F Schubert symfoni 8 ufærdige budskab. Schubert, "Ufærdig" symfoni

Den romantiske symfonisme skabt af Schubert blev hovedsageligt bestemt i de sidste to symfonier - den 8. i h-mol, som fik navnet "Ufærdig", og den 9. i C-dur-noy. "Ufinished" legemliggjorde temaet afsavn, tragisk håbløshed. Sådanne følelser, der afspejler en hel generation af menneskers skæbne, havde endnu ikke fundet en symfonisk udtryksform før Schubert. "Unfinished" blev skabt to år før Beethovens 9. symfoni (i 1822), og markerede fremkomsten af ​​en ny symfonisk genre - lyrisk-psykologisk.Et af hovedtrækkene i h-moll-symfonien vedrører dens cyklus kun består af to dele. Mange forskere forsøgte at trænge ind i dette værks "mysterium": forblev den geniale symfoni virkelig ufærdig? På den ene side er der ingen tvivl om, at symfonien var tænkt som en 4-stemmig cyklus: dens originale klaverskitse indeholdt et stort fragment af 3 dele - et scherzo. Den manglende tonale balance mellem satserne (h-mol i I og E-dur i II) er også et stærkt argument for, at symfonien ikke på forhånd var tænkt som en 2-stemmig. På den anden side havde Schubert tid nok til at færdiggøre symfonien, hvis han ville: efter det "Ufærdige", han skabte et stort antal af værker, inkl. 4-delt 9. symfoni. Der er andre argumenter for og imod. I mellemtiden er "Unfinished" blevet en af ​​de mest repertoiresymfonier, hvilket absolut ikke giver indtryk af underdrivelse. Hendes plan i to dele blev fuldt ud realiseret. Idé koncept symfoni afspejlede de avanceredes tragiske splid menneske XIXårhundrede med al den omgivende virkelighed. Følelser af ensomhed og afsavn optrådte for første gang i hende, ikke som en persons tone følelsesmæssig tilstand, men som den vigtigste "mening med livet", som et verdensbillede. Værkets hovedtonalitet er karakteristisk - h-moll, sjælden i musik wienerklassikere. Helten fra "Unfinished" er i stand til lyse protestudbrud, men denne protest fører ikke til sejr for det livsbekræftende princip. Sådan lyder det vigtigste træk ved den romantiske symfonisme, hvor det første eksempel var Schuberts symfoni. Det allerførste billede af symfonien givet i sin indgang, er ret usædvanligt: ​​i samklang med celloer og kontrabasser opstår stille og roligt et dystert tema, der spørgende falmer på D i hovedtonen (hovedtemaet starter med samme lyd). Dette er epigrafen til hele symfonien og den vigtigste, vejledende tanke i første del, der dækker den i en ond cirkel. Det genlyder ikke kun i begyndelsen, men også i centrum, og i afslutningen af ​​del I er det en konstant, ubarmhjertig idé. Desuden udvikler intonationerne af glædesløs refleksion sig gradvist til en tragisk patos af fortvivlelse. Med indledningen hovedemne Schubert anvender en karakteristisk teknik for sangteknik - præsentationen af ​​baggrundsmateriale før melodiens introduktion. Dette forenede akkompagnement af strygere, der suser frem, lyder helt op til introduktionen af ​​den side, der forener hele den tematiske linje (også en sangteknik). Akkompagnementet skaber en følelse af angst, mens selve temaet har en rørende trist karakter og opfattes som en klage. Komponisten fandt udtryksfuld instrumentering - en kombination af obo og klarinet, som blødgør noget af hårdheden i hovedklangen. Et karakteristisk træk ved udstillingen af ​​"Uafsluttet" symfonien er den direkte sammenligning af hoved- og sekundære temaer, uden en udviklet bindeled. Det - fremtrædende træk sangsymfonisme, fundamentalt modsat Beethovens logik om successive overgange. De vigtigste og sekundære temaer er kontrasterende, men ikke modstridende, de sammenlignes som forskellige områder sangtekster. FRA sideparti den første dramatiske situation i symfonien hænger sammen: temaet, lyst og vidunderligt, som en drøm, bryder pludselig af, og efter en generel pause, på baggrund af tordnende skælvende molakkorder, lyder den indledende femte intonation af hovedtemaet sørgeligt . Denne tragiske accent rammer en skarp overraskelse og er forbundet med en drøms sammenbrud, når den kolliderer med virkeligheden (et typisk romantisk apparat). I slutningen af ​​udstillingen, i koncentreret stilhed, lyder temaet for indledningen igen. Alle udvikling er udelukkende baseret på materialet i introduktionen. Schubert optræder her som skaberen af ​​monologtypen af ​​udvikling, så karakteristisk for den romantiske symfoni. Appellen til ham var forårsaget af en særlig dramatisk idé: komponisten søgte ikke at fange kampen om modsatte principper og overvinde forhindringer. Hans mål er at formidle modstandens håbløshed, undergangstilstanden. Den ende-til-ende udvikling af introduktionens tema foregår i udviklingen af ​​2 trin. Den første af dem er forbundet med forværringen af ​​lyrisk-dramatisk udtryk. melodisk linje temaet går ikke ned, men i et stærkt crescendo rejser sig. En stigning i følelsesmæssig spænding fører til kulmination I - en konfliktdialog mellem et formidabelt indledende motiv og trist klingende synkoper fra en sidedel (den opføres tre gange). Den første udviklingsfase afsluttes med en tordnende introduktion til orkestrets tutti i e-moll. Det andet udviklingstrin er underlagt fremvisningen af ​​det uundgåelige angreb af fatale kræfter. Intonationerne af temaet bliver mere og mere stive, skarpe, magtfulde. Men når man nærmer sig slutningen af ​​udviklingen til den ultimative klimaeksplosion, tørrer den tragiske intensitet pludselig op. Denne teknik med at "sprede" klimakset før gentagelsen er meget karakteristisk for Schubert. PÅ gentage der er ingen væsentlige ændringer, kun sidedelen udvider sig i volumen og bliver mere trist (overgang til h-mol). Fraværet af forandring efter udviklingens plageimpulser, angst og kampe bliver dyb mening: "Alt forgæves". Der kommer en bevidsthed om konfliktens uopløselighed, ydmyghed før den tragiske uundgåelighed. Dette output giver kode, hvor temaet for introduktionen vender tilbage igen og får en endnu mere sørgmodig tone. I Del II står en anden karakteristisk side af romantikken - forsoning i en drøm. Andantes kontemplative fred og drømmende tristhed opfattes ikke som at overvinde konflikten, men som en forsoning med det uundgåelige (svarende til "Den smukke møllerpige"). Sammensætningen af ​​Andante er tæt på sonateform uden uddybning. Samtidig går meget af det tilbage til 2-stemmige sangformer: sanglyrisk tematik, udskiftning af tematisk udvikling med variant melodisk udvikling, lukket præsentation af hovedtemaet. Sangfuld, bred, fuld af stille kontemplativ fred og ro, hovedemne lyder på violiner og bratscher efter en kort indledende sætning Som del I, en ny musikalsk tanke - sidetema- introduceres ikke som en modstridende kraft, men som et skifte til en anden følelsessfære- elegisk. Rørende og sagtmodig, barnligt naiv og samtidig alvorlig, minder hun om pp. Del I: synkoperet akkompagnement (violiner og bratscher), forberedelse af introduktionen af ​​melodien, et pludseligt mørkere skift til dramatiske oplevelsers rige. Men betydningen af ​​disse temaer er helt anderledes. Hvis et sekundært tema i del I åbnede adgang til en lys drøms verden, så karakteriserer det i Andante en tilstand af brudthed, forsvarsløshed. PÅ gentage begge temaer præsenteres næsten uden ændringer (tonaliteten i det sekundære er a-mol). Codaen, bygget på individuelle motiver af hovedtemaet, vender tilbage til hovedstrømmen af ​​fredelig kontemplation.

