Italiensk renæssance. Italiensk renæssance - Kulturhistorie: Foredragsnotater

Italien er det bedste sted at forstå kunsthistorien let. Her er mesterværker bogstaveligt talt i hver sving.

Fra denne artikel lærer du:

"Rinascimento": ri - "igen" + nasci - "født"

Jeg håber, at alle har hørt udtrykket "renæssance". Født på ny, født på ny. Eller - renæssancen. Næsten altid anvendes dette koncept på kunstområdet: maleri, litteratur, arkitektur osv. I øvrigt inkluderer dette også videnskab.

Botticelli, Venus 'fødsel

Lad os nu finde ud af det, men hvad blev der egentlig født på ny? Dette er en særlig type kultur, der allerede er gået ud over middelalderens rammer, men kun går forud for oplysningstiden.

Begrebet blev først introduceret af Giorgio Vasari (italiensk humanist). Dette betyder et betydeligt skridt fremad på alle områder af samfundets liv, og især på det kulturelle område. Blomstrer, kommer ud af skyggerne, transformation.

Kampen mellem middelalderen og antikken

Hvis det endnu ikke er meget klart, vil jeg forklare det lettere. Faktum er, at middelalderens kultur, maleri, poesi og menneskers liv i høj grad var afhængige af kirken, hierarkiet i samfundet og religionen. Middelalderkunst er en religiøs kunst, personlighed går tabt her, det gør ikke noget.

Der er i øvrigt flere fremmedsprog på siderne i min blog!

Husk de middelalderlige katolske kalkmalerier og lærreder. Det er meget skræmmende billeder, der glæder kirken. Her er de hellige, de retfærdige og i modsætning til den sidste dom, frygtelige dæmoner, monstre. En situation blev skabt, når det at være sig selv, have almindelige menneskelige lidenskaber, ønsker er den rigtige vej til helvede. Kun en renhjertet, retfærdig kristen kunne håbe på frelse, tilgivelse.

Domanico Veneziano, Madonna og Child

Renæssancen er præget af antropocentrisme og. I midten af ​​det er en person, hans aktiviteter, tanker, ambitioner. Denne tilgang er karakteristisk for den antikke kulturs æra. Dette er det gamle Rom, Grækenland. Kristendommen erstatter hedenskab i Europa, sammen med dette ændrer kunstens kanoner sig fuldstændigt.

Raphael Santi, Madonna i det grønne

Nu blev mennesket betragtet som en person, en vigtig komponent i samfundet. Mennesket modtog frihed i kunsten, som aldrig blev givet ham af middelalderens religiøse kulturs strenge love.

Renæssance, undskyld tautologien, genopliver antikken, men dette er allerede dets højere, moderne niveau. Europa falder under hans indflydelse fra det 15. til det 16. århundrede. I Italien vil der være lidt anderledes kronologiske rammer Renæssancen, det fortæller jeg lidt senere.

Hvordan startede det hele?

Det hele startede med det byzantinske kejsers fald. Hvis Europa i lang tid var under kirkens styre, så glemte ingen i Byzantium kunsten i den antikke periode. Folk flygtede fra det smuldrende imperium. De tog bøger, malerier med sig, bragte skulpturer og nye ideer til Europa.

Det byzantinske imperiums fald

Cosimo Medici stifter Platons Akademi i Firenze. Det genopliver det snarere. Alt dette var inspireret af talen fra en byzantinsk foredragsholder.

Byer vokser, indflydelsen fra godser, såsom håndværkere, købmænd, bankfolk, håndværkere, vokser. Det hierarkiske værdisystem er absolut ikke vigtigt for dem. Religiøs kunsts ydmyge ånd er uforståelig for dem, fremmede.

En moderne tendens dukker op - humanisme. Det er dette, der har en stærk indflydelse på renæssancens nye kunst. Europæiske byer søgte at etablere progressive centre for videnskab og kunst.

Dette område kom ud under indflydelse af Kirken. Naturligvis kastede middelalderen med deres bål og brænding af bøger civilisationens udvikling tilbage i årtier. Nu, med store skridt, søgte renæssancen at indhente.

Italiensk renæssance

Kunst bliver ikke kun en vigtig del af æraen, men også en nødvendig aktivitet. Folk har nu brug for kunst. Hvorfor?

Raphael Santi, portræt

En periode med økonomisk opsving følger, og med det et gigantisk skift i folks sind. Al menneskelig bevidsthed var ikke længere kun rettet mod overlevelse, nye behov dukker op.

At skildre verden som den er, at vise ægte skønhed og virkelige problemer - det er opgaven for dem, der er blevet ikoniske skikkelser i den italienske renæssance.

Det menes, at denne tendens dukkede op netop i Italien. Desuden opstod det fra det XIII århundrede. Så dukker den første begyndelse af en ny trend op i værkerne fra Paramoni, Pisano, derefter Giotto og Orcaña. Det slog endelig rod først fra 1420'erne.

I alt kan 4 store faser af æraens dannelse skelnes:

1. Proto-renæssance (hvad der skete i Italien);
2. Tidlig renæssance;
3. Høj renæssance;
4. Sen renæssance.

Lad os overveje hver af perioderne mere detaljeret.

Proto-renæssance

Stadig tæt forbundet med middelalderen. Dette er en periode med gradvis overgang fra traditionerne fra det gamle til det nye. Det fandt sted i perioden fra 2. halvdel af XIII århundrede til XIV århundrede. Lidt bremset udviklingen på grund af den globale pestepidemi i Italien.

Proto-renæssancens æra, Andrea Mantegna, alteret i San Zeno i Verona

Maleriet fra denne periode er bedst karakteriseret ved værkerne fra mestrene i Florence Cimabue, Giotto, samt Siena -skolen - Duccio, Simone Martini. Selvfølgelig er mesteren Giotto den vigtigste figur i proto-renæssancen. Virkelig en reformator af maleriets kanoner.

Tidlig renæssance

Dette er perioden fra 1420 til 1500. Vi kan sige, at dette er tiden for en gnidningsløs overgang til en ny trend. Der er stadig meget lånt fra fortidens kunst. Nye tendenser, billeder blandes med det, mange dagligdags motiver tilføjes. Maleri og arkitektur, litteratur bliver mindre og mindre fantasifuld, mere og mere "menneskelighed".

Tidlig renæssance, Basilica di Santa Maria del Carmine, Firenze

Høj renæssance

Renæssancens storslåede storhedstid falder i årene 1500 - 1527 i Italien. Dens centrum overføres fra Firenze til Rom. Pave Julius II er glad for den nye stemning, som i høj grad hjælper mestrene.

Sixtinske Madonna, Raphael Santi, højrenæssance

Han, en initiativrig, moderne mand, tildeler midler til oprettelse af kunstgenstande. De bedste kalkmalerier i Italien males, kirker, bygninger og paladser bygges. Det anses for helt passende at låne antikkens træk ved oprettelsen af ​​selv religiøse bygninger.

De mest ikoniske malere i Italien i tiden med høj indsigelse er Leonardo da Vinci og Raphael Santi.

Jeg var i Louvre i marts 2012, der var ikke mange turister, og jeg kunne roligt og gladeligt se på maleriet "Mona Lisa", som også kaldes "La Gioconda". Uanset hvilken side af gangen du går, ser hendes øjne altid på dig. Mirakel! Er det ikke?

Mona Lisa, Leonardo da Vinci

Sen renæssance

Det fandt sted fra 1530 til 1590-1620'erne. Historikere blev enige om kun at reducere arbejdet i denne periode til en enkelt betinget. Der var så mange nye retninger, at mine øjne blænder. Det gælder alle former for kreativitet.

Derefter sejrede modreformationen i Sydeuropa. De begyndte at se meget forsigtigt på den overdrevne sang af menneskekroppen. Der var mange modstandere af en lys tilbagevenden til antikken.

Veronese, Ægteskabet i Cana, sen renæssance

Som et resultat af en sådan kamp optræder stilen med "nervøs kunst" - manisme. Der er brudte linjer, konstruerede farver og billeder, nogle gange for tvetydige og undertiden overdrevne.

Parallelt med dette vises værker af Titian og Palladio. Deres arbejde betragtes som betydningsfuldt i slutningen af ​​renæssancen, det er fuldstændig ikke underlagt krisestrømmene i det århundrede.

Filosofien i disse perioder finder et nyt studieobjekt: det "universelle" menneske. Her er filosofiske tendenser sammenflettet med maleri. For eksempel Leonardo da Vinci. Hans arbejde er en idé om fraværet af grænser, grænser for det menneskelige sind.

Hvis du eller dit barn skal forberede sig på BRUG og GIA, kan du gøre det på Foxford -webstedet for skolebørn. Uddannelse for elever fra 5. til 11. klasse inden for alle discipliner, der er til stede på russiske skoler. Ud over grundkurser i grundfag har portalen specialiserede kurser til forberedelse til Unified State Exam, State Examination og Olympiads. Tilgængelige discipliner til træning: matematik, samfundsfag, russisk, fysik, datalogi, kemi, historie, engelsk, biologi.

Tiden erobrer Norden

Ja, det hele startede i Italien. Derefter gik strømmen videre. Jeg vil bare sige et par ord om den nordlige renæssance. Senest kom det til Holland, Tyskland og Frankrig. Der var ingen renæssance i den klassiske forstand, men den nye stil erobrede Europa.

Gotisk kunst hersker, og menneskelig erkendelse falmer i baggrunden. Albrecht Durer, Hans Holbein den Yngre, Lucas Cranach den Ældre, Pieter Bruegel den Ældre skiller sig ud.

De bedste repræsentanter for hele æraen

Vi talte om historien om denne mest interessante periode. Lad os nu se nærmere på alle dens komponenter.

Renæssance mand

Det vigtigste er at forstå - hvem er renæssancemanden?
Her vil filosoffer hjælpe os. For dem var genstanden for undersøgelsen sindet og evnerne hos den person, der skaber. Det er sindet, der adskiller det menneskelige fra alt andet. Fornuften får ham til at lide Gud, fordi mennesket kan skabe, skabe. Dette er en Skaber, en Skaber, en person i konstant udvikling.

Det er placeret i skæringspunktet mellem natur og modernitet. Naturen gav ham en utrolig gave - en perfekt krop og et stærkt intellekt. Moderne verdenåbner uendelige muligheder. Læring, fantasi og dens realisering. Der er ingen grænser for, hvad en person er i stand til.

Vitruvianske mand, Leonardo Da Vinci

Idealet for den menneskelige personlighed nu: venlighed, styrke, heltemod, evnen til at skabe og skabe en ny verden omkring ham. Det vigtigste her er personlig frihed.

Ideen om en person ændrer sig - nu er han fri, fuld af styrke og entusiasme. Selvfølgelig fik en sådan idé om mennesker dem til at gøre noget stort, meningsfuldt, vigtigt.

"Adel, som en slags udstråling, der stammer fra dyd og belyser dens ejere, uanset deres oprindelse." (Poggio Bracciolini, 1400 -tallet).

Videnskabelig udvikling

Perioden i XIV-XVI århundreder blev vigtig i udviklingen af ​​videnskab. Hvad sker der i Europa?

• Dette er den Store periode geografiske opdagelser;
• Nicolaus Copernicus ændrer folks opfattelse af Jorden, beviser, at Jorden kredser om Solen;
• Paracelsus og Vesalius gør et stort spring fremad inden for medicin og anatomi. I lang tid, obduktion, var undersøgelsen af ​​menneskelig anatomi en forbrydelse, skændelse af kroppen. Kendskabet til medicin var absolut ufuldstændigt, og al forskning var forbudt;
• Niccolo Machiavelli udforsker sociologi, gruppeadfærd;
• Ideen om et "ideelt samfund", Campanellas "Solens by" dukker op;
• Siden 1400 -tallet har trykning været aktivt under udvikling, mange værker er blevet udgivet for folket, videnskabelige, historiske værker bliver tilgængelige for alle;
• Startede aktiv undersøgelse af gamle sprog, oversættelser af gamle bøger.

Illustration til bogen Solens by, Campanella

Litteratur og filosofi

Den klareste repræsentant for æraen er Dante Alighieri. Hans "komedie" eller "guddommelige komedie" blev beundret af hans samtidige, den blev gjort til et eksempel på ren litteratur fra renæssancen.

Generelt kan perioden beskrives som forherligelse af en harmonisk, fri, kreativ, omfattende udviklet personlighed.

Francesco Petrarcas gratis sonetter om kærlighed afslører dybden i den menneskelige sjæl. I dem ser vi en hemmelig, skjult verden af ​​følelser, lidelse og glæde fra kærligheden. Følelser af en person bringes frem.

Petrarch og Laura

Giovanni Boccaccio, Niccolo Machiavelli, Ludovico Ariosto og Torquato Tasso forherligede æraen med deres værker af helt forskellige stilarter. Men de blev klassiske til renæssancen.

Selvfølgelig romantiske romaner, historier om kærlighed og venskab, sjove historier og tragiske romaner. Her er Boccaccios Decameron, for eksempel.

Decameron, Boccaccio

Pico della Mirandola skrev: "O suveræne og dejlige lykke for en person, der er givet til at eje, hvad han vil og være, hvad han vil."
Berømte filosoffer fra denne æra:

• Leonardo Bruni;
• Galileo Galilei;
• Niccolo Machiavelli;
• Giordano Bruno;
• Gianozzo Manetti;
• Pietro Pomponazzi;
• Tommaso Campanella;
• Marsilio Ficino;
• Giovanni Pico della Mirandola.

Interessen for filosofi vokser kraftigt. Fritænkning ophører med at være noget forbudt. Emnerne til analyse er meget forskellige, moderne, aktuelle. Der er ikke flere emner, der betragtes som usømmelige, og filosoffernes refleksioner går ikke længere kun af hensyn til kirken.

kunst

Et af de hurtigst voksende områder er maleri. Faktisk er der så mange nye emner. Nu er kunstneren også ved at blive filosof. Han viser sit syn på naturlovene, anatomi, livsperspektiver, ideer, lys. Der er ikke flere forbud for den, der har talentet og vil skabe.

Tror du, at emnet religiøst maleri ikke længere er relevant? Tværtimod. Renæssancemestre skabte fantastiske nye malerier. De gamle kanoner forlader, deres plads indtages af omfangsrige kompositioner, landskaber, "verdslige" attributter vises. De hellige er klædt realistisk, de bliver tættere, mere menneskelige.

Michelangelo, skabelse af Adam

Billedhuggere bruger også gerne religiøse temaer. Deres kreativitet bliver mere fri, ærlig. Menneskekroppen, anatomiske detaljer er ikke længere forbudt. Temaet om gamle guder vender tilbage.

Skønhed, harmoni, balance, kvindelig og mandlig krop kommer først. I den menneskelige krops skønhed er der intet forbud, generthed eller fordærv.

Arkitektur

Principperne og formerne for gammel romersk kunst vender tilbage. Nu hersker geometri og symmetri, der lægges stor vægt på at finde ideelle proportioner.
Tilbage på mode:

1. nicher, halvkugler af kupler, buer;
2. edikler;
3. bløde linjer.

De erstattede de kolde gotiske konturer. For eksempel den berømte katedral Santa Maria del Fiore, Villa Rotonda. Det var dengang, at de første villaer dukkede op - forstadsbyggeri. Normalt store komplekser med haver, terrasser.

Katedralen Santa Maria del Fiore

Kæmpe bidrag til arkitektur blev ydet af:

1. Filippo Brunelleschi - han betragtes som "far" til renæssancearkitektur. Han udviklede perspektivteori og et ordenssystem. Det var ham, der skabte kuplen i Firenze -katedralen.
2. Leon Battista Alberti - berømt for at genoverveje motiverne fra de tidlige kristne basilikaer * fra Konstantins tid.
3. Donato Bramante - arbejdede under højrenæssancen. Berømt for sine præcise proportioner.
4. Michelangelo Buonarroti er hovedarkitekten for senrenæssancen. Oprettet katedralen St. Peter, Laurenziana Trappe.
5. Andrea Palladio er grundlæggeren af ​​klassicisme. Han skabte sin egen kurs, kaldet palladianisme. Han arbejdede i Venedig og tegnede de største katedraler og paladser.

Under den tidlige og høje renæssance blev de bedste paladser i Italien bygget. For eksempel Villa Medici i Poggio a Caiano. Også Palazzo Pitti.

Overvejende farver: blå, gul, lilla, brun.

Generelt var arkitekturen på den tid kendetegnet ved stabilitet på den ene side, og på den anden side var det glatte linjer, halvcirkelformede overgange og komplekse buer.

Lokalerne blev gjort rummelige, med højt til loftet. De var dekoreret med træ- eller løvpynt.

* Basilika - kirke, katedral. Den har en rektangulær form og en eller flere (ulige tal) skibe. Det er karakteristisk for den tidlige kristne periode, og selve formen stammer fra gamle græske og romerske tempelbygninger.

Nye byggematerialer blev brugt. Basen er stenblokke. Begyndte at blive behandlet på forskellige måder. Nye morterer dukker op. Og også - dette er perioden med aktiv brug af gips.

Mursten bliver et dekorativt og konstruktionsmateriale. Glasursten, terracotta og majolika bruges også. Der lægges stor vægt på dekorative detaljer, kvaliteten af ​​deres udarbejdelse.

Nu bruges metaller også til dekorativ forarbejdning. Disse er kobber, tin og bronze. Udviklingen af ​​tømrerarbejde gør det muligt at lave forbløffende smukke, åbent elementer af hårdttræ.

musik

Folkemusikkens indflydelse vokser sig stærkere. Vokal og vokal-instrumental polyfoni udvikler sig hurtigt. Den venetianske skole var især vellykket her. Nye musikalske stilarter dukker op i Italien - frottola og villanella.

Caravaggio, musiker med lut

Italien er berømt for sine bøjede instrumenter. Der er endda en kamp mellem altfiol og violin om den bedste fremførelse af de samme melodier. Nye sangstilarter overtager Europa - solosang, kantate, oratorium og opera.

Hvorfor Italien?

Forresten, hvorfor begyndte renæssancen egentlig i Italien? Faktum er, at størstedelen af ​​befolkningen boede i byer. Ja, dette er en usædvanlig situation for perioden XIII-XV århundreder. Men hvis der ikke var særlige omstændigheder, ville alle epokerens mesterværker komme frem?

Handel og håndværk udviklede sig hurtigt. Det var bare nødvendigt at lære, opfinde, forbedre produkterne fra deres arbejde. Sådan viste tænkere, billedhuggere og kunstnere sig. Varerne skulle gøres mere attraktive, bøgerne med illustrationer solgte bedre.

Handel er altid rejse. Folk havde brug for sprog. De så mange nye ting på deres rejser, forsøgte at implementere det i deres bys liv.

Vasari, Firenze

På den anden side er Italien arving til det store romerske imperium. Kærlighed til skønhed, rester af gammel kultur - alt dette er koncentreret i byerne i Italien. En sådan atmosfære kunne simpelthen ikke andet end motivere talentfulde mennesker til nye opdagelser.

Forskere mener, at en anden grund netop er den vestlige og ikke den østlige form for kristen tro. Det menes, at dette er en særlig form for kristendom. Ydersiden af ​​landets katolske liv tillod en vis fritænkning.

For eksempel fremkomsten af ​​"antipap"! Så argumenterede paven selv for magt ved at bruge umenneskelige, helt ulovlige metoder til at nå målet. Folket fulgte dette og indså, at katolske fundamenter og moral i virkeligheden ikke altid virker.

