Italian artist kahit na bago si Leonardo. Renaissance

Sandro Botticelli(Marso 1, 1445 - Mayo 17, 1510) - isang malalim na relihiyoso na tao, nagtrabaho sa lahat ng mga pangunahing simbahan sa Florence at sa Sistine Chapel ng Vatican, ngunit nanatili sa kasaysayan ng sining lalo na bilang ang may-akda ng malalaking format na poetic canvases. sa mga paksang inspirasyon ng klasikal na sinaunang panahon, -- "Spring" at "The Birth of Venus". .

Sa loob ng mahabang panahon, si Botticelli ay nasa anino ng mga higanteng Renaissance na nagtrabaho pagkatapos niya, hanggang sa siya ay nasa kalagitnaan ng ikalabinsiyam siglo na muling natuklasan ng mga British Pre-Raphaelites, na iginagalang ang marupok na linearity at pagiging bago ng tagsibol ng kanyang mga mature na canvases bilang pinakamataas na punto sa pag-unlad ng sining sa mundo.

Ipinanganak sa pamilya ng isang mayamang mamamayan na si Mariano di Vanni Filipepi. nakuha magandang edukasyon. Nag-aral siya ng pagpipinta kasama ang monghe na si Filippo Lippi at pinagtibay mula sa kanya ang pagkahilig sa paglalarawan ng mga makabagbag-damdaming motif, na nagpapakilala sa mga makasaysayang pagpipinta Lippi. Pagkatapos ay nagtrabaho siya para sa sikat na iskultor Verrocchio. Noong 1470 nag-organisa siya ng sarili niyang workshop.

Pinagtibay niya ang subtlety at precision ng mga linya mula sa kanyang pangalawang kapatid, na isang mag-aalahas. Sa loob ng ilang panahon ay nag-aral siya kay Leonardo da Vinci sa workshop ng Verrocchio. Ang orihinal na tampok ng sariling talento ni Botticelli ay ang kanyang pagkahilig sa hindi kapani-paniwala. Isa siya sa mga unang nag-ambag sa sining ng kanyang panahon sinaunang alamat at alegorya, at nagtrabaho nang may espesyal na pagmamahal sa mga paksang mitolohiya. Lalo na kahanga-hanga ang kanyang Venus, na hubad na lumangoy sa dagat sa isang shell, at ang mga diyos ng hangin ay nagbuhos sa kanya ng ulan ng mga rosas, at itinaboy ang shell sa baybayin.

Ang pinakamahusay na paglikha ng Botticelli ay itinuturing na ang mga fresco na sinimulan niya noong 1474 sa Sistine Chapel ng Vatican. Nakumpleto ang maraming mga pagpipinta na kinomisyon ng Medici. Sa partikular, ipininta niya ang banner ni Giuliano Medici, kapatid Lorenzo the Magnificent. Noong 1470-1480s, naging independent genre ang portrait sa gawa ni Botticelli ("Man with a Medal", ca. 1474; "Young Man", 1480s). Naging tanyag si Botticelli sa kanyang maselan na aesthetic na lasa at mga gawa tulad ng The Annunciation (1489-1490), The Abandoned Woman (1495-1500), atbp. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, si Botticelli, tila, ay umalis sa pagpipinta ..

Si Sandro Botticelli ay inilibing sa libingan ng pamilya sa simbahan ng Ognisanti sa Florence. Ayon sa testamento, inilibing siya malapit sa libingan ni Simonetta Vespucci, na siyang pinaka-inspirasyon. magagandang larawan mga master.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(Abril 15, 1452, ang nayon ng Anchiano, malapit sa bayan ng Vinci, malapit sa Florence - Mayo 2, 1519, - ang dakilang artistang Italyano (pintor, iskultor, arkitekto) at siyentipiko (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat, isa ng pinakamalaking kinatawan ng sining Mataas na Renaissance, isang pangunahing halimbawa"unibersal na tao". .

Si Leonardo ay pangunahing kilala sa ating mga kontemporaryo bilang isang artista. Bilang karagdagan, posible na si da Vinci ay maaaring maging isang iskultor: ang mga mananaliksik mula sa Unibersidad ng Perugia - Giancarlo Gentilini at Carlo Sisi - inaangkin na ang ulo ng terracotta na natagpuan nila noong 1990 ay ang tanging sculptural na gawa ni Leonardo da Vinci na bumaba. para sa atin. Gayunpaman, si da Vinci mismo iba't ibang panahon Sa panahon ng kanyang buhay, itinuturing niya ang kanyang sarili bilang isang inhinyero o isang siyentipiko. Ibinigay niya sining wala masyadong oras at medyo mabagal. Samakatuwid, ang artistikong pamana ni Leonardo ay hindi gaanong kalakihan, at ilan sa kanyang mga gawa ang nawala o lubhang napinsala. Gayunpaman, ang kanyang kontribusyon sa kultura ng sining ng mundo ay napakahalaga kahit na laban sa background ng pangkat ng mga henyo na ibinigay ng Italian Renaissance. Salamat sa kanyang trabaho, ang sining ng pagpipinta ay lumipat sa isang qualitatively bagong yugto ng pag-unlad nito. Ang mga artista ng Renaissance na nauna kay Leonardo ay tiyak na tinalikuran ang marami sa mga kumbensyon ng sining ng medieval. Ito ay isang kilusan tungo sa realismo at marami na ang natamo sa pag-aaral ng pananaw, anatomy, higit na kalayaan sa mga pagpapasya sa komposisyon. Ngunit sa mga tuntunin ng kaakit-akit, gumagana sa pintura, ang mga artista ay medyo kumbensyonal at napilitan pa rin. Ang linya sa larawan ay malinaw na nakabalangkas sa paksa, at ang imahe ay may hitsura ng isang pininturahan na guhit. Ang pinaka-kondisyon ay ang landscape, na nilalaro maliit na papel. .

Napagtanto at isinama ni Leonardo ang isang bagong pamamaraan ng pagpipinta. May karapatang lumabo ang linya niya, kasi ganyan ang nakikita namin. Napagtanto niya ang mga phenomena ng liwanag na nakakalat sa hangin at ang hitsura ng sfumato - isang manipis na ulap sa pagitan ng viewer at ang itinatanghal na bagay, na nagpapalambot sa mga contrast ng kulay at mga linya. Bilang isang resulta, ang pagiging totoo sa pagpipinta ay lumipat sa isang qualitatively bagong antas. . renaissance painting botticelli renaissance

Rafael Santi(Marso 28, 1483 - Abril 6, 1520) - ang mahusay na pintor ng Italyano, graphic artist at arkitekto, kinatawan ng Umbrian school ..

Ang anak ng pintor na si Giovanni Santi ay sumailalim sa isang paunang artistikong pagsasanay sa Urbino kasama ang kanyang ama na si Giovanni Santi, ngunit sa murang edad ay napunta siya sa studio natatanging artista Pietro Perugino. Eksakto masining na wika at ang figurativeness ng mga painting ni Perugino, kasama ang kanilang grabitasyon patungo sa simetriko balanseng komposisyon, kalinawan ng spatial na resolusyon at lambot sa paglutas ng kulay at pag-iilaw, ay may pangunahing impluwensya sa paraan ng batang Raphael.

Kinakailangan din na itakda na ang malikhaing istilo ni Raphael ay kasama ang isang synthesis ng mga diskarte at mga natuklasan ng iba pang mga masters. Sa una, umasa si Raphael sa karanasan ng Perugino, sa kalaunan - sa mga natuklasan ni Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Ang mga naunang gawa ("Madonna Conestabile" 1502 - 1503) ay puno ng biyaya, malambot na liriko. Niluwalhati niya ang makalupang pag-iral ng tao, ang pagkakaisa ng espirituwal at pisikal na mga puwersa sa mga kuwadro na gawa ng mga silid ng Vatican (1509-1517), na nakamit ang isang hindi nagkakamali na kahulugan ng proporsyon, ritmo, sukat, pagkakaisa ng kulay, pagkakaisa ng mga pigura at marilag. background ng arkitektura..