"Ufærdig symfoni" i h-mol er en af ​​de mest berømte værker østrigsk komponist Franz Peter Schubert, dedikeret til amatørmusikalske selskabet i Graz. I 1824 blev de to første dele præsenteret.

I 1865 udarbejdede den wienske hofkapelmester Johann Herbeck et koncertprogram af den gamle Wienermusik rodede gennem bunker af glemte manuskripter. I det usorterede arkiv af formanden for Steiermarks amatørmusikalske selskab A. Huttenbrenner opdagede han et hidtil ukendt partitur af Schubert. Det var en h-mol symfoni. Under ledelse af Herbeck lød hun for første gang den 17. december 1865 i en koncert af Wiener Selskab for Musikelskere.

Franz Schubert skabte den ufærdige symfoni til seneste måneder 1822. I disse årSchubert varallerede kendt i Wien som forfatter til mange fine sange og populære klaverstykker, men som symfonist vidste ingen, bortset fra hans nærmeste vennerog ingen af ​​hans symfonier er blevet opført offentligt. Den nye symfoni blev først skabt som et arrangement for to klaverer og derefter som et partitur. I klaverudgaven er skitser af tre satser af symfonien bevaret, mens komponisten kun optog to i partituret. Mere Schubert vendte ikke tilbage til det, fordisymfonien hed: "Ufærdig"

Gustav Klimt "Schubert ved klaveret" 1899

Der er stadig debat om, hvorvidt denne symfoni virkelig er ufærdig, eller om Franz Schubert fuldt ud realiserede sin plan i to dele i stedet for de almindeligt accepterede fire. Dens to dele efterlader indtrykket af en fantastisk integritet, udmattelse, hvilket gør det muligt for nogle forskere at hævde, at komponisten ikke havde til hensigt at fortsætte, da han legemliggjorde sin idé i to dele. Skitser af partituret til tredje sats er dog bevaret, af en eller anden grund tilbage i skitsen. Desuden er der blandt musikken til stykket "Rosamund", skrevet i samme periode, en pause, også skrevet i h-mol - en toneart yderst sjældent brugt - og karaktermæssigt ligner den traditionelle symfoniske finale. Nogle forskere af Schuberts arbejde er tilbøjelige til at tro, at denne pause, kombineret med skitser af en scherzo, udgør den sædvanlige fire-sats cyklus.

Dette var ikke hans første symfoni, som viste sig at være ufærdig: før det, i august 1821, skrev han en symfoni i E-dur, den betragtes som den syvende, hvis partitur var skrevet i skitse. Generelt for at skabe et værk, der begynder i h-mol og ender i E-dur,på Schuberts tidvar fuldstændig utænkeligt.

Om den fremragende østrigske komponist Franz Schuberts liv og virke i 1968 udkom det gode gamle sovjetiske tv-show "Unfinished Symphony".

Schubert Kalyagin er meget organisk og charmerende. Og Vedernikov på den mest gennemtrængende måde syngerbag scenen

På trods af en vis naivitet og ganske naturligt for sin tid og den valgte genre didaktik,filmen er interessant. Forfatternes samvittighedsfuldhed i overførslen af ​​figurernes portrætlighed og deres spil er imponerende.

Vokalpartier: A. Vedernikov, E. Shumskaya, G. Kuznetsova, S. Yakovenko.

Melodien i første sats er enkel og udtryksfuld, som om man beder om noget, toneret af obo og klarinet. En ophidset, dirrende baggrund og ydre rolig, men fyldt med indre spændinger cantilena skaber det lyseste udtryksfulde, typisk romantiske billede. Efterhånden folder melodiens bånd sig ud. Musikken bliver mere og mere spændt, når fortissimo. Uden et bindemiddel, obligatorisk for wienerklassikerne, kun adskilt af en lakonisk overgang (strækkende lyd af horn) fra hoveddelen, begynder en sidedel. En blød valsmelodi synges af celloer i ro og mag. Der er en ø med fredfyldt fred, en lys idyl. Afmålt svajende, som om lulling, akkompagnement. Dette tema får en endnu lysere karakter, når det tages op og overføres til et højere register på violinen. Pludselig bryder den frie, uindskrænkede sangdans af. Efter fuldstændig stilhed(generel pause) - en eksplosion af orkestrale tutti. Endnu en pause - og endnu et tordenskud tremolo. Idyllen afbrydes, dramaet kommer til sin ret. Knusende akkorder stiger voldsomt, fragmenter af akkompagnementet af et sekundært tema svarer med klagende støn. Hun ser ud til at forsøge at bryde igennem til overfladen, men da hun endelig vender tilbage, har hendes udseende ændret sig: hun er knust, malet af sorg. Ved slutningen af ​​eksponeringen fryser alt. Returnerer, som uundgåelig skæbne, det mystiske og ildevarslende motiv for indrejsen. Udviklingen er bygget på åbningsmotivet og intonationerne i sidedelens akkompagnement. Dramaet intensiveres og udvikler sig til tragisk patos. Musikalsk udvikling når et kolossalt klimaks. Pludselig er der fuldstændig udmattelse. Udmattede fragmenter af motiver forsvinder, kun en ensom trist tone er tilbage. Og igen kommer det indledende tema snigende fra dybden. Reprisen begynder. Codaen, i traditionen fra Beethoven, blev skabt som en anden udvikling. Den indeholder den samme smertefulde spænding, fortvivlelsens patos. Men kampen er forbi, der er ikke mere styrke. De sidste takter lyder som en tragisk epilog.

