Sejarah teater kembali ke Greece purba lebih daripada dua ribu tahun yang lalu. Seni yang paling kuno berasal sebagai hiburan yang menakjubkan untuk orang ramai, adegan perayaan pelakon berkostum. Persembahan pada asalnya ditetapkan bertepatan dengan Great Dionysius, hari raya keagamaan yang hebat.

Kini teater itu sudah pasti sesuatu yang lebih daripada perarakan nyanyian lelaki berkulit kambing melalui bandar. Beliau menjadi seni tinggi, cara rekreasi masyarakat tinggi, tempat pencerahan budaya. Sejarah teater adalah proses pembangunan yang menarik yang berterusan sehingga hari ini. Kami akan memberitahu pembaca dalam artikel kami. Anda juga akan menemui banyak fakta menarik dalam bahan yang dibentangkan. Jadi, mari kita mulakan.

Mulakan

Athens pada abad ke-5 SM. e. persembahan teater adalah sebahagian daripada cuti keagamaan. Perarakan dengan patung Dionysus diiringi dengan nyanyian ceria dan permainan dramatik. Kita boleh katakan bahawa sejarah teater Athens bermula sebagai persembahan amatur untuk bilangan yang kecil orang yang melihat. Pada mulanya, hanya tragedi yang dipentaskan, komedi mula ditayangkan kemudian. Perlu diperhatikan bahawa drama, sebagai peraturan, hanya ditayangkan sekali. Ini merangsang pengarang untuk mencipta karya yang relevan dan menarik. Penulis drama bukan sahaja menulis drama itu, dia adalah peserta penuh dalam persembahan itu, memainkan peranan sebagai pengarah, komposer, koreografer dan juga pelakon. Sememangnya, mereka ini adalah orang yang sangat berbakat.

Tetapi untuk menjadi choreg (ketua koir), bakat yang hebat tidak diperlukan. Apa yang mereka perlukan hanyalah wang dan hubungan dengan pegawai kerajaan. Tugas utama choreg adalah untuk membayar bil, selesai sokongan material dan sokongan teater. Pada masa itu tempat pertandingan, choreg, penyair dan protagonis memenanginya. Pemenang telah dinobatkan dengan ivy dan dianugerahkan hadiah. Kemenangan diberikan kepada mereka dengan keputusan juri.

Fakta yang menarik ialah orang Rom purba adalah peminat realisme sebenar. Pengeluaran itu dianggap ideal di mana pelakon itu membiasakan diri dengan peranan sebanyak 100% - jika perlu, dia perlu bersedia walaupun untuk mati.

Tidak ada bumbung di teater Yunani, penonton dan pelakon, sebenarnya, berada di jalan. Saiz teater purba adalah besar, mereka boleh memuatkan dari 17 hingga 44 ribu orang. Pada mulanya, platform kayu digunakan untuk menempatkan penonton, kemudian cerun batu semula jadi disesuaikan untuk teater. Dan hanya kemudian, pada abad IV SM. e., sebuah teater batu telah dibina.

Anda mungkin akan berminat untuk mengetahui bahawa kerajaan, bermula dengan Pericles, membolehkan untuk melawat teater dan menyertai keindahan walaupun kepada rakyat yang kurang bernasib baik dari segi kewangan. Untuk melakukan ini, setiap satu telah diperuntukkan subsidi untuk satu lawatan ke teater, dan pada masa hadapan untuk tiga lawatan.

Sejarah teater purba mempunyai satu ciri yang menonjol: para pelakon memainkan peranan mereka tanpa bantuan mimik muka mereka sendiri. Ia digantikan dengan pelbagai jenis topeng, selalunya sangat mengerikan. Pelakon itu memberi banyak perhatian kepada pergerakan badan, pakaian. Pelakonnya adalah lelaki, walaupun pada peranan wanita. Mereka menduduki kedudukan istimewa dalam masyarakat dan dikecualikan daripada cukai.

Fakta menarik ialah Livy Andronicus, seorang penulis drama Rom kuno, menjadi bapa kepada "fonogram" pertama di dunia. Dia ditinggalkan tanpa suara, tetapi keluar dari situasi itu dengan mencari seorang budak lelaki yang bercakap untuknya.

Beberapa istilah teater purba

Banyak definisi yang digunakan dalam teater purba telah bertahan hingga ke hari ini. Kamus kecil istilah zaman purba dipersembahkan untuk perhatian anda di bawah:

• Orkestra - sebahagian daripada teater dengan bentuk bulat dengan dua pintu masuk, direka untuk persembahan koir dramatik dan lirik. Di teater Athens, diameternya ialah 24 meter.
• Skene adalah tempat untuk menukar pakaian. Ia pada asalnya adalah khemah ringkas, kemudian disambungkan dengan serpihan hiasan adegan, sebagai contoh, di latar belakang.
• Proskenium - tiang di hadapan skene.
• Paraskenium - bangunan luar batu sisi.
• Pentas - sebuah bukit di atas orkestra, di mana pelakon mula bermain pada zaman dahulu.
• Ekkiklema ialah platform mudah alih yang diperbuat daripada kayu yang membolehkan anda mengubah adegan dan menggerakkan pelakon di sekitar pentas.
• Koturny - kasut dengan tapak tinggi, mengingatkan panggung. Dengan bantuan kasut sedemikian, pelakon menjadi lebih tinggi, lebih mengagumkan dan serupa dengan makhluk mitos.

Fakta yang luar biasa ialah di Romlah ungkapan "Finita la commedia" pertama kali diucapkan.

Boneka dalam dunia teater

Sejarah teater boneka berasal dari Mesir, di mana para pendeta menggunakan boneka dewa Osiris untuk melakukan tindakan ritual. Pada mulanya, teater boneka hanyalah ritual dan ritual, tetapi kini konotasi keagamaannya sudah pudar. Teater boneka ritual dan ritual yang terkenal terdapat di banyak negara: Jepun (Bunraku), Indonesia (Wayang), Catalonia (El Pastores), Belarus (Batleika) dan lain-lain.

Dalam sejarah teater boneka di Amerika, teater yang dicipta pada tahun 1962 dengan nama "Bread and the Doll" menonjol. Ia menampilkan anak patung papier-mâché gergasi, nuansa politik yang jelas, dan hidangan roti yang lazat di pintu masuk. Interaksi sedemikian antara pelakon dan penonton adalah simbolik: seni teater harus sedekat mungkin dengan orang ramai.

Anak patung berbeza dalam saiz dan rupa. Terdapat jari dan sarung tangan, rotan dan tablet, boneka dan boneka gergasi. Menjadi pelakon dalam teater boneka tidak begitu mudah, kerana anda perlu dapat menghidupkan semula objek tidak bernyawa, menganugerahkannya dengan watak dan suara.

Ciri ciri mana-mana teater boneka ialah cemuhan sesuatu, kehadiran moral, elemen pendidikan dalam adegan. Tidak kira berapa umur penonton teater boneka itu, dia akan mendapati di sana bukan sahaja sesuatu untuk ditertawakan, tetapi juga sesuatu untuk difikirkan. Selalunya wira dalam teater boneka tidak menarik, malah watak hodoh, contohnya, Terbuka Perancis dengan hidung mancung.

Anda mungkin akan berminat untuk mengetahui bahawa pelakon tidak selalunya orang kaya. Dalam sejarah teater boneka di Amerika, terdapat fakta bahawa penonton teater dapat melihat produksi sebagai pertukaran untuk makanan.

Drama

Sejarah teater drama bermula sejak zaman dahulu. Ini adalah salah satu bentuk seni, bersama dengan teater boneka, pantomim, opera dan balet. Ciri pembezaan utama teater dramatik ialah aksi pelakon digabungkan dengan kata-kata yang diucapkannya. Ucapan pentas diberi perhatian khusus dalam pelbagai genre ini. Asas persembahan dramatik ialah drama. Dalam proses lakonan, improvisasi boleh dilakukan, aksi itu mungkin termasuk menari, menyanyi. Permainan itu berdasarkan karya sastera. Jurubahasa utama sesebuah drama atau skrip ialah pengarah.

Agak luar biasa ialah hakikat bahawa pekerja teater percaya bahawa menggugurkan skrip adalah tidak baik. Jika masalah ini berlaku, anda pasti perlu duduk di atasnya.

Kemunculan tradisi teater dalam negeri

Sejarah teater di Rusia dibahagikan kepada beberapa peringkat:

• Permulaan ("suka bermain").
• Tengah.
• matang.

Pentas suka bermain

Seperti di Rom kuno, sejarah teater di Rusia bermula sebagai pekerjaan yang tidak begitu serius. Persembahan teater dipanggil "keseronokan", dan persembahan - "permainan". Sebutan kronik pertama tentang buffoon bermula pada tahun 1068. Malah, sesiapa sahaja boleh menjadi pelakon yang menghiburkan. Dari sudut agama, kegiatan kerbau adalah memalukan. Dalam catatan sejarah mereka dipanggil hamba syaitan, dan ejekan, sindiran dan penyamaran adalah dosa. Sindiran tajam tidak dialu-alukan oleh gereja, bagaimanapun, ini tidak menghalang sesiapa pun.

Buffoonery juga tidak dianggap sebagai seni yang menyenangkan pihak berkuasa, sebaliknya, tema sosial yang tajam adegan, mempersendakan kekurangan moden menjadikan pelakon berbahaya dan berbahaya. Tetapi orang ramai suka menonton dan ketawa melihat persembahan badut. Walau bagaimanapun, perlu difahami bahawa teater klasik, seperti yang kita ketahui sekarang, tidak berkembang daripada adegan buffoon ini, tetapi secara bebas daripada mereka, malah walaupun begitu.

peringkat pertengahan

Peringkat seterusnya dalam sejarah teater Rusia adalah pertengahan antara suka bermain dan matang. Dalam fasa ini, pembesar istana dan teater sekolah. Pada masa itu, Tsar Alexei Mikhailovich memerintah, pelakon teater mahkamah adalah orang asing, teater sekolah adalah pelajar. Selepas kematian Alexei Mikhailovich, aktiviti teater mahkamah telah digantung sehingga Peter I berkuasa. Dia melayan "cermin mata" secara positif, tetapi, sebagai tambahan kepada hiburan, dia juga dikurniakan fungsi propaganda. Pada tahun 1702, sebuah teater untuk orang ramai muncul - teater awam. Bangunannya dipanggil "Kuil Komedi", di mana persembahan diberikan oleh rombongan Jerman. Rakyat tidak menerima teater ini. Walaupun Peter I tidak mencapai matlamatnya, tidak menjadikan teater sebagai tempat kegemaran orang ramai, awam dan popular, tetapi dia meletakkan semua prasyarat yang diperlukan untuk ini.