Sa Florence, na nakipag-ugnayan sa mga gawa nina Michelangelo at Leonardo, natutunan ni Raphael mula sa kanila ang wastong anatomically na imahe ng katawan ng tao. Sa edad na 25, ang artista ay nagtatapos sa Roma, at mula sa sandaling iyon ay nagsisimula ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang trabaho: gumaganap siya ng mga monumental na pagpipinta sa Vatican Palace (1509--1511), na kung saan ay ang hindi mapag-aalinlanganang obra maestra ng ang master - isang fresco " paaralan ng Athenian”, nagsusulat ng mga komposisyon ng altar at mga pagpipinta ng easel, na nakikilala sa pamamagitan ng maayos na disenyo at pagpapatupad, ay gumagana bilang isang arkitekto (sa ilang oras ay pinangangasiwaan pa ni Raphael ang pagtatayo ng St. Peter's Cathedral). Sa walang pagod na paghahanap para sa kanyang ideal, na katawanin para sa artist sa imahe ng Madonna, nilikha niya ang kanyang pinaka perpektong nilikha - ang "Sistine Madonna" (1513), isang simbolo ng pagiging ina at pagtanggi sa sarili. Ang mga kuwadro na gawa at mural ni Raphael ay kinilala ng mga kontemporaryo, at hindi nagtagal ay naging si Santi gitnang pigura masining na buhay Roma. Maraming marangal na tao ng Italya ang gustong magpakasal sa artista, kasama na malapit na kaibigan Raphael Cardinal Bibbiena. Namatay ang artista sa edad na tatlumpu't pito mula sa pagkabigo sa puso. Ang hindi natapos na mga pintura ng Villa Farnesina, ang Vatican Loggias at iba pang mga gawa ay natapos ng mga mag-aaral ni Raphael ayon sa kanyang mga sketch at mga guhit.

Isa sa pinakamalaking kinatawan ng sining ng High Renaissance, na ang mga kuwadro ay nailalarawan sa pamamagitan ng binibigyang diin na balanse at pagkakaisa ng kabuuan, ang balanse ng komposisyon, ang sinusukat na ritmo at ang pinong paggamit ng mga posibilidad ng kulay. Ang hindi nagkakamali na utos ng linya at ang kakayahang gawing pangkalahatan at i-highlight ang pangunahing bagay na ginawa ni Raphael na isa sa mga pinakatanyag na masters ng pagguhit sa lahat ng oras. Ang pamana ni Raphael ay nagsilbing isa sa mga haligi sa proseso ng pagbuo ng akademikong Europeo. Ang mga tagasunod ng klasisismo - ang magkapatid na Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov at marami pang ibang artista - ay pinuri ang pamana ni Raphael bilang ang pinakaperpektong kababalaghan sa sining ng mundo.

Titian Vecellio(1476/1477 o 1480s-1576) - pintor ng Italian Renaissance. Ang pangalan ng Titian ay kapareho ng mga artistang Renaissance gaya nina Michelangelo, Leonardo da Vinci at Raphael. Si Titian ay nagpinta ng mga larawan sa bibliya at mga paksang mitolohiya Siya ay naging tanyag bilang isang pintor ng larawan. Siya ay inatasan ng mga hari at papa, kardinal, duke at prinsipe. Wala pang tatlumpung taong gulang si Titian nang kinilala siya bilang pinakamahusay na pintor sa Venice.

Mula sa kanyang lugar ng kapanganakan (Pieve di Cadore sa lalawigan ng Belluno), kung minsan ay tinatawag siyang da Cadore; kilala rin bilang Titian the Divine.

Si Titian ay ipinanganak sa pamilya ni Gregorio Vecellio, isang estadista at pigura ng militar. Sa edad na sampu, ipinadala siya kasama ang kanyang kapatid sa Venice upang pag-aralan ang sikat na mosaicist na si Sebastian Zuccato. Pagkalipas ng ilang taon, pumasok siya sa studio ni Giovanni Bellini bilang isang baguhan. Nag-aral siya kay Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) at ilang iba pang artista na kalaunan ay sumikat.

Noong 1518, ipininta ni Titian ang larawang "The Ascension of the Mother of God", noong 1515 - Salome kasama ang ulo ni Juan Bautista. Mula 1519 hanggang 1526 ay nagpinta siya ng ilang mga altar, kabilang ang altar ng pamilya Pesaro.

Nabuhay si Titian mahabang buhay. Hanggang sa mga huling araw ay hindi siya tumigil sa pagtatrabaho. Aking huling larawan, "Lamentation of Christ", isinulat ni Titian para sa kanyang sariling lapida. Namatay ang artista sa salot sa Venice noong Agosto 27, 1576, na nakuha ang sakit mula sa kanyang anak habang inaalagaan siya.

Ipinatawag ni Emperador Charles V si Titian sa kanyang sarili at pinalibutan siya ng karangalan at paggalang at sinabi ng higit sa isang beses: "Maaari akong lumikha ng isang duke, ngunit saan ako makakakuha ng pangalawang Titian." Nang isang araw ay ibinaba ng pintor ang kanyang brush, pinulot ito ni Charles V at sinabi: "Karangal na paglingkuran si Titian kahit sa emperador." Parehong inimbitahan ng mga haring Espanyol at Pranses si Titian sa kanilang lugar, upang manirahan sa korte, ngunit ang pintor, matapos makumpleto ang mga utos, ay palaging bumalik sa kanyang katutubong Venice.Ang isang bunganga sa Mercury ay pinangalanan bilang parangal kay Titian. .

Ang mga tao sa Europa ay naghangad na buhayin ang mga kayamanan at tradisyon na nawala dahil sa walang katapusang mga digmaang pagpuksa. Inalis ng mga digmaan ang mga tao sa balat ng lupa, at ang mga dakilang bagay na nilikha ng mga tao. ideya na muling buhayin mataas na kabihasnan sinaunang mundo nagbigay-buhay sa pilosopiya, panitikan, musika, pag-usbong ng mga natural na agham at, higit sa lahat, ang pag-usbong ng sining. Ang panahon ay humingi ng malakas, edukadong mga tao na hindi natatakot sa anumang gawain. Sa gitna nila naging posible ang paglitaw ng ilang mga henyo na tinatawag na "titans of the Renaissance". Yung tinatawag lang natin sa pangalan nila.

Pangunahing Italyano ang Renaissance. Samakatuwid, hindi kataka-taka na sa Italya na ang sining sa panahong ito ay umabot sa pinakamataas na pagtaas at pag-unlad nito. Narito na mayroong dose-dosenang mga pangalan ng mga titans, henyo, mahusay at simpleng mahuhusay na artista.

MUSIKA LEONARDO.

Napakaswerteng tao! maraming magsasabi tungkol sa kanya. Siya ay pinagkalooban ng bihirang kalusugan, guwapo, matangkad, asul ang mata. Sa kanyang kabataan ay nagsuot siya ng mga blond curl, na may mapagmataas na tangkad na nakapagpapaalaala sa St. George ni Donatella. Siya ay nagtataglay ng hindi pa naririnig at matapang na lakas, kagalingan ng lalaki. Kahanga-hanga siyang kumanta, sa harap ng mga manonood ay gumawa siya ng mga himig at tula. nilalaro sa anumang instrumentong pangmusika Bukod dito, siya mismo ang lumikha sa kanila.

Para sa sining ni Leonardo da Vinci, ang mga kontemporaryo at mga inapo ay hindi nakahanap ng iba pang mga kahulugan maliban sa "makikinang", "banal", "mahusay". Ang parehong mga salita ay nalalapat sa kanyang pang-agham na paghahayag: nag-imbento siya ng isang tangke, isang excavator, isang helicopter, isang submarino, isang parasyut, isang awtomatikong sandata, isang diving helmet, isang elevator, nalutas ang pinakamahirap na problema ng acoustics, botany, gamot, cosmography , lumikha ng isang proyekto para sa isang bilog na teatro, ay dumating sa isang siglo na mas maaga kaysa sa Galileo, ang clock pendulum, iginuhit ang kasalukuyang water skiing, binuo ang teorya ng mekanika.

Napakaswerteng tao! - marami ang magsasabi tungkol sa kanya at magsisimulang maalala ang kanyang minamahal na mga prinsipe at hari, na naghahanap ng mga kakilala sa kanya, mga salamin sa mata at pista opisyal na naimbento niya bilang isang artista, manunulat ng dulang, aktor, arkitekto, at nagsaya sa kanila tulad ng isang bata.

Gayunpaman, masaya ba ang walang kapagurang mahabang-atay na si Leonardo, na araw-araw ay nagbigay sa mga tao at sa daigdig ng pangangalaga at kaunawaan? Nakita niya ang kakila-kilabot na kapalaran ng kanyang mga nilikha: ang pagkawasak ng "Huling Hapunan", ang pagbaril ng monumento kay Francesca Sforza, mababang kalakalan at masamang pagnanakaw ng kanyang mga talaarawan, mga workbook. Sa kabuuan, labing-anim na pagpipinta lamang ang nakaligtas hanggang ngayon. Ilang mga eskultura. Ngunit maraming mga guhit, naka-encode na mga guhit: tulad ng mga bayani ng modernong science fiction, binago niya ang detalye sa kanyang disenyo, na para bang hindi ito magagamit ng iba.