Anden del af symfonien er en verden af ​​andre billeder. Her – forsoning, søgen efter andre, lysere sider af livet, fordybelse. Som om helten, der har oplevet en åndelig tragedie, leder efter glemslen. Bastrin (kontrabas pizzicato) lyder afmålt, de overlejres af en enkel, men overraskende smuk violinmelodi, drømmende og oprigtig. Gentagne gange, det varierer, overgroet med udtryksfulde chants. Kortvarig dynamisk stigning af tutti - og igen en rolig bevægelse. Efter en kort forbindelse dukker et nyt billede op: melodien er naiv og på samme tid dyb, mere individuel end det første tema, trist, varm, minder menneskelig stemme klarinettens klangfarve og oboen, der erstatter den, fyldt med livlig ængstelse. Dette er en sidedel af den lakoniske sonateform. Det varierer også og får til tider en ophidset karakter. Pludselig er der et vendepunkt i dets jævne flow – det lyder dramatisk i en kraftfuld præsentation af hele orkestret. Men et kort udbrud afløses af en udtryksfuld, efterligningsrig udvikling: dette er en kort udvikling, der slutter med lange akkorder af strygere, horns mystiske kald og individuelle træsorter. Subtil orkesterlydoptagelse fører til en gentagelse. I koden er der en fading, opløsning indledende tema. Stilheden vender tilbage...

L. Mikheeva

belcanto.ru ›s_schubert_8.html

Franz Schubert "Ufærdig symfoni"

De færreste ved det, men et af Schuberts mest genkendelige værker modtog ikke anerkendelse i hans levetid. I kompositionens musikalske tekst er alt det mest karakteristiske for den romantiske periode krypteret. Musik efterlader en fantastisk eftersmag. Der er et mysterium om hende, fordi hun ikke passede ind i standarderne. Efter at have læst siden, vil alle kunne finde ud af det Interessante fakta, historie og indhold, samt nyd den vidunderlige forestilling.

Skabelsens historie

Komponisten arbejdede aktivt på værket fra 1822 til 1823. Først komponeredes en klaverversion, derefter blev to af de tre satser orkestreret. Scherzoen forblev i omridset. Musikforskere foreslår, at forfatteren besluttede, at en fortsættelse af tanken ville være overflødig og føre til tab af ideologisk indhold, men dette faktum er ikke blevet bekræftet. Indtil nu ved ingen, hvorfor han blev tvunget til at opgive den klassiske form.

Men det faktum, at sammensætningen ikke er afsluttet, er fuldstændig tilbagevist, da efter afslutningen af ​​arbejdet Schubert aktivt engageret i andre projekter. Som hans venner bemærker, begyndte han ikke nye værker, før han færdiggjorde det gamle. Desuden gav han scoringen til Anselm Hüttenbrenner, som selv var ganske kendt musiker, med speciale i den symfoniske genre. Men han frygtede, at hans ven ville blive vanæret, lod partituret være uden opsyn. Snart glemte Franz sit eget arbejde.

Selv efter Schuberts død var manuskriptet ved at samle støv hos Hüttenbrenner. En skønne dag i 1865 var den østrigske dirigent Gerbeck ved at sortere upublicerede noter fra. Han ledte efter interessante kompositioner til en koncert dedikeret til fortidens wienermusik. Så en hidtil ukendt rekord blev fundet. Samme år fandt premieren sted, som var en bragende succes hos publikum.

Et år senere blev symfonien trykt og begyndte at blive opført over hele verden. Så genialitetens herlighed kom til Franz Schubert.

Interessante fakta

• Der er en version om, at del III og IV gik tabt, da de ikke blev opbevaret af nære venner, til hvem forfatteren ofte viste sine egne kreationer.
• Dirigent Johann Gerbeck, den første til at fremføre symfonien, opdagede den ved et tilfælde.
• Schubert glemte hele tiden sine egne værker. Så han kunne improvisere i timevis og skabe ægte mesterværker. Når Franz fik noder til sine kompositioner, sagde han altid det samme: ”Sikke en vidunderlig ting! Og hvem er forfatteren?
• Nogle musikere forsøgte at afslutte slutningen. Disse omfatter den engelske musikforsker Brian Newbauld og den russiske videnskabsmand Anton Safronov.
• Ved første opførelse blev finalen fra den tredje symfoni opført som en tilføjelse.
• Dette er et absolut komplet værk, da der var gået to år siden dets tilblivelse, hvor han alligevel besluttede at vise symfonien til sin nærmeste ven.
• Præsentationen fandt sted kun fyrre år efter den første romantikers død.
• Partiturskitser af Scherzo blev fundet i upublicerede noder.
• Schuberts venner mente ærligt talt, at den store form ikke blev givet til ham i essayet. De lo ofte af Franz for hans forsøg på at skabe en komplet symfonisk cyklus.
• Det menes, at forfatteren ikke havde tid til at færdiggøre kompositionen på grund af døden, hvilket selvfølgelig er en myte.

Dirigenter

Det er ingen hemmelighed, at kompositionen er ret berømt i musikalske kredse. Det udføres på store scene de bedste symfoniorkestre. Men ikke alle lykkes med at bringe lytteren tættere på den sande intonationslyd, der er karakteristisk for den æra.

De eksemplariske præstationer anses for at være:

• Nikolaus Harnoncourt lagde vægt på gennemsigtighed og lethed. Nøjagtighed i dynamiske termer gjorde musikken mere raffineret og elegant.
• Leonard Bernstein har andre synspunkter end den tidligere musiker. Drama og intensitet er grundlæggende i dens fortolkning.
• Herbert von Karajan fremhæver temaet for introduktionen og definerer hovedstedet for det.

Den "ufærdige" symfoni er fuldendt, indholdet taler om dette. Komponisten rejser evige spørgsmål om menneskets skæbne. I en todelt cyklus synes spørgsmålet at blive desperat stillet: "Hvad er forskellen mellem fiktion og fantasy, hvor finder man virkelighedens grænser?"

Symfonien består af to dele, mens de ikke står i modsætning til hinanden, men supplerer hinanden. Det eneste at bemærke er forskellen i stemningen i teksterne:

• I. Lyriske oplevelser.
• II. Kontemplation, oplyst dagdrømmeri.

