Store koreografer: Maurice Bejart. Biografi om Maurice Bejart Maurice Bejart biografi personlige liv

Blandt dem, der i mange henseender vendte op og ned på den traditionelle idé om ballet, var fremragende mester ballet af Maurice Bejart. Hans succes som iscenesætter og underviser skyldes i høj grad, at han startede som danser og selv fulgte den vej, som han derefter guidede sine elever.

Bejarts præstation er, at han i stræben efter at bruge danserens krops plastiske muligheder på en række forskellige måder, ikke kun sætter solopartier på, men også introducerer udelukkende mandlige balletkorps i nogle produktioner. Således udvikler han konsekvent konceptet om en universel mandlig dans, baseret på traditionerne for gamle shows og massehandlinger fra forskellige folk.

Den fremtidige koreograf var søn af en indfødt tyrkisk Kurdistan og en catalansk kvinde. Som koreografen selv senere indrømmede, satte denne kombination af nationale rødder et aftryk på alt hans arbejde. Bejart begyndte at studere koreografi i 1941, og i 1944 debuterede han med balletkompagniet i Marseille Opera. Men for at danne en individuel kreativ måde besluttede han at fortsætte sin uddannelse. Derfor forbedrede Bejart sig siden 1945 med L. Stats, L.N. Egorova, Madame Ruzan i Paris og V. Volkova i London. Som et resultat heraf har han mestret mange forskellige koreografiske skoler.

I begyndelsen af ​​sin karriere bandt Bejart sig ikke til strenge kontrakter og optrådte i en række forskellige trupper. Han arbejdede sammen med R. Petit og J. Charr i 1948, optrådte ved Inglesby International Ball i London i 1949 og ved Royal Swedish Ballet i 1950-1952.

Alt dette efterlod et aftryk på hans fremtidige arbejde som koreograf, siden særpræg hans stil bliver gradvist eklektisk, en syntese af teknikker hentet fra forskellige koreografiske systemer.

I Sverige debuterede Bejart som koreograf og iscenesatte fragmenter af balletten "Ildfuglen" af I. Stravinsky til filmen. For at realisere sine kreative ideer grundlagde Bejart i 1953 sammen med J. Laurent Ballet de l'Etoile-truppen i Paris, som eksisterede indtil 1957.

På det tidspunkt iscenesatte Bejart balletter og optrådte samtidig i dem i hovedrollerne. Repertoiret var baseret på en kombination af klassisk og nutidige forfattere... Så i 1953 iscenesatte Bejart-truppen "A Midsummer Night's Dream" til musik af F. Chopin, næste år udkom balletten "The Taming of the Shrew" til musik af D. Scarlatti, og i 1955 udkom tre balletter blev iscenesat på én gang - "Skønhed i en boa" til musik af D. Rossini, "Rejsen til hjertet af et barn" og "Nadveren" af Henri. Bejart udviklede dette princip i fremtiden. I 1956 instruerede han "Tanit, or Twilight of the Gods", og i 1963 - "Prometheus" af Hovhan.

I 1959 blev koreografien af ​​balletten "The Rite of Spring" lavet af Bejart, opført for Royal Ballet of Belgium på scenen i Moner Theatre i Bruxelles, så entusiastisk modtaget, at Bejart endelig besluttede at stifte sin egen trup "Ballet". af det 20. århundrede", som han ledede i 1969 ... En del af Bruxelles-truppen blev dens kerne. Først fortsatte Bejart med at arbejde i Bruxelles, men efter nogle år flyttede han med truppen til Lausanne. Der optrådte de under navnet "Ballet of Bejart".

Sammen med denne trup foretog Bejart et storladent eksperiment for at skabe syntetiske forestillinger, hvor dans, pantomime, sang (eller ordet) indtager lige plads. Samtidig fungerede Bejart i en ny egenskab for sig selv som produktionsdesigner. Dette eksperiment førte til, at det var nødvendigt at udvide størrelsen af ​​scenen.

Bejart foreslog en fundamentalt ny løsning på forestillingens rytmiske og rumtidsdesign. Indførelsen af ​​elementer af dramatisk leg i koreografien bestemmer den levende dynamik i hans syntetiske teater. Bejart var den første koreograf, der brugte sportsarenaernes store rum til koreografiske forestillinger. Under handlingen var et orkester og et kor placeret på en kæmpe platform, handlingen kunne udvikle sig hvor som helst i arenaen, og nogle gange endda flere steder på samme tid.

Denne teknik gjorde det muligt at gøre alle tilskuere til deltagerne i forestillingen. Skuespillet blev suppleret af en enorm skærm, hvor billeder af individuelle dansere dukkede op. Alle disse teknikker var ikke kun rettet mod at tiltrække offentligheden, men også på dens form for chokerende. En sådan syntesebaseret forestilling var The Torment of Saint Sebastian, opført i 1988 med et sceneorkester, kor, vokalsoloer og dans fremført af balletdansere.

Bejart plejede at kombinere forskellige slags kunst i én forestilling. Især i denne stil iscenesatte han i 1961 balletgallaen til Scarlattis musik, som blev vist på Teatret i Venedig. Samme år i Bruxelles iscenesatte Bejart sammen med E. Closson og J. Charra en syntetisk forestilling "The Four Sons of Aimon" til musik af komponisterne fra det 15.-16. århundrede.

Bejarts kreative eftersøgninger vakte interesse hos tilskuere og specialister. I 1960 og 1962 blev han tildelt Theatre of Nations-prisen, og i 1965 blev han prisvinder af Paris Dance Festival.

For at udvikle sine ideer havde Bejar brug for ligesindede. Og i 1970 grundlagde han en særlig studieskole i Bruxelles. Det lyse chokerende og stagiens karakteristiske for det 20. århundrede afspejles i studiets navn - "Mudra", som er et akronym opfundet af Bejart, der afspejler hans interesse for østens klassiske dans.

Bejart er en af ​​de mest komplekse og kontroversielle figurer i moderne tid koreografisk kunst... I teoretiske udsagn insisterer han på at bringe dansen tilbage til dens oprindelige rituelle karakter og betydning. Han mener, at det ved hjælp af sådanne kunstneriske og æstetiske eksperimenter, som han udfører, er muligt at afsløre det vigtigste i dansen - dens ældgamle universelle grundlæggende principper, fælles for alle racers og folkeslags dansekunst. Derfor opstår Bejarts konstante interesse for de koreografiske kulturer i Østen og Afrika. Mesteren er især interesseret i Japans kunst. Måske er det derfor, at mange af de dansere, der arbejder for ham, er japanske.

I dag er Bejart særligt inviteret til forskellige teatre for at opføre individuelle forestillinger. Men han har også nogle personlige tilknytninger. Så mange års samarbejde forbinder ham med M. Plisetskaya. Han iscenesatte balletten "Isadora" for hende, samt flere solo koncertnumre for hende sidste taler... Den mest kendte blandt dem er miniballetten "The Vision of the Rose". Gennem årene arbejdede Bejart også med V. Vasiliev. For første gang opførte Vasiliev versionen af ​​I. Stravinskys ballet Petrusjka, iscenesat af Bejart, og sammen med E. Maksimova spillede han titelrollerne i S. Prokofjevs ballet Romeo og Julie.