Nu blev Gud genstand for teoretisk viden og ikke centrum for menneskeliv. Mennesket var klart adskilt fra Gud. Dette gav naturligvis anledning til alverdens tvivl. Under sådanne forhold udvikler videnskab og kultur sig. Naturligvis bliver kunsten skilt fra religion.

Venner, tak fordi du læste mine artikler! Forhåbentlig er vigtige punkter om den italienske renæssance blevet afklaret.

Læs også om Italien og italiensk, hvor du let kan besøge de mest interessante og smukkeste steder i landet.

Abonner på opdateringer, genudsend mine artikler. Når du abonnerer, modtager du også helt gratis en fremragende grundlæggende parlør på tre sprog, engelsk, tysk og fransk. Dets største plus er, at der er russisk transskription, så selvom du ikke kender sproget, kan du nemt mestre dagligdags sætninger. Vi ses snart!

Jeg var med dig, Natalya Glukhova, jeg ønsker dig en god dag!

Kapitel "Introduktion", afsnit "Art of Italy". Generel kunsthistorie. Bind III. Renæssancekunst. Forfatter: E.I. Rothenberg; redigeret af Yu.D. Kolpinsky og E.I. Rotenberg (Moskva, Statens forlag "Art", 1962)

I historien om renæssancens kunstneriske kultur leverede Italien et særdeles vigtigt bidrag. Den store velstand, der markerede den italienske renæssance, synes særligt slående i modsætning til de små territoriale dimensioner i de byrepublikker, hvor kulturen i denne æra stammer fra og oplevede sin høje stigning. Kunst i disse århundreder indtog en hidtil uset position i det offentlige liv. Det syntes at være kunstnerisk skabelse, der blev et umætteligt behov for mennesker fra renæssancetiden, et udtryk for deres uudtømmelig energi... I Italiens fremmeste centre har en passion for kunst fanget de bredeste dele af samfundet - fra de herskende kredse til almindelige mennesker. Opførelsen af ​​offentlige bygninger, installation af monumenter, udsmykningen af ​​byens hovedbygninger var et spørgsmål af national betydning og genstand for højtstående embedsmænds opmærksomhed. Fremkomsten af ​​fremragende kunstværker blev til en stor offentlig begivenhed. Den generelle beundring for fremragende mestre kan bevises ved, at tidens største genier - Leonardo, Raphael, Michelangelo - blev kaldt divino - guddommelige af deres samtidige.

Produktivitetsmæssigt er renæssancen, der strakte sig over omkring tre århundreder i Italien, ganske sammenlignelig med et helt årtusinde, hvor middelalderkunst udviklede sig. Fantastisk er den meget fysiske skala af alt, hvad der blev skabt af mestrene i den italienske renæssance - de majestætiske kommunale bygninger og enorme katedraler, storslåede patricierpaladser og villaer, skulpturværker i alle dens former, utallige monumenter af malerier - kalkmalerier, monumentale alterkompositioner og staffeli ... Tegning og gravering, håndskrevet miniature og nyudviklet trykt grafik, dekorativ og brugskunst i alle dens former - der var faktisk ikke et eneste område af kunstnerlivet, der ikke oplevede en hurtig opsving. Men måske endnu mere slående er det usædvanligt høje kunstneriske niveau i den italienske renæssances kunst, dens virkelig globale betydning som en af ​​højdepunkterne i den menneskelige kultur.

Renæssancekulturen var ikke alene Italiens ejendom: dens formidlingsområde dækkede mange af Europas lande. På samme tid fandt de enkelte stadier i udviklingen af ​​renæssancekunsten i det ene eller det andet land deres dominerende udtryk. Men i Italien opstod den nye kultur ikke kun tidligere end i andre lande, men selve udviklingsvejen blev kendetegnet ved en ekstraordinær sekvens af alle faser - fra proto -renæssancen til senrenæssancen og i hver af disse faser italiensk kunst gav høje resultater og oversteg i de fleste tilfælde af opnåelse af kunstskoler i andre lande (I kunsthistorien bruges traditionelt de italienske navne i de århundreder, hvor fødslen og udviklingen af ​​renæssancekunsten i Italien falder (hver af de navngivne århundreder repræsenterer en bestemt milepæl i denne evolution). Det 13. århundrede kaldes altså Ducento, det 14. - trecento, 15. - quattrocento, 16. - cinquecento.). Takket være dette nåede renæssancens kunstneriske kultur i Italien en særlig udtryksfuldhed, der så at sige fremstår i sin mest integrerede og klassisk komplette form.

Forklaringen på denne kendsgerning er forbundet med de specifikke forhold, hvor den historiske udvikling i renæssancen Italien fandt sted. Det sociale grundlag, der bidrog til fremkomsten ny kultur, blev bestemt ekstremt tidligt her. Allerede i 12-13 århundreder, hvor Byzantium og araberne som følge af korstogene blev skubbet tilbage fra de traditionelle handelsruter i regionen Middelhavet, de norditalienske byer og frem for alt Venedig, Pisa og Genova overtog al mellemhandelen mellem Vesteuropa og Østen. I de samme århundreder oplevede kunsthåndværksproduktionen sin fremgang i centre som Mila, Firenze, Siena og Bologna. Den akkumulerede formue blev investeret i stor skala i industri, handel og bankvirksomhed. Politisk magt i byerne blev grebet af Polansky -ejendommen, det vil sige håndværkere og købmænd, forenet i værksteder. Stolende på deres voksende økonomiske og politiske magt begyndte de at bekæmpe de lokale feudale herrer og søgte fuldstændig fratagelse af deres politiske rettigheder. Styrkelse af de italienske byer gav dem mulighed for med succes at afvise angrebet fra andre stater, primært de tyske kejsere.

På dette tidspunkt begyndte byer i andre europæiske lande også på vejen til at forsvare deres fælles rettigheder mod påstande fra magtfulde feudalherrer. II Alligevel adskilte de velhavende italienske byer sig i denne henseende fra bycentrene på den anden side af Alperne i et afgørende træk. Under de ekstremt gunstige betingelser for politisk uafhængighed og frihed fra feudale institutioner i Italiens byer blev former for en ny, kapitalistisk orden født. De tidligste former for kapitalistisk produktion manifesterede sig tydeligst i tøjindustrien i italienske byer, primært Firenze, hvor former for spredt og centraliseret fremstilling allerede blev brugt, og de såkaldte seniorworkshops, som var fagforeninger for iværksættere, etablerede et system med grusom udnyttelse af lejede arbejdere. Et vidnesbyrd om, hvor meget Italien har overgået andre lande på den økonomiske og social udvikling, kan være det faktum, at allerede i 1300 -tallet. Italien kendte ikke kun anti-feudale bondebevægelser, der udviklede sig i visse regioner i landet (for eksempel Fra Dolcino-opstanden i 1307), eller opstandene i byens folk (en bevægelse ledet af Cola di Rienzi i Rom i 1347-1354 ), men også undertrykte arbejderes oprør mod iværksættere i de mest avancerede industricentre (Chompi -oprøret i Firenze i 1374). I det samme Italien begyndte dannelsen af ​​det tidlige borgerskab tidligere end andre steder - den nye sociale klasse, som var repræsenteret af Polankredse. Det er vigtigt at understrege, at dette tidlige borgerskab bar tegn på en radikal forskel fra det middelalderlige borgerskab. Essensen i denne forskel er primært forbundet med økonomiske faktorer, da det er i Italien, at tidlige kapitalistiske produktionsformer opstår. Men ikke mindre vigtig er det faktum, at i de avancerede centre i det italienske borgerskab i 1300 -tallet. besad al den fulde politiske magt og udvidede den til jordbesiddelserne ved siden af ​​byerne. En sådan magtfuldhed kendte ikke borgere i andre europæiske lande, hvis politiske rettigheder normalt ikke gik ud over grænserne for kommunale privilegier. Det var den økonomiske og politiske magtens enhed, der gav den popolanske ejendom i Italien de særlige træk, der adskilte den både fra middelalderens borgere og fra borgerskabet i tiden efter renæssancen i de absolutistiske stater i 1600-tallet.

Sammenbruddet af det feudale ejendomssystem og fremkomsten af ​​nye sociale relationer medførte fundamentale ændringer i verdensopfattelsen og kulturen. Den revolutionære karakter af den sociale omvæltning, der udgjorde essensen af ​​renæssancen, manifesterede sig i de avancerede byrepublikker i Italien med enestående lysstyrke.

Med hensyn til det sociale og ideologisk æra Renæssancen i Italien var en kompleks og modstridende proces med ødelæggelse af det gamle og dannelsen af ​​det nye, da de reaktionære og progressive elementer var i en tilstand af den mest akutte kamp, ​​og juridiske institutioner, social orden, skikke samt som de ideologiske fonde selv, endnu ikke havde erhvervet sig hæderkronet og statskirkelig autoritet for ukrænkelighed. Derfor fandt kvaliteter af datidens mennesker som personlig energi og initiativ, mod og udholdenhed i at nå det fastsatte mål ekstremt gunstig jord for sig selv i Italien og kunne afsløre sig her med den største fuldstændighed. Det er ikke for ingenting, at det var i Italien, at selve renæssancens type menneske udviklede sig i sin største lysstyrke og fuldstændighed.

Det faktum, at Italien gav et enestående eksempel på en lang og usædvanligt frugtbar udvikling af renæssancekunsten i alle dens faser, skyldes primært, at den virkelige indflydelse af progressive sociale kredse i den økonomiske og politiske sfære forblev her indtil de første årtier af 1500 -tallet. Denne indflydelse var også effektiv i den periode, hvor overgangen fra det kommunale system til det såkaldte tyranni begyndte (fra 1300-tallet) i mange centre i landet. Styrkelse af centraliseret magt ved at overføre den i hænderne på en hersker (som kom fra feudal eller den rigeste købmands efternavne) var en konsekvens af intensiveringen af ​​klassekampen mellem de herskende borgerlige kredse og massen af ​​de urbane lavere klasser. Men selve den økonomiske og sociale struktur i italienske byer var stadig stort set baseret på tidligere erobringer, og det var ikke for ingenting, at overskuddet af magt fra de herskere, der forsøgte at etablere et regime med åbent personligt diktatur, blev fulgt af aktive protester af brede lag i bybefolkningen, hvilket ofte fører til udvisning af tyranner. Disse eller disse ændringer i de former for politisk magt, der fandt sted i den betragtede periode, kunne ikke ødelægge selve ånden i frie byer, som forblev i de avancerede centre i Italien indtil den tragiske afslutning på renæssancen.

Denne situation adskilte renæssancen Italien fra andre europæiske lande, hvor nye sociale kræfter senere kom til at erstatte den gamle retsorden, og det kronologiske omfang af selve renæssancen derfor var tilsvarende kortere. Og da den nye samfundsklasse ikke kunne indtage så stærke positioner i disse lande som i Italien, blev renæssancekuppet udtrykt i dem i mindre afgørende former, og skiftene i den kunstneriske kultur havde ikke selv en så markant revolutionær karakter.

Men foran andre lande på vejen til social og kulturel fremgang befandt Italien sig bag dem i et andet vigtigt historisk spørgsmål: landets politiske enhed, dets omdannelse til en stærk og centraliseret stat var upraktisk for hende. Dette var roden til den historiske tragedie i Italien. Siden den tid, hvor de store nabomonarker og frem for alt Frankrig samt Det Hellige Romerske Rige, som omfattede de tyske stater og Spanien, blev magtfulde magter, fandt Italien, opdelt i mange stridende regioner, sig forsvarsløs mod angreb fra udenlandske hære ... Kampagnen i Italien, som franskmændene gennemførte i 1494, åbnede perioden med erobringskrige, der sluttede i midten af ​​1500 -tallet. spaniernes erobring af næsten hele landets område og dets tab af uafhængighed i flere århundreder. Opfordrer til forening af Italien fra de bedste sind i landet og individuelle praktiske forsøg i denne retning kunne ikke overvinde den traditionelle separatisme mellem de italienske stater.

Rødderne til denne separatisme bør søges ikke kun i de individuelle herskers egoistiske politik, især paverne, disse værste fjender af Italiens enhed, men frem for alt i selve grundlaget for det økonomiske og sociale system, der blev etableret under renæssancen i de avancerede regioner og centre i landet. Spredningen af ​​en ny økonomisk og social orden inden for rammerne af en enkelt italiensk stat viste sig på det tidspunkt at være upraktisk, ikke kun fordi formerne for det kommunale system for byrepublikker ikke kunne overføres til at styre et helt land, men også på grund af økonomiske faktorer: Det var umuligt at oprette et enkelt økonomisk system på en skala i hele Italien på det daværende produktionsniveau. Den omfattende udvikling af det tidlige borgerskab, der havde fulde politiske rettigheder, karakteristisk for Italien, kunne kun finde sted inden for rammerne af små byrepublikker. Med andre ord var fragmenteringen af ​​landet en af ​​de uundgåelige forudsætninger for blomstringen af ​​en så magtfuld renæssancekultur som Italiens kultur, for en sådan opblomstring var kun mulig under betingelserne for separate uafhængige bystater. Som forløbet af historiske begivenheder har vist, fik renæssancekunsten i centraliserede monarkier ikke en så udpræget revolutionær karakter som i Italien. Denne konklusion finder sin bekræftelse i, at hvis Italien i politisk henseende befandt sig i tidens løb afhængig af så stærke absolutistiske magter som Frankrig og Spanien, så med hensyn til kulturelle og kunstneriske - selv i perioden med Italiens tab af uafhængighed - afhængigheden var den modsatte ....

I selve forudsætningerne for den største stigning i kulturen i den italienske renæssance blev således årsagerne til det forventede sammenbrud lagt. Dette betyder naturligvis slet ikke, at opfordringerne til forening af landet, især intensiveret i perioden med Italiens alvorlige politiske krise i de første årtier af 1500 -tallet, ikke var progressive. Disse appeller svarede ikke kun til ambitionerne fra brede lag i befolkningen, hvis sociale erobringer og uafhængighed var truet, de var også en afspejling af den virkelige proces med den voksende kulturelle konsolidering af forskellige regioner i Italien. Uenige ved renæssancens begyndelse på grund af ujævnheden i deres kulturelle udvikling, var mange regioner i landet allerede i det 16. århundrede forbundet med en dyb åndelig enhed. Det, der forblev umuligt i den statspolitiske sfære, blev opnået inden for den ideologiske og kunstneriske sfære. Republikansk Firenze og pavelig Rom var krigende stater, men de største florentinske mestre arbejdede i Firenze og Rom, og det kunstneriske indhold i deres romerske værker var på niveau med de mest progressive idealer i den frihedselskende florentinske republik.

Den ekstremt frugtbare udvikling af renæssancekunst i Italien blev lettet ikke kun af sociale, men også af historiske og kunstneriske faktorer. Italiensk renæssancekunst skylder ikke sin oprindelse til nogen, men til flere kilder. I perioden op til renæssancen var Italien korsvejen mellem flere middelalderkulturer. I modsætning til andre lande er begge hovedlinjer i middelalderkunst i Europa - byzantinsk og romano -gotisk, komplicerede i visse regioner i Italien af ​​indflydelsen fra østens kunst. Begge linjer bidrog til dannelsen af ​​renæssancekunst. Fra byzantinsk maleri tog den italienske proto-renæssance en ideelt smuk struktur af billeder og former for monumentale billedcykler; det gotiske billedsystem bidrog til indtrængning af følelsesmæssig spænding og en mere konkret opfattelse af virkeligheden i kunsten fra 1300 -tallet. Men endnu vigtigere var det faktum, at Italien var vogteren for den antikke verdens kunstneriske arv. I en eller anden form fandt den gamle tradition sin brydning allerede i middelalderlig italiensk kunst, for eksempel i skulptur fra Hohenstaufens tid, men først i renæssancen, fra 1400 -tallet, åbnede antik kunst sig for øjnene af kunstnere i sit sande lys som et æstetisk perfekt udtryk for selve virkelighedens love ... Kombinationen af ​​disse faktorer skabte i Italien den mest gunstige jordbund for fødslen og stigningen af ​​renæssancekunst.

En af indikatorerne for det højeste udviklingsniveau for italiensk renæssancekunst var dens karakteristiske udbredte udvikling af videnskabelig og teoretisk tankegang. Den tidlige fremkomst af teoretiske værker i Italien var i sig selv et bevis på den vigtige kendsgerning, at repræsentanterne for avanceret italiensk kunst indså essensen af ​​den revolution, der havde fundet sted i kulturen. Denne bevidsthed om kreativ aktivitet stimulerede i meget stor grad kunstnerisk fremgang, for den gjorde det muligt for italienske mestre at komme videre ikke ved at famle, men ved målrettet at sætte og løse bestemte opgaver.

Kunstnernes interesse for videnskabelige problemer var på det tidspunkt endnu mere naturlig, fordi de i deres objektive viden om verden ikke kun stolede på dens følelsesmæssige opfattelse, men også på den rationelle forståelse af de underliggende love. Sammensmeltningen af ​​videnskabelig og kunstnerisk viden, karakteristisk for renæssancen, var årsagen til, at mange af kunstnerne på samme tid var fremragende videnskabsmænd. I den mest slående form kommer dette træk til udtryk i Leonardo da Vincis personlighed, men det var i en eller anden grad karakteristisk for rigtig mange figurer i italiensk kunstnerisk kultur.

Teoretisk tanke i renæssancen Italien udviklede sig i to hovedkanaler. På den ene side er dette problemet med det æstetiske ideal, i hvis løsning kunstnerne støttede sig på de italienske humanisters ideer om menneskets høje skæbne, om etiske normer, om det sted, han indtager i naturen og samfundet. På den anden side er det de praktiske spørgsmål om udførelsen af ​​dette kunstneriske ideal ved hjælp af den nye renæssancekunst. Kendskabet til renæssancens mestre inden for anatomi, perspektivteorien og proportionslæren, som var resultatet af den videnskabelige forståelse af verden, bidrog til udviklingen af ​​disse midler til billedsprog, med hjælp, som disse mestre var i stand til objektivt at afspejle virkeligheden i kunsten. I teoretiske værker dedikeret til forskellige kunstarter blev en lang række spørgsmål om kunstnerisk praksis overvejet. Det er tilstrækkeligt at nævne eksempler på udviklingen af ​​spørgsmål om matematisk perspektiv og dets anvendelse i maleri, udført af Brunelleschi, Alberti og Piero della Francesca, en omfattende samling af kunstnerisk viden og teoretiske konklusioner, som er utallige noter af Leonardo da Vinci, værker og udsagn om skulptur af Ghiberti, Michelangelo og Cellini, arkitektoniske afhandlinger af Alberti, Averlino, Francesco di Giorgio Martini, Palladio, Vignola. Endelig fremførte kulturen i den italienske renæssance i George Vasaris person den første kunsthistoriker, der i sine biografier om italienske kunstnere forsøgte at forstå sin tids æra i historiske termer. Rigdom og bredde af dækningen af ​​disse værker bekræftes af det faktum, at italienske teoretikeres ideer og konklusioner bevarede deres praktiske betydning i mange århundreder efter deres fremkomst.

Dette gælder i endnu højere grad de meget kreative præstationer for mestrene i den italienske renæssance, der har ydet et vigtigt bidrag til alle former for plastik, ofte forudbestemt deres udviklingsvej i efterfølgende epoker.

