Stilleben tegne lektioner. Sådan tegner du et stilleben med en blyant trin for trin: korte instruktioner

Vidste du, at processen med at tegne ikke kun indgyder en person en følelse af skønhed, men også hjælper med at klare stressende situationer, beroliger dine nerver og skaber fred i din sjæl? I lyset af dette anbefales det at bruge i det mindste noget af din fritid til denne aktivitet. Lad os lære at tegne et stilleben med frugt med en blyant.

Generel information

For at lære at male et stilleben med frugt, skal du først forstå, hvad udtrykket i sig selv betyder. Derudover skal du vide, hvilke egenskaber en fremtidig kunstner skal forberede sig til at skabe sit eget mesterværk. Et maleri, der afbilder livløse genstande (det er lige meget, et eller flere) kaldes et stilleben. Oversat fra fransk dette udtryk lyder som "død natur". Afhængigt af fantasien kan du bruge blomster, genstande i malerier husholdningsartikler, frugt og grønt. Stilleben indeholder ofte et element som stof (af enhver farve og tekstur).

Påkrævede attributter

For at klare det kommende arbejde og mestre alle nuancerne, skal du forberede dig på forhånd nødvendige værktøjer. Du får brug for:

Et ark papir eller lærred (det hele afhænger af hvilken størrelse du vil skabe dit første mesterværk);

Simpel blyant;

Stof og genstande, som du vil bruge som natur;

God belysning.

Hvis du planlægger at male et billede, så skal du udover alting beslutte, hvilken type maling du vil bruge (akvarel eller olie) og vælge pensler og en palet i overensstemmelse hermed. Og glem selvfølgelig ikke vand.

Grafisk teknik

For at dit maleri skal blive mest lig den valgte sammensætning, skal du først mestre teknikken. Du bør lære at formidle højlys, skygger og tekstur. Et stilleben med frugt i blyant begynder med en skitse. Det er afbildet på et separat ark. Her registrerer de simpelthen placeringen af ​​objekter uden at tegne dem helt. Når skitsen er klar, kan du begynde at afbilde elementerne på hovedlærredet. Når du tegner, skal du ikke trykke for hårdt på blyanten. Ellers vil mærker forblive på papiret, når du sletter en forkert tegnet linje. Når du opretter konturerne af objekter, bør du ikke tegne hver linje; tegne en skitse med kaotiske bevægelser. Du skal vide, at kunstnere bruger blyanter af varierende blødhed til individuelle linjer. Under billedprocessen giver sættet dig mulighed for at skabe forskellige effekter på papir. Det er derfor, hvis du vil gøre alt rigtigt og skildre smukt stilleben med frugt, gå til valget af "værktøj" med stort ansvar.

Oprettelse af en skitse

Som alle forstår, skal du først oprette en sammensætning for at begynde at arbejde. Du skal beslutte dig for hovedbaggrunden for dit maleri, samt hvilke elementer der vil være til stede i det - om du vil afbilde et objekt eller beslutter dig for at bruge flere. For eksempel kan du male et stilleben med frugt og grøntsager, eller diversificere dit billede med en buket. Det er tilrådeligt at bruge almindelige stoffer som baggrund. Brug derefter whatman-papir til at bestemme midten af ​​kompositionen og skitser en skitse af det fremtidige maleri. Det første du skal tegne er enkle elementer: en oval eller en cirkel. For eksempel er et almindeligt æble afbildet ved hjælp af en cirkel; for at skitsere druer bruges detaljer i form af små kugler. Det vigtigste er at sørge for, at objekterne er placeret på deres steder, det vil sige opretholde proportionalitet.

Vi afbilder genstande

Når du har formået at placere alle objekterne korrekt på arket, er det tid til at gå videre til at tegne dem. For at gøre dette skal du skrive frugter i de viste figurer ved hjælp af klarere linjer. Gør alle detaljer, konturer klare og fjern hjælpelinjer. For at skabe det rigtige look, glem ikke at bruge en blyant til at placere skyggerne korrekt. Denne handling udføres ved hjælp af skygge, i første omgang mørkere de mørkeste steder med en gradvis overgang til lysere. Skyggerne tegnes med en ekstrem skarp blyant, når man påfører lag for lag. Den sidste fase er at kontrollere billederne af alle genstande, Særlig opmærksomhed skal gives til tonelayoutet.

Stilleben med frugt - skridt for skridt

Lad os undersøge, hvordan man laver et maleri ved at bruge en appelsin, drue og kiwi som eksempel. Det er bedre at bruge rigtige ting til dette formål, så køb dem på forhånd. Tro mig, for at erhverve færdigheder og praksis er det bedre at trække fra livet. For at gøre det lettere for dig at skabe dit første mesterværk, skal du nøje følge vores instruktioner.

Tegningsdetaljer

Først skitserer vi frugtens placering på papir. For at skildre halvdelene af en kiwi og en appelsin skal du tegne skrå linjer og først derefter tegne ovaler. Nu kan du begynde at tegne frugten direkte. Lad os starte med orange. For at gøre dette opdeler vi dens skitse ved hjælp af en hjælpelinje i to dele. Derefter tegner vi skiver i hver halvdel og viser dem som trekantede sektorer.