Hjemmesider om Bejart

Skæbnen har tildelt denne mand mange talenter. Han formåede at realisere sig selv som koreograf, teater- og filminstruktør, dramatiker, forfatter og filosof. I 1994 blev Maurice Béjart den eneste koreograf i verden, der blev tildelt ærestitlen akademiker ved det franske akademi Finere kunst.

Maurice Jean Berger blev født den 1. januar 1927 i Marseille. Maurices verdenssyn var stærkt påvirket af hans far, den orientalistiske filosof Gaston Berger, indfødt i Senegal. Siden barndommen har Maurice læst afhandlinger om religionens historie østlige lande... Så den gamle kinesiske "bog om metamorfoser" blev for ham en ægte samling af livets sandheder.

Han så altid verden som noget udeleligt og brugte senere aktivt elementer fra alle verdens religioner i sine forestillinger. Det er værd at bemærke, at Bejart var fast besluttet på sit kald i barndommen. Han studerede med russiske dansere og sagde, at Rusland var hans koreografiske hjemland, og i 1940 grundlagde han den første trup - Ballet de l'Etoile.

Venner hjalp Maurice med udformningen af ​​de første forestillinger. I 1960 blev en berømt trup, Twentieth Century Ballet, dannet, hvor Maurice Béjart arbejdede med et nyt navn. "At være instruktør," argumenterede han, "er mere interessant end at være skuespiller. Skuespilleren får kun én rolle, og instruktøren optræder i syv."

Efterhånden blev Bejarts arbejde mere komplekst: forskellige typer kunst i hans fantasi vævet sammen. Maurice var ikke bange for at vende sig til pantomime, sang, elementer af biograf, tv, cirkus og endda sport. Derudover var åbne finaler karakteristisk for hans præstationer. Han viede sine aktiviteter til at skabe et unikt dansesprog. Forestillingernes temaer har altid været dybe og komplekse: søgen efter meningen med livet, konfrontationen mellem godt og ondt, nuancer i forholdet mellem vest og øst.

Det højeste punkt for anerkendelse af Maurice Béjart var i 1970'erne og 80'erne. På dette tidspunkt turnerede hans trup i USSR. Forestillingen om den franske statsmand Andre Malraux fik størst respons fra det sovjetiske publikum. Det er interessant, at handlingen begyndte fra slutningen: datoen for Malrauxs død blev oprindeligt annonceret, og i finalen blev det fortalt om hans barndom.

I 1989 deltog Bejart ballet Lausanne-truppen i optagelserne af filmen "Grand pas in Hvid nat"I Leningrad. I 1998, 2003 og 2006 var Bejarts trup "Rudra" på turné i Moskva. Med Maurice Bejart i lang tid den fremragende ballerina Maya Plisetskaya samarbejdede. For hende iscenesatte han duetten "Svane og Leda", balletten "Kurazuka", det koreografiske nummer "Ave, Maya!"

I 1998 skaber Maurice en produktion af Mutations, som er unik i sit semantiske indhold. Atomeksplosionødelagde jorden. Flere overlevende er ved at forlade planeten og gå på jagt efter en anden. Det blev besluttet at henrette afskedsdans, hvor de mindes deres barndom og deres ubekymrede, glad liv... Håb og tro på fremtiden efterlod ikke kun én person, der nægtede at flyve væk, og takket være ham kommer jorden til live. Denne advarsel fra Bejart chokerede dybt publikum. Kostumerne til denne ballet er designet af den verdensberømte designer Gianni Versace, som desværre havde en chance for at arbejde sammen med Maurice Béjart for sidste gang.

Maurice Béjart var ekstremt negativ over for den frie fortolkning af hans præstationer og forskellene i præstationer. Kun de kunstnere, der var heldige nok til at arbejde med ham personligt, er viet til nuancerne i hans koreografiske stil. Ikke desto mindre har mange balletstjerner lært Bejarts produktioner at kende, og deres præstationer har generelt været fremragende. Et godt eksempel er opførelsen af ​​Diana Vishneva, som blev positivt modtaget af publikum, men kostede arrangørerne en betragtelig bøde. Maurice kunne ikke acceptere dette og gentog: "Det har intet at gøre med min koreografi."... Samtidig er Bejarts optrædener tilladt for mange performere, der fuldt ud holder sig til koreografens stil. Maurice Béjarts stil går således i arv fra generation til generation, forbliver uændret eller får nye farver.

For sit lange og begivenhedsrige liv har Maurice Béjart vundet mange priser: Erasmus-prisen (1974), Imperial-prisen (1993), Le Prix Allemand de la Danse-prisen (1994). Overraskende nok slog kejseren af ​​Japan ham i 1986 til ridder for hans bidrag til kulturliv Land. Hans kunst overraskede og fik dig til at tænke, virkede både attraktiv og frastødende, gav anledning til et stort antal meninger, ofte modsatte.

Bejarts forskellige eksperimenter forbløffede kritikere, som betragtede ham som en fup og slagsmål. Maurice selv foretrak dog med sin karakteristiske passion for filosofi at blive kaldt en rejsende. Faktisk vandrede han med tilskuere rundt forskellige epoker og lande, overraskede alle med kolossal viden i maleriets og litteraturens, musik- og arkitekturhistorien, og takket være egen fantasi mentalt gik gennem tiden, hvilket gjorde hans kreationer udødelige.

Oksana Barinova

Han er en glad mand. Hans liv, så fyldt med virkelige og fiktive historier, møder, sejre og nederlag, ville være nok til flere mennesker. Det var ligeligt delt indbyrdes af kærlighed, død og håb, efter at have lært meget, men vigtigst af alt - visdom. Han levede altid kun "i dag", huskede "i går" og så ind i "i morgen". Samfundet af hukommelse, realitetssans og fremsyn er blevet til kraftigt batteri hans kreative energi, legemliggjort i performance-metaforer.

Det var en lykke at have sådan en far som den orientalistiske filosof Gaston Berger. Drengen var glad for afhandlinger om religionen i landene i Østen fra sit bibliotek i barndommen, og mange af dem (som den gamle kinesiske hellige "I Ching" - "Bog om Metamorfoser") har ført ham gennem livet i mange flere år. Fars sætning "Alle religioner er lige, du skal acceptere en af ​​dem, og den vil blive din vej, forudsat at du ikke sætter denne vej over andre stier" * påvirkede afgørende Bejarts accept af shiitisk islam i 1973. Han følte altid verden som en helhed, derfor er tilstedeværelsen af ​​elementer af buddhisme, islam, kristendom, jødedom i hans forestillinger intet mere end en række forskellige religioner, universelle.

*Hvis liv? M., 1998. S.164.