Hele vejen igennem Del I helten er på jagt efter et ideal. Han skynder sig, hans sjæl plages af vag tvivl, han mister troen på at finde lykken. Yderligere er der en forståelse af, at lykken er indeni, den behøver ikke at blive søgt efter i verden. Du skal bare leve og nyde hver given dag. Livet er smukt i fordybelse.

Cyklussen åbner med en dyster indledning, som opsummerer en hel række af billeder, der er karakteristiske for romantikken: evighed, angst, sløvhed. Melodien er faldende, hvilket skaber farven på midnatstågen. Dette er den lyriske helts dunkle bevidsthed, hvor alt er i kaos. Temaet for introduktionen spiller en dannende rolle, det bærer også hovedideen i værket. I fremtiden vil det dukke op før udvikling og kode. Det er bemærkelsesværdigt, at den musikalske episode er i modsætning til følgende intonationsmateriale.

I hoveddelen kommer heltens stemme ind. Dette er et mindre sangtema i en klagende klang fløjter Med obo er en levende indikator for Schuberts komponists individualitet. Sangens tekst giver dig mulighed for at udtrykke al den følelsesmæssige intensitet. Karakteristisk akkompagnement tilføjer ærefrygt og spænding. Pendulet begynder at svinge. Stemningen grænser til elegi og nocturne.

I sidedelen kan et mere aktivt billede spores. Synkoperet rytme, enkel harmonisk struktur - alt dette er også sangattributter, men karakteren er ændret til en mere positiv og munter. Tonaliteten i G-dur, er i tertiansk forhold, formidler perfekt stemningen. Ydermere vil komponisten aktivt lege med festens tilstand, nu formørke den og derefter gøre den energisk igen.

Dynamikken øges gradvist, lydstyrken øges. Den prikkede rytme repræsenterer hjertets uregelmæssige slag. Musikken mister sin legesyge og begynder at adlyde atmosfæren af ​​tragedie og drama. pludselig invaderer nyt afsnit i toneart c-mol. Dette er et vendepunkt. Generel pause. Der er ikke flere ord. Men du skal rejse dig og komme videre. Beslutsomheden til at fortsætte på stien afspejles i fortens dynamik, men den blev undertrykt af symbolet på det tragiske - den ændrede underdominantakkord. Efter følelsesladede tilråb er Sidepartiets materiale genoprettet.

Udviklingen består af to sektioner. Forud for det kommer introduktionens materiale, hvis tema bliver til opstået sang på baggrund af akkompagnement. Temaet lyder på kulminationspunktet i akkordteksturen. Alle spørgende intonationer er udtømt i det, lyder det bekræftende. En semantisk metamorfose har fundet sted. Temaet materialiserede sig fra tanken til virkeligheden. Konflikten åbnede sig gennem transformation.

Der vil ikke længere være dramatiske sammenstød i reprisen, alt er sket. Codaen er baseret på intonationen af ​​introduktionen, som giver indtryk af en bue.

II del. Andante con moto er indbegrebet af trist løsrivelse. Delikate harmoniske farver har usædvanlige tonale overgange. Ændringen af ​​dur og mol antyder ideen om ændringer i den lyriske helts liv. Den lyse lyd sejrer streng gruppe kombineret med blæseinstrumenter. Denne teknik orkestrering giver dig mulighed for at udtrykke poesi og kontemplativ stemning forbundet med at være i naturen. Lyrisk helt fandt endelig sit sikre tilflugtssted, hvilket giver ham ro og balance. Intet andet forstyrrer, overskygger ikke hans bevidsthed. Helten er fri.

Produktet var innovativt i denne genre, og blev et forbillede for romantikkens æra. Følgende kvaliteter kan tilskrives de karakteristiske træk ved den nye æra:

• Forbedring af dramaturgi;
• En andens optræden i konfliktens struktur;
• Karakterforskel;
• Tiltrækning til programmet;
• Anden præsentation;
• Ny stil;
• Intern og ekstern skalering;
• Forøgelse af erklæringens form;
• Afvisning af den cykliske struktur;
• Opdateret sammensætning.

Den største forskel mellem Schuberts værker i stor form er den ydre bevarelse af den traditionelle struktur med alvorlige ændringer i tematisk. I romantikkens æra var det ikke sædvanligt at skjule sine egne følelser, de kunne ikke længere passe ind i klassicismens standarder.

Den kunstneriske betydning af dette symfoniske værk kan ikke undervurderes. Takket være komponisten dukkede en ny lyrisk-dramatisk type symfoni op i instrumentalmusikken. I fremtiden brugte mange genier essayet som model til at bygge den rigtige dramatiske linje.

Den romantiske symfonisme skabt af Schubert blev hovedsageligt bestemt i de sidste to symfonier - den 8. i h-mol, som fik navnet "Ufærdig", og den 9. i C-dur-noy. De er helt forskellige, modsat hinanden. Den episke 9. er gennemsyret af en følelse af den altovervindende glæde ved at være. "Ufinished" legemliggjorde temaet afsavn, tragisk håbløshed. Sådanne følelser, der afspejler en hel generation af menneskers skæbne, havde endnu ikke fundet en symfonisk udtryksform før Schubert. "Unfinished" blev skabt to år før Beethovens 9. symfoni (i 1822), og markerede fremkomsten af ​​en ny symfonisk genre - lyrisk-psykologisk.

Et af hovedtrækkene i h-molsymfonien vedrører dens cyklus kun består af to dele. Mange forskere forsøgte at trænge ind i dette værks "mysterium": forblev den geniale symfoni virkelig ufærdig? På den ene side er der ingen tvivl om, at symfonien var tænkt som en 4-stemmig cyklus: dens originale klaverskitse indeholdt et stort fragment af 3 dele - et scherzo. Den manglende tonale balance mellem satserne (h-mol i I og E-dur i II) er også et stærkt argument for, at symfonien ikke på forhånd var tænkt som en 2-stemmig. På den anden side havde Schubert tid nok til at færdiggøre symfonien, hvis han ville: efter "Ufærdige" skabte han en lang række værker, inkl. 4-delt 9. symfoni. Der er andre argumenter for og imod. I mellemtiden er "Unfinished" blevet en af ​​de mest repertoiresymfonier, hvilket absolut ikke giver indtryk af underdrivelse. Hendes plan i to dele blev fuldt ud realiseret.

Idé koncept Symfonien afspejlede den tragiske splid mellem det progressive menneske i det 19. århundrede og hele den omgivende virkelighed. Følelser af ensomhed og afsavn optrådte for første gang i hende ikke som tonen i en separat følelsesmæssig tilstand, men som den vigtigste "mening med livet", som holdning. Værkets hovedtonalitet er karakteristisk - h-moll, sjælden i wienerklassikernes musik.