Peringkat matang dalam sejarah seni teater

Tempoh ini dalam sejarah penciptaan teater di Rusia adalah yang paling penting. Pada peringkat ini, teater mula memperoleh ciri-ciri yang biasa kepada manusia moden, dan terbentuk dalam komuniti profesional yang serius. Pada 30 Ogos 1756, permulaan telah diberikan, iaitu, Teater Imperial dibuka. Tarikh yang sama ialah hari penubuhan Teater Alexandrinsky di St. Petersburg. Ia berlaku di bawah Elizabeth Petrovna.

Ciri teater pada masa itu ialah penyertaan serentak dalam produksi kedua-dua Rusia dan artis luar negara. Pada peringkat inilah pelaksanaan peranan mula-mula diamanahkan bukan sahaja kepada lelaki, tetapi juga kepada wanita. Catherine II sangat mementingkan teater, di bawahnya terdapat tiga rombongan di St. Petersburg, sejumlah besar wang dibelanjakan untuk pembangunan industri ini.

Sebagai tambahan kepada pembangunan negara, Catherine memberi perhatian kepada teater peribadi golongan bangsawan, terdapat, sebagai contoh, teater Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev. Malah di wilayah, rombongan tuan tanah mereka sendiri telah diwujudkan. Sebuah teater Rusia sedang dibina, iaitu produksi itu sendiri, berdasarkan model rakan sekerja Perancis mereka. Di ketua sekolah lakonan Perancis ialah I. A. Dmitrevsky, yang membesarkan lebih daripada satu generasi pelakon yang cemerlang.

Adakah kamu tahu?

Kami mempersembahkan lagi kepada pembaca fakta yang menghiburkan daripada sejarah seni teater.

Pada masa Pushkin masih hidup, teater di Rusia tidak sepenuhnya diduduki. Barisan belakang diduduki oleh orang yang berdiri di atas kaki mereka sepanjang persembahan.

Satu drama penting dalam sejarah seni teater Rusia ialah "Undergrowth" oleh D. I. Fonvizin, yang menjadi percubaan pertama untuk mengejek pegawai, bangsawan, watak tipikal abad ke-18. Staroduma ( perwatakan positif) adalah yang pertama bermain hanya Dmitrevsky yang disebutkan di atas.

Pada tahun 1803, teater empayar telah dibahagikan. Dramatik dan kumpulan muzik, opera dan balet, sebagai sebahagian daripada muzik. Penguasaan sekolah Perancis bermain di pentas Rusia berlangsung hingga abad ke-19. Pada masa itulah teater Rusia akhirnya bangkit dan pergi dengan caranya sendiri. Pengalaman yang diterima pakai menjadi asas yang baik, dan penemuan komposer, pelakon, penari Rusia berbakat baru menaikkan teater ke tahap yang tinggi.

P. N. Arapov adalah yang pertama menerangkan keseluruhan sejarah teater Rusia dalam satu ensiklopedia - "Chronicles of the Russian Theatre". Majalah teater dan pengkritik profesional muncul. Oleh itu, perkembangan teater memberi dorongan, antara lain, kepada kesusasteraan Rusia.

Teater paling terkenal di Moscow

Sejarah Teater Bolshoi bermula pada 28 Mac 1776. Pada hari ini di Moscow bahawa Permaisuri Catherine II menandatangani "keistimewaan" untuk Putera Peter Urusov, yang membolehkannya mengekalkan teater selama sepuluh tahun. Ia pada mulanya dipanggil Teater Petrovsky (sebagai penghormatan kepada jalan di mana pintu masuk itu pergi). Pada tahun 1805, bangunan itu terbakar sepenuhnya, arkitek Osip Bove mencipta projek baru. Pada tahun 1820, pembinaan bermula, berlangsung selama 5 tahun.

Teater yang dibina menjadi lebih besar, itulah sebabnya ia mendapat namanya. Bangunan yang indah, harmoni, kaya ini menggembirakan penduduk Moscow sehingga 1853, apabila kebakaran kedua berlaku. Kali ini, pembinaan semula telah diamanahkan kepada arkitek Albert Kavos. Teater itu telah dipulihkan pada tahun 1856. Teater Imperial Bolshoi menjadi terkenal bukan sahaja di Rusia, tetapi juga di dunia: ia mempunyai akustik yang sangat baik. Pada tahun 1917, selepas Revolusi, nama itu ditukar kepada Teater Bolshoi Negeri. Hiasan itu ditambah dengan simbol Soviet.

Dia cedera parah semasa Perang Patriotik Besar, mengambil bom. Bangunan itu dibina semula. Sehingga tahun 1987, bangunan itu hanya menjalani pembaikan kosmetik kecil. Kini Teater Bolshoi adalah sebuah bangunan dengan adegan baru di mana anda boleh menggunakan kesan moden. Pada masa yang sama, ia telah mengekalkan semangat seni bina klasik, akustik "tandatangan", yang memberikannya hak untuk dianggap sebagai salah satu teater terbaik di dunia. Ini adalah sejarah Teater Bolshoi.

Dan akhirnya, satu lagi, fakta yang tidak kurang menarik. Filem ditetapkan sepenuhnya atau sebahagiannya dalam teater: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black swan", "The Puppeteer", "A Terribly Big Adventure" , "Shakespeare in Love", "Pembunuhan di Pekan Kecil", "Orfevre Quay".

Sejarah teater (drama dan genre lain seni ini) akan terus berkembang, kerana minat terhadapnya tetap tidak berubah selama lebih dari dua ribu tahun.

Untuk sesiapa manusia moden teater telah menjadi sebahagian daripada aktiviti kebudayaan yang dirancang. Dan ramai yang berminat dengan sejarah kemunculan teater, kerana ada satu tempoh yang tiada teater? Sukar untuk diingati apabila ia berlaku, kerana teater pertama kali muncul dalam komuniti primitif.

Pada masa yang jauh itu, orang masih tidak faham mengapa hujan turun, mengapa tiba-tiba menjadi lebih sejuk dan bagaimana mereka bersalah di hadapan Yang Maha Kuasa bahawa dia menurunkan salji atau hujan lebat. Supaya tiada apa yang mengancam mereka, mereka cuba mengadakan upacara teater sebelum setiap acara penting. Maklumat mengenai acara sedemikian memberi kami peluang untuk memahami bagaimana teater itu muncul dan mengapa begitu banyak perhatian diberikan kepadanya.

Dari primitif kepada moden

Teater primitif, sudah tentu, tidak seperti pengeluaran kontemporari. Tidak timbul soal profesionalisme atau bakat di sini - orang ramai cuba mempertontonkan acara mengikut perasaan mereka, meletakkan jiwa dan semua pengalaman mereka ke dalam setiap acara. Mereka benar-benar percaya bahawa lebih banyak emosi mereka boleh menyampaikan pengabdian mereka, lebih baik hasil tuaian, sebagai contoh. Semua ini diiringi oleh muzik dan lagu-lagu improvisasi.

Kemudian, di suatu tempat pada milenium ketiga SM. di Mesir, lebih banyak sketsa teater yang teratur telah diadakan tentang penaung artis dan petani. Greece menjadi tempat kelahiran persembahan karnival, yang dianjurkan terutamanya di udara terbuka. Teater rakyat popular di sini. Pelakon hampir selalu terpaksa memakai topeng.

Renaissance - dalam tempoh ini, kebanyakannya persembahan komedi dipentaskan. Mereka dipentaskan di dataran bandar, dan ramai orang berkumpul untuk menonton tontonan itu.

Di suatu tempat pada akhir abad ke-16. - pada awal abad ke-17, dunia mengiktiraf opera, dan hanya kemudian, pada pertengahan abad ke-18, balet muncul, operetta pertama muncul hanya pada pertengahan abad ke-19.

Pengeluaran tahun lepas hari ini

Bercakap tentang teater abad ke-18 dan ke-19, kita sudah bercakap tentang persembahan dan produksi di mana pelakon berbakat mengambil bahagian. Mereka dipentaskan dan teater itu sendiri berbeza secara radikal daripada yang primitif dan Renaissance. Oleh itu, sejak akhir abad ke-19, pengeluaran balet The Nutcracker yang hebat datang kepada kami. Dan pada zaman itu, dan sekarang tidak tersedia untuk semua orang. Ini disebabkan, sudah tentu, populariti pengeluaran yang hebat dan sentiasa berkembang. Jika sebelum ini hanya golongan elit, tuan-tuan dan puan-puan yang mampu memiliki kemewahan seperti teater, hari ini ia tersedia untuk semua orang. Walaupun gembar-gembur mengenai tiket, orang ramai terus mencari cara alternatif untuk membeli tiket. Jadi, sebagai contoh, anda boleh memesannya di laman web kami. Ini akan menyelamatkan anda daripada beratur dan situasi tidak menyenangkan yang tidak dijangka.

Hari ini teater telah mengambil rupa yang berbeza. Ia telah menjadi simbol dan kebanggaan di setiap negara. Ensemble seni bina, reka bentuk hiasan dan dewan yang luas, potret penyair terkenal, pengarah dan pencipta teater, sebagai peraturan, sentiasa menghiasi dewan. Pada adegan kontemporari kita sering melihat persembahan yang pertama kali dipentaskan di bawah Tsar. Ya, mereka telah menjalani beberapa pelarasan, mungkin ada yang telah dibuat lebih banyak kejadian sebenar, dan di suatu tempat pengarah artistik memutuskan untuk menambah iringan muzik, menggabungkan opera dengan balet. Tetapi, bagaimanapun, ini masih mengesahkan sekali lagi bahawa teater itu sentiasa berada di masa lalu, dan pada masa hadapan ia akan menarik perhatian penonton, walaupun persembahan abad yang lalu dipersembahkan di atas pentas - ini adalah sejarah kita dan bagi kebanyakan orang ia merupakan komponen penting dalam pembentukan budaya dan tradisi.

Manusia moden kadang-kadang memandang rendah teater, membuat pilihannya memihak kepada pawagam. Walau bagaimanapun, sedikit yang boleh dibandingkan dengan seni teater. Teater Rusia telah berjalan jauh dari pembentukannya hingga menerima gelaran salah satu yang terbaik di dunia. Kami menjemput anda untuk mengingati sejarah penciptaannya bersama kami.

Di Rusia, seni teater mula berkembang lebih lama daripada di kebanyakan negara Eropah dan Asia. Tetapi pada masa yang sama, buffoon memberikan persembahan, serta pemuzik jalanan yang menceritakan epik dan legenda, melawat wilayah Rusia moden.

Pencipta pertama, boleh dikatakan teater profesional yang dipanggil "Rumah Agam Komedi" dianggap sebagai salah seorang raja pertama dinasti itu Romanov Alexey Mikhailovich. Walau bagaimanapun, selepas kematiannya, ahli gereja, yang tidak berpuas hati dengan koir, memusnahkan teater.

