जापानी शास्त्रीय पेंटिंग: सबसे प्रसिद्ध नाम। होकुसाई - जापान की दुनिया

जापानी पेंटिंग विश्व कला में एक बिल्कुल अनोखी प्रवृत्ति है। यह प्राचीन काल से अस्तित्व में है, लेकिन एक परंपरा के रूप में इसने अपनी लोकप्रियता और आश्चर्य करने की क्षमता नहीं खोई है।

परंपरा का ध्यान

पूरब केवल भू-भाग, पहाड़ और ही नहीं है उगता हुआ सूरज... यह इतिहास बनाने वाले लोग भी हैं। यह वे लोग हैं जिन्होंने कई सदियों से जापानी चित्रकला की परंपरा को बनाए रखा है, अपनी कला को विकसित और बढ़ा रहे हैं। जिन्होंने जापानी कलाकारों के इतिहास में महत्वपूर्ण योगदान दिया है। उनके लिए धन्यवाद, आधुनिक लोगों ने पारंपरिक जापानी पेंटिंग के सभी कैनन को संरक्षित किया है।

पेंटिंग का तरीका

यूरोप के विपरीत, जापानी कलाकारों ने पेंटिंग की तुलना में ग्राफिक्स के करीब पेंट करना पसंद किया। इस तरह के चित्रों में, कोई भी तेल के कच्चे, लापरवाह स्ट्रोक नहीं पा सकता है जो कि प्रभाववादियों की विशेषता है। जापानी पेड़ों, चट्टानों, जानवरों और पक्षियों जैसी कला की ग्राफिक प्रकृति क्या है - इन चित्रों में सब कुछ स्पष्ट रूप से संभव के रूप में खींचा जाता है, स्याही की दृढ़ और आश्वस्त लाइनों के साथ। रचना की सभी वस्तुओं की एक रूपरेखा होनी चाहिए। एक पथ के भीतर भरना आमतौर पर वॉटरकलर के साथ किया जाता है। रंग को धोया जाता है, अन्य रंगों को जोड़ा जाता है, और कागज का रंग कहीं छोड़ दिया जाता है। सजावट पूरी तरह से जापानी चित्रों को पूरी दुनिया की कला से अलग करती है।

पेंटिंग में विरोधाभास

कंट्रास्ट जापानी कलाकारों द्वारा इस्तेमाल की जाने वाली एक और आम तकनीक है। यह गर्म और ठंडे रंगों के बीच टोन, रंग या विपरीत में अंतर हो सकता है।

जब वह विषय के कुछ तत्व को उजागर करना चाहता है तो कलाकार तकनीक का समर्थन करता है। यह एक पौधे पर एक नस, एक अलग पंखुड़ी या आकाश के खिलाफ एक पेड़ का तना हो सकता है। फिर वस्तु का हल्का, प्रकाशित भाग और उसके नीचे छाया (या इसके विपरीत) को चित्रित किया गया है।

संक्रमण और रंग योजनाएं

जापानी चित्रों को चित्रित करते समय, अक्सर संक्रमण का उपयोग किया जाता है। वे अलग हैं: उदाहरण के लिए, एक रंग से दूसरे में। पानी के लिली और peonies की पंखुड़ियों पर, आप एक प्रकाश छाया से एक अमीर, उज्ज्वल रंग में संक्रमण देख सकते हैं।

इसके अलावा, पानी की सतह, आकाश की छवि में संक्रमण का उपयोग किया जाता है। सूर्यास्त से अंधेरे तक सुगम संक्रमण, गोधूलि को गहरा करना बहुत सुंदर दिखता है। ड्राइंग क्लाउड में, वे विभिन्न रंगों और सजगता से संक्रमण का उपयोग करते हैं।

जापानी चित्रकला का मुख्य उद्देश्य

कला में, सब कुछ आपस में जुड़ा हुआ है असली जीवन, उन लोगों की भावनाओं और भावनाओं के साथ जो इसमें शामिल हैं। साहित्य, संगीत और रचनात्मकता के अन्य रूपों के साथ, चित्रकला में कई शाश्वत विषय हैं। यह ऐतिहासिक भूखंडलोगों और प्रकृति के चित्र।

जापानी परिदृश्य विविध हैं। अक्सर चित्रों में तालाबों की छवियां होती हैं - जापानी फर्नीचर का एक पसंदीदा टुकड़ा। एक सजावटी तालाब, कुछ पानी के लिली और पास में बांस - यह 17-18 शताब्दी की एक आम तस्वीर जैसा दिखता है।

जापानी चित्रकला में पशु

पशु भी एशियाई चित्रकला में एक आवर्ती तत्व हैं। परंपरागत रूप से, यह एक रेंगने वाला बाघ या एक घरेलू बिल्ली है। सामान्य तौर पर, एशियाई बहुत शौकीन होते हैं और इसलिए उनके प्रतिनिधि प्राच्य कला के सभी रूपों में पाए जाते हैं।

जापानी चित्रकला का अनुसरण एक अन्य विषय है। पक्षी - क्रेन, सजावटी तोते, शानदार मोर, निगल, असभ्य गौरैया और यहां तक \u200b\u200bकि रोस्टर - ये सभी प्राच्य स्वामी के चित्र में पाए जाते हैं।

जापानी कलाकारों के लिए मछली एक समान रूप से प्रासंगिक विषय है। कोइ कार्प्स सुनहरी मछली का जापानी संस्करण हैं। ये जीव सभी तालाबों, यहां तक \u200b\u200bकि छोटे पार्कों और उद्यानों में एशिया में रहते हैं। कोइ कार्प एक तरह की परंपरा है जो जापान से संबंधित है। ये मछली संघर्ष, दृढ़ संकल्प, अपने लक्ष्य की प्राप्ति का प्रतीक हैं। यह कुछ भी नहीं है कि उन्हें प्रवाह के साथ तैरने के रूप में चित्रित किया जाता है, हमेशा सजावटी तरंगों के साथ।

जापानी पेंटिंग: लोगों को चित्रित करना

जापानी चित्रकला में लोग एक विशेष विषय हैं। कलाकारों ने गीशा, सम्राटों, योद्धाओं और बुजुर्गों को चित्रित किया।

गीशा को फूलों से घिरा हुआ है, हमेशा कई सिलवटों और तत्वों के साथ विस्तृत वस्त्र में।

साधु बैठे हैं या अपने शिष्यों को कुछ समझा रहे हैं। पुराने वैज्ञानिक की छवि एशिया के इतिहास, संस्कृति और दर्शन का प्रतीक है।

योद्धा को कभी-कभी भयावह रूप में चित्रित किया गया था। लंबे वाले विस्तृत और तार की तरह थे।

आमतौर पर कवच के सभी विवरण स्याही से परिष्कृत होते हैं। अक्सर, नग्न योद्धाओं को एक प्राच्य ड्रैगन का चित्रण करने वाले टैटू के साथ सजाया जाता है। यह शक्ति का प्रतीक है और सेना की ताकत जापान।

शाही परिवारों के लिए शासकों को चित्रित किया गया था। सुंदर लबादे, पुरुषों के बालों में आभूषण कला के ऐसे काम क्या हैं।

