Ano ang mga pangalan ng hindi maunawaan na mga larawan. Ang kakaibang mga larawan

2. Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

897-1898, langis sa canvas. 139.1 × 374.6 cm
Museyo sining, Boston

Ang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagtatapos ng trabaho, nais pa niyang magpakamatay, sapagkat naniniwala siya: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang nakahihigit sa lahat ng aking mga nakaraang trabaho, ngunit hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad."

Sa tag-araw ng huling bahagi ng 1980s, maraming mga artista ng Pransya ang nagtipon sa Pont-Aven (Brittany, France). Nagtipon-tipon sila at halos agad na nahati sa dalawang masamang grupo. Ang isa sa mga ito ay nagsama ng mga artista na nagsimula sa landas ng paghahanap at pinag-isa ng isang karaniwang pangalan para sa lahat ng mga "impressionista". Ayon sa pangalawang pangkat, pinangunahan ni Paul Gauguin, mapang-abuso ang pangalang ito. Si P. Gauguin sa oras na iyon ay nasa ilalim na ng apatnapung. Napapaligiran ng mahiwagang halo ng isang manlalakbay na nakaranas ng mga banyagang lupain, nagkaroon siya ng malaki karanasan sa buhay kapwa mga humanga at gumaya sa kanyang trabaho.

Ang parehong mga kampo ay nahahati at nakararami sa kanilang posisyon. Habang ang mga Impressionist ay naninirahan sa attics o attics, ang iba pang mga artista ay sinakop ang pinakamahusay na mga silid ng Gloanek Hotel, kumain sa pinakamalaki at pinakamagandang restaurant hall, kung saan hindi pinapayagan ang mga miyembro ng unang pangkat. Gayunpaman, ang mga pag-aaway sa pagitan ng mga pagpapangkat ay hindi lamang pinigilan si P. Gauguin na gumana, sa kabaligtaran, ngunit sa ilang sukat ay natulungan siya upang mapagtanto ang mga tampok na pumukaw sa kanyang marahas na protesta. Ang pagtanggi sa pamamaraang analitikal ng mga Impressionist ay isang pagpapakita ng kanyang kumpletong pag-isipang muli sa mga gawain ng pagpipinta. Ang pagnanais ng mga Impressionista na makuha ang lahat ng kanilang nakita, ang kanilang napaka-artistikong prinsipyo - na bigyan ang kanilang mga kuwadro na gawa ng isang bagay na hindi sinasadyang ninanuod - ay hindi tumutugma sa hindi masama at masiglang likas na katangian ni P. Gauguin.

Kahit na hindi gaanong nasiyahan sa kanyang teoretikal at masining na pagsasaliksik na si J. Seurat, na naghahangad na mabawasan ang pagpipinta sa malamig, makatuwirang paggamit ng mga siyentipikong pormula at resipe. Ang pamamaraan na pointillistic ni J. Seurat, ang kanyang pamamaraang pag-apply ng pintura na may mga cross stroke ng brush at mga tuldok na inis kay Paul Gauguin sa kanilang monotony.

Ang pananatili ng artista sa Martinique sa gitna ng kalikasan, na sa tingin niya ay isang marangyang, kamangha-manghang karpet, sa wakas ay nakumbinsi si P. Gauguin na gumamit lamang ng hindi kulay na kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa. Kasama niya, ipinahayag ng mga artista na nagbahagi ng kanyang saloobin na "Synthesis" bilang kanilang prinsipyo - iyon ay, isang gawa ng tao na pinasimple ng mga linya, hugis at kulay. Ang layunin ng pagpapasimple na ito ay upang ihatid ang impression ng maximum na intensity ng kulay at upang alisin ang anumang nagpapahina sa naturang impression. Ang pamamaraan na ito ang bumuo ng batayan ng luma pandekorasyon na pagpipinta mga fresko at may basang baso.

Si P. Gauguin ay lubhang interesado sa tanong ng ratio ng kulay at mga kulay. Sinubukan din niyang ipahayag sa kanyang pagpipinta hindi ang hindi sinasadya at hindi ang mababaw, ngunit ang matatag at mahalaga. Para sa kanya, ang batas ay malikhaing kagustuhan lamang ng artista, at sa kanya gawaing pansining nakita niya sa pagpapahayag ng panloob na pagkakaisa, na naintindihan niya bilang isang pagbubuo ng pagiging lantad ng kalikasan at ang kalagayan ng kaluluwa ng artista na nabalisa ng pagiging lantad na ito. Si P. Gauguin mismo ang nagsalita tungkol dito sa ganitong paraan: "Hindi ako tumutukoy sa katotohanan ng kalikasan, nakikita sa panlabas ... Itama ang maling pananaw na ito, na pinangit ang paksa ayon sa katotohanan nito ... Dapat iwasan ang Dynamism. Hayaan ang lahat huminga ng kapayapaan at kapayapaan ng kaluluwa, iwasan ang paggalaw ... Ang bawat isa sa mga character ay dapat na nasa isang static na posisyon. " At pinapaikli niya ang pananaw ng kanyang mga kuwadro na gawa, inilapit ito sa eroplano, inilalagay ang mga numero sa pangharap na posisyon at iniiwasan ang mga foreshortenings. Samakatuwid, ang mga taong inilalarawan ni P. Gauguin ay walang galaw sa mga kuwadro: tulad sila ng mga estatwa na inukit ng isang malaking pait nang walang mga kinakailangang detalye.

Panahon mature na pagkamalikhain Si Paul Gauguin ay nagsimula sa Tahiti, at dito natanggap ang problema ng pansining na pagbubuo ng buong pag-unlad. Sa Tahiti, tinalikuran ng artist ang alam niya: sa tropiko, ang mga form ay malinaw at tiyak, ang mga anino ay mabigat at mainit, at ang mga pagkakaiba ay lalong matindi. Dito ang lahat ng mga gawaing itinakda sa kanya sa Pont-Aven ay nalutas ng kanilang sarili. Ang mga pintura ni P. Gauguin ay naging malinaw, nang walang mga smear. Ang kanyang mga kuwadro na Tahitian ay humanga oriental carpets o frescoes, kaya ang mga kulay sa mga ito ay maayos na dinadala sa isang tiyak na tono.

Ang gawain ni P. Gauguin ng panahong ito (nangangahulugang ang unang pagbisita ng artista sa Tahiti) ay ipinakita isang kamangha-manghang kuwento, na naranasan niya kabilang sa kalakasan, kakaibang kalikasan ng malayong Polynesia. Sa rehiyon ng Mataje, nakakita siya ng isang maliit na nayon, bumibili ng isang kubo, sa isang gilid kung saan kumalat ang karagatan, at sa kabilang banda, isang bundok na may isang malaking bukana ang nakikita. Ang mga Europeo ay hindi pa nakakarating sa lugar na ito, at ang buhay ay tila kay P. Gauguin na maging isang tunay na paraiso sa lupa. Sinusunod niya ang mabagal na ritmo ng buhay ng Tahitian, sumisipsip ng maliliwanag na kulay asul na dagat, paminsan-minsan ay natatakpan ng mga berdeng alon na nag-crash laban sa mga coral reef na may ingay.

