Kuuluisia lasten kuvittajia. Kuvituksia lastenkirjoihin: nimien aarreaitta

Koti / Tunteet

Lapsina lukemamme kirjat vaikuttivat meihin niin syvästi suosikkihahmojemme ikimuistoisten kuvien ansiosta. Voimme helposti toistaa Dunnon tai Thumbelinan kuvat muistissa vuosikymmeniä myöhemmin. Mutta nyt on vaikeampaa valita hyvää kuvakirjaa. Kauppaan astuessamme vain eksymme ja sen seurauksena otamme myrkyllisimmällä kansilla varustetun kirjan, josta lapsi sairastuu. Mikä on onnistuneen kuvituksen salaisuus ja kuinka valita hyvä kuvakirja lapselle, kuvittaja ja opettaja Veronika Kalatševan piirustuskoulusta Alexandra Balashova kertoi Angelina Greenille ja Ilja Markinille.

Niille, jotka valmistautuvat koulun pääkokeeseen

3 sääntöä hyvien lasten piirustusten luomiseen

Ei ole olemassa universaalia reseptiä täydelliseen kuvitukseen. Mutta on olemassa kolme sääntöä, joiden avulla taiteilijat voivat luoda houkuttelevia piirustuksia lastenkirjoihin.

1. Lasten kuvituksen tulee olla kontrastisia. Muuten lapsen on vaikea keskittyä johonkin. Lapsilla keskittymiskyky ei ole kovin kehittynyt. He havaitsevat värejä ja muotoja, joten tämä on erityisen tärkeää lasten kuvituksessa.

2. Koostumuksen tulee olla selkeä, hyvin harkittu. Näkymä ei saa ylittää kuvaa. Kaiken huomion tulee keskittyä kuvan sisään.

3. Lukijoiden tulee tunnistaa itsensä hahmoista. No esimerkiksi, jos hahmot vastaavat lasten ikää, kehon mittasuhteita.

Mitä tulee vanhempien kirjojen valintaan, neuvon lapsia juurruttamaan hyvän maun lapsuudesta lähtien. Meidän on otettava vapaus päästä eroon kaikista kirjoista, joissa on muovia täriseviä silmiä ja ydinvärejä. Valitse kuvat, joista pidät itse. Joten askel askeleelta tutustutat lapsesi kauneuden maailmaan. Me kaikki rajoitamme lapsiamme makeisten kulutusta ja juurrutamme rakkautta vihanneksiin? Sama pitäisi tehdä kirjojen kuvituksissa.

On tärkeää muistaa, että lapsen huomion säilyttäminen on vaikeampaa kuin aikuisen. Tarkista, onko kuvassasi tarpeeksi kontrastia, tekemällä yksinkertainen testi: ota kuva kuvasta mustavalkotilassa. Sen tulee olla sävyltään vaihteleva, ei näyttävän tahmealta harmaalta massalta.

Monet aikuiset, erityisesti isoäidit, uskovat, että lastenkirjojen eläimet tulee piirtää realistisesti. Muuten lapsella on väärä käsitys siitä, miltä esimerkiksi kissa näyttää. Kuten käytäntö osoittaa, hyvin pienet lapset reagoivat paremmin vain symbolisempaan eläimen kuvaan. He tunnistavat hänet välittömästi. Lisäksi tämä symboliikka kehittää fantasiaa. Älä pelkää yksinkertaistettuja lomakkeita. Tallenna realistiset kuvat (kuten Ingpenin) vanhemmille lapsille.

Jos et osaa valita kirjavalikoimasta jotain arvokasta ja eksyt kirjakauppojen valikoimaan, kiinnitä huomiota pieniin kustantamoihin (Polyandria, Scooter, Pink Giraffe). Pienemmät kustantajat suhtautuvat usein huolellisemmin kirjojen valintaan ja kuvien laatuun.

Mitä ovat lasten kuvat

Kuvituksilla ei ole yhtä luokittelua, kaikki on yksilöllistä ja riippuu tekijästä. Vanhemmille, jotka haluavat vielä ymmärtää lasten kuvakirjojen valikoimaa, olemme laatineet pienen oppaan kuvituksen piirtämisen tekniikoista, lähestymistavoista ja tyyleistä.

Kannattaa aloittaa siitä, että materiaaleja on erilaisia. Joku piirtää maaleilla, joku lyijykynillä, joku yhdistää tekniikoita tai käyttää kollaaseja, joku leikkaa paperista. Jotkut kuvittajat piirtävät suoraan päästä, ja joku piirtää paljon luonnoksia ja valitsee viitteitä.

Kuvassa tärkein asia on kuvasarjan yhdistävä periaate. Useimmiten se on juoni, se on jaettu avainkohtauksiin, joista kullekin taiteilija luo kuvituksen. Figuurit kuvaavat tarinan henkilöitä.

Esimerkkinä juonen yhdistävistä kuvituksista voidaan mainita Frederic Piyon piirustukset kirjoissa "Lulu ja hajahaikara" tai "Lulu ja rakastajien juhla". Kuvissa näemme juuri ne tilanteet, jotka on kuvattu tekstissä.

Kuvittanut Frederic Piyo

Jotkut taiteilijat yhdistävät kuvasarjoja kohtauksen periaatteen mukaisesti: esimerkiksi kuvituksia kyläelämän kohtauksista. Tämän periaatteen mukaan monet Wimmelbuchit on suunniteltu kehittämään kirjoja katseluun, huomion ja muistin harjoittamiseen. Nämä ovat suurikokoisia painoksia, joissa jokainen levitys on yksityiskohtainen kuva, jota lapset voivat katsella loputtomasti.

Wimmelbuch - täydellinen vaihtoehto nuoremmille lukijoille: lapset oppivat pelaamalla ja lukemalla. Hämmästyttävä esimerkki on Doro Goebelin ja Peter Knorrin kirja "Sirkuksessa". Useita juonia, joista jokainen tapahtuu sirkuksen alueella.

Kuvitus Doro Goebel ja Peter Knorr

Kuvia yhdistellään joskus tyyliperiaatteen mukaisesti. Kuvittaja piirtää jo tuttuja kuvia mukauttaen niitä ainutlaatuiseen tyyliinsä. Hän esimerkiksi piirtää uudelleen kirjan, kirjasarjan, elokuvasarjan tai sarjakuvan hahmot siten, että ne, vaikka ne pysyvät tunnistettavissa hahmoina, heijastavat taiteilijan näkemystä. Suomalaisen graafisen suunnittelijan Jirka Vaataisen piirustukset tunnistetaan Disney-prinsessoiksi, vaikka ne näyttävätkin epätavallisilta. Lapset, jotka rakastavat Frozen- ja Snow White -elokuvia ja seitsemän kääpiötä, rakastavat tätä kuvakirjaa.

Kuvitus Jirka Väätäinen

Tekniikan erikoisuus voi olla myös yhdistävä periaate. Esimerkiksi jos kirjoittaja käyttää vain geometrisia kuvioita kuten Oleg Beresnev eläinpiirroksissa. Tällaiset kuvat sopivat hyvin harjoitteluun. luova ajattelu lapsia ja opettaa heitä havaitsemaan yksinkertaistettuja muotoja.

Tällaisia yhdistäviä periaatteita on monia. Ei ole rajoituksia, kaikki riippuu vain taiteilijasta itsestään ja hänen mielikuvituksensa mahdollisuuksista.

Kuvitus Oleg Beresnev

Nyt elävät tekniikat ja materiaalit ovat erittäin suosittuja - akvarelli, guassi, värikynät, kollaasit. Myös vektorikuvitukset ovat suosittuja, mutta useimmiten taiteilijan käsialaa on niissä paljon vaikeampi tunnistaa.

Tässä loistava esimerkki Tokiossa asuvan taiteilijan Mateusz Urbanowiczin vesivärikuvitukset.

Kuvitukset Mateusz Urbanowicz

Ja tässä ovat Dinara Mirtalipovan guassipiirrokset.

Kuvitus: Dinara Mirtalipova

Jotkut taiteilijat leikkaavat kuvia paperista tai kankaasta, kuten tšekkiläinen taiteilija Mihaela Mihailova. Tällaiset kokeilut muotojen kanssa painavat aina lapsia.

Kuvitus Michaela Mihalyiova

Kuvitus: Tatiana Devayeva, Elena Erlikh ja Aleksei Ljapunov

Alkuperäiset teokset hankitaan linoleikkauksella työskenteleviltä. Esimerkkinä - Jekaterinburgin Olga Ezhova-Denisovan piirustus.

Kuvitus Olga Ježova-Denisova

Jotkut taiteilijat käyttävät kollaaseja, kuten myös taiteilija Morgana Wallace. Lapset yrittävät usein jäljitellä tällaisia kuvituksia ja inspiroituvat luomaan omia käsitöitä ja kollaaseja.

Kuvitus: Morgana Meredith Wallace

Klassinen vektorikuva, kuten irlantilaisen kuvittajan Peter Donnellyn teoksessa, on huomionarvoinen ennen kaikkea siitä, että se muistuttaa sarjakuvaa.

Kuvitus Peter Donnelly

Parhaat kuvittajat

Jos et aivan luota omaan makuun, tutustu kuuluisien taiteilijoiden teoksiin. Kuvitusguruja on paljon, ja jokaisella on oma suosikkiluettelonsa. Olen koonnut listan suosikkikirjailijoistani. Ne kaikki vaikuttivat lasten kuvitukseen, ja monet olivat jopa sen alkuperässä.

Miroslav Shasek - lasten kirjailija ja tšekkiläinen kuvittaja, joka tunnetaan värikkäistä matkaoppaistaan. Elinvoimaisten julkaisujen sarja sisältää oppaita "Tämä on New York", "Tämä on Pariisi", "Tämä on Lontoo" ja monia muita.

Zdenek Miler- toinen Tšekkiläinen taiteilija, joka työskenteli usein animaation parissa. Tunnetaan Mole-sarjakuvien kirjoittajana, ja monet nauttivat katsomisesta lapsuudessa.

Beatrice Potter on englantilainen taiteilija ja lastenkirjojen kirjoittaja. Hän maalasi pääasiassa eläimiä ja kasveja.

Lev Tokmakov - neuvostoliittolainen taiteilija-kuvittaja, joka teki yhteistyötä "Murzilka"-lehden kanssa. Hänen työnsä säilytetään Tretjakovin galleria ja Pushkinin taidemuseo.

Viktor Chizhikov- taiteilija, joka antoi maailmalle kuvan karhunpentu Mishkasta, vuoden 1980 kesäolympialaisten maskottista Moskovassa.

Juri Vasnetsov- Neuvostoliiton taiteilija, taidemaalari, graafikko, teatteritaiteilija, kirjankuvittaja ja palkittu valtion palkinnot. Hänen piirustuksensa löytyy useimmista kirjoista, joita tunnemme lapsuudesta asti.

Olga ja Andrey Dugin- Stuttgartiin muuttaneet venäläiset taiteilijat. Heidän teoksensa muistuttavat keskiaikaisia miniatyyrejä. Vuonna 2007 pariskunnalle myönnettiin Yhdysvaltain kuvittajien yhdistyksen kultamitali piirustuksista satuun "The Brave Little Tailor".

Robert Ingpen- Australialaissyntyinen kuvittaja. Hänen teoksiaan ovat piirrokset "Liisa ihmemaassa", "Treasure Island", "Tom Sawyer", "Peter Pan ja Wendy", Kiplingin sadut ja monet muut. klassisia teoksia. Joillekin Robert Ingpenin kuvitukset näyttävät liian kypsiltä, vakavilta ja jopa synkiltä, kun taas toisille ne ilahduttavat.

Eric Karl on kuvittaja, joka työskenteli pitkään arvostetun New York Timesin mainososastolla. Eräänä päivänä eräs lastenkirjailija piti taiteilijan piirtämästä logosta niin paljon, että Eric Karlille tarjottiin kuvitusta kirjaan. Pian taiteilija itse alkoi kirjoittaa nuorille lukijoille.

Rebecca Dotremer- Ranskalainen kuvittaja ja omien lastenkirjojensa kirjoittaja. Työskentelee lasten painetussa mediassa ja luo kuvitettuja julisteita.

Ernest Shepard oli englantilainen taiteilija ja kuvittaja, joka työskenteli sarjakuvapiirtäjänä satiirisessa Punch-lehdessä. Tunnettu Nalle Puhin satujen kuvituksistaan.

Quentin Blake- Englantilainen kuvittaja. Hänen piirustuksensa koristavat yli 300 kirjaa tunnustetuista klassikoista: Lewis Carroll, Rudyard Kipling, Jules Verne, Sylvia Plath, Roald Dahl ja monet muut.

Kaikki lapset rakastavat satuja: he kuuntelevat mielellään isoäitinsä ja äitinsä kertomuksia, ja ne, jotka osaavat lukea, lukevat niitä itse. He lukevat ja katsovat mielenkiintoisia, värikkäitä kuvia - piirroksia, jotka kertovat kirjan sankareista yhtä paljon kuin itse sadun tekstiä. Kuka näitä piirroksia tekee? No, tietenkin, taiteilijat, taiteilijat - kuvittajat.

Keitä ovat kuvittajat? Nämä ovat taiteilijoita, jotka piirtävät kirjoihin kuvituksia, jotka auttavat ymmärtämään kirjan sisältöä, kuvittelemaan paremmin sen hahmoja, heidän ulkonäköään, hahmoja, tekoja, ympäristöä, jossa he elävät...

Satukuvittajan piirustuksen mukaan voit arvaamatta edes sitä lukematta sadun pahat sankarit tai ystävälliset, älykkäät tai tyhmät. Saduissa on aina paljon fantasiaa ja huumoria, joten satua kuvaavan taiteilijan tulee olla vähän taikuri, huumorintajua, rakastaa ja ymmärtää kansantaidetta.

Tapaamme lastenkirjojen kuvittajia.

Juri Aleksejevitš Vasnetsov (1900 - 1973)

Hän aloitti lastenkirjojen kuvittamisen vuonna 1929. Hänen kirjansa "Ladushki" vuonna 1964 sai korkeimman palkinnon - Ivan Fedorovin diplomin, ja Leipzigin kansainvälisessä näyttelyssä hän sai hopeamitalin. Juri Aleksejevitš oli upea taiteilija- tarinankertoja, hänen työlleen oli ominaista ystävällisyys, rauhallisuus, huumori. Lapsuudesta lähtien hän rakastui kirkkaaseen, iloiseen Dymkovo-leluun eikä eronnut sen inspiroimista kuvista siirtäen ne kirjojen sivuille.

Vasnetsovin kuvissa nerokas maailmankuva, kirkkaus ja välittömyys elävät: kissat vaaleanpunaisissa hameissa ja jänikset huopakanppaissa kävelevät, pyöreäsilmäinen jänis tanssii, valot palavat mukavasti majoissa, joissa hiiret eivät pelkää kissaa , jossa on niin tyylikäs aurinko ja pörröisiltä pannukakkuilta näyttäviä pilviä. Kaikki lapset pitävät hänen kuvistaan kansanlauluihin, lasten loruihin ja vitseihin ("Ladushki", "Rainbow-arc"). Hän kuvitti kansantarinoita, Leo Tolstoin, Pjotr Ershovin, Samuil Marshakin, Vitali Bianchin tarinoita ja muita venäläisen kirjallisuuden klassikoita.

Jevgeni Mihailovich Rachev (1906-1997)

On luultavasti vaikea löytää henkilöä, joka rakastaa lastenkirjoja ja samalla ei tunne Evgeny Mikhailovich Rachevin kuvituksia. Häntä voidaan perustellusti kutsua yhdeksi viime vuosisadan kuuluisimmista lastenkirjataiteilijoista.
Jevgeni Mihailovitš - eläinmaalari, kuvien kirjoittaja venäläisille, ukrainalaisille, romanialaisille, valkovenäläisille ja muille kansantarut, pohjoisen kansojen sadut, Ivan Krylovin ja Sergei Mihalkovin sadut, Dmitri Mamin-Sibiryakin sadut, Mihail Prishvinin, Mihail Saltykov-Shchedrinin, Leo Tolstoin, Vitali Bianchin jne.

