थिएटरचा इतिहास प्राचीन ग्रीसमध्ये दोन हजार वर्षांपूर्वीचा आहे. सर्वात प्राचीन कलेचा उगम लोकांसाठी एक नेत्रदीपक मनोरंजन म्हणून झाला, वेशभूषा केलेल्या कलाकारांचे उत्सव दृश्ये. परफॉर्मन्स मूलतः ग्रेट डायोनिसियस, एक महान धार्मिक सुट्टीच्या अनुषंगाने ठरविण्यात आले होते.

आता थिएटर हे निःसंशयपणे शहरातून बकरीच्या कातड्यात गाणारी मिरवणूक आहे. तो झाला उच्च कला, उच्च समाज मनोरंजनाचा एक मार्ग, सांस्कृतिक ज्ञानाची जागा. थिएटरचा इतिहास ही विकासाची एक आकर्षक प्रक्रिया आहे जी आजही चालू आहे. आम्ही आमच्या लेखात वाचकांना सांगू. सादर केलेल्या सामग्रीमध्ये आपल्याला अनेक मनोरंजक तथ्ये देखील आढळतील. तर, चला सुरुवात करूया.

सुरू करा

इ.स.पूर्व ५व्या शतकात अथेन्स. ई नाट्यप्रदर्शन धार्मिक सुट्ट्यांचा अविभाज्य भाग होते. डायोनिससच्या पुतळ्यासह मिरवणुकांमध्ये आनंदी मंत्र आणि नाट्यमय खेळ होते. आम्ही असे म्हणू शकतो की अथेनियन थिएटरचा इतिहास हौशी कामगिरी म्हणून सुरू झाला एक लहान रक्कमदर्शक सुरुवातीला फक्त शोकांतिका रंगवल्या गेल्या, नंतर विनोद दाखवला जाऊ लागला. हे लक्षात घेण्यासारखे आहे की नाटके, नियम म्हणून, फक्त एकदाच दर्शविली गेली. यामुळे लेखकांना संबंधित, मनोरंजक कामे तयार करण्यास उत्तेजन मिळाले. नाटककाराने केवळ नाटकच लिहिले नाही, तर ते दिग्दर्शक, संगीतकार, नृत्यदिग्दर्शक आणि अगदी अभिनेत्याच्या भूमिकाही बजावत अभिनयात पूर्ण सहभाग घेत होते. स्वाभाविकच, हे अपवादात्मक प्रतिभावान लोक होते.

परंतु कोरेग (गायनगृहाचा नेता) होण्यासाठी महान प्रतिभा आवश्यक नव्हती. त्यांना फक्त पैसा आणि सरकारी अधिकार्‍यांशी संपर्क हवा होता. बिले भरणे, पूर्ण करणे हे चोरगचे मुख्य कर्तव्य होते साहित्य समर्थनआणि थिएटर समर्थन. त्या काळात हे स्पर्धेचे ठिकाण होते, कोरेग, कवी आणि नायक यांनी ते जिंकले. विजेत्यांना आयव्हीने मुकुट घालून बक्षिसे देण्यात आली. ज्युरींच्या निर्णयाने त्यांना विजय मिळाला.

एक मनोरंजक वस्तुस्थिती अशी आहे की प्राचीन रोमन वास्तववादाचे खरे चाहते होते. हे उत्पादन आदर्श मानले गेले ज्यामध्ये अभिनेत्याला 100% भूमिकेची सवय झाली - आवश्यक असल्यास, त्याला मरण्यासाठी देखील तयार राहावे लागले.

ग्रीक थिएटरमध्ये छप्पर नव्हते, प्रेक्षक आणि कलाकार खरं तर रस्त्यावर होते. प्राचीन थिएटरचा आकार मोठा होता, ते 17 ते 44 हजार लोकांपर्यंत सामावून घेऊ शकतात. सुरुवातीला, प्रेक्षकांना बसण्यासाठी लाकडी प्लॅटफॉर्मचा वापर केला जात असे, नंतर नैसर्गिक दगडी उतार थिएटरसाठी अनुकूल केले गेले. आणि फक्त नंतर, IV शतक BC मध्ये. ई., एक दगडी थिएटर बांधले गेले.

