lukisan Jepun. Lukisan Jepun moden
Lukisan monokrom Jepun adalah salah satu fenomena unik seni Timur. Banyak kerja dan kajian ditumpukan kepadanya, tetapi ia sering dianggap sebagai perkara yang sangat bersyarat, dan kadang-kadang hiasan. Ini tidak begitu. Dunia rohani artis Jepun sangat kaya, dan dia tidak begitu mementingkan komponen estetik, tetapi tentang yang rohani. Seni Timur adalah sintesis luaran dan dalaman, tersurat dan tersirat.
Dalam jawatan ini, saya tidak ingin memberi perhatian kepada sejarah lukisan monokrom, tetapi kepada intipatinya. Ini akan dibincangkan.
Skrin "Pine" Hasegawa Tohaku, 1593.
Apa yang kita lihat dalam lukisan monokrom adalah hasil interaksi artis dengan triad pain: kertas, berus, dakwat. Oleh itu, untuk memahami karya dengan betul, seseorang mesti memahami artis itu sendiri dan sikapnya.
"Lanskap" Sesshu, 1398
kertas bukan mudah untuk seorang master Jepun bahan improvisasi, yang dia tunduk kepada kehendaknya, tetapi sebaliknya, adalah "saudara", oleh itu, sikap terhadapnya telah berkembang dengan sewajarnya. Kertas adalah sebahagian daripada alam sekitar, yang sentiasa dilayan oleh orang Jepun dengan hormat dan cuba untuk tidak menundukkan, tetapi untuk hidup bersama secara aman dengannya. Kertas adalah pada masa lalu pokok yang berdiri di kawasan tertentu, masa tertentu, "melihat" sesuatu di sekelilingnya, dan dia menyimpan semuanya. Beginilah cara artis Jepun melihat bahan tersebut. Selalunya, sebelum memulakan kerja, tuan-tuan melihat helaian kosong untuk masa yang lama (merenungkannya) dan hanya kemudian meneruskan lukisan. Malah pada hari ini, artis Jepun kontemporari yang mengamalkan Nihon-ga (lukisan tradisional Jepun) berhati-hati memilih kertas mereka. Mereka membelinya atas pesanan dari kilang kertas. Bagi setiap artis dengan ketebalan, kebolehtelapan lembapan dan tekstur tertentu (ramai artis bahkan membuat perjanjian dengan pemilik kilang untuk tidak menjual kertas ini kepada artis lain) - oleh itu, setiap lukisan dianggap sebagai sesuatu yang unik dan hidup.
"Membaca di dalam rumpun buluh" Shubun, 1446.
Bercakap tentang kepentingan bahan ini, adalah wajar untuk menyebut monumen kesusasteraan Jepun yang terkenal seperti "Nota di Kepala katil" oleh Sei Shyonagon dan "Genji Monogotari" oleh Murasaki Shikibu: dalam kedua-dua "Nota" dan "Genji" satu boleh cari plot apabila orang istana atau kekasih bertukar mesej . Kertas di mana mesej-mesej ini ditulis adalah mengikut musim, teduhan, dan cara penulisan teks yang sesuai dengan teksturnya.
"Murasaki Shikibu di Kuil Ishiyama" Kyosen
Berus- komponen kedua ialah kesinambungan tangan tuan (sekali lagi, ini bahan semula jadi). Oleh itu, berus juga dibuat mengikut pesanan, tetapi selalunya oleh artis itu sendiri. Dia memilih rambut panjang yang diperlukan, memilih saiz berus dan pemegang yang paling selesa. Tuan menulis hanya dengan berusnya sendiri dan tidak ada yang lain. (Daripada pengalaman peribadi: Saya berada di kelas induk artis Cina Jiang Shilun, penonton diminta untuk menunjukkan apa yang pelajarnya yang hadir di kelas induk boleh lakukan, dan setiap daripada mereka, mengambil berus master, berkata bahawa ia akan menjadi bukan seperti yang mereka harapkan, kerana berus bukan mereka, mereka tidak biasa dan tidak tahu cara menggunakannya dengan betul).
Lakaran dakwat "Fuji" oleh Katsushika Hokusai
dakwat- ketiga elemen penting. Dakwat berlaku jenis yang berbeza: ia boleh memberikan kesan berkilat atau matte selepas pengeringan, ia boleh dicampur dengan warna perak atau oker, jadi pilihan maskara yang tepat juga tidak penting.
Yamamoto Baitsu, lewat 18hb- abad XIX.
Subjek utama lukisan monokrom ialah landskap. Mengapa mereka tidak mempunyai warna?
Skrin berkembar "Pines", Hasegawa Tohaku
Pertama, artis Jepun tidak berminat dengan objek itu sendiri, tetapi pada dasarnya, komponen tertentu yang biasa kepada semua makhluk hidup dan membawa kepada keharmonian antara manusia dan alam semula jadi. Oleh itu, imej itu sentiasa menjadi petunjuk, ia ditujukan kepada perasaan kita, dan bukan kepada penglihatan. Meremehkan adalah rangsangan untuk dialog, dan oleh itu sambungan. Garis dan bintik adalah penting dalam imej - ia terbentuk bahasa seni. Ini bukan kebebasan tuan, yang, di mana dia mahu, meninggalkan tanda berminyak di sana, dan di tempat lain, sebaliknya, tidak menarik dengan baik - dalam gambar semuanya mempunyai makna dan kepentingannya sendiri, dan tidak membawa watak rawak.
