Trin for trin tegning af et stilleben maleri. Tegnekursus med farveblyanter

Du ved sikkert godt, hvad et stilleben er, og du har set det mere end én gang. Jeg vil ikke gå ind i terminologi, fordi termer er gode, men de vil ikke fortælle dig, hvordan man tegner et stilleben. Derfor foreslår jeg at tage blyanter og gå fra ord til handling - tegne et stilleben med en blyant.

Hvordan man tegner et stilleben med en blyant

Ser på hovedtegning lektie hvordan man tegner et stilleben blyant, jeg tror, ​​det blev klart for dig, hvilken plan stilleben-tegningen vil være.

Oprettelse af en skitse af en tegning med en simpel blyant. Der er intet overflødigt i skitsen, kun konturerne af objekter.

Vi begynder at tegne en gren med blomster med farveblyanter. Jeg tegner først kvisten med en grøn blyant, og gør den derefter mørkere med en simpel blyant. Det er nødvendigt at mørkne, så tegningen ikke bliver "tom", fordi en grøn farve vil ikke se pænt ud. I kombination med en mørk blyant vil grenen vise sig mere interessant.

Til sammenligning, se på billedet nedenfor og derefter det næste, og du vil se dette.

Vi afslutter med at tegne blomster og en kvist i lektionen om, hvordan man tegner et stilleben med en blyant. Bemærk venligst, at jeg tegnede grenen før vasen.

Lad os først afslutte med at tegne den del af grenen, der vil blive lidt forvrænget i vasen - vær opmærksom på dette Særlig opmærksomhed. Vasen skal være jævnt dekoreret med blåt, så venstre kant skal være urørt - hvid. Skitsér kanten af ​​vandet.

Dernæst trækker vi vand. Det vil være mørkt i venstre side og næsten hvidt til højre. Du skal prøve at lave en glidende overgang. i øvrigt venstre side Vandet skal være mørkere end selve vasen. Jeg tilføjede endda lidt brun. Før viskelæderet over vandet med højre side og i midten, lidt rørende ved kvisten. Nedenstående figur viser alt tydeligt.

Vasen er næsten klar, men glaseffekten kommer til syne, når vi har tegnet baggrunden.

Det næste trin i lektionen er, hvordan man tegner stilleben i blyant vil tegne baggrunden. Det er baggrunden, der kommer til at spille en afgørende rolle i denne tegning. Hovedopgaven er at gøre det glat, med bløde overgange.

Jeg maler baggrunden med lys skygge og skygger den derefter med et stykke vat over hele arket. Når du klækker, skal du slet ikke trykke på blyanten! Baggrundens blyantfarve er nøjagtig den samme som vasen.

Omkring vasen skal baggrunden være mørkere og blødt stige op til en lysere tone. Vær særlig opmærksom på baggrunden og vær tålmodig.

Da min baggrund næsten var malet, så jeg, at midten af ​​vasen ikke var gennemsigtig nok. Du skal uddybe tonen i midten af ​​vasen, med andre ord tilføje af blå farve. For større gennemsigtighed af vasen kan du tilføje streger med en simpel blyant. Tilsæt samtidig mørke på venstre side af vandet. Det er det, det hele handler om hovedrollen baggrund - han viste præcis, hvad der skal forbedres.

Hvad angår refleksionen, kopier bunden af ​​vasen og blomsten "omvendt", uden klare konturer.

Når alt er gjort, kan du se, hvad du kan ordne, tørre ned eller rydde op i. Hvis ikke - fantastisk! Men det sker sjældent)).

Lektionen om hvordan man tegner et stilleben med en blyant er slut, jeg venter på dig i de næste lektioner - og selvfølgelig venter jeg på kommentarer til denne lektion.

Alle, der trækker fra livet, gennemgår nødvendigvis forskellige stadier for at øge arbejdets kompleksitet. Processen med at lære at tegne på et bestemt tidspunkt er forbundet med at tegne et stilleben (fra den franske natur morte - død natur).

Naturens verden og tingene omkring mennesket Hverdagen, - en uudtømmelig skatkammer af formularer og farvenuancer. Enkelheden og den plastiske perfektion af hverdagsgenstande, blomsternes sofistikerede og delikatesse, den unikke struktur og saftighed af frugter og grøntsager og meget mere har altid været genstand for kunstneres opmærksomhed. Tegninger og malerier, hvor husholdningsgenstande, redskaber, grøntsager, frugter, mad, vildt, blomsterbuketter osv. er inkarneret i figurativ form, kaldes stilleben.

