जपानी चित्रकला. समकालीन जपानी चित्रकला

जपानची मोनोक्रोम पेंटिंग ही पूर्वेकडील कलेची एक अद्वितीय घटना आहे. बरीच कामे आणि संशोधन याला समर्पित केले गेले आहे, परंतु हे बर्‍याचदा अत्यंत सशर्त आणि कधीकधी सजावटीचे देखील मानले जाते. हे तसे नाही. जपानी कलाकाराचे अध्यात्मिक जग खूप समृद्ध आहे, आणि त्याला सौंदर्याच्या घटकाची अध्यात्माइतकी काळजी नाही. पूर्वेकडील कला बाह्य आणि अंतर्गत, स्पष्ट आणि अंतर्निहित यांचे संश्लेषण आहे.

या पोस्टमध्ये मी मोनोक्रोम पेंटिंगच्या इतिहासाकडे नव्हे तर त्याच्या साराकडे लक्ष देऊ इच्छितो. यावर चर्चा होणार आहे.

स्क्रीन "पाइन्स" हसेगावा तोहाकू, 1593.

मोनोक्रोम पेंटिंग्जमध्ये आपण जे पाहतो ते पाइन ट्रायडसह कलाकाराच्या परस्परसंवादाचा परिणाम आहे: कागद, ब्रश, शाई. म्हणून, काम योग्यरित्या समजून घेण्यासाठी, एखाद्याने स्वतः कलाकार आणि त्याची वृत्ती समजून घेतली पाहिजे.

"लँडस्केप" सेशु, 1398.

कागदजपानी मास्टरसाठी सोपे नाही सुलभ साहित्य, ज्याला तो त्याच्या लहरी वश करतो, परंतु उलट एक "भाऊ" आहे, म्हणून, तिच्याबद्दलचा दृष्टीकोन त्यानुसार विकसित झाला आहे. कागद हा सभोवतालच्या निसर्गाचा एक भाग आहे, ज्याला जपानी लोक नेहमीच भीतीने वागतात आणि स्वत: ला वश न करण्याचा प्रयत्न करतात, परंतु शांततेने त्याच्याशी एकत्र राहण्याचा प्रयत्न करतात. कागद हे भूतकाळातील झाड आहे जे एका विशिष्ट भागात उभे होते, ठराविक वेळ, त्याच्या आजूबाजूला काहीतरी "दिसले" आणि ती ते सर्व ठेवते. एका जपानी कलाकाराची सामग्री अशा प्रकारे समजते. बर्याचदा, काम सुरू करण्यापूर्वी, मास्टर्स बर्याच काळासाठी रिक्त शीटकडे पाहत (त्याचा विचार केला) आणि त्यानंतरच पेंटिंग सुरू केले. आताही, निहोन-गा तंत्राचा (पारंपारिक जपानी चित्रकला) सराव करणारे समकालीन जपानी कलाकार काळजीपूर्वक कागद निवडतात. ते पेपर मिलमधून ऑर्डर करण्यासाठी ते विकत घेतात. विशिष्ट जाडी, ओलावा पारगम्यता आणि पोत असलेल्या प्रत्येक कलाकारासाठी (अनेक कलाकार हा कागद इतर कलाकारांना न विकण्याचा कारखाना मालकाशी करार करतात) - म्हणून, प्रत्येक पेंटिंग काहीतरी अद्वितीय आणि जिवंत म्हणून समजले जाते.

"बांबू ग्रोव्ह मध्ये वाचन" Syubun, 1446.

या सामग्रीच्या महत्त्वाबद्दल बोलताना, सेई शोनागॉनचे "नोट्स अॅट द हेडबोर्ड" आणि मुरासाकी शिकिबूचे "गेन्जी मोनोगोतारी" या जपानी साहित्यातील सुप्रसिद्ध स्मारकांचा उल्लेख करणे योग्य आहे: "नोट्स" आणि "गेंजी" या दोन्हीमध्ये आपण पाहू शकता. जेव्हा दरबारी किंवा प्रेमी संदेशांची देवाणघेवाण करतात तेव्हा भूखंड शोधा ... ज्या कागदावर हे संदेश लिहिले गेले होते ते योग्य ऋतू, सावली आणि मजकूर लिहिण्याची पद्धत त्याच्या पोतशी सुसंगत होती.

क्योशेन द्वारे "इशियामा श्राइन येथे मुरासाकी शिकिबू".

ब्रश- दुसरा घटक म्हणजे मास्टरचा हात चालू ठेवणे (पुन्हा, हे आहे नैसर्गिक साहित्य). म्हणून, ब्रश देखील ऑर्डर करण्यासाठी बनवले गेले होते, परंतु बहुतेकदा कलाकार स्वतः. त्याने आवश्यक लांबीचे केस उचलले, ब्रशचा आकार आणि सर्वात आरामदायक पकड निवडली. मास्टर फक्त त्याच्या स्वत: च्या ब्रशने लिहितो आणि इतर नाही. (पासून स्वतःचा अनुभव: मी चिनी कलाकार जियांग शिलूनच्या मास्टर क्लासमध्ये होतो, मास्टर क्लासमध्ये उपस्थित असलेले त्याचे विद्यार्थी काय करू शकतात हे प्रेक्षकांना दाखवण्यास सांगितले गेले आणि त्यांच्यापैकी प्रत्येकाने मास्टरचा ब्रश उचलला, असे सांगितले. त्यांना जे अपेक्षित आहे ते पूर्ण करू शकत नाही, ब्रश त्यांचा नसल्यामुळे, त्यांना त्याची सवय नाही आणि ते योग्यरित्या कसे वापरायचे ते माहित नाही).

कात्सुशिका होकुसाई यांचे "फुजी" इंक स्केच

मस्करा- तिसऱ्या महत्वाचा घटक... मस्करा होतो वेगवेगळे प्रकार: कोरडे केल्यावर, ते एक तकतकीत किंवा मॅट प्रभाव देऊ शकते, ते चांदीच्या किंवा गेरूच्या शेड्समध्ये मिसळले जाऊ शकते, म्हणून मस्कराची योग्य निवड देखील महत्वाची नाही.

यामामोटो बायत्सू, XVIII च्या शेवटी- XIX शतक.

मोनोक्रोम पेंटिंगचे मुख्य विषय म्हणजे लँडस्केप्स. त्यांच्यात रंग का नाही?

ट्विन स्क्रीन "पाइन्स", हसेगावा तोहाकू

प्रथमतः, जपानी कलाकाराला वस्तूमध्येच स्वारस्य नाही, परंतु त्याच्या सारात, एक विशिष्ट घटक जो सर्व सजीवांसाठी सामान्य आहे आणि मनुष्य आणि निसर्ग यांच्यात सुसंवाद निर्माण करतो. म्हणून, प्रतिमा नेहमीच एक इशारा असते, ती आपल्या इंद्रियांना उद्देशून असते, दृष्टीकडे नाही. अंडरस्टेटमेंट हे संवादासाठी उत्तेजन आहे, ज्याचा अर्थ कनेक्शन आहे. प्रतिमेमध्ये रेषा आणि ठिपके महत्वाचे आहेत - ते तयार होतात कलात्मक भाषा... हे मास्टरचे स्वातंत्र्य नाही, ज्याने त्याला पाहिजे तेथे एक जाड पायवाट सोडली, परंतु दुसर्या ठिकाणी, उलटपक्षी, ते रंगवले नाही - चित्रातील प्रत्येक गोष्टीचा स्वतःचा अर्थ आणि महत्त्व आहे आणि यादृच्छिक वर्ण धारण करत नाही. .