परिदृश्य

पारंपरिक जापानी परिदृश्य पहाड़ है। एशियाई चित्रकारों ने विभिन्न परिदृश्यों का चित्रण करने में सफलता प्राप्त की है: वे एक ही शिखर को चित्रित कर सकते हैं विभिन्न रंगएक अलग माहौल के साथ। केवल एक चीज जो अपरिवर्तित रहती है वह है फूलों की अनिवार्य उपस्थिति। आमतौर पर, पहाड़ों के साथ, कलाकार अग्रभूमि में एक पौधे को चित्रित करता है और इसे विस्तार से बताता है। पर्वत और चेरी के फूल सुंदर लगते हैं। और अगर वे गिरती हुई पंखुड़ियों को चित्रित करते हैं, तो तस्वीर दुखद सुंदरता के लिए प्रशंसा करती है। पेंटिंग के वातावरण में विपरीत जापानी संस्कृति का एक और उल्लेखनीय गुण है।

चित्रलिपि

अक्सर जापानी चित्रकला में एक चित्र की रचना को लेखन के साथ जोड़ा जाता है। चित्रलिपि तैनात हैं ताकि वे सुंदर रूप से सुंदर दिखें। आमतौर पर वे चित्र के बाईं या दाईं ओर चित्रित किए जाते हैं। चित्रलिपि चित्र, उसके नाम या कलाकार के नाम में जो दर्शाया गया है, उसे निरूपित कर सकती है।

जापान इतिहास और संस्कृति के सबसे अमीर देशों में से एक है। पूरी दुनिया में, जापानियों को पांडित्यपूर्ण लोग माना जाता है जो जीवन के सभी अभिव्यक्तियों में सौंदर्यशास्त्र पाते हैं। इसलिए, जापानी चित्र हमेशा रंग और टोन में बहुत सामंजस्यपूर्ण होते हैं: यदि कुछ चमकीले रंग के धब्बे होते हैं, तो केवल अर्थ के केंद्र में। एशियाई कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण पर, कोई रंग के सिद्धांत का अध्ययन कर सकता है, ग्राफिक्स, रचना का उपयोग करके फ़ॉर्म का सही हस्तांतरण। जापानी चित्रों के निष्पादन की तकनीक इतनी अधिक है कि यह पानी के रंग के साथ काम करने और ग्राफिक कार्यों के "धुलाई" के उदाहरण के रूप में काम कर सकता है।

बहुत समृद्ध इतिहास है; इसकी परंपरा विशाल है, जापान में दुनिया की अनूठी स्थिति के साथ जापानी कलाकारों की प्रमुख शैलियों और तकनीकों को प्रभावित किया गया है। ज्ञात तथ्यजापान को सदियों से बहुत अलग-थलग कर दिया गया है, न केवल भूगोल के कारण, बल्कि अलगाव के लिए प्रमुख जापानी सांस्कृतिक प्रवृत्ति के कारण भी है जिसने देश के इतिहास को चिह्नित किया है। सदियों से हम जिसे "जापानी सभ्यता" कह सकते हैं, संस्कृति और कला बाकी दुनिया के लोगों से अलग विकसित हुई है। और यह जापानी चित्रकला के अभ्यास में भी ध्यान देने योग्य है। उदाहरण के लिए, निहॉन्गा पेंटिंग जापानी चित्रकला अभ्यास के मुख्य कार्यों में से हैं। यह एक हजार से अधिक वर्षों की परंपरा पर आधारित है, और पेंटिंग आमतौर पर आपके (जापानी कागज) या ईगिनू (रेशम) पर ब्रश के साथ बनाई जाती हैं।

हालाँकि, जापानी कला और चित्रकला विदेशी से प्रभावित थी कलात्मक प्रथाओं... सबसे पहले, यह 16 वीं शताब्दी में चीनी कला थी और चीनी कला और चीनी कला परंपरा, जो कई मामलों में विशेष रूप से प्रभावशाली रही है। 17 वीं शताब्दी तक, जापानी चित्रकला भी पश्चिमी परंपराओं से प्रभावित थी। विशेष रूप से, युद्ध से पहले की अवधि में, जो 1868 से 1945 तक चली, जापानी चित्रकला प्रभाववाद से प्रभावित थी और यूरोपीय रूमानियत... इसी समय, नए यूरोपीय कला आंदोलन भी जापानी से काफी प्रभावित थे कलात्मक तकनीक... कला के इतिहास में, इस प्रभाव को "जापानीवाद" कहा जाता है, और यह आधुनिकतावाद से जुड़े प्रभाववादियों, क्यूबिस्टों और कलाकारों के लिए विशेष रूप से महत्वपूर्ण है।

जापानी चित्रकला के लंबे इतिहास को कई परंपराओं के संश्लेषण के रूप में देखा जा सकता है जो एक स्थापित जापानी सौंदर्य के टुकड़े बनाते हैं। सबसे पहले, बौद्ध कला और पेंटिंग तकनीक, साथ ही साथ धार्मिक पेंटिंग, ने जापानी चित्रों के सौंदर्यशास्त्र पर एक महत्वपूर्ण छाप छोड़ी है; चीनी साहित्यिक चित्रकला की परंपरा में परिदृश्य की जल स्याही पेंटिंग - एक और महत्वपूर्ण तत्वकई प्रसिद्ध जापानी चित्रों में मान्यता प्राप्त है; जानवरों और पौधों, विशेष रूप से पक्षियों और फूलों की पेंटिंग, एक ऐसी चीज है जो आमतौर पर जापानी रचनाओं से जुड़ी होती है, जैसा कि रोजमर्रा की जिंदगी से परिदृश्य और दृश्य हैं। अंत में, दर्शन और संस्कृति से सौंदर्य के प्राचीन निरूपण का जापानी चित्रकला पर काफी प्रभाव पड़ा है। प्राचीन जापान... वबी, जिसका अर्थ है अल्पकालिक और कठोर सौंदर्य, सबी (प्राकृतिक पेटिना और उम्र बढ़ने की सुंदरता) और युगेन (गहरी कृपा और सूक्ष्मता) अभी भी जापानी चित्रकला के अभ्यास में आदर्शों को प्रभावित करते हैं।

अंत में, यदि हम दस सबसे प्रसिद्ध जापानी कृतियों के चयन पर ध्यान केंद्रित करते हैं, तो हमें ukiyo-e का उल्लेख करना चाहिए, जो जापान में कला की सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक है, भले ही यह प्रिंटमेकिंग से संबंधित हो। यह 17 वीं से 19 वीं शताब्दी तक जापानी कला पर हावी था, इस शैली से संबंधित कलाकारों के साथ लकड़ी के बने चित्र और पेंटिंग जैसे विषय थे सुंदर लड़कियां, काबुकी अभिनेताओं और सूमो पहलवानों के साथ-साथ इतिहास के दृश्य और लोक कथाएं, यात्रा के दृश्य और परिदृश्य, वनस्पति और जीव और यहां तक \u200b\u200bकि इरोटिका।

सूची बनाना हमेशा कठिन होता है सबसे अच्छी पेंटिंग का कलात्मक परंपराएं... कई अद्भुत टुकड़ों को बाहर रखा जाएगा; हालाँकि, इस सूची में दुनिया में सबसे अधिक पहचाने जाने वाले जापानी चित्रों में से दस हैं। इस लेख में, केवल 19 वीं शताब्दी से लेकर आज तक निर्मित चित्रों को प्रस्तुत किया जाएगा।