Vi fylder området, hvor druerne skal være placeret, med cirkler, og for kiwien tegner vi kun kernen. Det er tilrådeligt at begynde at skygge skitsen med druer. For at gøre dette, brug den blødeste blyant (8 "M"), tegn hver cirkel i en cirkulær bevægelse. Bemærk venligst, at det letteste sted i druerne skal være midten, samt kanterne. Dette gøres for at bærene ikke smelter sammen med hinanden. Lad os nu gå videre til at tegne appelsinen. Lad os først skygge skrællen. For at gøre dette skal du bruge en "T" blyant til at anvende skygge på frugtens form. Så vil vi påføre pletter og prikker. Dette gøres med en "TM" blyant. På denne måde kan du formidle appelsinens tekstur.

Tegn frugtskiverne med en "T" blyant. Vi bevæger os fra midten til kanterne. For mere præcist at formidle billedet af frugten skal du bruge en "TM" blyant til at skildre "fjer". For at gøre tegningen mere lig originalen skal du bruge et viskelæder til at gøre hjørnerne mere afrundede og slette en lille cirkel i midten. Det er tid til at portrættere en kiwi. Til dette formål skal du bruge en "TM" blyant til at påføre streger på overfladen (uden at trykke). Og for at gøre frugten mere realistisk, vil vi lave små linjer på overfladen med stærkere tryk. Lad os nu tegne kernen. I midten af ​​kiwien skal du bruge en "TM" blyant til at tegne stråler (flere lag). På denne måde vil vi formidle teksturen af ​​ægte frugt. Blød blyant tegn frøene, og brug derefter et viskelæder til at gøre midten lysere.

vindrueblad

Hvis du har lidt ledig plads tilbage på dit arbejdsområde, kan du tilføje et element såsom et vindrueblad til dit stilleben. For at gøre dette skal du tegne bladets form i form af en spatel. Så vil vi skabe årer, der skal komme ud fra et punkt (dette egenskab vindrueblad). Vi laver en mere nøjagtig skitse af bladformen. Nu kan du supplere venerne med mindre grene og skabe hjørnerne af dette element. Lad os begynde at skygge. Brug en "T" blyant, fra det punkt, hvor venerne konvergerer, tegn stiplede linjer til enderne af elementet. Dernæst tilføjer vi volumen.

For at gøre dette skal du påføre et ekstra lag med en "TM" blyant. Men du behøver kun at gøre det ved kanterne og toppen af ​​arket. Den sidste fase af maleriet involverer at påføre skygger og bringe bladets årer tydeligere frem. Dit maleri er klar. Mange tror, ​​at det er meget nemmere at male et stilleben med frugt end at male for eksempel et stilleben med en buket. I princippet er der ikke den store forskel på disse malerier. Når du opretter begge tegninger, er det nødvendigt at skildre hver detalje. Den eneste forskel er, at stilleben med frugter og blomster har flere elementer.

Beskrivelse af præsentationen ved individuelle slides:

1 rutsjebane

Slidebeskrivelse:

2 rutsjebane

Slidebeskrivelse:

STILLEIV er en ubevægelig, "død natur" (sådan er dette ord oversat), det består af objekter, der er en del af den levende virkelighed, der omgiver os. De ting, vi bruger i et stilleben, danner deres eget miljø, som om de blev overført til en anden dimension. Deres betydning i sammensætningen, deres semantiske belastning øges. Kombinationer af simple genstande kan udtrykke meget forskellige og komplekse følelser.

3 slide

Slidebeskrivelse:

STILLEV I GRAFIK Tegning er hovedtypen af ​​grafik. Alle kunstnere er involveret i grafik, hvad enten det er malere eller billedhuggere; de ​​har brug for tegning som en scene i deres arbejde. En tegning kan dog være et selvstændigt grafisk arbejde. For en grafiker er det nok simple midler– blyant, tusch, blæk, gelpen for at skabe en vidunderlig grafisk komposition.

4 dias

Slidebeskrivelse:

Tegning af et stilleben med en blyant (trin for trin). Før vi tegner et stilleben med en blyant, vil vi gradvist placere genstande ved siden af ​​hinanden, ikke at glemme lyskilden. Objekter kan placeres i en vis afstand, men det vil være mere interessant, hvis de lidt overlapper hinandens kanter. Lysstrømmen fra lampen giver dig mulighed for mere udtryksfuldt at understrege kontrasten af ​​nuancer og højdepunkter. Det er bedre, hvis det falder fra siden. Stoler ikke på kunstigt, men på sollys, skal du huske, at armaturet ikke står stille, så vinklerne på lys og skygge vil ændre sig. Blyantstegninger har deres egne detaljer - for at mestre teknikken skal du tegne mere end én skitse eller stilleben. Linje, prik, streg, plet.