Hänen valoisa, kiltti ja hauskoja piirustuksia muistaa heti ja ikuisesti. Lapsuuden ensimmäiset sadut - "Piparkakkumies", "Ryaba Hen", "Kolme karhua", "Zayushkina's Hut", "Goat Dereza" - pysyvät muistissa juuri Jevgeni Rachevin kuvilla.

”Jotta piirustuksia satuihin eläimistä voi tehdä, täytyy tietysti tuntea luonto hyvin. Sinun on tiedettävä hyvin, miltä ne eläimet ja linnut, joita aiot piirtää, näyttävät ”, taiteilija kirjoitti työstään.

Mutta eläimet, jotka Jevgeni Mikhailovich maalasi, eivät ole vain kettuja ja susia, jäniksiä ja karhuja. Heidän kuvansa heijastavat ihmisten tunteita, hahmoja, tunnelmaa. "Koska saduissa eläimet ovat kuin erilaiset ihmiset: hyvä vai paha, älykäs tai tyhmä, ilkikurinen, hauska, hauska” (E. Rachev).

Jevgeni Ivanovitš Charushin (1901 - 1965)

Jevgeni Charushin on kuuluisa taiteilija ja kirjailija. Omien kirjojen "Volchishko ja muut", "Vaska", "Tietoja harakasta" lisäksi hän kuvitti Vitaly Bianchin, Samuil Marshakin, Korney Chukovskyn, Mihail Prishvinin ja muiden teoksia.

Charushin tunsi eläinten tavat ja kuvat hyvin. Kuvituksissaan hän maalasi ne poikkeuksellisen tarkasti ja luonteeltaan. Jokainen kuvitus on yksilöllinen, jokainen kuvaa hahmoa yksilöllinen luonne sopiva tiettyyn tilanteeseen. "Jos kuvaa ei ole, ei ole mitään kuvattavaa", sanoi Jevgeni Charushin. ”Haluan ymmärtää eläintä, välittää sen tapaa, liikkeen luonnetta. Olen kiinnostunut hänen turkistaan. Kun lapsi haluaa tuntea pienen eläimeni, olen iloinen. Haluan välittää eläimen tunnelmaa, pelkoa, iloa, unta jne. Kaikki tämä on nähtävä ja koettava.

Taiteilijalla on oma piirustusmenetelmänsä - puhtaasti kuvallinen. Hän ei piirrä ääriviivoja, vaan epätavallisen taitavasti, täplillä ja vedoilla. Eläin voidaan kuvata yksinkertaisesti "takkuisena" täplänä, mutta tässä pisteessä voi tuntea sekä asennon vireyden että liikkeen spesifisyyden ja tekstuurin erikoisuuden - kohotetun pitkän ja jäykän karvan joustavuuden. lopussa sekä paksun aluskarvan untuvapehmeys.

Viimeinen kirja E.I. Charushinista tuli S.Yan "Lapset häkissä". Marshak. Ja vuonna 1965 hänet palkittiin kuoleman jälkeen kultamitalilla kansainvälisessä lastenkirjojen näyttelyssä Leipzigissä.

Mai Petrovich Miturich (1925 - 2008)

Mai Miturich on kuuluisa ennen kaikkea suurena graafikkona ja kirjankuvittajana. Hän ei ole vain taiteilija, vaan myös matkustaja. Suurin osa suuri menestys toi hänelle yhteistyön Gennadi Snegirevin kanssa. Yhdessä he tekivät matkoja pohjoiseen, Kaukoitä, jonka jälkeen niihin oli tarinoita ja piirroksia. Menestyneimmät kirjat "About Penguins" ja "Pinagor" palkittiin parhaasta suunnittelusta.

May Petrovich on erinomainen piirtäjä. Hän piirtää vaha väriliidut, akvarelli. Miturich valitsee tämän tyyppisen kuvituksen, jossa väri, tilavuus tai varjot eivät riko piirustuksen yleistä harmoniaa ja valkoinen arkki. Hän valitsee huolellisesti 2-3 väriä keltainen, sininen, musta ja maalaa värejä sekoittamatta. Välttää suoraa samankaltaisuutta värit luonnon kanssa, hänen värinsä on ehdollinen.

Luontotarinoissa pehmeät sävyt, läpinäkyvät vesivärit lisäävät luonnossa kokeman hiljaisuuden, rauhallisuuden tunnetta.

Taiteilija suunnitteli noin 100 kirjaa lapsille. Heidän joukossaan on kuvituksia Korney Tšukovskin, Samuil Marshakin, Gennadi Snegirevin, Agnia Barton, Sergei Mihhalkovin, Rudyard Kiplingin, Lewis Carrollin, Sergei Aksakovin teoksille, Homer's Odyssey ja Japanese Folk Tales.

Lev Alekseevich Tokmakov (1928 - 2010)

Lev Alekseevich Tokmakovin luova toiminta on monipuolista: hän ei vain omista paljon aikaa lastenkirjojen parissa työskentelemiseen, vaan työskentelee myös maalaustelinegrafiikassa - hän loi useita kymmeniä autolitografioita ja monia piirustuksia, hän esiintyy usein painetussa toimittajana, kriitikkona. ja lastenkirjailija. Ja silti pääpaikka taiteilijan työssä on kirjan kuvitus- Yli neljäkymmentä vuotta hän piirtää lastenkirjoja. Erittäin outoja olentoja ilmestyy kirjojen sivuille. Eikö tämä ole lelu? Hopeasusi, karhu, jolla on pallot korvien sijaan? Taiteilija maalaa siluetilla, väritäplällä, käyttää tietoisesti "ihmisen" tekniikkaa. Hänen piirustuksensa ovat täysin vailla arkipäiväisiä yksityiskohtia ja kuvailevuutta. Hieman sinistä maalia - järvi, vähän tummanvihreää - metsää. Toinen taiteilijan mielenkiintoinen tekniikka on, että hänen hahmonsa eivät liiku, ne ovat jäätyneet paikoilleen. Ne ovat samanlaisia kuin prototyypit suosituilla printeillä ja kehruupyörillä, joista Tokmakov-eläimet ovat kotoisin.

Todellinen löytö lastenkirjataiteen saralla olivat hänen kirjoilleen tekemänsä kuvitukset: Gianni Rodari "Tarinat puhelimessa", Astrid Lindgren "Pippi Pitkätossu", Irina Tokmakova "Rostik ja Kesha", Vitaly Bianchi "Kuin muurahainen kiirehtii". Home", Valentin Berestovin, Boris Zakhoderin, Sergei Mikhalkovin ja monien muiden teoksiin.

Vladimir Grigorievich Suteev (1903 - 1993)

Vladimir Suteev on yksi ensimmäisistä Neuvostoliiton animaattoreista, sarjakuvien ohjaaja ja käsikirjoittaja. 40-luvun puolivälistä lähtien hän kääntyi lastenkirjojen puoleen piirustusten ja tekstien kirjoittajana. Animaatio on jättänyt jälkensä taiteilijan työhön: hänen eläimistään on tullut koomisia, hauskoja, hauskoja. Näemme runsaasti toimintaa. Hänelle tärkeintä on näyttää sankarin luonne, hänen mielialansa. Piirustukset ovat täynnä mielenkiintoisia yksityiskohtia, jotka korostavat satujen pehmeää huumoria. Useimmiten taiteilija käyttää osaa sivusta kuvitukseen yhdistäen orgaanisesti piirustuksen ja tekstin.

Lukija sai kynänsä ansiosta kauniita kuvituksia kirjoista Gianni Rodarin "Cipollinon seikkailut", norjalaisen kirjailijan Alf Preisenin "Hyvää uutta vuotta", unkarilaisen kirjailijan Agnes Balintin "Kääpiögnomykki ja rusinoita", amerikkalaisen kirjailijan Lillianin kirjoista. Muur "Pikku pesukarhu ja lammessa istuva".

Vladimir Grigorievich Suteev sävelsi omia satujaan. "Minä kirjoitan oikea käsi, ja piirrän vasemmalla kädelläni. Oikea on siis enimmäkseen ilmainen, joten keksin sille ammatin. Vuonna 1952 julkaistiin ensimmäinen kirja, jonka on kirjoittanut Suteev itse, "Kaksi tarinaa kynästä ja maaleista". Siitä lähtien hän on kirjoittanut käsikirjoituksia sarjakuviin, kuvittanut kirjoja, toiminut ohjaajana ja käsikirjoittajana.

Julkaistuista kirjoista, joissa on Vladimir Suteevin kuvituksia, kuten: "Mikä lintu tämä on?", "Kana ja ankanpoikanen", "Henkilönpelastaja", "Viiksiraidallinen", "Setä Styopa", "Hyvää kesää", " Hyvää uutta vuotta", "Pifin seikkailut", "Aibolit", "Omena", "Torakka", "Tietämätön karhu", "Pakkopäinen sammakko", "Kissanpentu, joka unohti kysyä ruokaa", "Jotain vaivaa" , "Lähdä helpommin", "Missä on parempi pelätä?", "Makkaran keskellä", "Ei ole reilua", "Hyvin piilotettu kotletti", "Varjo ymmärtää kaiken", "Salainen kieli" , "Eräänä aamuna", "Kakkarat tammikuussa", " Pentuna Tyavka opiskeli laulamaan jne.

Viktor Aleksandrovich Chizhikov (s. 26. syyskuuta 1935)

Taiteilija muutti piirustuksensa eräänlaiseksi peliksi, jossa ei ole todellinen, vaan ehdollinen maailma, joka antaa hänelle mahdollisuuden rakentaa omansa satumaa. On mahdotonta olla antautumatta hänen hahmojensa viehätykseen.

Viktor Aleksandrovich sanoo: "Et kiinnosta minua väristä, olen värisokea, olen vain ihminen."

Hänen piirustusten sankarit saavat aina hymyn - ystävällistä ja ironista. Helposti tunnistettavat, hyvää huumoria ja lämpöä täynnä olevat Chizhikovin piirustukset tulivat miljoonien kaikenikäisten lukijoiden tutuiksi, ja vuonna 1980 hän keksi ja piirsi karhunpennun Mishan - Moskovan maskotin. olympialaiset, josta tuli heti yksi maan suosituimmista sarjakuvahahmoista.

Hänen kuvituksensa koristavat lähes kaikkien Neuvostoliiton lastenkirjallisuuden klassikoiden kirjoja - Agnia Barton, Sergei Mihalkovin, Boris Zakhoderin, Samuil Marshakin, Nikolai Nosovin, Eduard Uspenskyn ja monien muiden kotimaisten ja ulkomaisten kirjailijoiden kirjoja.

Tatjana Aleksejevna Mavrina (1902-1996)

Syntynyt Nižni Novgorod, vuonna 1921 hän opiskeli Moskovassa korkeakouluissa taide- ja teknisissä työpajoissa ja instituutissa. Ainoa Neuvostoliiton taiteilija, joka sai vuonna 1976 G. Kh. Andersenin palkinnon luovuudesta lasten kuvituksen alalla.

Lahjakas ja omaperäinen taiteilija on kehittänyt oman kuvakielensä. Sen ydin on värien avoimessa soundissa, kyvyssä nähdä maailmaa laajasti ja koristeellisesti, piirtämisen ja sommittelun rohkeudessa sekä satu-fantastisten elementtien käyttöönotossa. Lapsuudesta lähtien, nähdessään maalattuja lusikoita ja laatikoita, kirkkaanvärisiä leluja, häntä kiehtoi täysin erilainen, tuntematon tekniikka, täysin erilainen värjäystapa. Mavrina sisältää jopa tekstiä kuvassa (ensimmäinen ja viimeinen rivi kirjoitetaan käsin, merkit on korostettu, ääriviivattu kirkkaalla viivalla). Hän maalaa guassilla.

Erityinen paikka hänen työssään oli lastenkirjojen kuvituksella. A. S. Pushkinin satujen tunnetuin malli: "Tarina kuollut prinsessa ja seitsemän sankaria", "Ruslan ja Ljudmila", "Tales" sekä kokoelmat "Mukaan hauen komento”,“ Venäläiset sadut ”,“ Kaukaisille maille ”. Tatjana Alekseevna Mavrina toimi myös omien kirjojensa kuvittajana: "Satueläimet", "Piparkakkuja leivotaan, niitä ei anneta kissalle", "Satuaakkoset".

Vladimir Mihailovich Konashevich (1888-1963)

Tarina kiinnosti häntä koko hänen elämänsä. Hän fantasioi helposti ja mielellään, hän pystyi havainnollistamaan saman sadun useita kertoja ja joka kerta uudella tavalla.

Vladimir Konashevich piirsi kuvituksia eri kansojen saduille: venäjäksi, englanniksi, saksaksi, kiinaksi, afrikkalaiseksi.

Ensimmäinen kirja hänen kuvitteineen, The ABC in Pictures, julkaistiin vuonna 1918. Hän sai sen vahingossa. Taiteilija piirsi erilaisia hauskoja kuvia pienelle tyttärelleen. Sitten hän alkoi piirtää kuvia jokaiselle aakkosten kirjaimelle. Jotkut kustantajat näkivät nämä piirustukset, he pitivät niistä ja painettiin.

Hänen piirustuksiaan katsoessa tuntuu, kuinka taiteilija itse nauraa lasten kanssa.

Hän on erittäin rohkea kirjan sivu, tuhoamatta sen tasoa, hän tekee siitä rajattoman, kuvaa todellisia ja upeimpia kohtauksia hämmästyttävällä taidolla. Teksti ei ole piirroksesta erillään, se elää koostumuksessa. Yhdessä tapauksessa se on merkitty kukkaseppeleellä, toisessa sitä ympäröi läpinäkyvä pieni kuvio, kolmannessa se on yhdistetty hienovaraisesti ympäröiviin väritäpleihin värillisellä taustalla. Hänen piirustuksensa herättävät paitsi mielikuvitusta, huumoria, myös esteettistä tunnetta ja taiteellista makua. Konashevichin kuvissa ei ole syvää tilaa, piirustus on aina lähellä katsojaa.

Konashevichin suunnittelemat kirjat olivat valoisia, juhlavia ja toivat lapsille suurta iloa.

Ivan Jakovlevich Bilibin (1876-1942)

Taiteilija kiinnitti paljon huomiota kirjasuunnittelun taiteeseen. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka alkoi piirtää kuvituksia venäläisille kansantaruille ja eeposille.

Hän työskenteli pienikokoisten kirjojen, niin sanottujen "kirja-muistivihkojen" parissa ja suunnitteli ne niin, että kaikki näissä kirjoissa: teksti, piirustukset, koriste, kansi - muodostivat yhden kokonaisuuden. Ja niissä oleville kuvituksille annettiin yhtä paljon tilaa kuin tekstille.

Ivan Yakovlevich Bilibin kehitti graafisten tekniikoiden järjestelmän, joka mahdollisti kuvien ja suunnittelun yhdistämisen samaan tyyliin alistaen ne kirjan sivun tasolle.

Bilibino-tyylille ominaisia piirteitä ovat: kuviollisen kuvion kauneus, väriyhdistelmien hieno koristeellisuus, maailman hienovarainen visuaalinen ilmentymä, kirkkaan upean yhdistelmä kansanhuumorin kanssa jne.

Hän teki kuvituksia venäläisille kansansatuille "Sammakkoprinsessa", "Feather Finist-Yasna Sokol", "Vasilisa kaunis", "Maria Morevna", "Sisko Aljonuška ja veli Ivanushka", "Valkoinen ankka" satuihin A.S. Pushkin - "Tarina tsaari Saltanista", "Tarina kultaisesta kukosta", "Tarina kalastajasta ja kalasta" ja monet muut.