I arkitekturen i renæssancen Italien blev de vigtigste typer offentlige og boligstrukturer, der har været brugt i europæisk arkitektur siden skabt, og de midler til det arkitektoniske sprog blev udviklet, der blev grundlaget for arkitektonisk tænkning over en lang historisk periode. Dominansen af ​​det sekulære princip i italiensk arkitektur kom ikke kun til udtryk i overvægten af ​​offentlige og private bygninger med et sekulært formål i det, men også i det faktum, at spiritualistiske elementer blev elimineret i det mest figurative indhold af religiøse bygninger - de gav efter til nye, humanistiske idealer. Inden for den sekulære arkitektur blev det førende sted indtaget af typen boligby -palads (palazzo) - oprindeligt boligen til en repræsentant for velhavende handels- eller iværksætterfamilier og i det 16. århundrede. - en adelsmands eller hersker i staten. Renæssancepalazzoen tjente over tid på en bygnings funktioner, ikke kun private, men også offentlige, og fungerede også som en prototype for offentlige bygninger i de følgende århundreder. I Italiens kirkearkitektur blev der lagt særlig vægt på billedet af en centreret kuplet struktur. Dette billede svarede til ideen om en perfekt arkitektonisk form, der herskede i renæssancen, som udtrykte ideen om en renæssancepersonalitet i harmonisk balance med den omgivende verden. De mest modne løsninger på dette problem blev givet af Bramante og Michelangelo i projekterne ved katedralen i St. Peter i Rom.

Hvad angår selve arkitektursproget, var den afgørende faktor her genoplivning og udvikling af det gamle ordenssystem på et nyt grundlag. For arkitekterne i renæssancen Italien var ordren et arkitektonisk system designet til visuelt at udtrykke en bygnings tektoniske struktur. Proportionaliteten til en person, der er iboende i rækkefølgen, blev betragtet som et af grundlaget for det humanistiske ideologiske indhold i det arkitektoniske billede. De italienske arkitekter udvidede ordens sammensætningsmuligheder i sammenligning med de gamle mestre efter at have formået at finde en organisk kombination af den med væggen, buen og hvælvningen. Bygningens hele volumen opfattes af dem som gennemtrængt af en ordenstruktur, som opnår en dyb figurativ enhed i strukturen med dets naturlige miljø, da de klassiske ordener selv afspejler visse naturlove.

I byplanlægningen stod arkitekterne i renæssancen Italien over for store vanskeligheder, især i den tidlige periode, da de fleste byer havde en tæt kapitaludvikling allerede i middelalderen. Imidlertid udgjorde avancerede teoretikere og udøvere af tidlig renæssancearkitektur store byplanlægningsproblemer og betragtede dem som morgendagens hastende opgaver. Hvis deres dristige generelle byplanlægningsideer ikke var fuldt ud gennemførlige på det tidspunkt og derfor forblev ejendommen for arkitektoniske afhandlinger, så bestemte vigtige opgaver, især problemet med at skabe et bycentrum - udviklingen af ​​principper for opførelse af byens hovedtorv - blev fundet i det 16. århundrede. dens glimrende løsning, for eksempel på Piazza San Marco i Venedig og i Capitolien i Rom.

I billedkunsten gav renæssancen Italien det mest levende eksempel på selvbestemmelse af visse kunstarter, tidligere i middelalderen, som var underordnet arkitekturen, men nu har de opnået den fantasifulde uafhængigheds fylde. Med hensyn til ideologi betød denne proces frigørelse af skulptur og maleri fra de religiøst-spiritualistiske dogmer i middelalderen, der fængte dem og appellen til billeder mættet med nyt, humanistisk indhold. Parallelt hermed fandt fremkomsten og dannelsen af ​​nye typer og genrer af kunst, hvor et nyt ideologisk indhold blev udtrykt, sted. Skulptur, for eksempel, efter tusind års pause, endelig genvandt grundlaget for sin figurative udtryksfuldhed og vendte sig til en fritstående statue og en gruppe. Omfanget af figurativ dækning af skulptur er også udvidet. Sammen med de traditionelle billeder forbundet med den kristne kult og oldtidens mytologi, der afspejlede de generelle ideer om mennesket, var dens formål også en specifik menneskelig individualitet, som manifesterede sig i oprettelsen af ​​monumentale monumenter for herskere og kondottører samt i udbredt brug af skulpturelle portrætter i former portrætbuste. Skulpturtypen, der er udviklet i middelalderen som et relief, er under en radikal transformation, hvis fantasifulde muligheder takket være brugen af ​​teknikkerne i et billedperspektivet rumbillede udvides på grund af en mere komplet omfattende visning af livsmiljøet omkring en person.

Hvad angår maleri, er det her, sammen med den hidtil usete blomstring af monumental fresko -komposition, især nødvendigt at understrege, at fremkomsten af ​​staffeli -maleri, der markerede begyndelsen på et nyt trin i udviklingen af ​​kunst. Af malerierne sammen med kompositioner om bibelske og mytologiske temaer, der indtog en dominerende position i renæssancemaleriet i Italien, skulle man udpege portrættet, der oplevede sin første storhedstid i denne æra. De første vigtige skridt blev også taget i nye genrer som historisk maleri i ordets og landskabets rette betydning.

Efter at have spillet en afgørende rolle i processen med frigørelse af visse former for kunst, bevarede og udviklede den italienske renæssance samtidig en af ​​de mest værdifulde kvaliteter i middelalderens kunstneriske kultur - princippet om syntese af forskellige kunstarter, deres forening til et fælles figurativt ensemble. Dette blev lettet af den øgede følelse af kunstnerisk organisation, der er forbundet med italienske mestre, hvilket manifesterer sig i dem både i den generelle udformning af et komplekst arkitektonisk og kunstnerisk kompleks og i hver detalje af et særskilt værk, der er inkluderet i dette kompleks. På samme tid, i modsætning til den middelalderlige forståelse af syntese, hvor skulptur og maleri er underordnet arkitekturen, er principperne for renæssancesyntese baseret på en slags lighed mellem hver type kunst, hvilket skyldes, at skulpturens specifikke kvaliteter og maleri inden for rammerne af et generelt kunstnerisk ensemble erhverver en øget effektivitet af æstetisk påvirkning. Det er vigtigt at understrege her, at tegnene på involvering af en stor figurativt system De indeholder ikke kun værker, der er direkte inkluderet i ethvert kunstnerisk kompleks til deres formål, men også separat taget uafhængige monumenter for skulptur og maleri. Uanset om det er Michelangelos kolossale David eller Raphaels miniature Madonna of Connestable, indeholder hvert af disse værker potentielt kvaliteter, der gør det muligt at betragte det som en mulig del af et fælles kunstnerisk ensemble.

Dette specifikt italienske monumentalsyntetiske lager af renæssancekunst blev lettet af selve de kunstneriske billeder af skulptur og maleri. I Italien, i modsætning til andre europæiske lande, blev det æstetiske ideal for renæssancemanden dannet meget tidligt, hvilket går tilbage til humanisternes lære om uomo universale, om det perfekte menneske, hvor kropslig skønhed og sindstyrke harmonisk kombineres . Som det fremtrædende element i dette billede fremsættes begrebet virtu (tapperhed), der har en meget bred betydning og udtrykker det aktive princip i en person, målrettetheden af ​​hans vilje, evnen til at gennemføre sine høje planer på trods af alle forhindringer. Denne særlige kvalitet af renæssancens figurative ideal kommer ikke til udtryk hos alle italienske kunstnere i en så åben form som for eksempel i Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna og Mikalangelo - mestre i hvis værksbilleder af en heroisk karakter hersker. Men det er altid til stede på billederne af et harmonisk lager, for eksempel i Raphael og Giorgione, for harmonien mellem renæssancebillederne er langt fra afslappet ro - bagved føler man altid den indre aktivitet af helten og hans bevidsthed om hans moralsk styrke.

Gennem det 15. og 16. århundrede forblev dette æstetiske ideal ikke uændret: afhængigt af de enkelte faser af udviklingen af ​​renæssancekunst blev forskellige aspekter af det skitseret i det. I billederne fra den tidlige renæssance er for eksempel træk af urokkelig indre integritet mere udtalte. Mere kompleks og rigere er den åndelige verden for højrenæssancens helte, som giver det mest levende eksempel på den harmoniske holdning, der er forbundet med kunsten i denne periode. I de efterfølgende årtier, med væksten af ​​uopløselige sociale modsætninger, i billederne af italienske mestre, den indre stress, er der en følelse af dissonans, tragisk konflikt. Men gennem hele renæssancetiden er italienske billedhuggere og malere fortsat engagerede i et kollektivt billede, et generaliseret kunstnerisk sprog. Det er takket være stræben efter det mest generelle udtryk for kunstneriske idealer, at italienske mestre i højere grad end herrer i andre lande lykkedes med at skabe billeder af så bred lyd. Dette er roden til deres særegne alsidighed billedsprog, som viste sig at være en slags norm og et eksempel på renæssancens kunst generelt.

Den dybt udviklede humanistiske idéers enorme rolle for italiensk kunst manifesterede sig allerede i den utvivlsomt dominerende stilling, som det menneskelige billede fandt i den - en af ​​indikatorerne for dette var beundringen for den smukke menneskekrop, som var karakteristisk for italienerne, som var betragtes af humanister og kunstnere som opbevaringsstedet for en smuk sjæl. I de fleste tilfælde blev det daglige og naturlige miljø omkring en person ikke genstand for samme opmærksomhed for italienske håndværkere. Denne udtalte antropocentrisme, evnen til at afsløre deres ideer om verden primært gennem billedet af en person, giver helterne fra mestrene i den italienske renæssance en så omfattende indholdsdybde. Vejen fra det generelle til det enkelte, fra det hele til det særlige er karakteristisk for italienerne ikke kun i monumentale billeder, hvor deres helt ideelle kvaliteter er en nødvendig form for kunstnerisk generalisering, men også i en genre som et portræt. Og i sine portrætværker går den italienske maler ud fra en bestemt type menneskelig personlighed, i forhold til hvilken han opfatter hver enkelt model. I overensstemmelse hermed har typeprincippet i det italienske renæssancesportræt, i modsætning til portrætbillederne i andre landes kunst, sejr over de individualiserende tendenser.

Men dominans af et bestemt ideal i italiensk kunst betød på ingen måde en udjævning og overdreven ensartethed af kunstneriske beslutninger. Enheden mellem ideologiske og fantasifulde forudsætninger udelukkede ikke alene mangfoldigheden af ​​kreative talenter hos hvert af de store mestre, der arbejdede i denne æra, men tværtimod understregede endnu tydeligere deres individuelle egenskaber. Selv inden for den ene, den korteste fase af renæssancekunsten - de tre årtier, hvor højrenæssancen falder, kan vi let fange forskelle i opfattelse menneskeligt billede fra de største mestre i denne periode. Således skiller Leonardos karakterer sig ud for deres dybe spiritualitet og intellektuelle rigdom; Raphaels kunst domineres af en følelse af harmonisk klarhed; Michelangelos titaniske billeder giver det mest levende udtryk for den heroiske virkning af mennesket i denne æra. Hvis vi vender os til de venetianske malere, så tiltrækker billederne af Giorgione med deres subtile lyrik, mens Titians sanselige overflod og forskellige følelsesmæssige bevægelser er mere markante. Det samme gælder for visuelt sprog Italienske malere: hvis de florentinsk-romerske mestre domineres af lineære-plastiske udtryksmidler, så er det koloristiske princip af afgørende betydning blandt venetianerne.

Visse aspekter af renæssancens fantasifulde opfattelse modtog forskellige brydninger i den italienske renæssances kunst, afhængigt af de forskellige stadier af dens udvikling og de traditioner, der udviklede sig i de enkelte territoriale kunstskoler. Da de italienske staters økonomiske og kulturelle udvikling ikke var ensartet, var deres bidrag til renæssancens kunst anderledes i dens individuelle perioder. Af de mange kunstneriske centre i landet skulle der skelnes mellem tre - Firenze, Rom og Venedig, hvis kunst i en vis historisk rækkefølge repræsenterede hovedlinjen i den italienske renæssance i tre århundreder.

Firenzes historiske rolle i udformningen af ​​renæssancens kultur er særlig vigtig. Firenze var i spidsen for ny kunst fra tiden fra proto-renæssancen til højrenæssancen. Hovedstaden i Toscana blev som det blev fokus for Italiens økonomiske, politiske og kulturelle liv fra det 13. til begyndelsen af ​​det 16. århundrede, og begivenhederne i dets historie, efter at have mistet deres rent lokale karakter, fik generel italiensk betydning. Det samme gælder fuldt ud for disse århundreders florentinske kunst. Firenze har været fødested eller hjemsted for mange af de største mestre fra Giotto til Michelangelo.

Fra slutningen af ​​det 15. til begyndelsen af ​​det 16. århundrede. som det førende centrum for landets kunstneriske liv, sammen med Firenze, fremstilles Rom. Ved at bruge sin særlige position som hovedstad i den katolske verden, bliver Rom en af ​​de stærkeste stater i Italien og hævder en ledende rolle blandt dem. Følgelig tager pavens kunstneriske politik form, som for at styrke det romerske pontifikats myndighed tiltrækker de største arkitekter, billedhuggere og malere til deres domstol. Roms fremkomst som landets vigtigste kunstneriske centrum faldt sammen med begyndelsen af ​​højrenæssancen; Rom bevarede sin førende position i løbet af de første tre årtier af 1500 -tallet. De bedste værker af Bramante, Raphael, Michelangelo og mange andre mestre, der arbejdede i Rom, skabt i disse år, markerede renæssancens højdepunkt. Men med tab af politisk uafhængighed af de italienske stater, under krisen i renæssancekulturen, blev det pavelige Rom til en højborg for ideologisk reaktion klædt i form af en modreformation. Siden 40'erne, da kontrareformationen lancerede en bred offensiv mod erobringerne af renæssancekulturen, har det tredje største kunstneriske centrum, Venedig, været bevarer og fortsætter progressive progressive renæssancesidealer.

Venedig var den sidste af de stærke italienske republikker, der forsvarede deres uafhængighed og beholdt en stor andel af deres enorme rigdom. Tilbage til slutningen af ​​1500 -tallet. et stort arnested for renæssancekulturen, blev det en højborg for håb for det slaveriske Italien. Det var Venedig, der var bestemt til at give den mest frugtbare afsløring af de italienske sene renæssances figurative kvaliteter. Titians arbejde i den sidste periode af hans aktivitet, samt de største repræsentanter for anden generation af venetianske malere i det 16. århundrede. - Veronese og Tintoretto var ikke kun et udtryk for det realistiske princip om renæssancekunst på et nyt historisk stadie - det banede vejen for de mest historisk lovende elementer i renæssancesrealismen, som blev videreført og udviklet i en ny stor kunstnerisk æra - i maleri fra 1600 -tallet.

Allerede for sin tid havde kunsten i den italienske renæssance en usædvanlig bred europæisk betydning. Overskrider resten af ​​Europa på udviklingsvejen for renæssancekunst i kronologisk henseende. Italien var også foran dem med at løse mange af de vigtigste kunstneriske opgaver, som æraen fremlagde. Derfor, for alle andre nationale renæssancekulturer, indebar det, at man henvendte sig til italienske mesters arbejde et skarpt spring i dannelsen af ​​en ny, realistisk kunst. Allerede i 1500 -tallet var det umuligt at opnå et vist niveau af kunstnerisk modenhed i europæiske lande uden en dyb kreativ assimilering af erobringerne af italiensk kunst. Så store malere som Durer og Holbein i Tyskland, El Greco i Spanien, så store arkitekter som hollænderen Cornelis Floris, spanieren Juan de Herrera, englænderen Pnigo Jones skylder meget studiet af renæssancens italienske kunst. Aktivitetsområdet for de italienske arkitekter og malere selv, der spredte sig i hele Europa fra Spanien til det antikke Rusland, var enestående i dets omfang. Men måske er den italienske renæssances rolle endnu vigtigere som grundlaget for moderne tiders kultur, som en af ​​de højeste inkarnationer af realistisk kunst og den største kunstneriske skole.

Hvad er renæssance. Vi forbinder renæssancen med præstationer inden for kultur, primært inden for kunst. Før det mentale blik for alle, der selv er lidt bekendt med kunsthistorien, er der harmonisk smukke og statelige billeder skabt af kunstnere: blide madonnas og kloge helgener, modige krigere og borgere fulde af betydning. Deres figurer hæver højtideligt på baggrund af marmorbuer og søjler, bag hvilke der er spredt lysgennemsigtige landskaber.

Kunst taler altid om sin tid, om de mennesker, der levede dengang. Hvilken slags mennesker skabte disse billeder, fulde af værdighed, indre fred, tillid til deres eget værd?

Udtrykket "renæssance" blev først brugt af Giorgio Vasari i midten af ​​1500 -tallet. i sin bog om de berømte italienske malere, billedhuggere og arkitekter fra XIII-XVI århundreder. Navnet dukkede op i det øjeblik, da selve æraen sluttede. Vasari satte en meget bestemt betydning i dette koncept: blomstring, stigning, genoplivning af kunsten. Senere begyndte stræben efter genoplivning af gamle traditioner i kulturen, der var iboende i denne periode, at blive betragtet som ikke mindre vigtig.

Renæssancefænomenet blev skabt af forholdene og behovene i samfundslivet på tærsklen til New Age (det vil sige tiden på vej til dannelsen af ​​et industrisamfund), og appellen til antikken gjorde det muligt at finde passende former til at udtrykke nye ideer og stemninger. Historisk betydning denne periode består i dannelsen af ​​en ny type personlighed og i skabelsen af ​​grundlaget for en ny kultur.

Nye tendenser i det italienske samfunds liv. For lettere at forstå essensen af ​​de ændringer, der er begyndt på det sociale og åndelige område, er det nødvendigt at forestille sig, hvordan forholdet mellem individet og samfundet blev bygget i middelalderen. Derefter blev den menneskelige personlighed opløst i det lille kollektiv (bondesamfund, ridderorden, klosterbroderskab, håndværksværksted, handelsgilde), hvortil en person var knyttet til omstændighederne ved hans oprindelse og fødsel. Han selv og alle omkring ham opfattede ham først og fremmest som f.eks. En fra (bror) - medlem af klosterbroderskabet og ikke som en bestemt person med et bestemt navn.

Forhold mellem mennesker, adfærdsnormer og deres opfattelse blev udviklet i detaljer og klart defineret. Hvis vi kun fokuserer på den teoretiske side af sagen, så kan vi sige dette: præsterne var forpligtede til at bede for alle lægfolk, adel - for at beskytte alle mod en mulig ekstern trussel og bønderne - for at støtte og fodre første og anden ejendom. I praksis var alt dette naturligvis langt fra den teoretiske idyl, men fordelingen af ​​rollefunktioner var netop det. Social ulighed var fast forankret i den offentlige bevidsthed, hver klasse havde sine strengt definerede rettigheder og forpligtelser, spillede en social rolle, der strengt svarede til dens sociale status. Fødsel fik individet til et bestemt sted i samfundsstrukturen, han kunne næsten udelukkende ændre sin position inden for scenen af ​​den sociale stige, som han tilhørte efter oprindelse.