पेरिकल्सपासून सुरू झालेल्या सरकारने आर्थिकदृष्ट्या वंचित नागरिकांनाही थिएटरला भेट देणे आणि सौंदर्यात सामील होणे शक्य केले हे जाणून घेण्यात तुम्हाला कदाचित रस असेल. हे करण्यासाठी, प्रत्येकाला थिएटरच्या एका भेटीसाठी आणि भविष्यात तीन भेटीसाठी अनुदान वाटप करण्यात आले.

कथा प्राचीन थिएटरएक आहे ठळक वैशिष्ट्य: कलाकारांनी त्यांच्या स्वतःच्या चेहऱ्यावरील हावभावांच्या मदतीशिवाय त्यांच्या भूमिका केल्या. त्याची जागा सर्व प्रकारच्या मुखवट्यांद्वारे घेतली गेली, बहुतेकदा अतिशय विचित्र. अभिनेत्याने शरीराच्या हालचाली, कपड्यांकडे जास्त लक्ष दिले. अभिनेते पुरुष होते, अगदी चालू महिला भूमिका. त्यांनी समाजात विशेषाधिकार प्राप्त केले आणि त्यांना करातून सूट देण्यात आली.

एक मनोरंजक वस्तुस्थिती अशी आहे की लिव्ही एंड्रोनिकस, एक प्राचीन रोमन नाटककार, जगातील पहिल्या "फोनोग्राम" चे जनक बनले. तो आवाज न करता सोडला गेला, परंतु त्याच्यासाठी बोलणारा मुलगा शोधून तो परिस्थितीतून बाहेर पडला.

प्राचीन रंगभूमीच्या काही संज्ञा

प्राचीन थिएटरमध्ये वापरल्या जाणार्‍या अनेक व्याख्या आजपर्यंत टिकून आहेत. प्राचीन काळातील संज्ञांचा एक छोटा शब्दकोष खाली आपल्या लक्षात आणून दिला आहे:

• ऑर्केस्ट्रा - दोन प्रवेशद्वारांसह गोल आकार असलेल्या थिएटरचा एक भाग, नाट्यमय आणि गीतगायनांच्या कामगिरीसाठी डिझाइन केलेले. एथेनियन थिएटरमध्ये, त्याचा व्यास 24 मीटर होता.
• स्केने हे कपडे बदलण्याची जागा आहे. हे मूलतः एक साधे तंबू होते, नंतर तुकड्यांसह जोडलेले होते सजावटदृश्ये, उदाहरणार्थ, पार्श्वभूमीत.
• Proskenium - skene समोर एक colonnade.
• पॅरास्केनियम - साइड स्टोन आउटबिल्डिंग्ज.
• स्टेज - ऑर्केस्ट्राच्या वरची एक टेकडी, जिथे कलाकारांनी पुरातन काळामध्ये खेळायला सुरुवात केली.
• Ekkiklema लाकडापासून बनवलेले एक मोबाइल प्लॅटफॉर्म आहे जे तुम्हाला दृश्याचे रूपांतर करण्यास आणि कलाकारांना स्टेजभोवती हलविण्यास अनुमती देते.
• कोटर्नी - उच्च तळवे असलेले शूज, स्टिल्टची आठवण करून देणारे. अशा शूजच्या मदतीने, अभिनेते उंच, अधिक प्रभावशाली आणि पौराणिक प्राण्यांसारखे बनले.

एक उल्लेखनीय वस्तुस्थिती अशी आहे की रोममध्ये "फिनिता ला कॉमेडिया" हा वाक्यांश प्रथम उच्चारला गेला होता.

नाट्यविश्वातील कठपुतळी

कठपुतळी थिएटरचा इतिहास इजिप्तमध्ये उगम पावतो, जेथे पुजारी धार्मिक कृती करण्यासाठी ओसिरिस देवाच्या कठपुतळीचा वापर करतात. सुरुवातीला, कठपुतळी रंगमंच केवळ कर्मकांड आणि कर्मकांड होते, परंतु आता धार्मिक अर्थ काही नाहीसे झाले आहे. सुप्रसिद्ध विधी आणि विधी कठपुतळी थिएटर अनेक देशांमध्ये अस्तित्वात आहेत: जपान (बुनराकू), इंडोनेशिया (वायंग), कॅटालोनिया (एल पास्टोर्स), बेलारूस (बॅटलिका) आणि इतर.

