Græsk brydeskulptur. Skulpturelle og arkitektoniske træk i det antikke Grækenland

Næsten ingen af ​​værkerne fra græske billedhuggere har overlevet til os. Vi kender kun deres beskrivelser og romerske kopier fra dem. Men en kopi, selv en talentfuld, forvrænger originalen. Oftere end ikke er der flere eksemplarer tilgængelige fra originalen, der er forsvundet. Derefter skal du omhyggeligt komponere skulpturen i dele, der er bedre bevaret i en eller anden kopi. Som et resultat beundrer vi i dag et bestemt generaliseret billede af den antikke græske skulptur.

Periodiseringen af ​​den antikke græske kunst er opdelt i arkaiske (VIII-VI århundreder f.Kr.), klassiske (V-IV århundreder f.Kr.) og hellenistiske (IV-II århundreder f.Kr.) perioder.

Det græske folk er søn af et næsten helt stenet land. Og fra dette land hentede græske kunstnere det smukkeste materiale til skulptur - marmor. Skulptur blev udviklet på øerne i Det Ægæiske Hav - de rigeste aflejringer af marmor blev opdaget her, især på øen Paros. Derudover skabte græske håndværkere skulpturer af kalksten, træ, elfenben og bagt ler.

Både inden for arkitektur og skulptur opstod der to retninger i kreativitet: dorisk og ionisk. I de doriske regioner var skulpturskolerne i Argos og Korinth berømte i de ioniske lande - øskolerne på Naxos og Paros Kazimierz Kumanetsky. Historien om kulturen i det antikke Grækenland og Rom. fra. 83.

Som allerede nævnt afspejles to verdener i græsk skulptur: den mytologiske og den virkelige.

Den arkaiske periode er perioden med dannelsen af ​​kunst, især skulptur. Dette var tidspunktet for legemliggørelsen af ​​de mytologiske ideer, der hersker blandt masserne. På dette tidspunkt blev billeder af guder, helte og mytologiske begivenheder først skabt, hvilket er et af funktionerne i kunsten i denne periode. Templets skulptur er præget af mytologiske plot. Essensen af ​​kompositionen kogte ned til at vise guddommelig magt, dynamiske scener afspejlede mytologiske historier om sejren over onde kræfter... Statuerne blev hugget med en dristig, men alligevel ubevidst hånd. I monumentale marmorskulpturer er funktionerne i konventionelle i billedet slående, hvilket tvinger os til at huske kunsten i det gamle Egypten. Disse var flade kompositioner; lineær visning kontur af figurer, bevægelser af foldning af tøj og andre detaljer skabte en særlig charme for den arkaiske kunst Kobylin M. M. Traditionens rolle i græsk kunst. fra. 23. Former aktører squat, solid og noget naiv.

Arkæisk kunst havde enestående præference for to typer: kuros, en nøgen ung mand og barken, en klædt pige, André Bonnard. Græsk civilisation. 1992. s. 46, 55 ..

Ved at skabe kouros inkarnerede billedhuggerne et bestemt perfekt billede, ikke belastet med tvivl eller individuelle træk hos et individ. Nogle gange er der i litteraturen et andet navn på kouros - Apollo. Ved dette forsøgte grækerne at give det idealiserede billede nogle guddommelige træk. Statuerne af unge skægløse atleter blev skabt under indtryk af levende menneskers udseende; i det ene eller det andet tilfælde kunne flere forskellige unge tjene som model på én gang.

Statistikkerne over kourosens kropsholdning skulle have angivet gangens styrke og åndens fasthed. Venstre ben blev afbildet som altid fremsat, ansigtet lyser op med et løsrevet, mystisk smil (det såkaldte "arkaiske smil"). Al opmærksomhed fra forfatterne af værkerne var koncentreret om grundigheden af ​​at skulpturere hovedet, mavemusklerne, knæskallen og de vigtigste nødlinjer.

Barken stammer fra de ioniske regioner og blev kendetegnet ved understregede sværhedsgrader og nåde af linjer. De er lavet af parian marmor med sin tekstur, der er i stand til at forråde en vis gennemsigtighed af kvindelig hud såvel som de subtile nuancer og farveændringer, og som bukkede under for den fineste behandling, hvilket gjorde det muligt at formidle alle kurverne i figur, krøller af hår, fold af tøj. Det ioniske folk viste ikke meget opmærksomhed på menneskekroppens proportioner, men de bekymrede sig om konturens glathed, den bløde fortolkning af forhængene. Barkene blev brugt til at understøtte tempeltaget, men blev undertiden adskilt og afbildet med et æble eller granatæble som en gave til guddommen.

Under Pisistratids-regeringen udvidede de ioniske billedhuggere deres aktiviteter til Athen. Dog er loftsskulptur kendetegnet ved en vis sværhedsgrad: krøllerne dygtigt "krøllet" af mejslen forsvinder, en usædvanlig højtidelighed vises i figurernes kropsholdning, lunefulde draperier udskiftes enkle linjer flydende klæder. De athenske bjeffer er fulde af nåde og nåde, hovederne er prydet med krøller, statuerne selv er rigt farvede med mange farver; på samme tid er alvoren og værdigheden af ​​Kazimierz Kumaniecki synlig i deres figurer. Historien om kulturen i det antikke Grækenland og Rom. fra. 84.

I den arkaiske æra kunne billedhuggeren ikke forestille sig kroppen i bevægelse. I VI århundrede. F.Kr. e. han var stadig langt fra nøjagtigt at fange legen af ​​muskler på menneskekroppen. Ikke en eneste drejning til højre eller venstre, ikke den mindste hældning af hovedet, anatomien er den mest elementære. Kunstneren satte sig ikke for at få statuen til at ligne en levende person André Bonnard. Græsk civilisation. 1992. s. 55, 58 ..

Ved afslutningen af ​​den arkaiske æra havde mestrene opnået en fantastisk evne til at skabe detaljer, meget udtryksfulde fragmenter af statuer, især hænder og hoved. Nøjagtigheden og raffinementet i skildringen af ​​figurens dele blandt arkaiske billedhuggere er meget højere end blandt mestrene i den klassiske periode, men statuerne opfattes som adskilt, blottet for harmoni, integritet.

Den klassiske periode er storhedstid. A. Bonnard definerede klassicisme som en kombination af træk, former og udgør, valgt af kunstneren, baseret på ægte realisme. Denne æra er mere human; hun er ikke længere fuldt gennemsyret af det guddommelige; den repræsenterer en person ophøjet til niveauet for en gud. I denne æra er der et brud med arkaisk symmetri: linjerne ophører med at være vandrette, de er ikke symmetriske i forhold til hinanden.

I V-tallet. F.Kr. e. skulpturen har gennemgået betydelige ændringer. Dets hovedtemaer forblev de samme: billedet af guddomme og helte - beskyttere af poliserne, "smukke og tapre" borgere og vindende atleter såvel som afdødes gravsten. Men nu er guden en simpel nøgen ungdom, gudinden er en pige, smukt klædt og med et behageligt ansigt.

Der var ingen frossen følelsesløshed i disse billeder nu; skematismen af ​​arkaiske skulpturer er overvundet. I skulpturerne fra den klassiske periode blev der forsøgt at overvinde immobilitet, at formidle levende bevægelse. Den nye harmoni i den klassiske periode er baseret på kontrast: takket være spændingen i højre ben og venstre arm og den bevidste fjernelse af belastningen fra venstre ben og højre arm er figuren harmonisk, fyldt med ro, storhed, frihed Kumanetsky K. Historien om det antikke Grækenlands og Rom kultur: Per. med gulv. - M.: Gymnasium, 1990. s. 119. Realisme er baseret på et nøjagtigt kendskab til skeletets struktur og legen af ​​muskler. Der er en humanisering af billedet af en guddom, en blødgøring af ideelle træk og en vægt på rent menneskelige kvaliteter i dem. Mod manifesterer sig nu i ligevægt i ansigtet. Denne ligevægt er et tegn på den opnåede mestring over ens personlige lidenskaber, et tegn på åndelig styrke, perfektion af ånd, som guderne engang havde.

Dette blev med succes overført af billedhuggeren Myron fra Eleuther (Central Grækenland) i sin "Discobolus" (midten af ​​det 5. århundrede f.Kr., lidt tidligere end 450). Det er værd at bemærke, at dette allerede er en statue af en mand, ikke en gud. Atletens figur præsenteres i en vanskelig position i øjeblikket, hvor skiven kastes. Kroppen er bøjet af bevægelsen, der fangede den, venstre fods tæer hviler på jorden for at give en meget anspændt person i en ustabil position et stærkt støttepunkt, højre hånd - der holder skiven - kastes tilbage, men i det næste øjeblik vil det blive kastet frem for at kaste sin last, venstre hånd og højre ben ser ud til at være inaktiv, men er faktisk involveret i handlingen. "Discobolus" er således legemliggørelsen af ​​André Bonnards bevægelse. Græsk civilisation. 1992. s. 63.

Den største rolle i skabelsen af ​​klassisk skulptur faldt hos Polycletus, den Peloponnesiske mester i midten og anden halvdel af det 5. århundrede. F.Kr. e. Han havde til formål at skabe det typiske billede af borgeratleten. Polyclet vidste om vigtigheden af ​​tal i strukturen af ​​levende ting og sagde: "Succesen med et kunstværk afhænger af mange numeriske forhold, og hver eneste lille ting betyder noget" André Bonnard. Græsk civilisation. 1992. s. 68. Derfor forstod han sin opgave som skabelsen af ​​en kanon - et bestemt matematisk forhold, på grundlag af hvilket menneskekroppen skulle bygges. Ifølge denne kanon skal fodens længde være 1/6 af kropslængden, hovedets højde - 1/8 Kumanetsky K. Historie om det antikke Grækenlands og Romas kultur: Per. med gulv. - M.: Gymnasium, 1990. s. 119. Han forsøgte at skabe en illusion om bevægelseskontinuitet. Hans statue "Dorifor" (Lance-bærer) ser ud til at gå, overfører al kroppens vægt til højre ben, stilles frem, mens den venstre skubbes let tilbage og berører jorden med kun fingre. Et mere bøjet knæ, en mere sammentrukket hofte på venstre side svarer til en mere forhøjet skulder og omvendt.

En anden billedhugger, Phidias, tillod ifølge A. Bonnard menneskeheden at blomstre i guddommelige former. Phidias guder er til stede i naturen, de er naturlige. Et godt eksempel er frisen i templet, der skildrer gudernes vært. Men Hefaistos, ilden og håndværksguden, og Athena, håndværksgudinden, er afbildet ved siden af ​​hinanden. Her taler de med hinanden på en enkel og venlig måde, som arbejdere i slutningen af ​​en arbejdsdag. Der er intet overnaturligt i disse guder, men der er menneskeheden, steget til det højeste niveau af perfektion. Dette er et tegn, der karakteriserer æraen med tidlig klassicisme.