Tänään haluan puhua nykyajan lastenkirjojen kuvittajista. Kun valmistelin materiaalia tätä artikkelia varten, huomasin sen nykytaiteilijoita luoda erittäin kauniita ja laadukkaita kuvia, mutta pääasiassa keskikokoisille ja vanhemmille lapsille kouluikä. Voit nähdä usein kauniita kuvituksia Andersenin satuihin, Lewis Carrollin Liisa ihmemaassa, Hoffmannin satuihin.

Valitettavasti en löytänyt modernia venäläisiä taiteilijoita luomassa lapsille. Ne, jotka voisivat seistä nimien kanssa - Suteev, Charushin, Tokmakov, Miturich, Konashevich ... Mutta toivotaan, että tämä väliaikainen aukko täyttyy pian uusilla kirkkailla nimillä.

Ja nyt esittelemme sinulle kansalliskoulun 7 parasta modernia lasten kuvittajaa.

Igor Oleinikov

Tämä poikkeuksellisen lahjakas taiteilija tunnetaan paitsi lastenkirjojen kuvittajana myös loistavana sarjakuvapiirtäjänä. Hän osallistui sellaisten upeiden sarjakuvien kuin "Kolmannen planeetan salaisuus", "Kalifi haikara", "Tsaari Saltanin tarina" ja monien muiden luomiseen, jotka ovat onnistuneet rakastumaan kaiken ikäisiin katsojiin.

Yllättäen yhdellä kirkkaimmista venäläisistä lastentaiteilijoista ei ole ammatillista taidekoulutusta (mitä hän pahoittelee, oman tunnustuksensa mukaan). Hän syntyi Lyubertsyssä, Moskovan alueella, valmistui kemiantekniikan instituutista. Soyuzmultfilm-studiossa hän aloitti työt tuotantosuunnittelijan assistenttina.

Igor Oleinikov on voittaja eri animaatioista ja kirjajuhlia. Hänen kuvituksensa kiehtovat, lumoavat niin, että on vaikea uskoa, ettei hän ole opiskellut missään taideyliopistossa.

Satu "Keisari ja satakieli" G.Kh. Andersen. Kustantaja Azbuka-classic

Jevgeni Antonenkov

Valmistui Moskovan polygrafisesta instituutista. Pitkä aika teki yhteistyötä kustantamo "Rosmen". Hän on kuvittanut monia kirjoja, mukaan lukien Yunna Moritzin, Korney Chukovskyn, Boris Zakhoderin, Alan Milnen, Sergei Kozlovin ja muiden kirjailijoiden kirjoja.

"Bibigon", K. Chukovsky

"Lemon Malinovich Compress", Yunna Moritz

"Pikku Muk", V. Gauf

Vladislav Jerko

Monet äidit ovat luultavasti tuttuja tämän taiteilijan upeista kuvituksista. Unelmani on aina ollut "Lumikuningatar" Vladislav Yerkon piirroksilla. Taiteilija syntyi ja asuu Kiovassa, on pitkään ja menestyksekkäästi tehnyt yhteistyötä tunnetun ukrainalaisen kustantajan "A-ba-ba-ha-la-ma-ha" kanssa.

kirja" Lumikuningatar” Yerkon kuvituksella palkittiin Yhdysvaltojen parhaaksi lastenkirjaksi vuonna 2006 ja palkittiin Andersenin säätiön mitalilla.

Jevgenia Gapchinskaya

Kuuluisa lasten kuvittaja, jonka työ on ansainnut monien vanhempien tunnustuksen. Evgenia syntyi Kharkovissa vuonna 1964, missä hän opiskeli. Nyt hän asuu Kiovassa ja tekee yhteistyötä Kiova-kustantamon "A-ba-ba-ha-la-ma-ha" kanssa.

Galina Zinko

Ukrainalainen taiteilija, joka kuvitti monia lastenkirjoja, mukaan lukien Puškinin, Aksakovin, C. Perraultin, G. H. Andersenin satuja. Galina Zinko on tehnyt menestyksekkäästi yhteistyötä Clever-kustantamon kanssa pitkään, joten monet nykyajan vanhemmat tuntevat hänen romanttisen ja koskettavan tyylinsä.

"Kyyhkynen tarina", A. Borovetskaja

"Bloshkins and Frew from Barakhta Bay", A. Nikolskaya

Anton Lomaev

Syntynyt vuonna 1971 Vitebskin kaupungissa (joka antoi maailmalle Chagallin ja Malevitšin). Hän opiskeli Taideakatemiassa (Repin Institute) Pietarissa, jossa hän asuu ja työskentelee, ja tekee menestyksekkäästi yhteistyötä useiden venäläisten kustantamoiden kanssa. Hän on Taiteilijaliiton jäsen.

Anton Lomaev tunnetaan kirkkaista kuvituksistaan lasten satuihin. Suosikkeihini - maagisia kuvia"Pikku merenneito" ja muut Andersenin sadut.

Kuvittaja Anton Lomaev. Satu "Pieni merenneito"

Mestarin taiteellinen perintö ei rajoitu kirjan grafiikkaa. A. F. Pakhomov - monumentaalisten maalausten kirjoittaja, maalaukset, maalaustelinegrafiikka: piirustukset, vesivärit, lukuisat vedokset, mukaan lukien jännittävät arkit sarjasta "Leningrad saarron päivinä". Kuitenkin kävi niin, että taiteilijaa koskevassa kirjallisuudessa oli epätarkka käsitys todellinen mittakaava ja hänen toimintansa kesto. Joskus hänen työnsä kattavuus alkoi vasta 30-luvun puolivälin teoksilla ja joskus jopa myöhemmin - sarjalla sotavuosien litografioita. Tällainen rajoitettu lähestymistapa ei ainoastaan kavensi ja rajoitti ajatusta A. F. Pakhomovin alkuperäisestä ja elävästä perinnöstä, joka syntyi puolen vuosisadan aikana, vaan myös köyhdytti koko Neuvostoliiton taidetta.

Tarve opiskella A.F. Pakhomovin työtä on kauan odotettu. Ensimmäinen monografia hänestä ilmestyi 1930-luvun puolivälissä. Luonnollisesti siinä huomioitiin vain osa teoksista. Huolimatta tästä ja joistakin tuohon aikaan sisältyvien perinteiden ymmärtämisen rajoituksista, ensimmäisen elämäkerran kirjoittajan V. P. Anikievan työ säilytti arvonsa tosiasialta ja myös (tarvillisin muutoksin) käsitteellisesti. Taiteilijasta 1950-luvulla julkaistuissa esseissä 1920- ja 1930-luvun aineiston kattavuus osoittautui suppeammaksi ja myöhempien aikakausien työn kattavuus valikoivammaksi. Nykyään meistä kahden vuosikymmenen päässä olevien A. F. Pakhomovin teosten kuvaileva ja arvioiva puoli näyttää menettäneen uskottavuutensa monella tapaa.

60-luvulla A.F. Pakhomov kirjoitti alkuperäisen kirjan "Tietoja työstään". Kirja osoitti selvästi useiden hänen työtään koskevien yleisten käsitysten virheellisen osan. Taiteilijan tässä teoksessa ilmaistut ajatukset ajasta ja taiteesta sekä näiden rivien kirjoittajan tekemä laaja materiaali Aleksei Fedorovich Pakhomovin kanssa käytyjen keskustelujen tallenteista auttoi luomaan lukijoille tarjotun monografian.

A.F. Pakhomov omistaa erittäin suuren määrän maalauksia ja piirustuksia. Väittämättä kattaa niitä tyhjentävästi, monografian kirjoittaja katsoi tehtäväkseen antaa käsityksen tärkeimmistä näkökohdista. luovaa toimintaa mestarit rikkaudesta ja omaperäisyydestään, opettajista ja kollegoista, jotka osallistuivat A. F. Pakhomovin taiteen muodostumiseen. Taiteilijan teoksille ominaista kansalaisuus, syvä elinvoima, realismi mahdollisti hänen työnsä kehityksen näyttämisen jatkuvassa ja läheisessä yhteydessä Neuvostoliiton kansan elämään.

Yhtenä suurimmista mestareista Neuvostoliiton taidetta, A.F. Pakhomov kantoi koko pitkän elämänsä ja luovan polunsa ajan palavaa rakkautta isänmaata, sen ihmisiä kohtaan. Korkea humanismi, totuus, kuvallinen rikkaus tekevät hänen teoksistaan niin sielukkaita, vilpittömiä, täynnä lämpöä ja optimismia.

AT Vologdan alue lähellä Kadnikovan kaupunkia, Kubena-joen rannalla, sijaitsee Varlamovin kylä. Siellä 19. syyskuuta (2. lokakuuta) 1900 talonpojalle, Efimiya Petrovna Pakhomovalle, syntyi poika, jonka nimi oli Aleksei. Hänen isänsä, Fjodor Dmitrievich, tuli "tiettyjen" maanviljelijöiden joukosta, jotka eivät tienneet menneisyyden maaorjuuden kauhuja. Tämä seikka oli tärkeä rooli elämäntavassa ja vallitsevissa luonteenpiirteissä, kehitti kykyä käyttäytyä yksinkertaisesti, rauhallisesti, arvokkaasti. Täällä juurtuivat myös erityiset optimismin piirteet, näkemysten laajuus, henkinen suoraviivaisuus ja reagointikyky. Aleksei kasvatettiin työympäristössä. He elivät huonosti. Kuten koko kylässä, oma leipä ei riittänyt kevääseen asti, se piti ostaa. Lisätuloja vaadittiin, minkä tekivät aikuiset perheenjäsenet. Yksi veljistä oli kivenhakkaaja. Monet kyläläiset olivat puuseppiä. Ja silti elämän alkuaika muistettiin nuori Aleksei iloisimpana. Kahden vuoden opiskelun jälkeen seurakuntakoulussa ja sitten vielä kaksi vuotta zemstvo-koulussa naapurikylässä hänet lähetettiin "valtion kustannuksella ja valtion ruoalla" Kadnikovin kaupungin ylempään peruskouluun. Oppituntien aika siellä pysyi A. F. Pakhomovin muistissa erittäin vaikeana ja nälkäisenä. "Sittemmin huoleton lapsuuteni vuonna isän talo, - hän sanoi, - ikuisesti alkoi tuntua minusta onnellisimmalta ja runollisimmalta ajalta, ja tästä lapsuuden poetisoinnista tuli myöhemmin työni päämotiivi. Alekseyn taiteelliset kyvyt ilmenivät varhain, vaikka hänen asuinpaikassaan ei ollut edellytyksiä niiden kehittymiselle. Mutta jopa opettajien poissa ollessa poika saavutti tiettyjä tuloksia. Naapurimaan maanomistaja V. Zubov kiinnitti huomiota hänen lahjakkuuteensa ja antoi Aljosalle kyniä, paperia ja kopioita venäläisten taiteilijoiden maalauksista. Pakhomovin varhaiset, tähän päivään asti säilyneet piirustukset paljastavat, mikä myöhemmin, ammattitaidolla rikastuneena, tulee hänen työlleen ominaista. Pikku taiteilija kiehtoi ihmisen ja ennen kaikkea lapsen kuva. Hän piirtää veljiä, siskoja, naapuruston lapsia. On mielenkiintoista, että näiden taiteellisten kynämuotokuvien linjojen rytmi toistaa hänen kypsien huokosten piirroksia.

Vuonna 1915, kun hän valmistui Kadnikovin kaupungin koulusta, paikalliset taiteen ystävät ilmoittivat aateliston piirimarsalkan Yu. Zubovin ehdotuksesta tilauksensa ja lähettivät Pakhomovin Petrogradiin A. L. Stieglitzin kouluun. kerätyt rahat. Vallankumouksen myötä muutoksia tuli myös Aleksei Pakhomovin elämään. Kouluun ilmestyneiden uusien opettajien - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - vaikutuksen alaisena hän pyrkii ymmärtämään paremmin taiteen tehtäviä. Lyhyt koulutus suuren piirtämisen mestarin Shukhaevin johdolla antoi hänelle paljon arvoa. Nämä oppitunnit loivat pohjan rakenteen ymmärtämiselle ihmiskehon. Hän pyrki syvään anatomian opiskeluun. Pakhomov oli vakuuttunut tarpeesta ei kopioida ympäristöä, vaan edustaa sitä mielekkäästi. Piirtäessään hän tottui olemaan riippuvainen valo- ja varjoolosuhteista, vaan ikään kuin "valaisemaan" luontoa omalla silmällään jättäen valoa lähelle tilavuuden osia ja tummentaa kauempana olevia. "Totta", taiteilija huomautti samaan aikaan, "minusta ei tullut uskollista shukhaevilaista, toisin sanoen en alkanut piirtää sangviinilla, levitellen sitä kuminauhalla niin, että ihmiskeho näytti upealta." Pakhomov myönsi, että huomattavimpien kirjataiteilijoiden Dobuzhinskyn ja Chekhoninin oppitunnit olivat hyödyllisiä. Hän muisti erityisesti jälkimmäisen neuvon: saavuttaa kyky kirjoittaa kirjasimia kirjan kanteen välittömästi siveltimellä ilman valmistelevaa harsinta lyijykynällä, "kuten osoite kirjekuoressa". Taiteilijan mukaan tällainen tarvittavan silmän kehittäminen auttoi myöhemmin luonnossa luonnosta, jossa hän saattoi jostain yksityiskohdasta alkaen sijoittaa kaiken kuvatun arkille.

Vuonna 1918, kun oli mahdotonta elää kylmässä ja nälkäisessä Petrogradissa ilman pysyvää tuloa, Pakhomov lähti kotimaahansa ja ryhtyi piirustusopettajaksi Kadnikovon kouluun. Nämä kuukaudet olivat erittäin hyödyllisiä hänen koulutuksensa loppuunsaattamiseksi. Ensimmäisen ja toisen vaiheen luokkien oppituntien jälkeen hän luki ahneasti, niin kauan kuin valaistus salli ja hänen silmänsä eivät väsyneet. ”Koko ajan, kun olin innoissani, minua valtasi tiedon kuume. Edessäni avautui koko maailma, jota tuskin tiennyt, Pakhomov muisteli tällä kertaa. - Helmikuu ja Lokakuun vallankumous Hyväksyin ilolla, kuten useimmat ihmiset ympärilläni, mutta vasta nyt, kun luin kirjoja sosiologiasta, poliittisesta taloustieteestä, historiallisesta materialismista ja historiasta, aloin todella ymmärtää tapahtumien ydintä.