अमेरिकेतील कठपुतळी थिएटरच्या इतिहासात, 1962 मध्ये "ब्रेड अँड द डॉल" नावाने तयार केलेले थिएटर वेगळे आहे. यात महाकाय पेपियर-मॅचे बाहुल्या, स्पष्ट राजकीय ओव्हरटोन आणि प्रवेशद्वारावर स्वादिष्ट ब्रेड ट्रीट आहे. कलाकार आणि प्रेक्षक यांच्यातील असा संवाद प्रतीकात्मक आहे: नाट्य कला शक्य तितक्या लोकांच्या जवळ असावी.

बाहुल्या आकारात आणि दिसण्यात भिन्न असतात. बोट आणि हातमोजे, छडी आणि गोळी, कठपुतळी आणि महाकाय बाहुल्या आहेत. कठपुतळी थिएटरमध्ये अभिनेता बनणे इतके सोपे नाही, कारण आपण एखाद्या निर्जीव वस्तूचे पुनरुज्जीवन करण्यास सक्षम असणे आवश्यक आहे, त्यास पात्र आणि आवाजाने संपन्न करणे आवश्यक आहे.

कोणत्याही कठपुतळी थिएटरचे वैशिष्ट्यपूर्ण वैशिष्ट्य म्हणजे एखाद्या गोष्टीची थट्टा, नैतिकतेची उपस्थिती, दृश्यांमध्ये शैक्षणिक घटक. कठपुतळी थिएटर प्रेक्षकाचे वय कितीही असो, त्याला तिथे फक्त हसण्यासारखेच नाही तर विचार करण्यासारखेही काहीतरी सापडेल. बहुतेकदा कठपुतळी थिएटरमधील नायक अनाकर्षक असतात, अगदी कुरुप वर्ण देखील असतात, उदाहरणार्थ, हुक केलेल्या नाकासह फ्रेंच ओपन.

तुम्हाला हे जाणून घेण्यात रस असेल की अभिनेते नेहमीच श्रीमंत नसतात. अमेरिकेतील कठपुतळी थिएटरच्या इतिहासात असे तथ्य आहेत की थिएटरवाल्यांना अन्नाच्या बदल्यात उत्पादन पाहता येते.

नाटक

नाटक रंगभूमीचा इतिहास प्राचीन काळापासूनचा आहे. कठपुतळी थिएटर, पँटोमाइम, ऑपेरा आणि बॅलेसह हा एक कला प्रकार आहे. नाट्यमय रंगभूमीचे मुख्य वेगळे वैशिष्ट्य म्हणजे अभिनेत्याच्या क्रिया त्याने उच्चारलेल्या शब्दांशी जोडल्या जातात. शैलीच्या या विविधतेमध्ये स्टेज भाषणावर विशेष लक्ष दिले जाते. नाटकीय कामगिरीचा आधार नाटक आहे. अभिनयाच्या प्रक्रियेत, सुधारणे शक्य आहे, कृतीमध्ये नृत्य, गाणे समाविष्ट असू शकते. नाटकावर आधारित आहे साहित्यिक कार्य. नाटक किंवा पटकथेचा मुख्य दुभाषी दिग्दर्शक असतो.

स्क्रिप्ट सोडणे चांगले नाही असे नाट्यकर्मी मानतात ही वस्तुस्थिती खूपच उल्लेखनीय आहे. जर हा त्रास झाला असेल, तर तुम्ही त्यावर नक्कीच बसले पाहिजे.

घरगुती नाट्य परंपरांचा उदय

रशियामधील थिएटरचा इतिहास टप्प्यात विभागलेला आहे:

• आरंभिक ("चंचल").
• सरासरी.
• प्रौढ.

खेळकर स्टेज

प्राचीन रोमप्रमाणेच, रशियामधील थिएटरचा इतिहास फारसा गंभीर व्यवसाय म्हणून सुरू झाला. नाट्यप्रदर्शनांना "मजा" आणि कामगिरी - "खेळ" असे म्हणतात. बफूनचा पहिला इतिहास 1068 चा आहे. खरं तर, कोणीही इतका मनोरंजक अभिनेता होऊ शकतो. धर्माच्या दृष्टीकोनातून म्हैसांच्या कारवाया लज्जास्पद होत्या. इतिहासात त्यांना सैतानाचे सेवक म्हटले जाते आणि उपहास, व्यंग्य आणि वेश हे पाप आहेत. चर्चने तीक्ष्ण व्यंग्यांचे स्वागत केले नाही, तथापि, यामुळे विशेषतः कोणालाही थांबवले नाही.