Børnehjemmeforestillinger var også heldige, i produktionen og designet af hvilke han blev assisteret af Joelle Rustan og Roger Bernard, som blev ledsagere i mange år (Bacchanalia - 1961, Les Noces - 1962, IX Symphony - 1964, Mass in Our Time " - 1967," Baudelaire "- 1968," Firebird "- 1970," Nijinsky, Guds klovn "- 1971," Golestan eller Rose Garden "- 1973," Petrushka "- 1977," Hamburg Impromptu "- 1988 .. . ). Bejart gik til virkeliggørelsen af ​​sin barndomsdrøm om at blive instruktør i lang tid og vedholdende. Efter at have modtaget en koreografisk uddannelse fra russiske emigrantlærere og efter at have arbejdet i flere år i tropperne af Roland Petit, Mona Inglesby og Birgit Coulberg, i samarbejde med Jean Laurent, skabte han sit første kollektiv "Ballet Romantique" (senere omdøbt til "Ballet de l" 'Etoile'), i 1955 - "La Fontaine de Quatre Saison". Disse trupper blev en optakt til fremkomsten i 1960 af den mest berømte - "Twentieth Century Ballet", hvor Jean-Maurice Berger blev Maurice Béjart.

Skæbnen belønnede ham med lykke lang vej i kunst, som begyndte i 1946 * med produktionen af ​​Den lille side til musik af S. Rachmaninoff og F. Chopin i Rouen. I mere end et halvt århundrede kreativ aktivitet han realiserede sig ikke kun som koreograf (han har mere end 230 balletforestillinger bag sig), han er også teater- og filminstruktør (instruktør af operaer, operetter, dramatiske præstationer, tv-film), dramatiker og fremragende essayist. Diplomuddannelsen i filosofi, der blev forsvaret med succes i 1946 ved universitetet i Aix-en-Provence, blev det første skridt på stigen, der førte til verdensanerkendelse og som et resultat til ærestitlen akademiker ved det franske kunstakademi (1994) - den eneste i verden blandt koreografer.

* I turnéhæftet "Bejart Ballet Lausanne" er datoen for den første produktion af M. Bejart fejlagtigt angivet som 1954. De franske krønikeskrivere af koreografen M.—F. Christa og A. Livio citerer i deres skrifter 1946 - "Lille side".

Bejarts kunst chokerede og forbløffede, tiltrak og frastødte, hvilket forårsagede adskillige kontroverser. Men han eksperimenterede mere og mere ved at prøve og fejle.

"Præstens Hus". En scene fra stykket.
Foto fra forfatterens arkiv

J. Roman. "Præstens Hus".
Foto fra forfatterens arkiv

Kritikere opfandt tilnavne som "hoaxer", "brawler", "paradoksistisk" for ham. Han valgte den, der var tættest på hans verdensanskuelse, holdning, verdenssyn – den "rejsende". Han rejser med seere til forskellige epoker, lande og deres kulturer, forbløffende alle med kolossal viden i maleriets og litteraturens historie, musik og arkitektur, besidder ubegrænset fantasi og evnen til mentalt at passere gennem tidens tykkelse. Bejart gjorde balletten til de store massers ejendom, samtidig med at dens elitære bevarede.

Mere end et halvt århundredes iscenesættelse og undervisningsaktiviteter * har udviklet en metode til øvelser, stiltræk koreografi, strukturel opbygning af forestillinger.

* Den første skole af Bejart "Mudra" (Bruxelles) og den anden - "Rudra" (Lausanne) trænede personale til sine tropper. Eksperimentelle studentertrupper "Jantra" ("Yantra", hvis ledelse Bejart overdrog til H. Donne i 1976) og "Rudra Bejart Lausanne" deltog i opførelsen af ​​nogle produktioner.

Han kom ikke til den polyfoniske, polystilistiske karakter af sin kunst med det samme. På det tidlige stadie af hans kreative arbejde (1940-50'erne), "rene" balletter i form af pas de deux eller pas de trois ("Skatere", "Røde Sko", "Sonata for tre", "Arkan" osv. .). Senere begyndte 2- og 3-akters forestillinger at dukke op, hvor også corps de ballet blev introduceret - en geometrisk klart bygget, stift organiseret og velkoordineret gruppe af følsomme og følsomme mennesker, en ligeværdig solist sammen med hovedpartiernes udøvere .

Med årene er Bejarts arbejde blevet mere komplekst: tematisk, koreografisk, kompositorisk. Balletforestillinger udviklede sig efterhånden til syntetiske, hvor alle former for kunstart udgjorde en helhed. Bejart brugte recitation, sang, biograf, fjernsyn, sport, cirkusunderholdning. Ved at anvende kinematografi fremskyndede han handlingsændringen og koncentrerede tiden. Da han ikke var bange for "limning" og "sømme", valgte han collage som hovedmetoden. Hans musikalske, litterære og scenografiske collager er vovede, komplekse og associative (P. Tchaikovsky - P. Henri, V.-A. Mozart - argentinske tangoer; tekster af F. Nietzsche - børns tællerim og Sange fra Bibelen). Forskellige teatralske systemer gik i dialog i forestillingerne: den europæiske middelalder og Kabuki, det 20. århundredes teater og No, commedia dell'arte og "salon"-teatret. Alt eksisterede i form af lag. Etagebygningen af ​​Bezharovs forestillinger blev bygget på kontrasterne af lys, kulisser, kostumer, make-up og selve koreografien. Alle midler virkede for at forstå det skjulte filosofisk mening ofte lader finalerne stå åbne. Bejart viede sit arbejde til at skabe sit eget unikke dansesprog, idet han mente, at "klassikere er grundlaget for enhver søgning, modernitet er en garanti for fremtidens vitalitet, traditionelle danse af forskellige nationaliteter er det daglige brød for koreografisk forskning" *. Derfor er hans sprog en yderst organisk kombination af ordforråd. klassisk dans, dans- "moderne" og traditionerne i den østlige plastiske kunst. Han er overbevist om, at dans er et religiøst fænomen, det er en religiøs kult, danse-ritual, danse-hellig handling.

* Et øjeblik i en andens liv. M., 1989. C.1.

For J. Balanchine "ballet er en kvinde", for Bejart "ballet er en mand". Han dyrker mandlig solo- og massedans, nogle gange overfører han endda den kvindelige hovedrolle til danseren (Firebird, Salome) og får en unik sammensmeltning af styrken og kraften i den mandlige gestus med femininitet, skrøbelighed, øget følelsesmæssighed; positurer, pa er fyldt med erotik, sanselighed, som også påvirker kostumet - danserens torso er blottet. Det vigtigste for Bejarts dans er koncentrationen af ​​energi for at opnå en ekstatisk opløftning, en tilstand af lidenskab, ikke kun blandt danserne, men også blandt publikum.

For Bejart, "den menneskelige krop ... et arbejdsredskab" *, er han bekymret for musklernes spil, "flydende" af linjer eller deres knæk. I denne forstand er han en Rodin af koreografi, hvis "skulptur" er underlagt en række forskellige temaer.

*Hvis liv? S.143.