Stilleben kan "ses" direkte i livet og "iscenesættes" specifikt for at løse forskellige visuelle problemer. Begge vækker opmærksomhed, og derfor får stilleben så meget plads i finere kunst at han blev med ret en selvstændig genre. Et "set" stilleben er en naturlig gruppering af genstande afbildet af kunstneren, og en "iscenesat" er sammensat af bevidst udvalgte genstande, der er nødvendige for at realisere forfatterens specifikke plan.

Billedet af et stilleben har sit eget bestemte mønster og metodiske rækkefølge. Det er fuldstændigt utilladeligt, for eksempel lige efter at have startet en tegning, at begynde at arbejde på mindre detaljer i detaljer, hvis hovedformen endnu ikke er fastlagt, og den tonale idé om produktionen ikke er besluttet. Dette fører straks til en fragmentering af tegningen, som så er utrolig svær og nogle gange umulig at rette op på for en uerfaren tegner. Derudover fører et sådant hastværk til fejl i forholdsmæssige forhold og dermed til fiasko, mangel på selvtillid og skuffelse.

Husk, at der i visuel praksis er en gennemprøvet metode til sekventielt arbejde på tegninger, baseret på princippet: fra det generelle til det specifikke og fra det specifikke igen til det generelle beriget med detaljer.

Ris. 21

Arbejdet med et stilleben begynder med udvælgelsen og placeringen af ​​visse genstande: i vores opgave - en gipsmodel af et prisme og en trævase til blyanter, børster osv. (Fig. 21). Udvælgelsen af ​​fuldskala produktionskomponenter skal være logisk begrundet, fuldstændig semantisk sammenhæng. Det er tilrådeligt at vælge ting, der er udtryksfulde i form og volumen.

Efter at stillebenet er iscenesat, vælger du et bestemt sted, hvorfra omgivelserne er tydeligt synlige (vi har allerede talt om den mest optimale afstand fra kunstneren til fuldskalaobjektet: det skal være cirka tre gange livets størrelse sig selv).

Et stillebens udtryksfuldhed og sandfærdighed afhænger af din evne til at observere, komponere, konstruere en tegning, modellere den med tone osv.

Før du rent faktisk arbejder på tegningen, er det tilrådeligt at lave en eller to skitser af produktionen for at finde et rationelt og effektivt layout af billedet på papir. Det er tilrådeligt at færdiggøre skitser hurtigt, baseret på det første, stadig meget friske indtryk af produktionen, og forsøge at formidle i dem egenskaber natur, forholdet og proportionerne af formen på hvert objekt, forholdet mellem billedområdet og arkformatets område.

Når du har bestemt sammensætningen af ​​billedet i skitsen, kan du gå videre til direkte arbejde med formatet. I betragtning af produktionens karakter har du allerede valgt formatet - vandret eller lodret.

Ris. 22

Nu står du over for opgaven med at gennemgå flere stadier af at tegne et stilleben. Sådanne stadier, dvs. individuelle øjeblikke - stadier eller trin i udviklingen af ​​noget; i arbejdet med en tegning er der normalt ikke mere end fire.

Utvivlsomt, indledende fase ethvert billede er dets kompositoriske placering på et ark papir. Du har allerede en skitse, brug den på en ikke-mekanisk måde.

Her er hovedpladsen givet til at bestemme hele bredden og hele højden af ​​objekter på én gang for at begrænse billedets felt; positionerne af hver af kropperne i forhold til hinanden og det plan, hvorpå de er placeret, er umiddelbart omridset med lys linjer.

På det næste trin i at tegne et stilleben skal du afklare stedet for hver af de to objekter i billedet og bestemme deres proportionale forhold. I løbet af denne arbejdsperiode skal du også identificere formularens konstruktive grundlag. Her er løsningen på alle problemer denne fase Baser dine billeder på en omhyggelig analyse af produktionen. Indtil videre skal du bygge formularen med kun linjer, se din tegning som en "ramme", men følg et bestemt mål, så de ikke ser samme tykkelse ud overalt (fig. 22).

Udfør den tredje fase af arbejdet som en yderligere forfining af formen på kroppe, der har volumen og relief. Disse tegn på genstande opfattes kun under forhold med lys og skygge. Derfor skal du ikke kun skitsere et stort lys og en stor skygge, men også definere med lette streger alle de vigtigste gradueringer (gradvise arrangementer) af lys og skygge. Disse mønstre for fordeling af lys, halvtoner, egne og faldende skygger er blevet diskuteret i lærebogen mere end én gang, og du kender til dem. Du skal bare nøje overvåge in situ og sammenligne på papir, hvor meget en genstand er mørkere eller lysere end en anden. Derudover skal du ikke glemme forskellene i tegneteknikkerne til at arbejde med en blyant, så du allerede på dette stadium af tegningen kan identificere forskellen i objekters teksturer. Alt samlet og betragtet ud fra perspektivkonstruktion, volumen og relief af former, toneløsninger, materialitet fører dig til det sidste stadie af arbejdet med stillebentegningen (fig. 23).