En stiv orientering mod idealet, harmonien og balancen kunne ikke dominere fuldstændigt. I IV århundrede. F.Kr. e. majestæt, værdighed og alvor kom udelukkende æstetiske behov, der blev afgørende i billedhuggerens arbejde.

Vi kan se dette i Praxiteles skulpturer. Fra hans snit kom nye, slanke og yndefulde, bløde og delikate ansigter og figurer af guder og gudinder frem. De flydende og fleksible linjer i hans statuer varsler begyndelsen på en ny æra. Fyldt med charme, oprigtighed er stilen med Paraxiteles intim: for første gang i den græske skulpturhistorie skildrer han Afrodite i sin smukke og sublime nøgenhed.

Den store billedhugger Lysippos (IV århundrede f.Kr.) overlod til efterkommere ikke kun en smuk buste af Alexander den Store (kun bevaret i en romersk kopi), men udviklede også en ny plastikkanon, der erstattede Polycletus-kanonen. Lysippos beskrev sine aktiviteter og sagde: "Polycletus repræsenterede mennesker, som de virkelig er, og jeg som de ser ud." Hans statuer adskiller sig i forhold: de har meget lange, slanke ben, en slank yndefuld figur og et meget lille hoved. Dette er et nyt plastisk skønhedsideal Kumanetsky K. Historien om det antikke Grækenlands og Rom kultur: Per. med gulv. - M.: Higher school., 1990. s. 141.

Ikke kun figurernes proportioner blev nye i denne periode, men frem for alt den hidtil usete frihed til at skildre menneskekroppens volumener. Først nu blev skulpturer tredimensionelle, plastisk perfekte.

De græske mestre fra den klassiske tid lærte at formidle mange nuancer af menneskelige tilstande i fast materiale, deres statuer er fulde af liv og bevægelse.

Hellenisme betragtes som en krisetid i skulptur. Hovedtrækket i denne periode var blandingen af ​​arkaiske traditioner med præstationerne fra den hellenske kunst. Årsagen til dette er bekendtskab med fremmede kulturer gennem udvidelse af handelsruter og kulturelle bånd. Værkerne i denne periode var af semi-håndværker karakter. De viser glemsel om den originale traditionelle type billeder, der er forvrængninger af den arkaiske skole. Samtidig vises mange replikaer af det samme plot af forskellig kvalitet af ydeevnen.

Hellenismen bragte nye centre for skulpturel kreativitet som Pergamum, Rhodos og Antiochia i forgrunden.

Skulpturkunsten i denne periode oplevede en særlig betydelig blomstring. Nu blev statuerne lavet på en naturalistisk måde og understreget personligheden hos den afbildede person. Billedhuggere skabte statuer og relieffer af mennesker i forskellige aldre - fra babyer til aflidne gamle og gamle kvinder - og understregede omhyggeligt etniske og etnografiske træk.

Helleniske billedhuggere skabte og fejrede borgerens ideal, hvilket realistisk afspejler den politiske og sociale overvægt i de mellemliggende lag af statsborgerskab. Hellenistiske billedhuggere skabte statuer og statuer, der skildrede fysisk og mental lidelse, kamp, ​​sejr og død. Et billede af landskabet og hverdagens detaljer dukkede op som baggrund, mod hvilken hovedplottet i arbejdet udfoldede sig.

Flere skoler kan spores i skulpturen fra denne tid.

I Athen og Alexandria blev der udviklet plot og teknikker, der går tilbage til Praxiteles, designet til velhavende menneskers smag, der søger at nyde livet, der ser et objekt af beundring i kunstværker.

Rhodos-skolen går tilbage til Lysippos. Billedhuggerne skildrede magtfulde atleter, krigere og brydningsscener. Men nu er dette ikke en rolig og tapper atlet - en borger af den klassiske tid, men en hersker med et imperious, arrogant blik, der forråder en enorm viljestyrke. Denne skole ejer den berømte Kolos fra Rhodos med en længde på 31 meter og en statue af en velvillig siddende kvinde, gudinden Tyukhe.

Pergamon School, der går tilbage til Scopas, er fuld af drama. Denne skole er præget af en høj følelsesintensitet. Dette kan ses i skulpturerne af en døende Gallien, en Gallien, der dræbte sin kone og stak sig selv for ikke at blive fanget osv., Hvor vi ser patos: pine af døende krigere, lidelse fra erobrede barbarer.

Mod slutningen af ​​den hellenistiske periode begyndte patologen til den hellenistiske skulptur at degenere til en overdreven fascination af forfærdelige emner og manerer.

I anden halvdel af den hellenistiske periode intensiveredes ønsket om at vende tilbage til de idealiserede former for klassikerne i skulpturen. Monumentet på denne skole er statuen af ​​Afrodite af Milo, som kombinerer idealiteten af ​​klassiske former og nye præstationer i iscenesættelsen af ​​figuren.

I den hellenistiske periode prydede skulpturer private huse, offentlige bygninger, pladser, akropolis, vejkryds, parkområder. Overfloden af ​​statuer var karakteristisk selv for små byer som Therme. Men denne overflod førte til massekunstproduktion. Emnet for en sådan produktion var terracotta-figurer - små statuer af kunstværker, der blev støbt i specielt forberedte former. Disse er som regel yndefulde figurer af indenlandsk karakter med en uafhængig kunstnerisk værdi VD Blavatsky, NN Pikus. Historie om det antikke Grækenland. Ed. V. I. Avdiev og N. N. Pikus. Moskva - 1962 s. 485. De portrætterede almindelige borgere og hverdagsscener, var billige og tilgængelige, og de var meget glad for almindelige indbyggere i hellenske byer. En af disse byer var byen Tanagra, derfor kaldes disse statuetter ofte Tanagra terracotta. Men masseproduktion førte til gengæld til udryddelse af kreativitet.

De hellenistiske mestre opgav udviklingen af ​​billeder af en smuk og tapper, noget idealiseret borger. Holdningen til guderne blev også anderledes. Nu er guddommen ikke rolig, smuk, kraftfuld og venlig væsen, men en lunefuld og formidabel styrke.

Ved at planlægge rejse til grækenland, mange mennesker er ikke kun interesserede i komfortable hoteller, men også i den fascinerende historie i dette gamle land, hvor en integreret del er kunstgenstande.

Et stort antal afhandlinger fra velkendte kunsthistorikere er dedikeret specifikt til gammel græsk skulptur, som den grundlæggende gren af ​​verdens kultur. Desværre overlevede mange datidens monumenter ikke i deres oprindelige form og er kendt fra senere eksemplarer. Når man studerer dem, kan man spore historien om udviklingen af ​​græsk kunst fra den homeriske periode til den hellenistiske æra og fremhæve de lyseste og mest berømte kreationer i hver periode.

Afrodite fra Milo

Den verdensberømte Afrodite fra øen Milos dateres tilbage til den hellenistiske periode med græsk kunst. På dette tidspunkt begyndte Hellas-kulturen af ​​Alexander den Store kræfter at sprede sig langt ud over Balkan-halvøen, hvilket blev mærkbart afspejlet i billedkunst - skulpturer, malerier og fresker blev mere realistiske, gudernes ansigter på dem har menneskelige træk - afslappet udgør, et abstrakt udseende, et blødt smil ...

Statue af afrodite, eller som romerne kaldte det, Venus, lavet af snehvid marmor. Dens højde er lidt mere end menneskelig højde og er 2,03 meter. Statuen blev tilfældigt opdaget af en almindelig fransk sømand, der i 1820 sammen med en lokal bonde gravede Afrodite nær resterne af et gammelt amfiteater på øen Milos. Under transport- og toldkonflikter mistede statuen sine arme og piedestal, men der blev bevaret en fortegnelse over forfatteren af ​​mesterværket, der er angivet på den: Agesander, søn af en beboer i Antiochia Menides.

I dag, efter omhyggelig restaurering, udstilles Aphrodite i Paris Louvre og tiltrækker hende naturlige skønhed millioner af turister hvert år.

Nika fra Samothrace

Tiden, hvor statuen af ​​gudinden for sejren Nike blev oprettet, dateres tilbage til det 2. århundrede f.Kr. Undersøgelser har vist, at Nika blev installeret over havkysten på en ren klippe - hendes marmortøj fladrede som fra vinden, og kroppens hældning repræsenterer en konstant bevægelse fremad. De tyndeste folder af tøj dækker gudindenes stærke krop, og kraftige vinger spredes i glæde og sejrs sejr.

Hovedet og armene har ikke overlevet, selvom fragmenter blev gravet under udgravninger i 1950. Især fandt Karl Lehmann med en gruppe arkæologer højre hånd gudinde. Nika of Samothrace er nu en af ​​de fremragende udstillinger i Louvre. Hendes hånd blev aldrig føjet til det generelle display; kun højre fløj, der var lavet af gips, blev genoprettet.

Laocoon og hans sønner

Den skulpturelle sammensætning, der skildrer Laocoons dødelige kamp - præsten for guden Apollo og hans sønner med to slanger sendt af Apollo som hævn for det faktum, at Laocoon ikke lyttede til hans vilje, og forsøgte at forhindre indtrængen af ​​den trojanske hest i byen.

Statuen var lavet af bronze, men originalen har ikke overlevet den dag i dag. I det 15. århundrede, på området for det "gyldne hus" i Nero, blev der fundet en marmorkopi af skulpturen, og efter ordre fra pave Julius II blev den installeret i en separat niche i Vatikanet Belvedere. I 1798 blev statuen af ​​Laocoon transporteret til Paris, men efter faldet af Napoleons regeringstid vendte briterne den tilbage til sit oprindelige sted, hvor den holdes den dag i dag.

Kompositionen, der skildrer Laocoon's desperate døende kamp med guddommelig straf, inspirerede mange billedhuggere fra den sene middelalder og renæssance og gav anledning til en måde at skildre komplekse, hvirvellignende bevægelser af menneskekroppen inden for billedkunst.

Zeus fra Cape Artemision

Statuen, der findes af dykkere i nærheden af ​​Cape Artemision, er lavet af bronze og er et af de få kunstværker af denne type, der har overlevet den dag i dag i sin oprindelige form. Forskere er uenige om skulpturens tilhørighed specifikt til Zeus og mener, at den også kan skildre havguden, Poseidon.

Statuen har en højde på 2,09 m og skildrer den højeste valnødgud, der løftede sin højre hånd for at kaste lyn i retfærdig vrede. Selve lynet har ikke overlevet, men de talrige mindre figurer viser, at det lignede en flad, meget langstrakt bronzeskive.

Efter næsten to tusind år med at være under vand blev statuen næppe beskadiget. Kun øjnene forsvandt, som angiveligt var elfenben og indlagt med ædelsten. Du kan se dette kunstværk på det nationale arkæologiske museum, der ligger i Athen.