Nagtrabaho si Leonardo da Vinci iba't ibang uri at mga genre ng sining, gayunpaman pinakadakilang kaluwalhatian dinalhan siya ng painting.

Isa sa mga pinakaunang painting ni Leonardo ay ang Madonna with a Flower o Benois Madonna. Naririto na ang artista bilang isang tunay na innovator. Lumalampas siya sa mga hangganan tradisyonal na balangkas at binibigyan ang imahe ng isang mas malawak, unibersal na kahulugan, na kagalakan at pagmamahal ng ina. Sa gawaing ito, maraming mga tampok ng sining ng artist ang malinaw na ipinakita: isang malinaw na komposisyon ng mga figure at dami ng mga form, ang pagnanais para sa conciseness at generalization, sikolohikal na pagpapahayag.

Ang pagpipinta na "Madonna Litta" ay isang pagpapatuloy ng nasimulang paksa, kung saan ang isa pang tampok ng gawa ng artist ay malinaw na ipinakita - ang paglalaro sa mga kaibahan. Ang tema ay nakumpleto sa pagpipinta na "Madonna sa Grotto", na minarkahan ang perpektong solusyon sa komposisyon, salamat sa kung saan ang mga itinatanghal na pigura ng Madonna, Kristo at mga anghel ay pinagsama sa landscape sa isang solong kabuuan, na pinagkalooban ng kalmado na balanse at pagkakaisa.

Isa sa mga tuktok ng gawa ni Leonardo ay ang Huling Hapunan fresco sa refectory ng monasteryo ng Santa Maria Della Grazie. Ang gawaing ito ay hindi lamang humahanga pangkalahatang komposisyon ngunit pati na rin ang katumpakan. Hindi lamang ipinarating ni Leonardo sikolohikal na kalagayan mga apostol, ngunit ginagawa ito sa sandaling ito ay umabot sa isang kritikal na punto, nagiging isang sikolohikal na pagsabog at tunggalian. Ang pagsabog na ito ay sanhi ng mga salita ni Kristo: "Ipagkakanulo ako ng isa sa inyo." Sa gawaing ito, ganap na ginamit ni Leonardo ang paraan ng konkretong pagkakatugma ng mga pigura, salamat sa kung saan lumilitaw ang bawat karakter bilang isang natatanging indibidwal at personalidad.

Ang pangalawang tuktok ng gawa ni Leonard ay ang sikat na larawan ng Mona Lisa, o "La Gioconda". Ang gawaing ito ay naglatag ng pundasyon para sa genre ng sikolohikal na larawan sa sining ng Europa. Sa paglikha nito, mahusay na ginamit ng mahusay na master ang buong arsenal ng mga tool masining na pagpapahayag: matalim na kaibahan at malambot na tono, nagyelo na kawalang-kilos at pangkalahatang pagkalikido at pabagu-bago, ang pinakamadaling sikolohikal na mga nuances at mga transition. Ang buong henyo ni Leonardo ay nakasalalay sa kamangha-manghang buhay na buhay na hitsura ni Mona Lisa, ang kanyang misteryoso at misteryosong ngiti, mystical haze na sumasakop sa landscape. Ang gawaing ito ay isa sa mga pinakabihirang obra maestra ng sining.

Ang lahat na nakakita ng Gioconda na dinala mula sa Louvre sa Moscow ay naaalala ang mga minuto ng kanilang kumpletong pagkabingi malapit sa maliit na canvas na ito, ang pag-igting ng lahat ng pinakamahusay sa sarili. Si Gioconda ay tila isang "Martian", isang kinatawan ng hindi kilalang - ito ay dapat na hinaharap, at hindi ang nakaraan ng tribo ng tao, ang sagisag ng pagkakaisa, na hindi napapagod ng mundo at hindi mapapagod sa pangangarap tungkol sa. .

Marami pang masasabi tungkol sa kanya. Nagulat na hindi ito fiction o pantasya. Dito, halimbawa, maaalala natin kung paano niya iminungkahi na ilipat ang Katedral ng San Giovanni - ang gayong gawain ay humahanga sa amin, ang mga naninirahan sa ikadalawampu siglo.

Sinabi ni Leonardo: "Ang isang mahusay na pintor ay dapat na makapagpinta ng dalawang pangunahing bagay: isang tao at isang representasyon ng kanyang kaluluwa. O ito ba ay sinabi tungkol sa "Columbine" mula sa St. Petersburg Hermitage? Tinatawag ito ng ilang mananaliksik, at hindi ang Louvre canvas, "La Gioconda".

Ang batang si Nardo, iyon ang kanyang pangalan sa Vinci: ang iligal na anak ng isang notary clerk, na itinuturing na mga ibon at kabayo ang pinakamahusay na mga nilalang sa Earth. Minamahal ng lahat at nag-iisa, nagbaluktot ng mga espadang bakal at nagguhit ng mga binitay na lalaki. Nag-imbento ng tulay sa buong Bosphorus at isang perpektong lungsod, na mas maganda kaysa sa Corbusier at Niemeyer. Kumanta sa mahinang baritonong boses at napangiti si Mona Lisa. Sa isa sa huling mga notebook ang masuwerteng lalaking ito ay sumulat: "Para sa akin ay natututo akong mabuhay, ngunit natututo akong mamatay." Gayunpaman, pagkatapos ay ibinubuod niya ito: "Ang isang buhay na maayos ay isang mahabang buhay."

Posible bang hindi sumang-ayon kay Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Si Sandro Botticelli ay ipinanganak sa Florence noong 1445 sa pamilya ng isang leather tanner.

Ang unang orihinal na gawa ni Botticelli ay itinuturing na The Adoration of the Magi (circa 1740), kung saan ang pangunahing pag-aari ng kanyang orihinal na paraan, pagiging mapangarapin at banayad na tula, ay lubos na naapektuhan. Siya ay binigyan ng likas na kahulugan ng tula, ngunit isang malinaw na dampi ng mapagnilay-nilay na kalungkutan ang literal na lumiwanag sa kanya sa lahat ng bagay. Maging si Saint Sebastian, na pinahihirapan ng mga palaso ng kanyang mga nagpapahirap, ay tinitingnan siya nang may pag-iisip at hiwalay.

Noong huling bahagi ng 1470s, naging malapit si Botticelli sa bilog ng de facto na pinuno ng Florence. Lorenzo Medici tinatawag na Magnificent. Sa mararangyang hardin ng Lorenzo, nagtipon ang isang lipunan ng mga tao, marahil ang pinakanaliwanagan at may talento sa Florence. May mga pilosopo, makata, musikero. Isang kapaligiran ng paghanga sa kagandahan ang naghari, at hindi lamang ang kagandahan ng sining, kundi pati na rin ang kagandahan ng buhay ay pinahahalagahan. Ang sinaunang panahon, na napansin, gayunpaman, sa pamamagitan ng prisma ng mga huling pilosopiko na layer, ay itinuturing na prototype ng perpektong sining at perpektong buhay. Walang alinlangan, sa ilalim ng impluwensya ng kapaligirang ito, ang unang malaking pagpipinta ni Botticelli "Primavera (Spring)" ay nilikha. Ito ay parang panaginip, pino, kahanga-hangang magandang alegorya ng walang hanggang cycle, ang patuloy na pagpapanibago ng kalikasan. Ito ay tinatagusan ng pinaka kumplikado at kakaiba ritmo ng musika. Ang pigura ni Flora, na pinalamutian ng mga bulaklak, mga biyayang sumasayaw sa Hardin ng Eden, ay mga larawan ng kagandahan na hindi pa nakikita noong panahong iyon at samakatuwid ay gumawa ng isang partikular na nakakabighaning impresyon. Ang batang Botticelli ay agad na kumuha ng isang kilalang lugar sa mga masters ng kanyang panahon.