Mula sa mga unang araw, ang artist ay nagtaguyod ng simple, pantao na relasyon sa mga taga-Tahiti. Ang gawain ay nagsisimula upang makuha ang higit pa at higit pa P. Gauguin. Gumagawa siya ng maraming mga sketch at sketch mula sa kalikasan, sa anumang kaso, sinubukan niyang makuha sa canvas, papel o kahoy ang mga katangiang mukha ng mga taga-Tahiti, ang kanilang mga pigura at pustura - sa proseso ng trabaho o habang nagpapahinga. Sa panahong ito, lumilikha siya ng mga bantog sa mundo na mga kuwadro na "The Spirit of the Dead ay Gumising", "Are You Jealous?", "Conversation", "Tahitian Pastorals".

Ngunit kung noong 1891 ang landas sa Tahiti ay tila sa kanya nagniningning (siya ay naglalakbay dito pagkatapos ng ilang mga artistikong tagumpay sa Pransya), kung gayon sa pangalawang pagkakataon ay nagpunta siya sa kanyang minamahal na isla bilang isang maysakit na nawala ang karamihan sa kanyang mga ilusyon. Lahat sa daan ay inis sa kanya: sapilitang paghinto, walang silbi na basura, abala sa kalsada, nakagagambalang customs, nahuhumaling na mga kasama ...

Hindi pa siya nakapunta sa Tahiti sa loob lamang ng dalawang taon, at napakaraming pagbabago dito. Ang pagsalakay sa Europa ay nawasak ang orihinal na buhay ng mga katutubo, ang lahat ay tila kay P. Gauguin isang hindi maagaw na gulo: ang pag-iilaw ng elektrisidad sa Papeete, ang kabisera ng isla, at ang hindi mabata na carousel sa tabi ng kastilyo ng hari, at ang mga tunog ng pagsira ng ponograpo ang dating katahimikan.

Sa oras na ito, ang artist ay mananatili sa lugar ng Punoauia, sa kanlurang baybayin ng Tahiti, sa isang inuupahang lupain, nagtatayo siya ng isang bahay na tinatanaw ang dagat at mga bundok. Inaasahan na mahigpit na manirahan sa isla at lumikha ng mga kondisyon para sa trabaho, hindi siya gumastos ng gastos sa pag-aayos ng kanyang tahanan at sa lalong madaling panahon, tulad ng madalas na nangyayari, ay naiwan nang walang pera. Si P. Gauguin ay binibilang sa mga kaibigan na, bago umalis ang artist mula sa France, ay humiram ng kabuuang 4,000 francs mula sa kanya, ngunit hindi sila nagmamadali upang ibalik ang mga ito. Sa kabila ng katotohanang nagpadala siya sa kanila ng maraming paalala ng utang, nagreklamo siya tungkol sa kapalaran at labis na kalagayan ...

Pagsapit ng tagsibol ng 1896, natagpuan ng artist ang kanyang sarili sa mahigpit na pagkakahawak ng pinaka matinding pangangailangan. Dagdag pa rito ang sakit sa bali ng paa, na natatakpan ng ulser at nagdudulot sa kanya ng hindi matitiis na pagdurusa, pinahihirapan siya ng tulog at lakas. Ang pag-iisip tungkol sa kawalang-saysay ng mga pagsisikap sa pakikibaka para sa pagkakaroon, tungkol sa pagkabigo ng lahat ng mga masining na plano ay ginagawang higit na madalas niyang isipin ang tungkol sa pagpapakamatay. Ngunit sa lalong madaling maramdaman ni P. Gauguin ang kaunting kaluwagan, ang kalikasan ng artista ay nanalo sa kanya, at nawala ang pesimismo sa harap ng kagalakan ng buhay at pagkamalikhain.

Gayunpaman, ito ay mga bihirang sandali, at ang mga kasawian ay sinundan ang bawat isa sa mapinsalang pagkakasunud-sunod. At ang pinakapangit na balita para sa kanya ay ang balita mula sa Pransya tungkol sa pagkamatay ng kanyang minamahal na anak na si Alina. Hindi makaligtas sa pagkawala, kumuha si P. Gauguin ng napakalaking dosis ng arsenic at nagtungo sa mga bundok upang walang makagambala sa kanya. Ang pagtatangka sa pagpapakamatay ay humantong sa katotohanang ginugol niya ang gabi sa matinding paghihirap, nang walang anumang tulong at ganap na nag-iisa.

Sa loob ng mahabang panahon, ang artista ay nasa kumpletong pagdapa, hindi siya makahawak ng isang brush sa kanyang mga kamay. Ang nag-iisa lamang niyang kaaliwan ay isang malaking canvas (450 x 170 cm), na ipininta niya bago sinubukang magpakamatay. Tinawag niya ang pagpipinta na "Saan tayo galing? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" at sa isa sa kanyang mga liham ay isinulat niya: "Bago ako namatay, inilagay ko ang lahat ng aking lakas, tulad ng isang malungkot na pag-iibigan sa aking kakila-kilabot na kalagayan, at ang paningin ay napakalinaw, nang walang pagwawasto, na ang mga bakas ng pagmamadali ay nawala at ang buong ang buhay ay nakikita dito. "

Ginawa ni P. Gauguin ang larawan sa kakila-kilabot na pag-igting, kahit na matagal na niyang napisa ang ideya para dito sa kanyang imahinasyon, siya mismo ay hindi masasabi sigurado nang unang lumitaw ang ideya ng canvas na ito. Napiling mga fragment nito napakalaking gawain sumulat sa kanya sa iba't ibang taon at sa iba pang mga gawa. Halimbawa, ang babaeng pigura mula sa "Tahitian Pastorals" ay paulit-ulit sa larawang ito sa tabi ng idolo, gitnang pigura Nakilala ko ang isang picker ng prutas sa isang ginintuang sketch "Isang tao na namumitas ng mga prutas mula sa isang puno" ...

Nangangarap na mapalawak ang mga posibilidad ng pagpipinta, pinagsikapan ni Paul Gauguin na ibigay sa kanyang larawan ang karakter ng isang fresco. Sa layuning ito, iniiwan niya ang dalawang itaas na sulok (ang isa ay may pangalan ng pagpipinta, ang isa ay may lagda ng artist) na dilaw at hindi puno ng pagpipinta - "tulad ng isang fresco na nasira sa mga sulok at na-superimpose sa isang pader na ginto."

Noong tagsibol ng 1898, ipinadala niya ang pagpipinta sa Paris, at sa isang liham sa kritiko na si A. Fontaine ay sinabi na ang kanyang hangarin ay "hindi lumikha ng isang kumplikadong kadena ng mga mapanlikha na alegorya na kailangang malutas. Sa kabaligtaran, ang ang patas na nilalaman ng pagpipinta ay napaka-simple - ngunit hindi sa kahulugan ng isang sagot sa mga katanungang nailahad, ngunit sa kahulugan ng mismong pagbabalangkas ng mga katanungang ito. " Si Paul Gauguin ay hindi sasagot sa mga katanungang inilagay niya sa pamagat ng larawan, sapagkat naniniwala siya na sila ay at magiging isang kahila-hilakbot at pinakamatamis na bugtong para sa kamalayan ng tao... Samakatuwid, ang kakanyahan ng mga alegorya na nakalarawan sa canvas na ito ay nakasalalay sa pulos kaakit-akit na sagisag ng misteryong ito na nakatago sa kalikasan, ang sagradong katakutan ng imortalidad at ang lihim ng pagiging.