Ris. 23

Den sidste fase involverer processen med at færdiggøre arbejdet - en generalisering af hele billedets lineære og tonale struktur. Hvis forgrunden og baggrunden er tegnet i detaljer, ødelægger begge dele af produktionen den integrerede opfattelse af tegningen, der er ingen blødhed af overgange i modelleringen af ​​formen med tone, så skal et sådant billede forbedres, hvilket er en generalisering. I dette tilfælde er det nødvendigt at blødgøre den fjerne plan, ødelægge klare grænser i den (skabe indtryk af dybde), "bringe den tættere på" forgrunden en genstand og "flytte væk" en anden, et sted på det rigtige sted for at lysne, i en anden, tværtimod, for at fortykke tonen og dermed opnå billedets integritet (fig. 24).

Alle stadier af arbejdet med en stillebentegning er ikke stadier af billedet adskilt fra hinanden. Her foregår en sekventiel proces, logisk betinget af enhed og udelelighed, hvis resultat bør være en korrekt sammensat, korrekt konstrueret, moderat gennemarbejdet tone, ekspressiv pædagogisk tegning af et stilleben.

Lad os nu se meget detaljeret på, hvordan processen med at skabe en stillebentegning lavet af gips foregår. geometrisk krop- et sekskantet prisme og en trævase til opbevaring af tegneværktøj.

Efter formatet er valgt, bestemmes det, hvilken størrelse billedet skal udskrives på papir, især da man i foreløbige skitser leder efter proportionale forhold mellem billedet og formatet. Proportioner er vævet ind i visuel perception i overensstemmelse med øjets struktur og principperne for dets funktion. Hver person, der tegner, bestemmer forholdet mellem mængder og, vær ikke overrasket, skelner mellem dem forholdet mellem det "gyldne snit". Man ser i indstillingen, at en vase, der står lodret, ser mere foretrukken ud end et prisme, der ligger i en vinkel i forhold til den. Det betyder, at du i din tegning vil være særlig opmærksom på vasen, og du vil begynde at forbinde placeringen af ​​billedet på papiret med den. Det vil ikke være placeret på tegningen på anden måde end i forhold til proportionerne af det "gyldne snit".

Denne karakter af visuel perception bekræftes af adskillige eksperimenter udført i anden tid i en række lande rundt om i verden.

Den tyske psykolog Gustav Fechner gennemførte i 1876 en række eksperimenter, der viste mænd og kvinder, drenge og piger såvel som børn, figurer af forskellige rektangler tegnet på papir, og bad dem om kun at vælge en af ​​dem, men gjorde det mest behagelige indtryk. på hvert emne. Alle valgte et rektangel, der viser forholdet mellem dets to sider i forholdet til det "gyldne snit" (fig. 25). Eksperimenter af en anden art blev demonstreret for studerende af neurofysiologen fra USA Warren McCulloch i 40'erne af vores århundrede, da han bad flere frivillige blandt fremtidige specialister om at bringe en aflang genstand til den foretrukne form. Eleverne arbejdede et stykke tid og returnerede derefter genstandene til professoren. På næsten alle af dem blev mærkerne lavet nøjagtigt i området af "det gyldne snit"-forhold, selvom de unge ikke vidste absolut intet om dette " guddommelige proportioner" McCulloch brugte to år på at bekræfte dette fænomen, da han personligt ikke troede, at alle mennesker vælger denne andel eller etablerer den i amatørarbejde med at lave alle slags håndværk.

Ris. 24

Interessant fænomen observeret, når seerne besøger museer og udstillinger visuel kunst. Mange mennesker, der ikke har tegnet sig selv, kan med forbløffende nøjagtighed opfatte selv de mindste unøjagtigheder i afbildningen af ​​objekter i grafiske billeder og i maleriske malerier. Disse er sandsynligvis tegn på en persons æstetiske sans, som "ikke er enig" med ødelæggelsen af ​​harmonien mellem form og proportioner. Er det ikke med et sådant krav om en følelse af skønhed, at fænomenet "den gyldne proportion" er forbundet (så snart denne andel ikke kaldes "guddommelig", "gyldne", "gyldne snit", "gyldne tal") ? Det er tilsyneladende ikke for ingenting i alle århundreder af menneskelig civilisation " gyldne snit"blev ophøjet til rang af det æstetiske hovedprincip.