जापानी चित्रकला का एक अत्यंत समृद्ध इतिहास है। सदियों से, जापानी कलाकारों का विकास हुआ है भारी संख्या मे अद्वितीय तकनीक और शैलियाँ जो कला की दुनिया में जापान का सबसे मूल्यवान योगदान है। इनमें से एक तकनीक सुमी-ई है। सुमी-ई का शाब्दिक अर्थ है "स्याही ड्राइंग", जो ब्रश रचनाओं में दुर्लभ सुंदरता बनाने के लिए सुलेख और स्याही पेंटिंग को जोड़ती है। यह सौंदर्य विरोधाभासी है - प्राचीन लेकिन आधुनिक, सरल लेकिन जटिल, साहसिक, लेकिन अधीनस्थ, निस्संदेह झेन बौद्ध धर्म में कला के आध्यात्मिक आधार को दर्शाता है। बौद्ध पुजारी छठी शताब्दी में चीन से ठोस स्याही ब्लॉक और बांस ब्रश लाए, और पिछली 14 शताब्दियों में, जापान ने स्याही चित्रकला की एक समृद्ध विरासत विकसित की है।

नीचे स्क्रॉल करें और 10 जापानी पेंटिंग मास्टरपीस देखें

1. कटुशिका होकुसाई "मछुआरे की पत्नी का सपना"

सबसे पहचाने जाने वाले जापानी चित्रों में से एक द ड्रीम ऑफ द फिशरमैन वाइफ है। 1814 में प्रसिद्ध कलाकार होकुसाई द्वारा इसे चित्रित किया गया था। सख्त परिभाषाओं के अनुसार, यह अद्भुत टुकड़ा होकुसाई को एक पेंटिंग के रूप में नहीं माना जाना चाहिए, क्योंकि यह किनो नो कोमात्सु से यूकेओ-ई शैली का एक लकड़ी का टुकड़ा है, जो तीन-वॉल्यूम शुंग पुस्तक है। रचना में एक युवा गोताखोर, अमा, को ऑक्टोपस की एक जोड़ी के साथ यौन रूप से दर्शाया गया है। यह छवि 19 वीं और 20 वीं शताब्दी में अत्यधिक प्रभावशाली थी। काम ने अधिक प्रभावित किया बाद के कलाकारजैसे फेलिसियन रोप्स, अगस्टे रोडिन, लुइस ओकोक, फर्नांड नोपफ और पाब्लो पिकासो।

2. तेसई तोमिओका "अबे नो नाकामरो एक उदासीन कविता लिखती है, चाँद को देख रही है"

Tessai Tomioka एक प्रसिद्ध जापानी कलाकार और सुलेखक का छद्म नाम है। उन्हें बंजिंग परंपरा में अंतिम प्रमुख चित्रकार और पहले प्रमुख निहंग शैली के चित्रकारों में से एक माना जाता है। बंजिंग जापानी चित्रकला का एक स्कूल था जो खुद को साहित्यिक या बौद्धिक मानने वाले कलाकारों के बीच स्वर्गीय ईदो काल के दौरान पनपा था। इनमें से प्रत्येक कलाकार, जिसमें टेसया शामिल हैं, ने अपनी शैली और तकनीक विकसित की, लेकिन वे सभी बड़े प्रशंसक थे। चीनी कला और संस्कृति

3. फुजिशिमा टेकजी "पूर्वी सागर पर सूर्योदय"

फुजीशिमा टेकजी एक जापानी चित्रकार थीं, जिन्हें योग (पश्चिमी शैली) कला आंदोलन में स्वच्छंदतावाद और प्रभाववाद के विकास के लिए जाना जाता था। देर XIX - XX सदी की शुरुआत। 1905 में उन्होंने फ्रांस की यात्रा की, जहां वे उस समय के फ्रांसीसी आंदोलनों से प्रभावित थे, विशेष रूप से प्रभाववाद, जैसा कि उनकी 1932 की पेंटिंग सनराइज ओवर ईस्टर्न सी में देखा जा सकता है।

4. कितागावा उतामारो "दस प्रकार की महिला चेहरे, हावी सुंदरियों का संग्रह"

कितागावा उतामारो एक प्रमुख जापानी चित्रकार थे जिनका जन्म 1753 में हुआ था और उनकी मृत्यु 1806 में हुई थी। वह अब तक अपनी श्रृंखला के लिए दस प्रकार की महिला चेहरे शीर्षक से जानी जाती है। सुंदरियों, विषयों का संग्रह महान प्यार शास्त्रीय कविता "(जिसे कभी-कभी" वीमेन इन लव "कहा जाता है, जिसमें अलग-अलग उत्कीर्ण" नग्न प्रेम "और" ब्रूडिंग लव ") होते हैं। वह ukiyo-e वुडकट शैली से संबंधित सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों में से एक है।

5. कवनाबे क्योसाई "टाइगर"

कावाबे क्योसाई एदो काल के सबसे प्रसिद्ध जापानी चित्रकारों में से एक थे। उनकी कला 16 वीं शताब्दी के कानो चित्रकार तोहाकू से प्रभावित थी, जो अपने समय का एकमात्र कलाकार था, जो पूरी तरह से चूर्ण सोने की नाजुक पृष्ठभूमि पर स्याही से रंगता था। यद्यपि एक कार्टूनिस्ट के रूप में जाना जाता है, क्योसाई ने सबसे अधिक कुछ लिखा है प्रसिद्ध चित्र में जापानी इतिहास कला XIX सदी। टाइगर उन चित्रों में से एक है जिन्हें बनाने के लिए क्योसाई ने जल रंग और स्याही का इस्तेमाल किया था।

6. हिरोशी योशिदा "क्वीगुची झील के किनारे से फ़ूजी"

हिरोशी योशिदा को शिं-हँगा शैली के सबसे बड़े आंकड़ों में से एक के रूप में जाना जाता है (शिन-हँगा 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में जापान में ताइशो और शोवा काल के दौरान एक कला आंदोलन था, जिसने पारंपरिक जियो-ए-कला को पुनर्जीवित किया, जिसने लिया एदो और मीजी काल (XVII - XIX सदियों) में जड़)। उन्होंने पश्चिमी तेल चित्रकला की परंपरा का अध्ययन किया, जिसे जापान से मीजी अवधि के दौरान उधार लिया गया था।

7. तकाशी मुराकामी "727"

ताकाशी मुराकामी शायद हमारे समय के सबसे लोकप्रिय जापानी कलाकार हैं। उनका काम प्रमुख नीलामी में खगोलीय कीमतों के लिए बेचता है, और उनका काम न केवल जापान में, बल्कि विदेशों में भी कलाकारों की नई पीढ़ियों को प्रेरित कर रहा है। मुराकामी की कला में विभिन्न प्रकार के मीडिया शामिल हैं और आमतौर पर सुपर-फ्लैट के रूप में वर्णित किया गया है। उनका काम रंग के उपयोग के लिए जाना जाता है, जिसमें जापानी पारंपरिक और लोकप्रिय संस्कृति के रूपांकनों को शामिल किया गया है। उनके चित्रों की सामग्री को अक्सर "प्यारा", "साइकेडेलिक" या "व्यंग्य" के रूप में वर्णित किया जाता है।

8. ययोई कुसमा "कद्दू"