बफुनरी ही अधिकाऱ्यांना आनंद देणारी कला मानली जात नव्हती, उलटपक्षी, दृश्यांच्या तीक्ष्ण सामाजिक थीम, आधुनिक कमतरतांची खिल्ली उडवणे कलाकारांना धोकादायक आणि हानिकारक बनवते. पण लोकांना बफूनचे परफॉर्मन्स बघायला आणि हसायला आवडायचे. तथापि, हे समजले पाहिजे की शास्त्रीय रंगभूमी, जसे आपल्याला आता माहित आहे, या बफून दृश्यांमधून विकसित झाले नाही, तर त्यांच्यापासून स्वतंत्रपणे, ते असूनही.

मधला टप्पा

रशियन थिएटरच्या इतिहासातील पुढील टप्पा म्हणजे खेळकर आणि प्रौढ यांच्यातील मध्यवर्ती. या टप्प्यात, दरबारी आणि शाळा थिएटर. त्या वेळी, झार अलेक्सी मिखाइलोविचने राज्य केले, कोर्ट थिएटरचे कलाकार परदेशी होते, शाळेचे थिएटर विद्यार्थी होते. अलेक्सी मिखाइलोविचच्या मृत्यूनंतर, पीटर I सत्तेवर येईपर्यंत कोर्ट थिएटरची क्रिया निलंबित करण्यात आली. त्याने "चष्म्या" ला सकारात्मक वागणूक दिली, परंतु, मनोरंजनाव्यतिरिक्त, तो प्रचार कार्याने संपन्न झाला. 1702 मध्ये, जनतेसाठी एक थिएटर दिसू लागले - एक सार्वजनिक. त्याच्या इमारतीला "कॉमेडी टेंपल" असे म्हटले गेले, जेथे जर्मन मंडळाने सादरीकरण केले. लोकांनी हे नाट्यगृह स्वीकारले नाही. जरी पीटर प्रथमने त्याचे ध्येय साध्य केले नाही, थिएटरला लोकांसाठी, सार्वजनिक आणि लोकप्रियांसाठी एक आवडते ठिकाण बनवले नाही, परंतु यासाठी त्याने सर्व आवश्यक अटी घातल्या.

नाट्य कलेच्या इतिहासातील परिपक्व टप्पा

रशियामधील थिएटरच्या निर्मितीच्या इतिहासातील हा कालावधी सर्वात महत्वाचा आहे. या टप्प्यावर, थिएटरने ती वैशिष्ट्ये आत्मसात करण्यास सुरुवात केली जी आधुनिक माणसाला परिचित आहेत, गंभीर व्यावसायिक समुदायात आकार घेतला. 30 ऑगस्ट, 1756 रोजी, प्रारंभ देण्यात आला, म्हणजे, इम्पीरियल थिएटर उघडले गेले. त्याच तारखेला सेंट पीटर्सबर्गमधील अलेक्झांडरिन्स्की थिएटरचा स्थापना दिवस आहे. हे एलिझाबेथ पेट्रोव्हना अंतर्गत घडले.

त्या काळातील थिएटरचे वैशिष्ट्य म्हणजे रशियन आणि दोन्हीच्या निर्मितीमध्ये एकाच वेळी सहभाग. परदेशी कलाकार. या टप्प्यावर भूमिकांचे प्रदर्शन प्रथम केवळ पुरुषांनाच नव्हे तर स्त्रियांनाही सोपविण्यात आले होते. कॅथरीन II ने थिएटरला खूप महत्त्व दिले, तिच्या अंतर्गत सेंट पीटर्सबर्गमध्ये तीन मंडळे होते, या उद्योगाच्या विकासासाठी विलक्षण रक्कम खर्च केली गेली.

राज्याच्या विकासाव्यतिरिक्त, कॅथरीनने खानदानी लोकांच्या खाजगी थिएटरकडे लक्ष दिले, उदाहरणार्थ, शेरेमेटेव्ह, व्होल्कोन्स्की, रुम्यंतसेव्हचे थिएटर. प्रांतांतही त्यांच्या स्वत:च्या जमीनदारांच्या टोळ्या तयार झाल्या. त्यांच्या फ्रेंच सहकाऱ्यांच्या मॉडेल्सवर आधारित रशियन थिएटर तयार केले जात होते, म्हणजे स्वतःची निर्मिती. फ्रेंच स्कूल ऑफ अॅक्टिंगचे प्रमुख आय.ए. दिमित्रेव्हस्की होते, ज्यांनी उत्कृष्ट अभिनेत्यांच्या एकापेक्षा जास्त पिढ्या घडवल्या.