Kedua, warna sentiasa membawa beberapa jenis konotasi emosi dan dilihat secara berbeza. orang yang berbeza dalam keadaan yang berbeza, oleh itu, berkecuali emosi membolehkan penonton untuk masuk ke dalam dialog yang paling mencukupi, meletakkan dia untuk persepsi, renungan, dan pemikiran.
Ketiga, ini adalah interaksi yin dan yang, mana-mana gambar monokrom adalah harmoni dari segi nisbah dakwat dan kawasan kertas yang tidak disentuh di dalamnya.
Mengapakah kebanyakan ruang kertas tidak digunakan?
"Lanskap" Syubun, pertengahan abad ke-15.
Pertama, kekosongan ruang membenamkan penonton dalam imej; kedua, imej dicipta seolah-olah ia terapung ke permukaan untuk seketika dan akan hilang - ini berkaitan dengan pandangan dunia dan pandangan dunia; ketiga, di kawasan yang tidak ada dakwat, tekstur dan naungan kertas muncul di hadapan (ini tidak selalu kelihatan pada pengeluaran semula, tetapi pada hakikatnya ia sentiasa interaksi dua bahan - kertas dan dakwat).
Sesshu, 1446
Mengapa landskap?
"Renungan Air Terjun" Gayami, 1478
Menurut pandangan dunia Jepun, alam semula jadi lebih sempurna daripada manusia, jadi dia mesti belajar daripadanya, melindunginya dalam setiap cara yang mungkin, dan tidak memusnahkan atau menundukkan. Oleh itu, dalam banyak landskap anda boleh melihat imej kecil orang, tetapi mereka sentiasa tidak penting, kecil berhubung dengan landskap itu sendiri, atau imej pondok yang sesuai dengan ruang di sekeliling mereka dan tidak selalu ketara - ini semua adalah simbol pandangan dunia.
"Musim: Musim Gugur dan Musim Sejuk" Sesshu. "Lanskap" Sesshu, 1481
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahawa lukisan Jepun monokrom bukanlah dakwat yang disimbah secara rawak, ia bukan kehendak ego dalaman artis - ia adalah keseluruhan sistem imej dan simbol, ia adalah repositori pemikiran falsafah, dan yang paling penting, cara komunikasi dan penyelarasan diri dan dunia sekeliling.
Di sini, saya fikir, adalah jawapan kepada soalan utama yang ada pada penonton apabila berhadapan dengan lukisan Jepun monokrom. Saya harap mereka akan membantu anda memahaminya dengan paling betul dan memahaminya apabila anda bertemu.
Jepun lukisan klasik mempunyai panjang dan cerita yang menarik. Seni visual Jepun diwakili dalam gaya yang berbeza dan genre, setiap satunya adalah unik dengan cara tersendiri. Patung-patung lukisan kuno dan motif geometri yang ditemui pada loceng gangsa dotaku dan serpihan tembikar bermula sejak 300 Masihi.
Orientasi seni Buddha
Di Jepun, seni lukisan dinding telah berkembang dengan baik; pada abad ke-6, imej bertemakan falsafah Buddhisme sangat popular. Pada masa itu, kuil besar sedang dibina di negara ini, dan dindingnya di mana-mana dihiasi dengan lukisan dinding yang dicat mengikut plot mitos dan legenda Buddha. Sehingga kini, sampel purba lukisan dinding telah dipelihara di kuil Horyuji berhampiran bandar Jepun Nara. Lukisan dinding Horyuji menggambarkan pemandangan dari kehidupan Buddha dan tuhan-tuhan lain. Gaya artistik lukisan dinding ini sangat hampir dengan konsep bergambar yang popular di China semasa Dinasti Song.
Gaya indah Dinasti Tang mendapat populariti tertentu pada pertengahan zaman Nara. Lukisan dinding yang ditemui di makam Takamatsuzuka tergolong dalam zaman ini dan bertarikh sekitar abad ke-7 Masihi. Teknik artistik, yang dibentuk di bawah pengaruh Dinasti Tang, seterusnya membentuk asas kepada genre lukisan kara-e. Genre ini mengekalkan popularitinya sehingga kemunculan karya pertama dalam gaya yamato-e. Kebanyakan lukisan dinding dan karya agung bergambar adalah oleh artis yang tidak dikenali, hari ini banyak karya pada zaman itu disimpan dalam perbendaharaan Sesoin.
Pengaruh sekolah Buddha baru yang semakin meningkat, seperti Tendai, mempengaruhi orientasi agama yang luas. seni visual Jepun pada abad ke-8 dan ke-9. Pada abad ke-10, semasa Buddhisme Jepun berkembang terutamanya, genre raigozu, "lukisan selamat datang", yang menggambarkan kedatangan Buddha di Syurga Barat, muncul. Contoh awal raigōzu sejak 1053 boleh dilihat di Kuil Bedo-in, yang dipelihara di Bandar Uji, Prefektur Kyoto.