Dalam tempoh yang sama, pemilik tanah kaya mula mencipta teater mereka sendiri di mana budak-budak bermain. Penaung serius teater ialah Peter I. di mana Maharaja Rusia menuntut bahawa persembahan dalam bahasa Rusia dan "tidak terlalu serius, tidak terlalu lucu, tidak mempunyai hubungan cinta dan tidak akan terlalu sedih."

Selepas kematian Peter, seni teater tidak lagi disokong oleh para penguasa, dan hanya selepas berkuasa. Anna Ioannovna ia sekali lagi menerima subsidi kerajaan.

Sejarah penciptaan teater negeri di Rusia, menurut kebanyakan pakar, bermula dengan penubuhan bangsawan kor kadet, di mana studio teater pertama telah dianjurkan dan anak-anak bangsawan diajar seni lakonan. Pada masa yang sama, teater profesional pertama di Rusia muncul Yaroslavl atas dasar rombongan pedagang Fyodor Volkov.

Dengan masa teater Rusia bertambah baik dan mendapat peminat daripada pelbagai segmen penduduk.

Teater Bolshoi: sejarah penciptaan

Teater Bolshoi, yang terletak di tengah-tengah Moscow, berhak menyandang gelaran kuil seni dan teater opera dan balet yang terkenal di dunia. Perlu diperhatikan bahawa Teater Bolshoi mempunyai dua "hari lahir" - Mac 1776 dan Januari 1852. Namun begitu, tarikh pertama dianggap sebagai tarikh yang diterima umum.

Pada mulanya, Teater Bolshoi dibina di Dataran Petrovsky dan, dengan itu, dipanggil Petrovsky. Pengasas teater itu ialah Putera Pyotr Vasilyevich Urusov, yang menerima kebenaran tertinggi daripada Catherine II mengenai kandungan konsert, persembahan teater dan penyamaran.

Malangnya, Teater Petrovsky terbakar ke tanah sebelum pembukaannya, yang sangat memburukkan kedudukan Urusov. Putera raja menyerahkan urusan kepada orang Inggeris Michael Medox yang telah lama menjadi pendampingnya. Teater Petrovsky Medox berdiri selama dua puluh lima tahun, di mana ia juga berulang kali terbakar dan mengalami banjir.

Kemudian, pada tahun 1821, pembinaan bangunan asas untuk Teater Bolshoi bermula mengikut reka bentuk Andrei. Mikhailova dan Osip beauvais yang berlangsung selama empat tahun.

Sejak itu, di sebalik semua peperangan, kebakaran dan malapetaka lain, teater lapan lajur dengan kereta kuda Apollo naik di atas serambi, melambangkan pergerakan abadi kehidupan dan seni, di tengah-tengah ibu kota.

Bangunan Teater Bolshoi di dalam tidak kurang hebatnya daripada di luar. auditorium lima tingkat, pentas besar, akustik yang luar biasa, mural di siling, stuko berlapis emas, candelier kristal berbilang peringkat saiz besar dan keindahan lain dari hiasan Teater Bolshoi lebih daripada sekali memukau imaginasi dan memberi inspirasi kepada penulis drama, pelakon, penari, penyanyi, komposer dan pemuzik.

Bintang-bintang ballerina Rusia yang hebat, penyanyi, koreografer, pemuzik, komposer, pelakon dan wakil profesion kreatif lain menyala di pentas Teater Bolshoi. Di samping itu, artis luar negara yang hebat melayan dengan gementar khas cadangan untuk membuat persembahan di Teater Bolshoi.

Pelakon pertama dianggap Greek Thesipus, yang memenangi pertandingan puitis sebagai penghormatan kepada Dionysus.

Pada abad III SM. Orang Rom, yang diilhamkan oleh teater Yunani, mencipta versi drama Yunani purba mereka sendiri dan mementaskannya di peringkat dadakan. Pelakon dalam persembahan ini adalah hamba. Wanita hanya dibenarkan bermain peranan kecil. Memandangkan teater Rom terpaksa bersaing untuk mendapatkan perhatian penonton yang terbiasa dengan pergaduhan gladiator, hukuman mati awam, dan perlumbaan kereta kuda, drama semakin menyertakan adegan ganas dan jenaka kasar. Dengan penyebaran agama Kristian, idea-idea seperti itu berakhir.

Kemunculan teater Zaman Pertengahan

Kemudian, misteri mula bermain semasa cuti keagamaan lain, menyampaikan pelbagai cerita alkitabiah.

Teater Renaissance

Pada tahun 1576, bangunan teater pertama dibina di London, sebelum itu semua drama dimainkan di hotel, di pentas pameran atau di tengah-tengah dewan di istana dan rumah bangsawan. Ratu Inggeris Elizabeth I menaungi seni teater, dalam era yang membawa namanya, penulis drama profesional pertama muncul, yang paling terkenal adalah Shakespeare yang hebat, pelakon, tradisi menggunakan prop dan menukar pakaian semasa persembahan. Teater klasik akhirnya terbentuk pada pertengahan abad ke-18.

Anak patung Matryoshka dianggap sebagai cenderahati asal Rusia dan oleh itu sangat popular di kalangan pelancong yang datang ke Persekutuan Rusia dari negara berbeza. Yang lebih menarik ialah fakta bahawa patung-patung kayu yang dicat dengan keindahan elegan ini, melabur antara satu sama lain, jauh dari akar Rusia.

Matryoshka Rusia pertama

Prototaip seorang gadis Rusia berwajah bulat yang ceria, yang terkandung dalam anak patung bersarang klasik, dibawa ke Rusia dari Jepun pada awal abad ke-19. Cenderahati dari tanah matahari itu ialah patung kayu bersarang dari orang bijak Jepun Fukurum. Mereka dicat dengan indah dan digayakan dalam semangat tradisi negara ibu matryoshka moden.

Sekali di Bengkel Mainan Moscow, cenderahati Jepun memberi inspirasi kepada pemutar tempatan Vasily Zvezdochkin dan artis Sergei Malyutin untuk mencipta mainan yang serupa. Tukang-tukang membuat mesin dan melukis patung-patung serupa yang bersarang satu di dalam yang lain. Analog pertama cenderahati Jepun adalah seorang gadis bertudung dan gaun matahari, anak patung bersarang berikutnya menggambarkan kanak-kanak lucu yang comel - lelaki dan perempuan, pada anak patung bersarang kelapan yang terakhir, bayi yang dibedung telah ditarik. Kemungkinan besar, ia mendapat namanya sebagai penghormatan kepada nama wanita Matryona, yang tersebar luas pada masa itu.

Anak patung bersarang Sergiev Posad

Selepas penutupan bengkel di Moscow, pada tahun 1900, tukang di Sergiev Posad, dalam bengkel latihan dan demonstrasi, mengambil pembuatan matryoshkas. Jenis kraf rakyat ini telah meluas, bengkel Bogoyavlenskys, Ivanovs, Vasily Zvezdochkin, yang berpindah ke Posad dari Moscow, muncul tidak jauh dari ibu negara.

Dari masa ke masa, mainan cenderahati ini mendapat populariti sedemikian rupa sehingga orang asing mula memesannya dari tuan Rusia: Perancis, Jerman, dll. Anak patung matryoshka sedemikian tidak murah, tetapi ada sesuatu untuk dikagumi! Lukisan mainan kayu ini menjadi berwarna-warni, berhias, pelbagai. Artis menggambarkan gadis-gadis cantik Rusia dalam gaun panjang dan selendang dicat, dengan sejambak bunga, bakul dan simpulan. Pada awal abad kedua puluh, pengeluaran besar-besaran anak patung matryoshka untuk negara asing telah ditubuhkan.

Kemudian, anak patung bersarang maskulin muncul, sebagai contoh, menggambarkan gembala dengan seruling, pengantin lelaki bermisai, lelaki tua berjanggut dengan tongkat, dll. Mainan kayu dipasang mengikut pelbagai prinsip, tetapi coraknya, sebagai peraturan, mesti dikesan - contohnya, anak patung bersarang-pengantin lelaki dipasangkan dengan anak patung bersarang-pengantin perempuan dan saudara-mara.

Anak patung bersarang di wilayah Nizhny Novgorod

Lebih dekat dengan pertengahan abad ke-20, matryoshka tersebar jauh di luar Sergiev Posad. Oleh itu, di wilayah Nizhny Novgorod, pengrajin muncul yang membuat anak patung bersarang dalam bentuk gadis tinggi langsing dengan separuh selendang cerah. Dan tukang Sergiev Posad membuat mainan ini dalam bentuk wanita muda yang lebih jongkong dan subur.

Anak patung bersarang moden

Matryoshka masih dianggap sebagai salah satu simbol budaya Rusia. Anak patung bersarang moden dibuat dalam pelbagai genre: sebagai tambahan kepada lukisan klasik, potret tokoh politik terkenal, penyampai TV, bintang filem dan pop diletakkan pada mereka.

Di Sergiev Posad, di Muzium Mainan, terdapat koleksi anak patung matryoshka oleh pelbagai tuan pada permulaan dan pertengahan abad ke-20, serta anak patung matryoshka pertama, dicat artis terkenal Sergei Malyutin.

Video-video yang berkaitan

Konflik ialah pertembungan pendapat, kepentingan dan pandangan yang bertentangan. Ia direka untuk membantu memenuhi keperluan. DALAM situasi konflik setiap pihak berusaha untuk mencapai matlamatnya dan menyelesaikan masalahnya.