Ang mataas na reputasyon ng batang pintor ang nagbigay sa kanya ng order para sa mga biblikal na fresco para sa Vatican Sistine Chapel, na nilikha niya noong unang bahagi ng 1480s sa Roma. Ipininta niya ang "Mga Eksena mula sa Buhay ni Moses", "Ang Parusa kay Korah, Dathan at Aviron", na nagpapakita ng kamangha-manghang kasanayan sa komposisyon. Ang klasikal na kalmado ng mga sinaunang gusali, kung saan ibinukas ni Botticelli ang aksyon, ay lubos na naiiba sa dramatikong ritmo ng mga itinatanghal na karakter at hilig; ang paggalaw ng mga katawan ng tao ay kumplikado, masalimuot, puspos ng kapangyarihan ng paputok; lumilikha ng impresyon ng nanginginig na pagkakaisa, kawalan ng pagtatanggol nakikitang mundo bago ang mabilis na pagsalakay ng panahon at kalooban ng tao. Ang mga fresco ng Sistine Chapel sa unang pagkakataon ay nagpahayag ng matinding pagkabalisa na nabuhay sa kaluluwa ni Botticelli, na lumakas sa paglipas ng panahon. Ang kamangha-manghang talento ni Botticelli bilang isang pintor ng portrait ay makikita sa mga fresco na ito: ang bawat isa sa maraming pininturahan na mga mukha ay ganap na orihinal, natatangi at hindi malilimutan ...

Noong 1480s, bumalik sa Florence, nagpatuloy si Botticelli sa pagtatrabaho nang walang pagod, ngunit ang matahimik na kalinawan ng "Mga Halimbawa" ay nasa likod na. Sa kalagitnaan ng dekada isinulat niya ang kanyang sikat na The Birth of Venus. Napansin ng mga mananaliksik sa mga huling gawa ng master ang isang moralismo, isang relihiyosong kadakilaan na hindi karaniwan para sa kanya noon.

Marahil na mas makabuluhan kaysa sa huli na pagpipinta, ang mga guhit ni Botticelli noong 90s ay mga ilustrasyon para sa " Divine Comedy» Dante. Siya ay nagpinta nang may halata at hindi mapagkunwari na kasiyahan; ang mga pangitain ng dakilang makata ay mapagmahal at maingat na inihahatid sa pamamagitan ng pagiging perpekto ng mga proporsyon ng maraming mga pigura, ang maalalahanin na organisasyon ng espasyo, ang hindi mauubos na kapamaraanan sa paghahanap ng mga visual na katumbas ng patula na salita...

Sa kabila ng anumang mga bagyo at krisis sa pag-iisip, si Botticelli hanggang sa pinakadulo (namatay siya noong 1510) ay nanatiling isang mahusay na artista, ang master ng kanyang sining. Ito ay malinaw na pinatunayan ng marangal na paglililok ng mukha sa "Portrait binata”, isang nagpapahayag na katangian ng modelo, na walang pag-aalinlangan tungkol sa kanyang mataas na dignidad bilang tao, sa solidong pagguhit ng master at sa kanyang mabait na hitsura.

Para sa mga Europeo, natapos ang panahon ng madilim na Middle Ages, na sinundan ng Renaissance. Pinayagan nitong buhayin ang halos nawala na pamana ng Antiquity at lumikha ng mahusay na mga gawa ng sining. Isang mahalagang papel sa pag-unlad ng sangkatauhan ang ginampanan ng mga siyentipiko ng Renaissance.

Paradigm

Ang krisis at ang pagkawasak ng Byzantium ay humantong sa paglitaw sa Europa ng libu-libong mga Kristiyanong emigrante na nagdala ng mga libro sa kanila. Sa mga manuskrito ay nakolekta ang kaalaman sa sinaunang panahon, kalahating nakalimutan sa kanluran ng kontinente. Sila ang naging batayan ng humanismo, na naglalagay sa tao, sa kanyang mga ideya at sa pagnanais ng kalayaan sa unahan. Sa paglipas ng panahon, sa mga lungsod kung saan tumaas ang papel ng mga banker, artisan, mangangalakal at manggagawa, nagsimulang lumitaw ang mga sekular na sentro ng agham at edukasyon, na hindi lamang nasa ilalim ng pamamahala ng Simbahang Katoliko, ngunit madalas ding nakipaglaban sa diktadura nito.

Pagpinta ni Giotto (Renaissance)

Ang mga artista sa Middle Ages ay lumikha ng mga gawa na nakararami sa relihiyong nilalaman. Sa partikular, matagal na panahon Ang pangunahing genre ng pagpipinta ay iconography. Si Giotto di Bondone, na itinuturing na pioneer ng Proto-Renaissance, ay ang unang nagpasya na gumuhit ng mga ordinaryong tao sa kanyang mga canvases, gayundin na talikuran ang canonical na paraan ng pagsulat na likas sa paaralan ng Byzantine. Sa mga fresco ng simbahan ng San Francesco, na matatagpuan sa lungsod ng Assisi, ginamit niya ang paglalaro ng chiaroscuro at lumayo sa pangkalahatang tinatanggap na istrukturang komposisyon. Gayunpaman, ang pangunahing obra maestra ni Giotto ay ang pagpipinta ng Arena Chapel sa Padua. Kapansin-pansin, kaagad pagkatapos ng utos na ito, tinawag ang artista upang palamutihan ang bulwagan ng lungsod. Sa paggawa sa isa sa mga pagpipinta, upang makamit ang pinakadakilang pagiging maaasahan sa imahe ng "makalangit na tanda", kumunsulta si Giotto sa astronomer na si Pietro d'Abano. Kaya, salamat sa artist na ito, ang pagpipinta ay tumigil sa paglalarawan ng mga tao, bagay at natural na phenomena ayon sa ilang mga canon at naging mas makatotohanan.

Leonardo da Vinci

Maraming mga pigura ng Renaissance ang may maraming nalalaman na talento. Gayunpaman, wala sa mga ito ang maikukumpara sa versatility nito kay Leonardo da Vinci. Ipinakita niya ang kanyang sarili bilang natatanging pintor, arkitekto, iskultor, anatomista, naturalista at inhinyero.

Noong 1466, nagpunta si Leonardo da Vinci upang mag-aral sa Florence, kung saan, bilang karagdagan sa pagpipinta, nag-aral siya ng kimika at pagguhit, at nakakuha din ng mga kasanayan sa pagtatrabaho sa metal, katad at plaster.

Ang mga unang kaakit-akit na canvases ng artist ay nakilala siya sa kanyang mga kasama sa tindahan. Sa kanyang mahaba, sa panahong iyon, 68-taong buhay, nilikha ni Leonardo da Vinci ang mga obra maestra gaya ni Mona Lisa, John the Baptist, Lady with an Ermine, Ang huling Hapunan"at iba pa.

Tulad ng iba pang mga kilalang figure ng Renaissance, ang artist ay interesado sa agham at engineering. Sa partikular, alam na ang gulong na lock ng pistol na naimbento niya ay ginamit hanggang sa ika-19 na siglo. Bilang karagdagan, si Leonardo da Vinci ay lumikha ng mga guhit ng isang parasyut, isang sasakyang panghimpapawid, isang searchlight, isang spotting scope na may dalawang lente, atbp.

Michelangelo

Kapag tinalakay ang tanong kung ano ang ibinigay ng mga figure ng Renaissance sa mundo, ang listahan ng kanilang mga nagawa ay kinakailangang naglalaman ng mga gawa ng natitirang arkitekto, pintor at iskultor na ito.

Kabilang sa mga pinakatanyag na likha ni Michelangelo Buonarroti ay ang mga fresco ng kisame ng Sistine Chapel, ang estatwa ni David, ang eskultura ni Bacchus, ang marmol na estatwa ng Madonna ng Bruges, pagpipinta"The Torment of St. Anthony" at marami pang ibang obra maestra ng sining sa mundo.

Rafael Santi

Ang artista ay ipinanganak noong 1483 at nabuhay lamang ng 37 taon. Gayunpaman, ang mahusay na pamana ni Rafael Santi ay naglalagay sa kanya sa mga unang linya ng anumang simbolikong rating ng "Mga Natitirang Figure ng Renaissance."

Kabilang sa mga obra maestra ng artist ay ang "Coronation of Mary" para sa Oddi altar, "Portrait of Pietro Bembo", "Lady with a Unicorn", maraming fresco na kinomisyon para sa Stanza della Senyatura, atbp.

Ang tugatog ng gawa ni Raphael ay itinuturing na " Sistine Madonna”, na nilikha para sa altar ng simbahan ng monasteryo ng St. Sixtus sa Piacenza. Ang larawang ito ay gumagawa ng hindi malilimutang impresyon sa sinumang nakakakita nito, dahil inilarawan ito ni Maria sa isang hindi maintindihan na paraan na pinagsasama ang makalupang at makalangit na mga diwa ng Ina ng Diyos.