Menukar gaya
Di tengah-tengah tempoh Heian untuk menggantikan gaya cina kara-e datang genre yamato-e, yang untuk masa yang lama menjadi salah satu genre lukisan Jepun yang paling popular dan dicari. Gaya bergambar baharu digunakan terutamanya pada skrin lipat dan pintu gelangsar. Lama kelamaan, yamato-e berpindah ke skrol mendatar emakimono. Artis yang bekerja dalam genre emaki cuba menyampaikan dalam karya mereka semua emosi plot yang dipilih. Skrol Genji monogatari terdiri daripada beberapa episod yang disambungkan bersama, artis pada masa itu menggunakan pukulan pantas dan warna terang dan ekspresif.
E-maki ialah salah satu contoh otoko-e yang tertua dan paling menonjol, genre potret lelaki. Potret wanita dipilih sebagai genre onna-e yang berasingan. Antara genre ini, sebenarnya, serta antara lelaki dan wanita, terdapat perbezaan yang agak ketara. Gaya onna-e dipersembahkan dengan warna-warni dalam reka bentuk Tale of Genji, di mana tema utama lukisan adalah plot romantis, adegan dari kehidupan mahkamah. Gaya lelaki otoko-e kebanyakannya adalah penggambaran artistik pertempuran sejarah dan lain-lain peristiwa penting dalam kehidupan empayar.
Sekolah seni klasik Jepun telah menjadi tanah subur untuk pembangunan dan promosi idea. seni kontemporari Jepun yang jelas menunjukkan pengaruh budaya pop dan anime. Salah satu yang paling terkenal artis Jepun kemodenan boleh dipanggil Takashi Murakami, yang kerjanya didedikasikan untuk menggambarkan adegan dari kehidupan Jepun tempoh selepas perang dan konsep gabungan maksimum seni yang bagus dan arus perdana.
Daripada artis Jepun yang terkenal di sekolah klasik, perkara berikut boleh disebut.
Shubun Tegang
Shubun bekerja pada awal abad ke-15, menumpukan banyak masa untuk mengkaji karya-karya tuan Cina era Dinasti Song, lelaki ini berdiri di asal-usul Jepun genre halus. Shubun dianggap sebagai pengasas sumi-e, lukisan dakwat monokrom. Dia melakukan banyak usaha untuk mempopularkan genre baru, menjadikannya salah satu trend utama dalam lukisan Jepun. Pelajar Shubun ramai yang kemudiannya menjadi artis terkenal, termasuk Sesshu dan pengasas sekolah seni terkenal Kano Masanobu. Banyak landskap telah dikaitkan dengan Shubun, tetapi karyanya yang paling terkenal secara tradisinya dianggap Membaca di Hutan Buluh.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin ialah salah seorang artis terbesar dalam sejarah lukisan Jepun, pengasas dan salah seorang wakil paling cemerlang gaya seni rimpa. Korin dalam karyanya dengan berani meninggalkan stereotaip tradisional, setelah membentuk gayanya sendiri, ciri-ciri utamanya adalah bentuk kecil dan impresionisme plot yang jelas. Korin terkenal dengan kemahiran khususnya dalam menggambarkan alam semula jadi dan bekerja dengan gubahan warna abstrak. "Plum blossom merah dan putih" adalah salah satu karya Ogata Korin yang paling terkenal, lukisannya "Chrysanthemums", "Waves of Matsushima" dan beberapa yang lain juga dikenali.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku ialah pengasas sekolah seni Jepun Hasegawa. Untuk tempoh awal Karya Tohaku dicirikan oleh pengaruh sekolah lukisan Jepun yang terkenal 
Kano, tetapi lama-kelamaan artis itu membentuk gaya uniknya sendiri. Dalam banyak cara, karya Tohaku dipengaruhi oleh karya tuan Sesshu yang diiktiraf, Hosegawa malah menganggap dirinya pengganti kelima tuan besar ini. Lukisan Hasegawa Tohaku "Pines" diterima kemasyhuran dunia, karya beliau "Maple", "Pin dan tumbuhan berbunga" dan lain-lain juga dikenali.
Kano Eitoku (1543-1590)
Gaya sekolah Kanō mendominasi seni visual Jepun selama kira-kira empat abad, dan Kano Eitoku mungkin salah satu wakil yang paling terkenal dan terkemuka dari sekolah seni ini. Eitoku disukai oleh pihak berkuasa, naungan golongan bangsawan dan pelanggan kaya tidak dapat tidak menyumbang kepada pengukuhan sekolahnya dan populariti karya-karya ini, tidak syak lagi, seorang artis yang sangat berbakat. Skrin gelongsor lapan panel 'Cypress' Eitoku Kano ialah karya sebenar dan contoh utama skop dan kuasa gaya Monoyama. Kerja-kerja tuan yang lain kelihatan tidak kurang menarik, seperti "Burung dan Pokok Empat Musim", "Singa Cina", "Pertapa dan Peri" dan lain-lain lagi.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai - tuan terhebat ukiyo-e (potongan kayu Jepun). Hasil kerja Hokusai diterima pengiktirafan dunia, kemasyhurannya di negara lain tidak setanding dengan populariti kebanyakan artis Asia, karyanya " Ombak besar di Kanagawa" menjadi seperti kad perniagaan Seni halus Jepun di persada seni dunia. Pada saya sendiri cara kreatif Hokusai menggunakan lebih daripada tiga puluh nama samaran, selepas enam puluh artis mengabdikan dirinya sepenuhnya kepada seni, dan kali ini yang dianggap sebagai tempoh yang paling berkesan dalam karyanya. Karya Hokusai mempengaruhi karya sarjana Impresionis dan Pasca-Impresionis Barat, termasuk karya Renoir, Monet dan van Gogh.