At være knyttet til en bestemt social niche forhindrede den frie udvikling af det menneskelige individ, men gav ham visse sociale garantier. Således var middelalderens samfund fokuseret på uforanderlighed, stabilitet som en ideel stat. Det tilhørte typen af ​​traditionelle samfund, hvis hovedbetingelse for eksistensen er konservatisme, underkastelse af traditioner og skikke.

Det gamle verdensbillede var fokuseret på det faktum, at det jordiske liv kun er en kort periode, hvor en person forbereder sig på det vigtigste, evige, liv uden for verden. Evigheden underkastede den flygtige virkelighed. Håb om gode ændringer var udelukkende forbundet med dette sande liv, med evigheden. Den jordiske verden, denne "sorgens dal", var kun af interesse, for så vidt som den var en svag afspejling af en anden, hovedverden. Holdningen til mennesket var ambivalent - i ham adskilte de strengt hans jordiske, dødelige og syndige princip, som skulle have været foragtet og hadet, og det sublime, åndelige, som var det eneste, der var værdigt at eksistere. En asket munk, der gav afkald på jordens livs glæder og bekymringer, blev betragtet som et ideal.

En person var en del af et lille socialt fællesskab, og derfor blev alle hans aktiviteter, herunder kreative, opfattet som et resultat af kollektive bestræbelser. Faktisk var kreativitet anonym, og vores viden om denne eller dennes skulptør eller maler i middelalderen er tilfældig og fragmentarisk. Byen, samfundet byggede en katedral, og alle dens detaljer var en del af en enkelt helhed, designet til integreret opfattelse. Arkitekter, murermestre, murermestre, malermestre rejste vægge, skabte skulpturer og glasmalerier, malede vægge og ikoner, men næsten ingen af ​​dem forsøgte at forevige deres navn for eftertiden. Ideelt set skulle de have reproduceret på den bedst mulige måde for at gengive det, der blev helliget af receptpligtig myndighed, og blev betragtet som det "originale", der skulle efterlignes.

Det første skridt mod fremkomsten af ​​nye tendenser i samfundslivet var byernes vækst og udvikling. Apenninhalvøen, med sin aflange støvle, der var klemt ind i Middelhavets storhed, indtog en yderst fordelagtig position i middelalderens verden. Fordelene ved denne placering blev især tydelige, da det økonomiske liv begyndte at genoplive i Vesten, og behovet for handelskontakter med de rige lande i Mellemøsten voksede. Siden det XII århundrede. storhedstiden i italienske byer begyndte. Impulsen til den hurtige udvikling af byøkonomien var korstogene: ridderne, der satte sig for at erobre den hellige grav, havde brug for skibe til at krydse havet; våben til kamp; produkter og diverse husholdningsartikler. Alt dette blev tilbudt af italienske håndværkere, købmænd, sejlere.

Italien havde ikke en stærk central regering, så hver by blev sammen med det omkringliggende landskab by-stat, hvis velstand var afhængig af dets håndværkeres dygtighed, handlernes smidighed, dvs. fra alle beboeres virksomhed og energi.

Industri og handel, koncentreret i byer, blev grundlaget for det økonomiske liv i samfundet, der eksisterede i Itadia i XIV-XV århundreder. Laugssystemet blev bevaret, og kun medlemmerne af laugene havde borgerrettigheder, dvs. ikke alle indbyggere i byen. Ja, og forskellige workshops adskilte sig markant i indflydelsesgraden: for eksempel i Firenze, ud af 21 workshops, blev den største indflydelse nydt af "seniorworkshops", som forenede mennesker fra de mest prestigefyldte erhverv. Medlemmerne af seniorworkshops, de "fede", var faktisk iværksættere, og nye træk i det økonomiske liv manifesterede sig i fremkomsten af ​​elementer (indtil videre kun elementer!) Af en ny økonomisk orden.

Renæssance by. Renæssancekultur er en bykultur, men byen, der fødte den, var markant forskellig fra middelalderbyen. Udadtil var det ikke for slående: de samme høje mure, den samme kaotiske planlægning, den samme katedral på hovedtorvet, de samme smalle gader. "Byen voksede som et træ: bevarede sin form, men voksede i størrelse, og bymurene markerede, som ringe på et snit, milepælene for dens vækst." Så i Firenze i det XIII århundrede. det tog to gange et århundrede at udvide ringen af ​​vægge. I midten af ​​det XIV århundrede. pladsen tildelt byudvikling blev øget med 8 gange. Regeringen tog sig af konstruktionen og bevarelsen af ​​væggene.

Byporten fungerede som kontaktpunkt med verden udenfor... Vagterne, der stod ved portene, indsamlede en pligt fra købmænd og bønder, der ankom til byen, de beskyttede også byen mod et muligt fjendtligt angreb. Indtil begyndelsen på artilleriets æra var vægge med stærke porte tilstrækkelig pålidelig beskyttelse mod ydre indtrængen, kun mad og vand ville være nok. Denne begrænsning gjorde det overfyldt for at øge antallet af etager af bygninger. Italien er kendetegnet ved opførelse af høje tårne ​​af rivaliserende velhavende familier, hvis lodrette sammen med kirkeklokkens tårne ​​gav byens skyline udseende af en stenskov. Sienas udseende, for eksempel, er beskrevet i linjerne af A. Blok: "Du har stødt punkterne fra kirker og tårne ​​ind i himlen".

Byen er et kunstigt organiseret rum. Gader og pladser i italienske byer fra 1200 -tallet. brolagt med sten eller småsten. Det meste af dagligdagen for mennesker foregik på gaden. På gaden lagde de varer ud, handlede, foretog pengetransaktioner, købmænd, pengevekslere, håndværkere, på gaden under en baldakin, håndværkere arbejdede ofte, på gaden eller på pladsen, de mødtes for at diskutere forskellige spørgsmål, på pladsen foran domkirken var der taler af prædikanter, ved krydsfeltet meddelte heralder nyheder om fødsler, konkurser, dødsfald, ægteskaber, henrettelser. Hver byboers liv gik foran naboerne.

Det centrale torv var dekoreret ikke kun med en majestætisk katedral, men med skulpturer. Et eksempel på en sådan dekoration er i Firenze på pladsen foran Palazzo Vecchio (rådhuset). I den forreste del af byen var især nærheden af ​​gamle bygninger i romansk (i mindre grad gotisk) stil og nye renæssancebygninger mærkbar. Beboere i nabobyer kæmpede med hinanden om at dekorere pladser, kirker og offentlige bygninger.

I XIV-XV århundreder. i italienske byer var der en hurtig konstruktion, gamle bygninger blev revet ned og erstattet med nye. Bygnedfalden var ikke altid årsagen til dette - smag ændrede sig, velstand voksede og samtidig ønsket om at demonstrere nye muligheder. Et eksempel på denne slags kan findes i det XIV århundrede. opførelse af en ny florentinsk katedral(Duomo, bedre kendt som Santa Maria del Fiori), hvis kuppel var den største for sin tid i Vesten.

Nogle gange forenede velhavende familier flere gamle boliger bag den renoverede facade. Således byggede arkitekten LB Alberti, bestilt af Ruchelai -familien, et palads i en ny stil og gemte otte huse bag en rustikeret facade. Banen mellem husene blev forvandlet til en gårdhave. Denne teknik gjorde det muligt at inkludere boligkvarterer, lagre og butikker, loggier og en have i et enkelt kompleks. Den vigtigste arkitektoniske form for en sekulær bybygning -palazzo - paladser velhavende byfolk, der havde en rektangulær form med en gårdhave. Paladsets facader, der vender ud mod gaden, svarede til de levevilkår, der var karakteristiske for de italienske byrepublikker. Fremhævede forarbejdning af grov sten (rustikation), der blev lagt over væggen i underetagen, tykke vægge, små vinduer - alt dette mindede om, at et sådant palads kunne tjene som et pålideligt husly under mange politiske konflikter inden for byen.

Interiøret bestod af en suite af værelser, dekoreret med vægmalerier og beklædt med trælofter, dekoreret med udskæringer og sjældnere med stuklofter. Ved ceremonielle lejligheder blev væggene dekoreret med vægtæpper (gobeliner), hvilket også bidrog til bevarelse af varme i lokalerne. Rummelig NS

værelser (strofer), marmortrapper skabte indtryk af højtidelig pragt. Vinduerne blev lukket med træskodder, nogle gange var de dækket med olieret linned, og senere (men dette var næsten en syndig luksus!), De blev fyldt med små glasstykker indsat i en blybinding. Hovedvarmeanordningen forblev ildstedet i køkkenet samt pejse i de store ceremonielle haller, der var mere indrettet end opvarmet. Derfor forsøgte de at give sengene en baldakin og indhegne det omgivende rum med tunge gardiner. Det var umuligt at opvarme hele rummet med en varm sten eller en flaske med varmt vand. Som hovedregel var det kun familiens overhoved, der havde "sit eget" værelse, et studie-studie, "et arbejdssted om korrespondance mellem manuskripter, refleksioner, ensom viden om verden og sig selv" og resten af ​​husstanden boede sammen. Dagligdagen for en velhavende familie foregik oftest i gården og de omkringliggende gallerier.

Forholdsvis få, men massive og rigt dekoreret med udskæringer og malerier, vidnede møbler om ønsket om komfort. De mest almindelige møbler var et bryllupskiste (kassone), en brystbænk med ryg, massive skabe dekoreret med arkitektoniske detaljer, borde, lænestole og taburetter. Interiøret var dekoreret ikke kun med vægmalerier, men også med bronzelamper, malet keramik (majolica), spejle i udskårne stel, sølv- og glasfade, blonde -duge.

Mange arkitekter drømte om at ændre byernes udseende i overensstemmelse med ny smag, men det var umuligt: ​​stor konstruktion krævede enorme midler og ikke mindre autoritet til at gennemføre den massive nedrivning af huse. For dette var det jo nødvendigt at rive så mange huse ned, flytte så mange mennesker, men der var ingen penge til dette. Derfor måtte de nøjes med opførelsen af ​​individuelle bygninger, oftest katedraler eller palads af velhavende familier. Byerne blev gradvist genopbygget efter behov og muligt uden nogen plan, og deres udseende forblev stort set middelalderligt.

Ideelle renæssancebyer optrådte næsten udelukkende i tegninger og som baggrunde for billedkompositioner. ”Renæssancens bymodel er en åben model. Kernen er ... det frie rum på pladsen, der åbner udad med udsigt til gader, med udsigt ud i det fjerne, ud over bymurene ... sådan skildrede kunstnere byen, sådan har forfatterne til arkitektoniske afhandlinger se det. Renæssancebyen forsvarer sig ideelt set ikke mod det åbne rum i en ikke-by, tværtimod kontrollerer den, underlægger den ... Byen bør ikke adlyde lokaliteten, men underkaste den ... Middelalderens by var lodret. Byen i 1400 -tallet er ideelt opfattet som vandret ... ”Arkitekterne, der designede de nye byer tog hensyn til de ændrede forhold og foreslog i stedet for de sædvanlige fæstningsmure at bygge defensive forter rundt om byen.

Udseendet af mennesker. Menneskers ydre udseende ændrede sig, tingenes verden, som de omgav sig med, ændrede sig. Selvfølgelig forblev de fattiges boliger (en lille trækonstruktion eller et værelse bag en butik uden vinduer) de samme som for hundredvis af år siden. Ændringerne påvirkede den velstillede, velhavende del af befolkningen.

Tøj ændret sig efter tidens stemninger og smag. Smag blev nu bestemt af behovene og mulighederne hos de civile, de velhavende byfolk, frem for den militære klasse af riddere. Overtøj var lavet af flerfarvede, ofte mønstrede stoffer som brokade, fløjl, dug og tung silke. Hør begyndte udelukkende at blive brugt som bundkjole der viste sig gennem snørebåndene og slidserne i den øverste kjole. "En ældre borgers yderbeklædning, selvom han ikke havde noget valgfunktion, var nødvendigvis langt, bredt og gav sit udseende et aftryk af tyngdekraft og betydning." De unges tøj var kort. Den bestod af en skjorte, en vest med en stand-up krave og stramme strømpebukser, ofte flerfarvede, bundet til vesten. Hvis i det XV århundrede. præference blev givet til lyse og kontrasterende farver, derefter fra begyndelsen af ​​det XYI århundrede. mere moderigtigt er monokromatisk tøj dekoreret med pels og en kæde lavet af ædle metaller.

Dametøj i 1400 -tallet. det blev kendetegnet ved sin blødhed i formen og flerfarvet. Over en skjorte og kjole med lange smalle ærmer, en høj talje og en stor firkantet udskæring blev der båret en kappe (sikoru), bestående af tre paneler. Bagpanelet faldt ned ad ryggen i frie folder, og to hylder blev draperet efter ejerens smag. Den overordnede silhuet mindede om antikken. Med begyndelsen af ​​det XVI århundrede. vandret opdeling understreges i kvinders outfits. Snørebånd, der indrammede halsudskæringen og kanterne på ærmerne, begynder at spille en vigtig rolle i udsmykningen af ​​kjolen. Taljen falder til et naturligt sted, halsudskæringen er gjort større, ærmerne er mere omfangsrige, nederdelen er fluffy. Tøj skulle fremhæve skønheden i en stærk, sund kvinde.

Opdagelsen af ​​det menneskelige "jeg". I det italienske renæssancesamfunds liv sameksisterer det gamle og det nye med hinanden. En typisk familie i den æra er en stor familie, der forener flere generationer og flere grene af slægtninge, underordnet hoved-patriarken, men ved siden af ​​dette sædvanlige hierarki opstår der en anden tendens, der er forbundet med vækkelsen af ​​personlig selvbevidsthed.

Med fremkomsten i Italien af ​​betingelser for fremkomsten af ​​en ny økonomisk struktur og et nyt samfund har kravene til mennesker, deres adfærd, holdning til jordiske anliggender og bekymringer ændret sig. Handel og kunsthåndværk, koncentreret i byer, blev grundlaget for det nye samfunds økonomiske liv. Men før størstedelen af ​​befolkningen koncentrerede sig i byer, før producenter, fabrikker, laboratorier dukkede op, dukkede der mennesker op, der var i stand til at skabe dem, mennesker, der var energiske, stræbte efter konstante ændringer, kæmpede for at etablere deres plads i livet. Der var en frigørelse af den menneskelige bevidsthed fra evighedens hypnose, hvorefter øjeblikkets værdi, betydningen af ​​et hurtigt flydende liv, ønsket om mere fuldstændigt at opleve værelsens fylde begyndte at blive mærket mere skarpt.

En ny type personlighed er opstået, præget af mod, energi, tørst efter aktivitet, fri for lydighed mod traditioner og regler, der er i stand til at handle på en usædvanlig måde. Disse mennesker var mest interesserede forskellige problemer værende. Så i florentinske købmænds kontorbøger, blandt antallet og opførelsen af ​​forskellige varer, kan man finde ræsonnementer om menneskers skæbne, om Gud, om de vigtigste begivenheder i det politiske og kunstneriske liv. Bag alt dette kan man mærke en øget interesse for Manden, for sig selv.

Mennesket begyndte at se sin egen individualitet som noget unikt og værdifuldt, desto mere betydningsfuldt, fordi det har evnen til konstant at forbedre sig. Den hypertrofierede sans for ens egen personlighed i al sin unikhed absorberer renæssancemanden helt. Han opdager sin egen individualitet, styrter med glæde ind i sin egen åndelige verden, chokeret over nyheden og kompleksiteten i denne verden.

Digtere fanger og formidler især følsomt æraens stemning. I de lyriske sonetter af Francesco Petrarca, dedikeret til den smukke Laura, er det indlysende, at hovedpersonen er forfatteren selv og ikke genstand for hans tilbedelse. Læseren ved faktisk næsten ingenting om Laura, bortset fra at hun er perfektion i sig selv, besidder gyldne krøller og en gylden karakter. Deres glæde, deres erfaringer, deres lidelse blev beskrevet af Petrarch i sonetter. Da han fik at vide om Lauras død, min han sørgede over forældreløshed:

Jeg sang om hendes gyldne krøller,

Jeg sang hendes øjne og hænder

Ære pine med himmelsk lyksalighed,

Og nu er hun koldt støv.

Og jeg, uden et fyrtårn, i en skal som far gennem en storm, der ikke er ny for mig,

Jeg flyder gennem livet og bestemmer tilfældigt.

Man skal huske på, at opdagelsen af ​​det personlige "jeg" kun vedrørte den ene halvdel af den menneskelige race - mænd. Kvinder blev i denne verden opfattet som væsener uden egen værdi. De var nødt til at tage sig af husstanden, føde og opdrage små børn, glæde mænd med deres behagelige udseende og måde.

I erkendelsen af ​​det menneskelige "jeg" blev eksistensen af ​​resultater anset for vigtig, og ikke aktivitetsområdet, hvor de blev opnået - uanset om det var en etableret handelsvirksomhed, en storslået skulptur, en vundet kamp eller et beundringsværdigt digt eller maleri . At vide meget, læse meget, studere fremmedsprog, stifte bekendtskab med gamle forfatteres værker, interessere sig for kunst, forstå meget om maleri og poesi - sådan var menneskets ideal i renæssancen. Den høje kravliste til personlighed er vist i Baldazar Castiglione's arbejde "On the courtier" (1528): "Jeg vil have, at vores hovmester skal være mere end middelmådig i litteratur ... så han ikke kun ved latin, men også græsk ... så han kender digtere godt, såvel som talere og historikere, og ... vidste at skrive poesi og prosa ... Jeg vil ikke blive glad for vores hofmand, hvis han ikke er musiker endnu ... Der er en ting mere, som jeg lægger stor vægt på: Det er netop tegningsevnen og kendskabet til maleri. "

Det er nok at nævne et par navne på den tids berømte mennesker for at forstå, hvor forskellige interesserne var for dem, der blev betragtet som typiske repræsentanter for deres æra. Leon Batista Alberti - arkitekt, billedhugger, antikens kender, ingeniør. Lorenzo Medici er en statsmand, en strålende diplomat, digter, kender og kunstbeskytter. Verrocchio er billedhugger, maler, guldsmed, matematiker. Michelangelo Buonarroti er billedhugger, maler, arkitekt, digter. Raphael Santi - maler, arkitekt. Alle kan kaldes heroiske personligheder, titaner. Samtidig skal man ikke glemme, at storhed præger skalaen, men ikke vurderer deres præstationer. Renæssancens Titaner var ikke kun skabere, men også gode genier i deres land.

De sædvanlige forestillinger om hvad der er "tilladt" og hvad der er "ulovligt" mistede deres betydning. Samtidig mistede de gamle regler for relationer mellem mennesker deres betydning, hvilket måske ikke gav absolut kreativ frihed, men er så vigtige for livet i samfundet. Ønsket om at gøre sig gældende antog en række forskellige former - en sådan holdning kunne og genererede ikke kun strålende kunstnere, digtere, tænkere, hvis aktiviteter var rettet mod skabelse, men også ødelæggelsesgenier, skurkens genier. Et eksempel på denne slags er de sammenlignende egenskaber ved to berømte samtidige, hvis aktivitetstop faldt ved begyndelsen af ​​XV-XVI århundreder.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - en person, som det er lettere at sige, hvad han ikke vidste, end at angive, hvad han kunne. Den berømte maler, billedhugger, arkitekt, ingeniør, digter, musiker, naturforsker, matematiker, kemiker, filosof - alt dette gælder med god grund Leonardo. Han udviklede et projekt til et fly, en tank, de mest komplekse kunstvandingsanlæg og meget mere. Han arbejdede, hvor det var mere bekvemt at finde lånere blandt den herskende elite, let ændre dem og døde i Frankrig, hvor det står på hans gravsten, at han var en "stor fransk kunstner". Hans personlighed blev personificeringen af ​​renæssancens kreative ånd.