Statue af Diadumen

En marmor-replika af en bronzestatue af en ung mand, der selv krønner sig med et diadem - et symbol på sportssejr, sandsynligvis prydet mødestedet for konkurrencerne i Olympia eller Delphi. Diademet på det tidspunkt var et rødt uldpandebånd, der sammen med laurbærkranse blev tildelt vinderne af de Olympiske lege. Forfatteren af ​​værket er Polycletus, han udførte det i sin yndlingsstil - den unge mand er i let bevægelse, hans ansigt afspejler fuldstændig ro og koncentration. Atleten opfører sig som en fortjent vinder - han viser ikke træthed, selvom hans krop kræver hvile efter kampen. I skulptur formåede forfatteren meget naturligt at formidle ikke kun små elementer, men også generel holdning krop, fordele figurens masse korrekt. Kroppens fulde proportionalitet er toppen af ​​udviklingen af ​​denne periode - klassicisme fra det 5. århundrede.

Selvom bronzeoriginalen ikke har overlevet til vores tid, kan kopier af den ses på mange museer rundt om i verden - National Archaeological Museum i Athen, Louvre, Metropolitan, British Museum.

Aphrodite Braschi

Marmorstatuen af ​​Afrodite skildrer kærlighedsgudinden, som var nøgen, inden hun tog sin legendariske, ofte beskrevet i myter, bad, og vendte tilbage sin jomfruelighed. Afrodite i sin venstre hånd holder det fjernede tøj, som sænkes forsigtigt ned på en kande, der står ved siden af ​​hende. Fra et teknisk synspunkt gjorde denne løsning den skrøbelige statue mere stabil og gav billedhuggeren mulighed for at give den en mere afslappet stilling. Det unikke ved Aphrodite Braschi er, at dette er den første kendte statue af en gudinde, hvis forfatter besluttede at portrættere hende nøgen, som på et tidspunkt blev betragtet som uhørt uforskammethed.

Der er legender, ifølge hvilke billedhuggeren Praxitel skabte Afrodite i billedet af sin elskede - hetera Phryne. Da hendes tidligere beundrer, taleren Eutias, fandt ud af dette, rejste han en skandale, som et resultat af, at Praxiteles blev beskyldt for utilgivelig blasfemi. Ved retssagen trak forsvareren, da han så, at hans argumenter ikke stemte overens med dommerens indtryk, Frinas tøj af for at vise de tilstedeværende, at en sådan perfekt krop af en model simpelthen ikke kan rumme en mørk sjæl. Dommerne, der var tilhængere af begrebet kalokagati, blev tvunget til fuldstændigt at frikende de tiltalte.

Den originale statue blev ført til Konstantinopel, hvor han døde i en brand. Mange kopier af Afrodite har overlevet til vores tid, men de har alle deres egne forskelle, da de blev gendannet i henhold til verbal og skriftlige beskrivelser og billeder på mønter.

Marathon ungdom

Statuen af ​​en ung mand er lavet af bronze og viser formodentlig den græske gud Hermes, selvom der ikke er nogen forudsætninger eller hans egenskaber i den unge mands hænder eller tøj. Skulpturen blev rejst fra bunden af ​​Marathon-bugten i 1925 og er siden dengang blevet føjet til udstillingen af ​​det nationale arkæologiske museum i Athen. På grund af det faktum, at statuen lang tid var under vand, er alle dets funktioner meget velbevarede.

Den stil, som statuen er lavet i, giver stilen til den berømte billedhugger Praxiteles. Den unge mand står i en afslappet stilling, mens hans hånd hviler på væggen, som figuren blev installeret mod.

Diskuskast

Statuen af ​​den antikke græske billedhugger Myron har ikke overlevet i sin oprindelige form, men er kendt i hele verden takket være kopier af bronze og marmor. Skulpturen er unik, idet en person for første gang blev fanget på den i et kompleks, dynamisk bevægelse... En sådan dristig beslutning fra forfatteren fungerede som et levende eksempel for sine tilhængere, der med ikke mindre succes skabte kunstgenstande i stil med Figura serpentinata - en speciel teknik, der skildrer en person eller et dyr i en ofte unaturlig, anspændt, men meget udtryksfuld, set fra en observatørs synspunkt, kropsholdning.

Delphic stridsvogn

Vognmandens bronzeskulptur blev opdaget under udgravninger i 1896 ved helligdommen Apollo i Delphi og er klassisk eksempel antik kunst. Figuren viser en gammel græsk ungdom, der kører en vogn under Pythian Games.

Det unikke ved skulpturen ligger i, at indlægget af øjne med ædelsten er bevaret. Den unge mands øjenvipper og læber er dekoreret med kobber, og hovedbåndet er lavet af sølv og har formodentlig også indlagt.

Tidspunktet for skulpturens skabelse er i teorien ved krydset mellem det arkaiske og de tidlige klassikere - hendes stilling er præget af stivhed og fraværet af noget antydning til bevægelse, men hovedet og ansigtet er lavet med en hel del realisme . Som med senere skulpturer.

Athena Parthenos

Majestætisk statue af gudinden Athena har ikke overlevet til vores tid, men der er mange kopier af det, gendannet i henhold til gamle beskrivelser. Skulpturen var udelukkende lavet af elfenben og guld uden brug af sten eller bronze og stod i Athens hovedtempel - Parthenon. Et særpræg ved gudinden er en høj hjelm dekoreret med tre kamme.

Historien om skabelsen af ​​statuen var ikke uden fatale øjeblikke: på gudindenes skjold placerede billedhuggeren Phidias foruden billedet af slaget med Amazons sit portræt i form en svag gammel mand der løfter en tung sten med begge hænder. Offentligheden på den tid vurderede tvetydigt handlingen fra Phidias, som kostede ham livet - billedhuggeren blev fængslet, hvor han tog sit eget liv ved hjælp af gift.

Græsk kultur er blevet en pioner inden for udviklingen af ​​billedkunst over hele verden. Selv i dag, når man ser på nogle moderne malerier og statuer, kan man finde indflydelsen fra denne gamle kultur.

Gamle Hellas blev den vugge, hvor kulten blev rejst aktivt menneskelig skønhed i sin fysiske, moralske og intellektuelle manifestation. Beboere i Grækenland på den tid tilbad de ikke kun mange olympiske guder, men forsøgte også at ligne dem så meget som muligt. Alt dette afspejles i bronze- og marmorstatuer - de formidler ikke kun billedet af en person eller en guddom, men gør dem også tæt på hinanden.

Selvom meget mange af statuerne ikke har overlevet til i dag, kan nøjagtige kopier af dem ses på mange museer rundt om i verden.

Gå med en vulkan

Der er mange grunde til, at enhver rejsende kan besøge øen Nisyros i den sydlige del af Det Ægæiske Hav: spring ned i en helende kilde og bringe hjem en strålende souvenir født i rødglødende lava som en souvenir, bøj ​​dig for moderens mirakuløse ikon undre sig over kraften fra jordens brændende kræfter. Det ligner Nisyros, en smuk, men absolut ikke egnet til livsøen.

Grækenland: Halkidiki. Psakoudya

Feriestedet Psakoudia ligger på Kassandra-halvøen, som ofte kaldes Halkidikis første tand. Byen har en fordelagtig geografisk placering, takket være hvilken ferie i Grækenland i Psakoudia ikke er begrænset til lokale attraktioner og underholdning, herfra er det let at komme overalt i Halkidiki.

Meteora, St. Stephen's Convent

Når du nærmer dig Kalambaka, forlader byen Trikala og ser på klipperne i Meteora, fra en afstand af 16 km., Ser du på den første klippe til højre for dig, klosteret St. Stephen, der har været majestætisk tårn på dette sted i århundreder. Klosteret kan nås ad to veje, den første fører fra landsbyen Kastraki og den anden fra den sydøstlige side af Kalambaka.

Mirakuløse ikoner for Athonite klostre

På Holy Mount Athos er der et vidunderligt kloster Pantokrator. Det er der, at dette mirakuløse billede i en sølvkåbe nu er placeret. Guds Moder er afbildet i bøn. Hun strækker armene ud mod himlen. Der er mange historier forbundet med den mirakuløse kraft af billedet af den hellige jomfru Maria Gerontissa.

De gamle skulpturer i Grækenland blev sammen med templerne, digtere fra Homer, tragedierne fra de athenske dramatikere og komikere, til den store hellenske kultur. Men plastikhistorie i Grækenland var ikke statisk, men gennemgik flere stadier i dets udvikling.

Skulptur af det antikke græske arkæiske

I mørke tider lavede grækerne kultbilleder af guderne af træ. De blev kaldt xoans... Vi kender dem fra værkerne fra gamle forfattere; prøver af xoans har ikke overlevet.

Ud over dem lavede grækerne i XII-VIII århundreder primitive figurer af terracotta, bronze eller elfenben. Monumental skulptur dukkede op i Grækenland i begyndelsen af ​​det 7. århundrede. Statuerne, der blev brugt til at dekorere friserne og frontonerne i gamle templer, er lavet af sten. Nogle af skulpturerne var lavet af bronze.

De tidligste skulpturer af det antikke Græske arkæiske arkiv findes på Kreta... Deres materiale er kalksten, og figurerne er påvirket af øst. Men en bronzestatue hører til denne region “ Kryofor"Skildrer en ung mand med en ram på skuldrene.

Arkæisk skulptur af det antikke Grækenland

Der er to hovedtyper af statuer fra den arkaiske æra - kuros og gø... Kouros (oversat fra græsk som "ungdom") var en stående nøgen ungdom. Et ben af ​​statuen strakte sig fremad. Hjørnerne på kourosens læber blev ofte lavet lidt hævede. Dette skabte det såkaldte "arkaiske smil".

Bark (oversat fra græsk som "jomfru", "pige") er en kvindelig skulptur. Det antikke Grækenland fra VIII-VI århundrederne efterlod billeder af kor i lange tunikaer. Håndværkere fra Argos, Sikion, Cyclades foretrak at lave kouros. Billedhuggere af Ionia og Athen - kor. Kuros var ikke portrætter af bestemte mennesker, men repræsenterede et generaliseret billede.

Arkitekturen og skulpturen i det antikke Grækenland begyndte at interagere i den arkaiske æra. I begyndelsen af ​​det 6. århundrede eksisterede templet Hecatompedon i Athen. Kultbygningens fronton blev dekoreret med billeder af duellen mellem Hercules og Triton.

Fundet på Akropolis i Athen Moshofor-statue(en mand der bærer en kalv) lavet af marmor. Det blev afsluttet omkring 570. Indvielsesindskriften siger, at det er en gave til guderne fra den athenske Ronba. En anden athensk statue - Kuros ved graven til den athenske kriger Kroisos... Inskriptionen under statuen siger, at den blev rejst til minde om en ung kriger, der døde i spidsen.