Sa kanyang unang pagbisita sa Tahiti, tiningnan ni P. Gauguin ang mundo ng masigasig na mga mata ng isang malaking bata, na kung kanino ang mundo ay hindi pa nawawala ang pagiging bago at kamangha-mangha sa lahat. Ang kanyang parang bata na matataas na tingin ay binuksan sa mga kulay ng kalikasan na hindi nakikita ng iba: esmeralda damo, langit ng zafiro, amethyst sun shade, ruby \u200b\u200bna bulaklak at pulang ginto ng balat ng Maori. Ang mga kuwadro na Tahitian ni P. Gauguin ng panahong ito ay sumiklab sa isang marangal na ginintuang glow, tulad ng nabahiran ng baso mga katedralong gothiccast sa regal splendor byzantine mosaics, mabango na may makatas na mga spills ng pintura.

Ang kalungkutan at matinding kawalan ng pag-asa, na nagtaglay sa kanya sa kanyang pangalawang pagbisita sa Tahiti, ay nakita ni P. Gauguin na ang lahat ay itim lamang. Gayunpaman, ang likas na likas na ugali ng master at ng kanyang mga mata bilang isang colorist ay hindi pinapayagan ang artist na tuluyang mawala ang kanyang panlasa sa buhay at mga kulay nito, bagaman lumikha siya ng isang malungkot na canvas, pininturahan niya ito sa isang estado ng mistisiko na takot.

Kaya ano pa ang itinatago ng larawang ito? Tulad ng oriental na mga manuskrito, na dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa, ang nilalaman ng larawan ay lumilitaw sa parehong direksyon: sunud-sunod na kasalukuyang ipinapakita buhay ng tao - mula sa simula nito hanggang sa kamatayan, nagdadala ng takot sa kawalan.

Sa harap ng manonood, sa isang malaki, pahalang na nakaunat na canvas, ang pampang ng isang stream ng kagubatan ay inilalarawan, sa madilim na tubig na kung saan makikita ang misteryoso, walang tiyak na mga anino. Sa kabilang panig ay mayroong siksik, luntiang mga tropikal na halaman, mga esmeralda damo, siksik na berdeng mga palumpong, mga puno ng asul na asul na mga puno, "lumalaki na parang wala sa lupa, ngunit sa paraiso."

Ang mga puno ng mga puno ay kakaibang umikot, magkabit, bumubuo ng isang network ng puntas, kung saan ang dagat na may puting mga tuktok ng mga baybaying baybayin, isang madilim na lila na bundok sa isang kalapit na isla, ay makikita sa malayo, bughaw na langit - "isang paningin ng likas na birhen na maaaring paraiso".

Sa pinakamalapit na plano ng larawan, sa lupa, walang lahat ng mga halaman, isang pangkat ng mga tao ang matatagpuan sa paligid ng isang batong estatwa ng isang diyos. Ang mga tauhan ay hindi pinag-isa sa pamamagitan ng anumang isang kaganapan o karaniwang pagkilos, ang bawat isa ay abala sa kanyang sarili at nahuhulog sa kanyang sarili. Ang natitirang natutulog na sanggol ay binabantayan ng isang malaking itim na aso; "tatlong mga kababaihan, squatting sa kanilang mga haunches, tila makinig sa kanilang mga sarili, nagyelo sa pag-asa ng ilan hindi inaasahang kagalakan... Ang isang binata na nakatayo sa gitna na may parehong mga kamay ay pumili ng isang prutas mula sa isang puno ... Isang pigura, sadyang napakalaki, taliwas sa mga batas ng pananaw ... itinaas ang kanyang kamay, nagtataka sa dalawang character na naglakas-loob na isipin ang tungkol sa kanilang kapalaran. "

Sa tabi ng estatwa, isang malungkot na babae, na parang wala sa mekanismo, ay naglalakad sa gilid, lumubog sa isang estado ng matindi, puro pag-iisip. Isang ibon ang gumagalaw patungo sa kanya sa lupa. Sa kaliwang bahagi ng canvas, ang isang bata na nakaupo sa lupa ay nagdadala ng prutas sa kanyang bibig, isang pusa na humihimas mula sa isang mangkok ... At tinanong ng manonood ang kanyang sarili: "Ano ang ibig sabihin ng lahat ng ito?"

Sa unang tingin, ito ay tulad ng pang-araw-araw na buhay, ngunit bukod sa direktang kahulugan, ang bawat imahe ay nagdadala ng isang patula na alegorya, isang pahiwatig ng posibilidad ng isang matalinhagang interpretasyon. Kaya, halimbawa, ang motibo ng isang stream ng kagubatan o tubig na spring na bumubulusok mula sa lupa ay ang paboritong talinghaga ni Gauguin para sa mapagkukunan ng buhay, ang misteryosong simula ng buhay. Kinikilala ng natutulog na sanggol ang kalinisan ng bukang-liwayway ng buhay ng tao. Isang binata na namumitas ng prutas mula sa isang puno at mga babaeng nakaupo sa lupa sa kanan na sumasalamin ng ideya ng organikong pagkakaisa ng tao na may kalikasan, ang pagiging natural ng kanyang pag-iral dito.

Ang isang lalaking nakataas ang kamay, nakatingala sa kanyang mga kaibigan, ay ang unang sulyap sa pagkabalisa, ang paunang salpok upang maunawaan ang mga lihim ng mundo at pagiging. Inihayag ng iba ang katapangan at pagdurusa ng pag-iisip ng tao, ang misteryo at trahedya ng espiritu, na nakapaloob sa hindi maiwasang kaalaman ng tao tungkol sa kanyang mortal na kapalaran, ang kabutihan ng pagkakaroon ng lupa at ang hindi maiwasang wakas.

Maraming paliwanag ang ibinigay mismo ni Paul Gauguin, ngunit nagbabala siya laban sa pagnanais na makita ang mga pangkalahatang tinatanggap na mga simbolo sa kanyang larawan, upang maintindihan ang mga imahe nang masyadong prangka, at lalo na upang maghanap ng mga sagot. Ang ilang mga mananalaysay ng sining ay naniniwala na ang estado ng kalungkutan ng artist, na humantong sa kanya upang tangkain ang pagpapakamatay, ay ipinahayag sa isang mahigpit, laconic masining na wika... Napansin nila na ang larawan ay nalulula. maliit na detalye, na hindi nililinaw ang pangkalahatang ideya, ngunit nalilito lamang ang manonood. Kahit na ang mga paliwanag sa mga titik ng master ay hindi maaaring alisin ang mistisong hamog na nilagay niya sa mga detalyeng ito.