Setiap negara mempunyai wira seni kontemporari sendiri, yang namanya terkenal, pamerannya mengumpulkan ramai peminat dan orang yang ingin tahu, dan karyanya tersebar dalam koleksi peribadi.
Dalam artikel ini, kami akan memperkenalkan anda kepada yang paling popular artis kontemporari Jepun.
Keiko Tanabe
Dilahirkan di Kyoto, Keiko memenangi pelbagai gelaran sebagai seorang kanak-kanak. pertandingan seni, tetapi pendidikan tinggi tidak diterima sama sekali dalam bidang seni. Bekerja di jabatan hubungan antarabangsa dalam Pertubuhan Perdagangan Kerajaan Sendiri Jepun di Tokyo, secara besar-besaran firma undang-undang di San Francisco dan di firma perunding swasta di San Diego, mengembara secara meluas. Bermula pada tahun 2003, dia meninggalkan pekerjaannya dan, selepas mempelajari asas lukisan cat air di San Diego, menumpukan dirinya secara eksklusif kepada seni.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Artis Jepun Ikenaga Yasunari melukis potret wanita moden pada zaman dahulu tradisi Jepun mengecat menggunakan berus Menso, pigmen mineral, karbon hitam, dakwat dan linen sebagai alas. Wataknya adalah wanita zaman kita, tetapi terima kasih kepada gaya Nihonga, ada perasaan bahawa mereka datang kepada kita dari zaman dahulu.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki ialah seorang artis realistik yang telah menguasai teknik cat air dengan sempurna. Abe boleh dipanggil ahli falsafah artis: dia pada asasnya tidak melukis mercu tanda yang terkenal, lebih suka komposisi subjektif yang mencerminkan negeri dalaman orang yang memerhati mereka.
Hiroko Sakai
Kerjaya artis Hiroko Sakai bermula pada awal 90-an di bandar Fukuoka. Selepas menamatkan pengajian dari Universiti Seinan Gakuin dan Nihon French School of Interior Design dalam reka bentuk dan visualisasi, beliau mengasaskan "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." dan berjaya menguruskan studio ini selama 5 tahun. Banyak karya beliau menghiasi lobi hospital, pejabat syarikat besar dan beberapa bangunan perbandaran di Jepun. Selepas berpindah ke Amerika Syarikat, Hiroko mula melukis dalam minyak.
Riusuke Fukahori
Karya tiga dimensi Ryuusuki Fukahori adalah seperti hologram. Mereka sudah selesai cat akrilik digunakan dalam beberapa lapisan, dan cecair resin telus - semua ini, tanpa mengecualikan kaedah tradisional seperti melukis bayang-bayang, melembutkan tepi, mengawal ketelusan, membolehkan Ryusuki mencipta lukisan arca dan memberikan kedalaman dan realisme kepada karya itu.
Natsuki Otani
Natsuki Otani ialah seorang ilustrator Jepun berbakat yang tinggal dan bekerja di England.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu memilih tema menang-menang sebagai asas untuk karyanya - dia melukis kucing. Gambar-gambarnya popular di seluruh dunia terutama dalam bentuk teka-teki.
Tetsuya Mishima
Kebanyakan lukisan oleh artis Jepun kontemporari Mishima dibuat dalam minyak. Dia telah melukis secara profesional sejak tahun 90-an, dia mempunyai beberapa pameran peribadi dan sebilangan besar pameran kolektif, Jepun dan asing.
helo, wahai pembaca sekalian penuntut ilmu dan kebenaran!
Artis Jepun dibezakan dengan gaya unik mereka, diasah oleh generasi tuan. Hari ini kita akan bercakap tentang wakil lukisan Jepun yang paling terang dan lukisan mereka, dari zaman purba hingga zaman moden.
Baiklah, mari kita terjun ke dalam seni Tanah Matahari Terbit.
Kelahiran seni
Seni lukisan purba di Jepun terutamanya dikaitkan dengan keanehan penulisan dan oleh itu berdasarkan asas-asas kaligrafi. Contoh pertama termasuk serpihan loceng gangsa, pinggan mangkuk dan barangan rumah yang ditemui semasa penggalian. Banyak daripada mereka dicat dengan cat semula jadi, dan penyelidikan menunjukkan bahawa produk itu dibuat lebih awal daripada 300 SM.
Tahap baru dalam perkembangan seni bermula dengan ketibaan di Jepun. Pada emakimono - skrol kertas khas - imej dewa pantheon Buddha, adegan dari kehidupan Guru dan pengikutnya diterapkan.