Helten fra "Ufinished" er i stand til lyse protestudbrud, men denne protest fører ikke til sejren for det livsbekræftende princip. Med hensyn til konfliktens spænding er denne symfoni ikke ringere end dramatiske værker Beethoven, men dette en konflikt af en anden plan, overføres den til den lyrisk-psykologiske sfære. Dette er oplevelsens drama, ikke handling. Dens grundlag er ikke kampen mellem to modsatte principper, men kampen inden for personligheden selv.. Dette er det vigtigste træk ved den romantiske symfonisme, hvor det første eksempel var Schuberts symfoni.

1 del

Det allerførste billede af symfonien givet i sin indgang, er ret usædvanligt: ​​i samklang med celloer og kontrabasser opstår stille og roligt et dystert tema, der spørgende falmer på D i hovedtonen (hovedtemaet starter med samme lyd). Dette er epigrafen til hele symfonien og den vigtigste, vejledende tanke i første del, der dækker den i en ond cirkel. Det lyder ikke kun i begyndelsen, men også i centrum, og i afslutningen af ​​del I er det en konstant, ubarmhjertig idé. Desuden udvikler intonationerne af glædesløs refleksion sig gradvist til en tragisk patos af fortvivlelse.

Med indledningen vigtigsteEmner Schubert anvender en karakteristisk metode for sangteknik - præsentation af baggrundsmateriale Før melodi intro. Dette ensartede akkompagnement af strygere, der suser frem, lyder helt op til introduktionen af ​​siden, og forener hele den tematiske linje (også en sangteknik). Akkompagnementet skaber en følelse af angst, mens selve temaet har en rørende trist karakter og opfattes som en klage. Komponisten fandt udtryksfuld instrumentering - en kombination af en obo med en klarinet, som blødgør noget af skarpheden i hovedklangen.

Et karakteristisk træk ved udstillingen af ​​"Uafsluttet" symfonien er den direkte sammenligning af hoved- og sekundære temaer, uden en udviklet koblingsdel. Dette er et karakteristisk træk ved sangsymfonismen, fundamentalt i modsætning til Beethovens logik om successive overgange. Hoved- og sidetemaer kontrast-os, men ikke konflikt, sammenlignes de som forskellige sfærer af sangtekster.

FRA sideparti den første dramatiske situation i symfonien hænger sammen: det lyse og vidunderlige, som en drøm, tema (G-dur, cello) bryder pludselig af, og efter en generel pause, på baggrund af tordnende skælvende molakkorder, den indledende femte intonation af hovedtemaet sørgmodigt lyder. Denne tragiske accent rammer en skarp overraskelse og er forbundet med en drøms sammenbrud, når den kolliderer med virkeligheden (et typisk romantisk apparat). I slutningen af ​​udstillingen, i koncentreret stilhed, lyder temaet for indledningen igen.

Alle udvikling er udelukkende baseret på materialet i introduktionen. Schubert er her skaberen monolog den type udvikling, der er så karakteristisk for en romantisk symfoni. Appellen til ham var forårsaget af en særlig dramatisk idé: komponisten søgte ikke at fange kampen om modsatte principper og overvinde forhindringer. Hans mål er at formidle modstandens håbløshed, undergangstilstanden.

Den ende-til-ende udvikling af introduktionens tema foregår i udviklingen af ​​2 trin. Den første af dem er forbundet med forværringen af ​​lyrisk-dramatisk udtryk. Den melodiske linje i temaet går ikke ned, men stiger op i et stærkt crescendo. En stigning i følelsesmæssig spænding fører til kulmination I - en konfliktdialog mellem et formidabelt indledende motiv og trist klingende synkoper fra en sidedel (den opføres tre gange). Den første udviklingsfase afsluttes med en tordnende introduktion til orkestrets tutti i e-moll.

Det andet udviklingstrin er underlagt demonstrationen af ​​det uundgåelige angreb af fatale kræfter. Intonationerne af temaet bliver mere og mere stive, skarpe, magtfulde. Men når man nærmer sig slutningen af ​​udviklingen til den ultimative klimaeksplosion, tørrer den tragiske intensitet pludselig op. Denne teknik med at "sprede" klimakset før gentagelsen er meget karakteristisk for Schubert.

PÅ gentage der er ingen væsentlige ændringer, kun sidedelen udvider sig i volumen og bliver mere trist (overgang til h-mol). Fraværet af forandring efter de pinefulde impulser, angst og udviklingskampe får en dyb betydning: "alt forgæves." Der kommer en bevidsthed om konfliktens uopløselighed, ydmyghed før den tragiske uundgåelighed. Dette output giver kode, hvor temaet for introduktionen vender tilbage igen og får en endnu mere sørgmodig tone.

del 2

I del II dukker en anden karakteristisk side af romantikken op - forsoning i en drøm. Andantes kontemplative fred og drømmende tristhed opfattes ikke som at overvinde konflikten, men som en forsoning med det uundgåelige (svarende til "Den smukke møllerpige"). Sammensætningen af ​​Andante er tæt på sonateform uden uddybning. Samtidig går meget af det tilbage til 2-stemmige sangformer:

• sang og lyriske temaer,
• erstatning af en tematisk udvikling med en variant af melodisk udvikling,
• afslutning af hovedtemaet.

Sangfuld, bred, fuld af stille kontemplativ fred og ro, hovedemne lyder i violiner og bratscher efter en kort indledende sætning (en faldende skala af pizzicato kontrabasser på baggrund af bløde akkorder af horn og fagotter).

Som del I, en ny musikalsk tanke - sidetema- introduceres ikke som en modstridende kraft, men som et skifte til en anden følelsessfære - elegisk. Rørende og sagtmodig, barnligt naiv og samtidig alvorlig, minder hun om pp. Del I: synkoperet akkompagnement (violiner og bratscher), forberedelse af introduktionen af ​​melodien, et pludseligt mørkere skift til dramatiske oplevelsers rige. Men betydningen af ​​disse temaer er helt anderledes. Hvis et sekundært tema i del I åbnede adgang til en lys drøms verden, så karakteriserer det i Andante en tilstand af brudthed, forsvarsløshed. PÅ gentage begge temaer præsenteres næsten uden ændringer (tonaliteten i det sekundære er a-mol). Codaen, bygget på individuelle motiver af hovedtemaet, vender tilbage til hovedstrømmen af ​​fredelig kontemplation.

Hos Schubert findes h-mol som værkets hovedtoneart ikke i noget andet instrument. komponere (undtagen dans). I sangskrivningen bruger han tværtimod ofte h-moll og forbinder det som regel med legemliggørelsen af ​​en tragisk, uopløselig situation ("Double" til Heines ord).