Si P. Gauguin mismo ay itinuring ang kanyang gawa bilang isang espiritwal na tipan, marahil iyon ang dahilan kung bakit ang pagpipinta ay naging isang larawan sa tula, kung saan ang mga kongkretong imahe ay ginawang isang dakilang ideya, at bagay sa espiritu. Ang balangkas ng canvas ay pinangungunahan ng isang patula na kalagayan, mayaman sa mga mailap na lilim at panloob na kahulugan. Gayunpaman, ang kalooban ng kapayapaan at biyaya ay nalukuban na ng isang hindi malinaw na pagkabagabag ng pakikipag-ugnay sa mahiwagang mundo, na nagbibigay ng isang pakiramdam ng nakatagong pagkabalisa, masakit na hindi masubsob sa pinakaloob na mga misteryo ng buhay, ang misteryo ng pagdating ng tao sa mundo at ang misteryo ng pagkawala niya. Sa larawan, ang kaligayahan ay dumidilim ng pagdurusa, ang espirituwal na pagpapahirap ay hugasan ng tamis ng pisikal na pag-iral - "ginintuang katakutan, natakpan ng kagalakan." Ang lahat ay hindi mapaghihiwalay, tulad ng sa buhay.

Sinadya ni P. Gauguin na hindi itama ang maling sukat, na nagsusumikap sa lahat ng gastos upang mapanatili ang kanyang istilo ng sketch. Ang sketchiness na ito, hindi kumpleto, pinahahalagahan niya lalo na, na naniniwala na siya ang nagdadala ng isang live stream sa canvas at nagbibigay sa larawan ng isang espesyal na tula na hindi katangian ng mga bagay na natapos at labis na natapos.

May mga likhang sining na tila tumama sa ulo ng manonood, napatulala at namangha. Kinakaladkad ka ng iba sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay natatakpan ng mga lihim at mystical riddles, habang ang iba ay sorpresa ng isang labis na presyo.

Maingat naming sinuri ang lahat ng mga pangunahing nakamit sa pagpipinta sa mundo at pumili ng dalawampung dosenang kakaibang mga pinta mula sa kanila. Si Salvador Dali, na ang mga gawa ay ganap na nasa format ng materyal na ito at ang unang naisip, ay hindi naisama sa koleksyon na ito nang sadya.

Malinaw na ang "kakaibang" ay isang paksang konsepto, at ang bawat isa ay may kanya-kanyang kamangha-manghang mga larawan na nakikilala mula sa maraming iba pang mga likhang sining. Masisiyahan kami kung ibahagi mo sila sa mga komento at sabihin sa amin ng kaunti tungkol sa kanila.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel.
National Gallery, Oslo.

Ang Scream ay itinuturing na isang palatandaan na kaganapan sa Expressionism at isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa buong mundo.

Mayroong dalawang interpretasyon ng kung ano ang itinatanghal: ito mismo ang bayani na sinunggaban ng takot at tahimik na sumisigaw, na idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang tainga; o isinasara ng bayani ang kanyang tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at kalikasan na tumutunog sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng The Scream, at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis na pinagdusahan ng artist. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, hindi bumalik si Munch upang magtrabaho sa canvas.

"Naglalakad ako sa daanan kasama ang dalawang kaibigan. Ang araw ay papalubog na - biglang naging pula ang dugo sa langit, huminto ako, pakiramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - tiningnan ko ang dugo at ang apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at lungsod. Ang aking mga kaibigan ay nagpunta sa karagdagang, at tumayo ako, nanginginig sa kaguluhan, pakiramdam ng isang walang katapusang sigaw na butas sa kalikasan, "Edvard Munch sinabi tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

“Saan tayo nagmula? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, langis sa canvas.
Museyo ng Fine Arts, Boston.

Sa direksyon mismo ni Gauguin, dapat basahin ang pagpipinta mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga pigura ang naglalarawan sa mga katanungang nailahad sa pamagat.

Tatlong kababaihan na may isang bata ang kumakatawan sa simula ng buhay; panggitnang pangkat simbolo ng pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa huling pangkat, ayon sa ideya ng artista, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila nagkakasundo at inilaan sa kanyang mga saloobin", sa kanyang paanan "isang kakaibang puting ibon ... kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Ang isang malalim na pilosopiko na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta niya sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagtatapos ng trabaho, nais pa niyang magpakamatay: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay higit na mataas sa lahat ng aking naunang mga trabaho at hindi ako makakalikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay pa siya ng limang taon, at nangyari ito.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis.
Reina Sofia Museum, Madrid.

Nagpapakita ang Guernica ng mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, ipinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad na napalingon ang usapan sa pagpipinta. "Ginawa mo ba ito?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Isang malaking painting-fresco na "Guernica", na ipininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang anim na libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang larawan ay naisulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng pagtatrabaho sa larawan, nagtrabaho si Picasso nang 10-12 na oras, at nasa mga unang sketch na makikita ng isang tao pangunahing ideya... Ito ay isa sa pinakamahusay na mga guhit ang bangungot ng pasismo, pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng mag-asawang Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis.
London pambansang Gallery, London.

Ang bantog na pagpipinta ay kumpleto at puno ng mga simbolo, alegorya at iba`t ibang sanggunian - hanggang sa pirma na "narito si Jan van Eyck", na ginawang hindi lamang isang likhang sining ang pagpipinta, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa katotohanan ng ang kaganapan kung saan naroroon ang artista.

Ang larawan ng pinaghihinalaang Giovanni di Nicolao Arnolfini at ang kanyang asawa ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Paaralang kanluranin ng pagpipinta. Hilagang Renaissance.

Sa Russia, sa nakaraang ilang taon, ang pagpipinta ay nagkamit ng malaking katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demonyo nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis.
Estado Tretyakov Gallery, Moscow.

"Kalabanin mo siya"

Bill Stoneham. 1972.

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra maestra ng pagpipinta sa buong mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan.

May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at mga palad na nakadikit sa baso. Mula sa "namamatay sila dahil sa larawang ito" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagbibigay ng pagtaas sa mga taong may mahina psyche maraming takot at haka-haka.

Iginiit ng artist na ang pagpipinta ay naglalarawan ng kanyang sarili sa edad na limang, na ang pintuan ay isang representasyon ng hating linya sa pagitan ng ang totoong mundo at ang mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang batang lalaki sa mundong ito. Ang mga bisig ay kumakatawan sa mga kahaliling buhay o posibilidad.

Ang pagpipinta ay sumikat noong Pebrero 2000 nang ibenta ito sa eBay na may backstory na ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" \u200b\u200bay binili sa halagang $ 1,025 ni Kim Smith, na noon ay simpleng binubuhusan ng mga liham na may katakut-takot na kwento at hinihingi na sunugin ang larawan.

Ngayon nais naming sabihin sa iyo ng kaunti tungkol sa mga taong iyon, sa aming palagay, ay kabilang sa pinaka mga hindi pangkaraniwang artista modernidad. Gumagamit sila ng mga hindi pamantayang pamamaraan hindi pangkaraniwang mga ideyapamumuhunan sa lahat ng kanilang pagkamalikhain at talento sa kanilang natatanging mga gawa.