Leonardos samtid var den berømte condottiere Cesare Borgia (1474-1507). Bred uddannelse blev kombineret i ham med naturlige talenter og uhæmmet egoisme. Hans ambition manifesterede sig i et forsøg på at skabe en stærk stat i centrum af Italien. Hvis det lykkedes, drømte han om at forene hele landet; han var en dygtig og vellykket kommandant og effektiv hersker. For at nå sit mål tyede denne raffinerede kender og skønhedskender til bestikkelse, bedrag og mord. Sådanne teknikker syntes ham ganske acceptable for at nå et stort mål - skabelsen af ​​en stærk stat i centrum af Italien. Omstændigheder forhindrede C. Borgia i at gennemføre sine planer.

Leonardo da Vinci og Cesare Borgia er samtidige, lige så typiske for deres kritiske æra, da de gamle regler og normer for menneskeliv mistede deres betydning, og de nye endnu ikke var blevet accepteret af samfundet. Den menneskelige personlighed stræbte efter selvbekræftelse ved hjælp af midler og muligheder. For hende mistede de gamle ideer om "godt" og "dårligt", om "tilladt" og "ulovligt" også deres betydning. "Folk begik de vildeste forbrydelser og angrede ikke på nogen måde, og de gjorde det, fordi det sidste kriterium for menneskelig adfærd derefter blev betragtet som den person, der følte sig isoleret." Ofte i en person blev uselvisk hengivenhed til hans kunst og uhæmmet grusomhed kombineret. Sådan var for eksempel billedhuggeren og guldsmed B. Cellini, om hvem de sagde: "en bandit med hænderne på en fe."

Individets ønske om selvudfoldelse på nogen måde kaldes titanisme. Renæssancens Titaner blev personificeringen af ​​en æra, der opdagede menneskets værdi "JEG ER", men stoppede før problemet med at etablere visse regler i forholdet mellem bærerne af mange forskellige "jeg".

Holdning til den kreative person og kunstnerens position i samfundet. Der er sket en vending mod den type civilisation, der forudsætter aktiv menneskelig indgriben i miljøet - ikke kun selvforbedring, men også omdannelse af miljøet - naturen, samfundet - gennem udvikling af viden og deres anvendelse i det praktiske område. Således blev det vigtigste hos en person anerkendt hans evne til selvrealisering og kreativitet (i ordets bredeste forstand). Dette forudsatte igen at opgive en omfattende regulering af hensyn til anerkendelse af private initiativer. Middelalderens ideal om kontemplativt liv blev fortrængt af et nyt ideal om et aktivt, aktivt liv, som gjorde det muligt at efterlade synlige beviser for en persons ophold på Jorden. Eksistens hovedformål bliver aktivitet: at bygge en smuk bygning, erobre mange lande, skulpturere en skulptur eller male et billede, der vil forherlige dens skaber, blive rig og efterlade et blomstrende handelsselskab, finde en ny stat, komponere et digt eller efterlad mange afkom - alt dette var i en vis forstand ækvivalent, det tillod en person at sætte sine spor. Kunst gjorde det muligt at manifestere kreativitet hos en person bevarede resultaterne af kreativitet hukommelsen om ham i lang tid, bragte ham tættere på udødelighed. Folk fra den æra var overbeviste om:

Oprettelse kan overleve skaberen:

Skaberen vil gå, besejret af naturen,

Imidlertid tog han det billede

Det vil varme hjerter i århundreder.

Disse linjer af Michelangelo Buonarroti kan ikke kun tilskrives kunstnerisk skabelse. Ønsket om selvudfoldelse, selvbekræftelsens patos blev meningen i det italienske samfunds åndelige liv i denne periode. Person-skaberen blev højt værdsat og blev først og fremmest forbundet med kunstneren.

Sådan opfattede kunstnere sig selv, og dette modsagde ikke den offentlige mening. De ord, som den florentinske guldsmed og billedhugger Benvenuto Cellini angiveligt sagde til en hofmand, er kendt: "Der er muligvis kun en som mig i hele verden, og der er ti som dig ved hver dør." Legenden hævder, at herskeren, til hvem hofmanden klagede over kunstnerens uforskammethed, støttede Cellini og ikke hoffmanden.

En kunstner kunne blive rig som Perugino adelstitel, ligesom Mantegna eller Titian, for at blive en del af herskernes inderkreds, ligesom Leonardo eller Raphael, men de fleste kunstnere havde status som håndværkere og betragtede sig selv som sådanne. Billedhuggere var i samme værksted med murere, malere med farmaceuter. Ifølge deres tids ideer tilhørte kunstnerne byens midterste lag, mere præcist de nederste lag i dette lag. De fleste af dem blev betragtet som folk i middelklassen, der konstant skal arbejde og lede efter ordrer. D. Vasari, der talte om sin kreative vej, bemærker konstant, at for at opfylde en ordre måtte han tage til Napoli, en anden til Venedig, den tredje til Rom. Imellem disse ture vendte han tilbage til sit hjemland Arezzo, hvor han havde et hus, som han konstant udstyrede, dekorerede, udvidede. Nogle kunstnere havde deres egne huse (i det 15. århundrede i Firenze kostede et hus 100-200 floriner), andre lejede. Maleren brugte cirka to år på at male en mellemstor kalkmaleri, modtog 15-30 floriner for dette, og dette beløb inkluderede også omkostningerne ved det anvendte materiale. Billedhuggeren brugte omkring et år på at lave skulpturen og modtog omkring 120 floriner for sit arbejde. I sidstnævnte tilfælde skal der tages hensyn til dyrere forbrugsvarer.

Ud over monetære betalinger fik mestrene undertiden ret til at spise i klosteret. Den alvidende Vasari beskrev sagen om maleren Paolo Uchello, som abbeden længe og flittigt fodrede med ost, indtil mesteren stoppede med at møde på arbejde. Efter at kunstneren klagede til munkene over, at han var træt af ost, og de rapporterede dette til abbeden, ændrede sidstnævnte menuen.

Det er interessant at sammenligne oplysninger om den økonomiske situation for to lige (og meget) værdsatte af samtidige billedhuggere Donatello og Ghiberti. Den første af dem var efter sin natur og livsstil en skødesløs mand i pengespørgsmål. Legenden vidner om, at han lagde alle sine (betydelige) indkomster i en tegnebog, der hængte ved døren, og alle medlemmer af hans værksted kunne tage fra disse penge. Så i 1427 lejede den herlige mester Donatello et hus i 15 floriner om året og havde en nettoindkomst (forskellen mellem hvad han skylder og hvad han skylder) - 7 floriner. Økonomiske Lorenzo Ghiberti i samme 1427 havde et hus, en grund, en bankkonto (714 floriner) og en nettoindkomst på 185 floriner.

Håndværkere tog villigt imod forskellige ordre om at dekorere kirker, rige paladser og dekorere ferier i hele byen. ”Det nuværende hierarki af genrer eksisterede ikke: kunstgenstande var bestemt funktionelle i naturen ... Alterbilleder, malede kister, portrætter og malede bannere kom ud af det samme værksted ... mesterens enhed med sit arbejde, som han gnidede malingen selv, limede børsten selv, satte rammen selv sammen - derfor kunne han ikke se den grundlæggende forskel mellem maleriet af alteret og brystet ”.

Konkurrencer mellem kunstnere om retten til at modtage en lukrativ statsordre var almindelig praksis. Den mest berømte af disse konkurrencer er konkurrencen om retten til at lave døre til det florentinske dåb (dåb), der blev arrangeret i begyndelsen af ​​1400 -tallet. San Giovanni var kær for alle indbyggere i byen, fordi de døbte der, udstyret med navnet på hver af dem, derfra begyndte hver sit liv. Alle deltog i konkurrencen berømte mestre, og den blev vundet af Lorenzo Ghiberti, som senere skrev om det med stolthed i sine noter.

En anden berømt konkurrence fandt sted et århundrede senere. Dette er en ordre om udsmykning af rådssalen, givet af den florentinske señoria til to af de mest berømte rivaler - Leonardo da Vinci og Michelangelo Buonarroti. Udstilling af pap (tegninger i livsstørrelse), lavet af mestre, blev en begivenhed i republikkens offentlige liv.

Humanisme. Tænkere i middelalderen forherligede det sublime, åndelige princip i mennesket og forbandede basen, kropsligt. Mennesker i den nye æra forherligede både sjælen og kroppen i en person og betragtede dem lige så smukke og lige så betydningsfulde. Deraf navnet på denne ideologi - humanisme (homo- menneske).

Renæssancehumanisme omfattede to komponenter: humanisme, høj spiritualitet i kulturen; og et kompleks af humanitære discipliner rettet mod at studere en persons jordiske liv, såsom grammatik, retorik, filologi, historie, etik, pædagogik. Humanister bestræbte sig på at vende hele kundskabssystemet til løsningen af ​​problemerne med menneskets jordiske liv. Humanismens semantiske kerne var påstanden om en ny forståelse af en personlighed, der er i stand til fri selvudvikling. Således blev hovedtrenden i det historiske perspektiv for moderniseringsudvikling - forandring, fornyelse, forbedring - manifesteret i den.

Humanister var ikke mange, men en indflydelsesrig samfundslag i samfundet, forløberen for den fremtidige intelligentsia. Den humanistiske intelligentsia omfattede repræsentanter for byboerne, adelen og præsterne. De fandt anvendelse af deres viden og interesser i en række forskellige aktiviteter. Blandt humanisterne kan man nævne fremragende politikere, advokater, magistrater og kunstarbejdere.

Mennesket i sindene på den tid blev sammenlignet med en dødelig gud. Essensen af ​​renæssancen ligger i det faktum, at mennesket blev anerkendt som "skabelseens krone", og den synlige jordiske verden fik en uafhængig værdi og betydning. Hele æraens verdensbillede var rettet mod at forherlige menneskets fortjenester og evner, det er ikke tilfældigt, at det fik navnet humanisme.

Middelalderlig teocentrisme blev erstattet af antropocentrisme. Mennesket som den mest perfekte skabelse af Gud var i centrum for filosoffer og kunstnere. Renæssancens antropocentrisme manifesterede sig på forskellige måder. Således blev sammenligningen af ​​arkitektoniske strukturer med menneskekroppen, foretaget i antikken, suppleret i kristen ånd. “Leon Batista Alberti, der isolerede bibelsk antropomorfisme fra den hedenske Vitruvius og sammenlignede søjlernes proportioner med andelen af ​​en persons højde og tykkelse ... han, efter Augustin den Salige, korrelerede menneskelige proportioner med parametrene i Noas ark og Salomons tempel. Maximet "mennesket er mål for alle ting" havde en aritmetisk betydning for renæssancen. "

Den italienske humanist, der levede i anden halvdel af 1400 -tallet, var i stand til at udtrykke essensen af ​​antropocentrisme mest overbevisende. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Han ejer et essay kaldet "Tale om menneskelig værdighed". Selve navnet er veltalende, hvor det evaluerende øjeblik - "menneskelig værdighed" understreges. I denne afhandling siger Gud, der henvender sig til en person: ”Midt i verden sætter jeg dig, så det ville være lettere for dig at trænge ind med dit blik i miljøet. Jeg skabte dig som en skabning ikke himmelsk, men ikke kun jordisk, ikke dødelig, men heller ikke udødelig, så du, fremmed for begrænsninger, selv bliver en skaber og til sidst smeder dit eget billede. "

En person viser sig at være den mest perfekte skabelse, mere perfekt end endda himmelske væsener, da de er udstyret med deres egen værdighed fra begyndelsen, og en person kan udvikle dem selv, og hans tapperhed, hans adel vil udelukkende afhænge af hans personlige kvaliteter (virtu). Her er, hvad arkitekten og forfatteren Leon Batista Alberti skrev om menneskelige evner: ”Så jeg forstod, at det er i vores magt at opnå al ros, uanset tapperhed, ved hjælp af vores egen iver og dygtighed, og ikke kun ved nåde af natur og tid ... "Forskere-humanister ledte efter bekræftelse af deres holdning til mennesket fra filosofferne i andre epoker og fandt lignende synspunkter blandt antikkens tænkere.

Gamle arv. Vanen med at stole på en bestemt autoritet fik humanister til at søge bekræftelse af deres synspunkter, hvor de fandt ideer, der var ens i ånden - i gamle forfatteres værker. "Kærlighed til de gamle" er blevet et karakteristisk træk, der adskiller repræsentanter for denne ideologiske tendens. At mestre antikkens åndelige oplevelse skulle formodes at bidrage til dannelsen af ​​en moralsk perfekt person og derfor til den åndelige renselse af samfundet.

Middelalderen brød aldrig helt med den gamle fortid. Italienske humanister betragtede antikken som et ideal. Tænkerne i det foregående årtusinde udpegede Aristoteles blandt de gamle forfattere, humanisterne blev mere tiltrukket af de berømte talere (Cicero) eller historikere (Titus Livy), digtere. I de gamle skrifter var de vigtigste tanker om åndelig storhed, kreative muligheder, heroiske gerninger af mennesker. F. Petrarch var en af ​​de første, der specifikt begyndte at søge efter gamle manuskripter, studere gamle tekster og henvise til gamle forfattere som den højeste autoritet. Humanister opgav middelalderens latin og forsøgte at skrive deres værker på klassisk "Cicero" latin, hvilket tvang dem til at underordne grammatikkravene til det moderne livs realiteter. Klassisk latin forenede sine lærde forskere i hele Europa, men adskilte deres "republik af forskere" fra dem, der ikke var bekendt med forviklingerne i latin.

Vækkelse og kristne traditioner. De nye levevilkår krævede en afvisning af de gamle kristne idealer om ydmyghed og ligegyldighed over for det jordiske liv. Denne fornægtelsespatos var meget mærkbar i renæssancens kultur. Dog afslag Kristen undervisning Skete ikke. Renæssancemennesker fortsatte med at betragte sig selv som gode katolikker. Kritik af kirken og dens ledere (især kloster) var meget udbredt, men dette var kritik af folk i kirken og ikke af den kristne lære. Desuden kritiserede humanister ikke kun umoraliteten i nogle af kirkemændenes adfærd, for dem var selve middelalderens tilbagetrækningsideal, afvisning af verden uacceptabelt. Sådan skrev humanisten Kalyuccio Salutati til sin ven, der besluttede at blive munk: "Tro ikke, o Pellegrino, at det at flygte fra verden, undgå at se smukke ting, låse dig inde i et kloster eller trække sig tilbage til en skete er vej til perfektion. "

Kristne ideer sameksisterede ganske fredeligt i sindet på mennesker med nye adfærdsnormer. Blandt forsvarerne af nye ideer var mange ledere af den katolske kirke, herunder dem i de højeste rækker, til og med kardinaler og paver. I kunst, især i maleri, forblev religiøse temaer fremherskende. Vigtigst af alt omfattede renæssancens idealer kristen spiritualitet, helt fremmed for antikken.

Samtidige værdsatte humanisternes aktivitet som den højeste præstation i deres tids kultur, efterkommere kender deres højtlærte studier mere ved at høre. For efterfølgende generationer er deres arbejde i modsætning til kunstnernes, arkitekter og billedhuggeres kreationer af interesse som et historisk fænomen. I mellemtiden er det disse pedantiske kendere af latin, disse elskere af ræsonnement

0 de ældres dyder udviklede grundlaget for et nyt syn på verden, mennesket, naturen, indpodet i samfundet nye etiske og æstetiske idealer. Alt dette gjorde det muligt at bryde væk fra traditionerne i middelalderen og give den nye kultur et fornyet udtryk. Derfor for eftertiden italiensk historie renæssanceperioden er frem for alt historien om blomstringen af ​​italiensk kunst.

Problem med rumoverførsel. Renæssancen var præget af en respektfuld, næsten ærbødig holdning til viden og læring. Det var i betydningen viden i ordets bredeste forstand, at ordet "videnskab" blev brugt dengang. Der var kun én måde at opnå viden - observation, fordybelse. Den mest progressive vidensgren på dette tidspunkt viste sig at være viden relateret til den visuelle undersøgelse af den ydre verden.

”Den lange modningsproces af natur- og livsvidenskaberne begynder allerede i 1200 -tallet. Og dens begyndelse var en revolution i udviklingen af ​​synet, forbundet med optikkens fremskridt og opfindelsen af ​​briller ... Konstruktionen af ​​lineært perspektiv udvidede synsfeltet vandret og begrænsede derved dominansen af ​​den lodrette rettet mod himlen i det. " Det menneskelige øje fungerede som informationskilde. Kun en kunstner, en person, der ikke kun har et skarpt øje, men også evnen til at fastsætte og formidle til beskueren udseendet af et objekt eller fænomen, som beskueren ikke ser, men gerne vil vide, var i stand til at formidle information , opret et synligt billede af ethvert objekt. Derfor er entusiasmen og stoltheden over D. Vasaris ord, der skrev: ”Øjet, kaldet sjælens vindue, er den vigtigste måde, hvorpå en fælles følelse kan største rigdom og pragt for at se naturens endeløse kreationer ... "

Det er derfor ikke overraskende, at renæssancens folk beundrede maleriet som en videnskab og den vigtigste af videnskaberne: ”Åh, fantastisk videnskab, du holder liv i dødelig skønhed hos dødelige, gør dem mere holdbare end skabelserne af naturen, konstant ændret med tiden, hvilket bringer dem til uundgåelig alderdom ... "gentog Leonardo da Vinci på forskellige måder i sine noter.

Det vigtigste i dette tilfælde var overførsel af illusionen af ​​objektets volumen, dets placering i rummet, dvs. evnen til at oprette en pålidelig tegning. Farve spillede derimod en underordnet rolle, der tjente som en ekstra dekoration. "Perspektiv var datidens vigtigste intellektuelle spil ..."

Vasari noterede sig specielt i sine "Biografier" entusiasmen fra en række kunstnere fra 1400 -tallet. studiet af lineært perspektiv. Således blev maleren Paolo Ucello bogstaveligt talt "hængt op" i perspektivets problemer, dedikerede alle sine bestræbelser på korrekt at konstruere rummet og lærte at formidle illusionen om reduktion og forvrængning af arkitektoniske detaljer. Kunstnerens kone "sagde ofte, at Paolo tilbragte hele nætter i sit atelier på jagt efter perspektivlovene, og at da hun kaldte ham i søvn, svarede han hende:" Åh, hvor er det en behagelig ting dette perspektiv er! "

Stadier af den italienske renæssance. Kulturen i den italienske renæssance gennemgik flere faser. Periodenavne er traditionelt bestemt af århundreder:

• - begyndelsen af ​​XIII-XIV århundreder. -Duchento, proto-renæssance (før-renæssance). Center - Firenze;
• - XIV århundrede. -trecento (tidlig renæssance);
• - XV århundrede. - Quattrocento (fejring af renæssancens kultur). Sammen med Firenze dukker nye kulturcentre op i Milano, Ferrara, Mantua, Urbino, Rimini;
• - XVI århundrede. -Cinquecento, omfatter: Højrenæssance (første halvdel af 1500-tallet), lederskabet i kulturlivet går til Rom og senrenæssancen (50-80'erne i 1500-tallet), hvor Venedig bliver det sidste centrum for renæssancekulturen.