दुसरे म्हणजे, रंग नेहमी काही प्रकारचा भावनिक अर्थ असतो आणि तो वेगळ्या पद्धतीने समजला जातो. वेगवेगळ्या लोकांद्वारेवेगवेगळ्या अवस्थेत, म्हणून, भावनिक तटस्थता दर्शकांना संवादात पुरेशा प्रमाणात प्रवेश करू देते, त्याला समज, चिंतन, विचार यांच्यावर विल्हेवाट लावते.

तिसरे म्हणजे, हा यिन आणि यांगचा परस्परसंवाद आहे, कोणतीही मोनोक्रोम पेंटिंग शाईच्या गुणोत्तराच्या बाबतीत आणि कागदाच्या अस्पर्शित क्षेत्राच्या बाबतीत सुसंवादी आहे.

बहुतेक कागदाची जागा का वापरली जात नाही?

"लँडस्केप" Syubun, 15 व्या शतकाच्या मध्यभागी.

प्रथम, रिकामी जागा दर्शकाला प्रतिमेत बुडवते; दुसरे म्हणजे, प्रतिमा अशी तयार केली गेली आहे की ती क्षणार्धात पृष्ठभागावर तरंगली आहे आणि अदृश्य होणार आहे - हे जागतिक दृश्य आणि जागतिक दृश्यामुळे आहे; तिसरे म्हणजे, ज्या भागात शाई नसते, तिथे कागदाचा पोत आणि सावली समोर येते (हे नेहमी पुनरुत्पादनावर दिसून येत नाही, परंतु खरं तर ते नेहमी दोन साहित्य - कागद आणि शाईचा परस्परसंवाद असतो).

सेशु, 1446

लँडस्केप का?

जियामी, 1478 द्वारे "फॉल्सचे चिंतन".

जपानी जागतिक दृष्टिकोनानुसार, निसर्ग मनुष्यापेक्षा अधिक परिपूर्ण आहे, म्हणून त्याने त्यातून शिकले पाहिजे, प्रत्येक संभाव्य मार्गाने त्याची काळजी घेतली पाहिजे आणि त्याचा नाश किंवा वश करू नये. म्हणून, बर्याच लँडस्केपमध्ये आपण लोकांच्या लहान प्रतिमा पाहू शकता, परंतु त्या नेहमीच क्षुल्लक असतात, लँडस्केपच्या संदर्भात लहान असतात किंवा झोपड्यांच्या प्रतिमा ज्या आसपासच्या जागेत कोरलेल्या असतात आणि नेहमी लक्षातही येत नाहीत - ही सर्व प्रतीके आहेत. जागतिक दृश्य.

"ऋतू: शरद ऋतू आणि हिवाळा" सेशु. "लँडस्केप" सेशु, 1481

शेवटी, मला असे म्हणायचे आहे की मोनोक्रोम जपानी चित्रकला अव्यवस्थितपणे स्प्लॅश केलेली शाई नाही, ही कलाकाराच्या आंतरिक अहंकाराची लहर नाही - ती आहे संपूर्ण प्रणालीप्रतिमा आणि चिन्हे, हे तात्विक विचारांचे भांडार आहे आणि सर्वात महत्त्वाचे म्हणजे, स्वतःचा आणि आपल्या सभोवतालच्या जगाचा संवाद आणि सुसंवाद साधण्याचा एक मार्ग आहे.

येथे, मला वाटते, मोनोक्रोम जपानी पेंटिंगचा सामना करताना दर्शकामध्ये उद्भवणार्या मुख्य प्रश्नांची उत्तरे आहेत. मला आशा आहे की ते तुम्हाला ते सर्वात योग्यरित्या समजून घेण्यास मदत करतील आणि तुम्ही भेटाल तेव्हा ते समजून घ्याल.

जपानी शास्त्रीय चित्रकलालांब आहे आणि मनोरंजक कथा... जपानच्या ललित कलांचे प्रतिनिधित्व केले जाते विविध शैलीआणि शैली, ज्यापैकी प्रत्येक त्याच्या स्वत: च्या मार्गाने अद्वितीय आहे. कांस्य डोटाकू घंटा आणि मातीच्या भांड्यांवर सापडलेल्या प्राचीन पेंट केलेल्या मूर्ती आणि भौमितिक आकृतिबंध 300 AD च्या आहेत.

बौद्ध कला अभिमुखता

जपानमध्ये, भिंत पेंटिंगची कला चांगली विकसित झाली होती; 6 व्या शतकात, बौद्ध धर्माच्या तत्त्वज्ञानाच्या थीमवरील प्रतिमा विशेषतः लोकप्रिय होत्या. त्या वेळी, देशात मोठी मंदिरे बांधली जात होती आणि त्यांच्या भिंती सर्वत्र बौद्ध पौराणिक कथा आणि दंतकथांच्या विषयांवर चित्रित केलेल्या भित्तिचित्रांनी सजलेल्या होत्या. आत्तापर्यंत, नारा या जपानी शहराजवळील होर्युजी मंदिरात भिंतीवरील चित्रांची प्राचीन उदाहरणे जतन केलेली आहेत. होर्युजीचे भित्तिचित्र बुद्ध आणि इतर देवतांच्या जीवनातील दृश्ये दर्शवतात. या भित्तीचित्रांची कलात्मक शैली चीनमधील सॉन्ग राजवंशात लोकप्रिय असलेल्या चित्रमय संकल्पनेच्या अगदी जवळ आहे.

नारा कालखंडाच्या मध्यात तांग राजवंशाच्या चित्रकला शैलीला विशेष लोकप्रियता मिळाली. ताकामात्सुझुका थडग्यात सापडलेली भित्तिचित्रे या काळातील आहेत, सुमारे 7 व्या शतकातील आहेत. तांग राजवंशाच्या प्रभावाखाली तयार झालेल्या कलात्मक तंत्राने नंतर कारा-ईच्या चित्रकला शैलीचा आधार बनविला. यामाटो-ई शैलीतील पहिली कामे दिसेपर्यंत ही शैली लोकप्रिय राहिली. बहुतेक फ्रेस्को आणि पेंटिंग मास्टरपीस अज्ञात लेखकांच्या ब्रशशी संबंधित आहेत; आज त्या काळातील बरीच कामे सेसोइन ट्रेझरीमध्ये ठेवली आहेत.

तेंडाई सारख्या नवीन बौद्ध शाळांच्या वाढत्या प्रभावाने व्यापक धार्मिक अभिमुखतेवर प्रभाव टाकला आहे. व्हिज्युअल आर्ट्स 8व्या आणि 9व्या शतकात जपान. 10 व्या शतकात, ज्याने जपानी बौद्ध धर्मात विशेष प्रगती पाहिली, रायगोडझूची शैली, "स्वागत चित्रे" दिसू लागली, ज्यामध्ये पश्चिम नंदनवनात बुद्धाच्या आगमनाचे चित्रण होते. 1053 पासूनची रायगोडझूची सुरुवातीची उदाहरणे क्योटो प्रांतातील उजी शहरात संरक्षित असलेल्या बेडो-इन मंदिरात पाहिली जाऊ शकतात.

शैली बदलणे

Heian कालावधी मध्यभागी, बदलले चीनी शैली kara-e yamato-e ची शैली येते, जी बर्‍याच काळापासून जपानी पेंटिंगच्या सर्वात लोकप्रिय आणि मागणी असलेल्या शैलींपैकी एक बनली आहे. नवीन चित्रकला शैली मुख्यत्वे फोल्डिंग स्क्रीन आणि सरकत्या दारांच्या पेंटिंगवर लागू केली गेली. कालांतराने, yamato-e क्षैतिज इमाकिमोनो स्क्रोलवर हलवले. इमाकी शैलीत काम करणार्‍या कलाकारांनी त्यांच्या कामात निवडलेल्या कथानकाची सर्व भावनिकता व्यक्त करण्याचा प्रयत्न केला. गेन्जी मोनोगातारी स्क्रोलमध्ये अनेक भाग एकत्र जोडलेले होते, त्यावेळचे कलाकार जलद स्ट्रोक आणि तेजस्वी, अर्थपूर्ण रंग वापरतात.