1. Lorenzo Duran

Ang kanyang paraan ng paglikha ng mga kuwadro na gawa ay batay sa pagsasaliksik sa kasaysayan pagputol ng papel sa Tsina, Japan, Alemanya at Switzerland. Kinokolekta niya ang mga dahon, hinuhugasan, pinatuyo, pinipiga at maingat na kinukulit ang mga kuwadro na ito.

2. Nina Aoyama

Sa unang tingin, maaaring mukhang walang ginagawang espesyal ang batang Pranses na ito - nakikipag-ukit lamang siya sa papel. Ngunit idinikit niya ang kanyang mga pinagputol sa tela o baso, at naging kagandahan ito!

3. Claire Morgan

Lumikha ang British artist na si Claire Morgan ng mga hindi pangkaraniwang pag-install na nag-freeze mismo sa hangin. Ang nagtatrabaho na materyal para sa artist ay mga tuyong halaman, butil, insekto, pinalamanan na mga hayop at sariwang prutas. Ang libu-libong mga detalye ng pag-install ay naka-pin na may eksaktong katiyakan sa isang manipis na linya ng pangingisda. Ang mga iskultura na pang-aerial ni Claire Morgan ay nakatuon sa Earth at lahat ng buhay dito.

4. Mike Stilkey

Lumilikha si Mike Stilkey ng mga kuwadro na gawa mula sa mga tinik ng mga libro. Bumubuo siya ng isang buong pader ng mga libro, at isusulat ang kanyang mga larawan sa kanilang mga tinik. Sa mahabang panahon pinangarap ni Mike na maglathala ng isang album kasama ang kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit wala ni isang publisher ang nakakuha nito. Ang kanyang pagpipinta ay hindi nakakita ng tugon sa mga kritiko. Pagkatapos ay nagpasya ang artist na hayaan ang mga libro na sabihin tungkol sa kanyang trabaho.

5. Jim Denevan

Gumuhit si Jim ng mga pattern sa buhangin na may walang uliran katumpakan sa matematika. Pangunahin ang pagguhit ni Jim sa mga beach, ngunit sa mga nagdaang panahon nagsimula siyang magpinta sa mga disyerto. "Wala akong masyadong oras sa beach tulad ng sa mga disyerto," sabi niya. "Kung sabagay, mabilis na hugasan ng dagat ang lahat."

6. Vhils

Ang kanyang trabaho ay hindi karaniwan sa na siya ay gasgas sa kanila sa lumang plaster.

7. Bruce Munroe

Sa kanyang trabaho, nagtatrabaho siya na may ilaw. Hindi pa matagal na ang nakakaraan, binuksan niya ang kanyang pag-install ng isa pang larangan ng ilaw sa lungsod ng Bath ng Ingles. Ito ay isang patlang na may tuldok na may mga lampara sa manipis na mga plastik na tangkay. Mukhang isang set para sa pelikulang "Avatar".

8. Jason Mecier

Ang problema sa pagkagumon sa droga ay talamak sa buong mundo. Sa isang pagtatangka na dalhin siya sa pansin ng pangkalahatang publiko, ang may talento amerikano artist Gumawa si Jason Mecier ng mga larawan ng mga bituin mula sa mga tablet. Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay ay ang mga artist ay gumagamit lamang ng mga tabletas bilang isang materyal para sa kanyang mga canvases, na naipamahagi ayon sa isang espesyal na resipe, na hindi niya makuha ng ligal. Maaari nating sabihin na gumawa ng iligal na batas si Jason, ngunit sa pamamagitan nito ay nakuha niya ang pansin sa iligal na pamamahagi ng mga gamot.

9. Jennifer Maestre

Ang pagpipinta, bukod sa mga realista, ay palaging naging, ay at magiging kakaiba. Ngunit ang ilang mga larawan ay mas weirder kaysa sa iba.
Ang ilang mga gawa ng sining ay tila pinukpok sa ulo ng manonood, napatulala at namangha. Ang ilan sa kanila ay hinihila ka sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay pinangahangaan ng mga lihim at mistiko na mga bugtong, at ang ilang sorpresa sa isang labis na presyo.

Maingat na sinuri ng Bright Side ang lahat ng mga pangunahing nakamit sa pagpipinta sa mundo at pumili ng dalawang dosenang mga kakaibang pintura mula sa kanila. Ang pagpili ay hindi kasama ang mga kuwadro na gawa ni Salvador Dali, na ang mga gawa ay ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang naisip.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel
National Gallery, Oslo

Ang Scream ay itinuturing na isang palatandaan na kaganapan sa Expressionism at isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa buong mundo. Mayroong dalawang interpretasyon ng kung ano ang inilalarawan: ito mismo ang bayani na sinunggaban ng takot at tahimik na sumisigaw, na idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang tainga; o isinasara ng bayani ang kanyang tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at kalikasan na tumutunog sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng "The Scream", at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis, kung saan nagdusa ang artist. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, hindi bumalik si Munch upang magtrabaho sa canvas.

"Naglalakad ako sa daanan kasama ang dalawang kaibigan - papalubog na ang araw - biglang pumula ang dugo sa kalangitan, tumigil ako, pakiramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - tiningnan ko ang dugo at ang apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at ng lungsod - ang aking mga kaibigan nagpunta sa, at ako ay nakatayo, nanginginig sa kaguluhan, pakiramdam ng isang walang katapusang sigaw butas kalikasan ", - sinabi Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

"Saan tayo nagmula? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, canvas, langis
Museyo ng Fine Arts, Boston

Sa direksyon mismo ni Gauguin, dapat basahin ang pagpipinta mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga pigura ang naglalarawan sa mga katanungang nailahad sa pamagat. Tatlong kababaihan na may isang bata ang kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang pangkat ay sumasagisag sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na pangkat, na pinaglihi ng artista, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila nagkasundo at inilaan sa kanyang mga saloobin", sa kanyang paanan "isang kakaibang puting ibon ... kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Ang isang malalim na pilosopiko na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta niya sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagkumpleto ng trabaho, nais pa niyang magpakamatay, dahil: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang nakahihigit sa lahat ng aking nakaraang mga trabaho, at hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay siya para sa isa pang 5 taon, at sa gayon nangyari ito.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis
Reina Sofia Museum, Madrid

Nagpapakita ang Guernica ng mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, ipinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad na bumaling ang pagsasalita sa larawan. "Ginawa mo ba yun?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Isang malaking painting-fresco na "Guernica", na ipininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang anim na libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang larawan ay naisulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng pagtatrabaho sa larawan, nagtrabaho si Picasso nang 10-12 na oras at nasa mga unang sketch na makikita ang pangunahing ideya. Ito ang isa sa pinakamahusay na mga guhit ng bangungot ng pasismo, pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng mag-asawang Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis
London National Gallery, London

Ang bantog na pagpipinta ay kumpleto at puno ng mga simbolo, alegorya at iba`t ibang sanggunian - hanggang sa pirma na "Narito si Jan van Eyck", na ginawang hindi lamang isang gawaing sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagkukumpirma ng isang tunay na kaganapan na dumalo ang artista.