याओई कुसमा भी सबसे प्रसिद्ध जापानी महिला कलाकारों में से एक है। वह अंदर पैदा करता है विभिन्न तकनीकों, पेंटिंग, कोलाज, मूर्तिकला, प्रदर्शन, पर्यावरण कला और स्थापना सहित, जिनमें से अधिकांश साइकेडेलिक रंगों, पुनरावृत्ति और पैटर्न में उसकी विषयगत रुचि दिखाते हैं। इस महान कलाकार की सबसे प्रसिद्ध श्रृंखला में से एक कद्दू श्रृंखला है। एक चमकदार पीले रंग में पोल्का डॉट्स के साथ कवर एक नियमित कद्दू एक नेट के खिलाफ प्रस्तुत किया गया है। एक साथ लिया गया, ऐसे सभी तत्व एक दृश्य भाषा बनाते हैं, जो कलाकार की शैली से अस्वाभाविक रूप से मेल खाता है, और दशकों से श्रमसाध्य उत्पादन और प्रजनन के रूप में विकसित और परिष्कृत किया गया है।

9. टेम्योया हयाशी "जापानी आत्मा नंबर 14"

टेमीयोया हयाशी एक समकालीन जापानी कलाकार है जो अपने नव-निहॉन्गा चित्रों के लिए जाना जाता है। उन्होंने जापानी चित्रकला की पुरानी परंपरा के पुनरुद्धार में भाग लिया, जो कि है पूर्णत: विपरीत आधुनिक जापानी पेंटिंग। 2000 में, उन्होंने अपनी नई बुटौहा शैली भी बनाई, जो आधिकारिक के प्रति उनके दृढ़ रवैये को प्रदर्शित करती है कला प्रणाली उनके चित्रों के माध्यम से। "जापानी आत्मा नंबर 14" के हिस्से के रूप में बनाया गया था कलात्मक योजना "बसारा", युद्ध की अवधि के दौरान जापानी संस्कृति में निचले स्तर के लोकतंत्र के विद्रोही व्यवहार के रूप में व्याख्या की गई ताकि अवसर की शक्ति से वंचित किया जा सके सही छवि जीवन, रसीला और शानदार कपड़े पहनना और मुफ्त में अभिनय करना, जो उनके सामाजिक वर्ग के अनुरूप नहीं था।

10. कटुशिका होकुसाई "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा"

अंत में, द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा संभवतः सबसे अधिक पहचानी जाने वाली जापानी पेंटिंग है। यह वास्तव में सबसे अधिक है प्रसिद्ध काम जापान में बनाई गई कला। यह दर्शाया गया है विशाल लहरेंकनागावा प्रान्त के तट पर नावों की धमकी। हालाँकि कभी-कभी एक सुनामी के लिए गलती हो जाती है, जैसा कि नाम से पता चलता है, संभावना है कि यह असामान्य रूप से उच्च ऊंचाई है। पेंटिंग को ukiyo-e परंपरा में बनाया गया है।

क्या आपको जापानी पेंटिंग पसंद है? आप प्रसिद्ध जापानी कलाकारों के बारे में कितना जानते हैं? आइए इस लेख में आपके साथ सबसे अधिक विचार करें प्रसिद्ध कलाकार जापान जिन्होंने ukiyo-e (絵 style) शैली में अपने काम किए। चित्रकला की यह शैली ईदो काल से विकसित हुई है। चित्रलिपि जिसके साथ यह शैली लिखी गई है 絵 "शाब्दिक अर्थ है" बदलती दुनिया के चित्र (चित्र) ", आप पेंटिंग की इस दिशा के बारे में अधिक पढ़ सकते हैं

हिसिकावा मोरोनोबु ((94 師 宣, 1618-1694)। उन्हें ukiyo-e शैली का संस्थापक माना जाता है, हालांकि, वास्तव में, वह केवल पहले स्वामी हैं जिनके जीवन को संरक्षित किया गया है जीवन संबन्धित जानकारी... मोरोनोबु का जन्म सोने और चांदी के धागों के साथ कपड़े की रंगाई और कढ़ाई के एक मास्टर के परिवार में हुआ था लंबे समय के लिए एक परिवार के शिल्प में लगे हुए थे, इसलिए उनके काम की एक विशिष्ट विशेषता सुंदरियों के सुंदर ढंग से सजाए गए कपड़े हैं, जो एक अद्भुत कलात्मक प्रभाव देते हैं।

एडो में जाने के बाद, उन्होंने पहले अपने दम पर चित्रकला तकनीकों का अध्ययन किया, और फिर कलाकार कांबुन ने अपनी पढ़ाई जारी रखी।

मोरोनोबु के अधिकांश एल्बम हमारे पास आ गए हैं, जिसमें उन्होंने ऐतिहासिक और दर्शाया है साहित्यिक भूखंड और किमोनो के लिए पैटर्न के नमूनों वाली किताबें। मास्टर ने शुंगा शैली में और बीच में भी काम किया व्यक्तिगत काम करता है कई सुंदर महिलाओं का चित्रण करने से बचे हैं।

((15 清 長, 1752-1815)। 18 वीं शताब्दी के अंत में पहचाने जाने वाले, मास्टर सेकी (सेकिगुची) शिंसुके (इशिबे) ने छद्म नाम तोरी कियोनगा को बोर किया, जो उसने तब लिया जब वह यूरीओ-ए तोरिए स्कूल को तोरी कियोमित्सु से बाद की मृत्यु के बाद मिला।

कियोनगा का जन्म बुकसेलर शिराकोया इशिबेई के परिवार में हुआ था। बोली लगाने की शैली ने उन्हें सबसे बड़ी प्रसिद्धि दिलाई, हालांकि उन्होंने यक्ष-ए के साथ शुरुआत की। बोली लगाने की शैली में उत्कीर्णन के विषय रोजमर्रा की जिंदगी से लिए गए थे: सैर, उत्सव का जुलूस, प्रकृति में जाना। कलाकार के कई कामों में, श्रृंखला "हंसमुख तिमाहियों से फैशनेबल सुंदरियों की प्रतियोगिता", मिनामी को चित्रित करते हुए, दक्षिणी एदो में "हंसमुख तिमाहियों" में से एक, "दक्षिणी सुंदरियों के 12 चित्र", "10 प्रकार की चाय की दुकानें" खड़ी हैं। । विशेष फ़ीचर मास्टर पृष्ठभूमि का एक विस्तृत अध्ययन और तकनीकों का उपयोग था जो प्रकाश और अंतरिक्ष को चित्रित करने के लिए पश्चिम से आया था।

कियोनगा ने 1782 में प्रकाशक निशिमुराई योहाची के लिए 1770 के दशक में शुरू की गई श्रृंखला "मॉडल्स ऑफ फैशन: मॉडल्स न्यू इन स्प्रिंग फॉलीज" की फिर से शुरुआत के साथ अपनी प्रसिद्धि हासिल की।

(多 53 川 歌 麿, 1753-1806)। इस पर उत्कृष्ट गुरु ukiyo-e, Torii Kiyonaga और प्रकाशक Tsutaya Juzaburo से काफी प्रभावित था। उत्तरार्द्ध के साथ दीर्घकालिक सहयोग के परिणामस्वरूप, कई एल्बम, चित्रण वाली किताबें और प्रिंट की श्रृंखला प्रकाशित हुई।

इस तथ्य के बावजूद कि उतामारो ने सामान्य कारीगरों के जीवन से भूखंड लिया और प्रकृति को चित्रित करने की कोशिश की ("कीड़े की पुस्तक"), प्रसिद्धि उनके पास आई, जोशीवाड़ा तिमाही (ग्रीन हाउस के योशीवारा एल्बम) से जिशिश को समर्पित कार्यों के एक कलाकार के रूप में आई। ”)।

उतामारो पहुँचे ऊँचा स्तर अभिव्यक्ति में मनोदशा कागज पर। जापानी वुडकट में पहली बार उन्होंने बस्ट रचनाओं का उपयोग करना शुरू किया।