ई-माकी हे ओटोको-ई, पुरुषांच्या पोर्ट्रेटच्या शैलीतील सर्वात जुने आणि सर्वात प्रमुख उदाहरणांपैकी एक आहे. ओन्ना-ई ही एक वेगळी शैली म्हणून स्त्रियांची चित्रे काढली जातात. या शैलींमध्ये, खरं तर, तसेच पुरुष आणि स्त्रियांमध्ये, बरेच लक्षणीय फरक आहेत. टेल ऑफ गेंजीच्या डिझाइनमध्ये ओन्ना-ई शैली रंगीतपणे सादर केली गेली आहे, जिथे रेखाचित्रांच्या मुख्य थीममध्ये रोमँटिक कथानक, न्यायालयीन जीवनातील दृश्ये यांचा समावेश आहे. पुरुष ओटोको-ई शैली ही प्रामुख्याने ऐतिहासिक लढाया आणि इतर गोष्टींचे कलात्मक चित्रण आहे. महत्वाच्या घटनासाम्राज्याच्या जीवनात.

शास्त्रीय जपानी कला शाळा कल्पनांच्या विकासासाठी आणि प्रचारासाठी सुपीक मैदान बनले आहे समकालीन कलाजपान, ज्यामध्ये पॉप संस्कृती आणि अॅनिमचा प्रभाव स्पष्टपणे आढळतो. सर्वात प्रसिद्ध एक जपानी कलाकारआधुनिकतेला ताकाशी मुराकामी म्हटले जाऊ शकते, ज्यांचे कार्य जपानी जीवनातील दृश्यांच्या चित्रणासाठी समर्पित आहे युद्धोत्तर कालावधीआणि कमाल विलीन संकल्पना ललित कलाआणि मुख्य प्रवाहात.

शास्त्रीय शाळेतील प्रसिद्ध जपानी कलाकारांपैकी, खालील नावे दिली जाऊ शकतात.

ताणें शुबून

शुबुनने 15 व्या शतकाच्या सुरूवातीस काम केले, सॉन्ग राजवंशाच्या काळातील चिनी मास्टर्सच्या कामांचा अभ्यास करण्यासाठी बराच वेळ दिला, हा माणूस जपानी लोकांच्या उत्पत्तीवर उभा राहिला. उत्तम शैली... शुबूनला सुमी-ई शैली, मोनोक्रोम इंक पेंटिंगचे संस्थापक मानले जाते. त्याने नवीन शैली लोकप्रिय करण्यासाठी बरेच प्रयत्न केले, ते जपानी चित्रकलेच्या अग्रगण्य दिशांपैकी एक बनले. Syubun चे बरेच विद्यार्थी होते जे नंतर झाले प्रसिद्ध कलाकारसेशू आणि कानो मासानोबू या प्रसिद्ध कला विद्यालयाचे संस्थापक यांचा समावेश आहे. अनेक लँडस्केपचे श्रेय स्युबूनच्या लेखकत्वाला दिले गेले आहे, परंतु त्यांचे सर्वात प्रसिद्ध काम पारंपारिकपणे बांबू ग्रोव्हमध्ये वाचन मानले जाते.

ओगाटा कोरिन (१६५८-१७१६)

ओगाटा कोरिन हे जपानी चित्रकलेच्या इतिहासातील महान कलाकारांपैकी एक आहेत, रिम्प कला शैलीचे संस्थापक आणि सर्वात उज्ज्वल प्रतिनिधींपैकी एक आहेत. त्याच्या कृतींमध्ये, कोरीन धैर्याने पारंपारिक रूढींपासून दूर गेला, त्याने स्वतःची शैली तयार केली, ज्याची मुख्य वैशिष्ट्ये लहान स्वरूपे आणि कथानकाची स्पष्ट छाप होती. कोरीन निसर्गाचे चित्रण आणि अमूर्त रंग रचनांसह काम करण्याच्या त्याच्या विशेष कौशल्यासाठी ओळखले जाते. "प्लम ब्लॉसम इन रेड अँड व्हाईट" हे ओगाटा कोरिनच्या सर्वात प्रसिद्ध कामांपैकी एक आहे, त्यांची "क्रिसॅन्थेमम्स", "वेव्ह्स ऑफ मात्सुशिमा" आणि इतर अनेक चित्रे देखील प्रसिद्ध आहेत.

हसेगावा तोहाकू (१५३९-१६१०)

तोहाकू हे जपानी आर्ट स्कूल हसेगावाचे संस्थापक आहेत. च्या साठी प्रारंभिक कालावधीसर्जनशीलता Tohaku जपानी चित्रकला प्रसिद्ध शाळा प्रभाव द्वारे दर्शविले जाते कानो, पण कालांतराने कलाकाराने स्वतःची वेगळी शैली निर्माण केली आहे. अनेक प्रकारे, तोहाकूच्या कार्यावर मान्यताप्राप्त मास्टर सेशूच्या कार्याचा प्रभाव होता, होसेगावाने स्वतःला या महान गुरुचे पाचवे उत्तराधिकारी मानले. हसेगावा तोहाकू यांच्या ‘द पाइन्स’ या चित्राला मिळाले जागतिक कीर्ती, त्याच्या "मॅपल", "पाइन्स आणि फ्लॉवरिंग प्लांट्स" आणि इतर कामांसाठी देखील ओळखले जाते.

कानो इतोकू (१५४३-१५९०)

कानो शाळेच्या शैलीने जपानमधील व्हिज्युअल आर्ट्सवर सुमारे चार शतके वर्चस्व गाजवले आहे आणि कानो इतोकू कदाचित या कला शाळेतील सर्वात प्रसिद्ध आणि प्रमुख प्रतिनिधींपैकी एक आहे. इतोकूला अधिकार्‍यांनी दयाळूपणे वागणूक दिली, अभिजात आणि श्रीमंत संरक्षकांचे संरक्षण त्याच्या शाळेच्या बळकटीकरणात योगदान देऊ शकले नाही आणि यातील कामांची लोकप्रियता, निःसंशयपणे, एक अतिशय प्रतिभावान कलाकार. इतोकू कानोने रंगवलेला सायप्रस आठ-पॅनल स्लाइडिंग स्क्रीन ही एक खरी उत्कृष्ट नमुना आहे आणि मोनोयामा शैलीच्या व्याप्ती आणि सामर्थ्याचे ज्वलंत उदाहरण आहे. मास्टरची इतर कामे कमी मनोरंजक दिसत नाहीत, जसे की "चार ऋतूंचे पक्षी आणि झाडे", "चिनी सिंह", "हर्मिट्स आणि फेयरी" आणि इतर अनेक.

कात्सुशिका होकुसाई (१७६०-१८४९)

होकुसाई - सर्वात मोठा गुरु ukiyo-e शैली (जपानी वुडकट). होकुसाईची सर्जनशीलता प्राप्त झाली जागतिक ओळख, इतर देशांमध्ये त्याची कीर्ती बहुतेक आशियाई कलाकारांच्या लोकप्रियतेशी तुलना करता येत नाही, त्याचे कार्य " एक मोठी लाटकानागावा मध्ये "असे काहीतरी झाले व्यवसाय कार्डजागतिक कला दृश्यावर जपानी ललित कला. त्याच्यावर सर्जनशील मार्गहोकुसाईने तीस पेक्षा जास्त टोपणनावे वापरली, साठ नंतर कलाकाराने स्वतःला पूर्णपणे कलेमध्ये वाहून घेतले आणि हा काळ त्याच्या कामाचा सर्वात फलदायी काळ मानला जातो. होकुसाईच्या कार्याचा प्रभाव पाश्चात्य इंप्रेशनिस्ट आणि पोस्ट-इम्प्रेशनिस्ट मास्टर्सच्या कार्यावर पडला, ज्यामध्ये रेनोईर, मोनेट आणि व्हॅन गॉग यांचा समावेश आहे.