Keutamaan tema keagamaan dalam lukisan dapat dikesan pada zaman pertengahan Jepun, iaitu dari abad ke-10 hingga ke-15. Nama-nama artis zaman itu hingga ke hari ini, sayangnya, tidak dipelihara.
Dalam tempoh abad ke-15-18, masa baru bermula, dicirikan oleh penampilan artis dengan gaya individu. Mereka melabelkan vektor perkembangan selanjutnya seni visual.
Wakil-wakil cerah masa lalu
Shubun Tegang (awal abad ke-15)
Untuk menjadi tuan cemerlang, Xubong mempelajari teknik penulisan artis Song China dan hasil kerja mereka. Selepas itu, beliau menjadi salah seorang pengasas lukisan di Jepun dan pencipta sumi-e.
Sumi-e - gaya seni, yang berdasarkan lukisan dakwat, yang bermaksud satu warna.
Shubun melakukan banyak perkara gaya baru berakar umbi dalam kalangan artistik.Beliau mengajar seni kepada bakat lain, termasuk masa depan pelukis terkenal seperti Sesshu.
Paling banyak lukisan popular Shubun dipanggil "Membaca di Hutan Buluh".
"Membaca di Hutan Buluh" oleh Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Dia menjadi pencipta sekolah, dinamakan sempena dirinya - Hasegawa. Pada mulanya, dia cuba mengikuti kanun sekolah Kano, tetapi secara beransur-ansur "tulisan tangan" individunya mula dikesan dalam karyanya. Tohaku dipandu oleh grafik Sesshu.
Asas kerja itu mudah, ringkas, tetapi landskap realistik dengan nama yang tidak rumit:
- "Pain";
- "Maple";
- Pine dan tumbuhan berbunga.
Pines, Hasegawa Tohaku
Saudara Ogata Korin (1658-1716) dan Ogata Kenzan (1663-1743)
Adik-beradik itu tukang halus abad ke 18. Yang sulung, Ogata Korin, mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk melukis dan mengasaskan genre rimpa. Dia mengelak imej stereotaip, lebih suka genre impresionis.
Ogata Korin melukis alam secara umum dan bunga dalam bentuk abstraksi terang khususnya. Berusnya tergolong dalam lukisan itu:
- "Plum blossom merah dan putih";
- "Gelombang Matsushima";
- "Chrysanthemums".
Gelombang Matsushima oleh Korin Ogata
Adik lelaki - Ogata Kenzan - mempunyai banyak alias. Sekurang-kurangnya dia terlibat dalam lukisan, tetapi dia lebih terkenal sebagai ahli seramik yang hebat.
Ogata Kenzan menguasai banyak teknik tembikar. Dia dibezakan oleh pendekatan yang tidak standard, sebagai contoh, dia mencipta plat dalam bentuk segi empat sama.
Lukisan sendiri tidak dibezakan oleh kemegahan - ini juga keanehannya. Dia suka meletakkan kaligrafi pada produk seperti skrol atau petikan puisi. Kadang-kadang mereka bekerja bersama-sama dengan abang mereka.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Dia bekerja dalam gaya ukiyo-e - sejenis potongan kayu, dengan kata lain, lukisan ukiran. Untuk sepanjang masa kreativiti, dia menukar kira-kira 30 nama. karya terkenal- "The Great Wave off Kanagawa", yang mana dia menjadi terkenal di luar tanah airnya.
"The Great Wave off Kanagawa" oleh Hokusai Katsushika
Terutamanya Hokusai yang keras mula bekerja selepas 60 tahun, yang membawa hasil yang baik. Van Gogh, Monet, Renoir sudah biasa dengan karyanya, dan pada tahap tertentu ia mempengaruhi kerja tuan Eropah.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Satu daripada artis terhebat abad ke-19. Lahir, tinggal, bekerja di Edo, meneruskan kerja Hokusai, diilhamkan oleh kerjanya. Cara dia menggambarkan alam semula jadi hampir sama menariknya dengan bilangan karya itu sendiri.
Edo - nama dahulu Tokyo.
Berikut adalah beberapa tokoh tentang karyanya, yang diwakili oleh kitaran lukisan:
- 5.5 ribu - bilangan semua ukiran;
- “100 Pandangan Edo;
- "36 Pemandangan Fuji";
- "69 Stesen Kisokaido";
- "53 Stesen Tokaido".
Lukisan oleh Ando Hiroshige
Menariknya, Van Gogh yang cemerlang menulis beberapa salinan ukirannya.
Kemodenan
Takashi Murakami
Pelukis, pengukir, pereka fesyen, dia memperoleh nama pada akhir abad ke-20. Dalam karyanya, dia mematuhi trend fesyen dengan unsur-unsur klasik, dan mendapat inspirasi daripada kartun anime dan manga.
Lukisan oleh Takashi Murakami
Karya Takashi Murakami diklasifikasikan sebagai subkultur, tetapi pada masa yang sama ia sangat popular. Sebagai contoh, pada tahun 2008, salah satu karyanya telah dibeli di lelongan dengan harga lebih daripada $15 juta. Pada satu masa, pencipta moden bekerja bersama-sama dengan rumah fesyen "Marc Jacobs" dan "Louis Vuitton".