Albrecht Dürer

Ang mga sikat na pigura ng Renaissance ay hindi lamang mga Italyano. Kabilang sa mga ito ay din pintor ng Aleman at ang mang-uukit na si Albrecht Dürer, na ipinanganak sa Nuremberg noong 1471. Ang kanyang pinaka makabuluhang mga gawa ay ang "Landauer Altarpiece", isang self-portrait (1500), ang pagpipinta na "Feast of the Rose Wreaths", tatlong "Master Engravings". Ang huli ay itinuturing na mga obra maestra sining ng grapiko lahat ng panahon at mga tao.

Titian

Ang mga dakilang pigura ng Renaissance sa larangan ng pagpipinta ay nag-iwan sa atin ng mga larawan ng kanilang mga pinakatanyag na kontemporaryo. Isa sa mga nangungunang pintor ng larawan sa panahong ito sining ng Europa ay si Titian, nagmula sa kilalang pamilya ni Vecellio. Na-immortal niya sa canvas sina Federico Gonzaga, Charles V, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, arkitekto Giulio Romano at marami pang iba. Bilang karagdagan, ang kanyang mga brush ay nabibilang sa mga canvases sa mga paksa mula sa sinaunang mitolohiya. Kung gaano kataas ang pagpapahalaga sa artista ng kanyang mga kontemporaryo ay pinatunayan ng katotohanan na sa sandaling ang brush na nahulog mula sa mga kamay ni Titian ay nagmamadaling kunin ang emperador na si Charles V. Ipinaliwanag ng monarko ang kanyang pagkilos sa pagsasabing ang paglilingkod sa gayong amo ay isang karangalan. para kahit kanino.

Sandro Botticelli

Ang artista ay ipinanganak noong 1445. Sa una, siya ay magiging isang mag-aalahas, ngunit pagkatapos ay pumasok siya sa pagawaan ni Andrea Verrocchio, kung saan nag-aral si Leonardo da Vinci. Kasama ng mga gawa ng mga relihiyosong tema, ang artist ay lumikha ng ilang mga pagpipinta ng sekular na nilalaman. Kasama sa mga obra maestra ng Botticelli ang mga kuwadro na "The Birth of Venus", "Spring", "Pallas and the Centaur" at marami pang iba.

Dante Alighieri

Ang mga dakilang pigura ng Renaissance ay nag-iwan ng kanilang hindi maalis na marka sa panitikan ng mundo. Isa sa mga pinakakilalang makata sa panahong ito ay si Dante Alighieri, na ipinanganak noong 1265 sa Florence. Sa edad na 37, pinalayas siya sa kanyang bayan dahil sa kanyang pananaw sa pulitika at gumala hanggang sa mga huling taon ng kanyang buhay.

Bilang isang bata, umibig si Dante sa kanyang kapantay na si Beatrice Portinari. Lumaki, nagpakasal ang babae sa isa pa at namatay sa edad na 24. Si Beatrice ay naging muse ng makata, at sa kanya niya inialay ang kanyang mga gawa, kasama ang kuwento " Bagong buhay". Noong 1306, sinimulan ni Dante na lumikha ng kanyang "Banal na Komedya", kung saan siya ay nagtatrabaho nang halos 15 taon. Dito, inilalantad niya ang mga bisyo ng lipunang Italyano, ang mga krimen ng mga papa at kardinal, at inilalagay ang kanyang Beatrice sa "paraiso".

William Shakespeare

Kahit na ang mga ideya ng Renaissance ay nakarating sa British Isles na may ilang pagkaantala, ang mga natatanging gawa ng sining ay nilikha din doon.

Sa partikular, ang isa sa pinakasikat na manunulat ng dula sa kasaysayan ng sangkatauhan, si William Shakespeare, ay nagtrabaho sa England. Sa loob ng higit sa 500 taon, ang kanyang mga dula ay hindi umalis sa entablado ng teatro sa lahat ng sulok ng planeta. Isinulat niya ang trahedya na "Othello", "Romeo and Juliet", "Hamlet", "Macbeth", gayundin ang mga komedya na "Twelfth Night", "Much Ado About Nothing" at marami pang iba. Bilang karagdagan, kilala si Shakespeare sa kanyang mga sonnet na nakatuon sa misteryosong Swarthy Lady.

Leon Battista Alberti

Nag-ambag din ang Renaissance sa pagbabago sa hitsura ng mga lungsod sa Europa. Sa panahong ito, mahusay mga obra maestra sa arkitektura kabilang ang Roman Cathedral ng St. Peter, Laurentian hagdan, Florence Cathedral, atbp Kasama ni Michelangelo, kasama mga sikat na arkitekto Kasama sa panahon ng Renaissance ang sikat na siyentipiko na si Leon Battista Alberti. Gumawa siya ng malaking kontribusyon sa arkitektura, teorya ng sining at panitikan. Kasama rin sa saklaw ng kanyang mga interes ang mga problema ng pedagogy at etika, matematika at kartograpya. Nilikha niya ang isa sa mga unang akdang siyentipiko sa arkitektura, na pinamagatang "Sampung Aklat sa Arkitektura". Malaki ang epekto ng gawaing ito sa mga sumunod na henerasyon ng kanyang mga kasamahan.

Ngayon alam mo na ang pinakasikat na mga kultural na pigura ng Renaissance, salamat kung kanino naabot ang sibilisasyon ng tao bagong round ng pag-unlad nito.

Agosto 7, 2014

Ang mga mag-aaral ng mga unibersidad sa sining at mga taong interesado sa kasaysayan ng sining ay alam na sa pagliko ng ika-14 at ika-15 na siglo, isang matalim na pagbabago ang naganap sa pagpipinta - ang Renaissance. Sa paligid ng 1420s, ang lahat ay biglang naging mas mahusay sa pagguhit. Bakit biglang naging makatotohanan at detalyado ang mga imahe, at bakit nagkaroon ng liwanag at volume ang mga painting? Walang sinuman ang nag-isip tungkol dito sa mahabang panahon. Hanggang sa kinuha ni David Hockney ang isang magnifying glass.

Alamin natin kung ano ang nahanap niya...

Isang araw siya ay tumitingin sa mga guhit ni Jean Auguste Dominique Ingres, ang pinuno ng French academic school noong ika-19 na siglo. Naging interesado si Hockney na makita ang kanyang maliliit na guhit sa mas malaking sukat, at pinalaki niya ang mga ito sa isang copier. Iyon ay kung paano siya natisod sa lihim na bahagi ng kasaysayan ng pagpipinta mula noong Renaissance.

Nang makagawa ng mga kopya ng maliliit na (mga 30 sentimetro) na mga guhit ni Ingres, namangha si Hockney sa pagiging makatotohanan ng mga ito. At para rin sa kanya ay may ibig sabihin sa kanya ang mga linya ni Ingres.
paalalahanan. Lumalabas na ipinaalala nila sa kanya ang gawain ng Warhol. At ginawa ito ni Warhol - nag-project siya ng isang larawan sa isang canvas at binalangkas ito.

Kaliwa: detalye ng pagguhit ng Ingres. Kanan: Pagguhit ni Mao Zedong Warhol

Mga kawili-wiling kaso, sabi ni Hockney. Malamang, ginamit ni Ingres ang Camera Lucida - isang device na isang construction na may prism, na nakakabit, halimbawa, sa isang tablet stand. Kaya, ang artista, na tumitingin sa kanyang pagguhit gamit ang isang mata, ay nakikita ang tunay na imahe, at sa isa pa - ang aktwal na pagguhit at ang kanyang kamay. Lumalabas itong optical illusion, na nagbibigay-daan sa iyong tumpak na ilipat ang mga tunay na sukat sa papel. At ito ay tiyak na "garantiya" ng pagiging totoo ng imahe.

Pagguhit ng portrait gamit ang lucida camera, 1807

Pagkatapos ay si Hockney ay naging seryosong interesado sa ganitong "optical" na uri ng mga guhit at pagpipinta. Sa kanyang studio, siya, kasama ang kanyang koponan, ay nag-hang ng daan-daang mga reproduksyon ng mga pagpipinta na nilikha sa loob ng maraming siglo sa mga dingding. Mga gawang mukhang "totoo" at yaong hindi. Inayos ayon sa oras ng paglikha, at mga rehiyon - hilaga sa itaas, timog sa ibaba, nakita ni Hockney at ng kanyang koponan ang isang matalim na pagbabago sa pagpipinta sa pagliko ng ika-14-15 na siglo. Sa pangkalahatan, alam ng lahat na nakakaalam ng kahit kaunti tungkol sa kasaysayan ng sining - ang Renaissance.