Ang larawan, siguro ng Giovanni di Nicolao Arnolfini at kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Western Northern Renaissance na paaralan ng pagpipinta. Sa Russia mga nakaraang taon ang larawan ay nagkamit ng malaking katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demonyo nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis
Tretyakov Gallery, Moscow

Ang pagpipinta ni Mikhail Vrubel ay sorpresa sa imahe ng isang demonyo. Ang malungkot na may mahabang buhok na lalaki ay hindi talaga makahawig sa pangkalahatang ideya ng tao tungkol sa kung anong hitsura ng isang masamang espiritu. Ito ay isang imahe ng lakas ng diwa ng tao, panloob na pakikibaka, pag-aalinlangan. Kamangha-manghang nakapikit, ang Demonyo ay nakaupo na may malaking malungkot na mga mata na nakadirekta sa malayo, na napapaligiran ng mga bulaklak. Binibigyang diin ng komposisyon ang higpit ng pigura ng demonyo, na parang na-sandwic sa pagitan ng itaas at mas mababang mga crossbars ng frame.

Ang artista mismo ay nagsalita tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta: "Ang demonyo ay hindi gaanong isang masamang espiritu bilang isang nagdurusa at nakalulungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang nangingibabaw at kamangha-manghang espiritu."

"Apotheosis of War"

Vasily Vereshchagin. 1871, canvas, langis
State Tretyakov Gallery, Moscow

Ang larawan ay nakasulat nang napakalalim at emosyonal na sa likod ng bawat bungo na nakahiga sa tambak na ito, nagsisimula kang makakita ng mga tao, kanilang mga kapalaran at mga kapalaran ng mga hindi na makikita ang mga taong ito. Si Vereshchagin mismo, na may malungkot na panunuya, tinawag ang canvas na "buhay pa rin" - inilalarawan nito ang "patay na kalikasan". Ang lahat ng mga detalye ng pagpipinta, kabilang ang dilaw na pangkulay, ay sumasagisag sa pagkamatay at pagkasira. Binibigyang diin ng malinaw na asul na kalangitan ang pagkamatay ng larawan. Ang mga galos mula sa mga sabre at butas ng bala sa mga bungo ay nagpapahiwatig din ng ideya ng "Apotheosis of War".

Ang Vereshchagin ay isa sa mga pangunahing pintor ng labanan sa Russia, ngunit nagpinta siya ng mga giyera at laban hindi dahil mahal niya sila. Sa kabaligtaran, sinubukan niyang iparating sa mga tao ang kanyang negatibong pag-uugali sa giyera. Sa sandaling si Vereshchagin, sa sobrang init ng damdamin, ay sumigaw: "Hindi na ako magpinta ng mga larawan ng labanan - basta! Kinukuha ko ang sinusulat ko nang napakalapit sa aking puso, sumisigaw (nang literal) sa kalungkutan ng bawat nasugatan at napatay." Marahil ang resulta ng bulalas na ito ay ang kakila-kilabot at nakakagulat na pagpipinta na "The Apotheosis of War", na naglalarawan ng isang bukid, mga uwak at isang bundok ng mga bungo ng tao.

"Amerikanong Gothic"

Grant Wood. 1930, langis. 74 × 62 cm
Art Institute ng Chicago, Chicago

Ang pagpipinta na may malungkot na ama at anak na babae ay puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at retrogradeness ng mga taong nakalarawan. Galit na mukha, mga pitchfork na nasa gitna mismo ng larawan, mga makalumang damit kahit na sa pamantayan ng 1930, isang nakalantad na siko, ang mga tahi sa damit ng magsasaka, na inuulit ang hugis ng pitchfork, at samakatuwid ay isang banta na nakatuon sa lahat na lumusot . Ang lahat ng mga detalyeng ito ay maaaring masuri nang walang katapusan at nanginginig mula sa kaguluhan. Ang "American Gothic" ay isa sa mga pinakakilalang larawan sa sining ng Amerika noong ika-20 siglo, ang pinakatanyag na arte na meme noong ika-20 at ika-21 na siglo. Kapansin-pansin, ang mga hukom ng kumpetisyon sa Art Institute ng Chicago ay pinaghihinalaang "Gothic" bilang isang "nakakatawang Valentine", at ang mga residente ng Iowa ay labis na nasaktan kay Wood dahil sa paglalarawan sa kanila sa isang hindi kanais-nais na ilaw.

"Mga nagmamahal"

Rene Magritte. 1928, canvas, langis

Ang pagpipinta na "Lovers" ("Lovers") ay umiiral sa dalawang bersyon. Sa isa sa kanila ang isang lalaki at isang babae, na ang mga ulo ay nakabalot ng puting tela, ay naghahalikan, at sa isa pa, "nakatingin" sila sa manonood. Ang larawan ay nakakagulat at nakaka-akit. Sa dalawang pigura na walang mukha, ipinaabot ni Magritte ang ideya ng pagkabulag ng pag-ibig. Tungkol sa pagkabulag sa bawat kahulugan: ang mga nagmamahal ay walang nakikita, hindi namin nakikita ang kanilang totoong mukha, at bukod sa, ang mga mahilig ay isang misteryo kahit sa bawat isa. Ngunit sa tila linaw na ito, patuloy pa rin kaming tumingin sa mga mahilig sa Magritte at iniisip ang tungkol sa kanila.

Halos lahat ng mga kuwadro na gawa ni Magritte ay mga puzzle na hindi malulutas nang buong buo, dahil nagtataas sila ng mga katanungan tungkol sa pinakadiwa ng pagiging. Magritte sa lahat ng oras ay nagsasalita tungkol sa daya ng nakikita, tungkol sa nakatagong misteryo, na karaniwang hindi natin napapansin.

"Maglakad"

Marc Chagall. 1917, canvas, langis
Estado ng Tretyakov Gallery

Ang "The Walk" ay isang self-portrait kasama ang asawang si Bella. Ang kanyang minamahal ay pumailanglang sa langit at ang pagtingin na iyon ay mag-drag sa paglipad at Chagall, nakatayo sa lupa na walang katiyakan, na parang hinahawakan lamang ito sa mga daliri ng kanyang sapatos. Si Chagall ay may isang titmouse sa kanyang kabilang kamay - masaya siya, mayroon siyang parehong titmouse sa kanyang mga kamay (marahil ang kanyang pagpipinta), at isang kreyn sa kalangitan. Karaniwan, si Marc Chagall, na sobrang seryoso sa kanyang pagpipinta, ay nagsulat ng isang kaaya-aya na manipesto ng kanyang sariling kaligayahan, na puno ng mga alegorya at pagmamahal.

"Hardin mga kasiyahan sa lupa"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, kahoy, langis
Prado, Espanya

"Garden of Earthly Delights" - ang pinakatanyag na triptych ng Hieronymus Bosch, na pinangalanan pagkatapos ng tema ng gitnang bahagi, ay nakatuon sa kasalanan ng pagnanasa. Ang larawan ay umaapaw sa mga transparent na numero, kamangha-manghang mga istraktura, halimaw, guni-guni na kumuha ng laman, mga mala-helikong karikatura ng realidad, na tiningnan niya ng isang mausisa, matalas na titig.

