikhaing enerhiya na maaaring mailipat nang hindi hinahawakan.

"Pagpasok sa umaga kagubatan ng pino" Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky 1889

"Girl on the Ball". Pablo Picasso noong 1905

Isang larawan ng mga contrast. Ito ay naglalarawan ng isang stopover ng isang naglalakbay na sirko sa isang pinaso na disyerto. Ang mga pangunahing tauhan ay masyadong magkakaibang: Isang malakas, malungkot, monolitikong lalaki ang nakaupo sa isang kubo. Sa oras na iyon, sa tabi niya, sa isang bola, isang marupok at nakangiting batang babae ang nagbabalanse.

"Ang huling araw ng Pompeii". Karl Bryullov noong 1833

Sa isang pagbisita sa Pompeii noong 1828, gumawa si Bryulov ng maraming sketch at sketch, alam na niya kung ano ang magiging hitsura ng huling gawain. Ang pagpipinta ay ipinakita sa Roma, ngunit pagkatapos ay inilipat ito sa Louvre, kung saan maraming mga kritiko at mga istoryador ng sining ang humanga sa talento ni Karl, matapos ang gawaing ito ay dumating sa kanya. klasikong mundo, ngunit sa kasamaang-palad, iniuugnay lamang ng karamihan sa mga tao ang kanyang trabaho sa larawang ito.

Isa sa mga pinakakilalang painting

"Gabing Liwanag ng Bituin". Vincent van Gogh noong 1889

Pagpipinta ng kulto Dutch artist, na isinulat niya mula sa kanyang mga alaala (na hindi tipikal para kay Van Gogh), dahil sa oras na iyon siya ay nasa ospital. Pagkatapos ng lahat, kapag lumipas ang mga pag-atake ng galit, siya ay sapat na at maaaring gumuhit. Upang gawin ito, ang kanyang kapatid na si Theo ay sumang-ayon sa mga doktor, at pinahintulutan nila siyang magtrabaho sa mga pintura sa ward. Bakit pinutol ni Van Gogh ang kanyang tainga? Basahin sa aking artikulo.

"Ang Ikasiyam na Alon" Ivan Aivazovsky noong 1850

Isa sa mga pinakasikat na painting sa isang marine theme (marina). Si Aivazovsky ay mula sa Crimea, kaya hindi mahirap ipaliwanag ang kanyang pagmamahal sa tubig at dagat. Ang ikasiyam na alon - masining na imahe, hindi maiiwasang panganib at tensyon, maaari ring sabihin ng isa: ang kalmado bago ang bagyo.

"Girl with a Pearl Earring." Jan Vermeer 1665

Isang iconic na eksena ng isang Dutch artist, tinatawag din itong Dutch Mona Lisa. Ang gawaing ito ay hindi ganap na portrait, ngunit sa mas malaking lawak nabibilang sa "troni" genre, kung saan ang diin ay hindi sa larawan ng isang tao, ngunit sa kanyang ulo. Ang babaeng may perlas na hikaw ay sikat sa modernong kultura, ilang pelikula na rin ang ginawa tungkol sa kanya.

"Impresyon. Sumisikat na araw» Claude Monet 1872

Ang pagpipinta na nagbunga ng genre na "impresyonismo". Ang tanyag na mamamahayag na si Louis Leroy, pagkatapos bumisita sa isang eksibisyon na may ganitong gawain, ay dinurog si Claude Monet, isinulat niya: "ang wallpaper na nakasabit sa dingding ay mukhang mas tapos kaysa sa "Impression" na ito. Ito ay itinuturing na isang kanonikal na kinatawan ng genre, na mas sikat kaysa sa maraming iba pang mga pagpipinta ng mahusay na mga artista.

Pagkatapos ng salita at maliit na kahilingan

Kung nakita mong kapaki-pakinabang ang materyal na ito at nagustuhan mo ito, mangyaring sabihin sa iyong mga kaibigan sa pahinang ito! Ito ay lubos na makakatulong sa pagbuo ng site at kaluguran ka sa mga bagong materyales! Kung nais mong mag-order ng isang kopya ng isang sikat na pagpipinta, pagkatapos ay bisitahin ang pahinang Paano bumili ng isang pagpipinta. Madalas na nangyayari na ang isang tao sa una ay interesado mga sikat na painting, at pagkatapos ay gustong magkaroon ng kopya ng obra maestra sa kanyang dingding.

Kung sa tingin mo ang lahat ng magagaling na artista ay nasa nakaraan na, kung gayon wala kang ideya kung gaano ka mali. Sa artikulong ito matututunan mo ang tungkol sa pinakasikat at mga mahuhusay na artista pagiging makabago. At, maniwala ka sa akin, ang kanilang mga gawa ay mananatili sa iyong memorya nang hindi gaanong malalim kaysa sa mga gawa ng mga maestro mula sa mga nakaraang panahon.