Proto-renæssance. I de tidlige stadier af renæssancen var Firenze hovedcentret i den nye kultur. Ikoniske digterfigurer Dante Alighieri (1265-1321 ) og kunstneren Giotto di Bondone (1276-1337 ), begge udgange fra Firenze, begge personligheder typiske for den nye historiske æra - aktiv, aktiv, energisk. Kun den ene af dem, Dante, efter at have deltaget aktivt i den politiske kamp, ​​sluttede sit liv som politisk eksil, og den anden, Giotto, var ikke kun berømt kunstner, men også en arkitekt, levede som en respektabel og velstående byboer (i halv). Hver inden for sit eget kreativitetsfelt var en innovatør og en komplementær af traditioner på samme tid.

Sidstnævnte kvalitet er mere karakteristisk for Dante. Hans navn blev gjort udødeligt af digtet "The Divine Comedy", der fortæller om forfatterens vandringer i den anden verden. Alle hovedidéerne i middelalderens verdensbillede er koncentreret i dette arbejde. Det gamle og det nye sameksisterer i det. Handlingen er ganske middelalderlig, men genfortalt på en ny måde. Først og fremmest er det vigtigt at bemærke, at Dante opgav latin. Digtet er skrevet på toscansk dialekt. Billedet af et middelalderligt lodret billede af universet er givet: Helvede cirkler, skærsilden, paradisets rum, men hovedpersonen er Dante selv, der ledsages af den romerske digter Virgil i sine vandringer i Helvede og Skærsilden, og i Paradis møder han "den guddommelige Beatrice", en kvinde, som digteren elskede hele sit liv. Den rolle, den dødelige kvinde tildeles i digtet, indikerer, at forfatteren ser mere mod fremtiden end mod fortiden.

Digtet er beboet af mange karakterer, aktive, ukuelige, energiske, deres interesser vender sig til det jordiske liv, de er bekymrede for jordiske lidenskaber og gerninger. Forskellige skæbner, karakterer, situationer går over for læseren, men det er mennesker fra den kommende æra, hvis ånd ikke vender sig til evigheden, men til den momentane interesse "her og nu". Skurke og martyrer, helte og ofre, der fremkalder medfølelse og had - alle sammen forbløffer med deres vitalitet og kærlighed til livet. Dante skabte et gigantisk billede af universet.

Kunstneren Giotto satte sig det mål at efterligne naturen, som ville blive grundstenen for malerne i den næste æra. Dette manifesterede sig i ønsket om at formidle objekternes volumen, ved at ty til lys- og skygge -modellering af figurer, indføre et landskab og interiør i billedet og forsøge at organisere billedet som en sceneplatform. Derudover opgav Giotto den middelalderlige tradition for at fylde hele rummet af vægge og lofter med malerier, der kombinerer forskellige emner. Kapelletes vægge er dækket med kalkmalerier, der er arrangeret i bælter, og hvert bælte er opdelt i flere isolerede malerier dedikeret til en separat episode og indrammet af en ornamental mønsterramme. Betragteren, der passerer langs kapelens vægge, undersøger forskellige episoder, som om at vende siderne i en bog.

Giottos mest berømte værker er vægmalerier (kalkmalerier) i kirker i Assisi og Padua. I Assisi er vægmalerier dedikeret til livet

Frans af Assisi, kort før nummereret blandt de hellige. Padua -cyklussen er forbundet med historier fra Det Nye Testamente, der fortæller historien om Jomfru Marias og Jesu Kristi liv.

Giottos innovation bestod ikke kun i brugen af ​​nye teknikker, ikke kun i "kopiering" af naturen (som blev forstået for bogstaveligt af hans nærmeste tilhængere - jottesques), men i genskabelsen af ​​en ny opfattelse af verden med billedteknikker. Billederne skabt af ham er fulde af styrke og rolig storhed. Sådanne er i lige høj grad både Mary, der højtideligt accepterer nyheden om hendes valg ("bekendtgørelse"), og den godmodige St. Francis, herliggør universets enhed og harmoni ("St. Francis prædiker for fuglene") og Kristus, der roligt møder Judas forræderiske kys ("Judas kys"). Dante og Giotto betragtes som de mestre, der begyndte at udvikle temaet for den heroiske mand i den italienske renæssance.

Trecento. Ære til denne periode blev bragt af mestre, der udviklede et lyrisk tema inden for kunst. De klangfulde strofer i Petrarches sonetter om den smukke Laura gentager den udsøgte linearitet i de seresiske kunstners værker. Disse malere blev påvirket af de gotiske traditioner: spidse spir i kirker, spidse buer, 5-formet bukning af figurer, billedets fladhed og dekorative linjer adskiller deres kunst. Den mest berømte repræsentant for den Sieneske skole betragtes Simone Martini (1284-1344). Typisk for ham er alterkompositionen, der skildrer Bebudelsens scene, indrammet af udsøgte forgyldte udskæringer, der danner aflange gotiske buer. Den gyldne baggrund forvandler hele scenen til en fantastisk vision, og figurerne er fulde af dekorativ nåde og finurlig nåde. Den kropslige figur af Mary, der lunefuldt bøjede sig på en gylden trone, hendes sarte ansigt får os til at huske Bloks linjer: "lumske Madonnas skruer op i deres lange øjne." Kunstnerne i denne cirkel udviklede den lyriske linje i renæssancens kunst.

I det XIV århundrede. dannelsen af ​​det italienske litterære sprog finder sted. Den tids forfattere skrev villigt sjove historier om jordiske anliggender, husstandsproblemer og menneskers eventyr. De var interesserede i følgende spørgsmål: hvordan ville en person opføre sig under visse omstændigheder; Hvordan svarer menneskers ord og handlinger til hinanden? Sådanne noveller (noveller) blev kombineret til samlinger, der udgjorde en slags "menneskelig komedie" fra den æra. Den mest berømte af disse, The Decameron »Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), er et leksikon om hverdagsliv og skikke i sin tids liv.

For eftertiden Francesco Petrarca (1304-1374) - den moderne lyriske digter i moderne tid. For sine samtidige var han den største politiske tænker, filosof, hersker over flere generationers tanker. Han kaldes den første humanist. I hans afhandlinger udvikles de grundlæggende teknikker og temaer, der er forbundet med humanisme. Det var Petrarch, der vendte sig til studiet af gamle forfattere, han henviste konstant til deres autoritet, begyndte at skrive på korrekt ("Cicero") latin, opfattede problemerne i sin tid gennem prisme af gammel visdom.

I musik manifesterede nye tendenser sig i værker af mestre som F. Landini. Denne retning har fået navnet "ny kunst". På det tidspunkt blev der født nye musikalske former sekulær musik såsom ballade og madrigal. Gennem indsatsen fra komponisterne af den "nye kunst" blev melodi, harmoni og rytme kombineret til et enkelt system.

Quattrocento. Denne periode åbner aktiviteten for tre mestre: arkitekten Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), billedhugger Donatello(1386-1466 ), maler Masaccio (1401-1428 ). Deres hjemby Firenze er ved at blive et anerkendt centrum for en ny kultur, hvis ideologiske kerne er menneskets forherligelse.

I Brunelleschis arkitektoniske strukturer er alt underordnet menneskets ophøjelse. Dette manifesterede sig i, at bygninger (selv enorme kirker) blev bygget, så en person ikke virkede tabt og ubetydelig der, som i en gotisk katedral. Lysarkader (elementer, der ikke havde nogen analog i antikken) pryder børnehjemmets ydre gallerier, lette og strenge indendørs rum melodi i et seriøst humør, en majestætisk og let oktaedrisk kuppel, der kroner rummet i katedralen Santa Maria della Fiore. Facaderne på byens palads-palazzo, hvor det grove murværk på første sal (rustikation) er modregnet af elegante portaler, er fulde af alvorlig tilbageholdenhed. Dette er det indtryk, arkitekten Filippo Brunelleschi søgte.

Billedhuggeren Donato, der gik ind i kunsthistorien under sit kaldenavn Donatello, genoplivede en form for fritstående skulptur, der blev glemt i middelalderen. Han formåede at kombinere det gamle ideal om et harmonisk udviklet menneskekrop med kristen spiritualitet og intens intellektualitet. De billeder, han skabte, uanset om det var den ophidsede og anspændte profet Avvakum ("Tsukkone"), den tankevækkende erobrer David, den roligt koncentrerede Maria Anunziata, den frygtelige Gatt-melata i hendes lidenskabelige stædighed, forherlige det heroiske princip i mennesket.

Tomaso Masaccio fortsatte Giottos malereformer. Hans figurer er omfangsrige og eftertrykkeligt materielle ("Madonna og barn med St. Anne"), de står på jorden og "flyder" ikke i luften ("Adam og Eva, udvist af paradis"), de er placeret i rummet, som kunstneren formåede at formidle gennem teknikkerne i et centralt perspektiv ("Treenighed").

Freskerne ved Masaccio i Brancacci -kapellet skildrer apostlene, der ledsager Kristus på hans jordiske vandringer. Det er almindelige mennesker, fiskere og håndværkere. Kunstneren søger imidlertid ikke at klæde dem i klude for at understrege deres enkelhed, men undgår frodige klæder, der viser deres eksklusivitet og eksklusivitet. Det er vigtigt for ham at vise den tidløse betydning af, hvad der sker.

Renæssancemestrene i det centrale Italien forsøgte at undgå denne form for detaljer. Det blev anset for mere vigtigt at formidle det typiske, generaliserede, snarere end individuelle, utilsigtede, at formidle en persons storhed. Til dette brugte Piero della Francesca for eksempel teknikker som brugen af ​​en "lav horisont" og assimilering af menneskelige figurer, draperet i brede kapper, til arkitektoniske former ("Dronningen af ​​Sheba før Salomo").

Sammen med denne heroiske tradition udviklede en anden, lyrisk sig. Det var domineret af dekorativitet, flerfarvet (overfladen på mange malerier fra den æra ligner elegante tæpper), mønster. Karaktererne, der er afbildet af mestre i denne trend, er melankolske eftertænksomt og fyldt med øm sorg. Små ting i hverdagen, finurlige detaljer udgør en væsentlig del af deres tiltrækningskraft. Kunstnerne i denne cirkel omfattede både de florentinske mestre og kunstnerne på andre skoler. Den mest berømte af dem er Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Den mest geniale mester i denne trend var florentineren Sandro Botticelli (1445-1510 ). Den rørende, rørende skønhed ved hans Madonnas og Venus er for mange forbundet med Quattrocentos kunst generelt. Udmærket falmede farver, finurlige, nu flydende, nu vridende linjer, lyse figurer, der glider over jorden og ikke lægger mærke til hinanden. Botticelli er en af ​​renæssancens mest charmerende kunstnere, hvis arbejde kombinerer indflydelse fra middelalderens æstetik, flydende i nye kunstneriske teknikker og et bud på den humanistiske kulturs krise. Hans maleri indeholder mytologiske, allegoriske og bibelske emner. Disse plots formidles med penslen af ​​en uskyldig og oprigtig person, der sluttede sig til filosofiske ideer neoplatonisme.

Botticellis kunst blomstrede ved hoffet for den uofficielle hersker i Firenze, bankmanden Lorenzo Medici, som var en typisk social-politisk skikkelse i sin tid: en snedig og opfindsom politiker, en hård hersker, en entusiastisk beundrer af kunst, en god digter. Han begik ikke sådanne grusomheder som S. Malatesta eller C. Borgia, men overholdt generelt de samme principper i sine handlinger. Han var iboende (igen i tidens ånd) en trang til demonstration af ekstern luksus, pragt, festlighed. Under ham var Firenze berømt for sine strålende karnevaler, en obligatorisk komponent heraf var udklædte processioner, hvor små teaterforestillinger blev udført på mytologiske og allegoriske temaer, ledsaget af danse, sang og oplæsning. Disse festligheder forventede dannelsen af ​​teatralsk kunst, hvis fremgang begyndte i det næste, XVI århundrede.

Krisen i humanismens ideer. Humanismen fokuserede på menneskets forherligelse og satte håb om, at en fri menneskelig personlighed kan forbedres uendeligt, og på samme tid vil menneskers liv blive bedre, forholdet mellem dem vil være venligt og harmonisk. To århundreder er gået siden begyndelsen på den humanistiske bevægelse. Menneskernes spontane energi og aktivitet skabte meget - storslåede kunstværker, velhavende handelsvirksomheder, videnskabelige afhandlinger og vittige noveller, men livet blev ikke bedre. Desuden bekymrede tanken om de vovede skaberes posthume skæbne mere og mere akut. Hvad kan retfærdiggøre en persons jordiske aktivitet ud fra et posthum liv? Humanisme og hele renæssancens kultur gav ikke et svar på dette spørgsmål. Personlig frihed, der er indskrevet på humanismens banner, gav anledning til problemet med personligt valg mellem godt og ondt. Valget blev ikke altid taget til fordel for det gode. Kamp om magt, indflydelse, rigdom førte til konstante blodige sammenstød. Gaderne, husene og endda kirkerne i Firenze, Milano, Rom, Padua og alle store og små bystater i Italien var fyldt med blod. Meningen med livet blev reduceret til at opnå konkrete og håndgribelige succeser og præstationer, men det havde samtidig ikke en højere begrundelse. Desuden kunne "spillet uden regler", som blev livets regel, ikke vare for længe. Denne situation gav anledning til et voksende ønske om at indføre et element af organisation og sikkerhed i samfundslivet. Det var nødvendigt at finde den højeste begrundelse, den højeste stimulans for den vanvittige kogning af menneskelig energi.

Hverken humanistisk ideologi, der fokuserede på at løse jordelivets problemer, eller gammel katolicisme, hvis etiske ideal var rettet til et rent kontemplativt liv, kunne give en overensstemmelse mellem livets skiftende behov og deres ideologiske forklaring. Religiøst dogme måtte tilpasse sig behovene i et samfund af aktive, initiativrige, uafhængige individualister. Men forsøg på kirkereformer i Italien, som var den ideologiske og organisatoriske centrum for den katolske verden, var dømt til at mislykkes.

Det mest markante eksempel på dette er den dominikanske munk Girolamo Savonarolas forsøg på at gennemføre denne form for reformer i forholdene i Firenze. Efter den strålende Lorenzo Medicis død, oplevede Firenze en politisk og økonomisk krise. Trods alt blev Medici -domstolens pragt ledsaget af en forværring i Firenze's økonomi, en svækkelse af dens position blandt nabostater. Den strenge dominikanske munk Savonarola, der opfordrede til at opgive luksus, jagten på forgæves kunst og etablering af retfærdighed, fik enorm indflydelse i byen. De fleste af byens borgere (inklusive kunstnere som Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) begyndte entusiastisk at bekæmpe det onde, ødelægge luksusvarer og brænde kunstværker. Gennem bestræbelserne fra Curias i Rom blev Savonarola styrtet og henrettet, oligarkiets magt blev genoprettet. Men den gamle, fredfyldte og glædelige tillid til de idealer, der er rettet mod forherligelsen af ​​det perfekte menneske, er væk.

Høj renæssance. Emancipationens og befrielsens omstyrtende patos blev kernen i den humanistiske ideologi. Da hans muligheder var opbrugt, ville der helt sikkert komme en krise. En kort periode, omkring tre årtier, er et øjeblik sidste start før ødelæggelsen af ​​hele idé- og stemningssystemet begynder. På dette tidspunkt flyttede centrum for kulturel udvikling fra Firenze, der mistede sin republikanske tapperhed og orden, til Rom, centrum for det teokratiske monarki.

I kunst udtrykte tre mestre mest højrenæssancen. Det kan siges, selvom det naturligvis er noget betinget, at den ældste af dem, Leonardo Da Vinci (1452-1519 ), forherligede det menneskelige intellekt, sindet, der hæver en person over naturen omkring ham; den yngste, Raphael Santi (1483-1520 ), skabte billeder, der er perfekt smukke, der legemliggør harmonien mellem mental og fysisk skønhed; -en Michelangelo Buonarroti (1475-1564) forherligede menneskets styrke og energi. Verden skabt af kunstnerne er virkelighed, men renset for alt småt og tilfældigt.

Det vigtigste, Leonardo overlod til folk, var hans maleri, der forherligede en persons skønhed og sind. Allerede det første af Leonardos uafhængige værker - en engels hoved, skrevet til "dåb" af hans lærer Verrocchio, overraskede publikum med sit tankevækkende, tankevækkende blik. Kunstnerens figurer, det være sig den unge Maria, der leger med et barn ("Benois Madonna"), den smukke Chichilia ("Lady with a hermine") eller apostlene og Kristus i scenen i "The Last Supper", er primært tænkende væsener. Det er tilstrækkeligt at huske maleriet kendt som portrættet af Mona Lisa (La Gioconda). Udseendet af en roligt siddende kvinde er fuld af sådan indsigt og dybde, at det ser ud til, at hun ser og forstår alt: menneskers følelser, der ser på hende, deres livets kompleksitet, Kosmos uendelighed. Bag hende er et smukt og mystisk landskab, men hun hæver sig over alt, hun er det vigtigste i denne verden, hun personificerer det menneskelige intellekt.

I Rafael Santis personlighed og arbejde manifesteredes stræben efter harmoni, indre balance og rolig værdighed, der var karakteristisk for den italienske renæssance, med særlig fuldstændighed. Han efterlod sig ikke kun malerier og arkitektoniske værker. Hans maleri er meget forskelligartet i emnet, men når de taler om Raphael, kommer der først og fremmest billeder af hans Madonnas. De har en rimelig lighed, manifesteret i mental klarhed, barnslig renhed og klarhed. indre ro... Blandt dem er der tankevækkende, drømmende, flirtende, fokuseret, der hver indeholder en eller anden facet af et billede af en kvinde med et barns sjæl.

Den mest berømte af Raphael Madonnas, den sixtinske Madonna, falder ud af denne serie. Sådan beskrives indtrykket af sovjetiske soldater, der så det i 1945 fjernet fra en mine, hvor det var skjult af nazisterne: "Intet i billedet holder i første omgang din opmærksomhed; dit blik glider og stopper ikke ved noget, indtil det øjeblik, indtil det møder et andet blik, der kommer mod dig. Mørke, brede øjne stirrer roligt og opmærksomt på dig, indhyllet i en gennemsigtig skygge af øjenvipper; og nu er der noget vagt, der har rørt i din sjæl, hvilket gør dig forsigtig ... Du prøver stadig at forstå, hvad der er galt, hvad der præcist på billedet gjorde dig opmærksom på, gjorde dig bekymret. Og dine øjne når ufrivilligt igen og igen ud til hendes blik ... Udseendet af den sixtinske Madonna, let overskyet af sorg, er fuld af tillid til fremtiden, hvortil hun med så storhed og enkelhed bærer sin mest dyrebare søn. "

En lignende opfattelse af billedet formidles af følgende verslinjer: "Rigene gik til grunde, havene tørrede, / citadeller brændte til jorden, / Aona i mors sorg / Fra fortiden til fremtiden gik hun."

I Raphaels arbejde er stræben efter at finde det fælles, det typiske hos individet særligt levende. Han talte om, at han skal se mange smukke kvinder for at skrive Beauty.