Baka pareho silang camera-lucida? Ito ay patented noong 1807 ni William Hyde Wollaston. Bagaman, sa katunayan, ang gayong aparato ay inilarawan ni Johannes Kepler noong 1611 sa kanyang gawaing Dioptrice. At baka gumamit sila ng isa pang optical device - isang camera obscura? Pagkatapos ng lahat, ito ay kilala mula pa noong panahon ni Aristotle at ito ay isang madilim na silid kung saan ang liwanag ay pumapasok sa isang maliit na butas at sa gayon sa isang madilim na silid ang isang projection ng kung ano ang nasa harap ng butas, ngunit nakabaligtad, ay nakuha. Magiging maayos ang lahat, ngunit ang imahe na nakuha kapag nag-project ng isang pinhole camera na walang lens, upang ilagay ito nang mahinahon, ay hindi mataas ang kalidad, hindi ito malinaw, nangangailangan ito ng maraming maliwanag na ilaw, hindi banggitin ang mga sukat ng projection. Ngunit ang mataas na kalidad na mga lente ay halos imposibleng gawin hanggang sa ika-16 na siglo, dahil walang paraan upang makagawa ng gayong mataas na kalidad na salamin sa oras na iyon. Mga bagay, naisip ni Hockney, na noon ay nahihirapan na sa problema sa physicist na si Charles Falco.

Gayunpaman, mayroong isang pagpipinta ni Jan van Eyck, isang master mula sa Bruges, isang Flemish na pintor ng panahon. maagang muling pagbabangon, - kung saan nakatago ang pahiwatig. Ang pagpipinta ay tinatawag na "Portrait of the Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Portrait of the Arnolfini" 1434

Ang larawan ay kumikinang lamang na may malaking halaga ng detalye, na medyo kawili-wili, dahil ito ay ipininta lamang noong 1434. At isang pahiwatig tungkol sa kung paano nagawa ng may-akda ang isang malaking hakbang pasulong sa pagiging totoo ng imahe ay ang salamin. At isa ring candlestick - hindi kapani-paniwalang kumplikado at makatotohanan.

Napuno ng kuryusidad si Hockney. Kumuha siya ng kopya ng naturang chandelier at sinubukang iguhit ito. Ang artista ay nahaharap sa katotohanan na ang gayong kumplikadong bagay ay mahirap iguhit sa pananaw. Ang isa pang mahalagang punto ay ang materyalidad ng imahe ng metal na bagay na ito. Kapag naglalarawan ng isang bagay na bakal, napakahalaga na ilagay ang mga highlight nang makatotohanan hangga't maaari, dahil nagbibigay ito ng napakalaking realismo. Ngunit ang problema sa mga highlight na ito ay gumagalaw ang mga ito kapag gumagalaw ang mata ng manonood o ng artist, na nangangahulugang hindi madaling makuha ang mga ito. At isang makatotohanang imahe ng metal at liwanag na nakasisilaw ay din tampok na nakikilala mga kuwadro na gawa ng Renaissance, bago iyon, hindi man lang sinubukan ng mga artista na gawin ito.

Sa pamamagitan ng muling paggawa ng tumpak na 3D na modelo ng chandelier, tiniyak ng koponan ni Hockney na ang chandelier sa The Arnolfini ay iginuhit sa totoong perspektibo na may isang solong puntong nawawala. Ngunit ang problema ay ang mga tumpak na optical na instrumento tulad ng isang camera obscura na may lens ay hindi umiral hanggang mga isang siglo pagkatapos malikha ang pagpipinta.

Fragment ng pagpipinta ni Jan van Eyck "Portrait of the couple Arnolfini" 1434

Ang pinalaki na fragment ay nagpapakita na ang salamin sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini" ay matambok. Kaya may mga salamin sa kabaligtaran - malukong. Higit pa rito, sa mga araw na iyon ang gayong mga salamin ay ginawa sa ganitong paraan - kinuha ang isang globo ng salamin, at ang ilalim nito ay natatakpan ng pilak, pagkatapos ang lahat maliban sa ilalim ay pinutol. Ang likod na bahagi ng salamin ay hindi madilim. Nangangahulugan ito na ang malukong salamin ni Jan van Eyck ay maaaring ang parehong salamin na ipinapakita sa larawan, mula lamang sa likod. At alam ng sinumang physicist kung ano ang isang salamin, kapag naaninag, ito ay nagpapalabas ng isang larawan ng nasasalamin. Ito ay kung saan ang kanyang kaibigan, ang physicist na si Charles Falco, ay tumulong kay David Hockney sa mga kalkulasyon at pananaliksik.

Ang isang malukong na salamin ay nagpapalabas ng imahe ng tore sa labas ng bintana papunta sa canvas.

Ang laki ng malinaw at nakatutok na bahagi ng projection ay humigit-kumulang 30 square centimeters - at ito ay kasinlaki lamang ng mga ulo sa maraming larawan ng Renaissance.

Si Hockney ay nag-sketch ng projection ng isang tao sa canvas

Ito ang laki ng, halimbawa, ang larawan ni Doge Leonardo Loredan ni Giovanni Bellini (1501), ang larawan ng isang lalaki ni Robert Campin (1430), ang sariling larawan ni Jan van Eyck ng isang "man in a red turban" at marami. iba pang mga sinaunang larawang Dutch.

Mga larawan ng Renaissance

Ang pagpipinta ay isang mataas na bayad na trabaho, at siyempre, ang lahat ng mga lihim ng negosyo ay itinatago sa mahigpit na kumpiyansa. Ito ay kapaki-pakinabang para sa artist na ang lahat ng hindi pa nakikilalang mga tao ay naniniwala na ang mga lihim ay nasa mga kamay ng master at hindi maaaring magnakaw. Ang negosyo ay sarado sa mga tagalabas - ang mga artista ay nasa guild, ito rin ay binubuo ng iba't ibang mga manggagawa - mula sa mga gumagawa ng mga saddle hanggang sa mga gumagawa ng mga salamin. At sa Guild of Saint Luke, na itinatag sa Antwerp at unang nabanggit noong 1382 (pagkatapos ay nagbukas ang mga katulad na guild sa maraming hilagang lungsod, at isa sa pinakamalaki ay ang guild sa Bruges - ang lungsod kung saan nanirahan si Van Eyck) mayroon ding mga master, na gumagawa mga salamin.

Kaya muling nilikha ni Hockney ang paraan kung saan maaari kang gumuhit ng isang kumplikadong chandelier mula sa isang pagpipinta ni Van Eyck. Hindi nakakagulat, ang laki ng Hockney-projected chandelier ay eksaktong tumutugma sa laki ng chandelier sa painting na "Portrait of the Arnolfini". At siyempre, ang mga highlight sa metal - sa projection ay nakatayo sila at hindi nagbabago kapag nagbago ang posisyon ng artist.

Ngunit ang problema ay hindi pa rin ganap na nalutas, dahil bago ang hitsura ng mataas na kalidad na optika, na kinakailangan upang magamit ang camera obscura, mayroong 100 taon na natitira, at ang laki ng projection na nakuha sa tulong ng isang salamin ay napakaliit. . Paano magpinta ng mga larawang mas malaki sa 30 square centimeters? Ang mga ito ay nilikha bilang isang collage - mula sa iba't ibang mga punto ng view, ito ay naging isang uri ng spherical vision na may maraming mga nawawalang punto. Napagtanto ito ni Hockney dahil siya mismo ay nakikibahagi sa gayong mga larawan - gumawa siya ng maraming mga collage ng larawan na nakakamit ng eksaktong parehong epekto.

Pagkaraan ng halos isang siglo, noong 1500s, sa wakas ay naging posible na makakuha at maiproseso nang maayos ang salamin - lumitaw ang malalaking lente. At maaari silang sa wakas ay maipasok sa isang camera obscura, ang prinsipyo ng pagpapatakbo nito ay kilala mula noong sinaunang panahon. Ang camera obscura na may lens ay isang hindi kapani-paniwalang rebolusyon sining biswal, dahil ngayon ang projection ay maaaring maging anumang laki. At isa pang bagay, ngayon ang imahe ay hindi "malawak na anggulo", ngunit humigit-kumulang sa isang normal na aspeto - iyon ay, humigit-kumulang pareho sa ngayon kapag kumukuha ng litrato gamit ang isang lens na may focal length na 35-50mm.