5 rutsjebane

Slidebeskrivelse:

Eksisterer særlig slags grafik – TRYKT GRAFIK. I dette tilfælde, fra en tegning lavet med specielle skærere på et bræt lavet af træ, metal eller linoleum, kan du lave flere forfatterudskrifter - indtryk. Denne type grafik kaldes GRAVERING. Gravering kan være anderledes: på træ - træsnit, på metal - ætsning, på linoleum - linosnit... I disse tilfælde bruger grafikeren så komplekse anordninger til sit arbejde som en trykpresse, specielle skærer (sting), metalplader til ætser dem med syre og mange andre. Alt dette er nødvendigt for at skabe trykt grafik. gravering, træsnit, grafik, gammelt stilleben, Old Riga XYLOGRAFI - en af ​​typerne af gravering, træsnit. linosnit

6 rutsjebane

Slidebeskrivelse:

Scratch-teknik Scratch-teknikken kaldes også "tsap-scratch" eller "graffito". Tegningen fremhæves ved at ridse med en kuglepen eller et skarpt instrument på papir eller pap fyldt med blæk (for at forhindre det i at sprede sig, skal du tilføje lidt vaskemiddel eller shampoo, kun et par dråber). Ordet kommer af det franske rivejern – at skrabe, skrabe, så et andet navn for teknikken er skrabeteknikken. Jeg plejer at bruge tykt papir og male det med gouache. Du kan tage farvet pap med et færdiglavet farverigt mønster, så kan du begrænse dig til et almindeligt vokslys (ikke farvet). Påfør derefter et lag mascara på overfladen med en bred børste eller svamp. Når det tørrer, skal du bruge en skarp genstand - en plastikgaffel, en tandstikker - til at ridse et mønster af tynde hvide eller farvede linjer på den færdige baggrund.

7 dias

Slidebeskrivelse:

Tegninger ved hjælp af grattage-teknikken er lavet med en skarp genstand (en pen, en speciel skærer, en spids pind osv.) På en tidligere forberedt overflade. Før du begynder at gravere, påføres et lag voks eller paraffin på pappet (du kan bruge et stearinlys), og derefter blæk eller maling. Mascaraen skal påføres i flere lag, og tørrer hver af dem, da den spredes på voksen og til at begynde med ligger ujævnt. Mascara påføres med en bred børste, svamp eller vatpind.

8 rutsjebane

Alle, der trækker fra livet, gennemgår nødvendigvis forskellige stadier for at øge arbejdets kompleksitet. Processen med at lære at tegne på et bestemt tidspunkt er forbundet med at tegne et stilleben (fra den franske natur morte - død natur).

Naturens verden og tingene omkring mennesket Hverdagen, - en uudtømmelig skatkammer af formularer og farvenuancer. Enkelheden og den plastiske perfektion af hverdagsgenstande, blomsternes sofistikerede og delikatesse, den unikke struktur og saftighed af frugter og grøntsager og meget mere har altid været genstand for kunstneres opmærksomhed. Tegninger og malerier, hvor husholdningsgenstande, redskaber, grøntsager, frugter, mad, vildt, blomsterbuketter osv. er inkarneret i figurativ form, kaldes stilleben.

Stilleben kan "ses" direkte i livet og "iscenesættes" specifikt for at løse forskellige visuelle problemer. Begge vækker opmærksomhed, og derfor får stilleben så meget plads i finere kunst at han blev med ret en selvstændig genre. Et "set" stilleben er en naturlig gruppering af genstande afbildet af kunstneren, og en "iscenesat" er sammensat af bevidst udvalgte genstande, der er nødvendige for at realisere forfatterens specifikke plan.

Billedet af et stilleben har sit eget bestemte mønster og metodiske rækkefølge. Det er fuldstændigt utilladeligt, for eksempel lige efter at have startet en tegning, at begynde at arbejde på mindre detaljer i detaljer, hvis hovedformen endnu ikke er fastlagt, og den tonale idé om produktionen ikke er besluttet. Dette fører straks til en fragmentering af tegningen, som så er utrolig svær og nogle gange umulig at rette op på for en uerfaren tegner. Derudover fører et sådant hastværk til fejl i forholdsmæssige forhold og dermed til fiasko, mangel på selvtillid og skuffelse.

Husk, at der i visuel praksis er en gennemprøvet metode til sekventielt arbejde på tegninger, baseret på princippet: fra det generelle til det specifikke og fra det specifikke igen til det generelle beriget med detaljer.

Ris. 21

Arbejdet med et stilleben begynder med udvælgelsen og placeringen af ​​visse genstande: i vores opgave - en gipsmodel af et prisme og en trævase til blyanter, børster osv. (Fig. 21). Udvælgelsen af ​​fuldskala produktionskomponenter skal være logisk begrundet, fuldstændig semantisk sammenhæng. Det er tilrådeligt at vælge ting, der er udtryksfulde i form og volumen.

Efter at stillebenet er iscenesat, vælger du et bestemt sted, hvorfra omgivelserne er tydeligt synlige (vi har allerede talt om den mest optimale afstand fra kunstneren til fuldskalaobjektet: det skal være cirka tre gange livets størrelse sig selv).

Et stillebens udtryksfuldhed og sandfærdighed afhænger af din evne til at observere, komponere, konstruere en tegning, modellere den med tone osv.