Ved at skabe portrættet fokuserede kunstnerne i den italienske renæssance ikke på detaljerne, der hjælper med at vise individet i en person (øjnens form, næsens længde, læbernes form), men på det generelt-typiske , som udgør de "specifikke" træk ved en mand.

Michelangelo Buonarroti var både en vidunderlig digter og en strålende billedhugger, arkitekt, maler. Michelangelos lange kreative liv omfattede også tidspunktet for renæssancekulturens højeste blomstring; han, der overlevede de fleste af renæssancens titaner, måtte være vidne til sammenbruddet af humanistiske idealer.

Den styrke og energi, der gennemsyrer hans værker, virker til tider overdreven, overvældende. I denne herres arbejde kombineres skabelsens patos, karakteristisk for æraen, med den tragiske følelse af denne patos undergang. Kontrasten mellem fysisk magt og afmagt er til stede i en række skulpturelle billeder, såsom figurerne af "Slaver", "Captives", den berømte skulptur "Night" samt i billederne af Sibylerne og profeterne på loftet af Det Sixtinske Kapel.

Et særligt tragisk indtryk er gjort af maleriet, der viser scenen for den sidste dom på det vestlige væg i det sixtinske kapel. Ifølge kunstkritikeren “er Kristi opløftede hånd kilden til den hvirvelformede sfæriske bevægelse, der finder sted omkring den centrale oval ... Verden sættes i gang, den hænger over afgrunden, hele rækken af ​​kroppe hænger over afgrunden i "sidste dom" ... I et vredt udbrud blev Kristi hånd kastet op. Nej, han var ikke en frelser for mennesker ... og Michelangelo ville ikke trøste mennesker ... Denne Gud er helt usædvanlig ... han er skægløs og ungdommelig hurtig, han er stærk i sin fysiske styrke og hele sin styrke er givet til vrede. Denne Kristus kender ingen barmhjertighed. Nu ville det kun være ondskabens samspil. "

Renæssance i Venedig: en fest af farver. Den rige handelsrepublik blev centrum for senrenæssancen. Venedig indtog en særlig position blandt Italiens kulturcentre. Nye tendenser trængte ind der meget senere, hvilket forklares med de stærke konservative følelser, der eksisterede i denne oligarkiske handelsrepublik, forbundet med tætte forbindelser til Byzantium og var stærkt påvirket af den "byzantinske måde".

Derfor manifesterer renæssancens ånd sig først i venetianernes kunst fra anden halvdel af 1400 -tallet. i værker af flere generationer af kunstnere fra familien Bellini.

Derudover har venetiansk maleri en anden bemærkelsesværdig forskel. I billedkunsten på andre italienske skoler var det vigtigste tegning, evnen til at formidle mængden af ​​kroppe og objekter ved hjælp af sort -hvid modellering (den berømte sfumato Leonardo da Vinci), mens venetianerne lagde stor vægt på farvens overløb. Den fugtige atmosfære i Venedig bidrog til, at kunstnerne lagde stor vægt på billedskønheden i deres arbejde. Ikke overraskende var venetianerne de første italienske kunstnere, der henvendte sig til oliemaleriteknikken udviklet i det nordlige Europa, i Holland.

Den virkelige blomstring af den venetianske skole er forbundet med kreativitet Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Denne tidligt afdøde mester efterlod et par malerier. Mennesket og naturen er hovedtemaet for værker som "Country Concert", "Sleeping Venus", "Thunderstorm". "Der hersker en lykkelig harmoni mellem natur og menneske, som strengt taget er billedets hovedtema." I maleri af Giorgione vigtig rolle tilhører farven.

Den mest berømte repræsentant for den venetianske skole var Titian Vecelio, hvis fødselsår er ukendt, men han døde som en meget gammel mand, i 1576 under en pestepidemi. Han malede billeder om bibelske, mytologiske, allegoriske emner. I hans maleri er der en stærk livsbekræftende begyndelse, heltene og heltinderne er fulde af styrke og fysisk sundhed, majestætisk og smuk. Impulsens og bevægelsens energi er lige så mættet med alterbilledet af "Mariens opstigning" ("Assunta") og det antikke motiv for "Bacchanalia". Både "Denarius af Cæsar" ("Kristus og Judas") og "Jordisk og himmelsk kærlighed" er gennemsyret af filosofiske implikationer. Kunstneren sang kvindelig skønhed("Venus af Urbinskaya", "Danae", "Pige med frugt") og det tragiske øjeblik i en persons afgang fra livet ("Kristi klagesang", "Begravelse"). De majestætisk smukke billeder, harmoniske detaljer om arkitektoniske former, smukke ting, der fylder interiøret, maleriernes bløde og varme farve - alle vidner om livets kærlighed i Titian.

Det samme tema blev konstant udviklet af en anden venetianer, Paolo Veronese (1528-1588 ). Det er hans store "fester" og "festligheder", hans allegorier til ære for den venetianske republiks velstand, der først og fremmest kommer til at tænke på ordene "venetiansk maleri". Veronese mangler Titians alsidighed og visdom. Hans maleri er mere dekorativt. Det blev primært oprettet for at dekorere palazzoen i det venetianske oligarki og for at dekorere officielle bygninger. Muntert temperament og oprigtighed gjorde dette panegyriske maleri til en jublende fejring af livet.

Det skal bemærkes, at venetianerne oftere end repræsentanterne for andre italienske skoler har antikke fag.

Politiske ideer. Det blev tydeligt, at den humanistiske tro på, at en fri og almægtig person ville blive glad og gøre alle omkring ham lykkelig, ikke var berettiget, og jagten på andre muligheder for at opnå lykke begyndte. Da håbet om en persons evne til at skabe betingelser for et lykkeligt eller i det mindste roligt liv var ved at dø ud, blev opmærksomheden flyttet til mulighederne for et organiseret menneskeligt samfund - staten. Florentinen står ved oprindelsen til moderne politisk tankegang Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), som var statsmand, historiker, dramatiker, militærteoretiker, filosof. Han forsøgte at forstå, hvordan samfundet skulle organiseres, så folk lever mere roligt. Herskerens stærke magt er det, der efter hans mening kunne give orden. Lad herskeren være grusom som en løve og snedig som en ræv, lad ham, bevare sin magt, eliminere alle rivaler. Ubegrænset og ukontrolleret magt skulle ifølge Machiavelli bidrage til skabelsen af ​​en stor og magtfuld stat. I en sådan tilstand vil de fleste mennesker leve i fred uden frygt for deres liv og ejendom.

Machiavellis aktiviteter vidnede om, at tidspunktet for "spillet uden regler" i høj grad træt samfundet, at der var behov for at skabe en kraft, der kunne forene mennesker, regulere forholdet mellem dem, etablere fred og retfærdighed - staten begyndte at blive betragtet som sådan en kraft.

Kunstens sted i samfundslivet. Som allerede bemærket var det mest ærede aktivitetsområde dengang kunstnerisk skabelse det var trods alt i kunstens sprog, at æraen som helhed udtrykte sig. Den religiøse bevidsthed mistede sin altomfattende indflydelse på samfundslivet, og videnskabelig viden var stadig i sin spæde start, så verden blev opfattet gennem kunst. Kunst spillede den rolle, der i middelalderen tilhørte religion og i moderne og moderne samfund videnskab. Universet blev ikke opfattet som et mekanistisk system, men som en integreret organisme. Det vigtigste middel til at forstå miljøet var observation, fordybelse, fiksering af det, han så, og dette blev leveret på den bedste måde ved at male. Det er ikke tilfældigt, at Leonardo da Vinci kalder maleri en videnskab, desuden den vigtigste af videnskaberne.

Mange fakta vidner om betydningen af ​​fremkomsten af ​​et fremragende kunstværk i samtidens øjne.

Konkurrencerne mellem kunstnere om retten til at modtage en lukrativ statsordre blev nævnt ovenfor. Ikke mindre kontrovers blev forårsaget af spørgsmålet om, hvor Michelangelos "David" skulle stå, og flere årtier senere opstod det samme problem om installationen af ​​B. Cellinis "Perseus". Og det er blot nogle få af de mest berømte eksempler af denne art. Denne holdning til fremkomsten af ​​nye kunstneriske kreationer designet til at dekorere og glorificere byen var ganske naturlig for renæssancens byliv. Tiden talte om sig selv i kunstværkernes sprog. Derfor blev enhver begivenhed i kunstnerlivet vigtig for hele samfundet.

Temaer og fortolkning af plots i den italienske renæssances kunst. For første gang i tusind år efter den kristne kulturs eksistens begyndte kunstnere at skildre den jordiske verden, ophøje, heroisere, guddommeliggøre den. Kunstemner forblev næsten udelukkende religiøse, men inden for rammerne af dette traditionelle tema flyttede interessen relativt set til livsbekræftende emner.

Den første ting, der kommer til at tænke på, når man nævner den italienske renæssance, er billedet af Mary med babyen, der er repræsenteret af en ung dame (Madonna) med et rørende smukt barn. "Madonna and Child", "Madonna with Saints" (det såkaldte "Holy Interview"), "Holy Family", "Adoration of the Magi", "Christmas", "Procession of the Magi" - det er de foretrukne temaer af æraens kunst. Nej, både "krucifikser" og "klagesang" blev oprettet, men denne note var ikke den vigtigste. Kunder og kunstnere, der legemliggjorde deres ønsker i synlige billeder, fandt i traditionelle religiøse emner det, der bar håb og tro i en lys begyndelse.

Blandt karaktererne i hellige legender dukkede billeder af rigtige mennesker op, som donorer(donorer), placeret uden for rammen af ​​alterkompositionen eller som tegn i overfyldte optog. Det er tilstrækkeligt at huske "The Adoration of the Magi" af S. Botticelli, hvor medlemmer af Medici-familien er genkendelige i en elegant skare af tilbedere, og hvor kunstneren formentlig også placerede et selvportræt. Samtidig blev uafhængige portrætbilleder af samtidige, malet fra livet, fra hukommelsen, fra beskrivelser, udbredt. I de sidste årtier af 1400 -tallet. kunstnere begyndte i stigende grad at skildre scener af mytologisk karakter. Sådanne billeder skulle dekorere paladsets lokaler. Scener fra moderne liv inkluderet i religiøse eller mytologiske kompositioner. I sig selv interesserede moderniteten i sine daglige manifestationer ikke kunstnerne for meget; de klædte høje, ideelle temaer i velkendte synlige billeder. Renæssancemestrene var ikke realister i ordets moderne forstand, de genskabte menneskets verden, renset fra hverdagen, med de midler, de har til rådighed.

Efter teknikkerne i lineært perspektiv skabte kunstnerne på flyet en illusion af et tredimensionelt rum fyldt med figurer og objekter, der ser ud til at være tredimensionelle. Mennesker i renæssancens malerier præsenteres som majestætiske og vigtige. Deres stillinger og gestus er fulde af alvor og højtidelighed. En smal gade eller et rummeligt torv, et elegant møbleret værelse eller frit spredte bakker - alt sammen fungerer som baggrund for menneskeskikkelser.

I italiensk renæssancemaleri er et landskab eller interiør primært en ramme for menneskelige figurer; subtil sort-hvid modellering skaber indtryk af materialitet, men ikke groft, men udsøgt luftigt (det er ikke tilfældigt, at Leonardo betragtede det ideelle tidspunkt at arbejde midt på dagen i overskyet vejr, når belysningen er blød og diffust ); den lave horisont gør figurerne monumentale, som om deres hoveder rører ved himlen, og tilbageholdenheden af ​​deres stillinger og fagter giver dem højtidelighed og majestæt. Karaktererne er ikke altid smukke med ansigtstræk, men de er altid fulde af indre betydning og betydning, selvværd og ro.

Kunstnere i alt og undgå altid ekstremer og ulykker. Sådan beskrev kunstkritikeren museindtrykkene fra maleriet af den italienske renæssance: ”Salerne for italiensk kunst fra XIV -XVI århundreder kendetegnes ved et interessant træk - de er overraskende stille med en overflod af besøgende og forskellige udflugter. .. Stilhed flyder fra væggene, fra malerierne - den majestætiske stilhed på den høje himmel, bløde bakker, store træer. Og store mennesker ... Folk er større end himlen. Verden spreder sig bag dem - med veje, ruiner, flodbredder, byer og ridderborge - ser vi som fra en flyvehøjde. Det er omfattende, detaljeret og respektfuldt fjernet. "

I historien om udstillingen af ​​pap lavet af Leonardo og Michelangelo til rådssalen (vægmalerierne blev aldrig afsluttet af nogen af ​​dem), er det værd at være opmærksom på, at det syntes særlig vigtigt for florentinerne at se kartonerne. De værdsatte især tegningen, der formidler formen, mængden af ​​de afbildede objekter og kroppe samt det ideologiske koncept, som mesteren forsøgte at implementere. For dem var farve i maleri snarere en tilføjelse, der understregede den form, tegningen skabte. Og en ting mere: at dømme ud fra de overlevende kopier, skulle begge værker (de var dedikeret til to kampe, der er vigtige for bystaten Florens historie) være blevet en typisk manifestation af renæssancens tilgang til kunst, hvor de vigtigste person var. Med hele forskellen mellem Leonardos og Michelangelos pap, er rytterkrigerne i Leonardos kamp om banneret (Slaget ved Angiari) og soldater, der skynder sig til våben, fanget af fjenden, mens de svømmer i floden, ved Michelangelo's (Slaget ved Kashine "), indlysende generel tilgang til præsentationen af ​​det afbildede, hvilket kræver at fremhæve menneskeskikkelsen, underordne det omgivende rum til det. Trods alt er aktørerne vigtigere end handlingsstedet.

Det er interessant at spore, hvordan æraens stemning afspejlede sig i kunsten og sammenlignede flere værker, der var afsat til skildringen af ​​det samme plot. Et af tidens yndlingsemner var historien om Sankt Sebastian, som blev henrettet af romerske soldater for sit engagement i kristendommen. Dette tema gjorde det muligt at vise heltemod hos en menneskelig person, der var i stand til at ofre sit liv for sin overbevisning. Derudover gjorde plottet det muligt at vende sig til billedet af en nøgen krop, for at realisere det humanistiske ideal - en harmonisk kombination af et smukt udseende og en smuk menneskesjæl.

I midten af ​​1400 -tallet. flere papirer er blevet skrevet om dette emne. Forfatterne var ganske forskellige mestre: Perugino, Antonello de Mesina og andre. Når man ser på deres malerier, bliver man ramt af roen, en følelse af indre værdighed, der er gennemsyret af billedet af en smuk nøgen ung mand, der står nær en søjle eller et træ og drømmende kigger ind i himlen. Bag ham er et fredeligt landskab eller et hyggeligt torv. Kun tilstedeværelsen af ​​pile i en ung mands krop fortæller beskueren, at vi står over for en henrettelsesscene. Smerter, tragedier, døden mærkes ikke. Disse smukke unge mænd, forenet af martyren Sebastians skæbne, er bevidste om deres udødelighed, ligesom mennesker, der boede i Italien i 1400 -tallet, følte deres sårbarhed og almagt.

På maleriet, malet af kunstneren Andrea Mantegna, kan man mærke tragedien om, hvad der sker, hans St. Sebastian føler, at han er ved at dø. Og endelig, i midten af ​​det XVI århundrede. Titian Vecelio skrev sin St. Sebastian. Der er ikke noget detaljeret landskab på dette lærred. Handlingsstedet er kun skitseret. Der er ingen tilfældige tal i baggrunden, ingen kriger-bødler, der retter sig mod deres offer, intet, der kan fortælle beskueren betydningen af ​​situationen, og samtidig er der en følelse af en tragisk ende. Dette er ikke bare et menneskes død, det er hele verdens død, der brænder i de rødbrune flammer af en universel katastrofe.

Betydning af kulturen i den italienske renæssance. Jorden, der fødte kulturen i den italienske renæssance, blev ødelagt i løbet af 1500 -tallet. Det meste af landet gennemgik udenlandske invasioner, den nye økonomiske struktur blev undergravet af flytningen af ​​de vigtigste handelsruter i Europa fra Middelhavet til Atlanterhavet, befolkningsrepublikkerne faldt under reglen om ambitiøse lejesoldat -kondottører, og stigningen i individualistisk energi tabte dens interne begrundelse og gradvist døde ud under vækkelsesbetingelserne. feudal orden (refeudalisering af samfundet). Et forsøg på at skabe et nyt samfund baseret på menneskets frigørelse på initiativ af iværksætteri blev afbrudt i Italien i lang tid. Landet var i tilbagegang.

Men den kulturtradition, der blev skabt af dette samfund, spredt gennem italienske mestres indsats i hele Europa, blev en standard for europæisk kultur som helhed, fik sit videre liv i sin version, som blev kaldt "høj", "indlært" kultur. Forblev monumenter fra renæssancekulturen - smukke bygninger, statuer, vægmalerier, malerier, digte, humanistiske kloge skrifter forblev de traditioner, der blev de næste tre og et halvt århundrede (indtil slutningen af ​​det 19. århundrede) afgørende for kulturen af de folk, der var under dens indflydelse, og denne indflydelse spredte sig gradvist meget bredt.

Det er især værd at bemærke og fremhæve betydningen af ​​den italienske renæssances billedkunst med sit ønske om at formidle på et væg- eller brætplan et ark papir indesluttet i en lærredsramme, illusionen af ​​et tredimensionelt rum fyldt med illusoriske volumetriske billeder af mennesker og objekter - hvad kan man kalde Ved vinduet til Leonardo Danilov I.Ye. Italiensk by fra 1400 -tallet. Virkelighed, myte, image. Moskva, 2000, s. 22, 23. Se: V.P. Golovin. Verden for den tidlige renæssancekunstner. M.: Forlag til Moskva Statsuniversitet, 2002. S. 125. Boyadzhiev G. Italienske notesbøger. M., 1968 S. 104.

Italiensk renæssance

Renæssancekulturen stammer fra Italien. Kronologisk er den italienske renæssance normalt opdelt i 4 faser: Proto-renæssance (præ-renæssance)-anden halvdel af XIII-XIV århundreder; tidlig renæssance - XV århundrede; Højrenæssance - slutningen af ​​1400 -tallet - den første tredjedel af 1500 -tallet sen renæssance - slutningen af ​​1500 -tallet.

Proto-renæssancen var en forberedelse til renæssancen, den var tæt forbundet med middelalderen, med de romanske, gotiske, byzantinske traditioner. Og selv i innovative kunstneres arbejde er det ikke let at tegne en klar grænse, der adskiller det gamle fra det nye. Begyndelsen på en ny æra er forbundet med navnet Giotto di Bondone (1266 - 1337). Renæssancekunstnere betragtede ham som en reformator af maleriet. Giotto skitserede den vej, dens udvikling gik: væksten af ​​realistiske øjeblikke, fyldningen af ​​religiøse former med sekulært indhold, en gradvis overgang fra flade billeder til volumetrisk og lettelse.

Store mestre i den tidlige renæssance-F. Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1386-1466), Verrocchio (1436-1488), Masaccio (1401-1428), Mantegna (1431-1506), S. Botticelli (1444- 1510) ... Maleriet fra denne periode gør et skulpturelt indtryk, figurerne i kunstnernes malerier ligner statuer. Og det er ikke tilfældigt. Mestrene i den tidlige renæssance forsøgte at genoprette verdens objektivitet, som næsten forsvandt i middelalderens maleri og understregede formens volumen, plasticitet og klarhed. Farveproblemer trak sig tilbage i baggrunden. Kunstnerne fra 1400-tallet opdagede perspektivlovene og byggede komplekse flerfigurede kompositioner. De er imidlertid begrænset til et stort set lineært perspektiv og lægger næppe mærke til luftmiljøet. Og de arkitektoniske baggrunde i deres malerier ligner noget tegningen.