Wojciech Babski

Si Wojciech Babski ay isang kontemporaryong Polish na pintor. Natapos niya ang kanyang pag-aaral sa Silesian Polytechnic Institute, ngunit iniugnay ang kanyang sarili sa. SA Kamakailan lamang gumuguhit pangunahin ang mga babae. Nakatuon sa pagpapahayag ng mga emosyon, nagsusumikap na makuha ang pinakamalaking posibleng epekto gamit ang mga simpleng paraan.

Mahilig sa kulay, ngunit madalas na gumagamit ng mga kulay ng itim at kulay abo upang makamit ang pinakamahusay na impression. Hindi natatakot na mag-eksperimento sa iba't ibang mga bagong pamamaraan. Kamakailan, tumataas ang katanyagan niya sa ibang bansa, pangunahin sa UK, kung saan matagumpay niyang naibenta ang kanyang mga gawa, na makikita na sa maraming pribadong koleksyon. Bilang karagdagan sa sining, interesado siya sa kosmolohiya at pilosopiya. Nakikinig ng jazz. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Katowice.

Warren Chang

Warren Chang - moderno Amerikanong artista. Ipinanganak noong 1957 at lumaki sa Monterey, California, nagtapos siya ng mga karangalan mula sa Art Center College of Design sa Pasadena noong 1981, kung saan nakatanggap siya ng BFA. Sa susunod na dalawang dekada, nagtrabaho siya bilang isang ilustrador para sa iba't ibang kumpanya sa California at New York bago nagsimula sa isang karera bilang isang propesyonal na artista noong 2009.

Ang kanyang mga makatotohanang pagpipinta ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing kategorya: mga biographical na interior painting at mga painting na naglalarawan sa mga tao sa trabaho. Ang kanyang interes sa istilong ito ng pagpipinta ay nagsimula pa noong akda ng 16th century artist na si Johannes Vermeer, at umaabot sa mga paksa, self-portraits, portrait ng mga miyembro ng pamilya, kaibigan, estudyante, studio interior, silid-aralan at tahanan. Ang layunin nito ay makatotohanang mga pagpipinta lumikha ng mood at damdamin sa pamamagitan ng pagmamanipula ng liwanag at paggamit ng mga naka-mute na kulay.

Naging tanyag si Chang pagkatapos lumipat sa tradisyonal na sining. Sa nakalipas na 12 taon, nakakuha siya ng maraming mga parangal at parangal, na ang pinakaprestihiyoso ay ang Master Signature mula sa Oil Painters of America, ang pinakamalaking komunidad ng oil painting sa United States. Isang tao lamang sa 50 ang binibigyan ng pagkakataong makatanggap ng parangal na ito. Kasalukuyang nakatira si Warren sa Monterey at nagtatrabaho sa kanyang studio, at nagtuturo din siya (kilala bilang isang mahuhusay na guro) sa San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – artistang Italyano. Ipinanganak sa Blair, Oktubre 15, 1955. Nakatanggap siya ng diploma sa scenography mula sa Institute of Art sa Spoleto. Bilang isang artista, siya ay nagtuturo sa sarili, habang siya ay nakapag-iisa na "nagtayo ng isang bahay ng kaalaman" sa pundasyon na inilatag sa paaralan. Nagsimula siyang magpinta sa mga langis sa edad na 19. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Umbria.

Ang mga unang pagpipinta ni Bruni ay nag-ugat sa surrealismo, ngunit sa paglipas ng panahon ay nagsisimula siyang tumuon sa kalapitan ng liriko na romantikismo at simbolismo, na pinahusay ang kumbinasyong ito sa katangi-tanging pagiging sopistikado at kadalisayan ng kanyang mga karakter. Ang mga animated at walang buhay na bagay ay nakakakuha ng pantay na dignidad at mukhang halos hyper-realistic, ngunit sa parehong oras ay hindi sila nagtatago sa likod ng isang kurtina, ngunit pinapayagan kang makita ang kakanyahan ng iyong kaluluwa. Ang versatility at sophistication, sensuality at kalungkutan, pagiging maalalahanin at pagiging mabunga ang diwa ni Aurelio Bruni, na pinalusog ng karilagan ng sining at pagkakatugma ng musika.

Aleksander Balos

Si Alkasander Balos ay isang kontemporaryong Polish na artist na dalubhasa sa oil painting. Ipinanganak noong 1970 sa Gliwice, Poland, ngunit mula noong 1989 ay nanirahan siya at nagtrabaho sa USA, sa Shasta, California.