प्रत्येक देशाचे समकालीन कलेचे स्वतःचे नायक आहेत, ज्यांची नावे सुप्रसिद्ध आहेत, ज्यांच्या प्रदर्शनांना चाहते आणि उत्सुकता जमते आणि ज्यांची कामे खाजगी संग्रहांमध्ये विखुरली जातात.

या लेखात, आम्ही सर्वात लोकप्रिय तुमची ओळख करून देऊ समकालीन कलाकारजपान.

केको तानाबे

क्योटो येथे जन्मलेल्या केइकोने लहानपणी अनेकांना जिंकले कला स्पर्धा, परंतु उच्च शिक्षणकलेच्या क्षेत्रात अजिबात मिळालेले नाही. विभागात काम केले आंतरराष्ट्रीय संबंधटोकियो मधील जपानी स्वयं-सरकारी व्यापार संघटनेत, मोठ्या प्रमाणात कायदा फर्मसॅन फ्रान्सिस्कोमध्ये आणि सॅन दिएगोमधील एका खाजगी सल्लागार कंपनीत, मोठ्या प्रमाणावर प्रवास केला. तिने 2003 मध्ये तिची नोकरी सोडली आणि सॅन दिएगोमध्ये वॉटर कलर पेंटिंगची मूलभूत माहिती शिकून तिने स्वतःला केवळ कलेसाठी समर्पित केले.

इकेनागा यासुनारी

जपानी कलाकार इकेनागा यासुनारी पोर्ट्रेट रंगवत आहेत आधुनिक महिलाप्राचीन मध्ये जपानी परंपरामेन्सो ब्रश, खनिज रंगद्रव्ये, कार्बन ब्लॅक, शाई आणि तागाचे आधार म्हणून पेंटिंग. त्याची पात्रे आपल्या काळातील स्त्रिया आहेत, परंतु निहोंगा शैलीमुळे, त्या अनादी काळापासून आपल्याकडे आल्याचा अनुभव येतो.

अबे तोशियुकी

अबे तोशियुकी एक वास्तववादी कलाकार आहे ज्याने वॉटर कलर तंत्रात उत्तम प्रकारे प्रभुत्व मिळवले आहे. आबे यांना कलाकार-तत्त्वज्ञ म्हटले जाऊ शकते: ते मुळात सुप्रसिद्ध खुणा रंगवत नाहीत, प्रतिबिंबित करणार्‍या व्यक्तिनिष्ठ रचनांना प्राधान्य देतात. अंतर्गत अवस्थात्यांना पाहणारी व्यक्ती.

हिरोको सकाई

एक कलाकार म्हणून हिरोको साकाईची कारकीर्द फुकुओका शहरात 90 च्या दशकाच्या सुरुवातीला सुरू झाली. Seinan Gakuin University आणि Nihon फ्रेंच स्कूल ऑफ इंटिरियर डिझाइन इन डिझाईन आणि व्हिज्युअलायझेशनमधून पदवी घेतल्यानंतर तिने Atelier Yume-Tsumugi Ltd ची स्थापना केली. आणि हा स्टुडिओ 5 वर्षे यशस्वीपणे सांभाळला. तिची अनेक कामे रुग्णालयांच्या लॉबी, मोठ्या कॉर्पोरेशनची कार्यालये आणि जपानमधील काही महापालिका इमारतींना शोभतात. युनायटेड स्टेट्समध्ये गेल्यानंतर हिरोकोने तेलात रंगकाम करण्यास सुरुवात केली.

रिसुके फुकाहोरी

रिउसुकी फुकाहोरीचे त्रिमितीय कार्य होलोग्रामसारखे आहे. ते पूर्ण होतात रासायनिक रंग, अनेक स्तरांमध्ये सुपरइम्पोज केलेले, आणि राळचा पारदर्शक द्रव - हे सर्व, पारंपारिक पद्धती जसे की सावल्या काढणे, कडा मऊ करणे, पारदर्शकता नियंत्रित करणे, वगळता, रिसुकीला शिल्पकला चित्रे तयार करण्यास अनुमती देते आणि त्याच्या कामांना खोली आणि वास्तववाद देते.

नात्सुकी ओटानी

नत्सुकी ओटानी हे इंग्लंडमध्ये राहणारे आणि काम करणारे प्रतिभावान जपानी चित्रकार आहेत.

माकोटो मुरामात्सु

माकोटो मुरामात्सूने त्याच्या कलेचा आधार म्हणून विजय-विजय थीम निवडली - तो मांजरी काढतो. त्याची चित्रे जगभरात लोकप्रिय आहेत, विशेषतः कोडींच्या स्वरूपात.

तेत्सुया मिशिमा

समकालीन जपानी कलाकार मिशिमाची बहुतेक चित्रे तेलात बनवलेली आहेत. 90 च्या दशकापासून ती व्यावसायिकपणे पेंटिंगमध्ये गुंतलेली आहे, तिच्याकडे अनेक आहेत वैयक्तिक प्रदर्शनेआणि मोठ्या संख्येने सामूहिक प्रदर्शने, जपानी आणि परदेशी दोन्ही.

नमस्कार, प्रिय वाचकांनो- ज्ञान आणि सत्याचे साधक!

जपानी कलाकार त्यांच्या अनोख्या शैलीने ओळखले जातात, कलाकारांच्या पिढ्यांद्वारे त्यांचा सन्मान केला जातो. आज आम्ही तुम्हाला प्राचीन काळापासून आधुनिक काळापर्यंत जपानी चित्रकलेचे प्रमुख प्रतिनिधी आणि त्यांच्या चित्रांबद्दल सांगू.

बरं, उगवत्या सूर्याच्या भूमीच्या कलेमध्ये डुंबू या.

कलेचा जन्म

जपानमधील चित्रकलेची प्राचीन कला प्रामुख्याने लेखनाच्या वैशिष्ठ्यांशी संबंधित आहे आणि म्हणूनच ती सुलेखनाच्या पायावर बांधली गेली आहे. पहिल्या नमुन्यांमध्ये उत्खननादरम्यान सापडलेल्या कांस्य घंटा, भांडी आणि घरगुती वस्तूंचा समावेश आहे. त्यापैकी बरेच नैसर्गिक रंगांनी रंगवले गेले होते आणि संशोधन असे सूचित करते की उत्पादने 300 बीसी पेक्षा पूर्वी तयार केली गेली होती.

कलेच्या विकासाची एक नवीन फेरी जपानमध्ये आल्यापासून सुरू झाली. इमाकिमोनोवर - कागदापासून बनवलेल्या विशेष स्क्रोल - बौद्ध धर्माच्या देवतांच्या प्रतिमा, शिक्षक आणि त्याच्या अनुयायांच्या जीवनातील दृश्ये लागू केली गेली.

पेंटिंगमधील धार्मिक थीमचे प्राबल्य मध्ययुगीन जपानमध्ये, म्हणजे 10 व्या ते 15 व्या शतकापर्यंत शोधले जाऊ शकते. दुर्दैवाने त्या काळातील कलाकारांची नावे आजपर्यंत टिकलेली नाहीत.

15-18 शतकांच्या कालावधीत, एक नवीन युग सुरू होते, ज्याचे वैशिष्ट्य विकसित कलाकारांच्या उदयाने होते. वैयक्तिक शैली... त्यांनी वेक्टर नियुक्त केले पुढील विकासव्हिज्युअल आर्ट्स.