Tieteen ja kirjallisuuden aarteet avautuivat nuoren miehen eteen; varsin luonnollista oli hänen aikomuksensa jatkaa keskeytyneitä opintojaan Petrogradissa. Hän alkoi opiskella tutussa Salt Lanen rakennuksessa N. A. Tyrsan kanssa, joka oli silloin entisen Stieglitzin koulun komissaari. "Me, Nikolai Andreevitšin oppilaat, olimme hyvin yllättyneitä hänen puvusta", Pakhomov sanoi. - Noiden vuosien komissaarit käyttivät nahkahattuja ja -takkeja, joissa oli vyö ja revolveri kotelossa, ja Tyrsa käveli kepillä ja keilahatulla. Mutta hänen puheensa taiteesta kuunneltiin hengitystä pidätellen. Työpajan johtaja kumosi nokkelasti vanhentuneet näkemykset maalauksesta, tutustutti opiskelijat impressionistien saavutuksiin, postimpressionismin kokemukseen, kiinnitti huomaamattomasti huomiota Van Goghin ja erityisesti Cezannen teoksissa näkyviin etsintöihin. Tyrsa ei esittänyt selkeää ohjelmaa taiteen tulevaisuudelle, hän vaati työpajassaan työskenteleviltä spontaanisuutta: kirjoita niin kuin tunnet. Vuonna 1919 Pakhomov kutsuttiin puna-armeijaan. Hän tunsi tarkasti aiemmin tuntemattoman sotilaallisen ympäristön, todella ymmärsi kansanhahmo Neuvostoliiton maan armeija, joka myöhemmin vaikutti tämän aiheen tulkintaan hänen työssään. Seuraavan vuoden keväällä sairauden jälkeen demobilisoitu Pakhomov saapui Petrogradiin ja muutti N. A. Tyrsan työpajasta V. V. Lebedeviin päättäen saada käsityksen kubismin periaatteista, jotka heijastuivat useisiin Lebedevin ja hänen oppilaidensa teoksia. Tällä hetkellä tehdyistä Pakhomovin teoksista on vain vähän säilynyt. Tällainen on esimerkiksi "Asetelma" (1921), jolle on ominaista hienovarainen tekstuurin tunne. Siinä näkyy Lebedeviltä opittu halu saavuttaa teoksissa "teollisuutta", ei pinnallista täydellisyyttä, vaan kankaan rakentavaa kuvallista järjestystä, unohtamatta kuvatun plastisia ominaisuuksia.

Ajatus uudesta hienoa työtä Pakhomov - maalaukset "Heinänteko" - sai alkunsa hänen kotikylästään Varlamovista. Siellä kerättiin materiaalia sitä varten. Taiteilija ei kuvannut tavallista arjen kohtausta niittopaikalla, vaan nuorten talonpoikien apua naapureilleen. Vaikka siirtyminen kollektiiviseen, kollektiiviseen työhön oli tuolloin tulevaisuuden asia, itse nuorten innostusta ja työnteosta osoittava tapahtuma oli jo jollain tapaa uusien trendien kaltainen. Etüüdit ja luonnokset ruohonleikkureiden hahmoista, maiseman katkelmia: ruohoja, pensaita, sänkiä todistavat taiteellisen konseptin hämmästyttävästä johdonmukaisuudesta ja vakavuudesta, jossa rohkeat tekstuaaliset etsinnät yhdistyvät plastisten ongelmien ratkaisuun. Pakhomovin kyky tarttua liikkeiden rytmiin vaikutti sävellyksen dynaamisuuteen. Tätä kuvaa varten taiteilija meni useita vuosia ja suoritti monia valmistelutöitä. Useissa heistä hän kehitti juoneja, jotka ovat lähellä pääteemaa tai sen mukana.

Piirustus Viikateiden tappaminen (1924) esittää kaksi nuorta talonpoikaa työssään. Pakhomov piirsi ne luonnosta. Sitten hän kävi läpi tämän arkin siveltimellä yleistäen kuvaa tarkkailematta mallejaan. Hyvät plastiset ominaisuudet yhdistettynä voimakkaan liikkeen välitykseen ja musteen käytön yleiseen maalauksellisuuteen näkyvät aikaisemmassa vuoden 1923 teoksessa "Kaksi niittokonetta". Piirustuksen syvällä totuudenmukaisuudella ja voisi sanoa, että vakavuudella taiteilijaa kiinnosti tässä tason ja tilavuuden vuorottelu. Arkissa on käytetty taitavasti mustepesua. Maisemaympäristöä vihjataan. Leikatun ja seisovan ruohon tekstuuri on käsinkosketeltava, mikä tuo piirustukseen rytmistä monimuotoisuutta.

"Heinänteko"-juonen värin huomattavasta kehityksestä on mainittava akvarelli "Leikkuu vaaleanpunaisessa paidassa". Siinä käytettiin kuvallisten siveltimellä tehtyjen pesujen lisäksi raapimista märällä maalikerroksella, joka antoi kuvalle erityisen terävyyden ja tuotiin kuvaan eri tekniikalla (öljymaalauksessa). värikäs iso lehti"Heinänteko", maalattu vesiväreillä. Siinä kohtaus näyttää olevan nähty korkeasta näkökulmasta. Tämä mahdollisti kaikkien ruohonleikkureiden hahmojen näyttämisen peräkkäin ja niiden liikkeiden välittymisessä saavutettiin erityinen dynamiikka, jota helpottaa figuurien asettaminen vinottain. Arvostettuaan tätä tekniikkaa taiteilija rakensi kuvan samalla tavalla, eikä unohtanut sitä tulevaisuudessa. Pakhomov saavutti yleisen valikoiman maalauksellisuuden ja välitti vaikutelman auringonvalon lävistyksestä aamusumusta. Sama teema on ratkaistu eri tavalla öljymaalauksessa "Niitolla", joka kuvaa työskenteleviä niittokoneita ja hevosta laiduntelemassa kärryjen vieressä. Maisema täällä on erilainen kuin muissa luonnoksissa, muunnelmissa ja itse kuvassa. Pellon sijaan - rannikko nopea joki, jota korostavat virran suihkut ja soutuvene. Maiseman väri on ilmeikäs, rakennettu erilaisiin kylmiin vihreisiin sävyihin, etualalla on vain lämpimämpiä sävyjä. Figuurien yhdistämisessä ympäristöön löydettiin tietty koristeellinen vaikutus, mikä paransi yleistä väriääntä.

Yksi Pakhomovin maalauksista urheilusta 1920-luvulla on Boys Skating. Taiteilija rakensi teoksen pisimmän liikkeen hetken ja siksi hedelmällisimmän hetken kuvalle antaen käsityksen siitä, mitä on mennyt ja mitä tulee olemaan. Sitä vastoin etänä näkyy toinen hahmo, joka esittelee rytmisen monimuotoisuuden ja täydentää sävellysideaa. Tässä kuvassa urheiluun liittyvän kiinnostuksen ohella Pakhomovin vetoomus työnsä tärkeimpään aiheeseen - lasten elämään. Aiemmin tämä suuntaus heijastui taiteilijan grafiikkaan. 1920-luvun puolivälistä lähtien Pakhomovin syvä ymmärrys ja kuvien luominen Neuvostoliiton maan lapsista oli Pakhomovin erinomainen panos taiteeseen. Suuria kuvallisia ja plastisia ongelmia tutkiessaan taiteilija ratkaisi niitä myös tätä uutta tärkeää aihetta koskevissa teoksissa. Vuoden 1927 näyttelyssä esiteltiin kangasta ”Talonpoikatyttö”, joka, vaikka sillä oli jotain yhteistä edellä käsiteltyjen muotokuvien kanssa, oli myös riippumaton. Taiteilijan huomio keskittyi suurella plastisuudella maalattuun kuvaan tytön päästä ja käsistä. Nuorten kasvojen tyyppi on vangittu alkuperäisellä tavalla. Tunnelman välittömyydellä tätä kangasta lähellä on "Girl Behind Her Hair", joka oli esillä ensimmäistä kertaa vuonna 1929. Se erosi vuoden 1927 rintakuvasta uudessa, yksityiskohtaisemmassa koostumuksessa, joka sisälsi lähes koko hahmon täydessä kasvussa, välittyneenä monimutkaisemmassa liikkeessä. Taiteilija esitteli tytön rentoa asentoa, joka laittoi hiuksiaan ja katsoi pieneen polvellaan makaavaan peiliin. Ääniyhdistelmät kullanväriset kasvot ja kädet, sininen mekko ja punainen penkki, helakanpunainen villapaita ja okranvihreät hirsiseinät lisäävät kuvan emotionaalisuutta. Pakhomov vangitsi hienovaraisesti nerokkaan ilmeen vauvanaama, koskettava asento. Kirkkaat, epätavalliset kuvat pysäyttivät yleisön. Molemmat teokset olivat osa ulkomaisia neuvostotaiteen näyttelyitä.

Koko puoli vuosisataa kestäneen luovan toimintansa ajan A. F. Pakhomov oli läheisessä yhteydessä neuvostomaan elämään, ja tämä kyllästytti hänen teoksensa inspiroidulla vakaumuksella ja elintärkeän totuuden voimalla. Hänen taiteellinen persoonallisuutensa kehittyi varhain. Hänen työhönsä tutustuminen osoittaa, että se erottui jo 1920-luvulla syvyydestä ja perusteellisuudesta, jota rikastutti maailmankulttuurin opiskelukokemus. Sen muodostumisessa Giotton ja protorenessanssin taiteen rooli on ilmeinen, mutta muinaisen venäläisen maalauksen vaikutus ei ollut yhtä syvällinen. A. F. Pakhomov kuului mestareiden joukkoon, jotka lähestyivät innovatiivisesti rikkaita klassista perintöä. Hänen töitään leimaa moderni fiilis sekä kuvallisten että graafisten tehtävien ratkaisussa.

Pakhomovin uusien teemojen hallinta kankaissa "1905 maaseudulla", "Hevosmiehet", "Spartakovka" lapsia käsittelevässä maalaussarjassa on tärkeää Neuvostoliiton taiteen kehitykselle. Taiteilijalla oli merkittävä rooli nykyajan kuvan luomisessa, hänen muotokuvasarjansa on tästä selkeä todiste. Ensimmäistä kertaa hän toi taiteeseen niin kirkkaan ja elämän kuvia Neuvostoliiton maan nuoria kansalaisia. Tämä puoli hänen lahjakkuudestaan on poikkeuksellisen arvokas. Hänen teoksensa rikastavat ja laajentavat ajatuksia venäläisen maalauksen historiasta. 20-luvulta lähtien suuret museot maat hankkivat Pakhomovin kankaat. Hänen teoksensa ovat saaneet kansainvälistä mainetta suurissa näyttelyissä Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa.

A.F. Pakhomovia inspiroi sosialistinen todellisuus. Hänen huomionsa kiinnittivät turbiinien testaus, kutomoiden työ ja uudet asiat elämässä. Maatalous. Hänen teoksensa paljastavat aiheita kollektivisoinnista ja kaluston käyttöönotosta pelloille ja puimureiden käyttöön sekä traktorin töihin yöllä sekä armeijan ja laivaston elämään. Korostamme näiden Pakhomovin saavutusten erityistä arvoa, koska taiteilija esitteli kaiken tämän 20-luvulla ja 30-luvun alussa. Hänen maalauksensa "Pioneerit kylväjällä", kuntaa käsittelevä sarja "Kylväjä" ja muotokuvat "Kauniista miekoista" ovat taiteilijoidemme syvällisimpiä teoksia maaseudun muutoksista, kollektivisaatiosta.

A.F. Pakhomovin teokset ovat merkittäviä monumentaalisista ratkaisuistaan. Varhaisessa Neuvostoliiton seinämaalauksessa taiteilijan teokset ovat silmiinpistävimpiä ja mielenkiintoisimpia. Red Oath -pahveissa, Kaikkien kansakuntien lasten pyöreän tanssin maalauksissa ja luonnoksissa, maalauksissa viikattajista sekä yleensä Pakhomovin parhaissa maalauksissa on käsinkosketeltava yhteys muinaisen kansallisen suuriin perinteisiin. perintö, joka on osa maailman taiteen aarretta. Hänen seinämaalaustensa, maalaustensa, muotokuviensa, sekä maalaustelineen ja maalaustelineen koloristinen, figuratiivinen puoli kirjan grafiikkaa. Plein air -maalauksen loistavia menestyksiä osoittaa sarja "Auringossa" - eräänlainen hymni Neuvostoliiton maan nuorille. Täällä alaston ruumiin kuvauksessa taiteilija toimi yhtenä suurimmista mestareista, jotka vaikuttivat tämän genren kehitykseen vuonna Neuvostoliiton maalaus. Pakhomovin värihaut yhdistettiin vakavien muoviongelmien ratkaisuun.

On sanottava, että A. F. Pakhomovin henkilössä taiteella oli yksi aikamme suurimmista piirtäjistä. Mestari mestarillisesti omistettu erilaisia materiaaleja. Toimii musteella ja akvarelleilla, kynällä ja siveltimellä vierekkäin loistavien piirustusten kanssa grafiitti lyijykynä. Hänen saavutuksensa ylittävät kotimaisen taiteen rajat ja niistä tulee yksi maailman grafiikan merkittävimmistä luomuksista. Tästä ei ole vaikea löytää esimerkkejä 1920-luvulla kotona tehdyistä piirustussarjoista ja seuraavan vuosikymmenen aikana kiertomatkoilla tehdyistä arkkeista ja pioneerileireistä kertovista sykleistä.

A.F. Pakhomovin panos grafiikkaan on valtava. Hänen maalausteline ja kirja teoksia lapsille omistettu ovat tämän alan merkittävimpiä menestyksiä. Yksi Neuvostoliiton kuvitetun kirjallisuuden perustajista, hän toi siihen syvän ja yksilöllisen kuvan lapsesta. Hänen piirustuksensa valloittivat lukijat elinvoimaisuudella ja ilmaisuvoimalla. Ilman opetuksia, elävästi ja selkeästi, taiteilija välitti ajatuksia lapsille, herätti heidän tunteitaan. MUTTA tärkeitä aiheita koulutus ja kouluelämä! Yksikään taiteilijoista ei ratkaissut niitä yhtä syvällisesti ja totuudenmukaisesti kuin Pakhomov. Ensimmäistä kertaa niin kuvaavalla ja realistisella tavalla hän kuvitti V. V. Majakovskin runoja. Taiteellinen löytö oli hänen piirustuksensa Leo Tolstoin lasten teoksiin. Tarkasteltu graafinen materiaali osoitti selvästi, että Pakhomovin, modernin ja modernin kuvittajan työ klassista kirjallisuutta, on väärin rajoittaa se vain lastenkirjan alueelle. Taiteilijan erinomaiset piirustukset Pushkinin, Nekrasovin, Zoshchenkon teoksiin todistavat venäläisen grafiikan suuresta menestyksestä 1930-luvulla. Hänen työnsä vaikuttivat sosialistisen realismin menetelmän luomiseen.

A.F. Pakhomovin taide erottuu kansalaisuudesta, nykyaikaisuudesta ja merkityksellisyydestä. Leningradin saarron vaikeimpien kokeiden aikana taiteilija ei keskeyttänyt työtään. Yhdessä Nevan kaupungin taiteen mestareiden kanssa hän, kuten kerran nuoruudessaan sisällissodassa, työskenteli rintamalla tehtävissä. Pakhomovin litografiasarja "Leningrad piirityksen päivinä", yksi sotavuosien merkittävimmistä taideteoksista, paljastaa neuvostokansan vertaansa vailla olevan urheuden ja rohkeuden.

Satojen litografioiden kirjoittaja A. F. Pakhomov on syytä mainita niiden innokkaiden taiteilijoiden joukossa, jotka ovat edistäneet tämän tyypin kehitystä ja leviämistä painettu grafiikka. Mahdollisuus houkutella laajaan katsojakuntaan, levikkipainoksen osoitteen massaluonne herätti hänen huomionsa.

Hänen töitään leimaa klassinen selkeys ja ytimellisyys. visuaalisia keinoja. Ihmiskuva on hänen päätavoitteensa. Taiteilijan työskentelyn äärimmäisen tärkeä, klassisiin perinteisiin suhteuttava puoli on plastisen ilmeisyyden tarve, joka näkyy selvästi hänen maalauksissaan, piirustuksissaan, kuvituksissaan, grafiikoissaan aina uusimpiin töihin asti. Hän teki tämän jatkuvasti ja johdonmukaisesti.