Noong bata pa siya, nag-aral siya ng sining sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama na si Jan, isang self-taught artist at sculptor, kaya siya maagang edad, masining na aktibidad nakatanggap ng buong suporta mula sa parehong mga magulang. Noong 1989, sa edad na labing-walo, umalis si Balos sa Poland patungo sa Estados Unidos, kung saan siya guro sa paaralan at ang part-time artist na si Katie Gaggliardi ay hinikayat si Alkasander na mag-enroll paaralan ng sining. Pagkatapos ay nakatanggap si Balos ng isang buong iskolar sa Unibersidad ng Milwaukee, Wisconsin, kung saan nag-aral siya ng pagpipinta kasama ang propesor ng pilosopiya na si Harry Rozin.

Matapos makapagtapos noong 1995 na may bachelor's degree, lumipat si Balos sa Chicago upang pumasok sa paaralan sining biswal na ang mga pamamaraan ay batay sa pagkamalikhain Jacques-Louis David. Ang matalinghagang realismo at portraiture ay nabuo karamihan Mga gawa ni Balos noong dekada 90 at unang bahagi ng 2000s. Ngayon, ginagamit ni Balos ang pigura ng tao upang i-highlight ang mga katangian at pagkukulang ng pagkakaroon ng tao, nang hindi nag-aalok ng anumang mga solusyon.

Ang mga komposisyon ng paksa ng kanyang mga kuwadro na gawa ay inilaan upang malayang bigyang-kahulugan ng manonood, pagkatapos lamang makuha ng mga kuwadro ang kanilang tunay na temporal at subjective na kahulugan. Noong 2005, lumipat ang artist sa Northern California, mula noon ang paksa ng kanyang trabaho ay lumawak nang malaki at kasama na ngayon ang mga mas libreng pamamaraan ng pagpipinta, kabilang ang abstraction at iba't ibang mga istilo ng multimedia na tumutulong sa pagpapahayag ng mga ideya at ideals ng pagkakaroon sa pamamagitan ng pagpipinta.

Alyssa Monks

Si Alyssa Monks ay isang kontemporaryong Amerikanong artista. Ipinanganak noong 1977, sa Ridgewood, New Jersey. Nagsimula akong maging interesado sa pagpipinta noong bata pa ako. Nag-aral sa New School sa New York at Pambansang Unibersidad Montclair at nagtapos sa Boston College noong 1999 na may B.A. Kasabay nito, nag-aral siya ng pagpipinta sa akademya Lorenzo Medici sa Florence.

Pagkatapos ay ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa master's degree program sa New York Academy of Art, sa departamento ng Figurative Art, nagtapos noong 2001. Nagtapos siya sa Fullerton College noong 2006. Sa loob ng ilang panahon ay nagturo siya sa mga unibersidad at institusyong pang-edukasyon sa buong bansa, nagturo siya ng pagpipinta sa New York Academy of Art, gayundin sa Montclair State University at Lyme Academy of Art College.

"Gamit ang mga filter tulad ng salamin, vinyl, tubig at singaw, binabaluktot ko katawan ng tao. Nagbibigay-daan sa iyo ang mga filter na ito na lumikha malalaking lugar abstract na disenyo, na may mga isla ng kulay na sumisilip - mga bahagi ng katawan ng tao.

Binabago ng aking mga kuwadro na gawa ang makabagong pananaw sa mga nakatatag na, tradisyonal na pose at kilos ng mga babaeng naliligo. Marami silang masasabi sa isang matulungin na manonood tungkol sa mga bagay na tila nakikita sa sarili gaya ng mga benepisyo ng paglangoy, pagsasayaw, at iba pa. Ang aking mga character ay pinindot laban sa salamin ng shower window, distorting sariling katawan, napagtatanto na sa gayo'y naiimpluwensyahan nila ang kilalang tingin ng lalaki sa isang hubad na babae. Ang makapal na layer ng pintura ay pinaghalo upang gayahin ang salamin, singaw, tubig at laman mula sa malayo. Gayunpaman, sa malapitan, ang kamangha-manghang pisikal na katangian pintura ng langis. Sa pamamagitan ng pag-eksperimento sa mga layer ng pintura at kulay, nakahanap ako ng isang punto kung saan ang abstract brushstrokes ay nagiging ibang bagay.

Noong una kong sinimulan ang pagpinta sa katawan ng tao, agad akong nabighani at nahumaling pa dito at naniwala na kailangan kong gawing makatotohanan ang aking mga pagpipinta hangga't maaari. Ako ay "nagpahayag" ng pagiging totoo hanggang sa nagsimula itong maglahad at magbunyag ng mga kontradiksyon sa sarili nito. Ine-explore ko na ngayon ang mga posibilidad at potensyal ng isang istilo ng pagpipinta kung saan nagtatagpo ang representasyonal na pagpipinta at abstraction - kung ang parehong mga estilo ay magkakasabay na mabubuhay sa parehong sandali, gagawin ko ito."