Klassisk æra

I begyndelsen af ​​det 5. århundrede voksede figurernes realisme i græsk plastik. Håndværkere gengiver tættere andelen af ​​den menneskelige krop og dens anatomi. Skulpturerne skildrer en person i bevægelse. Efterfølgerne til de tidligere kouros - statuer af atleter.

Skulpturer fra første halvdel af det 5. århundrede kaldes undertiden den "alvorlige" stil. Det mest slående eksempel på denne tids arbejde - skulpturer i Zeus-templet i Olympia... Tallene der er mere realistiske end de arkaiske kuros. Billedhuggerne forsøgte at skildre følelser på figurernes ansigter.

Skulpturerne i streng stil skildrer mennesker i mere afslappede stillinger. Dette blev gjort på grund af "modpost", når kroppen er let drejet til den ene side, og dens vægt ligger på det ene ben. Hovedet på statuen blev gjort let drejet, i modsætning til kuros ser frem. Et eksempel på en sådan statue er “ Dreng af Kretien". Tøj af kvindelige figurer i første halvdel af det 5. århundrede gøres enklere i sammenligning med det komplekse tøj fra kor fra den arkaiske æra.

Anden halvdel af det 5. århundrede kaldes High Classics æra til skulptur. I løbet af denne æra fortsatte plast og arkitektur med at interagere. Skulpturer fra det antikke Grækenland pryder templer skabt i det 5. århundrede.

På dette tidspunkt i Athen blev bygget en majestætisk Parthenon tempel til dekoration, hvoraf snesevis af statuer blev brugt. Phidias forlod tidligere traditioner, da han skabte skulpturer af Parthenon. Menneskelige kroppe på de skulpturelle grupper i Athenas tempel er mere perfekte, folks ansigter er mere lidenskabelige, tøjet er portrætteret mere realistisk. Mestere fra det 5. århundrede fokuserede på figurerne, men ikke følelserne fra figurerne i skulpturerne.

I 440'erne en Argos-mester Polycle t skrev en afhandling, hvor han skitserede sine æstetiske principper. Han beskrev den digitale lov om ideelle proportioner i menneskekroppen. Statuen “ Dorifor"(" The Spearman ").

I skulpturen fra det 4. århundrede blev de gamle traditioner udviklet, og nye blev skabt. Statuerne er blevet mere naturalistiske. Billedhuggerne forsøgte at skildre stemning og følelser på figurernes ansigter. Nogle statuer kan have tjent som personificeringer af begreber eller følelser. Eksempel, gudinde statue Eirenas verden... Billedhuggeren Kefisodot skabte den til den athenske stat i 374, kort efter indgåelsen af ​​endnu en fred med Sparta.

Tidligere portrætterede ikke mestrene guderne nøgne. Den første til at gøre dette var skulptøren Praxitel fra det 4. århundrede, der skabte statuen “ Afrodite af Cnidus". Praxiteles 'arbejde døde, men dets senere kopier og billeder på mønter har overlevet. For at forklare gudindenes nøgenhed sagde billedhuggeren, at han skildrede hende badning.

I det 4. århundrede arbejdede tre billedhuggere, hvis værker blev anerkendt som de største - Praxiteles, Scopas og Lysippos... Med navnet Skopas, en indfødt på øen Paros, forbandt den gamle tradition skildring af følelsesmæssige oplevelser på figurernes ansigter. Lysippos var indfødt i den peloponnesiske by Sikion, men boede i Makedonien i mange år. Han var ven med Alexander den Store og lavede sine skulpturelle portrætter. Lysippos reducerede figurernes hoved og torso sammenlignet med ben og arme. Takket være dette var hans statuer mere elastiske og fleksible. Lysippos skildrede statuenes øjne og hår på en naturalistisk måde.

Skulpturerne i det antikke Grækenland, hvis navne er kendt over hele verden, hører til de klassiske og hellenistiske epoker. De fleste af dem døde, men deres eksemplarer, skabt i det romerske imperiums æra, har overlevet.

Skulpturer af det antikke Grækenland: Navne i den hellenistiske æra

I hellenismens æra udvikler billedet af en persons følelser og tilstande - alderdom, søvn, angst, beruselse. Selv grimhed kan være skulpturens tema. Der var statuer af trætte krigere, grebet af giganternes vrede, forfaldne gamle mennesker. Samtidig udviklede genren sig af skulpturelt portræt. Den nye type var ”portrættet af en filosof”.

Statuerne blev skabt efter ordre fra borgerne i de græske bystater og de hellenistiske konger. De kunne have religiøse eller politiske funktioner. Allerede i det 4. århundrede ærede grækerne deres kommandører ved hjælp af skulpturer. Kilder indeholder omtaler af statuer, som indbyggerne i byerne rejste til ære for den spartanske kommandør, vinderen Athen Lysandra... Senere rejste athenerne og borgere i andre byer strategernes figurer. Konon, Khabria og Timoteus til ære for deres militære sejre. I den hellenistiske æra steg antallet af sådanne statuer.

Et af de mest berømte værker fra den hellenistiske æra - Nika fra Samothrace... Dens oprettelse dateres tilbage til det 2. århundrede f.Kr. Statuen, som forskere antyder, forherligede en af ​​de sejrrige sejre, som kongerne i Makedonien havde. I en vis grad er skulpturen i det antikke Grækenland i den hellenistiske æra en præsentation af magthaverne og indflydelsen.

Blandt de monumentale skulpturelle grupper af hellenismen kan man huske Pergamon skole... I det 3. og 2. århundrede f.Kr. konger i denne stat førte lange krige mod galaterne. Omkring 180 f.Kr. alteret til Zeus blev afsluttet ved Pergamum. Sejren over barbarerne blev repræsenteret der allegorisk i form af en skulpturel gruppe af kæmpende olympiske guder og giganter.

Gamle græske skulpturer blev skabt til forskellige formål. Men siden renæssancen tiltrækker de mennesker med deres skønhed og realisme.

Skulpturer fra det antikke Grækenland: præsentation

1.1 Skulptur i det antikke Grækenland. Forudsætninger for dens udvikling

Blandt alle de antikke civilisationers billedkunst indtager det antikke Grækenlands kunst, især dets skulptur, et meget specielt sted. Den levende krop, der er i stand til alt muskulært arbejde, sætter grækerne over alt. Manglen på tøj chokerede ingen. Alt blev behandlet for simpelthen til at skamme sig over noget. Og på samme tid tabte selvfølgelig kyskhed ikke dette.

1.2 Skulptur af Grækenland fra den arkaiske æra

Den arkaiske periode er perioden med dannelsen af ​​den antikke græske skulptur. Billedhuggerens ønske om at formidle skønheden i den ideelle menneskelige krop, som fuldt ud manifesterede sig i værkerne fra en senere æra, er allerede forståelig, men det var stadig for svært for kunstneren at bevæge sig væk fra formen af ​​en stenblok, og tallene for denne periode er altid statiske.

De første monumenter i den antikke græske skulptur fra den arkaiske æra er defineret af den geometriske stil (VIII århundrede). Disse er skematiske figurer, der findes i Athen, Olympia , i Boeotia. Den arkaiske æra af den antikke græske skulptur falder i det 7. - 6. århundrede. (tidligt arkaisk - omkring 650 - 580 f.Kr.; høj - 580 - 530; sent - 530 - 500/480). Begyndelsen af ​​monumental skulptur i Grækenland går tilbage til midten af ​​det 7. århundrede. F.Kr. e. og er karakteriseret ved orientalisering stilarter, hvoraf største værdi havde en Daedalus, forbundet med navnet på den semi-mytiske billedhugger Daedalus . Cirklen af ​​"Dedals" skulptur inkluderer en statue af Artemis af Delos og en kvindelig statue af kretensisk arbejde, opbevaret i Louvre ("Lady of Auxerre"). I midten af ​​VII århundrede. F.Kr. e. de første kuroer er også dateret . Den første skulpturelle udsmykning af templet dateres tilbage til samme tid. - lettelser og statuer fra Prinia på Kreta. I fremtiden udfylder den skulpturelle udsmykning de marker, der er fremhævet i templet, ved sin meget struktur - frontoner og metoper i Dorisk tempel, kontinuerlig frise (Zophorus) - på ionisk. De tidligste fronton-kompositioner i den antikke græske skulptur kommer fra den athenske akropolis og fra Artemis-templet på øen Kerkyra (Korfu). Gravsten, indvielses- og kultstatuer er repræsenteret i det arkaiske ved typen af ​​kouros og bark . Arkaiske relieffer pryder baserne af statuer, frontoner og templer (senere kommer en rund skulptur til stedet for relieffer i frontonerne), gravstenes . Blandt de berømte monumenter for arkaisk rund skulptur er lederen af ​​Hera, der findes i nærheden af ​​hendes tempel i Olympia, statuen af ​​Cleobis og Biton af Delph, Moschophor ("Tyren") fra den athenske akropolis, Hera af Samos , statuer fra Didima, Nikka Archerma et al. Den sidste statue demonstrerer det arkaiske skema af den såkaldte "knæløb", der bruges til at skildre en flyvende eller løbende figur. I arkaisk skulptur vedtages også en række konventioner - for eksempel det såkaldte "arkaiske smil" på ansigtet til arkaiske skulpturer.

Skulpturerne fra den arkaiske æra er domineret af statuer af slanke nøgne unge og draperede unge piger - kuros og bjef. Hverken barndom eller alderdom tiltrak kunstneres opmærksomhed på det tidspunkt, for kun i moden ungdom er de vitale kræfter i deres bedste og balance. Tidlig græsk kunst skaber billeder af mand og kvinde i deres ideelle form. I den æra blev åndelige horisonter usædvanligt udvidet, en person syntes at stå ansigt til ansigt med universet og ønskede at forstå dets harmoni, hemmeligheden bag dets integritet. Detaljerne undslap, ideerne om den specifikke "mekanisme" i universet var de mest fantastiske, men helheden patos, bevidstheden om universel samtrafik - det var styrken i filosofi, poesi og kunst i det arkaiske Grækenland *. Ligesom filosofi, der stadig var tæt på poesi, gættet kløgtigt de generelle principper for udvikling og poesi - essensen af ​​menneskelige lidenskaber, kunst skabte et generelt menneskeligt udseende. Lad os se på kouros, eller, som de undertiden kaldes, den "arkaiske Apollo". Det er ikke så vigtigt, om kunstneren virkelig havde til hensigt at portrættere Apollo eller en helt eller en atlet; manden er ung, nøgen, og hans kaste nøgenhed behøver ikke skamfulde belægninger. Han står altid oprejst, hans krop gennemsyret af en villighed til at bevæge sig. Kroppskonstruktion er vist og understreget med den største klarhed; det er umiddelbart tydeligt, at lange, muskuløse ben kan bøjes ved knæene og løbe, mavemusklerne kan spændes, brystet kan svulme op ved dyb vejrtrækning. Ansigtet udtrykker ikke nogen specifik oplevelse eller individuelle karaktertræk, men mulighederne for forskellige oplevelser er skjult i det. Og det konventionelle "smil" - let hævede mundhjørner - kun muligheden for et smil, et strejf af glæden ved at være iboende i denne, som om den lige er skabt, person.