भूतकाळातील उज्ज्वल प्रतिनिधी

तणावपूर्ण शुबून (15 व्या शतकाच्या सुरुवातीस)

होण्यासाठी एक उत्कृष्ट मास्टरझीबुन यांनी चीनमधील गाण्याच्या कलाकारांच्या लेखन तंत्राचा आणि त्यांच्या कामाचा अभ्यास केला. त्यानंतर, तो जपानमधील चित्रकलेचा संस्थापक आणि सुमी-ईचा निर्माता बनला.

सुमी-ई - कला शैली, जे इंक पेंटिंगवर आधारित आहे, ज्याचा अर्थ एक रंग आहे.

शुबुनने खूप काही केले नवीन शैलीकला वर्तुळात रुजले. त्यांनी भविष्यासह इतर प्रतिभांना कला शिकवली प्रसिद्ध चित्रकार, उदाहरणार्थ Sesshu.

सर्वात लोकप्रिय चित्रकलाशुबुनाला "बांबू ग्रोव्हमध्ये वाचन" म्हणतात.

टेन्स शुबूनचे "बांबू ग्रोव्हमध्ये वाचन".

हसेगावा तोहाकू (१५३९-१६१०)

तो स्वतःच्या नावाच्या शाळेचा संस्थापक बनला - हसेगावा. सुरुवातीला, त्याने कानो शाळेच्या नियमांचे पालन करण्याचा प्रयत्न केला, परंतु हळूहळू त्याचे वैयक्तिक "हस्ताक्षर" त्याच्या कामांमध्ये शोधले जाऊ लागले. तोहाकू यांनी सेशूच्या ग्राफिक्सचे मार्गदर्शन केले.

काम साधे, लॅकोनिक, पण आधारित होते वास्तववादी लँडस्केप्ससाध्या नावांसह:

• "पाइन्स";
• "मॅपल";
• "पाइन्स आणि फ्लॉवरिंग प्लांट्स".

"द पाइन्स", हसेगावा तोहाकू

बंधू ओगाटा कोरिन (१६५८-१७१६) आणि ओगाटा केन्झान (१६६३-१७४३)

भाऊ होते उत्कृष्ट कारागीर 18 वे शतक. सर्वात ज्येष्ठ, ओगाटा कोरिन यांनी स्वतःला पूर्णपणे चित्रकलेसाठी समर्पित केले आणि रिंप शैलीची स्थापना केली. इंप्रेशनिस्ट शैलीला प्राधान्य देऊन त्याने रूढीवादी प्रतिमा टाळल्या.

ओगाटा कोरिन यांनी सर्वसाधारणपणे निसर्ग आणि विशेषत: अमूर्ततेची चमक म्हणून फुले रंगवली. त्याचे ब्रश पेंटिंगचे आहेत:

• "प्लम ब्लॉसम लाल आणि पांढरा";
• "मात्सुशिमाच्या लाटा";
• "क्रिसॅन्थेमम्स".

ओगाटा कोरिन द्वारे "मात्सुशिमाच्या लाटा".

धाकटा भाऊ ओगाटा केन्झन याला अनेक टोपणनावे होती. जरी ते चित्रकलेमध्ये गुंतले असले तरी ते एक अद्भुत सिरॅमिस्ट म्हणून अधिक प्रसिद्ध होते.

ओगाटा केन्झन सिरॅमिक्स तयार करण्याच्या अनेक तंत्रांमध्ये पारंगत होते. त्याला मानक नसलेल्या दृष्टिकोनाने ओळखले गेले, उदाहरणार्थ, त्याने चौरसाच्या स्वरूपात प्लेट्स तयार केल्या.

त्याचे स्वतःचे चित्र वैभवाने वेगळे नव्हते - हे देखील त्याचे वैशिष्ट्य होते. त्यांना स्क्रोल किंवा कवितेतील उतारे यांसारख्या उत्पादनांवर कॅलिग्राफी लागू करणे आवडते. कधीकधी त्यांनी त्यांच्या भावासोबत एकत्र काम केले.

कात्सुशिका होकुसाई (१७६०-१८४९)

त्याने उकिओ-ई शैलीत काम केले - एक प्रकारचा वुडकट, दुसऱ्या शब्दांत, खोदकाम. सर्जनशीलतेच्या सर्व काळासाठी, त्याने सुमारे 30 नावे बदलली. प्रसिद्ध काम- "द ग्रेट वेव्ह ऑफ कानागावा", ज्यामुळे तो त्याच्या मातृभूमीबाहेर प्रसिद्ध झाला.

Hokusai Katsushika ची कानागावा बंद असलेली ग्रेट वेव्ह

होकुसाईने 60 वर्षांनंतर विशेषतः कठोर परिश्रम करण्यास सुरुवात केली, ज्यामुळे चांगले परिणाम मिळाले. व्हॅन गॉग, मोनेट, रेनोइर हे त्याच्या कार्याशी परिचित होते आणि काही प्रमाणात त्याचा युरोपियन मास्टर्सच्या कामांवर प्रभाव पडला.

आंदो हिरोशिगे (१७९१-१८५८)

पैकी एक महान कलाकार 19 वे शतक. जन्मले, जगले, एडोमध्ये काम केले, होकुसाईचे काम चालू ठेवले, त्यांच्या कामातून प्रेरणा मिळाली. त्याने ज्या प्रकारे निसर्गाचे चित्रण केले ते जवळजवळ स्वतःच्या कामांच्या संख्येइतकेच लक्षवेधक आहे.

ईदो - पूर्वीचे नावटोकियो.

त्याच्या कार्याबद्दल येथे काही आकडे आहेत, जे चित्रांच्या चक्राद्वारे दर्शविले जातात:

• 5.5 हजार - सर्व कोरीव कामांची संख्या;
• "इडोचे 100 दृश्ये;
• "फुजीची 36 दृश्ये";
• "किसोकाईदोची 69 स्थानके";
• "टोकाइडोची 53 स्थानके".

अँडो हिरोशिगेचे चित्रकला

विशेष म्हणजे, उत्कृष्ट व्हॅन गॉगने त्याच्या कोरीव कामांच्या दोन प्रती रंगवल्या.

आधुनिकता

ताकाशी मुराकामी

चित्रकार, शिल्पकार, फॅशन डिझायनर, त्याने 20 व्या शतकाच्या शेवटी आधीच नाव कमावले आहे. तिच्या कामात, ती क्लासिकच्या घटकांसह फॅशन ट्रेंडचे पालन करते आणि अॅनिम आणि मांगा कार्टूनमधून प्रेरणा घेते.

ताकाशी मुराकामी यांचे चित्र

ताकाशी मुराकामीची कामे उपसंस्कृती मानली जातात, परंतु ती आश्चर्यकारकपणे लोकप्रिय आहेत. उदाहरणार्थ, 2008 मध्ये, त्याचे एक काम लिलावात $ 15 दशलक्ष पेक्षा जास्त विकत घेतले गेले. एका वेळी, आधुनिक निर्मात्याने "मार्क जेकब्स" आणि "लुई व्हिटन" या फॅशन हाऊसेसच्या संयोगाने काम केले.

टायको असिमा

मागील कलाकाराची सहचर, ती समकालीन अतिवास्तव चित्रे तयार करते. ते शहरे, मेगालोपोलिसचे रस्ते आणि प्राण्यांची दृश्ये दर्शवतात जणू दुसर्या विश्वातील - भूत, दुष्ट आत्मे, परदेशी मुली. चित्रांच्या पार्श्वभूमीत, आपण अनेकदा प्राचीन, कधीकधी अगदी भयानक निसर्ग देखील पाहू शकता.

तिची चित्रे मोठ्या आकारात पोहोचतात आणि क्वचितच कागदी माध्यमांपुरती मर्यादित असतात. ते लेदर, प्लास्टिक सामग्रीमध्ये हस्तांतरित केले जातात.