Orkestersammensætning: 2 fløjter, 2 oboer, 2 klarinetter, 2 fagotter, 2 horn, 2 trompeter, 3 tromboner, pauker, strygere.

Skabelsens historie

I 1865 begyndte den wienske hofkapellmester Johann Herbeck, mens han sammensatte et program til en koncert med gammel wienermusik, at rode i bunker af glemte manuskripter. I det usorterede arkiv af formanden for det Steiermark amatørmusikalske selskab, A. Hüttenbrenner, opdagede han et hidtil ukendt partitur af Schubert. Det var en h-mol symfoni. Under ledelse af Herbeck lød hun for første gang den 17. december 1865 i en koncert af Wiener Selskab for Musikelskere.

Komponisten skabte den i de sidste måneder af 1822. I disse år var han allerede almindelig kendt i Wien som forfatter til mange fremragende sange og populære klaverstykker, men ingen af ​​hans tidligere symfonier var blevet opført offentligt, og ingen andre end hans nærmeste venner kendte ham som symfonist. Den nye symfoni blev først skabt som et arrangement for to klaverer og derefter som et partitur. I klaverudgaven er skitser af tre dele af symfonien bevaret, men komponisten indspillede kun to i partituret. Han vendte ikke tilbage til denne symfoni igen. Derfor fik den senere navnet Unfinished.

Der er stadig debat om, hvorvidt denne symfoni virkelig er ufærdig, eller om Schubert fuldt ud legemliggjorde sin plan i to dele i stedet for de almindeligt accepterede fire. Dens to dele efterlader et indtryk af fantastisk helhed, udmattelse. Dette gjorde det muligt for nogle forskere at hævde, at komponisten ikke havde til hensigt at fortsætte, da han legemliggjorde sin idé i to dele. Skitser af partituret til tredje sats er dog bevaret, af en eller anden grund tilbage i skitsen. Desuden er der blandt musikken til stykket "Rosamund", skrevet i samme periode, en pause, også skrevet i h-mol - en toneart yderst sjældent brugt - og karaktermæssigt ligner den traditionelle symfoniske finale. Nogle forskere af Schuberts arbejde er tilbøjelige til at tro, at denne pause, kombineret med skitser af en scherzo, udgør den sædvanlige fire-sats cyklus.

Der er ingen tematiske forbindelser til det ufærdige i denne pause, så det kan ikke siges med sikkerhed, at det skulle have været symfoniens finale. Samtidig er sådanne forbindelser synlige i skitserne i tredje del. Den mest sandsynlige synes måske at være den mening, der også er udtrykt på siderne af bøger, der er helliget Schubert: han skulle skrive en almindelig symfoni i fire satser, men i modsætning til sangen, hvor han var en suveræn, selvsikker mester, han følte sig ikke sikker i den symfoniske genre. Han har trods alt stadig ikke kunnet høre nogen af ​​sine symfonier i en professionel orkesterlyd. Og han stræbte slet ikke efter at være en fornyer: hans ideal, som han drømte om at nærme sig, var Beethoven, hvilket blev bevist af den næste, store symfoni i C-dur. Og efter at have skrevet disse to dele, kunne han bare blive bange - de var så ulig alt, der var skrevet i denne genre før ham.

Det var i øvrigt ikke hans første symfoni, der viste sig at være ufærdig: før det, i august 1821, skrev han en symfoni i E-dur (betinget betragtet som den syvende), hvis partitur blev skrevet i skitser. Den viser allerede tilgangene til de næste to symfoniske cykler - som en del af et orkester, en skala, en distinkt romantisk smag. Måske begyndte komponisten ikke at afslutte det, eftersom han endnu ikke havde fundet en ny vej, som han tænkte at bevæge sig ad. Heller ikke - det kan man kun gætte på - det ufærdiges vej forekom ham heller ikke frugtbar: da han ikke indså, at det, han havde skabt, var et mesterværk, der åbnede helt nye veje i symfonien, betragtede Schubert den som en fiasko og forlod arbejde. Desuden er der ingen grund til at betragte det som en afsluttet todelt cyklus, da ikke kun Schubert, men også mere senere komponister, indtil det 20. århundrede, holdes de tonemæssige forhold i delene normalt: Symfonien skal afsluttes med den samme (eller samme toneart), som den startede i. Den eneste dristige nyskabelse var Mahlers skabelse af finalen i den niende symfoni, i D-dur, i D-dur, dog fuldstændig berettiget af selve ideen. På Schuberts tid var det helt utænkeligt at skabe et værk, der skulle begynde i h-mol og slutte i E-dur, men underdominantens toneart kunne godt optræde i en af ​​cyklens midterste dele.

Unfinished er en af ​​de mest poetiske sider i verdenssymfoniens skatkammer, et modigt nyt ord i denne mest komplekse af musikgenrer, som åbnede vejen for romantikken. med hende ind symfonisk musik inkluderet nyt emne - indre verden en person, der er meget opmærksom på sin uoverensstemmelse med den omgivende virkelighed. Dette er det første lyrisk-psykologiske drama i den symfoniske genre. Desværre blev dens optræden på scenen forsinket med næsten et halvt århundrede, og symfonien, som blev et chok for de musikere, der opdagede den, havde ikke den rettidige indflydelse på musikkens udvikling, som den kunne have haft. Det lød, da de romantiske symfonier af Mendelssohn, Berlioz, Liszt allerede var skrevet.