Ang ilang mga siyentista ay nais na makita sa triplech ang isang paglalarawan ng buhay ng tao sa pamamagitan ng prisma ng kanyang walang kabuluhan at mga imahe pagmamahal sa lupa, iba - isang tagumpay ng senswalidad. Gayunpaman, ang kawalang-kasalanan at ilang detatsment na kung saan ang indibidwal na mga pigura ay binibigyang kahulugan, pati na rin ang kanais-nais na pag-uugali sa gawaing ito ng bahagi ng mga awtoridad ng simbahan, ay nagdududa na ang nilalaman nito ay maaaring niluwalhati ng mga kasiyahan sa katawan. Sa ngayon, wala sa mga magagamit na interpretasyon ng larawan ang kinikilala bilang ang tanging tama.

"Tatlong edad ng isang babae"

Gustav Klimt. 1905, canvas, langis
National Gallery napapanahong sining, Roma

Ang "Three Ages of a Woman" ay parehong masaya at malungkot nang sabay. Ang kwento ng buhay ng isang babae ay nakasulat sa tatlong mga numero dito: kawalang-ingat, kapayapaan at kawalan ng pag-asa. Ang dalaga ay organiko na hinabi sa burloloy ng buhay, ang matanda ay namumukod sa kanya. Ang pagkakaiba sa pagitan ng inilarawan sa istilo ng imahe ng isang dalaga at ang naturalistic na imahe ng isang matandang babae ay nakakakuha simbolikong kahulugan: ang unang yugto ng buhay ay nagdudulot ng walang katapusang mga posibilidad at metamorphose, ang huling - patuloy na pagiging palagi at salungatan sa katotohanan. Ang canvas ay hindi kumalas, umakyat sa kaluluwa at iniisip ka tungkol sa lalim ng mensahe ng artist, pati na rin ang lalim at hindi maiwasang buhay.

"Isang pamilya"

Egon Schiele. 1918, canvas, langis
Gallery na "Belvedere", Vienna

Si Schiele ay isang mag-aaral ng Klimt, ngunit, tulad ng anumang mahusay na mag-aaral, hindi niya kinopya ang kanyang guro, ngunit naghahanap ng bago. Ang Schiele ay higit na nakalulungkot, kakaiba at nakakatakot kaysa kay Gustav Klimt. Sa kanyang mga gawa, maraming tinatawag na pornograpiya, iba't ibang mga perversion, naturalismo at, sa parehong oras, sumasakit na kawalan ng pag-asa. "Pamilya" ay kanya huling trabaho, kung saan ang kawalan ng pag-asa ay dinala sa ganap, sa kabila ng katotohanang ito ang kanyang hindi kakaibang hitsura ng larawan. Ginuhit niya ito bago siya namatay, matapos mamatay ang kanyang buntis na asawa na si Edith sa trangkaso Espanyol. Namatay siya sa edad na 28, tatlong araw lamang matapos si Edith, na nagawang iguhit siya, ang kanyang sarili at ang kanilang hindi pa isinisilang na anak.

"Dalawang Frida"

Frida Kahlo. 1939

Kwento mahirap buhay Ang artistang Mexico na si Frida Kahlo ay naging malawak na nakilala pagkatapos ng paglabas ng pelikulang "Frida" na pinagbibidahan ni Salma Hayek. Si Kahlo ay nagsulat ng halos sariling mga larawan at inilahad ito nang simple: "Pininturahan ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksang pinakaalam ko." Hindi isang solong larawan sa sarili ni Frida Kahlo ang nakangiti: isang seryoso, kahit na nakalulungkot na mukha, na fuse makapal na kilay, bahagyang kapansin-pansin na antena sa itaas ng mahigpit na naka-compress na mga labi. Ang mga ideya ng kanyang mga kuwadro na gawa ay naka-encrypt sa mga detalye, background, mga figure na lilitaw sa tabi ni Frida. Ang simbolismo ni Kahlo ay batay sa pambansang tradisyon at malapit na nauugnay sa mitolohiya ng Katutubong Amerikano noong pre-Hispanic na panahon. Sa isa sa pinakamahusay na mga kuwadro na gawa - "Dalawang Frida" - ipinahayag niya ang mga prinsipyong panlalaki at pambabae, na pinag-isa sa kanya ng isang solong sistema ng sirkulasyon, na nagpapakita ng kanyang integridad.

"Waterloo Bridge. Fog Effect"

Claude Monet. 1899, canvas, langis
Estado ng Ermitanyo, St. Petersburg

Kapag tinitingnan ang isang larawan mula sa isang malapit na distansya, walang nakikita ang manonood maliban sa canvas, kung saan inilalagay ang madalas na makapal na mga stroke ng langis. Ang lahat ng mahika ng trabaho ay nagsiwalat kapag unti-unting nagsisimulang lumayo mula sa canvas sa isang malayong distansya. Una, hindi maintindihan na mga kalahating bilog, dumadaan sa gitna ng larawan, nagsisimulang lumitaw sa harap namin, pagkatapos ay nakikita namin ang malinaw na mga balangkas ng mga bangka at, paglipat ng distansya ng halos dalawang metro, lahat ng mga nag-uugnay na gawa ay mahigpit na iginuhit sa harap ng sa amin at pumila sa isang lohikal na kadena.

"Bilang 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, fiberboard, langis

Ang kakaiba ng larawang ito ay ang canvas ng pinuno ng Amerikano ng abstract expressionism, na kanyang pininturahan, pagbubuhos ng pintura sa isang piraso ng fiberboard na kumalat sa sahig, ang pinaka mamahaling pagpipinta sa mundo. Noong 2006, sa auction ng Sotheby, binayaran nila ang $ 140 milyon para dito. Si David Giffen, tagagawa ng pelikula at kolektor, ay ipinagbili ito sa financer ng Mexico na si David Martinez. "Patuloy akong lumayo mula sa karaniwang mga tool ng artista tulad ng isang kuda, paleta at brushes. Mas gusto ko ang mga stick, scoop, kutsilyo at pagbuhos ng pintura o isang pinaghalong pintura na may buhangin, basag na baso o iba pa. Kapag nasa loob ako ng pagpipinta, Hindi ko namalayan ang Pag-unawa ay darating sa paglaon. Wala akong takot sa mga pagbabago o pagkasira ng imahe, dahil ang larawan ay nabubuhay sa sarili nitong buhay. Tinutulungan ko lang itong lumabas. Ngunit kung mawalan ako ng contact sa larawan, ito ay magiging gulo at gulo Kung hindi, kung gayon ito ay dalisay na pagkakaisa, ang gaan ng kung paano ka kumukuha at nagbibigay. "

"Isang lalaki at isang babae sa harap ng isang tumpok ng dumi"

Joan Miró. 1935, tanso, langis
Joan Miró Foundation, Espanya

Maganda ang pamagat. At sino ang mag-aakalang sasabihin sa amin ng larawang ito ang tungkol sa mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang pagpipinta ay ginawa sa isang sheet ng tanso sa linggo sa pagitan ng Oktubre 15 at 22, 1935. Ayon kay Miro, ito ang resulta ng pagtatangkang ilarawan ang isang trahedya. Digmaang Sibil sa Espanya. Sinabi ni Miro na ito ay larawan ng isang panahon ng pagkabalisa. Inilalarawan ng pagpipinta ang isang lalaki at isang babae na umaabot sa bawat isa sa isang yakap, ngunit hindi gumagalaw. Ang mga pinalaki na ari at hindi magagandang kulay ay inilarawan bilang "puno ng kasuklam-suklam at karima-rimarim na sekswalidad."