Kouros-statuerne blev oprettet hovedsageligt i områder, hvor den doriske stil var fremherskende, det vil sige på det græske fastlands territorium; kvindelige statuer - bjeffer - hovedsageligt i Lilleasien og øbyer, ildsteder i den ioniske stil. Smukke kvindelige figurer blev fundet under udgravninger af den arkaiske athenske akropolis, rejst i det 6. århundrede f.Kr. e., da Peisistratus regerede der og ødelagde under krigen med perserne. I 25 århundreder blev marmorbark begravet i det "persiske skrald"; til sidst blev de taget ud, halvknuste, men mistede ikke deres ekstraordinære charme. Nogle af dem kan have været udført af ioniske mestre, der var inviteret af Peisistratus til Athen; deres kunst påvirkede loftsplastik, som nu kombinerer funktionerne i dorisk strenghed med ionisk nåde. I skorpen i den athenske akropolis udtrykkes femininitetsidealet i sin uberørte renhed. Smilet er lyst, blikket er tillidsfuldt og som en glæde forbløffet over verdens skue er figuren kysk draperet med en peplos - et slør eller en lys kappe - en chiton (i den arkaiske æra, kvinde figurer, i modsætning til mandlige, var endnu ikke afbildet nøgne), hår strømmede ned ad hans skuldre i krøllede tråde. Disse bjeffer stod på piedestaler foran Athenas tempel med et æble eller en blomst i hånden.

Arkæiske skulpturer (såvel som klassiske) var ikke så ensartede hvide, som vi forestiller os dem nu. Mange har bevaret spor af farvning. Marmorpigernes hår var gyldne, lyserøde kinder, blå øjne. På baggrund af Hellas 'skyfri himmel skulle alt dette se meget festligt ud, men samtidig strengt takket være formernes og silhuetternes klarhed, ro og konstruktivitet. Der var ingen overdreven blomstrende og mangfoldighed. Søgningen efter det rationelle fundament for skønhed, harmoni baseret på mål og antal, er et meget vigtigt punkt i grækernes æstetik. De pythagoreanske filosoffer stræbte efter at fange regelmæssige numeriske forhold i musikalske konsonanser og i arrangementet af himmellegemer og troede, at musikalsk harmoni svarer til tingenes natur, den kosmiske orden, "sfærernes harmoni." Kunstnere ledte efter matematisk verificerede proportioner af den menneskelige krop og arkitekturens "krop". I denne er den tidlige græske kunst fundamentalt forskellig fra Kreta-mykenisk, fremmed for enhver matematik.

Meget livlig genrescene: I den arkaiske æra blev grundlaget for den antikke græske skulptur, retninger og muligheder for dens udvikling lagt. Allerede da var skulpturens hovedmål, de ældste grækeres æstetiske idealer og ambitioner klare. I mere senere perioder udviklingen og forbedringen af ​​disse idealer og de gamle skulptørers dygtighed finder sted.

1.3 Skulptur af Grækenland i den klassiske tidsalder

Den klassiske periode med antik græsk skulptur falder på det 5. - 4. århundrede f.Kr. (tidlig klassisk eller "streng stil" - 500/490 - 460/450 f.Kr.; høj - 450 - 430/420 f.Kr.; "rig stil" - 420 - 400/390 f.Kr.; sen klassiker - 400/390 - OKAY. 320 f.Kr. F.Kr. F.Kr.). Ved turen til to epoker - arkaisk og klassisk - er der en skulpturel udsmykning af Athena Aphaia-templet på øen Aegina . Skulpturerne af det vestlige fronton stammer fra grundlæggelsen af ​​templet (510 - 500 f.Kr. F.Kr. F.Kr.), skulpturer fra det andet østlige, der erstatter de foregående, - til den tidlige klassiske tid (490 - 480 f.Kr.). Det centrale monument for den antikke græske skulptur af de tidlige klassikere er frontonerne og metopæerne i Zeus-templet i Olympia (ca. 468 - 456 f.Kr. F.Kr. F.Kr.). Et andet vigtigt arbejde fra de tidlige klassikere - den såkaldte "Ludovisi-trone", dekoreret med relieffer. En række bronzeoriginaler kom også ned fra denne tid - "Delphic charioteer", statue af Poseidon fra Cape Artemisium, Bronze fra Riace . De største billedhuggere af de tidlige klassikere - Pythagoras Regian, Calamides og Myron . Vi bedømmer de berømte græske billedhuggers arbejde hovedsageligt ud fra litterære vidnesbyrd og senere kopier af deres værker. Høje klassikere er repræsenteret ved navnene Phidias og Polycletus . Dens kortvarige blomstring er forbundet med værker på den athenske akropolis, det vil sige med den skulpturelle udsmykning af Parthenon (pedimenter, metoper og zophoros nået, 447 - 432 f.Kr.). Højdepunktet i den antikke græske skulptur var tilsyneladende chrysoelephantine statuer af Athena Parthenos og Zeus of Olympic af Phidias (begge har ikke overlevet). "Rich style" er karakteristisk for værkerne fra Callimachus, Alkamen, Agorakrita og andre billedhuggere i slutningen af ​​det 5. århundrede F.Kr. Dens karakteristiske monumenter er reliefferne fra balustraden i det lille tempel Nika Apteros på den athenske akropolis (ca. 410 f.Kr.) og et antal gravstenestel, blandt hvilke den mest berømte er stelen af ​​Gegeso . De vigtigste værker af den antikke græske skulptur af de sene klassikere - dekoration af Asclepius-templet ved Epidaurus (omkring 400 - 375 f.Kr.), Athena Alei-templet i Tegea (omkring 370 - 350 f.Kr.), Temple of Artemis i Efesus (ca. 355 - 330 f.Kr.) og mausoleet i Halicarnassus (ca. 350 f.Kr.), hvor Scopas, Briaxides, Timothy arbejdede på den skulpturelle udsmykning og Leohar . Sidstnævnte tilskrives også statuerne af Apollo Belvedere og Diana fra Versailles . Der er også en række bronze originaler fra det 4. århundrede. F.Kr. e. De største billedhuggere af de sene klassikere er Praxitel, Skopas og Lysippos, på mange måder forventede den efterfølgende æra af hellenismen.

Græsk skulptur er delvist bevaret i snavs og fragmenter. De fleste af statuerne er kendte for os fra romerske kopier, som blev udført i stort antal, men ikke formidlede originalernes skønhed. De romerske kopimaskiner grovede og tørrede dem, og ved at konvertere bronzeartikler til marmor vanærede de dem med klodsede rekvisitter. De store figurer af Athena, Afrodite, Hermes, Satyr, som vi nu ser i hallen på Hermitage, er kun bleg genfortællinger af græske mesterværker. Du passerer dem næsten ligegyldigt og stopper pludselig foran et hoved med en brækket næse med et beskadiget øje: dette er en græsk original! Og livets fantastiske kraft vil pludselig blæse fra dette fragment; selve marmoren adskiller sig fra den i romerske statuer - ikke dødshvide, men gullig, gennemsigtig, lysende (grækerne gned det stadig med voks, hvilket gav marmoren en varm tone). Så blide er de smeltende overgange af lys og skygge, så ædle er den bløde skulptur af ansigtet, at man ufrivilligt minder om de græske digters henrykkelser: disse skulpturer ånder virkelig, de er virkelig levende *. I skulpturen i første halvdel af århundredet, hvor der var krige med perserne, var der en modig, streng stil. Derefter blev der oprettet en gruppe af tyrannicider: en moden mand og en ung mand, der står side om side, bevæger sig fremad, den yngre bringer sværdet, den ældre tilslører det med en kappe. Dette er et monument historiske tal- Harmodius og Aristogiton, der dræbte den athenske tyrann Hipparchus flere årtier tidligere, er det første politiske monument i græsk kunst. Samtidig udtrykker det den heroiske ånd af modstand og kærlighed til frihed, der flammede op i æraen af ​​de græsk-persiske krige. ”De er ikke dødelige slaver, de er ikke underlagt nogen,” siger athenerne i Aeschylos tragedie “Perserne”. Kampe, kampe, heroiske gerninger ... Kunsten i de tidlige klassikere er fuld af disse krigslignende emner. På frontonerne i Athenas tempel i Egina - grækernes kamp mod trojanske heste. På den vestlige fronton af Zeus-templet i Olympia - lapiternes kamp med kentaurerne på metopæerne - alt tolv arbejdere i Hercules. Et andet yndlings sæt motiver er gymnastik-konkurrencer; i de fjerne tider var fysisk kondition og beherskelse af kropsbevægelser af afgørende betydning for resultatet af kampene, så atletiske spil var langt fra bare underholdning. Temaerne for hånd-til-hånd-kampe, hestekonkurrencer, løbekonkurrencer og diskotekst lærte billedhuggere at skildre menneskekroppen i dynamik. Figurernes arkaiske stivhed blev overvundet. Nu handler de og bevæger sig; komplekse stillinger, dristige kameravinkler, store bevægelser vises. Den lyseste innovator var loftsskulptøren Miron. Myrons hovedopgave var at udtrykke bevægelsen så fuldt og stærkt som muligt. Metal tillader ikke så præcist og delikat arbejde som marmor, og måske er det derfor, han vendte sig om at finde bevægelsesrytmen. Balancen, det storslåede "ethos", bevares i den klassiske skulptur i den stramme stil. Figurernes bevægelse er hverken uregelmæssig, ikke alt for ophidset eller for impulsiv. Selv i kampens dynamiske motiver går løb, fald, følelsen af ​​"olympisk ro", integreret plastisk fuldstændighed og selvisolering ikke tabt.

Athena, som han lavede på ordre fra Plataea, og som kostede denne by meget dyrt, styrkede berømmelsen for den unge billedhugger. En kolossal statue af protektoren af ​​Athena blev bestilt til ham for Akropolis. Hun nåede 60 fod i højden og overskred alle de omkringliggende bygninger; langvejs fra havet skinnede hun med en gylden stjerne og regerede over hele byen. Det var ikke akrolit (komposit), ligesom Plateia, men det hele var støbt i bronze. En anden Akropolis-statue, Jomfru Athena, lavet til Parthenon, bestod af guld og elfenben. Athena blev afbildet i en kampdragt, i en gylden hjelm med en højrelief sfinks og gribbe på siderne. I den ene hånd holdt hun et spyd, i den anden en figur af sejr. En slange krøllede ved hendes fødder - Akropolis vogter. Denne statue betragtes som den bedste forsikring fra Phidias efter hans Zeus. Det har fungeret som originalen i utallige eksemplarer. Men perfektionens højde af alle Phidias 'værker anses for at være hans olympiske Zeus. Det var hans livs største arbejde: Grækerne selv gav ham håndfladen. Han gjorde et uimodståeligt indtryk på sine samtidige.