A.F. Pakhomov on "syvästi omaperäinen, suuri venäläinen taiteilija, joka on täysin uppoutunut kansansa elämän heijastukseen, mutta samalla hän on omaksunut maailmantaiteen saavutuksia. Taidemaalari ja graafikko A. F. Pakhomovin työ on merkittävä panos Neuvostoliiton taiteellisen kulttuurin kehitykseen. /V.S. Matafonov/

____________________________________________________________________________________________________________

VLADIMIR VASILIEVICH LEBEDEV

14 (26) 05.1891, Pietari - 11.21.1967, Leningrad

RSFSR:n kansantaiteilija. Neuvostoliiton taideakatemian kirjeenvaihtajajäsen

Hän työskenteli Pietarissa F. A. Roubaud'n ateljeessa ja osallistui M. D. Bernsteinin ja L. V. Sherwoodin piirustus-, maalaus- ja kuvanveistokouluun (1910-1914), opiskeli Pietarissa Taideakatemiassa (1912-1914). Neljän taiteen seuran jäsen. Yhteistyötä Satyricon- ja New Satyricon -lehdissä. Yksi järjestäjistä Windows ROSTA" Petrogradissa.

Vuonna 1928 Leningradin venäläisessä museossa järjestettiin henkilökohtainen näyttely Vladimir Vasilyevich Lebedeville, joka oli yksi 1920-luvun loistavista graafikoista. Hänet kuvattiin sitten hänen teoksiensa taustaa vasten. Moitteeton valkoinen kaulus ja solmio, kulmakarvojen päälle vedetty hattu, vakava ja hieman ylimielinen ilme kasvoilla, oikea ja ei lähelle päästävä katse, ja samalla hänen takkinsa heitetään pois ja hihat hänen kyynärpäiden yläpuolelle rullattu paita paljastaa lihaksikkaat suuret käsivarret harjoilla "älykäs" ja "hermoinen". Kaikki yhdessä jättävät vaikutelman tyyneydestä, valmiudesta työhön ja mikä tärkeintä - vastaa näyttelyssä näytettävän grafiikan luonnetta, sisäisesti jännittynyttä, lähes uhkapelattavaa, joskus ironista ja ikään kuin puettua hieman viilentävän graafisen tekniikan panssariin. Taiteilija astui vallankumouksen jälkeiseen aikakauteen ROSTA-ikkunoiden julisteilla. Kuten samaan aikaan (1920) luoduissa "Ironersissa", ne jäljittelivät värillisen kollaasin tyyliä. Kuitenkin julisteissa tämä kubismista peräisin oleva tekniikka sai täysin uuden merkityksen, joka ilmaisi merkin lapidaarisuuden ja vallankumouksen puolustamisen patosisuuden (" Vartiossa lokakuussa ", 1920) ja tahto dynaamiseen työhön ("Demonstraatio", 1920). Yksi julisteista ("Sinun on tehtävä töitä - kivääri on lähellä", 1921) kuvaa työntekijää sahalla ja samalla hän itse koetaan eräänlaisena tiukasti yhteen lyötynä esineenä. Kuvan muodostavat oranssit, keltaiset ja siniset raidat liittyvät äärimmäisen vahvasti suurkirjaimiin, jotka toisin kuin kubistisilla kirjoituksella on erityinen semanttinen merkitys. kuinka ilmeisesti sanan "työ", sahanterän ja sanan "must" muodostama diagonaali sekä sanojen "kivääri lähellä" terävä kaari ja työntekijän hartioiden linjat leikkaavat toisiaan! lastenkirjoille. Leningradissa syntyi kokonainen suuntaus lastenkirjojen kuvittamiseen 1920-luvulla. Yhdessä Lebedevin, V. Ermolajevan, N. Tyrsan kanssa , N. Lapshin, ja kirjallista osaa johti S. Marshak, joka oli tuolloin lähellä Leningradin runoilijoiden ryhmää - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky. Noina vuosina kirjasta vahvistettiin hyvin erityinen kuva, joka poikkesi siitä, mitä Moskovan tuona vuosina viljeltiin. kuvitus, jota johtaa V. Favorsky. Kun Moskovan puunhakkaajien tai bibliofiilien ryhmässä vallitsi lähes romanttinen käsitys kirjasta ja jo teos sisälsi jotain "vakavasti askeettista", Leningradin kuvittajat loivat eräänlaisen "lelukirjan" ja antoivat sen suoraan lapselle, jolle se oli tarkoitettu. Mielikuvituksen liike ”kulttuurin syvyyksiin” korvattiin täällä iloisella tehokkuudella, kun värillistä kirjaa voitiin kääntää käsissä tai ainakin ryömi sen ympärillä makaamassa lattialla lelunorsujen ja kuutioiden ympäröimänä. Lopuksi Favorskyn "pyhien pyhä" -puupiirrokset Favorskysta - kuvan mustavalkoisten elementtien vetovoima arkin syvyyteen tai syvyyteen - väistyivät tässä suoraan sanottuna litteälle sormitukselle, kun piirustus nousi ikään kuin "syvyyden alle". lapsen kädet" saksilla leikatuista paperipaloista. R. Kiplingin (1926) "The Baby Elephant" -elokuvan kuuluisa kansi on muodostettu ikään kuin kasa laastareita, jotka on satunnaisesti hajallaan paperin pinnalle. Näyttää siltä, että taiteilija (ja ehkä jopa lapsi itse!) siirsi näitä palasia paperin päällä, kunnes saatiin täydellinen sommittelu, jossa kaikki "käyttää pyörää" ja jossa sillä välin mitään ei voi siirtää millimetriäkään: keskellä - elefantinpoika, jolla on kaareva pitkä nenä, sen ympärillä on pyramideja ja palmuja, päällä on iso kirjoitus "Elephant", ja alla on täydellisen tappion kärsinyt krokotiili.

Mutta vielä piittaamattomammin täynnä kirjaa"Sirkus"(1925) ja "Kuinka kone teki koneen", jossa Lebedevin piirustuksiin liittyi S. Marshakin runoja. Klovneja kättelemässä tai lihavaa klovnia aasilla kuvaavilla levitteillä vihreiden, punaisten tai mustien palasten leikkaaminen ja liittäminen on kirjaimellisesti "kiehuvaa". Täällä kaikki on "erillistä" - mustat kengät tai punaiset klovnien nenät, vihreät housut tai lihavan miehen keltainen kitara, jolla on ristikarppi - mutta millä verrattomalla loistolla tämä kaikki on yhdistetty ja "liimattu", eloisan ja eloisan hengen läpäisemä. iloinen aloite.

Kaikki nämä tavalliselle lapsilukijalle osoitetut Lebedev-kuvat, joiden joukossa mestariteoksia, kuten litografioita kirjaan "Metsästys" (1925), olivat toisaalta hienostuneen graafisen kulttuurin tuotetta, joka pystyy tyydyttämään vaativimmankin silmän. ja toisaalta taide, joka paljastuu elävässä todellisuudessa. Lebedevin, vaan myös monien muiden taiteilijoiden vallankumousta edeltävä grafiikka ei vielä tuntenut niin avointa kontaktia elämään (huolimatta siitä, että Lebedev maalasi Satyricon-lehdelle 1910-luvulla) - nuo "vitamiinit" tai pikemminkin ne "elinvoiman hiivat", joilla venäläinen todellisuus itse "vaelsi" 1920-luvulla. Lebedevin arkipäiväiset piirustukset paljastivat tämän kontaktin epätavallisen selkeästi, ei niinkään tunkeutuen elämään kuin kuvituksiin tai julisteisiin, vaan ottamalla sen figuratiiviseen piiriinsä. Tämän ytimessä on ahne kiinnostus kaikkea uutta kohtaan. sosiaalisia tyyppejä, joka nousi jatkuvasti ympärille. Vuosien 1922-1927 piirustukset voitiin yhdistää nimeen "Vallankumouksen paneeli", jolla Lebedev nimesi vain yhden sarjan vuodelta 1922, joka kuvasi hahmoja vallankumouksen jälkeisestä kadusta, ja sana "paneeli" osoitti, että tämä oli mitä todennäköisimmin näillä kaduilla liikkuvien tapahtumavirran aiheuttama vaahto. Taiteilija piirtää Pietarin risteyksessä merimiehiä tyttöjen kanssa, noiden vuosien muotiin pukeutuneita kauppiaita myyntikojuineen tai dandeja ja erityisesti Nepmeniä - näitä koomikkaita ja samalla groteskeja uuden "katueläimistön" edustajia, jotka hän maalasi innostuneena. samoina vuosina ja V. Konashevich ja joukko muita mestareita. Kaksi NEP-miestä kuvassa "Pari" sarjasta " Uusi elämäntapa "(1924) olisi voinut mennä samoista klovneista, joita Lebedev pian kuvasi Sirkuksen sivuilla, ellei taiteilijan itsensä terävämpi asenne heitä kohtaan. Lebedevin asennetta tällaisiin hahmoihin ei voi myöskään kutsua "stigmatisoivaksi", saati vähemmän. "ruoskiminen". Ennen näitä Lebedevin piirustuksia ei ollut sattumaa, että P. Fedotovia muistettiin hänen ei vähemmän tyypillisillä luonnoksilla 1800-luvun katutyypeistä. Tämä merkitsi sitä ironisten ja runollisten periaatteiden elävää erottamattomuutta, joka merkitsi sekä taiteilijoita että mikä teki molemmista erityisen houkuttelevia kuvia. muistakaa Lebedevin aikalaiset, kirjailijat M. Zoshchenko ja Y. Olesha. Heillä on sama ironian ja hymyn, pilkan ja ihailun erottamattomuus. Ilmeisesti myös Lebedevin halpa tyylikkyys teki vaikutuksen todellinen merimieskävely ("Tyttö ja"), ja uhmakas ryppyinen tyttö, jolla oli siivoojan laatikkoon hyväksytty kenkä ("Tyttö ja kengänpuhdistin"), hän jopa veti puoleensa jotain ja se eläintieteellinen tai puhtaasti kasvillinen viaton Ihmettelen, kuinka kaikki nämä uudet hahmot kiipeävät ylös kuin mukeja aidan alla osoittaen sopeutumiskyvyn ihmeitä, kuten esimerkiksi turkisnaisten keskustelemista näyteikkunassa ("Yhteiskunnan ihmiset", 1926) tai nippu Nepmeniä. iltakadulla ("Nepmen", 1926). Erityisesti tunnetuimman Lebedev-sarjan "Punkkien rakkaus" (1926-1927) runollinen alku on silmiinpistävää. Mitä valloittavaa elinvoimaa hengittää miehen hahmossa, jolla on lyhyt turkki avonainen rinnassa ja tyttö, jolla on rusetti ja pullonmuotoiset jalat vedettynä korkeisiin saappaisiin, kyyrystyy penkille. Jos sarjassa "Uusi elämä" voidaan ehkä puhua myös satiirista, niin täällä se on melkein huomaamaton. Kuvassa "Ihottuma, Semjonovna, ripottele, Semjonovna!" - harrastuksen korkeus. Arkin keskellä on kuuma ja nuori tanssiva pariskunta, ja katsoja näyttää kuulevan kuinka kämmenet roiskuvat tai miehen saappaat napsahtavat irti, hän tuntee paljaan selän kiemurtelevan joustavuuden, helppouden. kumppaninsa liikkeestä. Sarjasta "Panel of Revolution" piirroksiin "Love of the punk" Lebedevin tyyli itsessään on käynyt läpi huomattavan kehityksen. Merimiehen ja tytön hahmot vuoden 1922 piirustuksessa koostuvat edelleen itsenäisistä täplistä - eri tekstuurien mustetäplistä, jotka ovat samanlaisia kuin Ironersissa, mutta yleisempiä ja tarttuvampia. "Uudessa elämässä" tähän lisättiin tarroja, jotka muuttivat piirroksen enää kollaasin jäljitelmäksi, vaan todelliseksi kollaasiksi. Kuva hallitsi konetta täysin, varsinkin kun Lebedevin itsensä mielestä hyvän piirustuksen pitäisi ensinnäkin "sopia hyvin paperille". Vuosien 1926-1927 arkeissa paperitaso kuitenkin korvattiin enenevässä määrin kuvatulla tilalla chiaroscuro- ja esinetaustallaan. Edessämme ei ole enää pilkkuja, vaan valon ja varjon asteittaisia asteikkoja. Samanaikaisesti piirustuksen liike ei koostunut "leikkauksesta ja liimaamisesta", kuten "Nep" ja "Sircus", vaan pehmeän siveltimen liukuminen tai mustan akvarellin virtaaminen. 1920-luvun puoliväliin mennessä monet muutkin piirtäjät etenivät tiellä kohti yhä vapaampaa eli kuvallista, kuten sitä yleisesti kutsutaan, piirtämistä. Mukana olivat myös N. Kupreyanov kylälaumoineen sekä L. Bruni ja N. Tyrsa. Piirustus ei rajoittunut enää "otettuun" vaikutukseen, terävään otteeseen "kynän kärjessä" kaikista uusista tyypillisiä tyyppejä, mutta ikään kuin hän itse olisi mukana elävässä todellisuuden virtauksessa sen muutoksineen ja emotionaalisuuteensa. 1920-luvun puolivälissä tämä virkistävä virtaus pyyhkäisi yli "katujen" lisäksi myös "koti"-teemojen ja jopa sellaisia perinteisiä piirustuskerroksia kuin alastomasta ihmishahmosta ateljeessa piirtämisen. Ja mikä uusi piirros se oli koko ilmapiirissään, varsinkin jos vertaamme sitä vallankumousta edeltävän vuosikymmenen askeettisesti tiukkaan piirustukseen. Jos vertaamme esimerkiksi erinomaisia piirroksia N. Tyrsan alastonmallista vuodelta 1915 ja Lebedevin piirroksia vuosilta 1926-1927, hämmästyttää Lebedevin lakanoiden välittömyys, heidän tunteidensa vahvuus.

Tämä Lebedevin luonnosten välittömyys mallista sai muut taidehistorioitsijat muistamaan impressionismin tekniikat. Lebedev itse oli syvästi kiinnostunut impressionisteista. Yhdessä hänen parhaat piirustukset sarjassa "Acrobat" (1926) mustalla vesivärillä kyllästetty sivellin ikään kuin itsestään luo mallin energisen liikkeen. Luottavainen siveltimenveto riittää taiteilijalle syrjään vasen käsi, tai yksi liukuva kosketus työntämään eteenpäin kyynärpään suuntaan. Sarjassa "Dancer" (1927), jossa valokontrastit ovat heikentyneet, liikkuvan valon elementit herättävät myös assosiaatioita impressionismiin. "Valon läpäisevästä tilasta", kirjoittaa V. Petrov, "ikäänkuin näyssä esiintyy tanssivan hahmon ääriviivat", häntä "tuskin rajaavat vaaleat hämärtyvät mustan akvarellipilkut", kun "muoto muuttuu maalaukselliseksi massa ja sulautuu huomaamattomasti valo-ilmaympäristöön."