Tycho Asima
Seorang rakan artis terdahulu, dia mencipta lukisan surreal kontemporari. Mereka menggambarkan pemandangan bandar, jalan-jalan kota besar dan makhluk seolah-olah dari alam semesta lain - hantu, roh jahat, gadis asing. Di latar belakang lukisan anda sering dapat melihat alam semula jadi yang murni, kadangkala menakutkan.
Lukisannya mencapai saiz yang besar dan jarang terhad kepada kertas. Mereka dipindahkan ke kulit, bahan plastik.
Pada tahun 2006, sebagai sebahagian daripada pameran di ibu negara Britain, seorang wanita mencipta kira-kira 20 struktur melengkung yang mencerminkan keindahan alam semula jadi kampung dan bandar, siang dan malam. Salah seorang daripada mereka menghiasi stesen kereta api bawah tanah.
Hai Arakawa
Lelaki muda itu tidak boleh dipanggil hanya seorang artis dalam erti kata klasik - dia mencipta pemasangan yang begitu popular dalam seni abad ke-21. Tema pamerannya benar-benar Jepun dan menyentuh hubungan mesra, serta hasil kerja seluruh pasukan.
Ei Arakawa sering mengambil bahagian dalam pelbagai dwitahunan, contohnya, di Venice, dipamerkan di Muzium Seni Moden di tanah airnya, dan berhak menerima pelbagai anugerah.
Ikenaga Yasunari
Pelukis moden Ikenaga Yasunari berjaya menggabungkan dua perkara yang kelihatan tidak serasi: kehidupan gadis masa kini dalam bentuk potret dan teknik tradisional Jepun berasal dari zaman dahulu. Dalam karyanya, pelukis menggunakan berus khas, cat berpigmen semula jadi, dakwat, dan arang. Daripada linen biasa - kain linen.
Lukisan Ikenaga Yasunari
Teknik yang sama untuk membezakan era yang digambarkan dan penampilan heroin memberi gambaran bahawa mereka telah kembali kepada kita dari masa lalu.
popular di Kebelakangan ini dalam komuniti dalam talian, satu siri lukisan tentang kerumitan kehidupan buaya turut dicipta oleh kartunis Jepun Keigo.
Kesimpulan
Jadi, lukisan jepun berasal sekitar abad ke-3 SM, dan telah banyak berubah sejak itu. Imej pertama digunakan pada seramik, kemudian motif Buddha mula diguna pakai dalam seni, tetapi nama pengarangnya tidak bertahan hingga ke hari ini.
Dalam era Zaman Baru, tuan berus memperoleh lebih banyak keperibadian, dicipta arah yang berbeza, sekolah. Seni halus hari ini tidak terhad kepada lukisan tradisional - pemasangan, karikatur, arca seni, struktur khas digunakan.
Terima kasih banyak atas perhatian anda, pembaca yang dihormati! Kami harap anda mendapati artikel kami berguna, dan cerita tentang kehidupan dan kerja wakil seni seni yang paling cemerlang membolehkan anda mengenali mereka dengan lebih baik.
Sudah tentu, sukar untuk memberitahu dalam satu artikel tentang semua artis dari zaman dahulu hingga sekarang. Oleh itu, biarlah ini menjadi langkah pertama ke arah pengetahuan seni lukis Jepun.
Dan sertai kami - langgan blog - kami akan belajar agama Buddha dan budaya Timur bersama-sama!
Jika anda berfikir bahawa semua artis hebat adalah pada masa lalu, maka anda tidak tahu betapa salahnya anda. Dalam artikel ini, anda akan belajar tentang yang paling terkenal dan artis berbakat kemodenan. Dan, percayalah, karya mereka akan tersimpan dalam ingatan anda tidak kurang dalam daripada karya maestro dari zaman lampau.
Wojciech Babski
Wojciech Babski ialah artis Poland kontemporari. Dia lulus dari Institut Politeknik Silesian, tetapi menghubungkan dirinya dengan. Sejak kebelakangan ini dia kebanyakannya melukis wanita. Memberi tumpuan kepada manifestasi emosi, berusaha untuk mendapatkan kesan terbesar yang mungkin dengan cara yang mudah.
Suka warna, tetapi sering menggunakan warna hitam dan kelabu untuk mencapai kesan terbaik. Tidak takut untuk bereksperimen dengan teknik baru. Baru-baru ini, dia semakin popular di luar negara, terutamanya di UK, di mana dia berjaya menjual karyanya, yang sudah boleh didapati dalam banyak koleksi peribadi. Selain seni, dia berminat dalam kosmologi dan falsafah. Mendengarkan jazz. Kini tinggal dan bekerja di Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - moden Artis Amerika. Dilahirkan pada tahun 1957 dan dibesarkan di Monterey, California, beliau menamatkan pengajian magna cum laude dari Kolej Seni Reka Pusat Seni di Pasadena pada tahun 1981 dengan ijazah Sarjana Muda Seni Halus dalam Seni Halus. Untuk dua dekad seterusnya, dia bekerja sebagai ilustrator untuk pelbagai syarikat di California dan New York sebelum memulakan kerjayanya sebagai artis profesional pada 2009.