For dig bør de kompositoriske principper for at konstruere en stillebentegning ikke være en anstødssten, for en person er udstyret med evnen til at se godt miljø inden for det klare synsfelt (i en vinkel på 36°). Det er de proportionale værdier inden for det klare synsfelt, der tydeligt skelnes af øjnene, og din opgave er at genkende dem for at konstruere tegningen korrekt. Faktum er, at en person, der tegner, ser den objektive verden på samme måde som en, der ikke tegner. Men hvis du tager et vilkårligt synspunkt til at konstruere en tegning, vil der opstå forvrængning. Du skal huske, at når du konstruerer et billede, er alt indbyrdes afhængigt: synsvinkel, klart synsfelt og afstand til objekterne i billedet. Dette betyder, at du i processen med at komponere billedet skal vælge en sådan del af det lukkede rum (ark papir), som vil omfatte stillebenobjekter og en del miljø(baggrund). Objekterne på billedet skal hverken være for store eller for små. Ellers "kommer" det store billede ud af formatet, og det lille "synker" ned i det. For at forhindre dette i at ske, prøv at betragte papirarket og billedets dimensioner som en enkelt helhed af den kompositoriske løsning af stillebentegningen.

Efter at have organiseret papirets plan, skal objekter tegnes, som øjet ser dem, og som de eksisterer i virkeligheden. For at gøre dette afklarer du perspektivændringerne i formen af ​​vasen og prismet og forsøger samtidig straks at forstå deres objektive struktur, design og analysere lysforholdene. Chiaroscuro på objekter er fordelt efter de samme love, som du blev bekendt med, når du tegnede gipsmodeller af geometriske kroppe.

Hver tegning er på samme tid en ny viden objektiv verden, som er ledsaget af tilegnelse af viden, erfaring, nye færdigheder og motoriske færdigheder i håndbevægelser. Efter at have placeret tegningen på et plan og foreløbig formidle grænserne for formen af ​​hver af de to objekter i lyse linjer og skitsere volumen af ​​vasen og prismet med de samme lette strøg, fortsætter du dit arbejde og går videre til næste fase. Nu fortsætter du med at forfine formens karakteristiske træk yderligere, mens du hele tiden sammenligner tegningen med naturen. Derefter begynder man at arbejde med relationer, der går ud på at bestemme de rigtige proportioner, forholdet mellem rumlige planer, detaljer og helheden.

Ris. 25

Metoden til at arbejde gennem relationer giver tegneren mulighed for at tilegne sig viden og færdigheder i det omfang, de påvirker udviklingen af ​​en person som professionel kunstner.

Så de første stadier af din tegning: løs layoutproblemerne, skitser den generelle silhuet af stilleben, fremhæv begge objekter og vis proportionerne, føl samtidig formernes forbindelse, deres korrespondance med den generelle struktur af billedet. Når man arbejder med relationer, tydeliggøres tegningen ved at sammenligne og kontrastere, dvs. sammenligne billedet med helheden og delene med hinanden. På samme stadium af tegningen skal du begynde at identificere volumen og relief af formerne på objekterne i billedet, arbejde gennem dem i henhold til princippet - fra det generelle til det specifikke. Dette er den eneste måde, du altid vil se helheden - i struktur, og i proportioner og i tone.

Når du har tillid til tegningens troskab og rigtigheden af ​​de tilsigtede lys-tonale forhold, kan du roligt gå videre til at modellere formen med en tone, der gradvist er mættet med tæthed.

På denne vigtige fase af arbejdet - overførsel ægte skildring af et stilleben, som vores øje ser det, og hvordan det eksisterer i rummet, er du nødt til at se hele naturen hele tiden, det vil sige, når du rører med en blyant til dette eller hint sted i tegningen, skal du ikke miste af syne hele indstillingen og hele tegningen som helhed. Husk altid, at du ophober viden, færdigheder og evner gradvist og konsekvent og arbejd på stilleben i overensstemmelse hermed. Tonale forhold i naturen kan ikke præcist formidles i en tegning på grund af uoverensstemmelsen mellem det originale lys og papirets hvidhed. De kan kun formidles ved at følge lys- og skyggeforhold, der er proportionale med naturen, og du ved, at kvaliteten af ​​det tonale mønster afhænger af en sådan transmission.

Under modelleringen af ​​tegningen i tone, når du udfører alt arbejdet fra det generelle til det specifikke, kommer der uundgåeligt et øjeblik forbundet med et stort ønske om at påtage sig den endelige bearbejdning af en eller anden del af billedet, hvilket er meget attraktiv i produktionen. Det er her, du kommer til detaljerne ved at følge principperne for tegning.