यह उतामारो का काम था जिसने फ्रांसीसी प्रभाववादियों को प्रभावित किया और जापानी प्रिंट में यूरोपीय हित में योगदान दिया।

(飾 49 北 斎, 1760-1849)। होकुसाई का असली नाम तोकित्रो है। संभवतः दुनिया भर में सबसे व्यापक रूप से ज्ञात ukiyo-e मास्टर। अपने पूरे काम के दौरान, उन्होंने तीस से अधिक छंदों का इस्तेमाल किया। इतिहासकार अक्सर अपने काम को पूरा करने के लिए छद्म शब्द का उपयोग करते हैं।

सबसे पहले, होकुसाई ने एक कार्वर के रूप में काम किया, जिसका काम कलाकार के इरादे तक सीमित था। यह तथ्य होकुसाई पर तौला गया, और वह खुद को एक स्वतंत्र कलाकार के रूप में देखने लगा।

1778 में, वह कटसुकावा शुनश के स्टूडियो में एक प्रशिक्षु बन गया, जो याकूब-ए प्रिंट में विशेषज्ञता रखता था। होकुसाई एक प्रतिभाशाली और मेहनती छात्र था, जो हमेशा शिक्षक के प्रति सम्मान दिखाता था, और इसलिए शुनशो के विशेष उपकार का आनंद लेता था। इस प्रकार, होकुसाई की पहली स्वतंत्र रचना यक्ष-ए शैली में डिप्टीच और ट्राइपटिक के रूप में थी, और छात्र की लोकप्रियता शिक्षक के बराबर थी। इस समय, युवा मास्टर ने पहले ही अपनी प्रतिभा को इतना विकसित कर लिया था कि उसने एक स्कूल के ढांचे के भीतर तंग महसूस किया, और शिक्षक की मृत्यु के बाद, होकुसाई ने स्टूडियो छोड़ दिया और अन्य स्कूलों के निर्देशों का अध्ययन किया: कानो, सोत्सु (अन्यथा - कोएत्सु), रिम्पा, तोसा।

इस अवधि के दौरान, कलाकार महत्वपूर्ण वित्तीय कठिनाइयों का सामना कर रहा है। लेकिन एक ही समय में, उन्हें एक ऐसे गुरु के रूप में बनाया जा रहा है, जो उस परिचित छवि को नकारता है जो समाज ने मांग की थी और वह अपनी शैली चाहता है।

1795 में, "काका एदो मुरासाकी" काव्यशास्त्रीय मानवशास्त्र के लिए चित्र प्रकाशित किए गए थे। तब होकुसाई ने सरिमोनो पेंटिंग बनाई, जो तुरंत लोकप्रियता का आनंद लेने लगी, और कई कलाकारों ने उनकी नकल करना शुरू कर दिया।

इस अवधि से, टोकिटारो ने होकुसाई के नाम के साथ अपने कामों पर हस्ताक्षर करना शुरू कर दिया, हालांकि उनके कुछ कार्यों को छद्मनाम ततसुमसा, तोकितारो, काको, सोरोबेकु के तहत प्रकाशित किया गया था।

1800 में, मास्टर ने खुद को गैकेजिन होकुसाई कहना शुरू कर दिया, जिसका अर्थ है "पेंटिंग क्रेज़ी होकुसाई।"

चित्रणों की उल्लेखनीय श्रृंखला में माउंट फ़ूजी के 36 दृश्य शामिल हैं, जिनमें से विजय पवन सबसे प्रमुख है। क्लियर डे ”या" रेड फ़ूजी "और" द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा "," माउंट फ़ूजी के 100 दृश्य ", तीन एल्बमों में रिलीज़ किया गया," मंगा होकुसाई "(北 斎 漫画), जिसे" जापानी लोगों का विश्वकोश "कहा जाता है ”। कलाकार ने रचनात्मकता, दर्शन पर अपने सभी विचारों को "मंगा" में डाल दिया है। मंगा उस समय जापान के जीवन का अध्ययन करने के लिए सबसे महत्वपूर्ण स्रोत है, क्योंकि इसमें कई सांस्कृतिक पहलू शामिल हैं। कुल मिलाकर, कलाकार के जीवन के दौरान बारह मुद्दे प्रकाशित हुए, और उनकी मृत्यु के बाद - तीन और:

* 1815 - द्वितीय, तृतीय

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (कलाकार की मृत्यु के बाद)

होकुसाई की कला ने आर्ट नोव्यू और फ्रांसीसी प्रभाववाद जैसे यूरोपीय रुझानों को प्रभावित किया है।

(-18 暁 斎, 1831 -1889)। उन्होंने कानो स्कूल में पढ़े छद्मोनियम सेइसी क्योसाई, शूरानसाई, बैगा डोजिन का इस्तेमाल किया।

होकुसाई के विपरीत, क्योसाई बल्कि चीकू था, जिसके कारण उसने कलाकार त्सुबायमा टोज़न के साथ संबंध तोड़ लिया। स्कूल के बाद वह एक स्वतंत्र मास्टर बन गए, हालांकि कभी-कभी वे एक और पाँच वर्षों के लिए इसमें शामिल होते थे। उस समय वह क्योगा को चित्रित कर रहा था, तथाकथित "पागल चित्र"।

उत्कृष्ट उत्कीर्णन के बीच, क्योसाई द्वारा एक सौ चित्रों को प्रतिष्ठित किया जाता है। एक चित्रकार के रूप में, क्योसाई अन्य कलाकारों के साथ मिलकर लघु कथाओं और उपन्यासों के लिए चित्र बनाता है।

19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, यूरोपीय अक्सर जापान का दौरा करते थे। कलाकार उनमें से कुछ से परिचित था, और उनके कई काम अब ब्रिटिश संग्रहालय में हैं।

((58 広 重, 1797-1858)। उन्होंने छद्म नाम एंडो हिरोशिगे (広 重 and) के तहत काम किया और उन्हें प्राकृतिक उद्देश्यों और प्राकृतिक घटनाओं के सूक्ष्म प्रतिपादन के लिए जाना जाता है। पहली पेंटिंग "माउंट फ़ूजी इन द स्नो", जिसे अब टोक्यो के सनटोरी संग्रहालय में रखा गया है, उन्होंने दस साल की उम्र में पेंटिंग की। भूखंडों शुरुआती काम पर आधारित थे सच्ची घटनाएँगलियों में जगह ले रहा है। उनके प्रसिद्ध चक्र: "ईदो के 100 दृश्य", "माउंट फूजी के 36 दृश्य", "टोकियो के 53 स्टेशन", "किमोकैडो के 69 स्टेशन", "100 ज्ञात प्रजातियां ईदो। " मोनेट और रूसी कलाकार बिलिबिन टोकेडो रोड के 53 स्टेशनों से बहुत प्रभावित थे, जो ईस्ट सीसाइड रोड के साथ यात्रा करने के बाद चित्रित किए गए थे, और एडो के 100 दृश्य। 25 उत्कीर्णन के कट्यो-गा की शैली में एक श्रृंखला से, सबसे प्रसिद्ध शीट "स्पैरो ऑन ए कैम्बिलिया ऑन हिम" है।

((Ut 国 貞, जिसे उटगावा खिलौनाोकुनी III (歌 歌 川) 川) के रूप में भी जाना जाता है। सबसे प्रमुख ukiyo-e कलाकारों में से एक।