Antonio Finelli

artistang Italyano – “ Tagamasid ng Oras” – Si Antonio Finelli ay ipinanganak noong Pebrero 23, 1985. Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Italya sa pagitan ng Roma at Campobasso. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa ilang mga gallery sa Italya at sa ibang bansa: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, at maaari ding matagpuan sa pribado at pampublikong mga koleksyon.

Mga guhit na lapis" Tagamasid ng Oras"Dinala tayo ni Antonio Finelli sa isang walang hanggang paglalakbay panloob na mundo temporality ng tao at ang nauugnay na masusing pagsusuri sa mundong ito, ang pangunahing elemento nito ay ang paglipas ng panahon at ang mga bakas na ginagawa nito sa balat.

Si Finelli ay nagpinta ng mga larawan ng mga tao sa anumang edad, kasarian at nasyonalidad, na ang mga ekspresyon ng mukha ay nagpapahiwatig ng paglipas ng panahon, at inaasahan din ng artist na makahanap ng katibayan ng kawalang-awa ng oras sa mga katawan ng kanyang mga karakter. Tinukoy ni Antonio ang kanyang mga gawa sa isang pangkalahatang pamagat: "Self-portrait", dahil sa kanyang mga guhit na lapis ay hindi lamang niya inilalarawan ang isang tao, ngunit pinapayagan ang manonood na magnilay-nilay. tunay na resulta ang paglipas ng panahon sa loob ng isang tao.

Flaminia Carloni

Si Flaminia Carloni ay isang 37-taong-gulang na artistang Italyano, anak ng isang diplomat. Mayroon siyang tatlong anak. Siya ay nanirahan sa Roma sa loob ng labindalawang taon, at sa loob ng tatlong taon sa England at France. Nakatanggap siya ng degree sa art history mula sa BD School of Art. Pagkatapos ay nakatanggap siya ng diploma bilang isang art restorer. Bago mahanap ang kanyang pagtawag at italaga ang kanyang sarili nang buo sa pagpipinta, nagtrabaho siya bilang isang mamamahayag, colorist, designer, at artista.

Ang hilig ni Flaminia sa pagpipinta ay lumitaw sa pagkabata. Ang kanyang pangunahing daluyan ay langis dahil mahilig siyang "coiffer la pate" at paglaruan din ang materyal. Nakilala niya ang isang katulad na pamamaraan sa mga gawa ng artist na si Pascal Torua. Ang Flaminia ay inspirasyon ng mga mahuhusay na master ng pagpipinta tulad nina Balthus, Hopper, at François Legrand, pati na rin ang iba't ibang artistikong paggalaw: street art, Chinese realism, surrealism at Renaissance realism. Ang kanyang paboritong artista ay si Caravaggio. Ang kanyang pangarap ay matuklasan ang therapeutic power ng sining.

Denis Chernov

Denis Chernov - may talento Ukrainian artist, ipinanganak noong 1978 sa Sambir, rehiyon ng Lviv, Ukraine. Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Kharkov paaralan ng sining noong 1998 nanatili siya sa Kharkov, kung saan siya kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho. Nag-aral din siya sa Kharkov akademya ng estado disenyo at sining, departamento ng graphics, nagtapos noong 2004.

Siya ay regular na nakikilahok sa mga eksibisyon ng sining, sa sa sandaling ito higit sa animnapu sa kanila ang naganap, kapwa sa Ukraine at sa ibang bansa. Karamihan sa mga gawa ni Denis Chernov ay nakatago sa mga pribadong koleksyon sa Ukraine, Russia, Italy, England, Spain, Greece, France, USA, Canada at Japan. Ang ilan sa mga gawa ay naibenta sa Christie's.

Gumagana si Denis sa isang malawak na hanay ng mga graphic at mga diskarte sa pagpipinta. Ang mga guhit na lapis ay isa sa kanyang pinakapaboritong pamamaraan ng pagpipinta, isang listahan ng kanyang mga paksa mga guhit na lapis ay napaka-iba't iba, nagpinta siya ng mga landscape, portrait, hubad, mga komposisyon ng genre, mga ilustrasyon ng libro, pampanitikan at makasaysayang pagbabagong-tatag at mga pantasya.

Guys, inilalagay namin ang aming kaluluwa sa site. Salamat para diyan
na natuklasan mo ang kagandahang ito. Salamat sa inspirasyon at goosebumps.
Sumali sa amin sa Facebook At Sa pakikipag-ugnayan sa

Mga artistang Europeo nagsimulang gumamit pintura ng langis noong ika-15 siglo, at mula noon ito ay sa tulong nito na ang pinaka sikat na mga painting sa lahat ng panahon. Ngunit sa mga high-tech na araw na ito, ang langis ay nananatili pa rin ang kagandahan at misteryo nito, at ang mga artista ay patuloy na nag-iimbento ng mga bagong pamamaraan, pinupunit ang amag at tinutulak ang mga hangganan ng modernong sining.

website pumili ng mga gawa na nagpasaya sa atin at nagpaalala sa atin na ang kagandahan ay maaaring ipanganak sa anumang panahon.