Lukisan realistik beliau boleh dibahagikan kepada dua kategori utama: lukisan dalaman biografi dan lukisan yang menggambarkan pekerja. Minatnya dalam gaya lukisan ini berakar umbi dalam karya pelukis abad ke-16 Jan Vermeer, dan meluas kepada objek, potret diri, potret ahli keluarga, rakan, pelajar, studio, bilik darjah dan dalaman rumah. Tujuannya adalah untuk lukisan realistik mencipta mood dan emosi melalui manipulasi cahaya dan penggunaan warna yang disenyapkan.
Chang menjadi terkenal selepas peralihan kepada seni visual tradisional. Sepanjang 12 tahun yang lalu, beliau telah memperoleh pelbagai anugerah dan penghormatan, yang paling berprestij ialah Tandatangan Induk daripada Pelukis Minyak Amerika, komuniti lukisan minyak terbesar di Amerika Syarikat. Hanya seorang daripada 50 orang yang berbesar hati dengan peluang untuk menerima anugerah ini. Pada masa ini, Warren tinggal di Monterey dan bekerja di studionya, dia juga mengajar (dikenali sebagai guru berbakat) di Akademi Seni San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni - artis itali. Dilahirkan di Blair, 15 Oktober 1955. Lulus dengan ijazah dalam scenografi dari Institut Seni di Spoleto. Sebagai seorang artis, dia belajar sendiri, kerana dia secara bebas "membina rumah pengetahuan" di atas asas yang diletakkan di sekolah. Dia mula melukis dengan minyak pada usia 19 tahun. Kini tinggal dan bekerja di Umbria.
Lukisan awal Bruni berakar umbi dalam surealisme, tetapi lama-kelamaan dia mula memfokuskan pada keakraban romantisme lirik dan simbolisme, mengukuhkan gabungan ini dengan kecanggihan dan kesucian wataknya yang indah. Objek bernyawa dan tidak bernyawa memperoleh maruah yang sama dan kelihatan hampir hiper-realistik, tetapi pada masa yang sama, mereka tidak bersembunyi di sebalik tirai, tetapi membolehkan anda melihat intipati jiwa anda. Kepelbagaian dan kecanggihan, keghairahan dan kesunyian, bertimbang rasa dan berbuah adalah semangat Aurelio Bruni, disuburkan oleh kemegahan seni dan keharmonian muzik.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos ialah artis Poland kontemporari yang pakar dalam lukisan minyak. Dilahirkan pada tahun 1970 di Gliwice, Poland, tetapi sejak 1989 beliau telah menetap dan bekerja di Amerika Syarikat, di bandar Shasta, California.
Semasa kecil, dia belajar seni di bawah bimbingan bapanya Jan, seorang artis dan pengukir otodidak, jadi dari umur muda, aktiviti seni mendapat sokongan penuh daripada kedua ibu bapa. Pada tahun 1989, pada usia lapan belas tahun, Balos meninggalkan Poland ke Amerika Syarikat, di mana dia Cikgu sekolah dan artis sambilan Cathy Gaggliardi menggalakkan Alcasander untuk mendaftar di sekolah seni. Balos kemudian menerima biasiswa penuh ke Universiti Milwaukee Wisconsin, di mana dia belajar melukis dengan profesor falsafah Harry Rosin.
Selepas menamatkan pengajiannya pada tahun 1995 dengan ijazah sarjana muda, Balos berpindah ke Chicago untuk mendaftar di sekolah seni visual yang kaedahnya berdasarkan kreativiti. Jacques-Louis David. realisme kiasan dan lukisan potret adalah paling karya Balos pada tahun 90-an dan awal 2000-an. Hari ini, Balos menggunakan figura manusia untuk menyerlahkan ciri dan kekurangan kewujudan manusia, tanpa menawarkan sebarang penyelesaian.
Komposisi plot lukisannya bertujuan untuk ditafsirkan secara bebas oleh penonton, barulah kanvas akan memperoleh makna temporal dan subjektif yang sebenar. Pada tahun 2005, artis itu berpindah ke California Utara, sejak itu skop kerjanya telah berkembang dengan ketara dan kini termasuk kaedah lukisan yang lebih bebas, termasuk abstraksi dan pelbagai gaya multimedia yang membantu menyatakan idea dan cita-cita melalui lukisan.
Alyssa Monks
Alyssa Monks ialah seorang artis Amerika kontemporari. Dia dilahirkan pada tahun 1977 di Ridgewood, New Jersey. Dia mula berminat melukis ketika dia masih kanak-kanak. Belajar di New School di New York dan Universiti Negeri Montclair, dan lulus dari Kolej Boston pada tahun 1999, menerima ijazah sarjana muda. Pada masa yang sama, dia belajar melukis di Akademi Lorenzo Medici di Florence.
Kemudian dia meneruskan pengajiannya di bawah program untuk ijazah sarjana di New York Academy of Art, di Jabatan Seni Figuratif, menamatkan pengajian pada tahun 2001. Dia lulus dari Kolej Fullerton pada tahun 2006. Untuk beberapa lama dia mengajar di universiti dan institusi pendidikan di seluruh negara, mengajar lukisan di New York Academy of Art, serta Montclair State University dan Lyme Academy College of Art.