"Erosion"

Jacek Jerka

Ang neo-surrealist ng Poland ay kilala sa buong mundo para sa kanya magagandang larawan, kung saan pinagsama ang mga katotohanan, lumilikha ng mga bago. Mahirap isaalang-alang ang kanyang labis na detalyadong at sa ilang mga lawak na isa-isang hinahawakan ang mga gawa, ngunit ito ang format ng aming materyal, at kailangan naming pumili ng isa - upang ilarawan ang kanyang imahinasyon at kasanayan. Inirerekumenda namin na pamilyarin mo ang iyong sarili nang mas detalyado.

"Kalabanin mo siya"

Bill Stoneham. 1972

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra maestra ng pagpipinta sa buong mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan. May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at mga palad na nakadikit sa baso. Mula sa "dahil sa larawang ito ay namamatay" hanggang sa "mga bata ay buhay dito." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagdudulot ng maraming takot at haka-haka sa mga taong may mahinang pag-iisip. Iginiit ng artist na ang pagpipinta ay naglalarawan ng kanyang sarili sa edad na limang, na ang pintuan ay isang representasyon ng paghahati ng linya sa pagitan ng totoong mundo at ng mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang bata sa buong mundong ito. Ang mga kamay ay kumakatawan sa mga kahaliling buhay o posibilidad. Ang pagpipinta ay sumikat noong Pebrero 2000 nang ibenta ito sa eBay gamit ang isang backstory na nagsabing ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" \u200b\u200bay binili sa halagang $ 1025 ni Kim Smith, na noon ay simpleng binubuhusan ng mga liham na may kakila-kilabot na mga kwento at hinihiling na sunugin ang pagpipinta.

) sa kanyang makahulugan na mga gawa sa pagwawalis, nagawang mapanatili ang transparency ng hamog na ulap, ang gaan ng layag, ang makinis na pagyanig ng barko sa mga alon.

Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay kapansin-pansin sa kanilang lalim, dami, saturation, at ang pagkakayari ay tulad na imposibleng alisin ang iyong mga mata sa kanila.

Mainit na pagiging simple na si Valentina Gubarev

Primitive artist na mula sa Minsk Valentin Gubarev ay hindi nagpapatuloy sa katanyagan at ginagawa lamang ang gusto niya. Ang kanyang trabaho ay nabaliw sa ibang bansa, ngunit halos hindi alam ng kanyang mga kababayan. Noong kalagitnaan ng dekada 90, ang Pranses ay nahulog sa pag-ibig sa kanyang pang-araw-araw na mga sketch at pumirma ng isang kontrata sa artist sa loob ng 16 na taon. Ang mga kuwadro na gawa, na tila, ay dapat na maunawaan lamang sa atin, ang mga nagdadala ng "katamtamang kagandahan ng hindi paunlad na sosyalismo", ay nagustuhan ng publiko sa Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Alemanya, Great Britain at iba pang mga bansa.

Senswal na pagiging totoo ng Sergei Marshennikov

Si Sergey Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at nagtatrabaho sa pinakamahusay na tradisyon klasikal na paaralang Russian ng makatotohanang paglitrato. Ang mga heroine ng kanyang mga canvases ay banayad at walang pagtatanggol na mga kababaihan sa kanilang kalahating kahubaran. Sa marami sa karamihan tanyag na mga kuwadro naglalarawan ng muse ng asawa at asawa - si Natalia.

Ang paningin sa mundo ni Philip Barlow

Sa modernong panahon ng mga larawan na may mataas na resolusyon at ang kasagsagan ng hyperrealism, pagkamalikhain Philip Barlow (Philip Barlow) agad na umaakit ng pansin. Gayunpaman, isang tiyak na pagsisikap ang kinakailangan mula sa manonood upang mapilit ang kanyang sarili na tingnan ang mga malabo na silweta at mga maliliwanag na spot sa mga canvase ng may-akda. Marahil, ganito nakikita ng mga taong may myopia ang mundo na walang baso at contact lens.

Mga bunnies sa araw ni Laurent Parsellier

Ang pagpipinta ni Laurent Parcelier ay kamangha-manghang mundo, kung saan walang kalungkutan o kawalan ng pag-asa. Hindi ka makakahanap ng malungkot at maulan na mga larawan kasama niya. Mayroong maraming mga ilaw, hangin at maliliwanag na kulay sa kanyang mga canvases, na kung saan ang artist ay nalalapat na may mga kilalang kilalang stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro na gawa ay hinabi mula sa isang libong mga sunbeam.

Ang dynamics ng lungsod sa mga gawa ni Jeremy Mann

Ang pinturang Amerikano na si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga pabuong larawan ng isang modernong metropolis na langis sa mga panel ng kahoy. " Abstract na mga hugis, mga linya, kaibahan ng ilaw at madilim na mga spot - ang lahat ay lumilikha ng isang larawan na pumupukaw ng pakiramdam na nararanasan ng isang tao sa karamihan ng tao ng lungsod, ngunit maaari ding ipahayag ang kahinahunan na natagpuan kapag pinag-iisipan ang tahimik na kagandahan, "sabi ng artist.

Ilusyon ng mundo ni Neil Simon

Sa mga kuwadro na gawa ng British artist na si Neil Simone, lahat ay hindi tulad ng sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng marupok at patuloy na pagbabago ng mga hugis, anino at hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga kuwadro na gawa, lahat ay talagang hindi maiilaw at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay hugasan, at ang mga plots ay umaagos sa bawat isa.

Love drama ni Joseph Lorasso

Pinagmulan ng isang Italyano, dinala ng kapanahon ng Amerikanong artist na si Joseph Lorusso sa canvas ang mga eksenang nakita niya araw-araw na buhay ordinaryong mga tao... Yakap at halik, masigasig na salpok, sandali ng lambing at pagnanasa ang pumupuno sa kanyang emosyonal na mga larawan.

Buhay sa nayon ni Dmitry Levin

Si Dmitry Levin ay isang kinikilalang master ng Russian landscape, na nagtatag ng kanyang sarili bilang isang kinatawan ng talento ng makatotohanang paaralan ng Russia. Ang pinakamahalagang mapagkukunan ng kanyang sining ay ang kanyang pagkakaugnay sa kalikasan, na mahal niya ng mahal at masigasig at kung saan nararamdaman niya ang kanyang sarili na maging bahagi.

Ang maliwanag na silangan ni Valery Blokhin

Sa Silangan, lahat ay magkakaiba: magkakaibang kulay, magkakaibang hangin, magkakaiba halaga ng buhay at ang katotohanan ay mas hindi kapani-paniwala kaysa sa kathang-isip - ito ang iniisip ng isang modernong artist