Ang may-ari ng hindi kapani-paniwalang kasanayan, ang Polish na artist na si Justyna Kopania, sa kanyang nagpapahayag, nakamamanghang mga gawa, ay nagawang mapanatili ang transparency ng fog, ang liwanag ng layag, at ang makinis na pag-ulog ng barko sa mga alon.
Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kanilang lalim, dami, kayamanan, at ang texture ay tulad na imposibleng alisin ang iyong mga mata sa kanila.

Primitivist artist mula sa Minsk Valentin Gubarev hindi humahabol sa kasikatan at ginagawa lang ang gusto niya. Ang kanyang trabaho ay hindi kapani-paniwalang sikat sa ibang bansa, ngunit halos hindi alam ng kanyang mga kababayan. Noong kalagitnaan ng 90s, umibig ang Pranses sa kanyang pang-araw-araw na sketch at pumirma ng kontrata sa artist sa loob ng 16 na taon. Ang mga pagpipinta, na, tila, ay dapat na maunawaan lamang sa atin, ang mga maydala ng "katamtamang kagandahan ng hindi maunlad na sosyalismo," ay umapela sa publiko sa Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Germany, Great Britain at iba pang mga bansa.

Si Sergei Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at nagtatrabaho sa pinakamahusay na mga tradisyon makatotohanan ang klasikal na paaralang Ruso pagpipinta ng portrait. Ang mga bida sa kanyang mga canvases ay mga babaeng malambing at walang pagtatanggol sa kanilang kalahating kahubaran. Marami sa mga pinakatanyag na pagpipinta ay naglalarawan sa muse at asawa ng artist, si Natalya.

Sa modernong panahon ng mga larawan mataas na resolution at ang pagtaas ng hyperrealism creativity Philip Barlow(Philip Barlow) ay agad na nakakuha ng atensyon. Gayunpaman, kailangan ng isang tiyak na pagsisikap mula sa manonood upang pilitin ang kanyang sarili na tingnan ang malabong silhouette at maliwanag na mga spot sa mga canvases ng may-akda. Ganito marahil ang nakikita ng mga taong may myopia sa mundo nang walang salamin at contact lens.

Ang pagpinta ni Laurent Parcelier ay kamangha-manghang mundo, kung saan walang kalungkutan o kawalan ng pag-asa. Wala kang makikitang makulimlim at maulan na mga larawan mula sa kanya. Maraming liwanag, hangin at Matitingkad na kulay, na inilalapat ng artist na may katangian, nakikilalang mga stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro ay hinabi mula sa isang libong sunbeam.

Ang American artist na si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga dynamic na portrait ng isang modernong metropolis sa langis sa mga wood panel. " Mga abstract na hugis, mga linya, contrast ng liwanag at dark spots- ang lahat ay lumilikha ng isang larawan na pumukaw sa pakiramdam na nararanasan ng isang tao sa karamihan ng tao at pagmamadalian ng lungsod, ngunit maaari ring ipahayag ang kalmado na makikita kapag pinag-iisipan ang tahimik na kagandahan, "sabi ng artist.

Sa mga painting ng British artist na si Neil Simone, walang katulad sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng mga marupok at pabago-bagong mga hugis, anino at mga hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga pagpipinta ang lahat ay tunay na ilusyon at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay malabo, at ang mga kuwento ay dumadaloy sa isa't isa.

Ang kontemporaryong Amerikanong artista na ipinanganak sa Italya na si Joseph Lorasso (

Ang mga koleksyon ng mga museo at gallery ng Moscow ay kabilang sa pinakamayaman sa mundo. Mahigit 150 taon na ang nakalipas Mga pilantropong Ruso at ang mga kolektor ay nagsimulang mangolekta ng pinakamaraming sikat na mga painting mundo, mga natatanging artistikong likha, hindi nagsasayang ng pera o oras sa paghahanap ng talento. At upang hindi ka mawala sa libu-libong mga pagpipinta na ipinakita, pinili namin para sa iyo ang mga sikat na pagpipinta ng mundo na ipinakita sa mga museo at mga gallery sa Moscow

Gallery ng Estado ng Tretyakov

"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov, 1881-1898.

Sa loob ng halos dalawampung taon, nagtrabaho si Viktor Mikhailovich sa isa sa mga pinakadakilang gawa ng sining Russia, isang obra maestra na naging simbolo ng kapangyarihan ng mga mamamayang Ruso. Itinuring ni Vasnetsov ang larawang ito bilang kanyang malikhaing tungkulin, isang obligasyon sa kanyang tinubuang-bayan. Sa gitna ng larawan ay ang tatlong pangunahing tauhan ng mga epikong Ruso: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets at Alyosha Popovich. Ang prototype ni Alyosha Popovich ay naging nakababatang anak Savva Mamontov, ngunit Dobrynya Nikitich - kolektibong imahe ang artista mismo, ang kanyang ama at lolo.