musik

Første del. Et sted fra dybet, i samklang med celloer og kontrabasser, dukker et forsigtigt indledende tema op, der spiller rollen som en slags ledemotiv i symfonien. Hun fryser som et uløst problem. Og så - et dirrende raslen ved violinerne og mod dens baggrund - sangen om hovedtemaet. Melodien er enkel og udtryksfuld, som om man beder om noget, toner af obo og klarinet. En ophidset, dirrende baggrund og ydre rolig, men fyldt med indre spændinger cantilena skaber det lyseste udtryksfulde, typisk romantiske billede. Efterhånden folder melodiens bånd sig ud. Musikken bliver mere og mere spændt, når fortissimo. Uden et bindemiddel, obligatorisk for wienerklassikerne, kun adskilt af en lakonisk overgang (strækkende lyd af horn) fra hoveddelen, begynder en sidedel. En blød valsmelodi synges af celloer i ro og mag. Der er en ø med fredfyldt fred, en lys idyl. Afmålt svajende, som om lulling, akkompagnement. Dette tema får en endnu lysere karakter, når det tages op og overføres til et højere register på violinen. Pludselig bryder den frie, uindskrænkede sangdans af. Efter fuldstændig stilhed (generel pause) - en eksplosion af orkestrale tutti. Endnu en pause - og endnu et tordenskud tremolo. Idyllen afbrydes, dramaet kommer til sin ret. Knusende akkorder stiger voldsomt, fragmenter af akkompagnementet af et sekundært tema svarer med klagende støn. Hun ser ud til at forsøge at bryde igennem til overfladen, men da hun endelig vender tilbage, har hendes udseende ændret sig: hun er knust, malet af sorg. Ved slutningen af ​​eksponeringen fryser alt. Returnerer, som uundgåelig skæbne, det mystiske og ildevarslende motiv for indrejsen. Udviklingen er bygget på åbningsmotivet og intonationerne i sidedelens akkompagnement. Dramaet intensiveres og udvikler sig til tragisk patos. Den musikalske udvikling når et kolossalt klimaks. Pludselig er der fuldstændig udmattelse. Udmattede fragmenter af motiver forsvinder, kun en ensom trist tone er tilbage. Og igen kommer det indledende tema snigende fra dybden. Reprisen begynder. Codaen, i traditionen fra Beethoven, blev skabt som en anden udvikling. Den indeholder den samme smertefulde spænding, fortvivlelsens patos. Men kampen er forbi, der er ikke mere styrke. De sidste takter lyder som en tragisk epilog.

Anden del symfonier er en verden af ​​andre billeder. Her – forsoning, søgen efter andre, lysere sider af livet, fordybelse. Som om helten, der har oplevet en åndelig tragedie, leder efter glemslen. Bastrin (kontrabas pizzicato) lyder afmålt, de overlejres af en enkel, men overraskende smuk violinmelodi, drømmende og oprigtig. Gentagne gange, det varierer, overgroet med udtryksfulde chants. Kortvarig dynamisk stigning af tutti - og igen en rolig bevægelse. Efter en kort forbindelse dukker et nyt billede op: melodien er naiv og samtidig dyb, mere individuel end det første tema, trist, varm, minder om en menneskelig stemme, klarinettens klangfarve og oboen erstatter den, fyldt med livlig skælven. Dette er en sidedel af den lakoniske sonateform. Det varierer også og får til tider en ophidset karakter. Pludselig er der et vendepunkt i dets jævne flow – det lyder dramatisk i en kraftfuld præsentation af hele orkestret. Men et kort udbrud afløses af en udtryksfuld, efterligningsrig udvikling: dette er en kort udvikling, der slutter med lange akkorder af strygere, horns mystiske kald og individuelle træsorter. Subtil orkesterlydoptagelse fører til en gentagelse. I koden er der en gradvis falmning, opløsning af det indledende tema. Stilheden vender tilbage...

L. Mikheeva

Symfonien har kun to satser. Formelt set, hvis vi tager normen for den klassiske firedelte cyklus som grundlag, er den virkelig ufærdig. Men efter hende skrev Schubert et stort antal andre værker, herunder yderligere to symfonier. (Den ottende symfoni blev skrevet i 1825 og forsvandt sporløst. Den sidste, C-dur, blev skabt i 1828, året hvor komponisten døde.). Som om intet forhindrede ham i at færdiggøre symfonien i h-mol. Skitser til tredje del er bevaret, men de har ikke fået videreudvikling. Tilsyneladende fandt Schubert det ikke nødvendigt at tilføje noget til de allerede skrevne to dele af symfonien. Det ville ikke være overflødigt at påpege, at Beethoven længe før Schuberts ufuldendte symfoni skrev fuldstændig færdige tostemmige klaversonater (f.eks. sonater op. 78 Fis-dur eller op. 90 e-mol). Blandt romantikerne i det 19. århundrede er denne "frihed" allerede ved at blive et typisk fænomen.

I romantisk musik kombineres frihed for lyriske udtryk ofte med et poetisk program, hvorfor ønsket om at individualisere cyklusstrukturen er karakteristisk. I dette tilfælde virker to tendenser: den ene fører til en sammentrækning af cyklussen, den anden til en udvidelse, nogle gange endda ublu. Således skriver Liszt symfonien "Faust" i tre dele, symfonien "Dante" - i to; han kommer også til den ultimative komprimering af cyklussen til én del, skabende ny genre- et symfonisk digt i én sats. For Berlioz, den største franske symfonist, er omfattende cyklusser tværtimod karakteristiske: hans Fantastic Symphony består af fem satser, og den dramatiske symfoni Romeo og Julia består af syv.

Fra dette synspunkt er Schuberts "Ufærdige" symfoni, som er ny type lyrisk-dramatisk symfoni er et helt færdigt værk, da rækken af ​​lyriske billeder, der er indlejret i den og deres udvikling, udtømmer sig inden for de to eksisterende dele.

Der er ingen intern modsætning mellem symfoniens dele. Begge dele er lyriske, men deres tekster er farvet forskelligt. I første del lyriske oplevelser transmitteres med tragisk skarphed, i den anden - kontemplative tekster, gennemsyret af rolig, oplyst drømmeri.

Første del symfoni begynder med en dyster indledning - en slags epigraf. Dette er et lille, kortfattet anført emne - en generalisering af et helt kompleks af romantiske billeder: sløvhed, et "evigt" spørgsmål, hemmelig angst, lyriske refleksioner osv. De fundne midler til musikalsk legemliggørelse viste sig også at være typiske: en nedadgående , som om faldende, bevægelse af en melodi, tæt på tale melodiske vendinger, gengiver intonationen af ​​spørgsmålet, en mystisk, uklar farve.

Indeholder hovedideen til symfonien, og introduktionens tema er også dens musikalske kerne. Den løber gennem hele første sats og mestrer de afgørende, mest betydningsfulde dele af symfonien. Samlet set foregår dette emne som en introduktion til udvikling og kode. Indrammet af udstillingen og gentagelsen er den i modsætning til resten af ​​det tematiske materiale. Udvikling er udviklet på materialet i introduktionen; den sidste fase af første del - koden - er bygget på intonationerne af åbningstemaet.

I indledningen lyder dette tema som en lyrisk-filosofisk meditation, i udviklingen stiger det til tragisk patos, i koden får det en sørgmodig karakter:

Temaet for introduktionen kontrasteres af to temaer i udstillingen: eftertænksomt elegisk i hoveddelen, yndefuldt, med al dets enkelthed, sang og dans - i sidedelen:

I disse instrumentale temaer træder individualiteten af ​​Schubert, en tekstforfatter og sangkomponist, tydeligt frem. Sangessensen af ​​begge temaer afspejles ikke kun i selve melodiens natur, men også i teksturen, orkesterpræsentationen, strukturen, som naturligvis påvirker hele processen med symfonisk udvikling.