Punca-punca utama konflik keluarga: - keperluan yang tidak memuaskan untuk pengesahan diri; - keinginan pasangan untuk merealisasikan keperluan peribadi dalam perkahwinan; - ketidakupayaan untuk berkomunikasi antara satu sama lain; - cita-cita material yang berlebihan; isteri, bapa, ibu dan sebagainya;- jenis yang berbeza perangai; - tidak mahu melakukan dialog; - dingin seksual salah seorang daripada pasangan; - cemburu salah seorang daripada pasangan; - perzinaan; - tabiat buruk. Pakar pengurusan mengenal pasti punca konflik dalam pasukan berikut: 1. Sumber yang terhad. Sumber bahan, kewangan dan buruh sentiasa terhad. Tugas pengurus adalah untuk mengagihkannya secara optimum di kalangan pelbagai bahagian struktur organisasi. Tetapi, memandangkan agak sukar untuk melakukan ini kerana syarat kriteria pengagihan, sumber yang terhad itu tidak dapat tidak membawa kepada pelbagai jenis konflik.2. Saling kebergantungan tugas. Semua perusahaan terdiri daripada unsur-unsur yang saling bergantung, iaitu, kerja seorang pekerja bergantung pada kerja yang lain. Sekiranya pekerja individu atau satu unit bekerja dengan cara yang tidak sesuai, maka saling kebergantungan ini boleh menjadi punca konflik.3. Perbezaan persepsi, matlamat dan nilai. Biasanya dalam struktur organisasi dari semasa ke semasa terdapat proses pengkhususan, iaitu aktiviti di kawasan yang sempit. Akibatnya, bahagian struktur bekas mula dibahagikan kepada unit khusus yang lebih kecil. Struktur sedemikian membentuk matlamat baru dan mula memberi tumpuan untuk mencapainya, yang meningkatkan kemungkinan konflik.4. Perbezaan dalam Pengalaman hidup dan gelagat. Manusia berbeza antara satu sama lain. Terdapat personaliti yang terlalu agresif, autoritarian, tidak peduli kepada orang lain. Ini adalah yang paling sering memprovokasi konflik. Perbezaan pengalaman, pendidikan, tempoh perkhidmatan, umur meningkatkan kemungkinan pertembungan.5. Komunikasi yang lemah. Konflik boleh didorong oleh maklumat yang berlebihan, miskin Maklum balas, penyelewengan mesej. Gosip dalam pasukan memberikan kesegeraan khas kepada konflik. Mereka boleh bertindak sebagai pemangkin, mengganggu pekerja individu memahami keadaan sebenar. Masalah biasa pemindahan maklumat lain adalah tanggungjawab kerja pekerja yang tidak dibangunkan dengan jelas, pembentangan keperluan yang saling eksklusif untuk kerja.

Sumber:

• Konflik dalam pasukan: baik atau buruk

Nasihat 4: Asal usul nama keluarga anda: bagaimana untuk mengetahui sejarah

Setiap orang menghargai nama keluarga mereka. Setiap orang lambat laun mahu mendedahkan rahsia asal usulnya. Kami akan mengetahui apa yang pakar lakukan untuk mendedahkan rahsia asal usul nama keluarga.

Sejarah teater adalah dunia manusia

Teater Yunani purba

Asal usul drama dan teater Yunani purba.

Kemunculan drama di Greece didahului oleh tempoh yang panjang, di mana epik, dan kemudian lirik, menduduki tempat dominan terlebih dahulu. Kita semua tahu puisi epik heroik Iliad dan Odyssey yang kaya, puisi epik didaktik (instruktif) Hesiod (abad ke-7 SM); Ini adalah karya penyair lirik abad ke-6. BC.

Kelahiran drama dan teater Yunani dikaitkan dengan permainan ritual yang didedikasikan kepada tuhan penaung pertanian: Demeter, anak perempuannya Kore dan Dionysus. Tiga genre drama Yunani kuno berkembang daripada permainan dan lagu ritual untuk menghormati Dionysus: tragedi, komedi dan komedi satyr (dinamakan sempena koir, yang terdiri daripada satyr).

• Tragedi mencerminkan sisi serius kultus Dionysian.
• Komedi - karnival-satira.
• Drama satir dipersembahkan sebagai genre biasa. Watak permainan yang ceria dan pengakhiran yang bahagia menentukan tempatnya pada hari cuti sebagai penghormatan kepada Dionysus: drama satyr dipentaskan sebagai kesimpulan kepada persembahan tragedi.

Peranan idea-idea tragis dalam pendidikan sosio-politik dan etika sangat besar. Sudah pada separuh kedua abad VI SM. tragedi itu telah mencapai perkembangan yang ketara. Sejarah kuno melaporkan bahawa penyair tragis Athens pertama ialah Thespis (abad VI SM). Pengeluaran pertama tragedinya (namanya tidak diketahui) berlaku pada musim bunga 534 SM. pada Perayaan Dionysius Agung. Tahun ini dianggap sebagai tahun kelahiran teater dunia.

Dalam komedi, lebih daripada tragedi, motif duniawi bercampur dengan motif mitologi, yang secara beransur-ansur menjadi dominan atau bahkan satu-satunya, walaupun secara umum komedi masih dianggap khusus untuk Dionysus. Sketsa improvisasi ialah bentuk asas teater sandiwara rakyat dan dipanggil mime (diterjemahkan sebagai "tiruan", "pembiakan"; penghibur skit ini juga dipanggil mimes). Wira mime ialah topeng tradisional teater rakyat: bakal pahlawan, pencuri pasar, saintis penipu, bodoh yang menipu semua orang, dsb.

Teater Athens.

Seni teater Yunani kuno mencapai kemuncaknya dalam karya tiga tragedi besar abad ke-5 SM - Aeschylus, Sophocles, Euripides dan pelawak Aristophanes, yang aktivitinya menangkap permulaan abad ke-4 SM. BC. Penulis drama lain menulis pada masa yang sama, tetapi hanya serpihan kecil karya mereka telah sampai kepada kami, dan kadang-kadang hanya nama dan maklumat yang tidak seberapa.

Teater Helenistik.

Dalam era Hellenisme (abad VI-I SM), teater Yunani zaman klasik mengalami perubahan ketara berkenaan kedua-dua dramaturgi dan lakonan, dan seni bina bangunan teater. Perubahan ini berkait dengan keadaan sejarah baharu. Dalam teater era Helenistik, komedi dan tragedi masih dipentaskan. Tetapi dari tragedi abad IV. BC. hanya serpihan kecil yang bertahan, dan nampaknya merit artistik Tragedi Helenistik adalah kecil. Lebih banyak data tersedia untuk menilai komedi, kerana hanya satu drama dan beberapa petikan daripada drama lain oleh pelawak terhebat pada masa itu, Menander, telah sampai kepada kami.

Komedi era Helenistik dipanggil komedi Attic (atau neo-Attic) baharu. Motif cinta memainkan peranan besar dalam komedi baharu itu. Pengarang komedi Attic baru secara meluas menggunakan teori psikologi pelajar Aristotle Theophrastus, mengikut mana semua sifat watak ditunjukkan dalam penampilan seseorang dan dalam tindakannya. Penerangan fisiognomik Theophrastus sudah pasti mempengaruhi reka bentuk topeng, yang membantu penonton mengenali watak ini atau itu. Dalam komedi baru, pengaruh Euripides adalah ketara. Kedekatan ramai wiranya dengan kehidupan, pendedahan pengalaman emosi mereka - inilah yang diambil oleh komedi baharu itu daripada Euripides.

Seni bina teater Yunani purba.

Pada mulanya, tempat untuk persembahan disusun dengan sangat mudah: paduan suara dengan nyanyian dan tariannya dipersembahkan di atas platform-orkestra yang dihancurkan bulat (dari kata kerja orheomai - "Saya menari"), di mana penonton berkumpul. Tetapi sebagai kepentingan seni teater dalam sosial dan kehidupan berbudaya Greece, dan apabila drama menjadi lebih kompleks, terdapat keperluan untuk penambahbaikan. Landskap berbukit Greece mendorong susunan pentas yang paling rasional dan tempat duduk penonton: orkestra mula terletak di kaki bukit, dan penonton diletakkan di lereng.

Semua teater Yunani purba dibuka dan menampung sejumlah besar penonton. Teater Athens of Dionysus, sebagai contoh, boleh memuatkan sehingga 17,000 orang, teater di Epidaurus - sehingga 10,000 orang. Pada abad ke-5 BC. di Greece, jenis struktur teater yang stabil dibangunkan, ciri-ciri seluruh era kuno. Teater ini mempunyai tiga bahagian utama: orkestra, theatron (tempat untuk penonton, dari kata kerja teaomai - "Saya melihat") dan skene (skene - "khemah", kemudian struktur kayu atau batu).

Saiz teater ditentukan oleh diameter orkestra (dari 11 hingga 30 m) Skene terletak secara tangen pada lilitan orkestra. Dinding hadapan skene-proskenia, yang biasanya mempunyai rupa tiang, menggambarkan fasad kuil atau istana. Lakaran itu disambungkan oleh dua struktur sisi, yang dipanggil paraskenias. Paraskenii berfungsi sebagai tempat menyimpan pemandangan dan harta teater lain. Di antara skene dan tempat duduk untuk penonton, yang menduduki sedikit lebih daripada separuh bulatan, terdapat lorong-parodi, di mana penonton memasuki teater sebelum permulaan persembahan, dan kemudian koir dan pelakon memasuki orkestra. Dalam teater era klasik, perhatian penonton tertumpu pada perkembangan aksi, pada nasib watak, dan bukan pada kesan luaran. Susun atur teater Greek memberikan kebolehdengaran yang baik. Di samping itu, di beberapa teater, kapal bergema diletakkan di antara tempat duduk penonton untuk menguatkan bunyi. Tidak ada tirai dalam teater Yunani purba, walaupun ada kemungkinan bahawa dalam beberapa drama beberapa bahagian proscenium ditutup sementara daripada penonton.

teater Rom

Asal usul teater Rom.

Asal usul teater dan drama Rom kembali, seperti di Greece, kepada permainan ritual yang kaya dengan unsur karnival. Seperti itu, sebagai contoh, adalah perayaan Saturnalia, sebagai penghormatan kepada dewa Itali Saturnus. Keanehan percutian ini adalah "pembalikan" hubungan sosial yang biasa: tuan menjadi "hamba" untuk sementara waktu, dan hamba menjadi "tuan".

Salah satu asal usul teater dan drama Rom ialah perayaan menuai luar bandar. Malah pada zaman terpencil, ketika Rom adalah komuniti kecil Latium, cuti disambut di kampung-kampung berkaitan dengan penghujung musim menuai. Pada cuti ini, lagu-lagu riang biadab-fescennin dinyanyikan. Seperti di Greece, dua separuh koir biasanya membuat persembahan, bertukar-tukar jenaka, kadangkala mengandungi kandungan kaustik.

Setelah berasal semasa sistem puak, fescennin juga wujud pada abad-abad berikutnya, dan, menurut Horace, perjuangan sosial antara plebeian dan patrician tercermin dalam mereka. Ini adalah bagaimana saturas timbul (dalam terjemahan ia bermaksud "campuran"). Saturas ialah adegan dramatik yang bersifat domestik dan komik, termasuk dialog, nyanyian, muzik dan tarian.

Satu lagi jenis persembahan dramatik yang bersifat komik ialah Atellani, yang dipinjam daripada puak lain yang mendiami Semenanjung Apennine, yang dengannya Rom melancarkan peperangan berterusan. Belia mula berminat dengan permainan ini dan mula mengaturnya pada hari cuti. Terdapat empat watak komik berulang dalam atellan: Mack, Bukkon, Papp, dan Dossen. Atellani tidak mempunyai teks yang kukuh, jadi apabila mereka dipersembahkan, ruang lingkup yang luas untuk penambahbaikan terbuka. Mime juga kembali kepada drama rakyat. Seperti di Greece, mime mengeluarkan semula adegan dari kehidupan rakyat, dan kadangkala memparodikan mitos, menyimpulkan tuhan dan pahlawan dalam bentuk badut. Oleh itu, di Rom, terdapat kira-kira permainan ritual yang sama seperti di Yunani purba. Tetapi perkembangan teater rakyat tidak melangkaui permulaan drama yang lemah. Ini disebabkan oleh cara hidup Rom yang konservatif dan tentangan kuat para paderi. Oleh itu, mitologi bebas tidak berkembang di Rom, yang di Greece berfungsi sebagai "tanah dan senjata" seni, termasuk drama.