भुगतान किया विशेष ध्यान काबुकी एक्टर्स और थिएटर के लिए - यह सभी कार्यों का लगभग 60% है। सूमो पहलवानों की बोली और चित्रों की शैली में भी काम किया जाता है। यह ज्ञात है कि उन्होंने 20 से 25 हजार भूखंडों का निर्माण किया, जिसमें 35-40 हजार पत्रक शामिल थे। वह शायद ही कभी परिदृश्य और योद्धाओं में बदल गया। उटगावा कुनियोशी (oshi 川 芳 17, 1798 - 1861)। एक रेशम डायर के परिवार में पैदा हुए। कुनियोशी ने अपने परिवार में कलाकार कुनिनियो के साथ रहते हुए दस साल की उम्र में ड्राइंग का अध्ययन शुरू किया। फिर उन्होंने कट्सुकावा शुनेयी के साथ अध्ययन करना जारी रखा, और 13 साल की उम्र में उन्होंने टोकुनी कार्यशाला में प्रवेश किया। युवा कलाकार के पहले साल ठीक नहीं चल रहे हैं। लेकिन श्रृंखला 108 Suikoden नायकों के लिए पांच प्रिंटों के लिए प्रकाशक कागाया किबेई से एक आदेश प्राप्त करने के बाद, चीजें बढ़ गईं। वह इस श्रृंखला के बाकी पात्रों को बनाता है, और फिर अन्य विभिन्न कार्यों के लिए आगे बढ़ता है, और पंद्रह वर्षों के बाद वह उटगावा हिरोशिगे और उटगावा कुनिसाडा के बराबर हो जाता है।

छवियों पर 1842 के प्रतिबंध के बाद थिएटर के दृश्य, अभिनेता, गीशा और सौजन्य कुनियुशी ने अपनी "कैट" श्रृंखला लिखी है, जो गृहिणियों और बच्चों के लिए एक शैक्षिक श्रृंखला से चित्रण करती है, दर्शाती है राष्ट्रीय नायक श्रृंखला में "परंपरा, नैतिकता और देवता", और 1840 के दशक के अंत तक - 1850 के दशक की शुरुआत में, निषेध के कमजोर पड़ने के बाद, कलाकार काबुकी के विषय में लौट आया।

(斎 48 英 泉, 1790-1848)। बोली लगाने की शैली में उनके कार्यों के लिए जाना जाता है। उनके सबसे अच्छे कामों में ओकुबी-ई ("बड़े सिर") जैसे पोर्ट्रेट शामिल हैं, जिन्हें बंसी युग (1818-1830) की कला का उदाहरण माना जाता है, जब ukiyo-e शैली गिरावट में थी। कलाकार ने कई गीतात्मक और कामुक सुरिमोनो को चित्रित किया, साथ ही साथ परिदृश्यों का चक्र "किसोकेडो के उनतीस स्टेशन", जिसे वह पूरा नहीं कर सका, और इसे हिरोशिगे ने पूरा किया।

बिंगा चित्रण में नवीनता एक कामुकता में थी जो अन्य कलाकारों ने पहले कभी नहीं की थी। उनके कामों से हम उस समय के फैशन को समझ सकते हैं। उन्होंने द फोर्टी-सेवन रोनिन की आत्मकथाएँ भी प्रकाशित कीं और कई अन्य पुस्तकें भी लिखीं, जिनमें ए हिस्ट्री ऑफ उकियॉ-ए प्रिन्ट्स (उक्यो-ए रुइको) शामिल है जिसमें कलाकार आत्मकथाएँ शामिल हैं। और "नोट्स ऑफ अलेसर्ड एल्डर" में उन्होंने खुद को एक शराबी शराबी के रूप में वर्णित किया और भूतपूर्व मालिक नेडज़ू में एक वेश्यालय, जो 1830 के दशक में जल गया।

सुजुकी हारुनोबु (鈴木 春 17, 1724-1770)। कलाकार का असली नाम होज़ुमी जिरोबी है। वह ukiyo-e पॉलीक्रोम प्रिंटिंग के खोजकर्ता हैं। उन्होंने कानो स्कूल में अध्ययन किया और चित्रकला का अध्ययन किया। फिर, Shigenaga Nishimura और Torii Kiyomitsu के प्रभाव में, वुडकट उनके शौक बन गए। 18 वीं शताब्दी के शुरुआती दिनों से दो या तीन रंगों में उत्कीर्णन किया गया है, और हारुनोबु ने दस रंगों में पेंटिंग शुरू की, तीन बोर्डों का उपयोग किया और तीन रंगों - पीला, नीला और लाल का संयोजन किया।

उन्होंने शुंग शैली में सड़क दृश्यों और चित्रों की छवि में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया। और 1760 के दशक से वह पहले लोगों में से एक थे जिन्होंने काबुकी थिएटर के अभिनेताओं को चित्रित करना शुरू किया। उनके काम ने ई। मानेट और ई। देगास को प्रभावित किया।

(原) 古邨, 1877 - 1945)। उनका असली नाम माताओ ओहरा है। उन्होंने रूसी-जापानी और चीन-जापानी युद्धों के दृश्यों को चित्रित किया। हालांकि, फोटोग्राफी की उपस्थिति के बाद, उनका काम खराब रूप से बेच दिया गया, और उन्होंने स्कूल में एक जीवित शिक्षण बनाना शुरू किया। ललित कला टोक्यो में। 1926 में अर्नेस्ट फेलोज़ा, विभाग के क्यूरेटर जापानी कला बोस्टन संग्रहालय में, ओहारा को पेंटिंग में लौटने के लिए राजी किया, और कलाकार ने पक्षियों और फूलों को चित्रित करना शुरू कर दिया, और उनका काम विदेशों में अच्छी तरह से बेच दिया गया।

(若। 冲, 1716 - 1800)। वह अपनी विलक्षणता और जीवन शैली के लिए अन्य कलाकारों के बीच में खड़ा था, जिसमें उस समय की कई सांस्कृतिक और धार्मिक हस्तियों के साथ दोस्ती थी। उन्होंने बहुत ही आकर्षक तरीके से जानवरों, फूलों और पक्षियों को चित्रित किया। वह बहुत प्रसिद्ध थे और स्क्रीन और मंदिर की पेंटिंग बनाने के लिए ऑर्डर लेते थे।

(居 29 清 信, 1664-1729)। सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधियों में से एक शुरुआती समय ukiyo- ई। अपने शिक्षक हिसिकावा मोनोरोबु के महान प्रभाव के बावजूद, वह पोस्टर और पोस्टरों की छवि में यकुशा-ए शैली के संस्थापक बने और अपनी खुद की शैली का आविष्कार किया। अभिनेताओं को विशेष पोज़ में चित्रित किया गया था बहादुर वीरों और में चित्रित किया गया
महान नारंगी रंगऔर खलनायक अंदर खींचे गए नीले फूल... जुनून को चित्रित करने के लिए, कलाकार ने एक विशेष प्रकार की मिमिज़ुगाकी ड्राइंग का आविष्कार किया - ये बारी-बारी से पतली और मोटी स्ट्रोक के साथ घुमावदार रेखाएं हैं और अंगों की मांसपेशियों के एक ग्रोस्केट छवि के साथ संयोजन करते हैं।

Torii Kiyonobu चित्रकारों के Torii राजवंश के संस्थापक हैं। उनके छात्र तोरी कियोमासु, तोरी कियोसिज प्रथम, तोरी कियोमित्सु थे।

आपका पसंदीदा ukiyo-e कलाकार कौन है?