"Hindi Kilala", Ivan Kramskoy, 1883

Isang mystical na larawan, na nababalot ng aura ng misteryo. Maraming beses niyang binago ang kanyang mga may-ari, tulad ng sinabi ng mga kababaihan na kapag nanatili sila malapit sa larawang ito sa loob ng mahabang panahon, nawala ang kanilang kabataan at kagandahan. Nakakapagtataka na kahit si Pavel Tretyakov ay hindi nais na bilhin ito para sa kanyang koleksyon, at ang gawain ay lumitaw sa gallery lamang noong 1925 bilang isang resulta ng nasyonalisasyon ng mga pribadong koleksyon. Lamang sa panahon ng Sobyet Ang "Unknown" ni Kramskoy ay kinilala bilang ideal ng kagandahan at espirituwalidad. Madaling makilala ang Nevsky Prospekt sa background ng pagpipinta, o sa halip ay ang Anichkov Bridge, kung saan ang "hindi kilalang" maganda ay dumaan sa isang eleganteng karwahe. Sino yung babaeng yun? Isa pang misteryong iniwan ng artista. Walang iniwan si Kramskoy sa kanyang pagkatao sa kanyang mga liham o sa kanyang mga talaarawan, at naiiba ang mga bersyon: mula sa anak na babae ng may-akda hanggang sa Anna Karenina ni Tolstoy.

"Umaga sa isang pine forest", Ivan Shishkin at Konstantin Savitsky, 1889

Ilang tao ang nakakaalam na bilang karagdagan kay Ivan Shishkin, isa pang sikat na tao ang nakibahagi sa paglikha ng larawang ito. artistang Ruso, na ang pirma, sa pagpilit ni Pavel Tretyakov, ay nabura. Si Ivan Ivanovich, na may pambihirang talento bilang isang pintor, ay naglalarawan ng kadakilaan ng paggising na kagubatan, ngunit ang paglikha ng mga naglalaro na oso ay kabilang sa brush ng kanyang kasama, si Konstantin Savitsky. Ang larawang ito ay may isa pang tanyag na pangalan - "Three Bears", na lumitaw salamat sa mga sikat na kendi ng pabrika ng Red October.

"Nakaupo na Demonyo", Mikhail Vrubel, 1890

Tretyakov Gallery- isang natatanging lugar para sa mga tagahanga ng gawain ni Mikhail Vrubel, dahil narito ang pinaka puno ng pagpupulong kanyang mga painting. Ang tema ng demonyo, na nagpapakilala sa panloob na pakikibaka ng kadakilaan ng espiritu ng tao na may mga pagdududa at pagdurusa, ay naging pangunahing isa sa gawain ng artista at isang kahanga-hangang kababalaghan sa pagpipinta ng mundo.

Ang "The Seated Demon" ay ang pinakasikat sa mga katulad na larawan Vrubel. Ang pagpipinta ay nilikha na may medyo malaki, matalim na mga stroke ng isang palette kutsilyo, nakapagpapaalaala ng isang mosaic mula sa malayo.

"Boyaryna Morozova", Vasily Surikov, 1884-1887.

Ang epikong makasaysayang canvas, napakalaki sa laki, ay isinulat batay sa "The Tale of Boyarina Morozova," isang kasama ng mga tagasuporta ng lumang pananampalataya. Ang may-akda ay gumugol ng mahabang panahon na naghahanap ng isang angkop na mukha - walang dugo, panatiko, kung saan maaari siyang magsulat ng isang portrait sketch. bida. Naalala ni Surikov na ang susi sa imahe ng Morozova ay ibinigay ng isang uwak na minsan niyang nakita na may napinsalang pakpak, na desperadong tumatalo laban sa niyebe.

"Ivan the Terrible at ang kanyang anak na si Ivan Nobyembre 16, 1581" o "Ivan the Terrible ang pumatay sa kanyang anak", Ilya Repin, 1883-1885.