Zeus blev afbildet på tronen. I den ene hånd holdt han et septer, i den anden - et billede af sejr. Kroppen var elfenben, håret var guld, kappen var guld, emaljeret. Tronen omfattede ibenholt, knogle og ædelsten. Væggene mellem benene blev malet af Phidias 'fætter, Panen; tronfoden var et mirakel af skulptur. Grækernes beundring for skønheden og den kloge indretning af den levende krop var så stor, at de æstetisk kun tænkte på den i statuerlig fuldstændighed og fuldstændighed, hvilket gjorde det muligt at sætte pris på kropsholdningens majestæt, harmonien mellem kropsbevægelser. Men alligevel var udtryksevnen ikke så meget i ansigtsudtrykkene som i kroppens bevægelser. Ser man på den mystisk fredfyldte moirae fra Parthenon, på den hurtige, sprøde Nika, der løsner en sandal, glemmer vi næsten, at deres hoveder er slået af - så veltalende er deres figurers plasticitet.

Faktisk er ligene af de græske statuer usædvanligt spiritiseret. Den franske billedhugger Rodin sagde om en af ​​dem: "Denne hovedløse ungdommelige torso smiler lykkeligt over lyset og foråret, end øjne og læber kunne gøre." Bevægelse og kropsholdning er i de fleste tilfælde enkel, naturlig og ikke nødvendigvis forbundet med noget sublimt. Hovederne på græske statuer er som regel upersonlige, dvs. lidt individualiserede, reduceret til få variationer af den generelle type, men dette generel type har en høj åndelig kapacitet. I den græske ansigtstype triumferer ideen om "menneske" i hans ideel mulighed... Ansigtet er opdelt i tre dele, der er ens i længden: pande, næse og nedre del. Korrekt, blid oval. Den lige linje af næsen fortsætter linjen i panden og danner en vinkelret linje trukket fra begyndelsen af ​​næsen til åbningen af ​​øret (højre ansigtsvinkel). Aflang sektion med ret dybtliggende øjne. Lille mund, fulde udbulende læber, overlæbe tyndere end bunden og har en smuk glat udskæring som en amors løg. Hagen er stor og rund. Bølget hår vikles blidt og tæt rundt om hovedet uden at forstyrre at se kranens afrundede form. Denne klassiske skønhed kan virke ensformig, men da den er et udtryksfuldt "åndens naturlige udseende", egner det sig til variation og er i stand til at inkorporere forskellige typer af det antikke ideal. Lidt mere energi i læberne, i den hakende hage - foran os er en streng jomfru Athena. Mere blødhed i konturerne af kinderne, læberne er let halvåbne, øjenlågene er skyggefulde - foran os er Afrodites sensuelle ansigt. Ansigtets ovale er tættere på firkanten, halsen er tykkere, læberne er større - dette er allerede billedet af en ung atlet. Og grundlaget er stadig det samme strengt proportionale klassiske look.

Efter krigen .... Den karakteristiske udgave af en stående figur ændres. I den arkaiske æra stod statuerne helt lige frontalt. Modne klassikere animerer og animerer dem med afbalanceret, glatte bevægelser samtidig med at balance og stabilitet opretholdes. Og statuerne af Praxiteles - den hvilende Satyr, Apollo Saurocton - med doven nåde læner sig på søjlerne, uden dem skulle de falde. Låret er meget stærkt buet på den ene side, og skulderen sænkes mod låret - Rodin sammenligner denne kropsposition med en mundharmonika, når bælgen er komprimeret på den ene side og fra hinanden på den anden. Ekstern support er nødvendig for balance. Dette er en drømmende hvilestilling. Praxiteles følger Polycletus traditioner, bruger motiverne til bevægelser, han fandt, men udvikler dem på en sådan måde, at et andet indre indhold skinner igennem i dem. "Såret Amazon" Polycletai læner sig også på en halv søjle, men hun kunne have modstået uden den, hendes stærke, energiske krop, selv lider af et sår, står fast på jorden. Apollo Praxiteles er ikke ramt af en pil, han sigter selv mod en firben, der løber langs en træstamme - handlingen ser ud til at kræve stærk vilje koncentration, alligevel er hans krop ustabil som en oscillerende stilk. Og dette er ikke en tilfældig specificitet, ikke en billedhuggers indfald, men en slags ny kanon, hvor et ændret syn på verden får udtryk. Imidlertid ændrede ikke kun bevægelsernes og stillingernes art sig i skulpturen fra det 4. århundrede f.Kr. e. Praxiteles har en anden cirkel af yndlingstemaer, han bevæger sig væk fra heroiske plot i "Afrodites og Eros 'lette verden". Han formede den berømte statue af Afrodite af Cnidus. Praxitel og kunstnerne i hans cirkel kunne ikke lide at skildre atleters muskuløse torso, de blev tiltrukket af den kvindelige krops delikate skønhed med blød strøm af volumener. De foretrak den type teenager, der var kendetegnet ved "den første ungdommelige skønhed, brændende." Praxitel var berømt for sin specielle blødhed ved skulptur og beherskelse af materialebehandling, evnen til at overføre varmen fra en levende krop i kold marmor2.

Den eneste overlevende original fra Praxiteles betragtes som marmorstatuen "Hermes med Dionysus" fundet i Olympia. Nøgen Hermes, lænet på en træstamme, hvor hans kappe skødes skødesløst, holder den ene bøjede hånd lidt Dionysus, og i den anden - en flok druer, som et barn når til (den hånd, der holder druerne, er tabt) . Al charmen ved den billedlige bearbejdning af marmor er i denne statue, især i Hermes 'hoved: overgange af lys og skygge, den subtileste "sfumato" (dis), som mange århundreder senere blev opnået i Leonardo da Vincis maleri . Alle andre værker af mesteren kendes kun fra henvisninger til gamle forfattere og senere kopier. Men ånden i Praxiteles 'kunst blæser over det 4. århundrede f.Kr. e., og bedst af alt kan det ikke mærkes i romerske kopier, men i små græske skulpturer i Tanager lerfigurer. De blev produceret i stort antal i slutningen af ​​århundredet, det var en slags masseproduktion med hovedcentret i Tanagra. (En meget god samling af dem opbevares i Leningrad Hermitage.) Nogle figurer gengiver kendte store statuer, andre giver ganske enkelt forskellige gratis variationer af en draperet kvindelig figur. Den levende nåde for disse figurer, drømmende, eftertænksom, legende, er et ekko af Praxiteles 'kunst.

1.4 Skulptur af Grækenland fra den hellenistiske æra

Selve begrebet "hellenisme" indeholder en indirekte indikation af sejren i det hellenske princip. Selv i afsidesliggende områder i den hellenistiske verden i Bactria og Parthia (nutidens Centralasien) vises særligt transformerede gamle former for kunst. Og Egypten er vanskelig at genkende, dets nye by Alexandria er allerede et rigtigt oplyst centrum gammel kultur hvor både det nøjagtige og det humanistiske blomstrer og tankeskolerne, der stammer fra Pythagoras og Platon. Det hellenistiske Alexandria gav verden den store matematiker og fysiker Archimedes, geometeret fra Euklid, Aristarchus fra Samos, der 18 år før Copernicus argumenterede for, at Jorden drejer sig om Solen. Berømte garderobeskabe Alexandria Bibliotek udpeget med græske bogstaver, fra alfa til omega, holdt hundreder af tusinder af ruller - "kompositioner, der skinnede i alle vidensområder." Der stod det storslåede Pharos fyr, der var blandt de syv vidundere i verden; der blev museet oprettet, musenes palads - prototypen på alle fremtidige museer. Sammenlignet med denne velhavende og frodige havneby, hovedstaden i det ptolemæiske Egypten, så byerne i den græske metropol, endda Athen, sandsynligvis ydmyge ud. Men disse beskedne, små byer var de vigtigste kilder til de kulturskatte, der blev holdt og æret i Alexandria, de traditioner som de fortsatte med at følge. Hvis hellenistisk videnskab skyldte arv fra det gamle øst, bevarede plastikkunsten en overvejende græsk karakter.

De grundlæggende formative principper kom fra de græske klassikere, indholdet blev anderledes. Der var en afgørende afgrænsning af det offentlige og private liv. I de hellenistiske monarkier etableres kulten af ​​en eneste hersker, der sidestilles med en gud, svarende til hvad der var i den gamle østlige despotisme. Men ligheden er relativ: en "privat person", der ikke berøres af politiske storme eller kun rører ham let, er langt fra så upersonlig som i de gamle østlige stater. Han har sit eget liv: han er købmand, han er iværksætter, han er embedsmand, han er videnskabsmand. Derudover er han ofte græsk af oprindelse - efter erobringerne af Alexander begyndte en masseforflytning af grækerne mod øst - han er ikke fremmed for begrebet menneskelig værdighed opdraget Græsk kultur... Selvom han fjernes fra magt og statsanliggender, kræver hans isolerede private verden og finder kunstnerisk udtryk for sig selv, hvis basis er traditionerne for de sene græske klassikere, omarbejdet i ånden af ​​større intimitet og genre. Og i kunst "stat", officiel, i store offentlige bygninger og monumenter, behandles de samme traditioner, tværtimod i retning af pomp.