Gayunpaman, ang problema sa paggamit ng camera obscura na may lens ay ang direktang projection mula sa lens ay specular. Ito ay humantong sa maraming mga kaliwete sa pagpipinta sa mga unang yugto ng paggamit ng optika. Tulad ng pagpipinta na ito mula sa 1600s mula sa Frans Hals Museum, kung saan sumasayaw ang isang kaliwang kamay na mag-asawa, isang kaliwang kamay na matandang binantaan sila gamit ang isang daliri, at isang kaliwang kamay na unggoy ang tumitingin sa ilalim ng damit ng babae.

Lahat ng nasa larawang ito ay kaliwete.

Ang problema ay malulutas sa pamamagitan ng pag-install ng salamin kung saan ang lens ay nakadirekta, kaya nakuha ang tamang projection. Ngunit tila, ang isang mahusay, pantay at malaking salamin ay nagkakahalaga ng maraming pera, kaya hindi lahat ay mayroon nito.

Ang isa pang isyu ay focus. Ang katotohanan ay ang ilang bahagi ng larawan sa isang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga sinag ng projection ay wala sa focus, hindi malinaw. Sa mga gawa ni Jan Vermeer, kung saan ang paggamit ng optika ay medyo malinaw na nakikita, ang kanyang mga gawa ay karaniwang mukhang mga litrato, maaari mo ring mapansin ang mga lugar na wala sa "focus". Maaari mo ring makita ang pattern na ibinibigay ng lens - ang kilalang "bokeh". Halimbawa dito, sa pagpipinta na "The Milkmaid" (1658), ang basket, ang tinapay sa loob nito at ang asul na plorera ay wala sa pokus. Ngunit ang mata ng tao ay hindi maaaring makakita ng "out of focus".

Wala sa focus ang ilang detalye ng larawan

At sa liwanag ng lahat ng ito, hindi nakakagulat na mabuting kaibigan Si Jan Vermeer ay si Anthony Phillips van Leeuwenhoek, isang scientist at microbiologist, pati na rin ang isang natatanging master na lumikha ng kanyang sariling mga microscope at lens. Ang siyentipiko ay naging posthumous manager ng artist. At ito ay nagpapahiwatig na si Vermeer ay eksaktong inilarawan ang kanyang kaibigan sa dalawang canvases - "Geographer" at "Astronomer".

Upang makita ang anumang bahagi na nakatutok, kailangan mong baguhin ang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray. Ngunit sa kasong ito, lumitaw ang mga error sa proporsyon. Gaya ng nakikita dito: ang malaking balikat ng Anthea ni Parmigianino (circa 1537), ang maliit na ulo ng "Lady Genovese" ni Anthony van Dyck (1626), ang malalaking paa ng isang magsasaka sa isang pagpipinta ni Georges de La Tour.

Mga error sa proporsyon

Siyempre, ang lahat ng mga artista ay gumamit ng mga lente sa iba't ibang paraan. Isang tao para sa mga sketch, isang tao na binubuo mula sa iba't ibang parte- pagkatapos ng lahat, ngayon ay posible na gumawa ng isang portrait, at tapusin ang lahat ng iba pa sa isa pang modelo, o kahit na sa isang mannequin.

Halos wala ng naiwang drawing si Velasquez. Gayunpaman, nanatili ang kanyang obra maestra - isang larawan ni Pope Innocent the 10th (1650). Sa manta ng papa - maliwanag na sutla - magandang laro Sveta. Nakasisilaw. At upang isulat ang lahat ng ito mula sa isang punto ng view, ito ay kinakailangan upang subukan nang husto. Ngunit kung gagawa ka ng isang projection, kung gayon ang lahat ng kagandahang ito ay hindi tatakas kahit saan - ang liwanag na nakasisilaw ay hindi na gumagalaw, maaari kang sumulat nang eksakto sa mga malalawak at mabilis na mga stroke tulad ng kay Velazquez.

Nag-reproduce si Hockney ng painting ni Velasquez

Kasunod nito, maraming mga artista ang kayang bayaran ang camera obscura, at ito ay tumigil na maging isang malaking lihim. Aktibong ginamit ni Canaletto ang camera upang lumikha ng kanyang mga pananaw sa Venice at hindi ito itinago. Ang mga kuwadro na ito, salamat sa kanilang katumpakan, ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang Canaletto bilang isang documentary filmmaker. Salamat sa Canaletto, makikita mo hindi lang magandang larawan kundi pati na rin ang kasaysayan mismo. Makikita mo kung ano ang unang Westminster Bridge sa London noong 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Ang British artist na si Sir Joshua Reynolds ay nagmamay-ari ng isang camera obscura at tila hindi sinabi sa sinuman ang tungkol dito, dahil ang kanyang camera ay nakatiklop at mukhang isang libro. Ngayon ito ay nasa London Science Museum.

Camera obscura na nakabalatkayo bilang isang libro

Sa wakas, sa simula ng ika-19 na siglo, si William Henry Fox Talbot, gamit ang isang lucida camera - ang isa na kailangan mong tingnan sa isang mata at gumuhit gamit ang iyong mga kamay, sinumpa, na nagpasya na ang gayong abala ay dapat na alisin nang isang beses. at para sa lahat, at naging isa sa mga imbentor ng chemical photography, at kalaunan ay isang popularizer na ginawa itong mass.

Sa pag-imbento ng litrato, nawala ang monopolyo ng pagpipinta sa pagiging totoo ng larawan, ngayon ay naging monopolyo na ang larawan. At dito, sa wakas, ang pagpipinta ay napalaya mula sa lens, na nagpatuloy sa landas kung saan ito lumiko noong 1400s, at si Van Gogh ay naging tagapagpauna ng lahat ng sining ng ika-20 siglo.

Kaliwa: Byzantine mosaic mula sa ika-12 siglo. Kanan: Vincent van Gogh "Portrait of Mr. Trabuk" 1889

Ang pag-imbento ng litrato ay ang pinakamagandang bagay na nangyari sa pagpipinta sa buong kasaysayan nito. Hindi na kinakailangan na lumikha ng eksklusibong tunay na mga imahe, naging libre ang artist. Siyempre, inabot ng isang siglo ang publiko upang maabutan ang mga artista sa kanilang pag-unawa sa visual na musika at itigil ang pag-iisip na ang mga taong tulad ni Van Gogh ay "baliw". Kasabay nito, ang mga artista ay nagsimulang aktibong gumamit ng mga larawan bilang " sangguniang materyal". Pagkatapos ay mayroong mga taong tulad ni Wassily Kandinsky, ang Russian avant-garde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Kasunod ng pagpipinta, inilabas ang arkitektura, iskultura at musika. Totoo, ang akademikong paaralan ng pagpipinta ng Russia ay natigil sa oras, at ngayon ay itinuturing pa rin na isang kahihiyan sa mga akademya at paaralan na gumamit ng litrato upang tumulong, at ang purong teknikal na kakayahang gumuhit nang makatotohanan hangga't maaari gamit ang mga kamay ay itinuturing na pinakamataas na tagumpay. .

Salamat sa isang artikulo ng mamamahayag na si Lawrence Weshler, na naroroon sa pananaliksik nina David Hockney at Falco, isa pang kawili-wiling katotohanan: Ang larawan ni Van Eyck ng Arnolfinis ay isang larawan ng isang mangangalakal na Italyano sa Bruges. Si Mr. Arnolfini ay isang Florentine at higit pa rito, siya ay isang kinatawan ng Medici bank (halos ang mga masters ng Renaissance Florence, na itinuturing na mga patron ng sining noong panahong iyon sa Italya). Ano ang sinasabi nito? Ang katotohanan na madali niyang dalhin ang lihim ng Guild of St. Luke - isang salamin - kasama niya, sa Florence, kung saan, tulad ng pinaniniwalaan sa tradisyonal na kasaysayan, at nagsimula ang Renaissance, at ang mga artista mula sa Bruges (at, nang naaayon, iba pang mga master) ay itinuturing na "primitives".

Mayroong maraming kontrobersya na nakapalibot sa teorya ng Hockney-Falco. Ngunit tiyak na may butil ng katotohanan dito. Kung tungkol sa mga kritiko ng sining, kritiko at istoryador, mahirap pa ngang isipin kung gaano karaming mga akdang siyentipiko sa kasaysayan at sining ang talagang naging ganap na kalokohan, ngunit binago nito ang buong kasaysayan ng sining, lahat ng kanilang mga teorya at teksto.