Udvalget af temaer, som Bejart har valgt til sine forestillinger, er usædvanligt bredt: refleksioner over meningen med livet og gengældelse for det, han har gjort, søgen efter Gud i verden og i sig selv, kærlighedens og ensomhedens almægtige kraft, konfrontationen mellem godt og ondt, problemer med bånd og tilnærmelse mellem vest og øst og mange andre. ... Men de mest omfangsrige var måske to: temaet skæbne kreativ personlighed("Baudelaire", "Nijinsky, Guds klovn", "Isadora", "Piaf", "Mister Ch.", "M. / Mishima /" osv.) og temaet "liv - død". Bejart udforsker modsætningen mellem Eros og Thanatos både i den menneskelige kultur og i den individuelle psyke, som gennemsyrer næsten alle hans forestillinger. Døden tog folk tæt på ham med tidlige år liv: i en alder af syv mistede han sin elskede mor, sin far og solister fra truppen Patrick Belda og Bertrand Pi døde i bilulykker, Bejarts partner i 50'erne begik Maria Free selvmord, for et par år siden forlod hans brødre Alain og Philippe denne verden, kusine Joelle; der er ikke mange af dem, der på en eller anden måde er involveret i hans kreationer - Nino Rota og Manos Hadjidakis, Eugene Ionesco og Federico Fellini, Barbara og Gianni Versace, Paolo Bortoluzzi og Jorge Donna ... Mange forestillinger Bejart dedikeret til deres minde ... The linie mellem liv og død fører han gennem dansen, da filosoffen mener, at døden tjener som en impuls til kampen for livet, for dens fylde med sit indhold. Bejarovs billeder af døden er slående i deres mangfoldighed og mangfoldighed.

At være instruktør for Bejart “er meget mere spændende end bare at være skuespiller – skuespilleren spiller kun én rolle, sin egen. Og instruktøren bliver alle og samtidig - intet ”*. Det er her de talrige spejle, masker, doubler, skygger i hans forestillinger kommer fra.

* Et øjeblik i en andens liv. S.12.

Spejlets motiv er det vigtigste for Bejarts verdensbillede, kreativitetsbegrebet: scenelivet for en kunstner er essensen, spejlrefleksion hans indre ro, dets mikrokosmos. For Bejart er et spejl ikke så meget et objekt, der skaber illusionen om rummet og formerer det, men snarere et levende væsen, "en slags katalysator for psykologi og magi, eller magisk psykologi" * udstyret med mystiske kvaliteter, der er i stand til at transformere og ødelægger på samme tid. For Bejart selv var hans alter ego på scenen i næsten tre årtier Jorge Donne - oversætteren af ​​hans tanker ved hjælp af dans. ”Han døde mandag den 30. november 1992 på en klinik i Lausanne ... Sent om aftenen, mens jeg rodede gennem bunken af ​​videobånd af mine gamle balletter, der var hobet op bag fjernsynet, så jeg Donne danse. Jeg så, hvordan han danser, det vil sige, han lever. Og igen forvandlede han mine balletter til sit eget kød, pulserende kød, bevægende, flydende, nyt hver aften og endeløst genopfundet ... En del af mit pseudo-selv døde med Donn. De fleste af mine balletter ... forsvandt med ham ”** (med undtagelse af” Adagietto ”til musik af G. Mahler, hvori Donne selv introducerede Gilles Romana).

*Hvis liv? S.157.

** Ibid. S.147.

Bejart havde brug for "double" for at udtrykke karakterernes tanker, følelser, følelser. Bejart, som det var, "nedbryder" karakterernes essens (mens den efterlader deres integritet) i deres komponenter, fordeler den blandt flere kunstnere og forstørrer derved individuelle karaktertræk til en persons skala. I "Baudelaire" er hans helt i seks afskygninger, i "Nijinsky ..." - i ti, i "Malraux ..." - i fem, i "En musikers død" - i tre ...

Masken er en anden kraftfuld egenskab ved Bejart-teatret. Hun er det samme ritual for ham; selv teknikken til at påføre makeup bringes til scenen ikke for et "trick", men for processens skyld ("Malraux ...", "Kurozuka", "1789 ... og VI"). Dens brug i forestillinger er varieret: en make-up maske, en maske som sådan og en ansigtsmaske. Sminkemasken bruges på den ene side i balletter med orientalske temaer, hvilket indikerer, at den hører hjemme en bestemt type teater, på den anden side - for at forstørre billedets funktioner. Masken tjener som sådan til at ændre karakterer eller deres mystiske transformation. Ansigtsmasken bærer en enorm psykologisk belastning (Jorge Donne var den ideelle udførelsesform).

Den energiske perpetuum mobile Bejart fangede altid, tiltrak de bedste kræfter: komponisterne Pierre Boulez og Pierre Henri, Karlheinz Stockhausen og Pierre Scheffer, Nino Rota og Tashiro Mayuzumi, Manos Hadjidakis og Yug le Bar arbejdede med ham ... Kulisserne og kostumerne til hans forestillinger blev opført af Elvin Nicholas og Germinal Casado (solist af "Twentieth Century Ballet"-truppen), Salvador Dali og Thierry Bosquet, Joel Rustan og Roger Bernard, Gianni Versace og Anna de Giorgi ... Madeleine Renaud og Jean-Louis Barro, Maria Casares og Jean Marais, Ekaterina Maksimova og Vladimir Vasiliev, Maya Plisetskaya og Rudolf Nureyev, Sylvie Guillem og Mikhail Baryshnikov ... Bejart undertrykte ikke styrken og omfanget af sit geni - han hjalp pålideligt unge koreografer med at prøve sig frem.

Toppen af ​​storhedstiden for Bejarts kreativitet faldt i 1970'erne - 80'erne, hvilket blev vist ved hans trups turné i USSR i 1978 og 1987. Nøglebegivenheden på turnéplakaten fra 1987 var en forestilling om en fransk forfatter, et medlem af modstandsbevægelsen, en kollega til Charles de Gaulle og Frankrigs kulturminister André Malraux. Stykket begynder "fra slutningen" - fra annonceringen af ​​datoen for forfatterens død til hans barndom. En lignende teknik bruges i balletten "Præstens hus har ikke mistet sin charme, og haven - sin luksus" (1997). Hans og den sidste premiere på Bejarts "Mutations" (1998) kunne publikum i Moskva og Skt. Petersborg se under rundvisningen for den unge koreograf "Bejart Ballet Lausanne" i april 1998 *.

* I 1987, efter en turné i USSR, flyttede Ballet of the Twentieth Century-truppen sammen med M. Bejart til Lausanne, hvor Bejart Ballet Lausanne i 1992 blev opløst og skabt, som er mindre i sammensætning (nu har den omkring 30 dansere) og den anden skole "Rudra".

"The House of the Priest ..." (dedikeret til Freddie Mercury og Jorge Donnu) er en ballet om kunstneren, hans vej, ikke så meget kreativ som livet (i 1968 På lignende måde blev iscenesat "Baudelaire"). Karakterer- Døden (på trods af at Bejart bemærker: "Jeg forestiller mig en glædelig forestilling, slet ikke dyster og slet ikke defaitistisk. Hvis jeg ikke siger, at jeg har iscenesat en ballet om døden, vil publikum ikke gætte" hvide ark- ligklæder, på båre, døende kramper, begravelsesoptog ...) og Spectacularity (en integreret del af Freddies sceneliv).