I praksis både pædagogisk og kreativ tegning Der er to ofte sammenflettede tekniske metoder til at lægge toner på papir med en blyant - skygge og skygge.

Skravering har, i modsætning til skygge, sine egne distinkte træk. En erfaren tegner kan kun opnå overførsel af alle naturens tonale og materielle egenskaber. Samtidig bruger han en række streger langs med blyantsporet på papir - lige og buede, korte og lange, der overlapper hinanden i flere lag. Skygge skal derfor forstås som teknikker til at påføre tone med streger. Skyggeretningen i en tegning er meget vigtig. Ved at bruge strøg rettet efter genstandens form kan man opnå volumen, og omvendt, ved tilfældigt påførte strøg, ødelægges formen, billedet dækkes med formløse pletter.

Tegnemestere brugte ofte skygge - en teknik til at gnide et blyantlag, påført fladt med en bly, over papirets overflade for at opnå en blød solid tone ved hjælp af enten skygge eller papirservietter og meget ofte bomuldsuld. Denne teknik blev brugt meget ofte og effektivt af Ilya Efimovich Repin.

I processen med arbejde relateret til overførsel af lys- og skyggeforhold bestemmes de lyseste og mørkeste steder i fuldskalaindstillingen, og under overholdelse af dem som tonale retningslinjer opnås den nødvendige blænde gradvist. Og hele tiden skal du sammenligne og sammenligne tegningen med naturen igen. For at gøre dette kan du endda bevæge dig et stykke væk fra tegningen, så du kan se dit arbejde fra et lidt fjernt synspunkt. Der er en anden teknik til sammenligning - se på tegningen i spejlet, mens du er halvt vendt mod billedet. Spejlet skal også afspejle det naturlige objekt. En sådan sammenligning kan hjælpe dig med at se fejl i tonen og eliminere dem. Spejlteknikken er også effektiv, fordi den giver dig mulighed for at se dit arbejde fra en uventet vinkel. Hver maler vænner sig ikke kun til sit billede, men ophører ofte på grund af uerfarenhed og stadig mangel på færdigheder med at bemærke alvorlige fejl i tegningen, for ikke at nævne tonen. Et sådant uventet udseende vil hjælpe dig med at se denne eller den fejl, som viste sig at være svær at være opmærksom på på grund af manglende evne til kritisk at se på din egen tegning.

Den sidste fase af arbejdet med en stillebentegning er relateret til tegnerens evne til at fuldende billedet, dvs. bringe billedet i overensstemmelse med det generelle visuelle indtryk med en problemfri opfattelse af fuldskalaproduktionen.

1. Hvad er stadig liv?
2. Hvor mange stadier af at male et stilleben skal du igennem?
3. Hvad forstår du ved udtrykket "layout"? Hvilken rolle spiller layout i en tegning?
4. Hvorfor skal en fuldskalaproduktion ikke opfattes i dele, men som en helhed?
5. Hvad vil det sige at anvende streger på en formular?
6. Hvad er den metodiske sekvens af at arbejde med et stilleben?
7. Hvordan forstår vi begrebet "generalisering af en tegning"?

Kunstnere har altid elsket at male stilleben. På deres lærred afbildede de luksuriøse buketter af blomster, Eksotisk frugt, vildt, friske grøntsager og meget indviklede retter. I dag er stilleben stadig populære, men det er ikke så nemt at tegne dem. Det er bedst at starte med simple kompositioner bestående af tre eller fire forskellige objekter.

Først skal du forberede:

Papir;
- blyant;
- viskelæder;
- lyse farveblyanter. For eksempel fungerer akvareller godt.

Herefter kan du begynde at arbejde på stilleben:

1. Marker kanten af ​​bordet med en blyant, og tegn derefter konturerne af to æbler, en pære og et krus;

2. Tegn frugten mere detaljeret. Tegn en kvist jordbær stående i en cirkel;

5. Påfør endnu et lag skygge på æblet, hvilket gradvist gør dets farve mere mættet og udtryksfuld. Husk, at æblet, ligesom pæren, skal have et højdepunkt, for i dette tilfælde falder lyset på genstandene fra den ene side. Gør skyggeområderne yderligere mørkere med brun og sumpgrøn;

Stillebenet er helt klar. Du kan gradvist komplicere kompositionen ved at tilføje flere og flere nye objekter. Du kan farve et stilleben ikke kun med farveblyanter, men også med olie-, akryl- eller akvarelmaling.

Vidste du, at processen med at tegne ikke kun indgyder en person en følelse af skønhed, men også hjælper med at klare stressende situationer, beroliger dine nerver og skaber fred i din sjæl? I lyset af dette anbefales det at bruge i det mindste noget af din fritid til denne aktivitet. Lad os lære at tegne et stilleben med frugt med en blyant.