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जापान की मोनोक्रोम पेंटिंग पूर्व की कला की अनूठी घटनाओं में से एक है। बहुत सारे काम और अध्ययन इसके लिए समर्पित किए गए हैं, लेकिन अक्सर इसे बहुत ही सशर्त चीज़ के रूप में माना जाता है, और कभी-कभी सजावटी भी। ऐसा नहीं है। जापानी कलाकार की आध्यात्मिक दुनिया बहुत समृद्ध है, और वह सौंदर्य घटक के बारे में इतना ध्यान नहीं रखती है जितना कि आध्यात्मिक के बारे में। पूर्व की कला बाहरी और आंतरिक, स्पष्ट और अंतर्निहित का एक संश्लेषण है।

इस पोस्ट में मैं मोनोक्रोम पेंटिंग के इतिहास पर नहीं, बल्कि इसके सार पर ध्यान देना चाहूंगा। इस पर चर्चा की जाएगी।

स्क्रीन "पाइंस" हसेगावा तोहाकु, 1593

मोनोक्रोम चित्रों में हम जो देखते हैं, वह कलाकार के पाइन ट्रायड के साथ बातचीत का परिणाम है: कागज, ब्रश, स्याही। इसलिए, काम को सही ढंग से समझने के लिए, कलाकार को स्वयं और उसके दृष्टिकोण को समझना चाहिए।

"लैंडस्केप" सेशु, 1398

कागज़ एक जापानी मास्टर के लिए, यह सिर्फ एक कामचलाऊ सामग्री नहीं है जिसे वह अपने फुफकार के अधीन करता है, बल्कि इसके विपरीत - यह एक "भाई" है, और इसलिए उसके अनुसार रवैया विकसित हुआ है। पेपर आस-पास की प्रकृति का एक हिस्सा है, जिसे जापानियों ने हमेशा तन्हाई के साथ व्यवहार किया है और खुद को वश में करने की कोशिश नहीं की है, बल्कि शांति से उसके साथ मिलकर काम करने की कोशिश की है। कागज अतीत में एक पेड़ है जो एक निश्चित क्षेत्र में खड़ा था, एक निश्चित समय के लिए, इसके चारों ओर कुछ "देखा", और यह यह सब संग्रहीत करता है। यह एक जापानी कलाकार सामग्री को मानता है। काम शुरू करने से पहले, शिल्पकार अक्सर देखते थे स्पष्ट पत्र (इस पर विचार किया) और उसके बाद ही उन्होंने पेंटिंग शुरू की। अब भी, समकालीन जापानी कलाकार जो निहोन-गा तकनीक (पारंपरिक जापानी पेंटिंग) का अभ्यास करते हैं, सावधानी से कागज का चयन करते हैं। वे इसे पेपर मिलों से ऑर्डर करने के लिए खरीदते हैं। एक निश्चित मोटाई, नमी की पारगम्यता और बनावट के कई कलाकारों के लिए (कई कलाकार कारखाने के मालिक के साथ भी इस पेपर को अन्य कलाकारों को नहीं बेचने का करार करते हैं) - इसलिए, प्रत्येक पेंटिंग को कुछ अनोखा और जीवित माना जाता है।

"बम्बू ग्रोव में पढ़ना" साइबुन, 1446।

इस सामग्री के महत्व के बारे में बोलते हुए, यह जापानी साहित्य के ऐसे प्रसिद्ध स्मारकों का उल्लेख करने के लायक है, जिन्हें मुरीसाकी शिबिउ द्वारा "शिओगॉन" और "जिंजी मोनोगोटरी" द्वारा "हेडबोर्ड में नोट्स": "नोट्स" और "जिंजी" दोनों में आप प्लॉट पा सकते हैं। जब दरबारी या प्रेमी संदेशों का आदान-प्रदान करते हैं ... जिस कागज पर ये संदेश लिखे गए थे, वह उपयुक्त मौसम, छाया और पाठ लिखने के तरीके की बनावट के अनुरूप था।

"मुरासाकी शिकिबु इशीयामा श्राइन में" क्योसन द्वारा

ब्रश - दूसरा घटक मास्टर के हाथ की निरंतरता है (फिर से, यह है प्राकृतिक सामग्री) का है। इसलिए, ब्रश को ऑर्डर करने के लिए भी बनाया गया था, लेकिन ज्यादातर कलाकार खुद से। उन्होंने आवश्यक लंबाई के बाल उठाए, ब्रश के आकार और सबसे आरामदायक पकड़ को चुना। गुरु केवल अपने ब्रश से लिखता है और दूसरा नहीं। (का निजी अनुभव: चीनी कलाकार जियांग शिलुन के मास्टर वर्ग में था, दर्शकों से यह दिखाने के लिए कहा गया था कि मास्टर क्लास में मौजूद उनके छात्र क्या कर सकते हैं, और उनमें से प्रत्येक ने मास्टर ब्रश उठाते हुए कहा कि यह काम नहीं करेगा। उन्हें क्या उम्मीद थी, चूंकि ब्रश उनका नहीं था, इसलिए वे इसके अभ्यस्त नहीं हैं और यह नहीं जानते कि इसका सही उपयोग कैसे किया जाए)।

कटुशिका होकुसाई द्वारा "फ़ूजी" इंक स्केच

काजल तीसरा महत्वपूर्ण तत्व है। काजल विभिन्न प्रकार के होते हैं: सूखने के बाद, यह एक चमकदार या मैट प्रभाव दे सकता है, इसे चांदी या गेरू रंगों के साथ मिलाया जा सकता है, इसलिए काजल का सही विकल्प भी महत्वहीन नहीं है।

यमामोटो बेत्सु, xVIII अंत - XIX सदी।

मोनोक्रोम पेंटिंग के मुख्य विषय परिदृश्य हैं। उनमें कोई रंग क्यों नहीं है?

जुड़वां स्क्रीन "पाइंस", हसेगावा तोहाकू

सबसे पहले, जापानी कलाकार को स्वयं वस्तु में कोई दिलचस्पी नहीं है, लेकिन इसके सार में, एक निश्चित घटक जो सभी जीवित चीजों के लिए सामान्य है और मनुष्य और प्रकृति के बीच सद्भाव की ओर जाता है। इसलिए, छवि हमेशा एक संकेत है, यह हमारी इंद्रियों को संबोधित है, न कि देखने के लिए। अंडरस्टैमेंट संवाद के लिए एक उत्तेजना है, जिसका अर्थ है कनेक्शन। छवि में लाइनें और स्पॉट महत्वपूर्ण हैं - वे बनाते हैं कलात्मक भाषा... यह मास्टर की स्वतंत्रता नहीं है, जिसने एक मोटा निशान छोड़ दिया, जहां वह चाहता था, लेकिन दूसरी जगह, इसके विपरीत, पेंट नहीं किया - चित्र में सब कुछ का अपना अर्थ और अर्थ है, और एक यादृच्छिक चरित्र को सहन नहीं करता है।

दूसरे, रंग हमेशा किसी प्रकार के भावनात्मक रंग को वहन करता है और अलग-अलग राज्यों में अलग-अलग लोगों द्वारा अलग-अलग माना जाता है, इसलिए, भावनात्मक तटस्थता दर्शक को धारणा, चिंतन, विचार के लिए सबसे अधिक संवाद में प्रवेश करने की अनुमति देती है।

तीसरा, यह यिन और यांग की बातचीत है, किसी भी मोनोक्रोम पेंटिंग स्याही और कागज के अछूते क्षेत्र के अनुपात के संदर्भ में सामंजस्यपूर्ण है।

क्यों के सबसे पेपर स्पेस का उपयोग नहीं किया जाता है?