Før du rent faktisk arbejder på tegningen, er det tilrådeligt at lave en eller to skitser af produktionen for at finde et rationelt og effektivt layout af billedet på papir. Det er tilrådeligt at færdiggøre skitser hurtigt, baseret på det første, stadig meget friske indtryk af produktionen, og forsøge at formidle i dem egenskaber natur, forholdet og proportionerne af formen på hvert objekt, forholdet mellem billedområdet og arkformatets område.

Når du har bestemt sammensætningen af ​​billedet i skitsen, kan du gå videre til direkte arbejde med formatet. I betragtning af produktionens karakter har du allerede valgt formatet - vandret eller lodret.

Ris. 22

Nu står du over for opgaven med at gennemgå flere stadier af at tegne et stilleben. Sådanne stadier, dvs. individuelle øjeblikke - stadier eller trin i udviklingen af ​​noget; i arbejdet med en tegning er der normalt ikke mere end fire.

Utvivlsomt, indledende fase ethvert billede er dets kompositoriske placering på et ark papir. Du har allerede en skitse, brug den på en ikke-mekanisk måde.

Her er hovedpladsen givet til at bestemme hele bredden og hele højden af ​​objekter på én gang for at begrænse billedets felt; positionerne af hver af kropperne i forhold til hinanden og det plan, hvorpå de er placeret, er umiddelbart omridset med lys linjer.

På det næste trin i at tegne et stilleben skal du afklare stedet for hver af de to objekter i billedet og bestemme deres proportionale forhold. I løbet af denne arbejdsperiode skal du også identificere formularens konstruktive grundlag. Baser her løsningen på alle problemer på dette stadie af billedet på en omhyggelig analyse af produktionen. Indtil videre skal du bygge formularen med kun linjer, se din tegning som en "ramme", men følg et bestemt mål, så de ikke ser samme tykkelse ud overalt (fig. 22).

Udfør den tredje fase af arbejdet som en yderligere forfining af formen på kroppe, der har volumen og relief. Disse tegn på genstande opfattes kun under forhold med lys og skygge. Derfor skal du ikke kun skitsere et stort lys og en stor skygge, men også definere med lette streger alle de vigtigste gradueringer (gradvise arrangementer) af lys og skygge. Disse mønstre for fordeling af lys, halvtoner, egne og faldende skygger er blevet diskuteret i lærebogen mere end én gang, og du kender til dem. Du skal bare nøje overvåge in situ og sammenligne på papir, hvor meget en genstand er mørkere eller lysere end en anden. Derudover skal du ikke glemme forskellene i tegneteknikkerne til at arbejde med en blyant, så du allerede på dette stadium af tegningen kan identificere forskellen i objekters teksturer. Alt samlet og betragtet ud fra perspektivkonstruktion, volumen og relief af former, toneløsninger, materialitet fører dig til det sidste stadie af arbejdet med stillebentegningen (fig. 23).

Ris. 23

Den sidste fase involverer processen med at færdiggøre arbejdet - en generalisering af hele billedets lineære og tonale struktur. Hvis forgrunden og baggrunden er tegnet i detaljer, ødelægger begge produktionens kroppe den integrerede opfattelse af billedet, der er ingen blødhed af overgange i modelleringen af ​​formen med tone, så skal et sådant billede forbedres, hvilket er en generalisering. I dette tilfælde er det nødvendigt at blødgøre baggrunden, ødelægge klare grænser i den (for at skabe indtryk af dybde), "bringe tættere" et objekt til forgrunden og "flytte væk" et andet, fremhæve et sted på det rigtige sted, i en anden, tværtimod, fortykker tonen og så på denne måde for at opnå integriteten af ​​tegningen (fig. 24).

Alle stadier af arbejdet med en stillebentegning er ikke stadier af billedet adskilt fra hinanden. Her foregår en sekventiel proces, logisk betinget af enhed og udelelighed, hvis resultat bør være en korrekt sammensat, korrekt konstrueret, moderat gennemarbejdet tone, ekspressiv pædagogisk tegning af et stilleben.

Lad os nu se meget detaljeret på, hvordan processen med at skabe en stillebentegning lavet af gips foregår. geometrisk krop- et sekskantet prisme og en trævase til opbevaring af tegneværktøj.

Efter formatet er valgt, bestemmes det, hvilken størrelse billedet skal udskrives på papir, især da man i foreløbige skitser leder efter proportionale forhold mellem billedet og formatet. Proportioner er vævet ind i visuel perception i overensstemmelse med øjets struktur og principperne for dets funktion. Hver person, der tegner, bestemmer forholdet mellem mængder og, vær ikke overrasket, skelner mellem dem forholdet mellem det "gyldne snit". Man ser i indstillingen, at en vase, der står lodret, ser mere foretrukken ud end et prisme, der ligger i en vinkel i forhold til den. Det betyder, at du i din tegning vil være særlig opmærksom på vasen, og du vil begynde at forbinde placeringen af ​​billedet på papiret med den. Det vil ikke være placeret på tegningen på anden måde end i forhold til proportionerne af det "gyldne snit".

Denne karakter af visuel perception bekræftes af adskillige eksperimenter udført i anden tid i en række lande rundt om i verden.