Generel information

For at lære at male et stilleben med frugt, skal du først forstå, hvad udtrykket i sig selv betyder. Derudover skal du vide, hvilke egenskaber en fremtidig kunstner skal forberede sig til at skabe sit eget mesterværk. Et maleri, der afbilder livløse genstande (det er lige meget, et eller flere) kaldes et stilleben. Oversat fra fransk dette udtryk lyder som "død natur". Afhængigt af fantasien kan du bruge blomster, genstande i malerier husholdningsartikler, frugt og grønt. Stilleben indeholder ofte et element som stof (af enhver farve og tekstur).

Påkrævede attributter

For at klare det kommende arbejde og mestre alle nuancerne, skal du forberede dig på forhånd nødvendige værktøjer. Du får brug for:

Et ark papir eller lærred (det hele afhænger af hvilken størrelse du vil skabe dit første mesterværk);

Simpel blyant;

Stof og genstande, som du vil bruge som natur;

God belysning.

Hvis du planlægger at male et billede, så skal du udover alting beslutte, hvilken type maling du vil bruge (akvarel eller olie) og vælge pensler og en palet i overensstemmelse hermed. Og glem selvfølgelig ikke vand.

Grafisk teknik

For at dit maleri skal blive mest lig den valgte sammensætning, skal du først mestre teknikken. Du bør lære at formidle højlys, skygger og tekstur. Et stilleben med frugt i blyant begynder med en skitse. Det er afbildet på et separat ark. Her registrerer de simpelthen placeringen af ​​objekter uden at tegne dem helt. Når skitsen er klar, kan du begynde at afbilde elementerne på hovedlærredet. Når du tegner, skal du ikke trykke for hårdt på blyanten. Ellers vil mærker forblive på papiret, når du sletter en forkert tegnet linje. Når du opretter konturerne af objekter, bør du ikke tegne hver linje; tegne en skitse med kaotiske bevægelser. Du skal vide, at kunstnere bruger blyanter af varierende blødhed til individuelle linjer. Under billedprocessen giver sættet dig mulighed for at skabe forskellige effekter på papir. Det er derfor, hvis du vil gøre alt rigtigt og skildre smukt stilleben med frugt, gå til valget af "værktøj" med stort ansvar.

Oprettelse af en skitse

Som alle forstår, skal du først oprette en sammensætning for at begynde at arbejde. Du skal beslutte dig for hovedbaggrunden for dit maleri, samt hvilke elementer der vil være til stede i det - om du vil afbilde et objekt eller beslutter dig for at bruge flere. For eksempel kan du male et stilleben med frugt og grøntsager, eller diversificere dit billede med en buket. Det er tilrådeligt at bruge almindelige stoffer som baggrund. Brug derefter whatman-papir til at bestemme midten af ​​kompositionen og skitser en skitse af det fremtidige maleri. Det første du skal tegne er enkle elementer: en oval eller en cirkel. For eksempel er et almindeligt æble afbildet ved hjælp af en cirkel; for at skitsere druer bruges detaljer i form af små kugler. Det vigtigste er at sørge for, at objekterne er placeret på deres steder, det vil sige opretholde proportionalitet.

Vi afbilder genstande

Når du har formået at placere alle objekterne korrekt på arket, er det tid til at gå videre til at tegne dem. For at gøre dette skal du skrive frugter i de viste figurer ved hjælp af klarere linjer. Gør alle detaljer, konturer klare og fjern hjælpelinjer. For at skabe det rigtige look, glem ikke at bruge en blyant til at placere skyggerne korrekt. Denne handling udføres ved hjælp af skygge, i første omgang mørkere de mørkeste steder med en gradvis overgang til lysere. Skyggerne tegnes med en ekstrem skarp blyant, når man påfører lag for lag. Den sidste fase er at kontrollere billedet af alle objekter, der skal lægges særlig vægt på tonelayoutet.

Stilleben med frugt - skridt for skridt

Lad os undersøge, hvordan man laver et maleri ved at bruge en appelsin, drue og kiwi som eksempel. Det er bedre at bruge rigtige ting til dette formål, så køb dem på forhånd. Tro mig, for at erhverve færdigheder og praksis er det bedre at trække fra livet. For at gøre det lettere for dig at skabe dit første mesterværk, skal du nøje følge vores instruktioner.

Tegningsdetaljer

Først skitserer vi frugtens placering på papir. For at skildre halvdelene af en kiwi og en appelsin skal du tegne skrå linjer og først derefter tegne ovaler. Nu kan du begynde at tegne frugten direkte. Lad os starte med orange. For at gøre dette opdeler vi dens skitse ved hjælp af en hjælpelinje i to dele. Derefter tegner vi skiver i hver halvdel og viser dem som trekantede sektorer.