“Menggunakan penapis seperti kaca, vinil, air dan wap, saya herotkan badan manusia. Penapis ini membolehkan anda membuat kawasan yang luas reka bentuk abstrak, dengan pulau-pulau berwarna mengintip melaluinya - bahagian tubuh manusia.
Lukisan saya mengubah rupa moden pada pose tradisional dan gerak isyarat wanita mandi yang sedia ada. Mereka boleh memberitahu penonton yang penuh perhatian tentang perkara yang kelihatan jelas seperti faedah berenang, menari dan sebagainya. Watak saya ditekan pada kaca tingkap pancuran mandian, herot badan sendiri, menyedari bahawa dengan itu mereka mempengaruhi pandangan lelaki terkenal terhadap wanita telanjang. Lapisan cat tebal dicampurkan bersama untuk meniru kaca, wap, air dan daging dari jauh. Walau bagaimanapun, sifat fizikal yang menakjubkan menjadi jelas dari dekat. cat minyak. Dengan bereksperimen dengan lapisan cat dan warna, saya dapati detik apabila strok abstrak menjadi sesuatu yang lain.
Apabila saya mula-mula melukis badan manusia, saya langsung terpesona malah taksub dengannya dan merasakan bahawa saya perlu membuat lukisan saya serealistik mungkin. Saya "menganggap" realisme sehingga ia mula terungkai dan dekonstruksi dirinya sendiri. Sekarang saya sedang meneroka kemungkinan dan potensi gaya lukisan di mana lukisan representasi dan abstraksi bertemu - jika kedua-dua gaya boleh wujud bersama pada masa yang sama, saya akan melakukannya."
Antonio Finelli
artis Itali - pemerhati masa” – Antonio Finelli dilahirkan pada 23 Februari 1985. Kini tinggal dan bekerja di Itali antara Rom dan Campobasso. Karya beliau telah dipamerkan di beberapa galeri di Itali dan luar negara: Rom, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, dan ia juga boleh didapati dalam koleksi peribadi dan awam.
Lukisan pensel " Pemerhati masa” Antonio Finelli menghantar kami melalui perjalanan yang kekal dunia dalaman temporal manusia dan analisis ketat dunia ini yang berkaitan dengannya, elemen utamanya adalah peredaran masa dan kesan yang ditimbulkannya pada kulit.
Finelli melukis potret orang dari mana-mana umur, jantina dan kewarganegaraan, yang ekspresi muka mereka menunjukkan peredaran masa, dan artis itu juga berharap untuk mencari bukti kekejaman masa pada tubuh wataknya. Antonio mentakrifkan karyanya dengan satu tajuk umum: "Potret diri", kerana dalam lukisan pensilnya dia bukan sahaja menggambarkan seseorang, tetapi membolehkan penonton merenungkan hasil sebenar peredaran masa di dalam seseorang.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni ialah seorang artis Itali berusia 37 tahun, anak kepada seorang diplomat. Dia mempunyai tiga orang anak. Dua belas tahun dia tinggal di Rom, tiga tahun di England dan Perancis. Menerima ijazah dalam sejarah seni dari BD School of Art. Kemudian dia menerima diploma dalam pemulih khusus karya seni. Sebelum menemui panggilannya dan menumpukan dirinya sepenuhnya untuk melukis, dia bekerja sebagai wartawan, pewarna, pereka, dan pelakon.
Keghairahan Flaminia untuk melukis timbul semasa kanak-kanak. Medium utamanya ialah minyak kerana dia suka "coiffer la pate" dan juga bermain dengan bahan tersebut. Dia mempelajari teknik yang sama dalam karya artis Pascal Torua. Flamininia diilhamkan oleh pakar lukisan yang hebat seperti Balthus, Hopper, dan François Legrand, serta pelbagai pergerakan seni: seni jalanan, realisme Cina, surealisme dan realisme kebangkitan. Artis kegemarannya ialah Caravaggio. Impiannya adalah untuk menemui kuasa terapeutik seni.
Denis Chernov
Denis Chernov berbakat Artis Ukraine, dilahirkan pada tahun 1978 di Sambir, wilayah Lviv, Ukraine. Selepas menamatkan pengajian dari Kharkov sekolah seni pada tahun 1998 dia tinggal di Kharkov, di mana dia kini tinggal dan bekerja. Dia juga belajar di Kharkov akademi negeri reka bentuk dan seni, jabatan grafik, lulus pada tahun 2004.
Dia kerap mengambil bahagian dalam pameran seni, pada masa ini terdapat lebih daripada enam puluh daripada mereka, kedua-dua di Ukraine dan di luar negara. Kebanyakan karya Denis Chernov disimpan dalam koleksi peribadi di Ukraine, Rusia, Itali, England, Sepanyol, Greece, Perancis, Amerika Syarikat, Kanada dan Jepun. Beberapa karya telah dijual di Christie's.
Denis berfungsi dalam pelbagai jenis grafik dan teknik melukis. Lukisan pensel adalah salah satu kaedah lukisan kegemarannya, senarai topik lukisan penselnya juga sangat pelbagai, dia melukis landskap, potret, bogel, gubahan genre, ilustrasi buku, sastera dan pembinaan semula sejarah dan fantasi.