Præsentationen af ​​hoveddelen gør straks opmærksom på sig selv med karakteristiske sangteknikker. Temaet er sammensat af to hovedkomponenter: melodi og akkompagnement. Ligesom der i en sang eller romantik ofte indledes stemmens indledning af flere akkompagnementer, så her hovedparti begynder med en lille orkesterintroduktion, som derefter går over i akkompagnementet af hoveddelens melodi.

Violinernes dirrende bevægelse af sekstendedelene, strygerbassernes dæmpede pizzicato skaber en udtryksfuld baggrund, mod hvilken den svævende, elegiske sjælfulde melodi fra oboen og klarinetten skyder frem.

Ifølge det musikalske og poetiske billede og stemning er hoveddelens tema tæt på værker som nocturne eller elegi. Det er karakteristisk, at hovedpartiet strukturelt er indrammet som en selvstændig lukket formation.

I sidedelen vender Schubert sig til det mere aktive billedrige, der er forbundet med dansegenrer. Bevægende synkoperet akkompagnementets rytme, drejninger af folkesangen i melodien, enkelheden i den harmoniske struktur, lyse nuancer dur G-dur bringe en glædelig genoplivning. På trods af det dramatiske sammenbrud i sidespillet spreder den oplyste farve sig yderligere og konsolideres i det sidste spil:

Udseendet af en sidedel introducerer dog ikke en dramatisk kontrast. Der er ingen antagonisme og interne modsætninger mellem udstillingens temaer. Begge sange lyriske temaer er givet i sidestilling, ikke i kollision. Samtidig forsvandt behovet for en lang forberedelse af en sidebatch, i en overgangssekvens. Dette ændrer væsentligt den tilsluttende parts funktioner. I dette tilfælde elimineres det fuldstændigt og erstattes af et kort modulationsslag:

I stedet for dynamiske faktorer fremføres et nyt element - en koloristisk fortolkning af modal-tonale funktioner. Sidepartiet foregår i udstillingen i G-dur, og i reprisen - i D-dur. Tertsovye tonekombinationer (h-mol - G-dur, h-mol - D-dur) er subtile farverige nuancer, der lysner de dystre toner af h-mol.

De bløde tekster i billederne af udstillingen fratager dem evnen til at konfrontere. Derfor er i udviklingen af ​​temaet for hoved- og sidepartierne næsten helt fjernet. Undtagelsen er den synkoperede rytmiske figur, adskilt fra sidedelen (akkompagnementet af temaet), men i udviklingens dramatiske atmosfære mister den sin dansende legesyge. Desuden i udviklingssammenhæng eskalerer hendes synkopationer kun angsttilstanden. Genfødt derefter i den anden fase af udviklingen til en bankende prikket rytme, lyder de allerede med en ærlig trussel:

Udvikling er udelukkende udviklet på materialet i introduktionen. Den indledende konstruktion til den lyder mystisk og forsigtig. Det unisone tema, der langsomt og støt glider ned, bliver til en sløv rumlen af ​​tremolo-basser.

På denne baggrund rejser sig en kæde af stigende sekvenser, bygget på intonationerne af samme tema. I bevægelsen af ​​sekvenser med imiterede motiver, der flettes sammen, afsløres deres indre dramatiske lidenskab. I øjeblikket af det første klimaks aflades spændingen ved eksplosionen af ​​hele orkestret:

Det næste led i udviklingen består af en kæde af skarpt kontrasterende sætninger; det er her den synkoperede figur fra sidedelen vises. Først er det i modsætning til orkestrets tutti, og derefter svinder det fuldstændig væk og frigør "handlingsfeltet" til hovedtemaet.

"Vandskellet" mellem de to udviklingsfaser og dets centrale øjeblik er fuld implementering introduktionstemaer i en subdominant toneart (e-mol).

Kraftige orkestrale unisoner, understøttet af tromboner, forsvinden af ​​spørgende intonationer (fuld perfekt kadence) giver temaet en viljestærk, kategorisk karakter, i direkte proportion til hvilken det videre begivenhedsforløb er:

Den anden fase af udviklingen forløber i ekstrem spænding. Hele det musikalske stof er i konstant bevægelse; i forskellige orkesterkombinationer udvikles særskilte motiver for introduktionen kanonisk, en ny ekspressiv episode med en "bankende" prikket rytme introduceres. Endelig kommer klimaksøjeblikket: det er dette øjeblik, der afslører den tragiske uopløselighed af de stillede spørgsmål. I den skarpe modale "kamp" mellem D-dur og h-mol forbliver "sejren" hos sidstnævnte.

Fret og intonationsfarvning sidste sætninger udvikling forudbestemmer en tilbagevenden til hovedpartiets melankolske stemning:

Reprisen introducerer ikke noget væsentligt nyt, der er i stand til at lede udviklingen i nogen anden retning. I koden lyder temaet for introduktionen igen sørgmodigt, hvorefter det sidste ord så at sige forbliver:

Anden del symfonier - Andante con moto.

Poesien om hendes triste løsrivelse er fantastisk. Dyb lyrik, nogle gange roligt kontemplativ, nogle gange lettere ophidset, kommer fra temaerne i den langsomme del af symfonien. Den harmoniske palets ømhed i farver med uventede harmoniske skift, tonale overgange, fluktuationer i dur og mol, en transparent orkesterbaggrund, hvor lyden af ​​en strygergruppe i kombination med træblæsere hersker - alt dette omslutter temaerne med den fineste poetiske farve, let vejrtrækning natur:

Andantes struktur er ejendommelig. Den kombinerer frit den lukkede struktur af det første og andet tema med nogle typiske træk sonateform (Andante-formen er nærmest en sonate uden udvikling. Hoved- og sideleddet er detaljeret opstillet, hver har en trestemmig struktur; desuden er sidestemmens hovedtræk i dens overvejende variationsmæssige udvikling.), det musikalske stofs fluiditet - med en overvægt af metoder til variationsudvikling. Faktisk er der i anden del af h-moll-symfonien en mærkbar tendens til at skabe nye romantiske former instrumental musik, syntetisere træk af forskellige former; i deres endelige form vil de blive præsenteret i værker af Chopin, Liszt.

I "Ufinished"-symfonien satte Schubert ligesom i andre værker følelseslivet i centrum jævn mand; høj grad kunstnerisk generalisering gjorde hans arbejde til et udtryk for epokens ånd.