Vi fylder området, hvor druerne skal være placeret, med cirkler, og for kiwien tegner vi kun kernen. Det er tilrådeligt at begynde at skygge skitsen med druer. For at gøre dette, brug den blødeste blyant (8 "M"), tegn hver cirkel i en cirkulær bevægelse. Bemærk venligst, at det letteste sted i druerne skal være midten, samt kanterne. Dette gøres for at bærene ikke smelter sammen med hinanden. Lad os nu gå videre til at tegne appelsinen. Lad os først skygge skrællen. For at gøre dette skal du bruge en "T" blyant til at anvende skygge på frugtens form. Så vil vi påføre pletter og prikker. Dette gøres med en "TM" blyant. På denne måde kan du formidle appelsinens tekstur.

Tegn frugtskiverne med en "T" blyant. Vi bevæger os fra midten til kanterne. For mere præcist at formidle billedet af frugten skal du bruge en "TM" blyant til at skildre "fjer". For at gøre tegningen mere lig originalen skal du bruge et viskelæder til at gøre hjørnerne mere afrundede og slette en lille cirkel i midten. Det er tid til at portrættere en kiwi. Til dette formål skal du bruge en "TM" blyant til at påføre streger på overfladen (uden at trykke). Og for at gøre frugten mere realistisk, vil vi lave små linjer på overfladen med stærkere tryk. Lad os nu tegne kernen. I midten af ​​kiwien skal du bruge en "TM" blyant til at tegne stråler (flere lag). På denne måde vil vi formidle teksturen af ​​ægte frugt. Blød blyant tegn frøene, og brug derefter et viskelæder til at gøre midten lysere.

vindrueblad

Hvis du har lidt ledig plads tilbage på dit arbejdsområde, kan du tilføje et element såsom et vindrueblad til dit stilleben. For at gøre dette skal du tegne bladets form i form af en spatel. Så vil vi skabe årer, der skal komme ud fra et punkt (dette egenskab vindrueblad). Vi laver en mere nøjagtig skitse af bladformen. Nu kan du supplere venerne med mindre grene og skabe hjørnerne af dette element. Lad os begynde at skygge. Brug en "T" blyant, fra det punkt, hvor venerne konvergerer, tegn stiplede linjer til enderne af elementet. Dernæst tilføjer vi volumen.

For at gøre dette skal du påføre et ekstra lag med en "TM" blyant. Men du behøver kun at gøre det ved kanterne og toppen af ​​arket. Den sidste fase af maleriet involverer at påføre skygger og bringe bladets årer tydeligere frem. Dit maleri er klar. Mange tror, ​​at det er meget nemmere at male et stilleben med frugt end at male for eksempel et stilleben med en buket. I princippet er der ikke den store forskel på disse malerier. Når du opretter begge tegninger, er det nødvendigt at skildre hver detalje. Den eneste forskel er, at stilleben med frugter og blomster har flere elementer.

At lave en skitse

Tag først et godt kig på, hvordan frugterne er arrangeret, og hvordan formen på den ene passer ind i den andens form. Tag derefter en hård sort pastel og skitser hele kompositionen. Tegn med korte, lette strøg, og husk, at dette er en skitse. Stræb ikke efter absolut nøjagtighed.

Anvendelse af baggrundstonen

Brug siden af ​​den citrongule pastel og påfør en baggrundstone på alle de varme farvede frugter, dvs. rødt æble, orange, gul banan og pære (undtagen druer). Prøv ikke at gå ud over omridset af hver frugt, og mal ikke over områder, hvor højlys senere vil blive tegnet. Brug spidsen af ​​pastellen til at tegne skarpere gule linjer for at vise bananens nederste kurve og dens stilk. Blanding af farver I dette tilfælde blev farveblanding brugt meget begrænset, da vores kunstner søgte at udnytte de muligheder, som den ru overflade af specielt pastelpapir gav fuldt ud. Dette stilleben kunne dog slet ikke undvære at blande - sådan blev højdepunkterne på druerne malet, hvilket formidler lysets spil på overfladen af ​​bærene. Intensitet hvid her øges det, når det nærmer sig kernen af ​​højdepunktet. Skyggekastet fra frugten er afbildet efter samme princip. Den er mest mættet i midten og sløres gradvist ud mod kanterne.

Vi arbejder videre

Når du har skitseret objekterne og dækket frugten i baggrundstonen, kan du gå videre til hovedfarverne og højlys. Når du adskiller en frugt fra en anden på papiret, skal du bruge både den flade side og den skarpe spids af pastellen.