Ang larawang ito ay hindi nag-iiwan ng sinumang bisita sa gallery na walang malasakit: nagdudulot ito ng pagkabalisa, hindi maipaliwanag na takot, umaakit at sa parehong oras ay nagtataboy, nabighani at nagbibigay ng mga goosebumps. Isinulat ni Repin ang tungkol sa kanyang damdamin ng pagkabalisa at pananabik sa paggawa ng pagpipinta: "Nagtrabaho ako na parang nabigla. Ilang minuto ay naging nakakatakot. Tinalikuran ko ang larawang ito. Itinago mo siya. Ngunit may nagtulak sa akin sa kanya, at muli akong nagtrabaho. Minsan ang panginginig ay dumaan sa akin, at pagkatapos ay ang pakiramdam ng bangungot ay napurol...” Nagawa ng artist na makumpleto ang pagpipinta para sa ika-300 anibersaryo ng pagkamatay ni Ivan the Terrible, ngunit ang obra maestra ay hindi agad na lumitaw sa publiko: sa loob ng tatlong buwan ang pagpipinta ay ipinagbawal ng censorship. Sinabi nila na ang pagpipinta ay misteryosong nagdala ng kapahamakan sa lumikha nito at sa mga taong lumahok sa paglikha nito. Matapos makumpleto ang pagpipinta, nawala ang kamay ni Repin, at ang kaibigan ng artista, na nag-pose para sa pagpipinta sa papel ng pinaslang na si Ivan, ay nabaliw.

"Girl with Peaches", Valentin Serov, 1887

Ang larawang ito ay itinuturing na isa sa mga pinaka-masaya, sariwa at liriko mga kuwadro na gawa huli XIX siglo. Ang kabataan at pagkauhaw sa buhay dito ay nararamdaman sa bawat hagod ng napakabata pa (22 taong gulang) na si Valentin Serov, sa liwanag, banayad na ngiti ni Verochka Mamontova, anak ng isang sikat na negosyante at pilantropo, gayundin sa maliwanag at maaliwalas na silid, ang init nito ay dumaloy sa manonood.

Nang maglaon, si Serov ay naging isa sa mga pinakamahusay na pintor ng larawan, kinilala halos sa buong mundo, at na-immortalize ang maraming sikat na kontemporaryo, ngunit ang "Girl with Peaches" ay nananatili pa rin sa kanyang pinakatanyag na gawain.

"Pagliligo sa Red Horse", Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Tinatawag ng mga kritiko ng sining ang larawang ito na visionary. Naniniwala sila na ang may-akda ay simbolikong hinulaang ang "pula" na kapalaran ng Russia noong ikadalawampu siglo, na inilalarawan ito sa imahe ng isang karera ng kabayo.

Ang gawa ni Petrov-Vodkin ay hindi lamang isang pagpipinta, ngunit isang simbolo, isang epiphany, isang manifesto. Inihambing ng mga kontemporaryo ang kapangyarihan ng epekto nito sa "Black Square" ni Kazimir Malevich, na makikita mo rin sa Tretyakov Gallery.

"Black Square", Kazemir Malevich, 1915

Ang pagpipinta na ito ay tinatawag na isang icon ng Futurists, na kanilang inilagay sa lugar ng Madonna. Ayon sa may-akda, tumagal ng ilang buwan upang malikha ito, at naging bahagi ito ng isang triptych, na kasama rin ang "Black Circle" at "Black Cross". Tulad ng nangyari, isinulat ni Malevich ang pangunahing layer ng pagpipinta iba't ibang Kulay at, kung titingnan mong mabuti, makikita mo na ang mga sulok ng parisukat ay halos hindi matatawag na tuwid. Sa kasaysayan ng sining ng mundo mahirap makahanap ng isang pagpipinta na may higit na katanyagan kaysa sa "Black Square" ni Kazimir Malevich. Siya ay kinopya, ginagaya, ngunit ang kanyang obra maestra ay kakaiba.

Gallery ng sining mula sa Europa at Amerika noong ika-19–20 siglo. State Museum of Fine Arts na pinangalanang A.S. Pushkin

"Portrait of Jeanne Samary", Pierre-Auguste Renoir, 1877

Ito ay kabalintunaan na ang pagpipinta na ito ay orihinal na binalak ng artist bilang isang paghahanda sketch para sa isang seremonyal na larawan. Pranses na artista Jeanne Samari, na makikita sa Ermita. Ngunit sa huli, ang mga kritiko ng sining ay nagkakaisang sumang-ayon na ito ang pinakamahusay sa lahat ng mga larawan ng aktres ni Renoir. Ang artist ay mahusay na pinagsama ang mga tono at kalahating tono ng damit ni Samari na bilang isang resulta ang larawan ay kumikinang na may hindi pangkaraniwang optical effect: kapag tiningnan mula sa isang tiyak na anggulo, ang berdeng damit ni Jeanne ay nagiging asul.

"Boulevard des Capucines sa Paris", Claude Monet, 1873

Ito ay isa sa mga pinakakilalang gawa ni Claude Monet - pagmamalaki at pamana Museo ng Pushkin. Mula sa malapit na distansya, maliliit na stroke lang ang makikita sa painting, ngunit kung aatras ka lang ng ilang hakbang, mabubuhay ang painting: Humihinga ang Paris. sariwang hangin, ang mga sinag ng araw ay nagbibigay liwanag sa nagliliyab na mga tao na nagpupuyos sa kahabaan ng boulevard, at tila maririnig mo pa ang dagundong ng lungsod, na maririnig na malayo sa mga hangganan ng larawan. Ito ang kasanayan ng mahusay na impresyonista na si Monet: sa isang sandali ay nakalimutan mo ang tungkol sa eroplano ng canvas at natutunaw sa ilusyon na mahusay na nilikha ng artist.