*Hvis liv? S.226.

"Freddie Mercury og Donne døde i samme alder. De var meget forskellige personligheder, men de var forenet af en voldsom tørst efter livet og behovet for at vise sig for andre. Det forekommer mig, at der mellem Donne og Freddie Mercury er en korrespondance * (i ordets Baudelaire-forstand: "Livet er kun charmerende med spillets charme" **)", - skrev Bejart. Det er tilsyneladende derfor, han vovede at kombinere sådanne forskellige kunstnere: Freddies liv blinker for vores øjne og giver kun kort plads til et videoklip af stykket "Nijinsky, Guds klovn" i finalen med Jorge Donn i sin bedste og yndlingsrolle - rollen som Nijinsky. "Præstens hus ..." er Freddies drøm, der går i opfyldelse: fantastisk teaterforestillinger med storslåede specialeffekter, lysfyrværkeri, lyde, chokerende, nogle gange modbydelige, kostumer (som Freddie, en designer af profession, selv udviklede), med dens fantastiske melodi og rytmiske pulsering af musik; og på baggrund af alt dette - Freddies plastik, panterformede krop. Bejarts præstation er fancy mønstre af elektronisk lys (Clement Keyrol), Freddies kostumer "citeret" af Gianni Versace (langhårede parykker, tætsiddende bukser, jumpsuits med dybe udskæringer, læderjakker på en nøgen krop), stiliseret plastik af sangeren, koncertoptagelser af Queen-gruppen. Filminstruktør Russell Mulcahy sagde om Queens musik: "Deres sange er lige så kraftfulde som salmer"***. Og to af dem ("Det er en smuk dag" - en salme til fødslen og "The Vis Must Go On ”- en hymne til livets fortsættelse) danner omridset af forestillingen, og fire uddrag af den store V.-A. Mozart tilføjer kun en tone af tragedie til det, der sker.

*Hvis liv? S.226.

** Ibid. S.129.

*** Citeret. af: "Queen": professionelle / Idoler af vestlig pop- og rockmusik. M., 1994. S.109.

Navnet på balletten "The House of the Priest ..." indeholder Rouletabilles kodeord fra Gaston Leroux roman "The Secret of the Yellow Room" poetiske "*). De har dog stadig en skjult betydning relateret til Freddies, Donnes og Bejarts arbejde.

*Hvis liv? S.226.

Forestillingen begynder med et dobbelt semantisk træk ("fra fødsel til død" eller "fra død til fødsel") ... Projektørens stråler famler efter noget i salen og uden at finde, bevæger de sig gradvist ind på scenen, hvor de falder over lige rækker menneskekroppe i form af et kryds under hvide lagner. Er de allerede døde? Eller endnu ikke født?.. Bejart brugte ofte korsfæstelsen i forestillinger om kunstnere, der ofrede sig til kunsten, på den anden side betød korsfæstelsen en genfødsel i en ny egenskab. Her er begge sider af kristendommens hovedsymbol lige vigtige for Bejart. Et enormt menneskeligt skyggekrucifiks dukker op på supergardinskærmen i finalen, foran videoklippet med Jorge Donn ... Gradvist kommer kroppene til live, begynder at bevæge sig mere og mere aktivt (hvilket mere ligner fødslen af en person, der ligner hvordan hele hans liv gradvist vil blive optaget på et blankt ark papir) ... En ung mand skiller sig ud fra massen af ​​mennesker, der starter en uafhængig vej, der er forskellig fra andre. Hvert af hans trin er gennemtænkt ovenfra, og ingen situation vil ske uden hjælp fra en mærkelig karakter, der kombinerer to modsatte principper: sort og hvid. Måske er dette skæbnen?.. Freddie plages af det uophørlige sus fra dukkebruden, hvis død finder sted foran hans øjne, til pigedrømmen, hvis slør synes at være sørgeligt. Han skynder sig rundt i selskab med unge mennesker, der kombinerer en erhvervslivsstil med sport - energisk, stærk og målrettet. For deres effektivitet lægger de ikke mærke til den "døende klasse af aristokrati", som foretrækker den "evige" Mozart samtidsmusik og kæmper med de sidste kræfter og forsvarer sin plads under solen, men et nyt sted er allerede klar til hende - på bårene i lighuset. Duetten af ​​"aristokrater" er ynkelig, kærligheden var også bekendt for dem, som en dreng og en pige, hvis duet-historie om en ren og sitrende følelse er fuld af tragisk håbløshed: den ene kan ikke leve uden den anden, og begge mødes død i et farvel og evigt håndgreb ... tegn på sygdom, Freddie klamrer sig mere og mere til livet. Han vil drikke til bunden af ​​alt, hvad der skyldes ham, og den samme "mærkelige karakter" vil hjælpe ham. Han er en spiller, han er en kunstner. Hans solo er en forestilling i en forestilling. Han spiller scene efter scene: nu skynder han sig af fortvivlelse – nu lader han behændigt, sejrer med autoritet – og trækker sig tilbage i ubeslutsomhed, en sjov og venlig excentriker forvandler sig til en repræsentant for de "sorte kræfter", der syder med hans øjne, en fugl - og et krybdyr, et dyr - og en mand ... den hvide trevæggede skillevæg og bliver efterhånden fyldt med unge mænd, der vrider sig og "går uden om" hinanden; de smelter sammen til en enkelt helhed og skaber et udseende af et trangt terrarium. Foran dem står Freddie og ser den unge mand undgå al denne slangelignende masse ... Gradvist dækkes sangerens vej med bjerge af blomster, guld, luksus på baggrund af de stadigt voksende lister over døde: "Jean , Paolo, Ricardo ...", hvor der er bestilt en plads til ham. Men han døde meget tidligere end de: efter at have modtaget alt fra livet mistede han interessen for det og blev ligeglad. Og nu består hans liv kun af én ting - i en mikrofon, der fører til ekstase, men ikke at redde fra slutningen. Og forløberen til dette er en kæmpe krucifiks-skygge, hvorefter scenen i et par minutter vil blive fyldt med et videoklip med den store Jorge Donn, bundløse grå øjne, et chok af hvedehår og hvis yndlingsklovnekostume ikke snart vil forsvinde fra hukommelsen hos mange, der så ham i dans ...

I døden er alle lige, og nu er Freddie blandt de mange, der er gået. Scenen er igen fyldt med lige rækker af menneskelige "kors" under hvide lagner. Døden er frelse. Døden er liv!

"Præstens hus ..." - et skuespil om kærlighed og død, deres konfrontation; "Om ungdom og håb". Stykket er en skitse af Freddie Mercurys liv, men i det (som i Malraux) er der ingen sikre fakta, datoer, situationer – der er kun deres aura. Forestillingen er mere divertissement end mange andre, der er ingen tidligere sammenvævning af kunster i den, de musikalske collager er forenklet så meget som muligt, sceneriet er næsten fraværende; der er ingen masker, spejle, doubler, sønderdeling af karakterer, ingen fund i første omgang når udskejelser ... Trangen til intellektuel fylde er erstattet af enkelhed i indhold og design.