"लैंडस्केप" साइबुन, 15 वीं शताब्दी के मध्य में।

सबसे पहले, खाली स्थान दर्शक को छवि में डुबो देता है; दूसरी बात, छवि बनाई जाती है जैसे कि यह क्षण भर में सतह पर आ गई है और गायब होने वाली है - यह विश्वदृष्टि और विश्वदृष्टि के कारण है; तीसरा, उन क्षेत्रों में जहां स्याही नहीं है, कागज की बनावट और छाया सामने आती है (यह हमेशा प्रजनन पर दिखाई नहीं देता है, लेकिन वास्तव में यह हमेशा दो सामग्रियों - कागज और स्याही की बातचीत है)।

सेशु, 1446

क्यों परिदृश्य?

जॉर्जियाई, 1478 द्वारा "फॉल्स की चर्चा"।

जापानी विश्वदृष्टि के अनुसार, प्रकृति मनुष्य की तुलना में अधिक परिपूर्ण है, इसलिए उसे इससे सीखना चाहिए, हर संभव तरीके से इसका ध्यान रखना चाहिए, और इसे नष्ट या नष्ट नहीं करना चाहिए। इसलिए, कई परिदृश्यों में आप लोगों की छोटी छवियां देख सकते हैं, लेकिन वे हमेशा महत्वहीन होते हैं, परिदृश्य के संबंध में छोटे होते हैं, या झोपड़ियों की छवियां जो आसपास के स्थान पर अंकित होती हैं और हमेशा दिखाई नहीं देती हैं - ये सभी प्रतीक हैं विश्वदृष्टि।

"सीज़न्स: ऑटम एंड विंटर" सेशु। "लैंडस्केप" सेशु, 1481

अंत में, मैं कहना चाहता हूं कि मोनोक्रोम जापानी पेंटिंग स्याही से छींटे नहीं है, यह कलाकार के आंतरिक अहंकार का एक हिस्सा नहीं है - यह पूरा सिस्टम छवियों और प्रतीकों, यह दार्शनिक विचार का भंडार है, और सबसे महत्वपूर्ण बात, अपने आप को और हमारे आसपास की दुनिया के संचार और सामंजस्य का एक तरीका है।

यहाँ, मुझे लगता है कि, मोनोक्रोम का सामना करने पर दर्शक के सामने आने वाले मुख्य प्रश्नों के उत्तर हैं जापानी पेंटिंग... मुझे आशा है कि वे इसे सही ढंग से समझने में मदद करेंगे और मिलने पर इसे महसूस करेंगे।

प्रत्येक देश की समकालीन कला के अपने नायक हैं, जिनके नाम सुप्रसिद्ध हैं, जिनकी प्रदर्शनियों में प्रशंसकों और उत्सुक लोगों की भीड़ जमा होती है, और जिनके काम निजी संग्रह में बिखरे हुए हैं।

इस लेख में, हम आपको सबसे लोकप्रिय से मिलवाएंगे समकालीन कलाकार जापान।

कीको तानबे

क्योटो में जन्मी केइको ने एक बच्चे के रूप में कई कला प्रतियोगिताएं जीतीं, लेकिन उन्होंने कला में स्नातक नहीं किया। विभाग में काम किया अंतरराष्ट्रीय संबंध टोक्यो में जापानी स्व-सरकारी व्यापार संगठन में एक बड़े पैमाने पर कानून फर्म सैन फ्रांसिस्को में और सैन डिएगो में एक निजी परामर्श फर्म में बड़े पैमाने पर यात्रा की। उसने 2003 में अपनी नौकरी छोड़ दी और सैन डिएगो में वॉटरकलर पेंटिंग की मूल बातें सीख लीं, खुद को विशेष रूप से कला के लिए समर्पित कर दिया।

इकेनागा यासुनरी

जापानी कलाकार इकेनागा यसुनारी चित्र चित्रित करते हैं आधुनिक महिलाएं प्राचीन में जापानी परंपरा आधार के रूप में मेंसो ब्रश, खनिज रंजक, कार्बन ब्लैक, स्याही और लिनन का उपयोग करके पेंटिंग। उनके पात्र हमारे समय की महिलाएं हैं, लेकिन निहॉन्गा शैली के लिए धन्यवाद, किसी को यह महसूस होता है कि वे पुराने समय से हमारे पास आए थे।

अबे तोषियुकी

आबे तोशीयुकी एक यथार्थवादी कलाकार हैं जिन्हें पूरी तरह से महारत हासिल है वॉटरकलर तकनीक... अबे को एक कलाकार-दार्शनिक कहा जा सकता है: वह मूल रूप से प्रसिद्ध स्थलों को चित्रित नहीं करते हैं, व्यक्तिपरक रचनाओं को पसंद करते हैं आंतरिक स्थिति वह व्यक्ति जो उन्हें देख रहा है।

हिरोको सकई

एक कलाकार के रूप में हिरोको सकाई का करियर फुकुओका शहर में 90 के दशक की शुरुआत में शुरू हुआ। सीनन गाकुइन विश्वविद्यालय और निहोन फ्रेंच स्कूल ऑफ़ इंटीरियर डिज़ाइन इन डिज़ाइन एंड विज़ुअलाइज़ेशन से स्नातक होने के बाद, उन्होंने एटेलियर यूम-त्सुमुगी लिमिटेड की स्थापना की। और इस स्टूडियो को सफलतापूर्वक 5 वर्षों के लिए प्रबंधित किया। उनके कई काम जापान में अस्पतालों, बड़े निगमों और कुछ नगरपालिका भवनों के लॉबी को सजाते हैं। संयुक्त राज्य अमेरिका जाने के बाद, हिरोको तेलों में पेंट करना शुरू किया।

रियासुके फुकाहोरी

Riusuki Fukahori का त्रि-आयामी कार्य होलोग्राम की तरह है। उन्हें अंजाम दिया जाता है एक्रिलिक पेंट, कई परतों में आरोपित, और राल का एक पारदर्शी तरल - यह सब, पारंपरिक तरीकों जैसे कि छाया को छोड़कर, किनारों को नरम करना, पारदर्शिता को नियंत्रित नहीं करना, Riusuki को मूर्तिकला चित्रों को बनाने की अनुमति देता है और उनके कार्यों को गहराई और यथार्थवाद देता है।

नत्सुकी ओटानी

नात्सुकी ओटानी इंग्लैंड में रहने और काम करने वाले प्रतिभाशाली जापानी चित्रकार हैं।

मकोतो मुरामत्सु

Makoto मुरामात्सु ने अपनी रचनात्मकता के लिए आधार चुना विन-विन थीम - वह बिल्लियों को आकर्षित करता है। उनकी तस्वीरें दुनिया भर में लोकप्रिय हैं, खासकर पहेली के रूप में।

ततसुया मिशिमा

समकालीन जापानी कलाकार मिशिमा की अधिकांश पेंटिंग तेल में बनी हैं। वह पेशेवर रूप से 90 के दशक से पेंटिंग में लगी हुई है, उसके पास कई एकल प्रदर्शनियां हैं और बड़ी संख्या में सामूहिक प्रदर्शनियां हैं, दोनों जापानी और विदेशी।