Pomp og intimitet er modsatte træk; Hellenistisk kunst er fuld af kontraster - gigantiske og miniature, ceremonielle og hverdagslige, allegoriske og naturlige. Verden er blevet mere kompleks, mere forskelligartet æstetisk. Hovedtendensen er en afvigelse fra den generaliserede menneskelige type til at forstå en person som et konkret, individuelt væsen og dermed den voksende opmærksomhed på hans psykologi, interesse for begivenhedsevne og en ny årvågenhed over for nationale, alder, sociale og andre personlighedstegn. Men da alt dette kom til udtryk på et sprog, der var arvet fra klassikerne, og som ikke satte sig selv sådanne opgaver, så i de innovative værker fra den hellenistiske æra mærkes en vis uorganitet, de opnår ikke integriteten og harmonien hos deres store forløbere. Portrætthovedet på den heroiserede statue af Diadochus passer ikke med sin nøgne torso, der gentager typen af ​​en klassisk atlet. Dramaet i den multifigurerede skulpturgruppe "Farnese Bull" modsiges af figurernes "klassiske" repræsentativitet, deres stillinger og bevægelser er for smukke og flydende til at tro på sandheden i deres oplevelser. I adskillige park- og kammerskulpturer mindskes Praxiteles traditioner: Eros, ”den store og magtfulde gud”, bliver til en legende, legende Amor; Apollo - i den flirtende, forkælede Apollino; styrkelse af genre er ikke godt for dem. Og de velkendte hellenistiske statuer af gamle kvinder, der bærer proviant, en beruset gammel kvinde, en gammel fisker med en sløv krop mangler kraften i figurativ generalisering; kunsten mestrer disse nye typer for ham eksternt uden at trænge ned i dybden - trods alt klassisk arv gav dem ikke en nøgle. Statuen af ​​Afrodite, traditionelt kaldet Venus of Milos, blev fundet i 1820 på øen Melos og blev straks kendt over hele verden som den perfekte skabelse af græsk kunst. Denne påskønnelse blev ikke rystet af mange af de senere fund af græske originaler - Afrodite fra Milos indtager en særlig plads blandt dem. Henrettet tilsyneladende i det 2. århundrede f.Kr. e. (af billedhuggeren Agesandr eller Alexander, som den halvt nedslidte inskription på sokkelen siger), ligner den ikke meget statuerne på hendes tid, der skildrer kærlighedsgudinden. Hellenistiske afroditter gik oftest tilbage til den type afrodite af Cnidus Praxiteles, hvilket gjorde hende sensuelt forførende, endda lidt søde; sådan er for eksempel den berømte Afrodite fra Medici. Afrodite fra Milo, kun halvt nøgen, draperet til lårene, streng og sublimt rolig. Hun personificerer ikke så meget idealet om kvindelig charme som idealet for en person i generel og højeste forstand. Den russiske forfatter Gleb Uspensky fandt et passende udtryk: idealet om en "rettet mand". Statuen er godt bevaret, men dens hænder er slået af. Der har været mange spekulationer om, hvad disse hænder lavede: holdt gudinden et æble? eller et spejl? eller holdt hun i tøjet? Der er ikke fundet nogen overbevisende genopbygning, faktisk er der ikke behov for det. Over tid er "håndløshed" af Afrodite fra Milo, som det er blevet hendes egenskab; det forstyrrer ikke i det mindste hendes skønhed og forstærker endda indtrykket af figurens majestæt. Og da ikke en eneste intakt græsk statue har overlevet, er det i denne, delvist beskadigede tilstand, at Afrodite fremtræder for os som en "marmorgåde", forestillet af antikken, som et symbol på fjerne Hellas.

Et andet bemærkelsesværdigt monument for hellenismen (af dem der er kommet ned til os, og hvor mange er forsvundet!) Er Zeus's alter i Pergamum. Pergamon-skolen graviderede mere end andre mod patos og drama og fortsatte Scopas traditioner. Dens kunstnere tyede ikke altid til mytologiske emner, som de gjorde i den klassiske æra. På pladsen i Pergamon Akropolis var der skulpturelle grupper, der opretholder en ægte historisk begivenhed - sejren over "barbarerne", Galliens stammer, der belejrede Pergamon-kongeriget. Fuld af udtryk og dynamik er disse grupper også bemærkelsesværdige for det faktum, at kunstnerne hylder de besejrede og viser dem både tapre og lidende. De skildrer en Gallien, der dræber sin kone og sig selv for at undgå fangenskab og slaveri; skildre en dødeligt såret Gallien, der ligger på jorden med hovedet sænket. Fra ansigt og figur er det straks klart, at dette er en "barbar", en udlænding, men han dør en heroisk død, og dette vises. I deres kunst nedværdigede grækerne sig ikke til det punkt at ydmyge deres modstandere; dette træk ved etisk humanisme kommer med særlig klarhed, når modstanderne - gallerne - er afbildet realistisk. Efter Alexanders kampagner har der generelt ændret sig meget i forhold til udlændinge. Som Plutarch skriver, betragtede Alexander sig selv som forsoneren af ​​universet og "tvang alle til at drikke ... fra den samme kop venskab og blanding af liv, skikke, ægteskaber og livsformer." Moral og livsformer såvel som former for religion begyndte virkelig at blande sig i hellenismens æra, men venskab regerede ikke, og fred kom ikke, stridigheder og krige stoppede ikke. Pergamon-krigene med gallerne er kun en episode. Da endelig sejren over gallerne endelig blev vundet, blev et alter af Zeus rejst til hendes ære, afsluttet i 180 f.Kr. e. Denne gang fremkom den langvarige krig med "barbarerne" som en gigantomachy - de olympiske guders kamp med giganter. Ifølge gammel myte, giganter - giganter, der boede langt i vest, Gaia (Jorden) og Uranus (himlen) sønner - gjorde oprør mod olympierne, men blev besejret af dem efter en hård kamp og blev begravet under vulkaner i moderens dybe tarm jorden, derfra minder de om sig selv vulkanudbrud og jordskælv. En storslået marmorfrise, omkring 120 meter lang, udført i teknikken med høj relief, omringede basen af ​​alteret. Resterne af denne struktur blev udgravet i 1870'erne; takket være restauratorernes omhyggelige arbejde var det muligt at kombinere tusindvis af fragmenter og danne et ret komplet billede af samlet sammensætning frise. Mægtige kroppe bunker sig sammen, flettet sammen som et virvar af slanger, de faldne kæmper plages af lurvede manke løver, hunde graver ind, heste træder under fødderne, men giganterne kæmper voldsomt, deres leder Porfirion trækker sig ikke tilbage før tordneren Zeus. Gigantenes mor, Gaia, beder om nåde over sine sønner, men de adlyder hende ikke. Slaget er forfærdeligt. Der er noget, der skygger Michelangelo i de spændte kameravinkler, i deres titankraft og tragiske patos. Selvom slag og slag var et hyppigt tema for gamle relieffer, begyndende med det arkaiske, blev de aldrig afbildet som på Pergamon-alteret - med en så rystende følelse af katastrofale, kampe om liv og død, hvor alle kosmiske kræfter, alle dæmoner er involveret jord og himmel. Kompositionens struktur har ændret sig, den har mistet sin klassiske klarhed, er blevet hvirvlende, forvirret. Lad os huske figurerne fra Skopas om lettelsen af ​​Halicarnassus-mausoleet. De er med al deres dynamik placeret i et rumligt plan, de adskilles af rytmiske intervaller, hver figur har en vis uafhængighed, masser og plads er afbalanceret. Det er anderledes i Pergamon-frisen - for dem, der kæmper her tæt, er det massedæmpede rum, og alle figurerne er så sammenflettede, at de danner et stormfuldt rod af kroppe. Og ligene er stadig klassisk smukke, "nu strålende, nu formidable, levende, døde, triumferende, døende figurer", som IS Turgenev sagde om dem *. Olympierne er smukke, og deres fjender er også smukke. Men åndens harmoni svinger. Ansigter forvrænget af lidelse, dybe skygger i øjet, kredsløbsspredt hår ... Olympierne triumferer stadig over de underjordiske elementers kræfter, men denne sejr er ikke længe - elementær begyndelse truer med at sprænge en harmonisk, harmonisk verden. Ligesom kunsten i det græske arkaiske ikke kun skal bedømmes som de første forløbere for klassikerne, og Hellenistisk kunst som helhed kan ikke betragtes som et sent ekko af klassikerne og undervurderer det grundlæggende nye, som den bragte. Denne nye ting var forbundet med udvidelsen af ​​kunstens horisonter og med dens nysgerrige interesse for den menneskelige person og de konkrete, virkelige forhold i hendes liv. Derfor først og fremmest udviklingen af ​​portrættet, det individuelle portræt, som de høje klassikere næsten ikke kendte, og de sene klassikere kun var på tilgangen til det. Hellenistiske kunstnere, selv portrætter af mennesker, der ikke har levet i lang tid, gav dem en psykologisk fortolkning og forsøgte at afsløre det unikke ved både det ydre og det indre udseende. Ikke samtidige, men efterkommere efterlod os Socrates, Aristoteles, Euripides, Demosthenes og endda den legendariske Homer, en inspireret blind historiefortæller. Portrættet af en ukendt gammel filosof er overraskende med hensyn til realisme og udtryk - som du kan se, en uforsonlig lidenskabelig polemiker, hvis rynket ansigt med skarpe træk ikke har noget til fælles med den klassiske type. Tidligere blev han betragtet som et portræt af Seneca, men den berømte stoic levede senere, end denne bronzebryst blev hugget.

For første gang bliver et barn med alle de anatomiske træk ved barndommen og med al den charme, der er særegent for ham, genstand for plastisk kirurgi. I den klassiske æra var små børn, hvis de blev portrætteret, snarere som miniature voksne. Selv i Praxiteles i Hermes med Dionysus-gruppen ligner Dionysus kun lidt med en baby med hensyn til hans anatomi og proportioner. Det ser ud til, at de først nu bemærkede, at barnet er en meget speciel skabning, legende og snedig, med sine egne specielle vaner; bemærket og blev så betaget af ham, at de begyndte at repræsentere kærlighedsguden Eros som barn og lagde grundlaget for en tradition, der var etableret i århundreder. Plumpede, krøllede hår af hellenistiske billedhuggere har travlt med alle mulige narrestreger: kør på en delfin, tinker med fugle, endda kvæler slanger (dette er baby Hercules). Særligt populær var statuen af ​​en dreng, der kæmpede med en gås. Sådanne statuer blev placeret i parker, var udsmykning af springvand, blev placeret i helligdommene til Asclepius, helbredelsesguden, og blev undertiden brugt til gravsten.

Konklusion

Vi undersøgte skulpturen i det antikke Grækenland gennem hele udviklingsperioden. Vi så hele processen med dets dannelse, velstand og tilbagegang - hele overgangen fra strenge, statiske og idealiserede former for arkaisme gennem den afbalancerede harmoni mellem klassisk skulptur og den dramatiske psykologi af hellenistiske statuer. Skulpturen i det antikke Grækenland blev med rette betragtet som en model, ideel, kanon i mange århundreder, og nu ophører den ikke med at blive anerkendt som et mesterværk af verdens klassikere. Intet af den slags er opnået hverken før eller siden. Al moderne skulptur kan i en eller anden grad betragtes som en fortsættelse af det antikke Grækenlands traditioner. Skulpturen af ​​det antikke Grækenland i sin udvikling har passeret en vanskelig vej og banet vejen for udvikling af plast i efterfølgende epoker i forskellige lande. På et senere tidspunkt blev traditionerne for den antikke græske skulptur beriget med nye udviklinger og bedrifter, mens de antikke kanoner tjente som det nødvendige grundlag, grundlaget for udviklingen af ​​plastik i alle efterfølgende epoker.

(ArticleToC: aktiveret = ja)

Når man stod over for skulpturerne i det antikke Grækenland, udtrykte mange fremragende sind ægte beundring. En af de mest berømte forskere i det antikke Grækenlands kunst, Johann Winckelmann (1717-1768), siger om græsk skulptur: ”Kendere og efterlignere af græske værker finder i deres værksteder ikke kun den smukkeste natur, men også mere end naturen, nemlig noget af dets ideelle skønhed, som ... er skabt ud fra billeder tegnet af sindet. " Alle, der skriver om græsk kunst, noterer sig en forbløffende kombination af naiv umiddelbarhed og dybde, virkelighed og fiktion.

I ham, især i skulptur, er menneskets ideal legemliggjort. Hvad er idealet ved det særlige? Hvordan fascinerede han folk så meget, at den gamle Goethe hulkede i Louvre foran skulpturen af ​​Afrodite? Grækerne har altid troet, at en smuk sjæl kun kan leve i en smuk krop. Derfor er kroppens harmoni, ekstern perfektion en uundværlig tilstand og grundlag for en ideel person. Det græske ideal defineres ved udtrykket kalokagatiya (græsk kalos - smuk + agathos god). Da kalokagatiya inkluderer perfektion af både kropslig forfatning og en åndeligt moralsk makeup, samtidig med skønhed og styrke, bærer idealet i sig selv retfærdighed, kyskhed, mod og rationalitet. Dette er hvad der gør Græske guder udskåret af gamle billedhuggere, unik smuk.

De bedste monumenter i den antikke græske skulptur blev oprettet i det 5. århundrede. F.Kr. Men flere er kommet ned til os tidlige værker... Statuer fra det 7. - 6. århundrede BC er symmetriske: den ene halvdel af kroppen er et spejlbillede af den anden. Lænket udgør udstrakte arme presset mod den muskuløse krop. Ikke den mindste hældning eller drejning af hovedet, men læberne er adskilt i et smil. Et smil belyser skulpturen indefra med et udtryk for livsglæde. Senere i klassicismens periode får statuerne et større udvalg af former. Der var forsøg på at forstå harmoni algebraisk. Den første Videnskabelig undersøgelse hvad der er harmoni blev foretaget af Pythagoras. Den skole, han grundlagde, betragtede spørgsmål af filosofisk og matematisk karakter og anvendte matematiske beregninger på alle aspekter af virkeligheden.

Video: Skulpturer fra det antikke Grækenland

Talteori og skulptur i det antikke Grækenland

Hverken musikalsk harmoni eller menneskekroppen eller den arkitektoniske struktur var en undtagelse. Den pythagoranske skole betragtede antallet som verdensgrundlaget og begyndelsen. Hvad har talteori at gøre med græsk kunst? Det viser sig at være det mest direkte, da harmonien mellem universets kugler og harmonien i hele verden udtrykkes ved de samme talforhold, hvoraf hovedforholdene er forholdene 2/1, 3/2 og 4 / 3 (i musik er dette henholdsvis en oktav, femte og fjerde). Derudover forudsætter harmoni muligheden for at beregne enhver sammenhæng mellem dele af hvert objekt, inklusive skulpturer, i henhold til følgende forhold: a / b = b / c, hvor a er en mindre del af objektet, b er enhver stor del, c er helheden. På dette grundlag er det store græsk billedhugger Polycletus (5. århundrede f.Kr.) skabte en skulptur af en ung mand-spydbærer (5. århundrede f.Kr.), der kaldes "Dorifor" ("Spydbærer") eller "Canon" - efter navnet på billedhuggerens arbejde, hvor han argumenterer for kunstteorien og betragter lovene for at skildre en perfekt person.

(googlemaps) https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m23!1m12!1m3!1d29513.532198747886!2d21.799533410740295!3d39.07459060720283!2m3!1f0!2f0!1f0!1068m! 4f13.1! 4m8! 3e6! 4m0! 4m5! 1s0x135b4ac711716c63% 3A0x363a1775dc9a2d1d! 2z0JPRgNC10YbQuNGP! 3m2! 1d39.074208! 2d21.8160s!

Grækenland på kortet, hvor skulpturerne i det antikke Grækenland blev oprettet

Statue af Polycletus "The Spearman"

Det menes, at kunstnerens ræsonnement kan tilskrives hans skulptur. Polycletus 'statuer er fulde af travlt liv. Polycletus elskede at portrættere atleter i hvile. Tag den samme "Spearman". Denne magtfulde mand er fuld af selvværd. Han står ubevægelig foran seeren. Men dette er ikke den statiske hvile af de gamle egyptiske statuer. Som en mand, der dygtigt og let styrer sin krop, bøjede spydsmanden let det ene ben og flyttede kroppens vægt til det andet. Det ser ud til, at et øjeblik vil gå, og han vil tage et skridt fremad, vende hovedet, stolt af sin skønhed og styrke. Foran os er en mand stærk, smuk, fri for frygt, stolt, tilbageholden - udførelsen af ​​græske idealer.

Video: Græske billedhuggere.

Statue af Myron "Discobolus"

I modsætning til hans nutidige Polykleitos kunne Myron gerne skildre sine statuer i bevægelse. For eksempel statuen "Discobolus" (V århundrede f.Kr.; Museum Term. Rom). Dens forfatter, stor billedhugger Myron, portrætterede en smuk ung mand i det øjeblik, hvor han svingede en tung skive. Hans krop, fanget af bevægelsen, er bøjet og spændt, som en fjeder klar til at udfolde sig.

De trænede muskler bulede under den faste hud på armen afslappet. Tæerne presses dybt ned i sandet og danner en solid støtte.

Skulptur Phidias "Athena Parthenos"

Statuerne af Myron og Polycletus blev støbt i bronze, men kun marmorkopier af gamle græske originaler lavet af romerne har overlevet. Den største billedhugger i sin tid betragtede grækerne Phidias, som prydede marmor skulptur Parthenon. I hans skulpturer afspejles det især, at guderne i Grækenland ikke er andet end billederne af en ideel person. Frisens reliefs bedst bevarede marmorstrimmel er 160 m lang. Den viser en procession på vej mod gudinden Athenas tempel - Parthenon. Skulpturen af ​​Parthenon blev stærkt beskadiget. Og "Athena Parthenos" døde i gamle tider. Hun stod inde i templet og var utrolig smuk. Gudindehovedet med en lav, glat pande og en afrundet hage, halsen og armene var lavet af elfenben, og håret, tøjet, skjoldet og hjelmen blev præget af guldark. Gudinden i form af en smuk kvinde er personificeringen af ​​Athen. Der er mange historier forbundet med denne skulptur.

Andre skulpturer af Phidias

Det skabte mesterværk var så stort og berømt, at dets forfatter straks havde mange misundelige mennesker. De forsøgte at fortælle billedhuggeren på enhver mulig måde og ledte efter forskellige grunde til, at de kunne bebrejde ham for noget. De siger, at Phidias blev beskyldt for angiveligt at have skjult en del af det guld, der blev givet som materiale til udsmykningen af ​​gudinden. For at bevise sin uskyld fjernede Phidias alle guldgenstande fra skulpturen og vejede dem. Vægten matchede nøjagtigt vægten af ​​det guld, der blev givet til skulpturen. Derefter blev Phidias beskyldt for ateisme. Årsagen til dette var Athenas skjold.

(googlemaps) https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m23!1m12!1m3!1d42182.53849530053!2d23.699654770691843!3d37.98448162337506!2m3!1f0!2f0!1f0!3m2! 2i768! 4f13.1! 4m8! 3e6! 4m0! 4m5! 1s0x14a1bd1f067043f1% 3A0x2736354576668ddd! 2z0JDRhNC40L3Riywg0JPRgNC10YbQuNGP! 3m805!

Athen på kortet, hvor skulpturerne i det antikke Grækenland blev oprettet

Det skildrede plottet i kampen mellem grækerne og amazonerne. Blandt grækerne portrætterede Phidias sig selv og sin elskede Perikles. Billedet af Phidias på skjoldet forårsagede konflikten. På trods af alle Phidias 'præstationer var den græske offentlighed i stand til at oprette en protest mod ham. Den store billedhuggers liv sluttede i en grusom henrettelse. Phidias 'præstationer i Parthenon var ikke udtømmende for hans arbejde. Billedhuggeren skabte mange andre værker, hvoraf de bedste var den kolossale bronzefigur af Athena Promachos, rejst på Akropolis omkring 460 f.Kr. og den lige så store elfenben og guldfigur af Zeus til templet ved Olympia.

Desværre findes der ikke længere autentiske værker, og vi kan ikke se med egne øjne storslåede værker det antikke Grækenlands kunst. Kun deres beskrivelser og kopier blev tilbage. Dette skyldtes hovedsageligt troende kristnes fanatiske ødelæggelse af statuer. Sådan kan du beskrive Zeus-statuen til templet i Olympia: En kæmpe fjorten meter gud sad på en gylden trone, og det så ud til, at han rejste sig og rettet sine brede skuldre - det ville blive trangt for ham i stor hall og loftet ville være lavt. Hovedet på Zeus var dekoreret med en krans af olivengrener - et tegn på fredelighed hos en formidabel gud. Hans ansigt, skuldre, arme, bryst var lavet af elfenben, og en kappe blev kastet over hans venstre skulder. Zeus 'krone og skæg var af glitrende guld. Phidias gav Zeus menneskelig adel. Hans smukke ansigt, indrammet af et krøllet skæg og krøllet hår, var ikke kun streng, men også venlig, hans kropsholdning var højtidelig, værdig og rolig.

Kombinationen af ​​kropslig skønhed og sjælens venlighed understregede hans guddommelige idealitet. Statuen gjorde et sådant indtryk, at folk, bedrøvet af sorg, ifølge den gamle forfatter søgte trøst i at overveje oprettelsen af ​​Phidias. Rygter har erklæret, at Zeus-statuen er en af ​​"verdens syv vidundere." Værkerne fra alle tre billedhuggere var ens, idet de alle skildrede harmonien i en smuk krop og en venlig sjæl indesluttet i den. Dette var tidens hovedfokus. Naturligvis har normerne og holdningerne i græsk kunst ændret sig gennem historien. Arkæisk kunst var mere ligetil, den manglede tilbageholdenhed fuld af dyb mening, som glæder menneskeheden i perioden med de græske klassikere. I hellenismens æra, da mennesket mistede en følelse af verdens stabilitet, mistede kunsten sine gamle idealer. Det begyndte at afspejle følelsen af ​​usikkerhed om fremtiden, der hersker i de daværende sociale strømme.

Skulpturmaterialer fra det antikke Grækenland

Én ting forenede alle perioder med udviklingen af ​​det græske samfund og kunst: dette, som M. Alpatov skriver, er en særlig afhængighed af plastik til rumlig kunst... Denne forkærlighed er forståelig: store lagre af forskellige farver, ædle og ideelle materialer - marmor - gav rig mulighed for implementering. Selvom de fleste Græske skulpturer blev lavet i bronze, da marmor var skrøbelig, men det var marmorens struktur med sin farve og dekorativitet, der gjorde det muligt at gengive menneskekroppens skønhed med den største udtryksevne. Derfor tiltrak ofte "menneskekroppen, dens struktur og bøjelighed, dens slankhed og fleksibilitet grækernes opmærksomhed, de skildrede villigt menneskekroppen både nøgne og i lys gennemsigtig tøj."

Video: Skulpturer fra det antikke Grækenland