Den tyske psykolog Gustav Fechner gennemførte i 1876 en række eksperimenter, der viste mænd og kvinder, drenge og piger såvel som børn, figurer af forskellige rektangler tegnet på papir, og bad dem om kun at vælge en af ​​dem, men gjorde det mest behagelige indtryk. på hvert emne. Alle valgte et rektangel, der viser forholdet mellem dets to sider i forholdet til det "gyldne snit" (fig. 25). Eksperimenter af en anden art blev demonstreret for studerende af neurofysiologen fra USA Warren McCulloch i 40'erne af vores århundrede, da han bad flere frivillige blandt fremtidige specialister om at bringe en aflang genstand til den foretrukne form. Eleverne arbejdede et stykke tid og returnerede derefter genstandene til professoren. På næsten alle af dem blev mærkerne lavet nøjagtigt i området af "det gyldne snit"-forhold, selvom de unge ikke vidste absolut intet om dette " guddommelige proportioner" McCulloch brugte to år på at bekræfte dette fænomen, da han personligt ikke troede, at alle mennesker vælger denne andel eller etablerer den i amatørarbejde med at lave alle slags håndværk.

Ris. 24

Interessant fænomen observeret, når seerne besøger museer og udstillinger visuel kunst. Mange mennesker, der ikke har tegnet sig selv, med forbløffende nøjagtighed, fanger selv de mindste unøjagtigheder i afbildningen af ​​objekter i grafiske billeder og i maleriske malerier. Disse er sandsynligvis tegn på en persons æstetiske sans, som "ikke er enig" med ødelæggelsen af ​​harmonien mellem form og proportioner. Er det ikke med et sådant krav om en følelse af skønhed, at fænomenet "den gyldne proportion" er forbundet (så snart denne andel ikke kaldes "guddommelig", "gyldne", "gyldne snit", "gyldne tal") ? Det er tilsyneladende ikke for ingenting i alle århundreder af menneskelig civilisation " gyldne snit"blev ophøjet til rang af det æstetiske hovedprincip.

For dig kompositoriske grundlag at konstruere en stillebentegning bør ikke være en anstødssten, for en person er udstyret med evnen til at se godt miljø inden for det klare synsfelt (i en vinkel på 36°). Det er de proportionale værdier inden for det klare synsfelt, der tydeligt skelnes af øjnene, og din opgave er at genkende dem for at konstruere tegningen korrekt. Faktum er, at en person, der tegner, ser den objektive verden på samme måde som en, der ikke tegner. Men hvis du tager et vilkårligt synspunkt til at konstruere en tegning, vil der opstå forvrængning. Du skal huske, at når du konstruerer et billede, er alt indbyrdes afhængigt: synsvinkel, klart synsfelt og afstand til objekterne i billedet. Dette betyder, at du i processen med at komponere billedet skal vælge en sådan del af det lukkede rum (ark papir), som vil omfatte stillebenobjekter og en del miljø(baggrund). Objekterne på billedet skal hverken være for store eller for små. Ellers "kommer" det store billede ud af formatet, og det lille "synker" ned i det. For at forhindre dette i at ske, prøv at betragte papirarket og billedets dimensioner som en enkelt helhed af den kompositoriske løsning af stillebentegningen.

Efter at have organiseret papirets plan, skal objekter tegnes, som øjet ser dem, og som de eksisterer i virkeligheden. For at gøre dette afklarer du perspektivændringerne i formen af ​​vasen og prismet og forsøger samtidig straks at forstå deres objektive struktur, design og analysere lysforholdene. Chiaroscuro på objekter er fordelt efter de samme love, som du blev bekendt med, når du tegnede gipsmodeller af geometriske kroppe.

Hver tegning er på samme tid en ny viden objektiv verden, som er ledsaget af tilegnelse af viden, erfaring, nye færdigheder og motoriske færdigheder i håndbevægelser. Efter at have placeret tegningen på et plan og foreløbig formidle grænserne for formen af ​​hver af de to objekter i lyse linjer og skitsere volumen af ​​vasen og prismet med de samme lette strøg, fortsætter du dit arbejde og går videre til næste fase. Nu fortsætter du med at forfine formens karakteristiske træk yderligere, mens du hele tiden sammenligner tegningen med naturen. Derefter begynder man at arbejde med relationer, der går ud på at bestemme de rigtige proportioner, forholdet mellem rumlige planer, detaljer og helheden.

Ris. 25

Metoden til at arbejde gennem relationer giver tegneren mulighed for at tilegne sig viden og færdigheder i det omfang, de påvirker udviklingen af ​​en person som professionel kunstner.

Så de første stadier af din tegning: løs layoutproblemerne, skitser den generelle silhuet af stilleben, fremhæv begge objekter og vis proportionerne, føl samtidig formernes forbindelse, deres korrespondance med den generelle struktur af billedet. Når man arbejder med relationer, tydeliggøres tegningen ved at sammenligne og kontrastere, dvs. sammenligne billedet med helheden og delene med hinanden. På samme stadium af tegningen skal du begynde at identificere volumen og relief af formerne på objekterne i billedet, arbejde gennem dem i henhold til princippet - fra det generelle til det specifikke. Dette er den eneste måde, du altid vil se helheden - i struktur, og i proportioner og i tone.