2006 मध्ये, ब्रिटीश राजधानीत एका प्रदर्शनाचा भाग म्हणून, एका महिलेने सुमारे 20 कमानदार रचना तयार केल्या ज्या रात्रंदिवस ग्रामीण भाग आणि शहराचे सौंदर्य प्रतिबिंबित करतात. त्यातील एकाने मेट्रो स्थानक सुशोभित केले.

अरे अरकावा

या तरुणाला या शब्दाच्या शास्त्रीय अर्थाने फक्त एक कलाकार म्हणता येणार नाही - तो 21 व्या शतकातील कलेमध्ये लोकप्रिय असलेल्या स्थापनेची निर्मिती करतो. त्याच्या प्रदर्शनांची थीम खरोखर जपानी आहेत आणि मैत्रीपूर्ण संबंधांना स्पर्श करतात, तसेच संपूर्ण टीमचे कार्य.

अरे अरकावा अनेकदा विविध द्विवार्षिकांमध्ये भाग घेतो, उदाहरणार्थ, व्हेनिसमध्ये, त्याच्या जन्मभूमीतील आधुनिक कला संग्रहालयात प्रदर्शित केले जाते आणि विविध प्रकारचे पुरस्कार योग्यरित्या प्राप्त करतात.

इकेनागा यासुनारी

आधुनिक चित्रकार इकेनागा यासुनारीने दोन विसंगत गोष्टी एकत्र केल्या: आजच्या मुलींचे पोर्ट्रेट स्वरूपात जीवन आणि प्राचीन काळापासून जपानची पारंपारिक तंत्रे. त्याच्या कामात, चित्रकार विशेष ब्रशेस, नैसर्गिक रंगद्रव्य रंग, शाई आणि कोळसा वापरतो. नेहमीच्या लिनेनऐवजी - लिनेन फॅब्रिक.

Ikenaga Yasunari द्वारे चित्रकला

चित्रित युगाचे समान कॉन्ट्रास्ट तंत्र आणि देखावानायिका भूतकाळापासून आपल्याकडे परत आल्याचा आभास देतात.

मध्ये लोकप्रिय अलीकडेइंटरनेट समुदायामध्ये, मगरीच्या जीवनातील गुंतागुंतीबद्दल चित्रांची मालिका जपानी व्यंगचित्रकार केगो यांनी देखील तयार केली होती.

निष्कर्ष

तर, जपानी चित्रकलातिसर्‍या शतकाच्या आसपास उगम पावला, आणि तेव्हापासून ते खूप बदलले आहे. प्रथम प्रतिमा सिरेमिकवर लागू केल्या गेल्या, नंतर कलांमध्ये बौद्ध हेतू प्रबळ होऊ लागले, परंतु लेखकांची नावे आजपर्यंत टिकली नाहीत.

आधुनिक काळाच्या युगात, ब्रश मास्टर्सने अधिकाधिक व्यक्तिमत्व प्राप्त केले, तयार केले भिन्न दिशानिर्देश, शाळा. आजची ललित कला केवळ पारंपारिक चित्रकलेपुरती मर्यादित नाही - प्रतिष्ठापने, व्यंगचित्रे, कलात्मक शिल्पे आणि विशेष रचना वापरल्या जातात.

प्रिय वाचकांनो, तुमचे लक्ष दिल्याबद्दल खूप खूप धन्यवाद! आम्हाला आशा आहे की तुम्हाला आमचा लेख उपयुक्त वाटला आणि कलेच्या तेजस्वी प्रतिनिधींच्या जीवन आणि कार्याबद्दलच्या कथांनी तुम्हाला त्यांना अधिक चांगल्या प्रकारे जाणून घेण्याची परवानगी दिली.

अर्थात, पुरातन काळापासून ते आजपर्यंतच्या सर्व कलाकारांबद्दल एका लेखात सांगणे कठीण आहे. म्हणूनच, जपानी चित्रकलेच्या ज्ञानाच्या दिशेने हे पहिले पाऊल असू द्या.

आणि आमच्यात सामील व्हा - ब्लॉगची सदस्यता घ्या - चला बौद्ध धर्म आणि पूर्वेकडील संस्कृतीचा एकत्र अभ्यास करूया!

जर तुम्हाला असे वाटत असेल की सर्व महान कलाकार भूतकाळातील आहेत, तर तुम्ही किती चुकीचे आहात याची तुम्हाला कल्पना नाही. या लेखात, आपण सर्वात प्रसिद्ध आणि बद्दल शिकाल प्रतिभावान कलाकारआधुनिकता आणि, माझ्यावर विश्वास ठेवा, त्यांची कामे तुमच्या स्मरणात भूतकाळातील उस्तादांच्या कामांपेक्षा कमी खोलवर बुडतील.

वोज्शिच बाबस्की

वोज्शिच बाबस्की हा एक समकालीन पोलिश कलाकार आहे. त्यांनी सिलेशियन पॉलिटेक्निक इन्स्टिट्यूटमधून पदवी प्राप्त केली, परंतु स्वत: ला जोडले. अलीकडे, तो प्रामुख्याने महिला रेखाटत आहे. भावनांच्या अभिव्यक्तीवर लक्ष केंद्रित करते, सोप्या मार्गाने जास्तीत जास्त संभाव्य प्रभाव मिळविण्याचा प्रयत्न करते.

रंग आवडतो, परंतु सर्वोत्तम अनुभवासाठी अनेकदा काळ्या आणि राखाडीच्या छटा वापरतात. वेगवेगळ्या नवीन तंत्रांसह प्रयोग करण्यास घाबरत नाही. अलीकडे, ते परदेशात अधिकाधिक लोकप्रियता मिळवत आहे, मुख्यतः यूकेमध्ये, जिथे ते यशस्वीरित्या त्यांची कामे विकतात, जे आधीपासूनच अनेक खाजगी संग्रहांमध्ये आढळू शकतात. कलेव्यतिरिक्त, त्याला विश्वविज्ञान आणि तत्त्वज्ञानात रस आहे. जॅझ ऐकतो. तो सध्या कॅटोविसमध्ये राहतो आणि काम करतो.

वॉरेन चांग

वॉरेन चुंग - आधुनिक अमेरिकन कलाकार... 1957 मध्ये जन्मलेल्या आणि कॅलिफोर्नियाच्या मॉन्टेरी येथे वाढलेल्या, त्यांनी 1981 मध्ये पासाडेना आर्ट सेंटर कॉलेज ऑफ डिझाईनमधून कम लॉड पदवी प्राप्त केली, जिथे त्यांनी या क्षेत्रातील ललित कला पदवी मिळवली. 2009 मध्ये व्यावसायिक कलाकार म्हणून करिअर सुरू करण्यापूर्वी पुढील दोन दशके त्यांनी कॅलिफोर्निया आणि न्यूयॉर्कमधील विविध कंपन्यांसाठी चित्रकार म्हणून काम केले.

त्यांची वास्तववादी चित्रे दोन मुख्य श्रेणींमध्ये विभागली जाऊ शकतात: चरित्रात्मक अंतर्गत चित्रे आणि श्रमिक लोकांचे चित्रण करणारी चित्रे. चित्रकलेच्या या शैलीतील त्याची आवड 16 व्या शतकातील कलाकार जॅन वर्मीरच्या कामात रुजलेली आहे आणि ती वस्तू, स्व-चित्र, कुटुंबातील सदस्य, मित्र, विद्यार्थी, स्टुडिओ, वर्ग आणि घराच्या अंतर्गत वस्तूंची पोट्रेट यांमध्ये आहे. त्याचा उद्देश आहे वास्तववादी चित्रेप्रकाशाच्या फेरफार आणि निःशब्द रंगांचा वापर करून मूड आणि भावना निर्माण करा.