Teater Rom era Republik.

Orang Rom mengambil drama sastera dalam bentuk siap daripada orang Yunani dan menterjemahkannya ke dalam bahasa Latin, menyesuaikannya dengan konsep dan citarasa mereka sendiri. Selepas tamat kemenangan Perang Punic pertama, pada permainan perayaan 240 SM, ia telah memutuskan untuk mengatur persembahan dramatik. Pengeluaran itu diamanahkan kepada Livius Andronicus Yunani, yang berada dalam perhambaan kepada senator Rom, yang memberinya nama Latin Livius. Selepas dibebaskan, dia tinggal di Rom dan mula mengajar bahasa Yunani dan bahasa Latin anak-anak bangsawan Rom. Guru ini juga mengadakan tragedi dan, mungkin, juga komedi, yang diolah semula dari model Yunani, atau, mungkin, hanya diterjemahkan dari bahasa Yunani ke bahasa Latin. Pengeluaran ini memberi dorongan pertama kepada pembangunan teater Rom.

Dari 235 SM penulis drama Gnaeus Neviy mula mementaskan dramanya. Seorang yang lebih muda sezaman dengan Nevius, Titus Maccius Plavt. Karya beliau merujuk kepada tempoh ketika Rom daripada komuniti pertanian bertukar menjadi negeri terkuat - pertama di Semenanjung Apennine, dan kemudian seluruh lembangan Mediterranean. Publius Terence Afr, yang bekerja, seperti Plautus, dalam genre palliata, tergolong dalam generasi penulis drama seterusnya. Terence boleh dipanggil pendahulu drama Eropah baru. Teater Eropah telah berulang kali beralih kepada karyanya. Pengaruh komedinya "Formion" dan "Brothers" dirasai dalam karya Moliere.

Teater Rom zaman empayar.

Pada abad ke-1 SM, republik di Rom jatuh. Selepas pembunuhan Caesar dan kemenangan ke atas Antony pada 31 SM. Octavian menjadi maharaja di Rom, yang kemudiannya menerima gelaran kehormat Augustus ("Kudus"). Augustus sangat menyedari kepentingan sosial teater dan menyumbang dalam setiap cara yang mungkin untuk perkembangannya. Pertama sekali, Augustus ingin menghidupkan semula tragedi jenis Yunani di pentas Rom, melihatnya sebagai cara untuk memperbaiki dan mendidik akhlak warganya. Aspirasi Augustus ini disokong oleh salah seorang penyair Rom yang cemerlang, Horace, dan dicerminkan dalam Sains Puisinya. Walau bagaimanapun, semua usaha Augustus untuk menghidupkan semula genre yang serius di pentas Rom tidak berjaya.

Dari tragedi era empayar, tiada apa yang turun kepada kita, kecuali tragedi ahli falsafah Seneca. Lucius Annei Seneca adalah tutor Maharaja Nero, pada suatu ketika dia memegang jawatan tertinggi di negeri di bawahnya, tetapi kemudian dia dituduh berkomplot menentang maharaja dan, atas arahan Nero, membunuh diri dengan membuka uratnya. Seneca mula menulis tragedi pada tahun-tahun terakhir hidupnya, apabila sikap Nero terhadapnya berubah dan dia terpaksa dengan lebih berhati-hati menyatakan pandangannya mengenai perintah yang ada.

Organisasi persembahan teater.

Persembahan telah diadakan di Rom semasa pelbagai cuti umum. Drama dimainkan pada pesta patrician, Sukan Rom, yang diadakan pada bulan September untuk menghormati Musytari, Juno dan Minerva; di Sukan Apollo pada bulan Julai. Tiada bangunan teater kekal di Rom sehingga pertengahan abad ke-1. SM.; pembinaannya ditentang oleh Senat konservatif. Untuk persembahan, platform kayu, separuh ketinggian seorang lelaki, biasanya didirikan di forum. Tangga sempit 4-5 anak tangga menuju ke platform pentas, di mana pelakon naik ke atas pentas.

Dalam tragedi itu, aksi itu berlaku di hadapan istana. Dalam komedi, pemandangan itu hampir selalu menggambarkan jalan bandar dengan fasad dua atau tiga rumah menghadapnya, dan aksi itu berlaku di hadapan rumah. Penonton duduk di bangku di hadapan pentas. Tetapi kadangkala Senat melarang penubuhan kerusi di teater sementara ini: duduk di persembahan, menurut Senat, adalah tanda kewanitaan. Semua struktur yang dibina untuk permainan teater rosak serta-merta selepas siap.

Satu peristiwa untuk Rom ialah penampilan teater kekal pertama yang dibina daripada batu. Teater ini dibina pada 55 SM. Gneem Pompey the Great dan menempatkan sehingga 40 ribu orang. Pada akhir abad ke-1 BC. di Rom, dua lagi teater batu telah dibina: teater Balba dan teater Marcellus. Dari yang terakhir, sisa-sisa dinding luar, dibahagikan kepada tiga tingkat, telah bertahan hingga ke hari ini, yang sepadan dengan tiga peringkat dalam.

Teater Zaman Pertengahan

Drama liturgi dan separuh liturgi.

Drama gereja menjadi salah satu bentuk seni teater pada awal Zaman Pertengahan. Berjuang menentang sisa-sisa teater purba, menentang permainan luar bandar, gereja berusaha untuk menggunakan keberkesanan propaganda teater untuk tujuannya sendiri.

Sudah pada abad ke-9, misa telah ditayangkan, ritual membaca episod dari legenda tentang kehidupan Kristus, tentang pengebumian dan kebangkitannya telah dibangunkan. Dari dialog-dialog ini lahirlah drama liturgi awal. Terdapat dua kitaran drama sedemikian - Krismas, yang menceritakan tentang kelahiran Kristus, dan Paskah, yang menceritakan kisah kebangkitannya. Dalam drama liturgi Krismas, salib diletakkan di tengah-tengah kuil, kemudian dibalut dengan kain hitam, yang bermaksud pengebumian jenazah Tuhan.

Lama kelamaan, drama liturgi menjadi lebih kompleks, pakaian "pelakon" dipelbagaikan, dan "arahan pengarah" dicipta dengan petunjuk yang tepat tentang ujian dan pergerakan. Semua ini dilakukan oleh imam sendiri. Penganjur persembahan liturgi mengumpul pengalaman pentas dan mula dengan mahir menunjukkan kepada orang ramai tentang kenaikan Kristus dan mukjizat Injil yang lain. Mendekati kehidupan dan menggunakan kesan berperingkat, drama liturgi tidak lagi menarik, tetapi mengalihkan perhatian umat daripada perkhidmatan. Perkembangan genre itu penuh dengan kemusnahan diri. Kerana tidak mahu menolak perkhidmatan teater dan tidak dapat mengatasinya, pihak berkuasa gereja membawa drama liturgi keluar dari bawah peti besi kuil ke anjung. Drama separuh liturgi dilahirkan. Dan kemudian teater gereja, secara rasmi berada dalam kuasa paderi, jatuh di bawah pengaruh orang ramai bandar. Sekarang dia sudah mendikte citarasanya kepadanya, memaksanya untuk memberikan persembahan pada hari-hari pameran, dan bukan cuti gereja, untuk beralih sepenuhnya kepada bahasa ibundanya, yang boleh difahami oleh orang ramai. Prihatin tentang kejayaan, paderi mula mengambil lebih banyak subjek harian, dan bahan untuk drama separuh liturgi adalah cerita alkitabiah tertakluk kepada tafsiran harian. Legenda alkitabiah tertakluk kepada pemprosesan puitis dari semasa ke semasa. Inovasi teknikal juga diperkenalkan: prinsip pemandangan serentak akhirnya ditubuhkan, apabila beberapa adegan aksi ditunjukkan serentak; bilangan helah meningkat. Walau bagaimanapun, walaupun semua ini, drama gereja terus mengekalkan hubungan rapat dengan gereja. Drama itu dipentaskan di beranda, di dana gereja, himpunannya disusun oleh paderi (walaupun peserta dalam persembahan, bersama dengan imam dan orang awam). Jadi, secara aneh menggabungkan unsur-unsur yang saling eksklusif, drama gereja wujud untuk masa yang lama.

dramaturgi sekular.

Permulaan arah yang realistik

Pucuk pertama aliran realistik baharu dikaitkan dengan nama trouveur (troubadour) Adam de La Halle (sekitar 1238-1287) dari bandar Arras di Perancis. De La Alle meminati puisi, muzik dan teater. Dia tinggal di Paris dan di Itali (di mahkamah Charles of Anjou) dan dikenali secara meluas sebagai penyair, pemuzik, dan penulis drama.

Pada abad ke-13, aliran komedi sudah ditenggelamkan oleh teater keajaiban, yang juga mempunyai tema kehidupan sebagai tema, tetapi beralih kepada agama.

Keajaiban.

Nama Miracle sendiri berasal dari perkataan Latin untuk "miracle". Dan sesungguhnya, semua konflik, kadang-kadang sangat tajam mencerminkan percanggahan kehidupan, telah diselesaikan dalam genre ini berkat campur tangan kuasa ilahi - St Nicholas, Perawan Maria, dll. Masa itu sendiri - abad XIV, penuh dengan peperangan, pergolakan popular dan tindakan balas yang tidak berperikemanusiaan, menerangkan perkembangan genre kontroversi seperti keajaiban. Bukan kebetulan bahawa keajaiban itu, yang biasanya bermula dengan gambaran realiti yang mendedahkan, sentiasa berakhir dengan kompromi, tindakan penyesalan dan pengampunan, yang secara praktikalnya bermaksud perdamaian dengan kekejaman yang baru ditunjukkan, kerana ia menganggap dalam setiap penjahat mungkin benar. lelaki. Ini sesuai dengan kesedaran burgher dan gereja.

Misteri.