I højrenæssancen slutter geometrien i den tidlige renæssance ikke, men uddybes endda. Men der tilføjes noget nyt til det: spiritualitet, psykologi, ønsket om at formidle en persons indre verden, hans følelser, stemninger, tilstande, karakter, temperament. Et luftperspektiv udvikles, formernes materialitet opnås ikke kun ved volumen og plasticitet, men også ved chiaroscuro. Højrenæssancens kunst udtrykkes bedst af tre kunstnere: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. De repræsenterer kerneværdierne i den italienske renæssance: Intelligens, harmoni og magt.

Senrenæssancekonceptet anvendes normalt på den venetianske renæssance. Kun Venedig i denne periode (anden halvdel af 1500 -tallet) forblev uafhængig, resten af ​​de italienske fyrstedømmer mistede deres politiske uafhængighed. Genoplivningen til Venedig havde sine egne egenskaber. Hun havde ringe interesse for videnskabelig forskning og udgravninger af gamle antikviteter. Renæssancen havde anden oprindelse. Venedig har længe opretholdt tætte handelsforbindelser med Byzantium, det arabiske øst, og handlet med Indien. Efter at have omarbejdet både de gotiske og østlige traditioner udviklede Venedig sin egen særlige stil, der er præget af farverighed og romantisk maleri. For venetianerne kommer farveproblemer frem, billedets materialitet opnås ved farvegraderinger. De største venetianske mestre i høj- og senrenæssancen er Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594).

Nordlige renæssance

Havde en ejendommelig karakter nordlige renæssance(Tyskland, Holland, Frankrig). Nordrenæssancen halter bagefter italiensk med et helt århundrede og begynder, når Italien går ind på det højeste trin i sin udvikling. I kunsten i den nordlige renæssance er der mere et middelalderligt verdensbillede, religiøs følelse, symbolik, det er mere konventionelt i form, mere arkaisk, mindre bekendt med antikken.

Det filosofiske grundlag for den nordlige renæssance var panteisme. Panteisme, uden direkte at benægte Guds eksistens, opløser ham i naturen, skænker naturen guddommelige egenskaber, såsom evighed, uendelighed, uendelighed. Da panteisterne mente, at der i hver partikel i verden er en partikel af Gud, konkluderede de: hvert stykke natur er et billede værd. Sådanne fremstillinger fører til fremkomsten af ​​landskab som en uafhængig genre. Tyske malere- landskabsmestre A. Durer, A. Altdorfer, L. Cranach skildrede majestæt, magt, naturens skønhed og formidlede dens spiritualitet.

Den anden genre, der blev udviklet inden for kunsten i den nordlige renæssance er portræt. Et uafhængigt portræt, der ikke er forbundet med en religiøs kult, dukkede op i Tyskland i den sidste tredjedel af 1400 -tallet. Dürer's æra (1490-1530) var tiden for hans bemærkelsesværdige storhedstid. Det skal bemærkes, at det tyske portræt var anderledes end det fra den italienske renæssance. Italienske kunstnere skabte i deres beundring for mennesket skønhedsidealet. Tyske kunstnere var ligeglade med skønhed, det vigtigste for dem var at formidle karakter, at opnå billedets følelsesmæssige udtryksfuldhed, nogle gange til skade for idealet, til skade for skønheden. Måske afspejler dette ekkoerne af den "grimme æstetik" typisk for middelalderen, hvor åndelig skønhed kunne skjules i et grimt udseende. I den italienske renæssance kom den æstetiske side frem, i den nordlige - den etiske. De største mestre i portrætmaleri i Tyskland er A. Dürer, G. Holbein Jr., i Holland - Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, i Frankrig - J. Fouquet, J. Clouet, F. Clouet.

Den tredje genre, der først og fremmest opstod og udviklede sig i Holland, er det daglige maleri. Største mester genremaleri- Pieter Bruegel Sr. Han skrev pålidelige scener fra bondelivet, og selv bibelske scener placerede han på landet i Holland på det tidspunkt. De hollandske kunstnere blev kendetegnet ved den ekstraordinære skrivekunst, hvor hver mindste detalje blev afbildet med ekstrem omhu. Sådan et billede er meget fascinerende for seeren: Jo mere du ser på det, jo mere finder du interessante ting der.

At give sammenlignende egenskaber Italiensk og nordlig renæssance, en anden væsentlig forskel mellem dem bør fremhæves. Den italienske renæssance er præget af en stræben efter genoprettelse af den gamle kultur, en stræben efter frigørelse, befrielse fra kirkelige dogmer, for verdslig uddannelse. I den nordlige renæssance blev hovedstedet besat af spørgsmål om religiøs perfektion, fornyelse af den katolske kirke og dens lære. Nordlig humanisme førte til reformationen og protestantismen.

Videnskaben

Udviklingen af ​​viden i XIV-XVI århundreder påvirkede betydeligt folks ideer om verden og en persons plads i den. De store geografiske opdagelser, det heliocentriske system i Nicholas Copernicus 'verden ændrede ideen om Jordens størrelse og dens plads i Universet og værkerne fra Paracelsus og Vesalius, hvori for første gang efter antikken, der blev gjort forsøg på at studere menneskets struktur og de processer, der forekommer i det, lagde grundlaget for videnskabelig medicin og anatomi.

Der er også sket store ændringer inden for samfundsvidenskaben. I værkerne af Jean Boden og Niccolo Machiavelli blev historiske og politiske processer først set som et resultat af interaktionen mellem forskellige grupper af mennesker og deres interesser. Samtidig blev der forsøgt at udvikle en "ideel" social struktur: "Utopia" af Thomas More, "Solens by" af Tommaso Campanella. Takket være interessen for antikken er mange gamle tekster blevet restaureret [ kilde ikke angivet 522 dage], studerede mange humanister klassisk latin og oldgræsk.

Generelt skabte renæssancens panteistiske mystik i denne æra en ugunstig ideologisk baggrund for udviklingen af ​​videnskabelig viden. Den sidste dannelse af den videnskabelige metode og den efterfølgende videnskabelige revolution i 1600 -tallet. forbundet med modstanden mod reformationens renæssancebevægelse.

Det er ikke tilfældigt, at mange navigatører og videnskabsmænd, der opnåede verdensomspændende berømmelse i en tid med de store geografiske opdagelser - P. Toscanelli, H. Columbus, G. Cabot, A. Vespucci - var italienere. Italien, politisk fragmenteret, var på det tidspunkt det land med den mest udviklede økonomi og kultur i Europa. I moderne tid trådte den midt i en storslået kulturel omvæltning, kaldet renæssancen eller på fransk - renæssancen, fordi det oprindeligt betød genoplivning af den gamle arv. Renæssancen var imidlertid en fortsættelse af middelalderen ikke mindre end en tilbagevenden til antikken, den blev født på baggrund af en højt udviklet, sofistikeret og kompleks kultur i middelalderen.

Renæssancekoncept. Humanisme

Sammen med begrebet "renæssance" er begrebet "humanisme" meget udbredt, afledt af det latinske humanis - menneske. Det er tæt forbundet med begrebet "renæssance", men svarer ikke til det. Udtrykket "renæssance" refererer til hele komplekset af kulturelle fænomener, der er karakteristiske for en given historisk æra. "Humanisme" er et synspunkt, dannet i renæssancetiden, hvorefter den menneskelige persons høje værdighed, hans ret til fri udvikling og manifestationen af ​​hans kreative evner anerkendes.

Under renæssancen betegnede begrebet "humanisme" også et kompleks af viden om mennesket, om sit sted i naturen og samfundet. Et særligt spørgsmål er humanisternes holdning til religion. Humanismen kom ganske godt overens med kristendommen, hvis mest markante bevis var, at præsterne aktivt deltog i den humanistiske bevægelse og især pavernes protektion. Under renæssancen blev religion fra et emne blind tro til et objekt for tvivl, refleksion, videnskabelig undersøgelse, endda kritik. Men trods dette forblev Italien som helhed et religiøst, overvejende katolsk land. Alle former for overtro fortsatte stadig i det italienske samfund, astrologi og andre pseudovidenskaber florerede.

Genoplivningen gik gennem flere faser. Tidlig renæssance (XIV og det meste af XV århundrede) kendetegnet ved fremkomsten af ​​renæssancelitteratur og beslægtede humanitære discipliner, humanismens opblomstring generelt. I periode B Højrenæssance (slutningen af ​​15. - første tredjedel af 1500 -tallet) der var en hidtil uset blomstring af de skønne kunstarter, men en klar krise i det humanistiske verdensbillede var allerede skitseret. I løbet af disse årtier gik renæssancen ud over Italiens grænser. Sen renæssance (det meste af 1500 -tallet)- en periode, hvor dens udvikling fortsatte parallelt med den religiøse reformation i Europa.

Hovedstaden i den italienske renæssance blev den største by i Toscana - Firenze, hvor der har udviklet sig en unik kombination af omstændigheder, der bidrog til kulturens hurtige fremgang. På højden af ​​højrenæssancen flyttede centrum for renæssancekunst til Rom. Pave Julius II (1503-1513) og Leo X (1513-1521) gjorde en stor indsats for derefter at genoplive tidligere herlighed Den evige by, takket være hvilken den virkelig er blevet et centrum for verdenskunst. Venedig blev det tredje største center i den italienske renæssance, hvor renæssancekunsten fik en ejendommelig farve på grund af lokale egenskaber.

Italiensk renæssancekunst

Den kulturelle stigning, der fandt sted i Italien under renæssancen. tydeligst manifesteret i billedkunst og arkitektur. De afspejler med særlig kraft og klarhed det store vendepunkt i æraen, som bestemte veje til den videre udvikling af verdenskunsten.

En af de mest fremtrædende skikkelser i den italienske renæssance var Leonardo da Vinci (1452-1519), der kombinerede mange talenter - maler, billedhugger, arkitekt, ingeniør, original tænker. Han levede et stormfuldt og kreativt liv og skabte sine mesterværker i den florentinske republiks tjeneste sammen med hertugen af ​​Milano, Pana af Rom og kongen af ​​Frankrig. Fresco af Leonardo " Den sidste nadver"Repræsenterer et af toppene i udviklingen af ​​al europæisk kunst, og" La Gioconda "er et af dets største mysterier.

Maleri var for Leonardo et universelt middel til ikke kun at afspejle verden, men også dens viden. Efter hans egen definition er dette "en fantastisk dygtighed, det hele består af de fineste spekulationer." Med sine eksperimentelle observationer berigede denne geniale kunstner næsten alle videnskabsområder i sin tid. Og hans tekniske opfindelser omfattede for eksempel et faldskærmsprojekt.

Leonardos geni blev rivaliseret af den lige så store kunstner Michelangelo Buonarroti (1475-1564) hvis stjerne begyndte at stige ved århundredeskiftet. Det var svært at forestille sig sådan forskellige mennesker: Leonardo - omgængelig, ikke fremmed for sekulære manerer, altid søgende, med en lang række ofte skiftende interesser; Michelangelo - lukket, streng, hovedet på arbejde, fokuseret på hvert af hans nye værker. Michelangelo blev berømt som billedhugger og arkitekt, maler og digter. Blandt hans første mesterværker er den skulpturelle gruppe Lamentation of Christ. I 1504 førte folket i Firenze i et triumftog den kolossale skikkelse af David, denne mesters mesterværk. Det blev højtideligt installeret foran byrådsbygningen. Endnu større berømmelse blev bragt til ham af kalkmalerierne i Det Sixtinske Kapel i Vatikanet, hvor Michelangelo på fire år malede 600 kvm. m scener fra Det Gamle Testamente. Senere dukkede hans berømte kalkmaleri "Den sidste dom" op i det samme kapel.

Michelangelo opnåede lige så imponerende succeser inden for arkitektur. Fra 1547 til slutningen af ​​sit liv ledede han opførelsen af ​​Peterskirken, der skulle blive den største katolske kirke i verden. Michelangelo ændrede radikalt det oprindelige design af denne grandiose struktur. Ifølge hans geniale projekt blev en kuppel skabt, den dag i dag uovertruffen i hverken størrelse eller storhed. Denne romerske katedral er en af ​​verdens største arkitekturer.

Som byplanlægger udtrykte Michelangelo sit fulde kraft af sit talent ved oprettelsen af ​​et arkitektonisk ensemble på Capitol -pladsen. Han formede faktisk det nye look i Rom, som siden da har været uløseligt forbundet med hans navn. Maleriet af den italienske renæssance nåede sine højder i arbejdet med Raphael Santi (1483-1520). Han deltog i opførelsen af ​​Peterskirken, og i 1516 blev han udnævnt til viceværten for alle romerske antikviteter. Imidlertid viste Raphael sig hovedsageligt som kunstner, i hvis værk højrenæssancens billedkanoner blev afsluttet. Blandt Raphaels kunstneriske præstationer er maleriet af statens værelser i Vatikanpaladset. Hans pensler tilhører portrætterne af Julius II og Leo X, takket være hvilken Rom blev hovedstaden i renæssancekunsten. Kunstnerens yndlingsbillede har altid været Guds Moder, et symbol moderlig kærlighed... Det er ikke tilfældigt, at den fantastiske sixtinske Madonna anerkendes som hans største mesterværk.

Et hæderligt sted i renæssancekunstens historie indtages af den venetianske malerskole, hvis grundlægger var Giorgione (1476 / 77-1510). Mesterværker som "Judith" og "Sleeping Venus" modtog verdensomspændende anerkendelse. ... Den mest fremtrædende kunstner i Venedig var Titian (1470 / 80'erne - 1576). Alt, hvad han lærte af Giorgione og andre mestre, bragte Titian til perfektion, og den frie malemåde, han havde skabt, havde stor indflydelse på den efterfølgende udvikling af verdens maleri.

Blandt de tidlige mesterværker af Titian er det originale maleri "Jordisk kærlighed og himmelsk kærlighed". Den venetianske maler blev bredt kendt som en uovertruffen portrætmaler. Både romerske ypperstepræster og kronede hoveder betragtede det som en ære at stille for ham.

Arkitektur og skulptur

Grundlæggerne af den nye arkitektoniske stil var de fremragende mestre i Firenze, primært Filippo Brunelleschi, der skabte den monumentale kuppel i katedralen Santa Maria del Fiore. Men hovedtypen af ​​arkitektonisk struktur i denne periode var ikke længere en kirke, men en sekulær bygning - paladset (paladset). Renæssancestilen er præget af monumentalitet, som skaber indtryk af storhed og facadernes betonede enkelhed, bekvemmeligheden ved rummelige interiører. Den komplekse konstruktion af gotiske bygninger, som overvældede mennesket med deres storhed, stod i kontrast til ny arkitektur, som skabte et fundamentalt nyt levested, mere i overensstemmelse med menneskelige behov.

Under renæssancen fandt adskillelsen af ​​skulptur og arkitektur sted, fritstående monumenter dukkede op som et uafhængigt element i bylandskabet, kunsten med skulpturelt portræt udviklede sig hurtigt. Portrætgenren, udbredt inden for maleri, skulptur og grafik, svarede til den humanistiske stemning i renæssancekulturen.

Litteratur, teater, musik

Renæssancelitteratur, der oprindeligt blev skrevet på latin, gav efterhånden plads for en virkelig national, italiensk. I midten af ​​det XVI århundrede. Italiensk, der er baseret på den toscanske dialekt, bliver fremherskende. Det var det første nationale litterære sprog i Europa, hvis overgang bidrog til den udbredte formidling af renæssanceundervisning.

I hele det XVI århundrede. i Italien opstod et nationalteater i ordets moderne betydning. Italienske folkekomedier var de første i Europa, der blev skrevet i prosa og havde en realistisk karakter, det vil sige, at de svarede til virkeligheden.

Lidenskaben for musik har altid været mere udbredt i Italien end i noget andet land i Europa. Det var massivt og var en integreret del af dagligdagen for de bredeste dele af befolkningen. Renæssancetiden medførte store ændringer på dette område. Orkestre er især populære. Nye typer musikinstrumenter er ved at blive skabt, violinen kommer til udtryk fra strygerne.

Ny historieforståelse og statsvidenskabens fødsel

Renæssancetænkere udviklede et originalt syn på historien og skabte en grundlæggende ny periodisering historisk proces, radikalt anderledes end den mytiske ordning lånt fra Bibelen. Erkendelsen af, at en ny historisk æra var ankommet, var det mest originale træk ved den italienske renæssance. I modsætning til middelalderen henvendte humanisterne sig selv som deres direkte forgængere til mestre i den antikke verden, og årtusindet mellem deres "nye" tid og antikken blev betegnet som den navngivne "middelalder". Således blev en helt ny tilgang til periodisering af historien født, som er blevet vedtaget på nuværende tidspunkt.

Den største tænker i den italienske renæssance, der gav et uvurderligt bidrag til udviklingen af ​​både historisk og politisk tanke, var Niccolo Machiavelli (1469-1527). Han var hjemmehørende i Firenze og havde vigtige stillinger i regeringen og udførte vigtige diplomatiske opgaver i de år, hvor Italien blev til en arena for hård international rivalisering. Det var i denne katastrofale æra for sit land, at den florentinske tænker forsøgte at besvare de mest akutte problemer i vores tid. For ham repræsenterede historien fortidens politiske oplevelse, og politik repræsenterede moderne historie.

Machiavellis største bekymringer var folkets "fælles bedste" og "offentlige interesse". Det er deres beskyttelse og ikke private interesser, der efter hans mening skulle bestemme herskerens adfærd. "Beviset på min ærlighed og loyalitet er min fattigdom," skrev Machiavelli til støtte for sine konklusioner. Hans politiske testamente var ordene: "ikke at afvige fra det gode, hvis det er muligt, men for at være i stand til at gå på ondskabens vej, hvis det er nødvendigt." Denne opfordring opfattes ofte som en undskyldning for umoralsk politik, uden at man på nogen måde foragter at nå deres mål, for hvilket begrebet "machiavellianisme" endda blev opfundet.

Fra bogen af ​​N. Machiavelli "The Sovereign"

"Min hensigt er at skrive noget nyttigt for en, der forstår dette, hvorfor det forekom mig mere korrekt at søge den virkelige, og ikke den imaginære sandhed." Der er jo "så stor afstand fra, hvordan livet egentlig skrider frem, til hvordan det skal leve."

"Både velorganiserede stater og kloge fyrster forsøgte især ihærdigt ikke at forbande ædle og samtidig tilfredsstille folket, gøre dem lykkelige, for det er en af ​​prinsens vigtigste ting." Og "den i hvis hænder magten er givet, må aldrig tænke på sig selv."

Suverænen ”skal virke barmhjertig, trofast, human, oprigtig, from; det burde og være sådan, men man skal bekræfte sin ånd på en sådan måde, at det om nødvendigt bliver anderledes ... bliver til det modsatte. " "Når alt kommer til alt, vil den, der altid gerne vil sige tro på godhed, uundgåeligt gå til grunde blandt så mange mennesker, der er fremmede for godhed."

Referencer:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / Historie fra slutningen af ​​det 15. til slutningen af ​​det 18. århundrede