"Prisoners' Walk", Van Gogh, 1890

May simbolikong bagay sa katotohanan na isinulat ni Van Gogh ang Prisoners' Walk, isa sa kanyang pinaka-nakapandamdam na likha, sa ospital kung saan siya unang napunta dahil sa pagsisimula ng sakit sa pag-iisip. Bukod dito, kung titingnang mabuti, makikita mo na ang sentral na karakter ng larawan ay pinagkalooban ng mga tampok ng mga artista. Sa kabila ng paggamit ng mga purong lilim ng asul, berde at kulay ube, ang kulay ng canvas ay tila madilim, at ang mga bilanggo na gumagalaw sa isang bilog ay tila sinasabi na walang paraan sa patay na dulo, kung saan ang buhay ay parang isang mabisyo na bilog.

"Ang Asawa ng Hari", Paul Gauguin, 1896

Itinuturing ng maraming kritiko ng sining ang gawaing ito ng artista bilang isang natatanging perlas sa mga sikat na hubad na dalaga ng sining ng Europa. Ipininta ito ni Gauguin sa kanyang ikalawang pananatili sa Tahiti. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta ay hindi naglalarawan sa asawa ng hari, ngunit si Gauguin mismo - 13-taong-gulang na si Tehura. Ang kakaiba at kaakit-akit na tanawin ng larawan ay hindi maaaring pumukaw ng paghanga - ang kasaganaan ng mga kulay at halaman, mga punong may kulay at ang asul na baybayin sa di kalayuan.

« Mga asul na mananayaw", Edgar Degas, 1897

Ang mga gawa ng Pranses na impresyonista na si Edgar Degas ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa kasaysayan ng mundo at French fine art. Ang pagpipinta na "Blue Dancers" ay kinikilala bilang isa sa pinakamahusay na mga gawa Degas sa tema ng ballet, kung saan itinalaga niya ang marami sa kanyang pinakatanyag na mga pagpipinta. Ang pagpipinta ay ginawa sa pastel, na kung saan ang artist ay lalo na nagustuhan para sa kanyang eleganteng kumbinasyon ng mga kulay at mga linya. Ang "Blue Dancers" ay tumutukoy sa late period ang pagkamalikhain ng artist, nang humina ang kanyang paningin at nagsimula siyang gumawa ng malalaking spot ng kulay.

"Girl on a Ball", Pablo Picasso, 1905

Ang isa sa mga pinakatanyag at makabuluhang gawa ng "pink period" ni Pablo Picasso ay lumitaw sa Russia salamat sa pilantropo at kolektor na si Ivan Morozov, na nakuha ito noong 1913 para sa kanyang personal na koleksyon. Ang asul na kulay, kung saan halos lahat ng mga gawa ng nakaraang mahirap na panahon ng artist ay ipininta, ay naroroon pa rin sa trabaho, ngunit kapansin-pansing humina, na nagbibigay-daan sa isang mas magaan at mas masayang rosas. Ang mga canvases ni Picasso ay madaling makilala: ang kaluluwa ng may-akda at ang kanyang hindi pangkaraniwang pang-unawa sa mundo sa paligid niya ay malinaw na nakikita sa kanila. At tulad ng sinabi mismo ng artist: "Maaari akong gumuhit tulad ni Raphael, ngunit aabutin ako ng buong buhay ko upang matutong gumuhit tulad ng isang bata."

Address: Lavrushinsky lane, 10

Permanenteng eksibisyon na "Sining ng ika-20 siglo" at mga bulwagan ng eksibisyon

Address: Krymsky Val, 10

Operating mode:

Martes, Miyerkules, Linggo - mula 10.00 hanggang 18.00

Huwebes, Biyernes, Sabado - mula 10.00 hanggang 21.00

Lunes - sarado

Bayad sa pagpasok:

Matanda - 400 rubles ($6)

Gallery ng sining mula sa Europa at Amerika noong ika-19–20 siglo.

Address: Moscow, st. Volkhonka, 14

Operating mode:

Martes, Miyerkules, Biyernes, Sabado, Linggo - mula 11:00 hanggang 20:00

Huwebes - mula 11:00 hanggang 21:00

Lunes - sarado

Bayad sa pagpasok:

Matanda - 300 rubles ($4.5), tuwing Biyernes mula 17:00 - 400 rubles ($6)

Discount ticket - 150 rubles ($2.5), tuwing Biyernes mula 17:00 - 200 rubles ($3)

Libre ang mga batang wala pang 16 taong gulang