Zaman kegemilangan teater misteri adalah abad ke-15-16, masa perkembangan pesat bandar-bandar dan keterukan percanggahan sosial. Bandar ini sebahagian besarnya telah mengatasi pergantungan feudal, tetapi masih belum jatuh di bawah pemerintahan raja mutlak. Misteri adalah ekspresi perkembangan kota zaman pertengahan dan budayanya. Ia berkembang daripada apa yang dipanggil "misteri meniru" - perarakan bandar untuk menghormati cuti keagamaan, sebagai penghormatan kepada pemergian raja-raja yang khusyuk. Daripada perayaan ini, drama misteri dibentuk secara beransur-ansur, menggunakan pengalaman awal teater zaman pertengahan. Persembahan misteri itu tidak dianjurkan oleh gereja, tetapi oleh bengkel bandar dan majlis perbandaran. Pengarangnya adalah tokoh-tokoh jenis baru - saintis, ahli teologi, peguam, doktor. Walaupun fakta bahawa produksi diarahkan oleh borjuasi atasan bandar, misteri itu adalah seni amatur luar yang besar. Beratus-ratus orang mengambil bahagian dalam persembahan.

Misteri menunjukkan penciptaan dunia, pemberontakan Lucifer terhadap Tuhan, mukjizat alkitabiah. Misteri memperluaskan julat tematik teater zaman pertengahan, mengumpul pengalaman pentas yang besar, yang digunakan oleh genre seterusnya pada Zaman Pertengahan. Pelaksana misteri itu adalah orang bandar. Asingkan episod besar persembahan teater telah dilakukan oleh wakil pelbagai bengkel bandar. Pada masa yang sama, misteri itu memungkinkan setiap profesion untuk menyatakan dirinya sepenuh mungkin. The Mysteries mengembangkan teknik teater, mengesahkan di kalangan orang ramai menyukai teater, dan menyediakan beberapa ciri drama Renaissance. Tetapi menjelang 1548 masyarakat misteri, terutamanya meluas di Perancis, telah dilarang daripada menunjukkan misteri: garis komedi kritikal teater misteri telah menjadi terlalu ketara. Alasan kematiannya juga kerana dia tidak mendapat sokongan daripada kuasa masyarakat yang baru dan progresif.

gerakan reformasi

Perwatakan anti feudal

Reformasi berlaku di Eropah pada abad ke-16. Ia mempunyai watak anti-feudal dan mengambil bentuk perjuangan menentang tiang ideologi feudalisme, Gereja Katolik.

Gerakan reformasi menegaskan prinsip "persekutuan peribadi dengan Tuhan", prinsip kebajikan peribadi. Di tangan orang kaya raya, moral menjadi senjata perjuangan baik menentang tuan feudal mahupun menentang rakyat bandar yang miskin. Keinginan untuk memberi kekudusan kepada pandangan dunia borjuasi menimbulkan teater moral.

Akhlak.

Moral membebaskan moralisasi daripada plot agama dan gangguan harian dan, setelah mengasingkan dirinya, memperoleh perpaduan gaya dan orientasi didaktik yang lebih besar.

Sandiwara.

sandiwara kawasan menonjol sebagai bebas genre teater dari separuh kedua abad ke-15. Bagaimanapun, dia telah pergi jauh dalam perkembangan tersembunyi sebelum itu. Nama itu sendiri berasal dari bahasa Latin farta ("mengisi"). Malah, penganjur misteri sering menulis: "Masukkan sandiwara di sini." Persembahan karnival yang ceria dan persembahan rakyat menimbulkan "perbadanan bodoh" - persatuan pegawai kehakiman kecil, pelbagai bohemian bandar, pelajar sekolah, seminari. Pada abad ke-15, masyarakat badut tersebar di seluruh Eropah. Terdapat empat organisasi besar di Paris, dan perarakan persembahan lawak mereka diadakan secara berkala. Dalam perarakan ini, ucapan para uskup, pertikaian perkataan hakim, dan kemasukan raja ke dalam kota telah diejek. Sebagai tindak balas kepada ini, pihak berkuasa sekular dan rohani menganiaya orang-orang farsers, mengusir mereka dari bandar, melemparkan mereka ke dalam penjara. Lelucon itu beralih dengan semua kandungan dan struktur artistiknya ke arah realiti. Dia mengejek tentera perampok, rahib pengampun, bangsawan yang sombong, pedagang yang bakhil. Ciri-ciri perwatakan yang diperhatikan dan digariskan dengan jelas membawa bahan kehidupan yang tajam secara sindiran. Prinsip utama seni lakonan untuk pelakon adalah pencirian, dibawa ke karikatur parodi, dan dinamisme, menyatakan aktiviti dan keceriaan pelakon itu sendiri. Pihak berkuasa monarki dan gerejawi semakin menyerang pemikiran bebas bandar dan salah satu bentuknya - teater lawak.

Komedi itu mempunyai pengaruh yang besar perkembangan selanjutnya teater Eropah barat. Di Itali, commedia dell'arte dilahirkan dari sandiwara; di Sepanyol - karya "bapa teater Sepanyol" Lope de Rueda; dan di England, mengikut jenis sandiwara, John Heywood menulis selingannya, di Jerman, Hans Sachs; di Perancis tradisi lawak menyuburkan seni jenius Molière dan Shakespeare yang hebat.

Lelucon itulah yang menjadi penghubung antara teater lama dan baru.

Teater baru

Teater (daripada theatron Greek - tempat untuk tontonan, tontonan). Konsep generik teater dibahagikan kepada jenis seni teater: teater drama, opera, balet, teater pantomim, dll. Asal istilah ini dikaitkan dengan teater antik Yunani kuno, di mana tempat-tempat di auditorium dipanggil seperti itu. Walau bagaimanapun, hari ini makna istilah ini sangat pelbagai.

Semasa Zaman Pencerahan, peralihan kepada budaya kontemporari. Cara hidup dan pemikiran baharu sedang terbentuk, yang bermaksud kesedaran diri artistik jenis budaya baharu juga turut berubah. Nama "Pencerahan" dengan baik mencirikan semangat umum arus ini dalam bidang kehidupan budaya dan kerohanian, yang bertujuan untuk menggantikan pandangan berdasarkan pihak berkuasa agama atau politik dengan yang mengikut kehendak fikiran manusia.

abad ke 18 memberikan budaya dunia sedemikian artis hebat dan ahli teori seni teater seperti Sheridan di England, Voltaire, Diderot, Beaumarchais di Perancis, Lessing, Goethe, Schiller di Jerman, Goldoni di Itali. Penguasaan akal membawa kepada fakta bahawa seni Pencerahan mengalami rasionalitas, analisis rasional kehidupan memerlukan bentuk yang teratur.

Walau bagaimanapun, para pencerahan, yang melihat cita-cita seseorang dalam keperibadian yang harmoni, tidak dapat mengabaikan keperluan perasaan ketika datang ke seni. Teater Pencerahan dengan luar biasa menyatakan kandungan dan kaedahnya Wajah Baru kepada dunia yang sesuai dengan zaman itu.

Teater pada Zaman Pencerahan di England.

Penonton teater abad ke-18 menjadi lebih demokratik. Di bahagian itu, bangku ringkas untuk penduduk bandar telah dipasang. Raek dipenuhi dengan hamba, pelajar dan tukang kecil. Semasa persembahan, penonton sangat aktif, bertindak balas secara animasi terhadap apa yang ditunjukkan di atas pentas.

Oleh itu, di England, teater Pencerahan mengkritik keburukan sistem borjuasi yang baru muncul. Terdapat doktrin ideologi baru teater: pendidikan awam dan moral penonton. Doktrin ini sangat sesuai dengan tradisi Puritan England - pada masa hadapan, orang Puritan melunakkan kedudukan mereka dalam hubungan dengan seni teater, dan tidak lagi memerangi teater seperti itu, tetapi untuk reformasinya: pembasmian maksiat dan transformasi teater menjadi institusi yang berguna dari segi sosial.

Risalah ahli teologi Puritan Jeremy Collier menentang teater bangsawan, A Brief Review of the Immorality and Immorality of the English Stage (1698), menjadi dokumen program reformasi teater. Risalah ini menentukan moralisasi dan didaktisisme yang ditekankan dalam teater Inggeris sepanjang hampir keseluruhan abad ke-18. Dalam nada ini, karya penulis drama seperti Joseph Addison (Cato, the Drummer), Richard Steele (The Liar Lover, or Woman's Friendship; Carefree Husband), Samuel Johnson (Irene), Collie Cibber (Carefree Husband; Last Rate of the Isteri; Suami Marah) berkembang dalam urat ini. ).

Pada tahun 1731, dalam mukaddimah dramanya The Merchant of London, atau The History of George Barnwell, penulis drama George Lillo menerbitkan manifesto untuk program estetik baharu, teori realistik drama borjuasi. Dia menentang sekatan kelas dalam tragedi itu, yang hanya membawa personaliti berpangkat tinggi ke dalam wiranya. Tanpa menyembunyikan rasa tidak sukanya terhadap golongan bangsawan, dia menuntut agar tragedi menjadi konduktor idea moral kaum borjuasi. Sepuluh tahun sebelum itu, pada tahun 1721, sebuah drama tanpa nama, Fatal Madness, muncul di England, yang ditulis pada salah satu tema kegemaran drama borjuasi kecil—akibat buruk akibat perjudian. Kemudian drama itu kekal tanpa disedari - masa untuk genre baru belum tiba. Tetapi kini masalah borjuasi telah menjadi permintaan yang besar di kalangan penonton.

Kecenderungan satira dalam dramaturgi berjaya dikembangkan oleh Henry Fielding ("Don Quixote di England"; "Opera Grubstreet, atau Di Kasut Isteri"; "Kalendar Sejarah untuk 1736"). Ketajaman kecaman satira membawa pada tahun 1737 kepada penerbitan undang-undang kerajaan mengenai penapisan teater, yang menamatkan sindiran politik. Perhatian penulis drama-pendidik tertumpu pada komedi adab, yang memungkinkan sekurang-kurangnya untuk sindiran sosial. Karya-karya komedi yang paling menarik dalam tempoh ini adalah milik pena Oliver Goldsmith (Good Equal; Night of Errors) dan Richard Sheridan (Rivals; School of Scandal).

Wakil terbaik seni artistik Inggeris ialah David Garrick yang terkenal (1717-1779), seorang humanis dan pendidik di atas pentas. Dia berjaya mempromosikan dramaturgi Shakespeare, memainkan peranan Hamlet, Lear dan lain-lain.

Akhir abad ke-18 ditandakan di England dengan kemunculan genre baru - tragedi "mimpi ngeri dan seram", yang merupakan pelopor kepada arah estetik- romantisme. Pencipta genre ini ialah Horace Walpole. Walaupun dia hanya memiliki satu drama - "The Mysterious Mother" (1768), yang menggambarkan kisah keghairahan sumbang, penulis mempunyai pengaruh yang besar pada dramaturgi pra-romantik dan romantis.

teater Perancis abad XVIII.

Proses pendemokrasian masyarakat pada Zaman Pencerahan menimbulkan genre dramatik baru - drama borjuasi kecil, yang penciptanya di Perancis ialah D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.