Sanomattakin on selvää, että tämä Lebedevin impressionismi ei ole enää sama asia kuin klassinen impressionismi. Hänen takanaan tunnet aina mestarin äskettäin suorittaman "rakentavuuden oppimisen". Sekä Lebedev että itse Leningradin piirustussuunta pysyivät omana itsenään, unohtamatta hetkeksikään rakennettua tasoa tai kuvallista tekstuuria. Todellakin, piirustuskoostumusta luodessaan taiteilija ei toistanut tilaa hahmolla, kuten Degas, vaan tätä yhtä hahmoa, ikään kuin yhdistäen sen muotonsa piirustuksen muotoon. Se leikkaa tuskin havaittavasti pois pään yläosan ja jalan kärjen, minkä vuoksi hahmo ei lepää lattialla, vaan pikemminkin on "koukussa" arkin ala- ja yläreunaan. Taiteilija pyrkii tuomaan "figuurisuunnitelman" ja kuvatason mahdollisimman lähelle. Hänen märän siveltimensä helmenveto kuuluu siis yhtäläisesti figuuriin ja tasoon. Nämä katoavat kevyet vedot, jotka välittävät sekä itse figuuria että ikään kuin kehon ympärille lämmenneen ilman lämpöä, koetaan samanaikaisesti piirustuksen yhtenäisenä tekstuurina, joka liittyy vetoihin. Kiinalaiset piirustukset musteella ja näyttävät silmälle herkimmiltä "terälehdiltä", jotka on tasoitettu hienoksi arkin pintaan. Lisäksi Lebedevin "Akrobaatit" tai "Tanssijat" on loppujen lopuksi samaa kylmää luottavaisesti taiteellista ja hieman irrallaan olevaa lähestymistapaa malliin, jonka panivat merkille sarjojen "New Life" ja "Nep" hahmot. Kaikissa näissä piirustuksissa on vahva yleistynyt klassinen perusta, joka erottaa ne niin jyrkästi Degasin luonnoksista luonteenomaisen tai arkielämän runoudellaan. Joten, yhdessä loistavista levyistä, jossa balerina käännetään takaisin katsojaan oikea jalka, sijoitettu varpaan vasemman taakse (1927), hänen figuurinsa muistuttaa posliinihahmosta, jossa on penumbra ja valo liukuu pinnan yli. N. Luninin mukaan taiteilija löysi baleriinasta "ihmiskehon täydellisen ja kehittyneen ilmentymän". "Tässä se on - tämä ohut ja plastinen organismi - se on kehitetty, ehkä hieman keinotekoisesti, mutta se on varmistettu ja tarkka liikkeessä, pystyy "kertomaan elämästä" enemmän kuin mikään muu, koska siinä on vähiten muodotonta, tekemättä, epävakaa mahdollisuus." Taiteilija ei todellakaan ollut kiinnostunut itse baletista, vaan ilmeisimmistä tavasta kertoa elämästä. Loppujen lopuksi jokainen näistä SHEETSistä on ikään kuin lyyrinen runo, joka on omistettu runollisesti arvokkaalle liikkeelle. Molemmissa sarjoissa mestarille poseerannut baleriini N. Nadezhdina auttoi häntä ilmeisesti paljon, pysähtyen noihin hänen hyvin tutkimiinsa "asemiin", joissa kehon elintärkeä plastisuus paljastui vaikuttavimmin.

Taiteilijan jännitys näyttää murtautuvan varman käsityötaidon taiteellisen oikeellisuuden läpi ja välittyvän sitten tahattomasti katsojalle. Samassa upeassa luonnoksessa balerinasta selästä katsoja seuraa innostuneena, kuinka virtuoosisivellin ei vain kuvaa, vaan myös luo hahmon, joka jäätyy heti varpailleen. Hänen jalkansa, joita piirtävät kaksi "vedon terälehteä", kohoavat helposti tukipisteen yläpuolelle, korkeammalle - kuin katoava penumbra - lumivalkoisen lauman varovainen laajeneminen, vielä korkeammalle - useiden aukkojen jälkeen, antaen kuvalle aforistisen lyhyyden - epätavallisen herkkä, tai "erittäin kuuleva", selkätanssija ja yhtä "kuuloinen" hänen pienen päänsä käännös leveän hartioiden yli.

Kun Lebedev valokuvattiin vuoden 1928 näyttelyssä, hänellä näytti olevan lupaava tie edessään. Useiden vuosien kova työ näyttää nostaneen hänet huipulle. graafinen taide. Samaan aikaan sekä 1920-luvun lastenkirjoissa että Tanssijoissa saavutettiin ehkä sellainen täydellinen täydellisyyden aste, että näiltä kohdilta ei kenties ollut mitään kehitystä. Ja todellakin Lebedevin piirustus ja lisäksi Lebedevin taide saavutti täällä absoluuttisen huippunsa. Seuraavina vuosina taiteilija harjoitti erittäin aktiivisesti maalausta, paljon ja kuvitti monien vuosien ajan lastenkirjoja. Ja samaan aikaan kaikkea, mitä hän teki 1930-1950-luvuilla, ei voitu enää verrata vuosien 1922-1927 mestariteoksiin, eikä mestari tietenkään yrittänyt toistaa jäljelle jääneitä löytöjä. Lebedevin piirustukset naishahmosta jäivät erityisesti taiteilijan itsensä ulottumattomiin, mutta myös koko myöhempien vuosien taiteen ulottumattomiin. Jos myöhempi aikakausi ei voinut johtua alastonmallista piirtämisen vähenemisestä, se johtui vain siitä, ettei hän ollut kiinnostunut näistä aiheista ollenkaan. Vain viime vuodet ikään kuin suunnitellaan käännekohta tämän runollisimman ja luovimmin jaloimman piirtämisalan suhteen, ja jos näin on, niin uuden sukupolven piirtäjien joukossa V. Lebedev on kenties tarkoitettu uudelle kunnialle.

Mestarin taiteellinen perintö ei rajoitu kirjagrafiikkaan. A. F. Pakhomov on kirjoittanut monumentaalisia seinämaalauksia, maalauksia, maalaustelinegrafiikkaa: piirustuksia, akvarelleja, lukuisia vedoksia, joiden joukossa on jännittäviä Leningradin arkkeja saartosarjan päivinä. Kuitenkin niin tapahtui, että taiteilijaa koskevassa kirjallisuudessa oli epätarkka käsitys hänen toimintansa todellisesta laajuudesta ja ajasta. Joskus hänen työnsä kattavuus alkoi vasta 30-luvun puolivälin teoksilla ja joskus jopa myöhemmin - sarjalla sotavuosien litografioita. Tällainen rajoitettu lähestymistapa ei ainoastaan kavensi ja rajoitti ajatusta A. F. Pakhomovin alkuperäisestä ja elävästä perinnöstä, joka syntyi puolen vuosisadan aikana, vaan myös köyhdytti koko Neuvostoliiton taidetta.

A.F. Pakhomov omistaa erittäin suuren määrän maalauksia ja piirustuksia. Teeskentelemättä kattamaan niitä tyhjentävästi, monografian kirjoittaja katsoi tehtäväkseen antaa käsityksen mestarin luovan toiminnan pääkohdista, sen rikkaudesta ja omaperäisyydestä, opettajista ja kollegoista, jotka osallistuivat A. F. Pakhomovin taiteen kehittämiseen. Taiteilijan teoksille ominaista kansalaisuus, syvä elinvoima, realismi mahdollisti hänen työnsä kehityksen näyttämisen jatkuvassa ja läheisessä yhteydessä Neuvostoliiton kansan elämään.

A. F. Pakhomov, joka oli yksi neuvostotaiteen suurimmista mestareista, kantoi palavaa rakkauttaan isänmaata, sen kansaa kohtaan koko pitkän elämänsä ja uransa ajan. Korkea humanismi, totuus, kuvallinen rikkaus tekevät hänen teoksistaan niin sielukkaita, vilpittömiä, täynnä lämpöä ja optimismia.

Vologdan alueella, Kadnikovin kaupungin lähellä, Kubena-joen rannalla, sijaitsee Varlamovin kylä. Siellä 19. syyskuuta (2. lokakuuta) 1900 talonpojalle, Efimiya Petrovna Pakhomovalle, syntyi poika, jonka nimi oli Aleksei. Hänen isänsä, Fjodor Dmitrievich, tuli "tiettyjen" maanviljelijöiden joukosta, jotka eivät tienneet menneisyyden maaorjuuden kauhuja. Tämä seikka oli tärkeä rooli elämäntavassa ja vallitsevissa luonteenpiirteissä, kehitti kykyä käyttäytyä yksinkertaisesti, rauhallisesti, arvokkaasti. Täällä juurtuivat myös erityiset optimismin piirteet, näkemysten laajuus, henkinen suoraviivaisuus ja reagointikyky. Aleksei kasvatettiin työympäristössä. He elivät huonosti. Kuten koko kylässä, oma leipä ei riittänyt kevääseen asti, se piti ostaa. Lisätuloja vaadittiin, minkä tekivät aikuiset perheenjäsenet. Yksi veljistä oli kivenhakkaaja. Monet kyläläiset olivat puuseppiä. Ja kuitenkin nuori Aleksei muisti elämän varhaisen ajan iloisimpana. Kahden vuoden opiskelun jälkeen seurakuntakoulussa ja sitten vielä kaksi vuotta zemstvo-koulussa naapurikylässä hänet lähetettiin "valtion kustannuksella ja valtion ruoalla" Kadnikovin kaupungin ylempään peruskouluun. Oppituntien aika siellä pysyi A. F. Pakhomovin muistissa erittäin vaikeana ja nälkäisenä. "Sittemmin huoleton lapsuuteni isäni luona", hän sanoi, "alkoi minusta aina tuntua onnellisimmalta ja runollisimmalta ajalta, ja tästä lapsuuden runouttamisesta tuli myöhemmin työni päämotiivi." Alekseyn taiteelliset kyvyt ilmenivät varhain, vaikka hänen asuinpaikassaan ei ollut edellytyksiä niiden kehittymiselle. Mutta jopa opettajien poissa ollessa poika saavutti tiettyjä tuloksia. Naapurimaan maanomistaja V. Zubov kiinnitti huomiota hänen lahjakkuuteensa ja antoi Aljosalle kyniä, paperia ja kopioita venäläisten taiteilijoiden maalauksista. Pakhomovin varhaiset, tähän päivään asti säilyneet piirustukset paljastavat, mikä myöhemmin, ammattitaidolla rikastuneena, tulee hänen työlleen ominaista. Pikku taiteilija kiehtoi ihmisen ja ennen kaikkea lapsen kuva. Hän piirtää veljiä, siskoja, naapuruston lapsia. On mielenkiintoista, että näiden taiteellisten kynämuotokuvien linjojen rytmi toistaa hänen kypsien huokosten piirroksia.

Vuonna 1915, kun hän valmistui Kadnikovin kaupungin koulusta, paikalliset taiteen ystävät ilmoittivat aateliston piirimarsalkan Yu. Zubovin ehdotuksesta tilauksensa ja lähettivät Pakhomovin Petrogradiin A. L. Stieglitzin kouluun. kerätyt rahat. Vallankumouksen myötä muutoksia tuli myös Aleksei Pakhomovin elämään. Kouluun ilmestyneiden uusien opettajien - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - vaikutuksen alaisena hän pyrkii ymmärtämään paremmin taiteen tehtäviä. Lyhyt koulutus suuren piirtämisen mestarin Shukhaevin johdolla antoi hänelle paljon arvoa. Nämä tunnit loivat perustan ihmiskehon rakenteen ymmärtämiselle. Hän pyrki syvään anatomian opiskeluun. Pakhomov oli vakuuttunut tarpeesta ei kopioida ympäristöä, vaan edustaa sitä mielekkäästi. Piirtäessään hän tottui olemaan riippuvainen valo- ja varjoolosuhteista, vaan ikään kuin "valaisemaan" luontoa omalla silmällään jättäen valoa lähelle tilavuuden osia ja tummentaa kauempana olevia. "Totta", taiteilija huomautti samaan aikaan, "minusta ei tullut uskollista shukhaevilaista, toisin sanoen en alkanut piirtää sangviinilla, levitellen sitä kuminauhalla niin, että ihmiskeho näytti upealta." Pakhomov myönsi, että huomattavimpien kirjataiteilijoiden Dobuzhinskyn ja Chekhoninin oppitunnit olivat hyödyllisiä. Hän muisti erityisesti jälkimmäisen neuvon: saavuttaa kyky kirjoittaa kirjasimia kirjan kanteen välittömästi siveltimellä ilman valmistelevaa harsinta lyijykynällä, "kuten osoite kirjekuoressa". Taiteilijan mukaan tällainen tarvittavan silmän kehittäminen auttoi myöhemmin luonnossa luonnosta, jossa hän saattoi jostain yksityiskohdasta alkaen sijoittaa kaiken kuvatun arkille.

Vuonna 1918, kun oli mahdotonta elää kylmässä ja nälkäisessä Petrogradissa ilman pysyvää tuloa, Pakhomov lähti kotimaahansa ja ryhtyi piirustusopettajaksi Kadnikovon kouluun. Nämä kuukaudet olivat erittäin hyödyllisiä hänen koulutuksensa loppuunsaattamiseksi. Ensimmäisen ja toisen vaiheen luokkien oppituntien jälkeen hän luki ahneasti, niin kauan kuin valaistus salli ja hänen silmänsä eivät väsyneet. ”Koko ajan, kun olin innoissani, minua valtasi tiedon kuume. Edessäni avautui koko maailma, jota tuskin tiennyt, Pakhomov muisteli tällä kertaa. "Otin helmi- ja lokakuun vallankumouksen ilolla vastaan, kuten useimmat ihmiset ympärilläni, mutta vasta nyt, kun luin kirjoja sosiologiasta, poliittisesta taloustieteestä, historiallisesta materialismista ja historiasta, aloin todella ymmärtää tapahtumien ydintä."

Tieteen ja kirjallisuuden aarteet avautuivat nuoren miehen eteen; varsin luonnollista oli hänen aikomuksensa jatkaa keskeytyneitä opintojaan Petrogradissa. Hän alkoi opiskella tutussa Salt Lanen rakennuksessa N. A. Tyrsan kanssa, joka oli silloin entisen Stieglitzin koulun komissaari. "Me, Nikolai Andreevitšin oppilaat, olimme hyvin yllättyneitä hänen puvusta", Pakhomov sanoi. - Noiden vuosien komissaarit käyttivät nahkahattuja ja -takkeja, joissa oli vyö ja revolveri kotelossa, ja Tyrsa käveli kepillä ja keilahatulla. Mutta hänen puheensa taiteesta kuunneltiin hengitystä pidätellen. Työpajan johtaja kumosi nokkelasti vanhentuneet näkemykset maalauksesta, tutustutti opiskelijat impressionistien saavutuksiin, postimpressionismin kokemukseen, kiinnitti huomaamattomasti huomiota Van Goghin ja erityisesti Cezannen teoksissa näkyviin etsintöihin. Tyrsa ei esittänyt selkeää ohjelmaa taiteen tulevaisuudelle, hän vaati työpajassaan työskenteleviltä spontaanisuutta: kirjoita niin kuin tunnet. Vuonna 1919 Pakhomov kutsuttiin puna-armeijaan. Hän tunnisti tiiviisti aiemmin tuntemattoman sotilaallisen ympäristön, ymmärsi Neuvostoliiton maan armeijan todella suositun luonteen, joka myöhemmin vaikutti tämän aiheen tulkintaan hänen työssään. Seuraavan vuoden keväällä sairauden jälkeen demobilisoitu Pakhomov saapui Petrogradiin ja muutti N. A. Tyrsan työpajasta V. V. Lebedeviin päättäen saada käsityksen kubismin periaatteista, jotka heijastuivat useisiin Lebedevin ja hänen oppilaidensa teoksia. Tällä hetkellä tehdyistä Pakhomovin teoksista on vain vähän säilynyt. Tällainen on esimerkiksi "Asetelma" (1921), jolle on ominaista hienovarainen tekstuurin tunne. Siinä näkyy Lebedeviltä opittu halu saavuttaa teoksissa "teollisuutta", ei pinnallista täydellisyyttä, vaan kankaan rakentavaa kuvallista järjestystä, unohtamatta kuvatun plastisia ominaisuuksia.

Ajatus Pakhomovin uudesta suuresta työstä - maalauksesta "Heinänteko" - syntyi hänen kotikylässään Varlamovissa. Siellä kerättiin materiaalia sitä varten. Taiteilija ei kuvannut tavallista arjen kohtausta niittopaikalla, vaan nuorten talonpoikien apua naapureilleen. Vaikka siirtyminen kollektiiviseen, kollektiiviseen työhön oli tuolloin tulevaisuuden asia, itse nuorten innostusta ja työnteosta osoittava tapahtuma oli jo jollain tapaa uusien trendien kaltainen. Etüüdit ja luonnokset ruohonleikkureiden hahmoista, maiseman katkelmia: ruohoja, pensaita, sänkiä todistavat taiteellisen konseptin hämmästyttävästä johdonmukaisuudesta ja vakavuudesta, jossa rohkeat tekstuaaliset etsinnät yhdistyvät plastisten ongelmien ratkaisuun. Pakhomovin kyky tarttua liikkeiden rytmiin vaikutti sävellyksen dynaamisuuteen. Tätä kuvaa varten taiteilija meni useita vuosia ja suoritti monia valmistelutöitä. Useissa heistä hän kehitti juoneja, jotka ovat lähellä pääteemaa tai sen mukana.