पारंपारिक व्हिज्युअल आर्ट्सकडे स्विच केल्यानंतर चँग प्रसिद्ध झाले. गेल्या 12 वर्षांत, त्यांनी अनेक पुरस्कार आणि सन्मान मिळवले आहेत, त्यापैकी सर्वात प्रतिष्ठित म्हणजे अमेरिकेतील तेल चित्रकारांचा सर्वात मोठा समुदाय असलेल्या ऑइल पेंटर्स असोसिएशन ऑफ अमेरिकाकडून मास्टर स्वाक्षरी. ५० पैकी फक्त एकाच व्यक्तीला हा पुरस्कार मिळण्याची संधी दिली जाते. वॉरन सध्या मॉन्टेरीमध्ये राहतो आणि त्याच्या स्टुडिओमध्ये काम करतो आणि तो सॅन फ्रान्सिस्को अकादमी ऑफ आर्ट्समध्ये (प्रतिभावान शिक्षक म्हणून ओळखला जातो) शिकवतो.

ऑरेलिओ ब्रुनी

ऑरेलिओ ब्रुनी - इटालियन कलाकार... ब्लेअर येथे जन्म, १५ ऑक्टोबर १९५५. स्पोलेटो येथील कला संस्थेतून स्टेज डिझाइनमध्ये पदवी प्राप्त केली. एक कलाकार म्हणून, तो स्वत: शिकलेला आहे, कारण त्याने शाळेत घातलेल्या पायावर स्वतंत्रपणे "ज्ञानाचे घर उभे केले". त्यांनी वयाच्या 19 व्या वर्षी तेलात चित्रकला सुरू केली. तो सध्या उंब्रिया येथे राहतो आणि काम करतो.

ब्रुनीच्या सुरुवातीच्या पेंटिंगचे मूळ अतिवास्तववादात आहे, परंतु कालांतराने तो गीतात्मक रोमँटिसिझम आणि प्रतीकवादाच्या निकटतेवर लक्ष केंद्रित करू लागतो, त्याच्या पात्रांच्या शुद्ध परिष्कार आणि शुद्धतेसह हे संयोजन वाढवतो. सजीव आणि निर्जीव वस्तू समान प्रतिष्ठा प्राप्त करतात आणि जवळजवळ अतिवास्तववादी दिसतात, परंतु, त्याच वेळी, ते पडद्याच्या मागे लपत नाहीत, परंतु आपल्याला आपल्या आत्म्याचे सार पाहण्याची परवानगी देतात. अष्टपैलुत्व आणि परिष्कृतता, कामुकता आणि एकाकीपणा, विचारशीलता आणि फलदायीपणा हा ऑरेलिओ ब्रुनीचा आत्मा आहे, जो कलेच्या वैभवाने आणि संगीताच्या सुसंवादाने पोसलेला आहे.

अलेक्झांडर बालोस

अलकसांद्र बालोस हा तैलचित्रात माहिर असलेला समकालीन पोलिश कलाकार आहे. ग्लिविस, पोलंड येथे 1970 मध्ये जन्म झाला, परंतु 1989 पासून ते कॅलिफोर्नियामधील शास्ता येथे युनायटेड स्टेट्समध्ये राहतात आणि काम करत आहेत.

लहानपणी, त्याने आपले वडील जान यांच्या मार्गदर्शनाखाली कलेचा अभ्यास केला, जो एक स्वयं-शिक्षित कलाकार आणि शिल्पकार होता, त्यामुळे आधीच लहान वय, कलात्मक प्रयत्नांना दोन्ही पालकांचा पूर्ण पाठिंबा मिळाला. 1989 मध्ये, वयाच्या अठराव्या वर्षी, बालोस पोलंड सोडून युनायटेड स्टेट्सला गेले शाळेतील शिक्षकआणि अर्धवेळ कलाकार केटी गॅग्लियार्डीने अलकासांद्राला आर्ट स्कूलमध्ये जाण्यासाठी प्रोत्साहित केले. त्यानंतर बालोसला मिलवॉकी विस्कॉन्सिन विद्यापीठातून पूर्ण शिष्यवृत्ती मिळाली, जिथे त्यांनी तत्त्वज्ञानाचे प्राध्यापक हॅरी रोसिन यांच्याकडे चित्रकलेचा अभ्यास केला.

1995 मध्ये त्याचे शिक्षण पूर्ण केल्यानंतर आणि बॅचलर पदवी मिळवल्यानंतर, बालोस एका व्हिज्युअल आर्ट स्कूलमध्ये जाण्यासाठी शिकागोला गेले ज्याच्या पद्धती सर्जनशीलतेवर आधारित आहेत. जॅक-लुईस डेव्हिड... अलंकारिक वास्तववाद आणि पोर्ट्रेट पेंटिंगबनवलेले सर्वाधिक 90 च्या दशकात आणि 2000 च्या सुरुवातीच्या काळात बालोस द्वारे कार्य करते. आज बालोस मानवी आकृतीचा वापर वैशिष्ठ्ये ठळक करण्यासाठी आणि माणसाच्या उणीवा दर्शविण्यासाठी, कोणतेही उपाय न देता.

त्याच्या चित्रांच्या कथानकाच्या रचनांचा दर्शकाद्वारे स्वतंत्रपणे अर्थ लावायचा आहे, तरच कॅनव्हासेस त्यांचा खरा तात्कालिक आणि व्यक्तिनिष्ठ अर्थ प्राप्त करतील. 2005 मध्ये, कलाकार उत्तर कॅलिफोर्नियाला गेला, तेव्हापासून, त्याच्या कार्याची व्याप्ती लक्षणीयरीत्या विस्तारली आहे आणि आता त्यात अमूर्तता आणि विविध मल्टीमीडिया शैलींसह चित्रकलेच्या अधिक विनामूल्य पद्धतींचा समावेश आहे जे चित्रकलेद्वारे कल्पना आणि आदर्श व्यक्त करण्यास मदत करतात.

एलिसा भिक्षू

एलिसा मँक्स ही एक समकालीन अमेरिकन कलाकार आहे. तिचा जन्म 1977 मध्ये रिजवुड, न्यू जर्सी येथे झाला. ती लहान असतानाच चित्रकलेत रस घेऊ लागली. न्यूयॉर्कमधील न्यू स्कूलमध्ये शिक्षण घेतले आणि राज्य विद्यापीठमॉन्टक्लेअर, आणि 1999 मध्ये बोस्टन कॉलेजमधून पदवी घेतल्यानंतर, बॅचलर पदवी प्राप्त केली. त्याचबरोबर तिने फ्लॉरेन्समधील लोरेन्झो मेडिसी अकादमीमध्ये चित्रकलेचा अभ्यास केला.

त्यानंतर तिने न्यूयॉर्क अकादमी ऑफ आर्टमध्ये पदव्युत्तर पदवी प्रोग्रामवर अभ्यास सुरू ठेवला, 2001 मध्ये पदवी प्राप्त केली. 2006 मध्ये तिने फुलरटन कॉलेजमधून पदवी प्राप्त केली. काही काळ तिने विद्यापीठांमध्ये व्याख्यान दिले आणि शैक्षणिक संस्थादेशभरात, न्यूयॉर्क अकादमी ऑफ आर्ट, तसेच मॉन्टक्लेअर स्टेट युनिव्हर्सिटी आणि लाइम आर्ट अकादमी कॉलेजमध्ये चित्रकला शिकवली आहे.

“काच, विनाइल, पाणी आणि वाफ यासारखे फिल्टर वापरून, मी विकृत करतो मानवी शरीर... हे फिल्टर तुम्हाला तयार करण्याची परवानगी देतात मोठे क्षेत्रअमूर्त डिझाईन, त्यामधून डोकावणारी रंगाची बेटे - मानवी शरीराचे भाग.