Kekurangan drama borjuasi kecil dan "komedi menangis" telah diatasi dalam komedi P. O. Beaumarchais " tukang gunting rambut seville"(1775) dan" The Marriage of Figaro "(1784), di mana dengan kuasa baru tradisi Moliere menjadi hidup dan ciri-ciri terbaik estetika pencerahan telah dijelmakan.

Aspirasi heroik dan sivik dramaturgi pendidikan telah didedahkan dengan kekuatan yang paling besar semasa tempoh revolusi borjuasi Perancis pada akhir abad ke-18. Tragedi MJ Chenier, yang dipenuhi dengan kesedihan anti-feudal ("Charles IX", 1789, "Henry VIII", 1791, "Jean Calas", 1791, "Kai Gracchus", 1792), adalah contoh dramaturgi klasikisme revolusioner .

Di Perancis, ahli falsafah-pendidik Voltaire, dalam dramaturginya untuk membakar isu-isu sosial dan mengecam despotisme, terus mengembangkan genre tragedi.

Pada masa yang sama, tradisi komedi-satira dikekalkan di pentas Perancis. Jadi, Lesage (1668-1747) dalam komedi "Turcare" mengkritik bukan sahaja golongan bangsawan yang mereput, tetapi juga borjuasi riba. Dia bercita-cita untuk mencipta komedi untuk teater rakyat massa.

Seorang lagi pendidik dan penulis drama, Denis Diderot (1713-1784), mempertahankan kebenaran dan sifat semula jadi di atas pentas. Sebagai tambahan kepada beberapa drama ("Bad Son", "Bapa Keluarga", dll.), Diderot menulis sebuah risalah "The Paradox of the Actor", di mana dia mengembangkan teori lakonan.

Dalam pementasan tragedi Voltaire yang mencerahkan, pelakon jenis baharu tampil ke hadapan, mampu meluahkan kesedihan sivik tema heroik dan menuduh.

Tempat yang besar dalam pembangunan teater Pencerahan di Perancis telah diduduki oleh panggung pameran dan teater boulevard. Genre teater pameran adalah pantomim, sandiwara, moral, fastachtshpils, yang persembahannya berdasarkan seni improvisasi. Ini selalunya persembahan menyindir, dengan unsur-unsur aneh dan kecoh, penuh dengan jenaka kasar. Penari tali, juggler, dan haiwan terlatih, prototaip pelakon sarkas, juga membuat persembahan di pameran itu. Mereka banyak menggunakan parodi dan sindiran. Sifat demokrasi seni ini menimbulkan serangan terhadapnya oleh teater istimewa.

Pembentukan teater Jerman.

Penulis-pendidik Jerman yang paling terkenal Gotthold-Ephraim Lessing (1729-1781) adalah pencipta sebenar teater kebangsaan Jerman. Dia mencipta komedi kebangsaan Jerman pertama "Minna von Barnholm", tragedi anti-feudal "Emilia Galotti" dan beberapa karya dramatik lain. Dalam tragedi pendidikan Nathan the Wise, penulis bercakap menentang fanatik agama.

Dalam buku terkenal "Hamburg Dramaturgy" Lessing menggariskan pendapatnya mengenai estetika dan teori drama. G. E. Lessing ialah pencipta drama sosial, komedi kebangsaan dan tragedi pendidikan, ahli teori teater, pengasas aliran realistik dalam teater Jerman abad ke-18.

Idea pencerahan mempunyai pengaruh yang besar terhadap lakonan Jerman, membawanya lebih dekat kepada realisme. Pelakon yang paling terkenal di Jerman pada tahun-tahun ini ialah Friedrich Ludwig Schroeder (1744-1816), yang dikaitkan dengan idea "ribut dan tekanan". Pada tahun 70-an. abad ke 18 dalam seni Jerman, trend baru timbul di bawah nama "ribut dan serangan".

Ia mencerminkan pergerakan kumpulan borjuasi yang paling maju dan berfikiran revolusioner, yang berjuang menentang feudalisme dan absolutisme. Penyair dan penulis drama Jerman terhebat Goethe dan Schiller mengambil bahagian dalam arus ini. Pada tahun 1777, Teater Kebangsaan Mannheim dibuka, yang menjadi salah satu teater Jerman terbesar pada tahun 80-an dan 90-an. Pada abad ke-18, aktiviti pelakon, pengarah dan penulis drama A. V. Iffland terbentang di dalamnya. Dia menanam drama borjuasi-philistine di pentas Mannheim (lakonannya sendiri, serta lakonan oleh A. Kotzebue), yang menentukan wajah kreatif teater itu.

Pada akhir abad XVIII. perkembangan teater Jerman dikaitkan dengan aktiviti penulis drama Jerman J. W. Goethe dan F. Schiller dalam teater Weimar. Di sini buat pertama kalinya di Jerman dipentaskan karya utama dramaturgi klasik dunia (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire dan lain-lain), asas seni pengarah telah diletakkan, prinsip ensembel pelakon yang tunduk kepada konsep artistik tunggal telah dilaksanakan.

Goethe dalam miliknya program teori dan amalan artistik, beliau mengesahkan prinsip mencipta teater monumental yang memenuhi piawaian seni kuno yang ketat. "Sekolah Weimar" lakonan adalah bertentangan dengan mazhab Mannheim dan mendekati aliran klasik.

teater Itali.

Walaupun kemunduran ekonomi dan politik, Itali dibezakan oleh kekayaan dan kepelbagaian kehidupan teater. Menjelang abad ke-18 Itali memiliki teater muzikal terbaik di dunia, di mana dua jenis dibezakan - opera serius dan opera komik(peminat opera). Terdapat teater boneka, persembahan commedia dell'arte diberikan di mana-mana.

Walau bagaimanapun, pembaharuan teater drama telah berlaku sejak sekian lama. Pada Zaman Pencerahan, komedi dadakan tidak lagi memenuhi kehendak zaman. Teater sastera baru yang serius diperlukan. Komedi topeng tidak boleh wujud dalam bentuk lamanya, tetapi pencapaiannya harus dipelihara dan dipindahkan dengan teliti ke teater baru.

Penembusan idea-idea Pencerahan ke dalam teater Itali disertai dengan perjuangan panjang menentang formalisme dan kekurangan idea di pentas teater. Seorang inovator di Itali ialah penulis drama yang luar biasa Carlo Goldoni (1707-1793). Dia yang mencipta komedi baru watak. Daripada improvisasi, persembahan itu berdasarkan teks sastera.

Separuh kedua abad ke-18 memasuki sejarah Itali sebagai masa peperangan teater. Dia ditentang oleh abbe Chiari, seorang penulis drama biasa-biasa sahaja dan oleh itu tidak berbahaya, tetapi lawan utamanya, setanding dengannya dalam bakat, ialah Carlo Gozzi. Gozzi datang untuk mempertahankan teater topeng, menetapkan tugas menghidupkan semula tradisi komedi dadakan. Dan pada satu peringkat nampaknya dia berjaya. Dan walaupun Goldoni meninggalkan ruang untuk penambahbaikan dalam komedinya, dan Gozzi sendiri akhirnya merakam hampir semua karya dramatiknya, pertikaian mereka adalah kejam dan tanpa kompromi. Oleh kerana saraf utama konfrontasi antara dua orang Venice yang hebat adalah ketidakserasian mereka. jawatan awam, dalam pandangan yang berbeza tentang dunia dan manusia.

Carlo Gozzi (1720-1806) adalah seorang penulis drama yang berbakat. Dalam usaha untuk menentang komedi Goldoni dengan repertoirnya sendiri, Gozzi mengembangkan genre cerita dongeng teater. Ini adalah drama beliau "The Love for Three Oranges", "The Deer King", "Princess Turandot" yang terkenal, "The Snake Woman" dan lain-lain. Terima kasih kepada ironi yang kaya dan humor berair, kisah berbakat Gozzi untuk pentas masih berjaya hari ini.

Pengarang tragedi terbesar ialah Vittorio Alfieri. Kelahiran tragedi repertori Itali dikaitkan dengan namanya. Dia mencipta tragedi kandungan awam hampir seorang diri. Seorang patriot yang bersemangat yang mengimpikan pembebasan tanah airnya, Alfieri menentang kezaliman. Semua tragedinya disemai dengan kepahlawanan perjuangan untuk kebebasan.

Alfieri berhujah bahawa rakyat harus menerima kebebasan daripada tangan golongan bangsawan, menegaskan kebebasan manusia, yang kehendaknya hanya tertakluk kepada akal dan rasa kewajipan. Dalam risalah "On the Sovereign and Literature" (1778-86), Alfieri mendefinisikan tugas puisi dramatik sebagai kebangkitan perasaan kebajikan dan cintakan kebebasan. Tragedi Alfieri "Saul", "Philip", "Virginia", "Brutus I" dan "Brutus II" menyumbang kepada pembangunan teater Itali.

Teater Pencerahan Denmark.

Teater profesional di Denmark muncul pada abad ke-18, penciptaannya disebabkan oleh pembangunan ekonomi dan budaya negara. Pada 23 September 1722, teater "Pentas Denmark" dibuka di Copenhagen dengan drama "The Miser", tidak lama kemudian tayangan perdana komedi pertama L. Holberg "The Tin Man-Politician" berlangsung.

Pada tahun 1728, wakil kalangan mahkamah mencapai penutupan Peringkat Denmark. Teater itu meneruskan kerja hanya pada tahun 1748 (di dalam bilik di Dataran Diraja). Pada tahun 1770, beliau menerima gelaran Diraja dan berada di bawah bidang kuasa Kementerian Mahkamah. Pada separuh kedua abad XVIII. teater itu mementaskan singspiel, komedi oleh J. Ewald, tragedi oleh Voltaire dan epigone Denmarknya, tetapi dramaturgi Holberg terus menjadi asas kepada himpunan teater itu.

Peranan penting dalam mempromosikan idea-idea Pencerahan di Denmark dimainkan oleh karya J. X. Wessel, pengarang tragedi parodi Love Without Stockings (1772), yang meneruskan tradisi Holberg.

Teater Pencerahan adalah salah satu fenomena yang paling menarik dan penting dalam sejarah seluruh budaya dunia; ia adalah sumber seni teater Eropah yang berkuasa - untuk sepanjang masa. Teater baru lahir daripada keperluan untuk mencurahkan tenaga muda ke dalam tindakan. Dan jika anda bertanya kepada diri sendiri, dalam bidang seni apa tindakan ini sepatutnya dicurahkan, ini adalah lautan yang menyeronokkan, maka jawapannya jelas: sudah tentu, dalam bidang teater.