"Heinänteko"-juonen värin huomattavasta kehityksestä on mainittava akvarelli "Leikkuu vaaleanpunaisessa paidassa". Siinä käytettiin kuvallisten siveltimellä tehtyjen pesujen lisäksi raapimista märällä maalikerroksella, joka antoi kuvalle erityisen terävyyden ja tuotiin kuvaan eri tekniikalla (öljymaalauksessa). Värikäs iso lehti "Heinänteko", maalattu vesiväreillä. Siinä kohtaus näyttää olevan nähty korkeasta näkökulmasta. Tämä mahdollisti kaikkien ruohonleikkureiden hahmojen näyttämisen peräkkäin ja niiden liikkeiden välittymisessä saavutettiin erityinen dynamiikka, jota helpottaa figuurien asettaminen vinottain. Arvostettuaan tätä tekniikkaa taiteilija rakensi kuvan samalla tavalla, eikä unohtanut sitä tulevaisuudessa. Pakhomov saavutti yleisen valikoiman maalauksellisuuden ja välitti vaikutelman auringonvalon lävistyksestä aamusumusta. Sama teema on ratkaistu eri tavalla öljymaalauksessa "Niitolla", joka kuvaa työskenteleviä niittokoneita ja hevosta laiduntelemassa kärryjen vieressä. Maisema täällä on erilainen kuin muissa luonnoksissa, muunnelmissa ja itse kuvassa. Pellon sijaan on nopean joen ranta, jota korostavat virran suihkut ja soutuvene. Maiseman väri on ilmeikäs, rakennettu erilaisiin kylmiin vihreisiin sävyihin, etualalla on vain lämpimämpiä sävyjä. Figuurien yhdistämisessä ympäristöön löydettiin tietty koristeellinen vaikutus, mikä paransi yleistä väriääntä.

Yksi Pakhomovin maalauksista urheilusta 1920-luvulla on Boys Skating. Taiteilija rakensi teoksen pisimmän liikkeen hetken ja siksi hedelmällisimmän hetken kuvalle antaen käsityksen siitä, mitä on mennyt ja mitä tulee olemaan. Sitä vastoin etänä näkyy toinen hahmo, joka esittelee rytmisen monimuotoisuuden ja täydentää sävellysideaa. Tässä kuvassa urheiluun liittyvän kiinnostuksen ohella Pakhomovin vetoomus työnsä tärkeimpään aiheeseen - lasten elämään. Aiemmin tämä suuntaus heijastui taiteilijan grafiikkaan. 1920-luvun puolivälistä lähtien Pakhomovin syvä ymmärrys ja kuvien luominen Neuvostoliiton maan lapsista oli Pakhomovin erinomainen panos taiteeseen. Suuria kuvallisia ja plastisia ongelmia tutkiessaan taiteilija ratkaisi niitä myös tätä uutta tärkeää aihetta koskevissa teoksissa. Vuoden 1927 näyttelyssä esiteltiin kangasta ”Talonpoikatyttö”, joka, vaikka sillä oli jotain yhteistä edellä käsiteltyjen muotokuvien kanssa, oli myös riippumaton. Taiteilijan huomio keskittyi suurella plastisuudella maalattuun kuvaan tytön päästä ja käsistä. Nuorten kasvojen tyyppi on vangittu alkuperäisellä tavalla. Tunnelman välittömyydellä tätä kangasta lähellä on "Girl Behind Her Hair", joka oli esillä ensimmäistä kertaa vuonna 1929. Se erosi vuoden 1927 rintakuvasta uudessa, yksityiskohtaisemmassa koostumuksessa, joka sisälsi lähes koko hahmon täydessä kasvussa, välittyneenä monimutkaisemmassa liikkeessä. Taiteilija esitteli tytön rentoa asentoa, joka laittoi hiuksiaan ja katsoi pieneen polvellaan makaavaan peiliin. Ääniyhdistelmät kultaisista kasvoista ja käsistä, sinisestä mekosta ja punaisesta penkistä, helakanpunaisesta puserosta ja kotan okranvihreät hirsiseinät lisäävät kuvan emotionaalisuutta. Pakhomov vangitsi hienovaraisesti lapsen kasvojen nerokkaan ilmeen, koskettavan asennon. Kirkkaat, epätavalliset kuvat pysäyttivät yleisön. Molemmat teokset olivat osa ulkomaisia neuvostotaiteen näyttelyitä.

Koko puoli vuosisataa kestäneen luovan toimintansa ajan A. F. Pakhomov oli läheisessä yhteydessä neuvostomaan elämään, ja tämä kyllästytti hänen teoksensa inspiroidulla vakaumuksella ja elintärkeän totuuden voimalla. Hänen taiteellinen persoonallisuutensa kehittyi varhain. Hänen työhönsä tutustuminen osoittaa, että se erottui jo 1920-luvulla syvyydestä ja perusteellisuudesta, jota rikastutti maailmankulttuurin opiskelukokemus. Sen muodostumisessa Giotton ja protorenessanssin taiteen rooli on ilmeinen, mutta muinaisen venäläisen maalauksen vaikutus ei ollut yhtä syvällinen. A.F. Pakhomov kuului mestarien joukkoon, jotka lähestyivät innovatiivisesti rikasta klassista perintöä. Hänen töitään leimaa moderni fiilis sekä kuvallisten että graafisten tehtävien ratkaisussa.

Pakhomovin uusien teemojen hallinta kankaissa "1905 maaseudulla", "Hevosmiehet", "Spartakovka" lapsia käsittelevässä maalaussarjassa on tärkeää Neuvostoliiton taiteen kehitykselle. Taiteilijalla oli merkittävä rooli nykyajan kuvan luomisessa, hänen muotokuvasarjansa on tästä selkeä todiste. Ensimmäistä kertaa hän toi taiteeseen niin eläviä ja elinvoimaisia kuvia Neuvostoliiton maan nuorista kansalaisista. Tämä puoli hänen lahjakkuudestaan on poikkeuksellisen arvokas. Hänen teoksensa rikastavat ja laajentavat ajatuksia venäläisen maalauksen historiasta. 1920-luvulta lähtien maan suurimmat museot ovat hankkineet Pakhomovin maalauksia. Hänen teoksensa ovat saaneet kansainvälistä mainetta suurissa näyttelyissä Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa.

A.F. Pakhomovia inspiroi sosialistinen todellisuus. Hänen huomionsa kiinnittivät turbiinien testaus, kutomatehtaiden työ ja uusi maatalouden elämässä. Hänen teoksensa paljastavat aiheita kollektivisoinnista ja kaluston käyttöönotosta pelloille ja puimureiden käyttöön sekä traktorin töihin yöllä sekä armeijan ja laivaston elämään. Korostamme näiden Pakhomovin saavutusten erityistä arvoa, koska taiteilija esitteli kaiken tämän 20-luvulla ja 30-luvun alussa. Hänen maalauksensa "Pioneerit kylväjällä", kuntaa käsittelevä sarja "Kylväjä" ja muotokuvat "Kauniista miekoista" ovat taiteilijoidemme syvällisimpiä teoksia maaseudun muutoksista, kollektivisaatiosta.

A.F. Pakhomovin teokset ovat merkittäviä monumentaalisista ratkaisuistaan. Varhaisessa Neuvostoliiton seinämaalauksessa taiteilijan teokset ovat silmiinpistävimpiä ja mielenkiintoisimpia. Red Oath -pahveissa, Kaikkien kansakuntien lasten pyöreän tanssin maalauksissa ja luonnoksissa, maalauksissa viikattajista sekä yleensä Pakhomovin parhaissa maalauksissa on käsinkosketeltava yhteys muinaisen kansallisen suuriin perinteisiin. perintö, joka on osa maailman taiteen aarretta. Hänen seinämaalaustensa, maalaustensa, muotokuviensa sekä maalaustelineen ja kirjagrafiikan koloristinen, figuratiivinen puoli on syvästi omaperäinen. Plein air -maalauksen loistavia menestyksiä osoittaa sarja "Auringossa" - eräänlainen hymni Neuvostoliiton maan nuorille. Täällä alaston ruumiin kuvauksessa taiteilija toimi yhtenä suurimmista mestareista, jotka vaikuttivat tämän genren kehitykseen Neuvostoliiton maalauksessa. Pakhomovin värihaut yhdistettiin vakavien muoviongelmien ratkaisuun.

On sanottava, että A. F. Pakhomovin henkilössä taiteella oli yksi aikamme suurimmista piirtäjistä. Mestari hallitsi mestarillisesti erilaisia materiaaleja. Toimii musteella ja akvarelleilla, kynä ja sivellin vierekkäin loistavilla grafiittikynäpiirroksilla. Hänen saavutuksensa ylittävät kotimaisen taiteen rajat ja niistä tulee yksi maailman grafiikan merkittävimmistä luomuksista. Tästä ei ole vaikea löytää esimerkkejä 1920-luvulla kotona tehdyistä piirustussarjoista ja seuraavan vuosikymmenen aikana kiertomatkoilla tehdyistä arkkeista ja pioneerileireistä kertovista sykleistä.

A.F. Pakhomovin panos grafiikkaan on valtava. Hänen lapsille omistetut maalausteokset ja kirjateokset ovat tämän alan merkittäviä menestyksiä. Yksi Neuvostoliiton kuvitetun kirjallisuuden perustajista, hän toi siihen syvän ja yksilöllisen kuvan lapsesta. Hänen piirustuksensa valloittivat lukijat elinvoimaisuudella ja ilmaisuvoimalla. Ilman opetuksia, elävästi ja selkeästi, taiteilija välitti ajatuksia lapsille, herätti heidän tunteitaan. Ja tärkeitä koulutuksen ja kouluelämän aiheita! Yksikään taiteilijoista ei ratkaissut niitä yhtä syvällisesti ja totuudenmukaisesti kuin Pakhomov. Ensimmäistä kertaa niin kuvaavalla ja realistisella tavalla hän kuvitti V. V. Majakovskin runoja. Taiteellinen löytö oli hänen piirustuksensa Leo Tolstoin lasten teoksiin. Tarkasteltu graafinen materiaali osoitti selvästi, että modernin ja klassisen kirjallisuuden kuvittajan Pakhomovin työ rajoittuu perusteettomasti lastenkirjojen alueelle. Taiteilijan erinomaiset piirustukset Pushkinin, Nekrasovin, Zoshchenkon teoksiin todistavat venäläisen grafiikan suuresta menestyksestä 1930-luvulla. Hänen työnsä vaikuttivat sosialistisen realismin menetelmän luomiseen.

Satojen litografioiden kirjoittaja A. F. Pakhomov on syytä mainita niiden innostuneiden taiteilijoiden joukossa, jotka osallistuivat tämäntyyppisen painetun grafiikan kehittämiseen ja levittämiseen. Mahdollisuus houkutella laajaan katsojakuntaan, levikkipainoksen osoitteen massaluonne herätti hänen huomionsa.

Hänen töitään leimaa klassinen selkeys ja visuaalisten keinojen ytimekkyys. Ihmiskuva on hänen päätavoitteensa. Taiteilijan työskentelyn äärimmäisen tärkeä, klassisiin perinteisiin suhteuttava puoli on plastisen ilmeisyyden tarve, joka näkyy selvästi hänen maalauksissaan, piirustuksissaan, kuvituksissaan, grafiikoissaan aina uusimpiin töihin asti. Hän teki tämän jatkuvasti ja johdonmukaisesti.

____________________________________________________________________________________________________________

VLADIMIR VASILIEVICH LEBEDEV

14 (26) 05.1891, Pietari - 11.21.1967, Leningrad

RSFSR:n kansantaiteilija. Neuvostoliiton taideakatemian kirjeenvaihtajajäsen

Hän työskenteli Pietarissa F. A. Roubaud'n ateljeessa ja osallistui M. D. Bernsteinin ja L. V. Sherwoodin piirustus-, maalaus- ja kuvanveistokouluun (1910-1914), opiskeli Pietarissa Taideakatemiassa (1912-1914). Neljän taiteen seuran jäsen. Yhteistyötä Satyricon- ja New Satyricon -lehdissä. Yksi järjestäjistä Windows ROSTA" Petrogradissa.

Vuonna 1928 Leningradin venäläisessä museossa järjestettiin henkilökohtainen näyttely Vladimir Vasilyevich Lebedeville, joka oli yksi 1920-luvun loistavista graafikoista. Hänet kuvattiin sitten hänen teoksiensa taustaa vasten. Moitteeton valkoinen kaulus ja solmio, kulmakarvojen päälle vedetty hattu, vakava ja hieman ylimielinen ilme kasvoilla, oikea ja ei lähelle päästävä katse, ja samalla hänen takkinsa heitetään pois ja hihat hänen kyynärpäiden yläpuolelle rullattu paita paljastaa lihaksikkaat suuret käsivarret harjoilla "älykäs" ja "hermoinen". Kaikki yhdessä jättävät vaikutelman tyyneydestä, valmiudesta työhön ja mikä tärkeintä - vastaa näyttelyssä näytettävän grafiikan luonnetta, sisäisesti jännittynyttä, lähes uhkapelattavaa, joskus ironista ja ikään kuin puettua hieman viilentävän graafisen tekniikan panssariin. Taiteilija astui vallankumouksen jälkeiseen aikakauteen ROSTA-ikkunoiden julisteilla. Kuten samaan aikaan (1920) luoduissa "Ironersissa", ne jäljittelivät värillisen kollaasin tyyliä. Kuitenkin julisteissa tämä kubismista peräisin oleva tekniikka sai täysin uuden merkityksen, joka ilmaisi merkin lapidaarisuuden ja vallankumouksen puolustamisen patosisuuden (" Vartiossa lokakuussa ", 1920) ja tahto dynaamiseen työhön ("Demonstraatio", 1920). Yksi julisteista ("Sinun on tehtävä töitä - kivääri on lähellä", 1921) kuvaa työntekijää sahalla ja samalla hän itse koetaan eräänlaisena tiukasti yhteen lyötynä esineenä. Kuvan muodostavat oranssit, keltaiset ja siniset raidat liittyvät äärimmäisen vahvasti suurkirjaimiin, jotka toisin kuin kubistisilla kirjoituksella on erityinen semanttinen merkitys. kuinka ilmeisesti sanan "työ", sahanterän ja sanan "must" muodostama diagonaali sekä sanojen "kivääri lähellä" terävä kaari ja työntekijän hartioiden linjat leikkaavat toisiaan! lastenkirjoille. Leningradissa syntyi kokonainen suuntaus lastenkirjojen kuvittamiseen 1920-luvulla. Yhdessä Lebedevin, V. Ermolajevan, N. Tyrsan kanssa , N. Lapshin, ja kirjallista osaa johti S. Marshak, joka oli tuolloin lähellä Leningradin runoilijoiden ryhmää - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky. Noina vuosina kirjasta vahvistettiin hyvin erityinen kuva, joka poikkesi siitä, mitä Moskovan tuona vuosina viljeltiin. kuvitus, jota johtaa V. Favorsky. Kun Moskovan puunhakkaajien tai bibliofiilien ryhmässä vallitsi lähes romanttinen käsitys kirjasta ja jo teos sisälsi jotain "vakavasti askeettista", Leningradin kuvittajat loivat eräänlaisen "lelukirjan" ja antoivat sen suoraan lapselle, jolle se oli tarkoitettu. Mielikuvituksen liike ”kulttuurin syvyyksiin” korvattiin täällä iloisella tehokkuudella, kun värillistä kirjaa voitiin kääntää käsissä tai ainakin ryömi sen ympärillä makaamassa lattialla lelunorsujen ja kuutioiden ympäröimänä. Lopuksi Favorskyn "pyhien pyhä" -puupiirrokset Favorskysta - kuvan mustavalkoisten elementtien vetovoima arkin syvyyteen tai syvyyteen - väistyivät tässä suoraan sanottuna litteälle sormitukselle, kun piirustus nousi ikään kuin "syvyyden alle". lapsen kädet" saksilla leikatuista paperipaloista. R. Kiplingin (1926) "The Baby Elephant" -elokuvan kuuluisa kansi on muodostettu ikään kuin kasa laastareita, jotka on satunnaisesti hajallaan paperin pinnalle. Näyttää siltä, että taiteilija (ja ehkä jopa lapsi itse!) siirsi näitä palasia paperin päällä, kunnes saatiin täydellinen sommittelu, jossa kaikki "käyttää pyörää" ja jossa sillä välin mitään ei voi siirtää millimetriäkään: keskellä - vauvanorsu, jolla on kaareva pitkä nenä, sen ympärillä - pyramidit ja palmut, päällä - suuri merkintä "Elephant" ja alapuolella krokotiili, joka kärsi täydellisen tappion.