"Præstens hus ..." er et kæmpe selvcitat: koreografi, scenografi. Gurneys - dette er "Mephisto-vals", kærlighedsduetten af ​​en ung mand og en pige syntes at komme ud af "Romeo og Julie", flytningen "fra død til fødsel" (og omvendt) blev først brugt af Bejart i biografen (filmen "Jeg blev født i Venedig" - 1977 ), og senere - i forestillingerne "Malraux", "Døden i Wien - V.-A. Mozart "og andre, soloen til den" mærkelige karakter "- en samling af Jorge Donnas dele, begravelsesoptoget - et ekko af" Malraux ", krucifikset er hovedegenskaben ved stykket" Nijinsky, Guds klovn "og nogle andre ... og ikke engang af træthed. Han var ikke træt af de år, han havde levet, men af ​​kompleksiteten i hans præstationer. Og citater er den eneste mulighed og ønske om at forlænge levetiden for hans kreationer, der ikke længere går.

Han så ud til at vende tilbage til sit tidlig periode kreativitet - hans blik er nu kun vendt mod dansen, som har bevaret sin skulpturalitet og ikke har mistet sin charme og tiltrækningskraft. Bejarts dans fascinerer stadig med den unikke skønhed af gestus, bevægelser, støtte, en kaskade af teknisk komplekse trin, rammer med sin harmoni og erotik. Men erotikken fik en lidt anden nuance i ham - den blev skarpere, tør, hårdere, ærlig. Denne dans har nu en masse moderne rytmer, elementer, der er tættere på den yngre generation, som ikke har set Mesterens tidlige opus. I de sidste værker af Bejart - kun dans og lys. Sådan er hans sidste ballet med kostumer af G. Versace - "Mutations" (1998).

... Planeten blev ødelagt i en atomkatastrofe. Mirakuløst nok vil den overlevende gruppe mennesker forlade den og gå på jagt efter en anden. Alle beslutter sig for at udføre den rituelle afskedsdans for sidste gang, hvor de husker, elsker, leger barndomslege, men alt er gennemsyret af en følelse af håbløshed og vantro. Tro og håb forlader ikke kun en af ​​dem, han nægter at flyve med alle: "Jeg bliver ... jeg vil vente ..." Og han bliver belønnet - jorden kommer til live. Med hvilken ekstase han indånder duften af ​​blomster, beundrer deres farver, ruller vanvittigt på græsset og presser dem mod brystet ...

"Mutationer" - ballet-forudsigelse, ballet-advarsel ... Blues-lydene breder sig over beskuerens krop, og som om de var bange for at forstyrre den indre komfort, kryber gardinet langsomt op og afslører scenens polygon, strøet med kroppe krøllet på den på baggrund af et dias med en ildevarslende atomare "svamp" ". Den teatralske kulisse, som spiller en stor rolle i forestillingen, er blevet forvandlet til en skærm, hvor lysbilleder af naturkatastrofer og verdenskatastrofer (skibsvrag, døde byer, skove brændt af radioaktiv regn, en and følelsesløs i en oliepøl ...). Krøllede kroppe, der ligner marionetter, "kommer gradvist til live", strækker sig, ryster radioaktivt støv af, tager gasmasker af. Deres dans er uselvisk, i en tilstand af lidenskab overgiver de sig til deres yndlingsrytmer med vals, charleston, break, klassisk dans.

En solo afløses af en anden, trioen går ind i en kvintet ... På deres baggrund dukker folk af en anden generation op fra skraldespande - "smittede", "syge", med marionetplastik arme og ben, faldende halvdøde kroppe . I kærlighedsduetter af flere par er der ingen lidenskab - en krop søger uden held kontakt med en anden, sensuel mandlig impuls afvist af feminin kulde. Som i hemmelighed fra dem bærer den unge mand-helt ægget, der overlevede katastrofen, og beskytter det mod de mindste slag. Resten svælger i enhver bevægelse i "disco"-stilen og ser frem til en hurtig flyvetur til en anden planet - det er på kulisse-rutschebanen. Alle øjne er rettet mod hende guddommelig skønhed og harmoni, men selv hukommelsen holder ikke unge mennesker "hjemme". Men han er der ikke længere, der er ingen kærlighed, ingen himmel, ingen jord, intet vand. Den overlevende svane, der har mistet sin smukke fjerdragt, kan ikke løfte sine vinger fra den forestående vægt af tin, der "optog" reservoirerne. Verden er ét stort losseplads, hvor folk bliver sendt i skraldespande. Alene døden på forbløffende luksuriøse toiletter regerer.

På hendes "anmodning" genkalder helten sit liv igen og igen: den første barnlige glæde ved synet af en hidtil ukendt frugt og den ønskede "prøve" (hvor tæt på bibelhistorie om at spise den forbudte frugt af Adam og Eva), den første romantiske følelse - inspireret, øm, sitrende og smuk i sin harmoni - og leg med dukker, som ender brat med opvæksten. Lady-Death tillader ikke at huske fortiden indtil slutningen - hun er uhøflig og uhøjtidelig ... Og nu flyver dukker ind i tanken, det øredøvende brøl fra raketmotorer overdøver og afbryder noget, der er sket med nogen. Den unge mand erkender sig besejret i dette evige menneskelige dødsønske og kysser lydigt hendes hånd og falder på knæ i magtesløshed. Men håbet dvæler stadig i sjælen, han bliver og venter ...

Maurice Bejart. Tegning af Rezo Gabriadze.
Foto fra M. Dmitrevskayas arkiv

Som i "Præstens Hus ..." er meget genkendeligt i denne ballet: begyndelsen af ​​forestillingen med gasmasker og skraldespande, koreografiske kompositioner og individuelle variationer af forskellige karakterer - fra "1789 ... og VI", mandlige publikumsscener - fra "The Firebird", blandet - fra "The Rite of Spring", duetscener minder om "Our Faust", en virkelig døende svane - ikke kun et citat Fokins "Svane" er også Bejarts kig ind i fortiden: 1978, "Leda - Swan", kostumer af Gianni Versace - det første værk af en couturier med en koreograf. Så var der 13 flere fælles produktioner, Versace havde ikke tid til at afslutte "Mutation". I næsten 20 års arbejde med Bejart studerede han sine danseres kroppe, kostumernes betydning for dem, for koreografien og for instruktøren. Og alligevel forblev kostumerne samlingsgenstande (som i "Malraux", "Præstens hus ..."), der konkurrerede i elegance, i detaljer med lys i forestillinger. I "Mutationer" ved hjælp af lys er næsten alt løst - røg, snoet jord, blændende blå af den kosmiske himmel, stjerner, fragmenter af et ødelagt menneskeliv, glæde og varme sollys... Kun for døden er der ikke noget bestemt lys: døden er et øjeblik, en overgangsgrænse, et øjeblik mellem fortid og fremtid ...