Når du har tillid til tegningens troskab og rigtigheden af ​​de tilsigtede lys-tonale forhold, kan du roligt gå videre til at modellere formen med en tone, der gradvist er mættet med tæthed.

På denne vigtige fase af arbejdet - overførsel ægte skildring af et stilleben, som vores øje ser det, og hvordan det eksisterer i rummet, er du nødt til at se hele naturen hele tiden, det vil sige, når du rører med en blyant til dette eller hint sted i tegningen, skal du ikke miste af syne hele indstillingen og hele tegningen som helhed. Husk altid, at du ophober viden, færdigheder og evner gradvist og konsekvent og arbejd på stilleben i overensstemmelse hermed. Tonale forhold i naturen kan ikke præcist formidles i en tegning på grund af uoverensstemmelsen mellem det originale lys og papirets hvidhed. De kan kun formidles ved at følge lys- og skyggeforhold, der er proportionale med naturen, og du ved, at kvaliteten af ​​det tonale mønster afhænger af en sådan transmission.

Under modelleringen af ​​tegningen i tone, når du udfører alt arbejdet fra det generelle til det specifikke, kommer der uundgåeligt et øjeblik forbundet med et stort ønske om at påtage sig den endelige bearbejdning af en eller anden del af billedet, hvilket er meget attraktiv i produktionen. Det er her, du kommer til detaljerne ved at følge principperne for tegning.

I praksis både pædagogisk og kreativ tegning Der er to ofte sammenflettede tekniske metoder til at lægge toner på papir med en blyant - skygge og skygge.

Skravering har, i modsætning til skygge, sine egne distinkte træk. En erfaren tegner kan kun opnå overførsel af alle naturens tonale og materielle egenskaber. Samtidig bruger han en række streger langs med blyantsporet på papir - lige og buede, korte og lange, der overlapper hinanden i flere lag. Skygge skal derfor forstås som teknikker til at påføre tone med streger. Skyggeretningen i en tegning er meget vigtig. Ved at bruge strøg rettet efter genstandens form kan man opnå volumen, og omvendt, ved tilfældigt påførte strøg, ødelægges formen, billedet dækkes med formløse pletter.

Tegnemestere brugte ofte skygge - en teknik til at gnide et blyantlag, påført fladt med en bly, over papirets overflade for at opnå en blød solid tone ved hjælp af enten skygge eller papirservietter og meget ofte bomuldsuld. Denne teknik blev brugt meget ofte og effektivt af Ilya Efimovich Repin.

I processen med arbejde relateret til overførsel af lys- og skyggeforhold bestemmes de lyseste og mørkeste steder i fuldskalaindstillingen, og under overholdelse af dem som tonale retningslinjer opnås den nødvendige blænde gradvist. Og hele tiden skal du sammenligne og sammenligne tegningen med naturen igen. For at gøre dette kan du endda bevæge dig et stykke væk fra tegningen, så du kan se dit arbejde fra et lidt fjernt synspunkt. Der er en anden teknik til sammenligning - se på tegningen i spejlet, mens du er halvt vendt mod billedet. Spejlet skal også afspejle det naturlige objekt. En sådan sammenligning kan hjælpe dig med at se fejl i tonen og eliminere dem. Spejlteknikken er også effektiv, fordi den giver dig mulighed for at se dit arbejde fra en uventet vinkel. Hver maler vænner sig ikke kun til sit billede, men ophører ofte på grund af uerfarenhed og stadig mangel på færdigheder med at bemærke alvorlige fejl i tegningen, for ikke at nævne tonen. Et sådant uventet udseende vil hjælpe dig med at se denne eller den fejl, som viste sig at være svær at være opmærksom på på grund af manglende evne til kritisk at se på din egen tegning.

Den sidste fase af arbejdet med en stillebentegning er relateret til tegnerens evne til at fuldende billedet, dvs. bringe billedet i overensstemmelse med det generelle visuelle indtryk med en problemfri opfattelse af fuldskalaproduktionen.

1. Hvad er stadig liv?
2. Hvor mange stadier af at male et stilleben skal du igennem?
3. Hvad forstår du ved udtrykket "layout"? Hvilken rolle spiller layout i en tegning?
4. Hvorfor skal en fuldskalaproduktion ikke opfattes i dele, men som en helhed?
5. Hvad vil det sige at anvende streger på en formular?
6. Hvad er den metodiske sekvens af at arbejde med et stilleben?
7. Hvordan forstår vi begrebet "generalisering af en tegning"?

I dag kender alle uden undtagelse akvarel maling fra tidlig barndom. Alle tegnede med dem mindst én gang i deres liv. Allerede fra børnehaven lærer børn at håndtere maling og en pensel, påføre strøg og lave enkle tegninger. Men for ikke så længe siden, indtil det 19. århundrede, var akvarel ikke særlig populær blandt kunstnere. Det menes, at fødestedet for denne maling er Kina. I dette land blev der skabt papir, hvorpå mestre afbildede deres kreationer ved hjælp af denne type maling.