Kaikki nämä tavalliselle lapsilukijalle osoitetut Lebedev-kuvat, joiden joukossa mestariteoksia, kuten litografioita kirjaan "Metsästys" (1925), olivat toisaalta hienostuneen graafisen kulttuurin tuotetta, joka pystyy tyydyttämään vaativimmankin silmän. ja toisaalta taide, joka paljastuu elävässä todellisuudessa. Lebedevin, vaan myös monien muiden taiteilijoiden vallankumousta edeltävä grafiikka ei vielä tuntenut niin avointa kontaktia elämään (huolimatta siitä, että Lebedev maalasi Satyricon-lehdelle 1910-luvulla) - nuo "vitamiinit" tai pikemminkin ne "elinvoiman hiivat", joilla venäläinen todellisuus itse "vaelsi" 1920-luvulla. Lebedevin arkipäiväiset piirustukset paljastivat tämän kontaktin epätavallisen selkeästi, ei niinkään tunkeutuen elämään kuin kuvituksiin tai julisteisiin, vaan ottamalla sen figuratiiviseen piiriinsä. Tämän ytimessä on innokas ahne kiinnostus kaikkia uusia sosiaalisia tyyppejä kohtaan, joita jatkuvasti nousi ympärille. Vuosien 1922-1927 piirustukset voitiin yhdistää nimeen "Vallankumouksen paneeli", jolla Lebedev nimesi vain yhden sarjan vuodelta 1922, joka kuvasi hahmoja vallankumouksen jälkeisestä kadusta, ja sana "paneeli" osoitti, että tämä oli mitä todennäköisimmin näillä kaduilla liikkuvien tapahtumavirran aiheuttama vaahto. Taiteilija piirtää Pietarin risteyksessä merimiehiä tyttöjen kanssa, noiden vuosien muotiin pukeutuneita kauppiaita myyntikojuineen tai dandeja ja erityisesti Nepmeniä - näitä koomikkaita ja samalla groteskeja uuden "katueläimistön" edustajia, jotka hän maalasi innostuneena. samoina vuosina ja V. Konashevich ja joukko muita mestareita. Kaksi Nepmeniä "Uusi elämä" -sarjan (1924) piirustuksessa "Pariskunta" olisi voinut ohittaa samojen klovnien, joita Lebedev pian kuvasi "Sirkuksen" sivuilla, ellei taiteilijan itsensä terävämpi asenne heitä kohtaan . Lebedevin asennetta tällaisiin hahmoihin ei voida kutsua "leimaavaksi" tai varsinkaan "ruoskivaksi". Ennen näitä Lebedevin piirustuksia ei ollut sattumaa, että P. Fedotovia muistettiin hänen yhtä tyypillisillä luonnoksilla 1800-luvun katutyypeistä. Tämä merkitsi ironisten ja runollisten periaatteiden elävää erottamattomuutta, joista molemmat taiteilijat olivat tunnettuja ja jotka molemmille muodostivat kuvien erityisen houkuttelevuuden. Tulee mieleen myös Lebedevin aikalaiset, kirjailijat M. Zoshchenko ja Yu. Olesha. Heillä on sama ironian ja hymyn, pilkan ja ihailun erottamattomuus. Ilmeisesti Lebedev teki jotenkin vaikutuksen todellisen merimieskävelyn halpasta tyylikkyydestä ("The Girl and the Sailor") ja tytön uhmakkaasta rysähdyksestä siivoojan laatikkoon hyväksyttyjen kenkien kanssa ("The Girl and the Bootstrapper"). , hänen jopa jotain Minua veti puoleensa myös se eläintieteellinen tai puhtaasti kasvillinen viattomuus, jolla kaikki nämä uudet hahmot kiipeävät ylös, osoittaen sopeutumiskyvyn ihmeitä, kuten esimerkiksi turkisnaisten keskusteleminen näyteikkunassa. (People of Society, 1926) tai nippu Nepmeniä iltakadulla ("Nepmen", 1926). Erityisesti tunnetuimman Lebedev-sarjan "Punkkien rakkaus" (1926-1927) runollinen alku on silmiinpistävää. Mitä valloittavaa elinvoimaa hengittää miehen hahmossa, jolla on lyhyt turkki avonainen rinnassa ja tyttö, jolla on rusetti ja pullonmuotoiset jalat vedettynä korkeisiin saappaisiin, kyyrystyy penkille. Jos sarjassa "Uusi elämä" voidaan ehkä puhua myös satiirista, niin täällä se on melkein huomaamaton. Kuvassa "Ihottuma, Semjonovna, ripottele, Semjonovna!" - harrastuksen korkeus. Arkin keskellä on kuuma ja nuori tanssiva pariskunta, ja katsoja näyttää kuulevan kuinka kämmenet roiskuvat tai miehen saappaat napsahtavat irti, hän tuntee paljaan selän kiemurtelevan joustavuuden, helppouden. kumppaninsa liikkeestä. Sarjasta "Panel of Revolution" piirroksiin "Love of the punk" Lebedevin tyyli itsessään on käynyt läpi huomattavan kehityksen. Merimiehen ja tytön hahmot vuoden 1922 piirustuksessa koostuvat edelleen itsenäisistä täplistä - eri tekstuurien mustetäplistä, jotka ovat samanlaisia kuin Ironersissa, mutta yleisempiä ja tarttuvampia. "Uudessa elämässä" tähän lisättiin tarroja, jotka muuttivat piirroksen enää kollaasin jäljitelmäksi, vaan todelliseksi kollaasiksi. Kuva hallitsi konetta täysin, varsinkin kun Lebedevin itsensä mielestä hyvän piirustuksen pitäisi ensinnäkin "sopia hyvin paperille". Vuosien 1926-1927 arkeissa paperitaso kuitenkin korvattiin enenevässä määrin kuvatulla tilalla chiaroscuro- ja esinetaustallaan. Edessämme ei ole enää pilkkuja, vaan valon ja varjon asteittaisia asteikkoja. Samanaikaisesti piirustuksen liike ei koostunut "leikkauksesta ja liimaamisesta", kuten "Nep" ja "Sircus", vaan pehmeän siveltimen liukuminen tai mustan akvarellin virtaaminen. 1920-luvun puoliväliin mennessä monet muutkin piirtäjät etenivät tiellä kohti yhä vapaampaa eli kuvallista, kuten sitä yleisesti kutsutaan, piirtämistä. Mukana olivat myös N. Kupreyanov kylälaumoineen sekä L. Bruni ja N. Tyrsa. Piirustus ei enää rajoittunut yhä uusien luonteenomaisten tyyppien "ottamisen", terävän "kynän kärjestä" tarttumisen vaikutukseen, vaan ikään kuin se olisi itse ollut mukana elävässä todellisuuden virrassa kaikkine muutoksineen ja emotionaaleineen. 1920-luvun puolivälissä tämä virkistävä virtaus pyyhkäisi yli "katujen" lisäksi myös "koti"-teemojen ja jopa sellaisia perinteisiä piirustuskerroksia kuin alastomasta ihmishahmosta ateljeessa piirtämisen. Ja mikä uusi piirros se oli koko ilmapiirissään, varsinkin jos vertaamme sitä vallankumousta edeltävän vuosikymmenen askeettisesti tiukkaan piirustukseen. Jos vertaamme esimerkiksi N:n alastonmallin erinomaisia piirustuksia. Tyrsat vuodelta 1915 ja Lebedevin piirustukset 1926-1927 hämmästyttävät Lebedevin lakanoiden välittömyydestä, heidän tunteidensa vahvuudesta.

Tämä Lebedevin luonnosten välittömyys mallista sai muut taidehistorioitsijat muistamaan impressionismin tekniikat. Lebedev itse oli syvästi kiinnostunut impressionisteista. Yhdessä hänen parhaista piirustuksistaan sarjassa "Acrobat" (1926) mustalla vesivärillä kyllästetty sivellin näyttää luovan itse mallin voimakkaan liikkeen. Riittää, että taiteilija heittää vasemman käden sivuun itsevarma veto tai yksi liukuva kosketus ohjaamaan kyynärpään suunnan eteenpäin. Sarjassa "Dancer" (1927), jossa valokontrastit ovat heikentyneet, liikkuvan valon elementit herättävät myös assosiaatioita impressionismiin. "Valon läpäisevästä tilasta", kirjoittaa V. Petrov, "ikäänkuin näyssä esiintyy tanssivan hahmon ääriviivat", häntä "tuskin rajaavat vaaleat hämärtyvät mustan akvarellipilkut", kun "muoto muuttuu maalaukselliseksi massa ja sulautuu huomaamattomasti valo-ilmaympäristöön."

Sanomattakin on selvää, että tämä Lebedevin impressionismi ei ole enää sama asia kuin klassinen impressionismi. Hänen takanaan tunnet aina mestarin äskettäin suorittaman "rakentavuuden oppimisen". Sekä Lebedev että itse Leningradin piirustussuunta pysyivät omana itsenään, unohtamatta hetkeksikään rakennettua tasoa tai kuvallista tekstuuria. Todellakin, piirustuskoostumusta luodessaan taiteilija ei toistanut tilaa hahmolla, kuten Degas, vaan tätä yhtä hahmoa, ikään kuin yhdistäen sen muotonsa piirustuksen muotoon. Se leikkaa tuskin havaittavasti pois pään yläosan ja jalan kärjen, minkä vuoksi hahmo ei lepää lattialla, vaan pikemminkin on "koukussa" arkin ala- ja yläreunaan. Taiteilija pyrkii tuomaan "figuurisuunnitelman" ja kuvatason mahdollisimman lähelle. Hänen märän siveltimensä helmenveto kuuluu siis yhtäläisesti figuuriin ja tasoon. Nämä katoavat kevyet vedot, jotka välittävät sekä itse figuuria että ikään kuin kehon ympärille lämmitetyn ilman lämpöä, koetaan samanaikaisesti piirustuksen yhtenäiseksi tekstuuriksi, joka liittyy kiinalaisten mustepiirustusten vedoin ja näyttäytyy ihmiselle. silmä herkimpinä "terälehtinä", hienoksi tasoitettuna arkin pintaan. Lisäksi Lebedevin "Akrobaatit" tai "Tanssijat" on loppujen lopuksi samaa kylmää luottavaisesti taiteellista ja hieman irrallaan olevaa lähestymistapaa malliin, jonka panivat merkille sarjojen "New Life" ja "Nep" hahmot. Kaikissa näissä piirustuksissa on vahva yleistynyt klassinen perusta, joka erottaa ne niin jyrkästi Degasin luonnoksista luonteenomaisen tai arkielämän runoudellaan. Joten yhdessä loistavissa lakanoissa, jossa balerina on käännetty selkä katsojaan ja oikea jalka varpaillaan vasemman taakse (1927), hänen hahmonsa muistuttaa posliinihahmosta, jossa on penumbra ja valo liukuu pinnan yli. . N. Luninin mukaan taiteilija löysi baleriinasta "ihmiskehon täydellisen ja kehittyneen ilmentymän". "Tässä se on - tämä ohut ja plastinen organismi - se on kehitetty, ehkä hieman keinotekoisesti, mutta se on varmistettu ja tarkka liikkeessä, pystyy "kertomaan elämästä" enemmän kuin mikään muu, koska siinä on vähiten muodotonta, tekemättä, epävakaa mahdollisuus." Taiteilija ei todellakaan ollut kiinnostunut itse baletista, vaan ilmeisimmistä tavasta kertoa elämästä. Loppujen lopuksi jokainen näistä SHEETSistä on ikään kuin lyyrinen runo, joka on omistettu runollisesti arvokkaalle liikkeelle. Molemmissa sarjoissa mestarille poseerannut baleriini N. Nadezhdina auttoi häntä ilmeisesti paljon, pysähtyen noihin hänen hyvin tutkimiinsa "asemiin", joissa kehon elintärkeä plastisuus paljastui vaikuttavimmin.

Kun Lebedev valokuvattiin vuoden 1928 näyttelyssä, hänellä näytti olevan lupaava tie edessään. Useiden vuosien kova työ näyttää nostaneen hänet graafisen taiteen huipulle. Samaan aikaan sekä 1920-luvun lastenkirjoissa että Tanssijoissa saavutettiin ehkä sellainen täydellinen täydellisyyden aste, että näiltä kohdilta ei kenties ollut mitään kehitystä. Ja todellakin Lebedevin piirustus ja lisäksi Lebedevin taide saavutti täällä absoluuttisen huippunsa. Seuraavina vuosina taiteilija harjoitti erittäin aktiivisesti maalausta, paljon ja kuvitti monien vuosien ajan lastenkirjoja. Ja samaan aikaan kaikkea, mitä hän teki 1930-1950-luvuilla, ei voitu enää verrata vuosien 1922-1927 mestariteoksiin, eikä mestari tietenkään yrittänyt toistaa jäljelle jääneitä löytöjä. Lebedevin piirustukset naishahmosta jäivät erityisesti taiteilijan itsensä ulottumattomiin, mutta myös koko myöhempien vuosien taiteen ulottumattomiin. Jos myöhempi aikakausi ei voinut johtua alastonmallista piirtämisen vähenemisestä, se johtui vain siitä, ettei hän ollut kiinnostunut näistä aiheista ollenkaan. Vasta viime vuodet näyttävät olevan käännekohta tämän runollisimman ja luovimmin jaloimman piirtämisalan suhteen, ja jos näin on, niin uuden sukupolven piirtäjien joukossa V. Lebedev on kenties tarkoitettu toiseen. uutta kunniaa.

3 sääntöä hyvien lasten piirustusten luomiseen

Mitä ovat lasten kuvat

Parhaat kuvittajat

Juri Aleksejevitš Vasnetsov (1900 - 1973)

Jevgeni Mihailovich Rachev (1906-1997)

Jevgeni Ivanovitš Charushin (1901 - 1965)

Mai Petrovich Miturich (1925 - 2008)

Lev Alekseevich Tokmakov (1928 - 2010)

Vladimir Grigorievich Suteev (1903 - 1993)

Viktor Aleksandrovich Chizhikov (s. 26. syyskuuta 1935)

Tatjana Aleksejevna Mavrina (1902-1996)

Vladimir Mihailovich Konashevich (1888-1963)

Ivan Jakovlevich Bilibin (1876-1942)

Igor Oleinikov

Jevgeni Antonenkov

Vladislav Jerko

Jevgenia Gapchinskaya

Galina Zinko

Anton Lomaev

Toimittajan valinta