माझी चित्रे आंघोळीच्या स्त्रियांच्या आधीच स्थापित, पारंपारिक पोझेस आणि हावभावांचा आधुनिक दृष्टिकोन बदलतात. पोहणे, नाचणे इत्यादींचे फायदे यांसारख्या स्वतःहून स्पष्ट दिसणार्‍या गोष्टींबद्दल ते लक्षवेधक दर्शकाला बरेच काही सांगू शकतात. माझी पात्रे शॉवरच्या खिडकीच्या काचेवर दाबली जातात, विकृत होतात स्वतःचे शरीर, हे लक्षात आले की ते त्याद्वारे एका नग्न स्त्रीच्या कुप्रसिद्ध पुरुष दृष्टिकोनावर प्रभाव पाडतात. दुरून काच, वाफ, पाणी आणि मांस यांची नक्कल करण्यासाठी पेंटचे जाड थर मिसळले जातात. तथापि, आश्चर्यकारक भौतिक गुणधर्म जवळून स्पष्ट होतात. तेल रंग... रंग आणि रंगाच्या थरांवर प्रयोग करून, मला एक क्षण सापडतो जिथे अमूर्त स्ट्रोक काहीतरी वेगळे बनतात.

जेव्हा मी पहिल्यांदा मानवी शरीराची चित्रे काढायला सुरुवात केली तेव्हा मला लगेचच भुरळ पडली आणि अगदी वेड लागले आणि मला माझी चित्रे शक्य तितक्या वास्तववादी बनवायची आहेत असा विश्वास वाटला. मी वास्तववाद उलगडू लागेपर्यंत आणि स्वतःमधील विरोधाभास प्रकट करेपर्यंत मी "अभिव्यक्त" केले. आता मी चित्रकलेच्या पद्धतीच्या शक्यता आणि संभाव्यता शोधत आहे, जिथे प्रतिनिधित्वात्मक चित्रकला आणि अमूर्तता भेटतात - जर दोन्ही शैली एकाच वेळी एकत्र असू शकतात, तर मी करेन. ”

अँटोनियो फिनेली

इटालियन कलाकार - " वेळ पाहणारा” - अँटोनियो फिनेली यांचा जन्म 23 फेब्रुवारी 1985 रोजी झाला. तो सध्या रोम आणि कॅम्पोबासो दरम्यान इटलीमध्ये राहतो आणि काम करतो. त्यांची कामे इटली आणि परदेशातील अनेक गॅलरीमध्ये प्रदर्शित केली गेली आहेत: रोम, फ्लॉरेन्स, नोवारा, जेनोवा, पालेर्मो, इस्तंबूल, अंकारा, न्यूयॉर्क, आणि ते खाजगी आणि सार्वजनिक संग्रहांमध्ये देखील आढळू शकतात.

पेन्सिल रेखाचित्र " वेळ पाहणारा"अँटोनियो फिनेली आम्हाला एका अनंतकाळच्या प्रवासाला घेऊन जातो आत्मीय शांतीमानवी तात्कालिकता आणि त्याच्याशी संबंधित या जगाचे एक विवेकपूर्ण विश्लेषण, ज्याचा मुख्य घटक म्हणजे काळाचा मार्ग आणि त्वचेवर दिसणारे ट्रेस.

फिनेली कोणत्याही वयोगटातील, लिंग आणि राष्ट्रीयतेच्या लोकांची चित्रे रंगवते, ज्यांचे चेहर्यावरील भाव कालांतराने साक्ष देतात, कलाकार देखील त्याच्या पात्रांच्या शरीरावर काळाच्या निर्दयतेचा पुरावा शोधण्याची आशा करतो. अँटोनियो त्याच्या कामांची व्याख्या एका सामान्य शीर्षकाद्वारे करतो: “स्व-चित्र”, कारण त्याच्या पेन्सिल रेखाचित्रांमध्ये तो केवळ एखाद्या व्यक्तीचेच चित्रण करत नाही, तर दर्शकांना एखाद्या व्यक्तीच्या आतल्या काळाच्या वास्तविक परिणामांवर चिंतन करण्याची परवानगी देतो.

फ्लॅमिनिया कार्लोनी

फ्लॅमिनिया कार्लोनी ही 37 वर्षीय इटालियन कलाकार आहे, ती एका राजनयिकाची मुलगी आहे. तिला तीन मुले आहेत. ती बारा वर्षे रोममध्ये, तीन वर्षे इंग्लंड आणि फ्रान्समध्ये राहिली. बीडी स्कूल ऑफ आर्टमधून कला इतिहासाची पदवी प्राप्त केली. मग तिला कलाकृतींचा पुनर्संचयित करणारा डिप्लोमा मिळाला. तिचा व्यवसाय शोधण्याआधी आणि चित्रकलेमध्ये स्वतःला पूर्णपणे समर्पित करण्यापूर्वी तिने पत्रकार, रंगकर्मी, डिझायनर आणि अभिनेत्री म्हणून काम केले.

फ्लेमिनियाला लहानपणी चित्रकलेची आवड निर्माण झाली. तिचे मुख्य माध्यम तेल आहे कारण तिला "कोफर ला पाटे" आवडते आणि ती सामग्रीसह खेळते. पास्कल टोरुआ या कलाकाराच्या कामात तिने असेच तंत्र शिकले. फ्लेमिनियाला बाल्थस, हॉपर आणि फ्रँकोइस लेग्रँड सारख्या महान चित्रकारांद्वारे तसेच विविध कलात्मक हालचालींपासून प्रेरणा मिळाली आहे: स्ट्रीट आर्ट, चिनी वास्तववाद, अतिवास्तववाद आणि पुनर्जागरण वास्तववाद. तिचा आवडता कलाकार कॅरावॅगिओ आहे. कलेची उपचारात्मक शक्ती शोधण्याचे तिचे स्वप्न आहे.

डेनिस चेरनोव्ह

डेनिस चेरनोव्ह - प्रतिभावान युक्रेनियन कलाकार, यांचा जन्म 1978 मध्ये साम्बोर, ल्विव्ह प्रदेश, युक्रेन येथे झाला. खारकोव्हमधून पदवी घेतल्यानंतर कला शाळा 1998 मध्ये तो खारकोव्हमध्ये राहिला, जिथे तो सध्या राहतो आणि काम करतो. त्याने खारकोव्ह येथेही अभ्यास केला राज्य अकादमीडिझाइन आणि कला, ग्राफिक्स विभाग, 2004 मध्ये पदवी प्राप्त केली.

त्यात तो नियमितपणे सहभागी होतो कला प्रदर्शने, वर हा क्षणत्यापैकी साठहून अधिक युक्रेन आणि परदेशात घडले. डेनिस चेरनोव्हची बहुतेक कामे युक्रेन, रशिया, इटली, इंग्लंड, स्पेन, ग्रीस, फ्रान्स, यूएसए, कॅनडा आणि जपानमधील खाजगी संग्रहात ठेवली आहेत. काही कामे क्रिस्टीजला विकली गेली.

डेनिस ग्राफिकच्या विस्तृत श्रेणीमध्ये कार्य करते आणि चित्रकला तंत्र... पेन्सिल रेखाचित्रे ही त्याच्या आवडत्या पेंटिंग पद्धतींपैकी एक आहे, त्याच्या पेन्सिल रेखाचित्रांसाठीच्या विषयांची यादी देखील खूप वैविध्यपूर्ण आहे, तो लँडस्केप, पोट्रेट, नग्न, लिहितो. शैलीतील रचना, पुस्तकातील चित्रे, साहित्यिक आणि ऐतिहासिक पुनर्रचनाआणि कल्पनारम्य.