“Mutations” er også Bejarts selvironi, lette, rationelle og til tider nådesløse, i den sprudlende dans var der en del af næsten uhåndgribelig humor blandet med de optrædendes venlighed og kærlighed til Mesteren. Han forstås perfekt, og det på trods af, at truppen fornyes næsten hvert år. Nu i "Bejart Ballet Lausanne" er der kun én danser, der har kendt Bejart siden "Det 20. århundredes ballet" - solisten i truppen Gilles Roman ("Præstens hus ..." - "en mærkelig karakter", "Mutationer" - lyrisk helt), den eneste arving til Jorge Donnas fester. Hans natur er anderledes end "gudeklovnens" - han har et eksplosivt temperament, kunstnerisk, god teknik, han er underlagt forskellige roller, og alligevel er hans egentlige vej grotesk.

Bejart fra 1998 blev den anden: uden "Twentieth Century Ballet", uden Jorge Donna, uden elleve leveår, der er gået siden sidste tur... Og hvis nogen er skuffet over hans nuværende præstationer, så er deres fejl, at der ikke var behov for at vente på den Bejart, det var nødvendigt at vente på den nuværende. Trods alt forrådte han ikke sig selv - hans præstationer og truppen forblev "Bezharovskie".

Han blev forvandlet gennem hele sin karriere, men han huskede altid fortiden. Tidligere optrædener har ikke forladt hans hukommelse. Bejart er selve erindringen om fortiden, realiseret i nutiden. Bejart er en genial stylist, en genial mystifier. Han fortsætter med at chokere og overraske, som før. Dette er koreografens og instruktørens metode, metoden til at skabe hans kreationer.

Når han ikke har tid til at sætte en stopper for én forestilling, tænker han altid på en anden. Hvor mange flere planer han har og hvad – selv ved han ikke. Her og nu – han er på vej. "Jeg er allerede gået. Hvor? Til dig, Future "*.

*Hvis liv? S.226.

Maurice Béjart (Fr. Maurice Béjart, rigtige navn Maurice-Jean Berger), blev født den 1. januar 1927 i byen Marseille. En af de berømte franske dansere og koreografer, teater- og operachef. Han er en af ​​de bedste koreografer XX århundrede.

Maurices far Gaston Berger (1896-1960) er filosof, kultur- og uddannelsesarbejder fra tyrkisk Kurdistan, hans mor er catalansk. Bejarts familie kommer fra Senegal.

Sammensmeltningen af ​​blod og foreningen af ​​nationale rødder bidrog meget kreativitet ind i kunstnerens kunst. Afrikansk blod blev ifølge koreografen selv grundlæggende for lysten til at skabe i dansen.

Den fremtidige koreograf mistede sin mor i en alder af syv. Lille Maurice var et sygt barn, og lægen mente, at det at dyrke sport var nyttigt for ham. Da Bejart havde set Serge Lifars produktion, pressede hun ham til at tage ballettimer. Forældre fortalte om deres søns hobby til teater, og lægen godkendte timerne. Dens første lærere var emigranterne Lyubov Egorova og Vera Volkova. I 1941 begyndte Maurice koreografi, og i 1944 nåede han det punkt, at han blev debutant i balletkompagniet i Marseille Opera. På trods af alt hans talent og lyst til at danse, i klassisk ballet den slog ikke rod. I 1945 flyttede Bejart til Paris. Der tog han dansetimer fra berømte koreografer i flere år. Takket være dette mestrer han færdighederne på mange forskellige koreografiske skoler.

Til at begynde med boltrede Bejart sig i mange koreografiske grupper. I 1948 arbejdede han for Jeanine Sharra og optrådte ved Inglesby International Ball i London i 1949 og ved Den Kongelige Svenske Ballet i 1950-1952.

I en alder af 21 arbejdede Bejart i en London-trup under ledelse af Nikolai Sergeev på et klassisk repertoire. Sergeev var godt bekendt med koreografien, glorificeret i danseverden fordi jeg arbejdede sammen med ham i over 20 år. Takket være dette lærte Bejart meget om koreografens arbejde.

I Sverige arbejdede Bejart i Kullberg-Balletten-truppen. Der erfarede de, at han mestrede koreografien og tilbød ham at iscenesætte en stor pas de deux fra Nøddeknækkeren for Stockholm Opera. Han restaurerede duoen, som var tæt på originalen. I 1951 i Stockholm iscenesatte han sammen med Birgit Kulberg sin første ballet. Der optrådte Bejart som koreograf og iscenesatte fragmenter af balletten Ildfuglen af ​​I. Stravinsky til filmen.

I 1953 åbnede Bejart sammen med J. Laurent Ballet de l'Etoile-truppen i Paris, som optrådte indtil 1957. I 1957 skabte han Balle-Teatro de Paris-truppen. Bejart kombinerede opførelser af balletter og opførelser i dem i hovedroller.

Verdenstriumf ventede ham i 1959, på et tidspunkt hvor hans hold "Balle-Teatro de Paris" havde økonomiske vanskeligheder. Bejart modtog uventet et tilbud fra Maurice Huisman, som blev udnævnt til ny direktør for Teatro de la Monnaie i Bruxelles, om at iscenesætte Det Hellige Forår til I. Stravinskys musik. En gruppe talentfulde dansere blev udvalgt til at skabe en ballet på kun tre uger. Bejart følte Stravinskys musik, der hørte og så alle finesserne i kærlighedens manifestation. I begyndelsen er det en frygtsom, forsigtig impuls til kærlighedens objekt. Derefter en altopslugende lidenskab, med alle nuancer af manifestation af kødelige begær. Denne forestilling overraskede ikke kun kendere af klassisk dans, men også publikum i hele verden.

Den succesfulde produktion af Forårets rite blev drivkraften til Bejarts fremtid som koreograf. Næste år inviterer Huisman Bejard til at ringe ballet trup i Belgien. I Frankrig tilbød ingen ham dette, men han drømte om at arbejde og skabe under sådanne forhold. Bejart flytter uden tøven til Bruxelles. Og i 1960 dukkede "Twentieth Century Ballet" op.

I 1970 åbnede Bejart studieskolen Mudra i Bruxelles. I 1987 rejser Maurice Bejart med sit hold til Moskva. Vores landsmænd satte pris på hans kreative arbejde, og han blev en favorit blandt offentligheden. De begyndte at kalde ham Ivanovich, først før ham blev han tildelt et sådant tegn på anerkendelse.

Stjernerne i den sovjetiske ballet begyndte at kæmpe for Bejarts koreografi. Han arbejder med mestre i balletkunst som og. Hun strålede i Isadora-balletten skabt specielt til hende. Bejart iscenesatte også solokoncertnumre for hende.

I 1981 arbejdede han i kinematografi med Claude Lelouch i filmen "Some and the Others".

En af interessante fakta Hans biografi var overgangen fra katolicisme til islam i 1973. En væsentlig rolle i dette blev spillet af hans åndelige mentor Sufi Ostad Elai.