Ang mga katotohanan ng paggamit ng optika ay hindi bababa sa nakakabawas sa mga talento ng mga artista - pagkatapos ng lahat, ang teknolohiya ay isang paraan ng paghahatid ng kung ano ang nais ng artist. At sa kabaligtaran, ang katotohanan na mayroong isang tunay na katotohanan sa mga larawang ito ay nagdaragdag lamang ng bigat sa kanila - pagkatapos ng lahat, ito mismo ang hitsura ng mga tao noong panahong iyon, mga bagay, mga lugar, mga lungsod. Ito ang mga tunay na dokumento.

Ang mga unang nangunguna sa sining ng Renaissance ay lumitaw sa Italya noong ika-14 na siglo. Mga artista sa panahong ito, sina Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) at (pangunahin) Giotto (1267-1337) nang lumikha ng mga kuwadro na gawa ng tradisyonal na mga paksa sa relihiyon, nagsimula silang gumamit ng bago masining na pamamaraan: gusali volumetric na komposisyon, ang paggamit ng landscape sa background, na nagbigay-daan sa kanila na gawing mas makatotohanan, masigla ang mga larawan. Ito ay malinaw na nakikilala ang kanilang trabaho mula sa nakaraang tradisyon ng iconographic, na puno ng mga kombensiyon sa imahe.
Ang termino ay ginagamit upang sumangguni sa kanilang trabaho. Proto-Renaissance (1300s - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Italyano na pintor at arkitekto ng panahon ng Proto-Renaissance. Isa sa mga pangunahing tauhan sa kasaysayan ng Kanluraning sining. Ang pagkakaroon ng pagtagumpayan ang tradisyon ng pagpipinta ng icon ng Byzantine, siya ang naging tunay na tagapagtatag ng paaralan ng pagpipinta ng Italya, na nakabuo ng isang ganap na bagong diskarte sa paglalarawan ng espasyo. Ang mga gawa ni Giotto ay inspirasyon ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Maagang Renaissance (1400s - "Quattrocento").

Sa simula ng ika-15 siglo Filippo Brunelleschi (1377-1446), iskolar at arkitekto ng Florentine.
Nais ni Brunelleschi na gawing mas visual ang pang-unawa sa mga termino at mga sinehan na muling itinayo niya at sinubukang lumikha ng geometrically perspective na mga larawan mula sa kanyang mga plano para sa isang tiyak na punto ng view. Sa mga paghahanap na ito, direktang pananaw.

Pinahintulutan nito ang mga artist na makakuha ng perpektong mga larawan ng three-dimensional na espasyo sa isang patag na canvas ng larawan.

Ang isa pang mahalagang hakbang patungo sa Renaissance ay ang paglitaw ng di-relihiyoso, sekular na sining. Itinatag ng portrait at landscape ang kanilang mga sarili bilang mga independiyenteng genre. Kahit na ang mga relihiyosong paksa ay nakakuha ng ibang interpretasyon - nagsimulang isaalang-alang ng mga artista ng Renaissance ang kanilang mga karakter bilang mga bayani na may malinaw na mga indibidwal na katangian at pagganyak ng tao para sa mga aksyon.

Karamihan mga sikat na artista itong tuldok - Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - ang sikat na pintor ng Italyano, ang pinakamalaking master ng paaralang Florentine, ang repormador ng pagpipinta ng panahon ng Quattrocento.

Fresco. Himala sa stater.

Pagpipinta. pagpapako sa krus.

Fresco. Kasaysayan ng Reyna ng Sheba. Simbahan ng San Francesco sa Arezzo

tagsibol.

Kapanganakan ni Venus.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Artistang Italyano (pintor, eskultor, arkitekto) at siyentipiko (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat.

sariling larawan

Babaeng may ermine. 1490. Czartoryski Museum, Krakow

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Hermitage Museum.

Madonna Benois (Madonna na may bulaklak). 1478-1480

Madonna na may Carnation. 1478

Sa panahon ng kanyang buhay, si Leonardo da Vinci ay gumawa ng libu-libong mga tala at mga guhit sa anatomy, ngunit hindi nai-publish ang kanyang trabaho. Sa pagsasagawa ng autopsy ng mga katawan ng mga tao at hayop, tumpak niyang inihatid ang istraktura ng balangkas at lamang loob kasama ang maliliit na detalye. Ayon sa propesor ng clinical anatomy na si Peter Abrams, gawaing siyentipiko Si da Vinci ay nauna nang 300 taon kaysa sa kanyang panahon at sa maraming paraan ay nalampasan ang sikat na Grey's Anatomy.

Listahan ng mga imbensyon, parehong totoo at naiugnay sa kanya:

parasyut, sakastilyo ng olescovo,bisikleta, tankh, lmagagaan na portable na tulay para sa hukbo, pprojector, saatapult, robot, dvohlenz teleskopyo.

Ang mga pagpinta at eskultura ni Michelangelo Buonarotti ay puno ng mga kabayanihan at, sa parehong oras, isang kalunos-lunos na kahulugan ng krisis ng humanismo. Ang kanyang mga pintura ay niluluwalhati ang lakas at kapangyarihan ng tao, ang kagandahan ng kanyang katawan, habang binibigyang-diin ang kanyang kalungkutan sa mundo.

Ang henyo ni Michelangelo ay nag-iwan ng marka hindi lamang sa sining ng Renaissance, kundi pati na rin sa buong hinaharap kultura ng daigdig. Ang kanyang mga aktibidad ay pangunahing nauugnay sa dalawang lungsod ng Italya - Florence at Roma.

Gayunpaman, napagtanto ng artista ang kanyang pinakadakilang mga plano nang tumpak sa pagpipinta, kung saan kumilos siya bilang isang tunay na innovator ng kulay at anyo.
Sa utos ni Pope Julius II, pininturahan niya ang kisame ng Sistine Chapel (1508-1512), na kumakatawan sa kuwento sa Bibliya mula sa paglikha ng mundo hanggang sa baha at kabilang ang higit sa 300 mga pigura. Noong 1534-1541, sa parehong Sistine Chapel para kay Pope Paul III, ginawa niya ang engrande, dramatikong fresco na The Last Judgment.
Sistine Chapel 3D.

Ang gawain nina Giorgione at Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng isang interes sa landscape, ang poeticization ng balangkas. Ang parehong mga artist ay nakamit ang mahusay na kasanayan sa sining ng portraiture, kung saan sila conveyed karakter at kayamanan. panloob na mundo kanilang mga karakter.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Italian artist, kinatawan paaralan ng Venice pagpipinta.

Natutulog si Venus. 1510

Judith. 1504

Nagpinta si Titian ng mga larawan sa mga paksang biblikal at mitolohiya, naging tanyag siya bilang isang pintor ng larawan. Siya ay inatasan ng mga hari at papa, kardinal, duke at prinsipe. Wala pang tatlumpung taong gulang si Titian nang kinilala siya bilang pinakamahusay na pintor sa Venice.

Self-portrait. 1567

Venus Urbinskaya. 1538

Larawan ni Tommaso Mosti. 1520

Huling Renaissance.
Matapos ang sako ng Roma ng mga tropang imperyal noong 1527, ang Renaissance ng Italya ay pumasok sa isang panahon ng krisis. Nasa trabaho na ng yumaong Raphael, isang bagong artistikong linya ang nakabalangkas, na tinatawag mannerism.
Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga overstretched at putol-putol na mga linya, pahaba o kahit na deformed figure, madalas na hubad, pag-igting at hindi natural na pose, hindi pangkaraniwang o kakaibang mga epekto na nauugnay sa laki, ilaw o pananaw, ang paggamit ng isang caustic chromatic scale, overloaded komposisyon, atbp. unang masters mannerism Parmigianino , Pontormo , Bronzino- nanirahan at nagtrabaho sa korte ng mga duke ng bahay ng Medici sa Florence. Nang maglaon, kumalat ang Mannerist fashion sa buong Italya at higit pa.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "naninirahan sa Parma") (1503-1540,) Italyano na artista at engraver, kinatawan ng mannerism.

Self-portrait. 1540

Larawan ng isang babae. 1530.

Jacopo Robusti, mas kilala bilang Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pintor ng paaralang Venetian ng huling Renaissance.

Ang huling Hapunan. 1592-1594. Simbahan ng San Giorgio Maggiore, Venice.

Kristo sa krus. OK. 1577. Pribadong koleksyon.

Trinidad. 1579 Prado.