Efterhånden opnåede akvarel sin plads i solen og fandt sin anvendelse blandt mange kunstnere fra hele verden. Teknikken til at male med sådanne malinger giver dig mulighed for at opnå en særlig effekt af en vis mystik, illusoriskhed, gennemsigtighed og lethed af sammensætningen i det skabte billede. Kun ved første øjekast synes denne tegnemetode vanskelig. Faktisk er der absolut intet svært her. Du kan nemt få styr på det ved at bruge vores trin-for-trin vejledning.

I dagens artikel lærer du, hvordan du maler et stilleben med akvareller. Stillebenmaleri dette efterår kan tiltrække næsten alle. I første omgang skal vi vælge, hvad vi vil gengive i billedet. For at få et stilleben til at virke lyst og smukt, skal frugter og grøntsager være anderledes. De skal variere i farve, form og størrelse. Vi vil tage grøntsager, nemlig aubergine, agurk og gulerødder. De grøntsager, vi har udvalgt, er fuldstændig kompatible og adskiller sig fra hinanden i alle aspekter. Lad os nu forberede materialerne og værktøjerne.

Du skal bruge det enkleste og mest almindelige sæt:

• Hvidt ark papir til akvarel
• Pensler
• Beholder med vand
• Simpel blyant
• Viskelæder
• Palette

Før du begynder at arbejde på stilleben, er det værd at fugte de akvarelfarver, vi skal bruge, let.

Trin 1

Jeg skal tegne en tegning med en simpel blyant. Du skal bruge enkle og bløde, næsten umærkelige linjer for at skitsere konturerne af grøntsagerne. På dette stadium beslutter vi, fra hvilken side lyset vil falde. For at gøre det nemmere at navigere, har vi skitseret solen på skitsen, som senere vil blive slettet med et viskelæder. Du skal også være opmærksom på skyggelinjen, som vi vil tegne senere.

Trin 2

Når skitsen er klar, kan du begynde at arbejde i akvareller. For at gøre dette vælger vi et element i designet og fugter det med en fugtig børste. I vores tegning blev agurken dette første element i maleriet. Nu vælger vi en meget lysegrøn maling og børster den på agurken.

Husk, vi vil ikke bruge rene farveløsninger. For at få den eller den farve skal du blande farverne med hinanden på paletten, som vi har forberedt. I mellemtiden, mens overfladen af ​​agurken er våd, vil vi mørkere den lidt. Husk blot at efterlade en lille refleksion over grøntsagen.

Trin 3

Lad agurken stå og lad malingen tørre på den, og lad os gå videre til det andet element. Nu skal vi dekorere gulerødderne. Vi vil gøre dette på samme måde som i det første tilfælde med agurken.

Vi skildrer figuren gradvist, bevæger sig fra lyse til mørke nuancer. Når du maler med akvareller, skal du justere tonen.

Trin 4

Vi har stadig en grøntsag mere tilbage, som ikke er blevet tegnet. Dette er en aubergine. Vi vil tegne det på samme måde som i de to foregående tilfælde, efter de samme principper.

Glem ikke også solens blænding. I tilfælde af blænding afhænger det hele af, hvor skinnende overfladen af ​​selve objektet er. Jo mere den skinner, jo mere synlig og lysere vil strålen være. Størrelsen af ​​et sådant højdepunkt afhænger direkte af grøntsagens størrelse og dens farve på overfladens glathed. I vores tilfælde er der slet ingen blænding på guleroden, men på auberginen er der den største blænding, på grund af den glatte overflade. Og blændingen på den er den klareste.

Trin 5

Lad os gå tilbage til den indledende fase med at tegne en agurk. Den mørke skygge vil bare ligne en rigtig grøntsag og vil også understrege dens form.

Trin 6

Vi vil udføre de samme handlinger med andre grøntsager. I dette tilfælde er det nødvendigt at formidle funktionerne i hvert objekt korrekt: farve, størrelse, struktur, form. Husk, at hvert hul har mere mørk nuance. Jo dybere hullet er, jo mørkere er dets farve.

Egenskaberne ved hvert element skal understreges i overensstemmelse med naturlige grøntsager.

Trin 7

Når man ser på tegningen, ser det ud til, at alt hænger i luften; vi skal tilføje skygger, der falder fra grøntsagerne. De mørkeste skygger vil være nær og under grøntsagerne.

Vi skal være færdige med at male den grønne top af auberginen.

Trin 8

Da gulerødderne viste sig at være lidt blege, skal vi rette dette og tilføje en naturlig farve til det. For at gøre dette tager vi rig orange maling og påfører den på gulerødderne. Hvis farven stadig ikke er mættet nok, gentag proceduren igen.