Form appelsinen

Tag en orange pastel og tegn flere korte halvmåneformede linjer inde i appelsinen, og følg omridset af frugten. Brug både den skarpe spids og den flade side af pastellen. Almindelig orange farve Blander godt med lysere varme farver, så det vil delvist dække citrongul baggrund.

Påfør grønne strøg på pæren og bananen

Brug igen både den spidse spids og den flade side af kaki-pastellet, tilføj en grønlig farvetone til pære og banan. Vær opmærksom på de mest komplekse linjer, idet du understreger pærens buler (i bunden) og bananens ben.

Tilføj lyse farver til æblet

For at tegne et æble, tag en lys rød pastel Dæk den midterste del af æblet med jævne strøg, og gør derefter det samme på venstre side af frugten. Derefter skal du med den skarpe spids af pastellen forbedre farven omkring fordybningen med stilken og yderligere fremhæve æblets hovedkontur.

Tegning af druer

Tag en kirsebærrød pastel og mal over vindruebærrene med korte strøg, så strøgene følger deres form. Lad de steder stå tomme, hvor højlys vises senere.

Vi fortsætter med at tegne et æble og en appelsin

Lad os vende tilbage til den kirsebærrøde pastel igen, såvel som til de områder af æblet, som vi allerede har dækket med lyserødt. Brug tætte strøg for at understrege frugtens form. Rør ikke den midterste venstre side af æblet. Gå videre til appelsinen, skygge den med lys orange pastel, prøv at kopiere frugtens form.

Lad os få æblets mørkeste toner frem

Tag en mørk lilla pastel og brug en skarp spids til at skitsere omridset af æblet, samt den buede fordybning, som stilken sidder i. Brug derefter siden af ​​pastellen til at gøre den røde plet i midten af ​​æblet lidt mørkere.

Lad os nu vende tilbage til druerne.

Brug en mørk lilla pastel til at male meget kraftigt i små strøg på indersiden af ​​hvert bær, og forsøge at understrege deres form. Husk at efterlade lyse områder, hvor højlys vises senere.

Lad os tilføje mørke toner på pæren, bananen og druerne

Brug gul okker til at markere de mørkeste dele på pære- og bananskrællen, som vist på billedet. Brug tættere linjer, hvor druerne kaster en let skygge på pæren. For bedre at vise formen på hver drue, skal du tegne den ydre kant af hver drue med den skarpe spids af en sort pastel.

Bringe druerne til at skinne

Tag en hvid pastel og lette bevægelser Mal over alle de stadig uskyggede fragmenter på hver drue. På nogle af dem skal du gøre højdepunkterne så tydelige som muligt. For at placere højlysene korrekt skal du kontrollere din tegning oftere med fotografiet.

Marker en lys kaki plet på appelsinen og tilføj en hvid fremhævning.

Tilføj derefter hvide highlights til alle de andre frugter, som vist på billedet, ved at bruge den flade side af pastellen til dette. Tegn nu, med den skarpe ende af en hvid pastel, de få skrå linjer i fordybningen, hvor æblestilken sidder, og derefter med en mørkebrun pastel. Brug den samme farve til at omridse kanten af ​​æblet og skygge let de lysebrune pletter for at gøre dem mørkere. Gnid forsigtigt højdepunkterne på druerne med fingerspidsen.

Afslut med at tegne en appelsin

Brug den flade side af pastellen, lav et par lyserøde streger på den orange, understrege dens form og omrids. Påfør dem meget let. Herefter gnides forsigtigt den røde pastel med din finger.

Tegning af baggrunden

Brug hvid pastel til at lave en række vandrette og lodrette streger rundt om tegningen.

Efterlad kun de områder, der støder op til pæren til højre og orange til venstre uden skygge – her kan du tilføje skygger.

Tilføjelse af frugtskygge

Lav små strøg med spidsen af ​​en sort pastel for at uddybe skyggerne, der ligger omkring druerne. Påfør derefter med den flade side af den sorte pastel en lys skygge på overfladen af ​​et imaginært bord og gnid det med fingeren, så det gradvist bliver til Hvid baggrund.

Færdig stilleben

EN Flerlags farve

Det gode ved pastel er, at det kan påføres lag for lag. Mørkere toner lå oven på den lyse grundtone, som var med til at give volumen til det afbildede objekt.

B Glat baggrund

En glat hvid baggrund kommer godt i gang komplekse former farvestrålende frugter

I sløret skygge

Den glatte overgang af skyggen, der falder fra frugten til en hvid baggrund, gør den mere naturlig.