Semasa abad ke-18 teater Eropah menjalani kehidupan yang panjang dan kompleks. Norma estetik, yang dianggap mutlak, telah kehilangan kepentingannya dahulu pada masa ini. Pendapat dan citarasa telah berkonfrontasi tanpa henti selama satu abad, auditorium telah lebih daripada sekali bertukar menjadi arena pertembungan sosial. Pengarang bertindak sebagai lawan politik, yang buat pertama kalinya mengetahui bahawa perjuangan sengit juga boleh wujud dalam seni mereka.

Teater sebagai bentuk seni tidak dipelihara dalam monumen material seperti lukisan dan arca, sebagai karya sastera dan muzik. Tetapi sejarah teater menceritakan tentang pelakon hebat masa lalu, bagaimana mereka bermain, apa aspirasi rakan seangkatan mereka yang mereka wujudkan dalam persembahan mereka, apakah tuntutan masa yang mereka balas.

Kehidupan teater Rusia XIX abad.

Pada awal abad ke-19, rangkaian teater Imperial Rusia berkembang, yang diuruskan oleh
"Kementerian Mahkamah Kebawah Duli Yang Maha Mulia". Mahkamah mempunyai tiga teater di St. Petersburg - Alexandrinsky, Mariinsky dan Mikhailovsky - dan dua di Moscow - teater Bolshoi dan Maly.

Dengan kemunculan drama oleh A.N. Ostrovsky, I.S. Turgenev, prosa oleh F.M. Puisi Dostoevsky tentang realisme Nekrasov datang ke budaya Rusia.

Lakonan telah berubah seiring dengan dramaturgi, memecahkan idea lama tentang kebenaran di atas pentas. 16 November 1859 adalah hari tayangan perdana di Teater Maly drama "Thunderstorm" oleh Ostrovsky. Ribut berlaku di sekitar persembahan. Pelaku pertama peranan Katerina adalah pelakon cantik L.P. Nikulina - Kositskaya. Dengan lakonan Ostrovsky, unsur kehidupan Rusia meletus ke pentas, bahasa baharu, berair dan moden. Dalam drama Ostrovsky, pelakon Maly bersinar sepanjang dekad berikutnya. G.N. Fedotova, M.N. Yermolova adalah pelakon hebat Teater Maly.

Artis Rusia pada separuh pertama abad ke-19 M.S. Shchepkin, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin kekal dalam ingatan anak cucu sebagai tokoh dari legenda. Shchepkin memainkan hampir 600 peranan dalam drama Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky dan Turgenev. Dia adalah salah seorang yang pertama mewujudkan realisme di teater Rusia, dia mencipta kebenaran di pentas Rusia.

Mochalov adalah bertentangan dengan Shchepkin. Dia memainkan peranan utama dalam drama Rusia dan Barat - Shakespeare's Hamlet, Karl Moor dalam drama Schiller The Robbers, Chatsky dalam Woe from Wit.

Dalam produksi drama, pelakon Rusia mencipta imej yang turun dalam sejarah seni teater. Penonton mengagumi Ekaterina Semyonova, Alexei Yakovlev. Pelakon ini menjelma semula sepenuhnya dalam orang yang diwakili. Secara beransur-ansur, Teater Maly mula mengkhususkan diri dalam produksi dramatik, dan Bolshoi dalam opera dan balet.

Teater Bolshoi Petrovsky 1825-1853

Pembukaan Teater Bolshoi Petrovsky pada 6 Januari 1825 telah diatur dengan sungguh-sungguh. Penonton yang melawat teater baharu pada petang itu terkejut dengan keanggunan reka bentuk seni bina dan penjelmaannya, skala bangunan yang tidak pernah berlaku sebelum ini, dan keindahan hiasan auditoriumnya.

Penulis Sergei Aksakov teringat: "Teater Bolshoi Petrovsky, yang timbul dari runtuhan lama yang terbakar ... kagum dan menggembirakan saya ... Sebuah bangunan besar yang megah, khusus didedikasikan untuk seni kegemaran saya, sudah dengan penampilannya sahaja membawa saya ke dalam kegembiraan. keterujaan..."

Sebelum persembahan bermula, penonton memanggil pembina teater Osip Bove ke atas pentas dan memberinya tepukan.

Pada pagi yang mendung mendung pada 11 Mac 1853, atas sebab yang tidak diketahui, kebakaran bermula di teater. Nyalaan serta-merta menyambar seluruh bangunan, tetapi dengan kekuatan yang paling besar api marak di atas pentas dan di auditorium. "Sangat mengerikan untuk melihat gergasi ini terbakar," kata seorang saksi mata mengenai kebakaran itu. "Apabila ia terbakar, nampaknya di depan mata kita orang yang kita sayangi sedang mati, memberikan kita fikiran dan perasaan yang paling indah . ..”

Muscovite melawan api selama dua hari, dan pada hari ketiga bangunan teater itu menyerupai runtuhan Colosseum Rom. Sisa-sisa bangunan itu membara selama kira-kira seminggu. Kostum teater yang dikumpul sejak akhir abad ke-18, set pentas yang sangat baik, arkib rombongan, sebahagian daripada perpustakaan muzik, dan alat muzik yang jarang berlaku musnah tanpa boleh ditarik balik dalam kebakaran.

Projek bangunan teater baru, yang disediakan oleh Profesor A. Mikhailov, telah diluluskan oleh Maharaja Alexander I pada tahun 1821, dan pembinaannya telah diamanahkan kepada arkitek Osip Bove.

Salah satu teater terbesar di Eropah, dibina di atas tapak bangunan teater yang terbakar, tetapi fasadnya menghadap Dataran Teater...

Teater Bolshoi (1856-1917)

Pada 20 Ogos 1856, Teater Bolshoi yang dipulihkan telah dibuka di hadapan keluarga diraja dan wakil semua negeri dengan opera V. Bellini "The Puritani" yang dipersembahkan oleh rombongan Itali. Balet Moscow pada zaman ini berhutang kejayaannya kepada bakat orang Perancis Marius Petipa, yang menetap di St. Petersburg. Koreografer berulang kali datang ke Moscow untuk mengadakan persembahan. Karya Moscow yang paling penting ialah "Don Quixote" oleh L. Minkus, pertama kali ditunjukkan pada tahun 1869. Selepas itu, Petipa memindahkan balet edisi Moscow ini ke peringkat St. Petersburg.

Yang sangat penting untuk pembangunan budaya persembahan adalah karya P. Tchaikovsky. Kemunculan sulung komposer dalam muzik opera - "Voevoda" (1869) dan balet - " Tasik Swan"(1877) berlaku di pentas Teater Bolshoi. Di sini opera Eugene Onegin (1881) menerima kelahiran sebenar, ujian pertama untuk pentas besar selepas pengeluaran Konservatori 1879; opera Mazepa (1884), salah satu kemuncak opera komposer, melihat cahaya matahari buat kali pertama; versi terakhir opera The Blacksmith Vakula, yang dalam persembahan tahun 1887 menerima nama baru Cherevichki.

Persembahan yang tidak dapat dilupakan dalam sejarah teater adalah persembahan pertama pada 16 Disember 1888 drama rakyat I. Mussorgsky "Boris Godunov". Yang pertama dari opera N. Rimsky-Korsakov ialah The Snow Maiden (1893), diikuti oleh The Night Before Christmas (1898). Pada tahun 1898 yang sama, teater untuk pertama kalinya menunjukkan penonton opera "Putera Igor" oleh A. Borodin, dan dua tahun kemudian, pencinta seni koreografi berkenalan dengan balet "Raymonda" oleh A. Glazunov.

Kumpulan opera teater akhir abad ke-19 - awal abad ke-20 merangkumi ramai penyanyi yang cemerlang. Antara nama-nama gemilang pada tahun-tahun lepas ialah Evlalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov dan lain-lain.Penyanyi muncul di pentas teater pada tahun-tahun ini, yang namanya tidak lama lagi dikenali secara meluas bukan sahaja di Rusia, tetapi dan di luar negara - Leonid Sobinov, Fedor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Berhasil adalah aktiviti di teater Sergei Rachmaninov, yang mengisytiharkan dirinya di tempat konduktor. pemuzik yang cemerlang. Rachmaninoff meningkatkan kualiti bunyi opera klasik Rusia di teater. Dengan cara ini, nama Rachmaninov dikaitkan dengan pemindahan konsol konduktor ke tempat di mana ia berada sekarang, sebelum konduktor berdiri di belakang orkestra, menghadap pentas.

Pada tahun 1899, The Sleeping Beauty ditayangkan di Teater Bolshoi. Pementasan balet ini, yang menubuhkan komanwel muzik dan tarian dalam bahasa Rusia teater balet, adalah permulaan kerja yang panjang dan gembira di Moscow koreografer, librettist dan guru Alexander Gorsky. Sekumpulan besar artis berbakat bekerja dengannya - Ekaterina Geltser, Vera Karalli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, konduktor dan komposer Andrey Arende dan lain-lain. pengeluaran baru balet "Don Quixote" (1900) Gorsky pertama kali menjemput artis muda Konstantin Korovin dan Alexander Golovin, tuan besar lukisan teater masa depan.

1911 Dalam pertandingan untuk projek pemulihan bangunan teater, rancangan yang dikemukakan oleh Albert Kavos menang.

Kavos, mengekalkan susun atur dan kelantangan bangunan Beauvais, meningkatkan ketinggian, menukar perkadaran dan mereka bentuk semula hiasan seni bina. Khususnya, galeri besi tuang langsing dengan lampu dibina di sisi bangunan. Orang sezaman mencatatkan kemunculan tiang ini, terutamanya cantik pada waktu petang, apabila anda melihatnya dari jauh, dan deretan lampu yang menyala seolah-olah menjadi benang berlian yang berjalan di sepanjang teater.

Kumpulan alabaster Apollo, yang menghiasi Teater Beauvais, terkorban dalam kebakaran. Untuk mencipta Cavos baharu, dia menjemput pengukir terkenal Rusia Pyotr Klodt (1805-1867), pengarang empat kumpulan ekuestrian terkenal di Jambatan Anichkov merentasi Sungai Fontanka di St.

Klodt mencipta kumpulan arca yang kini terkenal di dunia dengan Apollo. Ia dilemparkan di kilang Duke of Lichtenberg daripada aloi logam, disadur dengan tembaga merah.

Semasa pembinaan semula auditorium, Kavos mengubah bentuk dewan, menyempitkannya ke pentas, memperdalam lubang orkestra. Di belakang tempat duduk parterre, di mana dahulunya terdapat galeri, dia mengatur amfiteater. Dimensi auditorium menjadi: kedalaman dan lebar yang hampir sama - kira-kira 30 meter, ketinggian - kira-kira 20 meter. Auditorium itu mula menampung lebih 2000 penonton.

Dalam bentuk ini, Teater Bolshoi telah bertahan hingga ke hari ini, dengan pengecualian pembinaan semula dalaman dan luaran yang kecil.

Teater adalah keajaiban dunia manusia.