Vi tilføjer mørkegrønne riller til agurken, såvel som bumser, der er karakteristiske for denne grøntsag. Og på guleroden vil vi tilføje en fordybning mørkere end hovedfarven. Lad os nu gå videre til auberginen. Vi vil gøre den side, der ikke modtager lys, mørkere. For at gøre dette, lad os tage en mere mættet skygge. Paletten skal have et tilstrækkeligt antal farver, eller endda tre nuancer af hver farve. Nu skal vi lade tegningen tørre. Så ser vi nøje på alle detaljerne. Hvis du ikke kan lide noget, kan du rette det og tilføje andre nuancer, der er mørkere end dem, der allerede er på billedet. Hvis alt passer dig, og du er tilfreds med det, du ser på tegningen, kan arbejdet betragtes som afsluttet.

Arbejder med disse figurer hovedprincip- tegne på våde overflader. Lige så vigtigt er det at blande farver for at få den rigtige nuance. Det vigtigste er at prøve at arbejde med forskellige farver og nuancer, og ikke kun bruge almindelige farver.

Hvordan man tegner et stilleben - lad os starte med et simpelt, for eksempel fra det forberedende stadium og gradvist nærme os tegningen af ​​selve stillebenet. På på dette tidspunkt, for en bedre forståelse af, hvad vi laver, foreslår jeg følgende få øvelser. Du er ikke den eneste, der tegner stilleben, og især ikke i fart? Du har virkelig brug for god viden, som kan give et godt praktisk grundlag, ikke? Så lad os se på emnet - hvordan man tegner et stilleben ved hjælp af disse øvelser.

Udvikling af proportionale synsevner gennem sammenlignende analyse mængder:

Find enten flasker eller dåser - det er lige meget hvad, bare ikke særlig komplicerede. Du stiller dem op måske fire eller seks gange og træner dine øjne. Prøv at analysere højden og bredden af ​​hvert objekt og deres forhold til hinanden. I første omgang kan du kun tegne konturer. Vi tegner alle objekter på objektplanet. Sådan her:

En anden opgave:

Lav en tegning af et sammenkrøllet ark papir, pap, med en analyse af brudplanerne. Bemærk, at hvert ansigt ligner en terning. Når du forstår dette, virker opgaven ikke svær. Denne øvelse er meget nyttig til at udvikle øjet. Sådan her:

Sværere opgave:

Hvordan man tegner et stilleben

Så vi gik glat videre til at tegne selve stillebenet. Men nu er du mere forberedt på at opfatte materialet godt. Vi tegner et stilleben under hensyntagen til placeringen af ​​sammensætningen i arket (se sammensætning i figuren). Vi fanger stillebenets karakter – uanset om det er aflangt i længden eller i bredden. Det er nødvendigt at tage hensyn til objektplanet, fordi alle objekter ligger på det og ikke hænger i luften. Vi finder grænserne for stilleben i arket, der trækker sig tilbage 10 centimeter fra toppen af ​​arket, 7 centimeter på siderne og 3 cm fra bunden. Skynd dig ikke, det vigtigste er at starte korrekt for ikke at "skrue op" alt arbejdet senere. Skynd dig ikke, for nu finder vi de grundlæggende proportionale forhold i et stilleben:

Når du under hensyntagen til proportionerne har bestemt grænserne for stillebenet på arket, er det tid til at finde grænserne og proportionelle forhold for hvert objekt separat. Vi fastlægger proportioner ud fra tre punkter. Du bør under ingen omstændigheder begynde at tegne detaljerne i stillebenet eller tilføje skygge. Hvis du senere bemærker, at du et eller andet sted ikke fangede proportionerne, bliver du nødt til at slette alt, hvad du tegnede der. Som følge heraf vil arbejdet i begyndelsen blive overskrevet, og det er uvist, hvordan det vil være i slutningen:

Hvis du gjorde alt korrekt, hvile, drik te, i et ord, gør noget for ikke at se på arbejdet og give dine øjne en pause. Tro mig, om 20-30 minutter vil du se noget, du ikke har set før. Hvis du finder en fejl et sted, skal du rette den, det er ikke for sent. Hvis alt er i orden, går vi videre.

Når du har fundet en plads på arket til hver genstand i dit stilleben, så se på kompositionen: hver genstand indeholder geometriske former eller en kombination af dem. Tegn hvert objekt mere tydeligt, idet du forstår, at hvert objekt indeholder grundlaget for en eller anden geometrisk form. Tegn med perspektiv. Der er ingen grund til at overdrive det med blyanttryk. Tegn med en grafitblyant T, TM, så tegningen bliver gennemsigtig og ren.

Læg skyggen ud:

Lad os derefter begynde at skygge. Lad os bestemme, hvor vi har lys og skygge i vores stilleben. Nu har vi ikke brug for halvtoner. Vi rører ikke lyset, men skygger skyggen med alle halvtonerne med en blyant. Blæk ikke, ellers har du ikke blyantstyrke nok til de sidste mørkeste faldende skygger.

Når vi har defineret lys og skygge, er det tid til at gennemgå alle de øvelser, vi har lært i afsnittet om grundlæggende tegninger. Vi placerer skygge på objektet, hvor chiaroscuro vil blive fordelt efter genstandens form. Objekter, der bevæger sig i perspektiv, vil blive tegnet blødere. Forgrund fremhævet. Hvis det er svært, så vend tilbage til tegningens grundlæggende side og gentag alt igen. Grundlæggende burde du ende med noget som dette: