जापानी पेंटिंग। समकालीन जापानी पेंटिंग

जापान की मोनोक्रोम पेंटिंग पूर्व की कला की अनूठी घटनाओं में से एक है। इसके लिए बहुत सारे काम और शोध समर्पित किए गए हैं, लेकिन इसे अक्सर एक बहुत ही सशर्त चीज़ के रूप में माना जाता है, और कभी-कभी सजावटी भी। ऐसा नहीं है।जापानी कलाकार की आध्यात्मिक दुनिया बहुत समृद्ध है, और वह सौंदर्य घटक के बारे में इतना अधिक परवाह नहीं करता है जितना कि आध्यात्मिक के बारे में। पूर्व की कला बाहरी और आंतरिक, स्पष्ट और निहित का संश्लेषण है।

इस पोस्ट में मैं मोनोक्रोम पेंटिंग के इतिहास पर नहीं, बल्कि इसके सार पर ध्यान देना चाहूंगा। इसी पर चर्चा की जाएगी।

स्क्रीन "पाइंस" हसेगावा तोहाकू, 1593।

मोनोक्रोम पेंटिंग में हम जो देखते हैं वह पाइन ट्रायड के साथ कलाकार की बातचीत का परिणाम है: कागज, ब्रश, स्याही। इसलिए, काम को सही ढंग से समझने के लिए, कलाकार को खुद और उसके दृष्टिकोण को समझना चाहिए।

"लैंडस्केप" सेशु, 1398।

कागज़एक जापानी गुरु के लिए आसान नहीं आसान सामग्री, जिसे वह अपनी सनक के अधीन कर लेता है, बल्कि इसके विपरीत एक "भाई" है, इसलिए, उसके प्रति दृष्टिकोण उसी के अनुसार विकसित हुआ है। कागज आसपास की प्रकृति का एक हिस्सा है, जिसके साथ जापानियों ने हमेशा घबराहट के साथ व्यवहार किया है और खुद को वश में करने की कोशिश नहीं की है, बल्कि इसके साथ शांतिपूर्वक सह-अस्तित्व में रहने की कोशिश की है। कागज अतीत में एक पेड़ है जो एक निश्चित क्षेत्र में खड़ा होता है, कुछ समय, उसके चारों ओर कुछ "देखा", और वह सब कुछ रखती है। इस तरह एक जापानी कलाकार सामग्री को समझता है। अक्सर, काम शुरू करने से पहले, स्वामी लंबे समय तक एक खाली शीट को देखते थे (इस पर विचार करते थे) और उसके बाद ही पेंटिंग शुरू करते थे। अब भी, समकालीन जापानी कलाकार जो निहोन-गा तकनीक (पारंपरिक जापानी पेंटिंग) का अभ्यास करते हैं, कागज को ध्यान से चुनते हैं। वे इसे पेपर मिलों से ऑर्डर करने के लिए खरीदते हैं। एक निश्चित मोटाई, नमी पारगम्यता और बनावट के प्रत्येक कलाकार के लिए (कई कलाकार कारखाने के मालिक के साथ इस कागज को अन्य कलाकारों को नहीं बेचने के लिए एक समझौता भी करते हैं) - इसलिए, प्रत्येक पेंटिंग को कुछ अद्वितीय और जीवंत माना जाता है।

"बांस ग्रोव में पढ़ना" स्यूबुन, 1446।

इस सामग्री के महत्व के बारे में बोलते हुए, यह जापानी साहित्य के ऐसे प्रसिद्ध स्मारकों को सेई शोनागन द्वारा "नोट्स एट द हेडबोर्ड" और मुरासाकी शिकिबू द्वारा "जेनजी मोनोगोटारी" के रूप में उल्लेख करने योग्य है: "नोट्स" और "जेनजी" दोनों में आप कर सकते हैं जब दरबारियों या प्रेमी संदेशों का आदान-प्रदान करते हैं तो भूखंड खोजें ... जिस कागज पर ये संदेश लिखे गए थे, वह उपयुक्त मौसम, छाया और पाठ लिखने का तरीका इसकी बनावट के अनुरूप था।

क्योशेनो द्वारा "इशियामा श्राइन में मुरासाकी शिकिबू"

ब्रश- दूसरा घटक गुरु के हाथ की निरंतरता है (फिर से, यह है प्राकृतिक सामग्री) इसलिए, ब्रश भी ऑर्डर करने के लिए बनाए गए थे, लेकिन अक्सर कलाकार द्वारा स्वयं। उसने आवश्यक लंबाई के बाल उठाए, ब्रश का आकार और सबसे आरामदायक पकड़ चुना। गुरु केवल अपने ब्रश से लिखता है और कोई नहीं। (से निजी अनुभव: मैं चीनी कलाकार जियांग शिलुन के मास्टर क्लास में था, दर्शकों को यह दिखाने के लिए कहा गया था कि मास्टर क्लास में मौजूद उनके छात्र क्या करने में सक्षम थे, और उनमें से प्रत्येक ने मास्टर का ब्रश उठाते हुए कहा कि यह होगा उनकी अपेक्षा के अनुरूप काम न करें, क्योंकि ब्रश उनका नहीं है, वे इसके अभ्यस्त नहीं हैं और यह नहीं जानते कि इसे सही तरीके से कैसे उपयोग किया जाए)।

कत्सुशिका होकुसाई द्वारा "फ़ूजी" स्याही स्केच

काजल- तीसरा महत्वपूर्ण तत्व... काजल होता है विभिन्न प्रकार: सुखाने के बाद, यह एक चमकदार या मैट प्रभाव दे सकता है, इसे चांदी या गेरू रंगों के साथ मिलाया जा सकता है, इसलिए काजल का सही विकल्प भी महत्वहीन नहीं है।

यामामोटो बायत्सु, XVIII के अंत- XIX सदी।

मोनोक्रोम पेंटिंग के मुख्य विषय परिदृश्य हैं। उनमें कोई रंग क्यों नहीं है?

ट्विन स्क्रीन "पाइंस", हसेगावा तोहाकु

सबसे पहले, जापानी कलाकार को स्वयं वस्तु में दिलचस्पी नहीं है, लेकिन इसके सार में, एक निश्चित घटक जो सभी जीवित चीजों के लिए सामान्य है और मनुष्य और प्रकृति के बीच सामंजस्य स्थापित करता है। इसलिए, छवि हमेशा एक संकेत है, यह हमारी इंद्रियों को संबोधित है, न कि देखने के लिए। अंडरस्टेटमेंट संवाद के लिए एक प्रोत्साहन है, जिसका अर्थ है संबंध। छवि में रेखाएं और धब्बे महत्वपूर्ण हैं - वे बनते हैं कलात्मक भाषा... यह उस स्वामी की स्वतंत्रता नहीं है, जिसने अपनी इच्छा के अनुसार एक मोटा निशान छोड़ा, लेकिन दूसरी जगह, इसके विपरीत, इसे चित्रित नहीं किया - चित्र में हर चीज का अपना अर्थ और महत्व है, और एक यादृच्छिक चरित्र नहीं है .

दूसरे, रंग हमेशा किसी न किसी तरह का भावनात्मक अर्थ रखता है और इसे अलग तरह से माना जाता है। अलग-अलग लोगों द्वाराविभिन्न राज्यों में, इसलिए, भावनात्मक तटस्थता दर्शकों को एक संवाद में पर्याप्त रूप से प्रवेश करने, उसे धारणा, चिंतन, विचार के लिए निपटाने की अनुमति देती है।

तीसरा, यह यिन और यांग की परस्पर क्रिया है, कोई भी मोनोक्रोम पेंटिंग स्याही के अनुपात और उसमें कागज के अछूते क्षेत्र के संदर्भ में सामंजस्यपूर्ण है।

अधिकांश पेपर स्पेस अप्रयुक्त क्यों है?

"लैंडस्केप" सिबुन, 15 वीं शताब्दी के मध्य में।

सबसे पहले, खाली स्थान दर्शक को छवि में डुबो देता है; दूसरे, छवि इस तरह बनाई जाती है जैसे कि यह क्षण भर के लिए सतह पर तैर गई हो और गायब होने वाली हो - यह विश्वदृष्टि और विश्वदृष्टि के कारण है; तीसरा, उन क्षेत्रों में जहां स्याही नहीं होती है, कागज की बनावट और छाया सामने आती है (यह हमेशा प्रतिकृतियों पर दिखाई नहीं देता है, लेकिन वास्तव में यह हमेशा दो सामग्रियों - कागज और स्याही की परस्पर क्रिया होती है)।

सेशु, 1446

परिदृश्य क्यों?

जियामी, 1478 द्वारा "फॉल्स का चिंतन"।

जापानी विश्वदृष्टि के अनुसार, प्रकृति मनुष्य की तुलना में अधिक परिपूर्ण है, इसलिए उसे इससे सीखना चाहिए, हर संभव तरीके से इसकी देखभाल करनी चाहिए और इसे नष्ट या अपने अधीन नहीं करना चाहिए। इसलिए, कई परिदृश्यों में आप लोगों की छोटी छवियां देख सकते हैं, लेकिन वे हमेशा महत्वहीन होते हैं, परिदृश्य के संबंध में छोटे होते हैं, या झोपड़ियों की छवियां जो आसपास के स्थान में खुदी होती हैं और हमेशा ध्यान देने योग्य भी नहीं होती हैं - ये सभी प्रतीक हैं विश्वदृष्टि।

"मौसम: शरद ऋतु और सर्दी" सेशु। "लैंडस्केप" सेशु, 1481

अंत में, मैं यह कहना चाहता हूं कि मोनोक्रोम जापानी पेंटिंग बेतरतीब ढंग से छपी हुई स्याही नहीं है, यह कलाकार के आंतरिक अहंकार की सनक नहीं है - यह है पूरा सिस्टमछवियों और प्रतीकों, यह दार्शनिक विचार का भंडार है, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि संचार का एक तरीका और हमारे और हमारे आसपास की दुनिया का सामंजस्य।

यहाँ, मुझे लगता है, मुख्य प्रश्नों के उत्तर हैं जो मोनोक्रोम जापानी पेंटिंग का सामना करते समय दर्शकों के मन में उठते हैं। मुझे आशा है कि वे आपको इसे सबसे सही ढंग से समझने और मिलने पर इसे समझने में मदद करेंगे।

जापानी शास्त्रीय चित्रकलाएक लंबा और है दिलचस्प कहानी... जापान की ललित कलाओं का प्रतिनिधित्व किया जाता है भिन्न शैलीऔर शैलियों, जिनमें से प्रत्येक अपने तरीके से अद्वितीय है। कांस्य डोटाकू घंटियों और मिट्टी के बर्तनों पर पाए गए प्राचीन चित्रित मूर्तियों और ज्यामितीय रूपांकनों की तारीख 300 ईस्वी पूर्व की है।

बौद्ध कला अभिविन्यास

जापान में, दीवार पेंटिंग की कला काफी विकसित थी, छठी शताब्दी में, बौद्ध धर्म के दर्शन के विषय पर चित्र विशेष रूप से लोकप्रिय थे। उस समय, देश में बड़े मंदिर बन रहे थे, और उनकी दीवारों को हर जगह बौद्ध मिथकों और किंवदंतियों के विषयों पर चित्रित भित्तिचित्रों से सजाया गया था। अब तक, जापानी शहर नारा के पास होरीयूजी मंदिर में दीवार चित्रों के प्राचीन उदाहरण संरक्षित किए गए हैं। होरीयूजी के भित्ति चित्र बुद्ध और अन्य देवताओं के जीवन के दृश्यों को दर्शाते हैं। इन भित्ति चित्रों की कलात्मक शैली सांग राजवंश चीन में लोकप्रिय चित्रात्मक अवधारणा के बहुत करीब है।

तांग राजवंश की चित्रकला शैली ने नारा काल के मध्य में विशेष लोकप्रियता हासिल की। ताकामात्सुका मकबरे में पाए गए भित्तिचित्र इस अवधि के हैं, जो लगभग 7 वीं शताब्दी ईस्वी पूर्व के हैं। तांग राजवंश के प्रभाव में गठित कलात्मक तकनीक ने बाद में करा-ए की पेंटिंग शैली का आधार बनाया। यह शैली तब तक लोकप्रिय रही जब तक कि यमातो-ए शैली में पहली रचनाएँ सामने नहीं आईं। अधिकांश भित्तिचित्र और पेंटिंग मास्टरपीस अज्ञात लेखकों के ब्रश से संबंधित हैं; आज, उस अवधि के कई काम सेसोइन ट्रेजरी में रखे गए हैं।

तेंदई जैसे नए बौद्ध स्कूलों के बढ़ते प्रभाव ने व्यापक धार्मिक अभिविन्यास को प्रभावित किया है। दृश्य कला 8वीं और 9वीं शताब्दी में जापान। 10 वीं शताब्दी में, जिसने जापानी बौद्ध धर्म में एक विशेष प्रगति देखी, रायगोडज़ू की शैली, "स्वागत पेंटिंग", दिखाई दी, जो पश्चिमी स्वर्ग में बुद्ध के आगमन को दर्शाती है। 1053 से डेटिंग रैगोडज़ू के शुरुआती उदाहरण बेडो-इन मंदिर में देखे जा सकते हैं, जो क्योटो प्रान्त के उजी शहर में संरक्षित है।

शैली बदलना

हियान काल के मध्य में, प्रतिस्थापित चीनी शैलीकरा-ए यमातो-ए की शैली आती है, जो लंबे समय तक जापानी चित्रकला की सबसे लोकप्रिय और मांग वाली शैलियों में से एक बन जाती है। नई पेंटिंग शैली मुख्य रूप से तह स्क्रीन और स्लाइडिंग दरवाजों की पेंटिंग पर लागू की गई थी। समय के साथ, यमतो-ई क्षैतिज इमाकिमोनो स्क्रॉल में चला गया। इमाकी शैली में काम करने वाले कलाकारों ने अपने कार्यों में चुने हुए कथानक की सभी भावुकता को व्यक्त करने की कोशिश की। जेनजी मोनोगत्री स्क्रॉल में एक साथ सिले हुए कई एपिसोड शामिल थे, उस समय के कलाकार तेज स्ट्रोक और चमकीले, अभिव्यंजक रंगों का उपयोग करते थे।

ई-माकी ओटोको-ई के सबसे पुराने और सबसे प्रमुख उदाहरणों में से एक है, जो पुरुषों के चित्रों की शैली है। महिलाओं के चित्रों को एक अलग शैली के रूप में अलग किया जाता है। इन शैलियों के बीच, वास्तव में, साथ ही पुरुषों और महिलाओं के बीच, काफी महत्वपूर्ण अंतर हैं। ओना-ए शैली को टेल ऑफ़ जेनजी के डिजाइन में रंगीन रूप से प्रस्तुत किया गया है, जहां चित्रों के मुख्य विषयों में रोमांटिक भूखंड, अदालत के जीवन के दृश्य शामिल हैं। पुरुष ओटोको-ई शैली मुख्य रूप से ऐतिहासिक लड़ाइयों और अन्य का एक कलात्मक चित्रण है महत्वपूर्ण घटनाएँसाम्राज्य के जीवन में।

शास्त्रीय जापानी कला विद्यालय विचारों के विकास और प्रचार के लिए उपजाऊ जमीन बन गया है समकालीन कलाजापान, जिसमें पॉप कल्चर और एनीमे का प्रभाव काफी स्पष्ट रूप से पता चलता है। सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारआधुनिकता को ताकाशी मुराकामी कहा जा सकता है, जिसका काम जापानी जीवन के दृश्यों के चित्रण के लिए समर्पित है युद्ध के बाद की अवधिऔर अधिकतम मर्ज अवधारणाएँ ललित कलाऔर मुख्यधारा।

शास्त्रीय विद्यालय के प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में निम्नलिखित का नाम लिया जा सकता है।

तनाव शुबुन

शुबुन ने 15वीं शताब्दी की शुरुआत में काम किया, सांग राजवंश युग के चीनी आकाओं के कार्यों का अध्ययन करने के लिए बहुत समय समर्पित किया, यह आदमी जापानी के मूल में खड़ा था बढ़िया शैली... शुबुन को सूमी-ए शैली, मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने नई शैली को लोकप्रिय बनाने के लिए बहुत प्रयास किए, इसे जापानी चित्रकला की प्रमुख दिशाओं में से एक में बदल दिया। स्यूबुन के कई छात्र थे जो बाद में बन गए प्रसिद्ध कलाकार, जिसमें सेशु और प्रसिद्ध कला विद्यालय कानो मसानोबू के संस्थापक शामिल हैं। कई परिदृश्यों को स्यूबुन के लेखकत्व के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है, लेकिन उनका सबसे प्रसिद्ध काम पारंपरिक रूप से एक बांस ग्रोव में पढ़ना माना जाता है।

ओगाटा कोरिन (1658-1716)

ओगाटा कोरिन जापानी चित्रकला के इतिहास में सबसे महान कलाकारों में से एक हैं, जो रिंप कला शैली के संस्थापक और सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक हैं। अपने कामों में, कोरिन साहसपूर्वक पारंपरिक रूढ़ियों से दूर चले गए, उन्होंने अपनी शैली बनाई, जिनमें से मुख्य विशेषताएं छोटे रूप और कथानक के विशद प्रभाववाद थे। कोरिन प्रकृति को चित्रित करने और अमूर्त रंग रचनाओं के साथ काम करने में अपने विशेष कौशल के लिए जाने जाते हैं। "प्लम ब्लॉसम इन रेड एंड व्हाइट" ओगाटा कोरिन की सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है, उनकी पेंटिंग "गुलदाउदी", "वेव्स ऑफ मात्सुशिमा" और कई अन्य भी ज्ञात हैं।

हसेगावा तोहाकू (1539-1610)

तोहाकू जापानी कला विद्यालय हसेगावा के संस्थापक हैं। के लिये शुरुआती समयरचनात्मकता तोहाकू जापानी चित्रकला के प्रसिद्ध स्कूल के प्रभाव की विशेषता है कानो, लेकिन समय के साथ कलाकार ने अपनी अनूठी शैली बनाई है। कई मायनों में, तोहाकू का काम मान्यता प्राप्त गुरु सेशु के कार्यों से प्रभावित था, होसेगावा ने खुद को इस महान गुरु का पांचवां उत्तराधिकारी भी माना। हसेगावा तोहाकू की पेंटिंग "द पाइंस" प्राप्त हुई विश्व ख्याति, उनके कार्यों "मेपल", "पाइंस और फूलों के पौधे" और अन्य के लिए भी जाना जाता है।

कानो ईतोकू (1543-1590)

कानो स्कूल की शैली लगभग चार शताब्दियों तक जापान में दृश्य कलाओं पर हावी रही है, और कानो ईतोकू शायद इस कला विद्यालय के सबसे प्रसिद्ध और प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक है। अधिकारियों द्वारा इतोकू के साथ दयालु व्यवहार किया गया था, अभिजात वर्ग और धनी संरक्षकों का संरक्षण उनके स्कूल की मजबूती और इस के कार्यों की लोकप्रियता में योगदान नहीं दे सकता था, निस्संदेह, एक बहुत ही प्रतिभाशाली कलाकार। इतोकू कानो द्वारा चित्रित "सरू" स्लाइडिंग आठ-पैनल स्क्रीन, एक वास्तविक कृति है और मोनोयामा शैली के दायरे और शक्ति का एक ज्वलंत उदाहरण है। मास्टर के अन्य कार्य कम दिलचस्प नहीं लगते हैं, जैसे "बर्ड्स एंड ट्रीज़ ऑफ़ द फोर सीज़न", "चीनी लायंस", "हर्मिट्स एंड फेयरी" और कई अन्य।

कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849)

होकुसाई - महानतम गुरु ukiyo-e शैली (जापानी लकड़बग्घा)। होकुसाई की रचनात्मकता मिली विश्व मान्यता, अन्य देशों में उनकी प्रसिद्धि की तुलना अधिकांश एशियाई कलाकारों की लोकप्रियता से नहीं की जा सकती, उनके काम " एक बड़ी लहरकानागावा में "कुछ ऐसा बन गया बिज़नेस कार्डविश्व कला परिदृश्य पर जापानी ललित कला। अपने पर रचनात्मक तरीकाहोकुसाई ने तीस से अधिक छद्म शब्दों का इस्तेमाल किया, साठ के बाद कलाकार ने खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया और यह इस समय को उनके काम का सबसे फलदायी काल माना जाता है। होकुसाई के काम ने रेनॉयर, मोनेट और वैन गॉग के काम सहित पश्चिमी प्रभाववादी और पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट मास्टर्स के काम को प्रभावित किया।

प्रत्येक देश में समकालीन कला के अपने नायक होते हैं, जिनके नाम प्रसिद्ध हैं, जिनकी प्रदर्शनियों में प्रशंसकों और जिज्ञासुओं की भीड़ जमा होती है, और जिनकी रचनाएँ निजी संग्रह में बिखरी हुई हैं।

इस लेख में, हम आपको सबसे लोकप्रिय से मिलवाएंगे समकालीन कलाकारजापान।

कीको तानाबे

एक बच्चे के रूप में क्योटो, कीको में जन्मे, कई जीते कला प्रतियोगिता, लेकिन उच्च शिक्षाकला के क्षेत्र में बिल्कुल नहीं मिला। विभाग में काम किया अंतरराष्ट्रीय संबंधटोक्यो में जापानी स्व-सरकारी व्यापार संगठन में, बड़े पैमाने पर कानून फर्मसैन फ्रांसिस्को में और सैन डिएगो में एक निजी परामर्श फर्म में, बड़े पैमाने पर यात्रा की। उसने 2003 में अपनी नौकरी छोड़ दी और सैन डिएगो में वॉटरकलर पेंटिंग की मूल बातें सीखकर, खुद को विशेष रूप से कला के लिए समर्पित कर दिया।

इकेनागा यासुनारी

जापानी कलाकार इकेनागा यासुनारी ने चित्रों को चित्रित किया आधुनिक महिलाएंप्राचीन में जापानी परंपराआधार के रूप में मेन्सो ब्रश, खनिज वर्णक, कार्बन ब्लैक, स्याही और लिनन का उपयोग करके पेंटिंग। उनके चरित्र हमारे समय की महिलाएं हैं, लेकिन निहोंगा शैली के लिए धन्यवाद, किसी को यह महसूस होता है कि वे अनादि काल से हमारे पास आए हैं।

अबे तोशियुकि

आबे तोशीयुकी एक यथार्थवादी कलाकार हैं, जिन्होंने जल रंग तकनीक में पूरी तरह से महारत हासिल की है। आबे को एक कलाकार-दार्शनिक कहा जा सकता है: वह मूल रूप से प्रसिद्ध स्थलों को चित्रित नहीं करता है, व्यक्तिपरक रचनाओं को प्रतिबिंबित करना पसंद करता है आंतरिक राज्यजो व्यक्ति उन्हें देख रहा है।

हिरोको सकाई

एक कलाकार के रूप में हिरोको सकाई का करियर 90 के दशक की शुरुआत में फुकुओका शहर में शुरू हुआ था। सेनान गाकुइन विश्वविद्यालय और डिजाइन और विज़ुअलाइज़ेशन में निहोन फ्रेंच स्कूल ऑफ़ इंटीरियर डिज़ाइन से स्नातक होने के बाद, उन्होंने एटेलियर यूम-त्सुमुगी लिमिटेड की स्थापना की। और सफलतापूर्वक 5 वर्षों तक इस स्टूडियो का प्रबंधन किया। उनके कई काम अस्पतालों की लॉबी, बड़े निगमों के कार्यालयों और जापान में कुछ नगरपालिका भवनों को सुशोभित करते हैं। यूएसए जाने के बाद, हिरोको ने तेलों में रंगना शुरू किया।

रियुसुके फुकाहोरी

रियुसुकी फुकाहोरी का त्रि-आयामी कार्य होलोग्राम की तरह है। वे पूरे होते हैं एक्रिलिक पेंट, कई परतों में आरोपित, और राल का एक पारदर्शी तरल - यह सब, पारंपरिक तरीकों को छोड़कर, जैसे कि छाया खींचना, किनारों को नरम करना, पारदर्शिता को नियंत्रित करना, रियुसुकी को मूर्तिकला चित्र बनाने की अनुमति देता है और उनके कार्यों को गहराई और यथार्थवाद देता है।

नात्सुकी ओटानि

Natsuki Otani इंग्लैंड में रहने और काम करने वाली एक प्रतिभाशाली जापानी चित्रकार हैं।

मकोतो मुरामात्सु

माकोतो मुरामात्सु ने अपनी कला के आधार के रूप में एक जीत-जीत विषय चुना - वह बिल्लियों को आकर्षित करता है। उनके चित्र पूरी दुनिया में लोकप्रिय हैं, खासकर पहेली के रूप में।

तेत्सुया मिशिमा

समकालीन जापानी कलाकार मिशिमा की अधिकांश पेंटिंग तेलों में बनाई गई हैं। वह 90 के दशक से पेशेवर रूप से पेंटिंग में लगी हुई हैं, उनके पास कई हैं व्यक्तिगत प्रदर्शनियांऔर बड़ी संख्या में सामूहिक प्रदर्शनियां, जापानी और विदेशी दोनों।

नमस्ते, प्रिय पाठकों- ज्ञान और सत्य के साधक!

जापानी कलाकारों को उनकी अनूठी शैली द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, कलाकारों की पीढ़ियों द्वारा सम्मानित किया जाता है। आज हम आपको प्राचीन काल से लेकर आधुनिक काल तक जापानी चित्रकला और उनके चित्रों के सबसे प्रमुख प्रतिनिधियों के बारे में बताएंगे।

खैर, आइए उगते सूरज की भूमि की कला में उतरें।

कला का जन्म

जापान में चित्रकला की प्राचीन कला मुख्य रूप से लेखन की ख़ासियत से जुड़ी है और इसलिए इसे सुलेख की नींव पर बनाया गया है। पहले नमूनों में खुदाई के दौरान मिली कांस्य घंटियों के टुकड़े, व्यंजन और घरेलू सामान शामिल हैं। उनमें से कई को प्राकृतिक रंगों से चित्रित किया गया था, और शोध से पता चलता है कि उत्पाद 300 ईसा पूर्व से पहले बनाए गए थे।

कला के विकास में एक नया दौर जापान के आगमन के साथ शुरू हुआ। इमाकिमोनो पर - कागज से बने विशेष स्क्रॉल - बौद्ध धर्म के देवताओं के देवताओं की छवियां, शिक्षक और उनके अनुयायियों के जीवन के दृश्य लागू किए गए थे।

चित्रकला में धार्मिक विषयों की प्रधानता मध्ययुगीन जापान में, अर्थात् 10वीं से 15वीं शताब्दी तक देखी जा सकती है। दुर्भाग्य से, उस युग के कलाकारों के नाम आज तक नहीं बचे हैं।

15-18 शताब्दियों की अवधि में, एक नए युग की शुरुआत होती है, जिसमें विकसित कलाकारों के साथ कलाकारों का उदय होता है व्यक्तिगत शैली... उन्होंने वेक्टर नामित किया आगामी विकाशदृश्य कला।

अतीत के उज्ज्वल प्रतिनिधि

टेंस शुबुन (15वीं सदी की शुरुआत में)

हो जाना एक उत्कृष्ट गुरुशीबुन ने चीन के सांग कलाकारों की लेखन तकनीक और उनके काम का अध्ययन किया। इसके बाद, वह जापान में पेंटिंग के संस्थापकों में से एक और सुमी-ए के निर्माता बन गए।

सुमी-ए - कला शैली, जो स्याही चित्रकला पर आधारित है, जिसका अर्थ है एक रंग।

शुभुन ने बहुत कुछ किया नई शैलीकला मंडलियों में जड़ें जमा लीं। उन्होंने भविष्य सहित अन्य प्रतिभाओं को कला सिखाई प्रसिद्ध चित्रकार, उदाहरण के लिए सेशु।

सबसे अधिक लोकप्रिय पेंटिंगशुबुना को "बांस ग्रोव में पढ़ना" कहा जाता है।

टेंस शुबुन द्वारा "रीडिंग इन द बैम्बू ग्रोव"

हसेगावा तोहाकू (1539-1610)

वह अपने नाम पर एक स्कूल के संस्थापक बने - हसेगावा। सबसे पहले, उन्होंने कानो स्कूल के सिद्धांतों का पालन करने की कोशिश की, लेकिन धीरे-धीरे उनके कार्यों में उनकी व्यक्तिगत "लिखावट" का पता लगाया जाने लगा। Tohaku Sesshu के ग्राफिक्स द्वारा निर्देशित किया गया था।

काम सरल, संक्षिप्त पर आधारित था, लेकिन यथार्थवादी परिदृश्यसरल नामों के साथ:

• "पाइंस";
• "मेपल";
• "पाइंस और फूलों के पौधे"।

"पाइंस", हसेगावा तोहकु

ब्रदर्स ओगाटा कोरिन (1658-1716) और ओगाटा केनज़न (1663-1743)

भाई थे उत्कृष्ट शिल्पकार 18 वीं सदी। सबसे बड़े, ओगाटा कोरिन ने खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित कर दिया और रिम्प शैली की स्थापना की। उन्होंने रूढ़िबद्ध छवियों से परहेज किया, प्रभाववादी शैली को प्राथमिकता दी।

ओगाटा कोरिन ने प्रकृति को सामान्य रूप से और फूलों को विशेष रूप से अमूर्तता की चमक के रूप में चित्रित किया। उनके ब्रश चित्रों से संबंधित हैं:

• "बेर खिलना लाल और सफेद";
• "मत्सुशिमा की लहरें";
• "गुलदाउदी"।

ओगाटा कोरिनो द्वारा "मत्सुशिमा की लहरें"

छोटे भाई, ओगाटा केनज़न के कई छद्म नाम थे। हालांकि वे पेंटिंग में लगे हुए थे, लेकिन वे एक अद्भुत सेरामिस्ट के रूप में अधिक प्रसिद्ध थे।

ओगाटा केनज़न सिरेमिक बनाने की कई तकनीकों में कुशल थे। वह एक गैर-मानक दृष्टिकोण से प्रतिष्ठित था, उदाहरण के लिए, उसने एक वर्ग के रूप में प्लेटें बनाईं।

उनकी अपनी पेंटिंग वैभव से अलग नहीं थी - यह उनकी विशेषता भी थी। वह स्क्रॉल या कविता के अंश जैसे उत्पादों पर सुलेख लागू करना पसंद करते थे। कभी-कभी वे अपने भाई के साथ मिलकर काम करते थे।

कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849)

उन्होंने ukiyo-e शैली में काम किया - एक प्रकार का लकड़बग्घा, दूसरे शब्दों में, उत्कीर्णन। रचनात्मकता के पूरे समय के लिए, उन्होंने लगभग 30 नाम बदले। प्रसिद्ध कार्य- "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा", जिसकी बदौलत वह अपनी मातृभूमि के बाहर प्रसिद्ध हो गए।

होकुसाई कत्सुशिका द्वारा कानागावा से महान लहर

होकुसाई ने 60 वर्षों के बाद विशेष रूप से कठिन परिश्रम करना शुरू किया, जिसके अच्छे परिणाम आए। वैन गॉग, मोनेट, रेनॉयर उनके काम से परिचित थे, और कुछ हद तक इसने यूरोपीय आकाओं के कार्यों को प्रभावित किया।

एंडो हिरोशिगे (1791-1858)

में से एक महानतम कलाकार 19 वीं सदी। ईदो में जन्मे, रहते थे, काम करते थे, होकुसाई का काम जारी रखते थे, उनके कामों से प्रेरित थे। जिस तरह से उन्होंने प्रकृति को चित्रित किया वह लगभग उतना ही आकर्षक है जितना कि स्वयं कार्यों की संख्या।

ईदो - पूर्व नामटोक्यो।

यहां उनके काम के बारे में कुछ आंकड़े दिए गए हैं, जिन्हें चित्रों के एक चक्र द्वारा दर्शाया गया है:

• 5.5 हजार - सभी उत्कीर्णन की संख्या;
• “ईदो के 100 दृश्य;
• "फ़ूजी के 36 विचार";
• "किसोकैडो के 69 स्टेशन";
• "टोकाइडो के 53 स्टेशन"।

एंडो हिरोशिगे द्वारा पेंटिंग

दिलचस्प बात यह है कि उत्कृष्ट वान गाग ने अपने उत्कीर्णन की कुछ प्रतियों को चित्रित किया।

आधुनिकता

ताकाशी मुराकामी

पेंटर, मूर्तिकार, फैशन डिजाइनर, उन्होंने 20 वीं शताब्दी के अंत में पहले ही नाम कमा लिया था। अपने काम में, वह क्लासिक्स के तत्वों के साथ फैशन के रुझान का पालन करती है, और एनीमे और मंगा कार्टून से प्रेरणा लेती है।

ताकाशी मुराकामी द्वारा पेंटिंग

ताकाशी मुराकामी के कार्यों को उपसंस्कृति माना जाता है, लेकिन वे अविश्वसनीय रूप से लोकप्रिय हैं। उदाहरण के लिए, 2008 में, उनकी एक रचना को नीलामी में $ 15 मिलियन से अधिक में खरीदा गया था। एक समय में, आधुनिक निर्माता ने फैशन हाउस "मार्क जैकब्स" और "लुई वुइटन" के साथ मिलकर काम किया।

टाइको असीमा

पिछले कलाकार की एक साथी, वह समकालीन असली पेंटिंग बनाती है। वे शहरों, महानगरों की सड़कों और जीवों के विचारों को चित्रित करते हैं जैसे कि किसी अन्य ब्रह्मांड से - भूत, बुरी आत्माएं, विदेशी लड़कियां। चित्रों की पृष्ठभूमि में, आप अक्सर प्राचीन, कभी-कभी भयावह प्रकृति भी देख सकते हैं।

उनकी पेंटिंग बड़े आकार तक पहुंचती हैं और शायद ही कभी पेपर मीडिया तक सीमित होती हैं। उन्हें चमड़े, प्लास्टिक सामग्री में स्थानांतरित किया जाता है।

2006 में, ब्रिटिश राजधानी में एक प्रदर्शनी के हिस्से के रूप में, एक महिला ने लगभग 20 धनुषाकार संरचनाएं बनाईं, जो दिन-रात ग्रामीण इलाकों और शहर की सुंदरता को दर्शाती हैं। उनमें से एक ने मेट्रो स्टेशन को सजाया।

अरे अरकावा

शब्द के शास्त्रीय अर्थ में युवक को केवल एक कलाकार नहीं कहा जा सकता है - वह ऐसे प्रतिष्ठान बनाता है जो 21 वीं सदी की कला में इतने लोकप्रिय हैं। उनकी प्रदर्शनियों के विषय वास्तव में जापानी हैं और मैत्रीपूर्ण संबंधों के साथ-साथ पूरी टीम द्वारा काम पर स्पर्श करते हैं।

अरे अरकावा अक्सर विभिन्न द्विवार्षिक में भाग लेता है, उदाहरण के लिए, वेनिस में, अपनी मातृभूमि में आधुनिक कला के संग्रहालय में प्रदर्शित किया जाता है, और योग्य रूप से विभिन्न प्रकार के पुरस्कार प्राप्त करता है।

इकेनागा यासुनारी

आधुनिक चित्रकार इकेनागा यासुनारी दो असंगत चीजों को मिलाने में कामयाब रहे: चित्र के रूप में आज की लड़कियों का जीवन और प्राचीन काल से जापान की पारंपरिक तकनीक। अपने काम में, चित्रकार विशेष ब्रश, प्राकृतिक रंगद्रव्य पेंट, स्याही और लकड़ी का कोयला का उपयोग करता है। सामान्य लिनन के बजाय - लिनन का कपड़ा।

इकेनागा यासुनारी द्वारा चित्रकारी

चित्रित युग की एक समान विपरीत तकनीक और दिखावटनायिकाएं यह आभास देती हैं कि वे अतीत से हमारे पास लौट आई हैं।

में लोकप्रिय हाल ही मेंइंटरनेट समुदाय में, एक मगरमच्छ के जीवन की जटिलताओं के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला भी जापानी कार्टूनिस्ट कीगो द्वारा बनाई गई थी।

निष्कर्ष

इसलिए, जापानी पेंटिंगतीसरी शताब्दी ईसा पूर्व के आसपास उत्पन्न हुआ, और तब से बहुत कुछ बदल गया है। पहले चित्र चीनी मिट्टी के बरतन पर लागू किए गए थे, फिर कला में बौद्ध उद्देश्य प्रबल होने लगे, लेकिन लेखकों के नाम आज तक नहीं बचे हैं।

आधुनिक समय के युग में, ब्रश मास्टर्स ने अधिक से अधिक व्यक्तित्व हासिल किया, बनाया अलग दिशा, स्कूल। आज की ललित कलाएं पारंपरिक चित्रकला तक ही सीमित नहीं हैं - प्रतिष्ठान, कार्टून, कलात्मक मूर्तियां और विशेष संरचनाओं का उपयोग किया जाता है।

आपके ध्यान के लिए बहुत-बहुत धन्यवाद, प्रिय पाठकों! हमें उम्मीद है कि आपको हमारा लेख उपयोगी लगा होगा, और कला के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों के जीवन और कार्यों के बारे में कहानियों ने आपको उन्हें बेहतर तरीके से जानने की अनुमति दी है।

बेशक, प्राचीन काल से लेकर आज तक के सभी कलाकारों के बारे में एक लेख में बताना मुश्किल है। इसलिए, इसे जापानी चित्रकला के ज्ञान की दिशा में पहला कदम होने दें।

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अगर आपको लगता है कि सभी महान कलाकार अतीत में हैं, तो आपको नहीं पता कि आप कितने गलत हैं। इस लेख में, आप सबसे प्रसिद्ध और के बारे में जानेंगे प्रतिभाशाली कलाकारआधुनिकता। और, मेरा विश्वास करो, उनके कार्य आपकी स्मृति में पिछले युगों के उस्ताद के कार्यों से कम गहरे नहीं होंगे।

वोज्शिएक बाबस्कि

वोज्शिएक बब्स्की एक समकालीन पोलिश कलाकार हैं। उन्होंने सिलेसियन पॉलिटेक्निक संस्थान से स्नातक किया, लेकिन खुद को इससे जोड़ा। हाल ही में, वह मुख्य रूप से महिलाओं को चित्रित कर रहा है। भावनाओं की अभिव्यक्ति पर ध्यान केंद्रित करता है, सरल तरीकों से अधिकतम संभव प्रभाव प्राप्त करने का प्रयास करता है।

रंग पसंद है, लेकिन अक्सर बेहतरीन अनुभव के लिए काले और भूरे रंग के रंगों का उपयोग करता है। विभिन्न नई तकनीकों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरते। हाल ही में, यह विदेशों में अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहा है, मुख्य रूप से यूके में, जहां यह सफलतापूर्वक अपने कार्यों को बेचता है, जो पहले से ही कई निजी संग्रहों में पाया जा सकता है। कला के अलावा, वह ब्रह्मांड विज्ञान और दर्शनशास्त्र में रुचि रखते हैं। जैज़ सुनता है। वह वर्तमान में कटोविस में रहता है और काम करता है।

वॉरेन चांग

वॉरेन चुंग - आधुनिक अमेरिकी कलाकार... 1957 में जन्मे और कैलिफोर्निया के मोंटेरे में पले-बढ़े, उन्होंने 1981 में पासाडेना आर्ट सेंटर कॉलेज ऑफ़ डिज़ाइन से स्नातक की उपाधि प्राप्त की और इस क्षेत्र में ललित कला में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। अगले दो दशकों तक, उन्होंने 2009 में एक पेशेवर कलाकार के रूप में अपना करियर शुरू करने से पहले कैलिफोर्निया और न्यूयॉर्क में विभिन्न कंपनियों के लिए एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया।

उनके यथार्थवादी चित्रों को दो मुख्य श्रेणियों में विभाजित किया जा सकता है: जीवनी आंतरिक चित्र और कामकाजी लोगों को चित्रित करने वाले चित्र। पेंटिंग की इस शैली में उनकी रुचि 16 वीं शताब्दी के कलाकार जान वर्मीर के काम में निहित है, और वस्तुओं, स्व-चित्रों, परिवार के सदस्यों, दोस्तों, छात्रों, स्टूडियो, कक्षा और घर के अंदरूनी हिस्सों के चित्रों तक फैली हुई है। इसका उद्देश्य है यथार्थवादी पेंटिंगप्रकाश के हेरफेर और मंद रंगों के उपयोग के माध्यम से मनोदशा और भावना पैदा करें।

पारंपरिक दृश्य कलाओं में जाने के बाद चांग प्रसिद्ध हो गए। पिछले 12 वर्षों में, उन्होंने कई पुरस्कार और सम्मान अर्जित किए हैं, जिनमें से सबसे प्रतिष्ठित ऑइल पेंटर्स एसोसिएशन ऑफ अमेरिका से मास्टर सिग्नेचर है, जो संयुक्त राज्य में तेल चित्रकारों का सबसे बड़ा समुदाय है। 50 में से केवल एक व्यक्ति को यह पुरस्कार प्राप्त करने के अवसर से सम्मानित किया जाता है। वॉरेन वर्तमान में मोंटेरे में रहता है और अपने स्टूडियो में काम करता है, और वह सैन फ्रांसिस्को एकेडमी ऑफ आर्ट्स में भी पढ़ाता है (एक प्रतिभाशाली शिक्षक के रूप में जाना जाता है)।

ऑरेलियो ब्रुनि

ऑरेलियो ब्रूनी - इतालवी कलाकार... ब्लेयर में जन्म, 15 अक्टूबर 1955। स्पोलेटो में कला संस्थान से स्टेज डिजाइन में डिग्री के साथ स्नातक। एक कलाकार के रूप में, वह स्व-सिखाया जाता है, क्योंकि उसने स्कूल में रखी नींव पर स्वतंत्र रूप से "ज्ञान का घर बनाया"। उन्होंने 19 साल की उम्र में तेलों में पेंटिंग करना शुरू कर दिया था। वह वर्तमान में उम्ब्रिया में रहता है और काम करता है।

ब्रूनी की प्रारंभिक पेंटिंग अतियथार्थवाद में निहित है, लेकिन समय के साथ वह गेय रोमांटिकवाद और प्रतीकवाद की निकटता पर ध्यान केंद्रित करना शुरू कर देता है, इस संयोजन को परिष्कृत परिष्कार और अपने पात्रों की शुद्धता के साथ बढ़ाता है। एनिमेटेड और निर्जीव वस्तुएं समान गरिमा प्राप्त करती हैं और लगभग अतियथार्थवादी दिखती हैं, लेकिन साथ ही, वे पर्दे के पीछे नहीं छिपती हैं, लेकिन आपको अपनी आत्मा का सार देखने की अनुमति देती हैं। बहुमुखी प्रतिभा और परिष्कार, कामुकता और अकेलापन, विचारशीलता और फलदायीता ऑरेलियो ब्रूनी की आत्मा है, जो कला के वैभव और संगीत के सामंजस्य से पोषित है।

एलेक्ज़ेंडर बालोसी

अलकासंद्र बालोस एक समकालीन पोलिश कलाकार हैं जो तेल चित्रकला में विशेषज्ञता रखते हैं। ग्लिविस, पोलैंड में 1970 में जन्मे, लेकिन 1989 से संयुक्त राज्य अमेरिका में शास्ता, कैलिफ़ोर्निया में रह रहे हैं और काम कर रहे हैं।

एक बच्चे के रूप में, उन्होंने अपने पिता जान, एक स्व-सिखाया कलाकार और मूर्तिकार के मार्गदर्शन में कला का अध्ययन किया, इसलिए पहले से ही प्रारंभिक अवस्था, कलात्मक प्रयासों को माता-पिता दोनों का पूर्ण समर्थन प्राप्त हुआ। 1989 में, अठारह वर्ष की आयु में, बालोस संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए पोलैंड छोड़ गए, जहाँ उन्होंने स्कूल शिक्षकऔर अंशकालिक कलाकार केटी गैग्लियार्डी ने अलकासांद्रा को कला विद्यालय जाने के लिए प्रोत्साहित किया। बालोस ने तब मिल्वौकी विस्कॉन्सिन विश्वविद्यालय से पूर्ण छात्रवृत्ति प्राप्त की, जहाँ उन्होंने दर्शनशास्त्र के प्रोफेसर हैरी रोसिन के साथ चित्रकला का अध्ययन किया।

1995 में अपनी पढ़ाई पूरी करने और स्नातक की डिग्री हासिल करने के बाद, बालोस एक दृश्य कला स्कूल में भाग लेने के लिए शिकागो चले गए, जिसकी विधियाँ रचनात्मकता पर आधारित हैं। जैक्स-लुई डेविड... आलंकारिक यथार्थवाद और पोर्ट्रेट पेंटिंगबना अधिकांश 90 के दशक और 2000 के दशक की शुरुआत में बालोस द्वारा काम करता है। आज बालोस मानव आकृति का उपयोग विशिष्टताओं को उजागर करने और मनुष्य की कमियों को दिखाने के लिए करते हैं, जबकि कोई समाधान नहीं देते हैं।

उनके चित्रों की कथानक रचनाओं का उद्देश्य दर्शकों द्वारा स्वतंत्र रूप से व्याख्या करना है, तभी कैनवस अपने वास्तविक लौकिक और व्यक्तिपरक अर्थ को प्राप्त करेंगे। 2005 में, कलाकार उत्तरी कैलिफोर्निया चले गए, तब से उनके काम का दायरा काफी बढ़ गया है और अब पेंटिंग के अधिक मुक्त तरीके शामिल हैं, जिसमें अमूर्तता और विभिन्न मल्टीमीडिया शैलियों शामिल हैं जो पेंटिंग के माध्यम से विचारों और आदर्शों को व्यक्त करने में मदद करते हैं।

एलिसा भिक्षु

एलिसा मोंक्स एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। उनका जन्म 1977 में न्यू जर्सी के रिजवुड में हुआ था। वह बचपन से ही पेंटिंग में दिलचस्पी लेने लगी थी। न्यूयॉर्क के न्यू स्कूल में पढ़ाई की और राज्य विश्वविद्यालयमोंटक्लेयर, और 1999 में बोस्टन कॉलेज से स्नातक होने के बाद, स्नातक की डिग्री प्राप्त की। इसके साथ ही, उन्होंने फ्लोरेंस में लोरेंजो मेडिसी अकादमी में पेंटिंग का अध्ययन किया।

फिर उन्होंने न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट में मास्टर डिग्री प्रोग्राम पर अपनी पढ़ाई जारी रखी, फिगरेटिव आर्ट विभाग में, 2001 में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। उन्होंने 2006 में फुलर्टन कॉलेज से स्नातक किया। कुछ समय के लिए उन्होंने विश्वविद्यालयों में व्याख्यान दिया और शिक्षण संस्थानोंराष्ट्रव्यापी, ने न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट के साथ-साथ मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी और लाइम आर्ट एकेडमी कॉलेज में पेंटिंग सिखाई है।

"कांच, विनाइल, पानी और भाप जैसे फिल्टर का उपयोग करके, मैं विकृत करता हूं मानव शरीर... ये फ़िल्टर आपको बनाने की अनुमति देते हैं बड़े क्षेत्रअमूर्त डिजाइन, उनके माध्यम से झाँकने वाले रंग के द्वीपों के साथ - मानव शरीर के अंग।

मेरी पेंटिंग पहले से स्थापित, पारंपरिक मुद्रा और स्नान करने वाली महिलाओं के हावभाव के आधुनिक दृष्टिकोण को बदल देती हैं। वे एक चौकस दर्शक को तैराकी, नृत्य, आदि के लाभों के रूप में ऐसी प्रतीत होने वाली आत्म-स्पष्ट चीजों के बारे में बहुत कुछ बता सकते थे। मेरे पात्रों को शॉवर की खिड़की के शीशे से दबाया जाता है, विकृत किया जाता है अपना शरीर, यह महसूस करते हुए कि वे एक नग्न महिला के कुख्यात पुरुष दृष्टिकोण को प्रभावित करते हैं। पेंट की मोटी परतों को दूर से कांच, भाप, पानी और मांस की नकल करने के लिए मिश्रित किया जाता है। हालांकि, अद्भुत भौतिक गुण करीब से स्पष्ट हो जाते हैं। आयल पेंट... पेंट और रंग की परतों के साथ प्रयोग करके, मुझे एक ऐसा क्षण मिलता है जहां अमूर्त स्ट्रोक कुछ और बन जाते हैं।

जब मैंने पहली बार मानव शरीर को चित्रित करना शुरू किया, तो मैं तुरंत मोहित हो गया और यहां तक ​​कि इसके प्रति आसक्त हो गया और मुझे विश्वास हो गया कि मुझे अपने चित्रों को यथासंभव यथार्थवादी बनाना है। मैंने यथार्थवाद को तब तक "स्वीकार" किया जब तक कि यह अपने आप में अंतर्विरोधों को उजागर और प्रकट नहीं करना शुरू कर दिया। अब मैं पेंटिंग के तरीके की संभावनाओं और संभावनाओं की खोज कर रहा हूं, जहां प्रतिनिधित्वकारी पेंटिंग और अमूर्तता मिलती है - अगर दोनों शैलियों एक ही समय में सह-अस्तित्व में हो सकती हैं, तो मैं करूँगा।

एंटोनियो फिनेलि

इतालवी कलाकार - " समय देखने वाला”- एंटोनियो फिनेली का जन्म 23 फरवरी 1985 को हुआ था। वह वर्तमान में रोम और कैंपोबासो के बीच इटली में रहता है और काम करता है। उनके कार्यों को इटली और विदेशों में कई दीर्घाओं में प्रदर्शित किया गया है: रोम, फ्लोरेंस, नोवारा, जेनोआ, पलेर्मो, इस्तांबुल, अंकारा, न्यूयॉर्क, और वे निजी और सार्वजनिक संग्रह में भी पाए जा सकते हैं।

पेंसिल चित्र " समय देखने वाला"एंटोनियो फिनेली हमें के माध्यम से एक शाश्वत यात्रा पर ले जाता है" आत्मिक शांतिमानव अस्थायीता और इसके साथ इस दुनिया का एक गहन विश्लेषण जुड़ा हुआ है, जिसका मुख्य तत्व समय के साथ बीतना और त्वचा पर लगाए गए निशान हैं।

फिनेली किसी भी उम्र, लिंग और राष्ट्रीयता के लोगों के चित्रों को चित्रित करता है, जिनके चेहरे के भाव समय बीतने की गवाही देते हैं, कलाकार भी अपने पात्रों के शरीर पर समय की निर्दयता के प्रमाण खोजने की उम्मीद करता है। एंटोनियो अपने कार्यों को एक सामान्य शीर्षक से परिभाषित करता है: "स्व-चित्र", क्योंकि अपने पेंसिल चित्रों में वह न केवल एक व्यक्ति को चित्रित करता है, बल्कि दर्शकों को एक व्यक्ति के अंदर समय बीतने के वास्तविक परिणामों पर विचार करने की अनुमति देता है।

फ्लेमिनिया कार्लोनी

फ्लमिनिया कार्लोनी एक 37 वर्षीय इतालवी कलाकार हैं, जो एक राजनयिक की बेटी हैं। उसके तीन बच्चे हैं। वह रोम में बारह साल, इंग्लैंड और फ्रांस में तीन साल रही। बीडी स्कूल ऑफ आर्ट से कला इतिहास में डिग्री प्राप्त की। फिर उसे कला के कार्यों के पुनर्स्थापक के रूप में डिप्लोमा प्राप्त हुआ। अपना व्यवसाय खोजने और खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित करने से पहले, उन्होंने एक पत्रकार, रंगकर्मी, डिजाइनर और अभिनेत्री के रूप में काम किया।

फ्लमिनिया को बचपन में पेंटिंग का शौक था। उसका मुख्य माध्यम तेल है क्योंकि वह "कॉइफ़र ला पाटे" से प्यार करती है और सामग्री के साथ भी खेलती है। उसने कलाकार पास्कल टोरुआ के कार्यों में एक समान तकनीक सीखी। फ्लैमिनिया महान चित्रकारों जैसे बल्थस, हूपर और फ्रांकोइस लेग्रैंड के साथ-साथ विभिन्न कलात्मक आंदोलनों से प्रेरित है: सड़क कला, चीनी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद और पुनर्जागरण यथार्थवाद। उनके पसंदीदा कलाकार कारवागियो हैं। उसका सपना कला की चिकित्सीय शक्ति की खोज करना है।

डेनिस चेर्नोव

डेनिस चेर्नोव - प्रतिभाशाली यूक्रेनी कलाकार, का जन्म 1978 में साम्बोर, लविवि क्षेत्र, यूक्रेन में हुआ था। खार्कोव से स्नातक होने के बाद कला स्कूल 1998 में वह खार्कोव में रहे, जहाँ वे वर्तमान में रहते हैं और काम करते हैं। उन्होंने खार्कोव में भी अध्ययन किया राज्य अकादमीडिजाइन और कला, ग्राफिक्स विभाग, 2004 में स्नातक।

वह नियमित रूप से भाग लेता है कला प्रदर्शनी, पर इस पलउनमें से साठ से अधिक यूक्रेन और विदेशों दोनों में हुए। डेनिस चेर्नोव के अधिकांश कार्यों को यूक्रेन, रूस, इटली, इंग्लैंड, स्पेन, ग्रीस, फ्रांस, अमेरिका, कनाडा और जापान में निजी संग्रह में रखा जाता है। कुछ काम क्रिस्टी को बेचे गए।

डेनिस ग्राफिक की एक विस्तृत श्रृंखला में काम करता है और पेंटिंग तकनीक... पेंसिल चित्र उनकी पसंदीदा पेंटिंग विधियों में से एक हैं, उनके पेंसिल चित्र के लिए विषयों की सूची भी बहुत विविध है, वह परिदृश्य, चित्र, जुराब लिखते हैं, शैली रचनाएं, पुस्तक चित्रण, साहित्यिक और ऐतिहासिक पुनर्निर्माणऔर कल्पना।