I løbet af flere år, arbejdede Bejart med, som var den første medvirkende i Bejarts opsætning af fortolkningen af ​​I. Stravinskys ballet "Petrushka". Sammen med sin kone spillede han hovedrollen i S. Prokofievs ballet Romeo og Julie.

Siden 1984 er kostumerne til Bejarts balletter blevet skabt af den berømte modedesigner Gianni Versace. Ti år efter hans død, den 15. juli 2007, optrådte premieren på balletten Thank You, Gianni, with Love på Teatro alla Scala i Milano. Det blev leveret med taknemmelighed og en stor forståelse for følelsen af ​​venskab med en tidligt afgået ven. Selv helbredsproblemer stoppede ikke Bejart.

I 1987 tog Maurice Béjart "Twentieth Century Ballet" til Lausanne, Schweiz og ændrede endda navnet på gruppen til "Béjart Ballet Lausanne".

I 1994 blev Maurice Béjart valgt til medlem af det franske kunstakademi.

I 1999 viste Bejart sin fortolkning af balletten Nøddeknækkeren, der havde premiere i oktober i Torino. Tjajkovskijs berømte musik inspirerede koreografen til at skabe selvbiografisk arbejde. Hovedperson hans pige Clara blev erstattet af drengen Bim fra Bejarts ballet Parisian Fun fra 1978. Forestillingens tema er forholdet til barndommen og Bejarts mor.

Bejart opfandt og iscenesatte over hundrede balletter, skrev fem bøger.

Anerkendelse og priser

1974 - Erasmus-prisen

1986 - Blev slået til ridder af Japans kejser

1993 - Imperial Prize

1994 - Prix le Prix Allemand de la Danse

2003 - Benois dansepris (For et liv i kunsten)

2006 - guldmedalje for tjenester til kunsten, Spanien

Medlem af det franske kunstakademi

Æresborger i Lausanne

Forestillinger, studerende og fester mv.

Forestillinger

1955 -" Symfoni for en ensom mand»(Symphonie pour un homme seul), Paris

1956 - Højspænding

1957 - "Sonata for Three" (Sonate à trois), Essen

1958 - "Orphée", Liège

1959 - "Forårets rite", Teater "La Monnaie", Bruxelles

1960 - Sådan sød torden

1999 - "Silkevejen" (La Route de la soie), Lausanne

2000 - "Child-King" (Enfant-roi), Versailles

2001 - "Tango" (Tangos (fr.)), Genova

2001 - "Manos" (Manos (fr.)), Lausanne

2002 - "Moder Teresa og verdens børn" (Mère Teresa et les enfants du monde)

2003 - "Ciao Federico" (Ciao Federico), til ære for Federico Fellini

2005 - "Kærlighed er en dans" (L'Amour - La Danse)

2006 - Zarathoustra

2007 - "Jorden rundt på 80 minutter" (Le Tour du monde på 80 minutter)

2007 - "Tak, Gianni, med kærlighed" (Grazie Gianni con amore), til minde om Gianni Versace

Filmografi

Maurice Béjart optrådte i film som instruktør, koreograf og skuespiller:

1959 - Symphony for a Lonely Man, koreografi og opførelse af Maurice Béjart, instrueret af Luis Cooney

1975 - I Was Born in Venice, instrueret af Maurice Béjart (med Jorge Donna, Shona Mirk, Philippe Lison og sangerinden Barbara)

2002 - B comme Béjart, dokumentar

Tilhængere

Maurice Bejart lod kun dem, som han arbejdede personligt med, udføre hans værker. Dog mange kendte dansere og danserne udførte hans produktioner og kopierede dem fra videoen. Højt niveau deres henrettelse var ikke desto mindre ikke på samme måde som "Bezharovs" vision. Og de, der overtræder forbuddet, får stadig bøder.

En af tilhængerne af Maurice Béjart var Misha Van Hoecke, som arbejdede med Ballet of the 20th Century-truppen i omkring 25 år.

Maurice Bejart er vor tids største koreograf, han kaldes "en digter af fri, stærk, mandlig dans, en levende klassiker, en balletguru." Professionelle dansere sige, at M. Bejart er den mest grusomme koreograf i det tyvende århundrede. Faktum er, at dansene iscenesat af M. Bejart er meget svære at udføre og kræver kolossale afkast og fysiske omkostninger fra danseren. Hans produktioner er moderne, kaotiske, filosofiske. Mange mennesker siger, at M. Bejart skabte sin egen filosofi om dans.

En professionel danser bringer folk dans, skønhed, kærlighed til bevægelse, evnen til at efterligne ham og være bedre end ham, så folk udvikler sig og vokser åndeligt.

Maurice Bejart (fr. Maurice Bejart, givet navn- Maurice-Jean Berger, fr. Maurice-Jean Berger, 1. januar 1927, Marseille - 22. november 2007, Lausanne) - fransk danser og koreograf, teater- og operachef, en af ​​de største koreografer i anden halvdel af det tyvende århundrede.

Søn af Gaston Berger (1896-1960), filosof, fremtrædende administrator, undervisningsminister (1953-1960), medlem af Academy of Moral and Political Sciences (1955). Da han var syv, mistede han sin mor. Påvirket af den produktion, han så, besluttede Serge Lifar at hellige sig ballet. Studerede hos Roland Petit. I 1951 iscenesatte han sin første ballet (i Stockholm, i samarbejde med Birgit Kullberg). I 1954 grundlagde han firmaet fr. Ballet de l'Etoile, i 1960 - fr. Ballet du XХe Siecle i Bruxelles. I 1987 flyttede han til Lausanne, hvor han grundlagde virksomheden fr. Bejart Ballet. Han arbejdede i film, herunder - med Claude Lelouch (One and the other, 1981).

Erasmus-prisen (1974), Imperial-prisen (1993). Medlem af det franske kunstakademi. Bejarts succes som iscenesætter skyldes i høj grad, at han gik hele vejen fra danser til balletmester. I sine produktioner kombinerede han dans, pantomime og sang. Bejart var den første koreograf, der brugte sportsarenaernes store rum til koreografiske forestillinger, hvor orkestret og koret var placeret under forestillingen, og handlingen kunne udvikle sig overalt i arenaen, nogle gange endda flere steder på samme tid.

Ballet of the 20th Century-truppen, skabt af Bejart, har rejst over hele verden med bragende succes. Koreografen arbejdede og russiske kunstnere ballet - Vasiliev, Maximova, og selvfølgelig Maya Plisetskaya. Specielt for hende iscenesatte han balletten "Isadora" og flere solo-numre, blandt dem den berømte "Vision of the Rose".

I alt opfandt og iscenesatte Maurice Béjart over hundrede balletter. Nogle af hans mest berømte værker var "The Rite of Spring", "Petrushka" af Stravinsky, "Gala" til Scarlattis musik.
Maurice Bejart fortalte selv om sit talent som følger:

”Talent er en forbandelse, og det er meget svært at bære det. Og jeg skulle skabe min egen stil. Mere præcist kom min krop med min stil til mig."