तुम्हाला माहीत आहे का?

आम्ही वाचकांसाठी आणखी काही सादर करतो मनोरंजक तथ्येनाट्य कला इतिहास पासून.

पुष्किन जिवंत असताना, रशियातील थिएटर पूर्णपणे बसलेले नव्हते. संपूर्ण कामगिरीमध्ये त्यांच्या पायावर उभे असलेल्या लोकांनी मागच्या रांगा व्यापल्या होत्या.

रशियन नाट्यकलेच्या इतिहासातील ऐतिहासिक नाटक म्हणजे डी. आय. फोनविझिनचे "अंडरग्रोथ" हे 18 व्या शतकातील अधिकारी, श्रेष्ठी, विशिष्ट पात्रांची थट्टा करण्याचा पहिला प्रयत्न ठरला. स्टारोड्युमा ( सकारात्मक वर्ण) वर उल्लेखित दिमित्रेव्हस्की खेळणारा पहिला होता.

1803 मध्ये शाही चित्रपटगृहांची विभागणी झाली. नाट्यमय आणि संगीत मंडळ, ऑपेरा आणि बॅले, संगीताचे भाग म्हणून. रशियन रंगमंचावर खेळण्याच्या फ्रेंच शाळेचे वर्चस्व 19 व्या शतकापर्यंत टिकले. तेव्हाच रशियन थिएटर शेवटी त्याच्या पायावर उभे राहिले आणि स्वतःच्या मार्गाने गेले. दत्तक घेतलेला अनुभव एक चांगला आधार बनला आणि नवीन प्रतिभावान रशियन संगीतकार, अभिनेते, नर्तकांच्या शोधाने थिएटरला उच्च पातळीवर नेले.

पी.एन. अरापोव्ह हे रशियन थिएटरच्या संपूर्ण इतिहासाचे एका विश्वकोशात वर्णन करणारे पहिले होते - "रशियन थिएटरचे इतिहास". थिएटर मासिके आणि व्यावसायिक समीक्षक दिसतात. अशा प्रकारे, थिएटरच्या विकासामुळे रशियन साहित्याला इतर गोष्टींबरोबरच चालना मिळाली.

मॉस्कोमधील सर्वात प्रसिद्ध थिएटर

बोलशोई थिएटरचा इतिहास 28 मार्च, 1776 रोजी सुरू होतो. मॉस्कोमध्ये याच दिवशी सम्राज्ञी कॅथरीन II ने प्रिन्स पीटर उरुसोव्हसाठी "विशेषाधिकार" वर स्वाक्षरी केली आणि त्याला दहा वर्षे थिएटरची देखभाल करण्याची परवानगी दिली. त्याला प्रथम पेट्रोव्स्की थिएटर म्हटले गेले (ज्या रस्त्यावर प्रवेशद्वार गेला त्या रस्त्याच्या सन्मानार्थ). 1805 मध्ये, इमारत पूर्णपणे जळून खाक झाली, आर्किटेक्ट ओसिप बोवे यांनी तयार केले नवीन प्रकल्प. 1820 मध्ये, बांधकाम सुरू झाले, 5 वर्षे टिकले.

बांधलेले थिएटर मोठे झाले, म्हणूनच त्याला त्याचे नाव पडले. या सुंदर, सुसंवादी, समृद्ध इमारतीने मॉस्कोच्या रहिवाशांना 1853 पर्यंत आनंद दिला, जेव्हा दुसरी आग लागली. यावेळी, पुनर्बांधणीचे काम आर्किटेक्ट अल्बर्ट कावोस यांच्याकडे सोपवण्यात आले. थिएटर आधीच 1856 मध्ये पुनर्संचयित केले गेले होते. इम्पीरियल बोलशोई थिएटर केवळ रशियामध्येच नव्हे तर जगात देखील प्रसिद्ध झाले: त्यात उत्कृष्ट ध्वनिकशास्त्र होते. 1917 मध्ये, क्रांतीनंतर, नाव बदलून राज्य बोलशोई थिएटर करण्यात आले. सजावट सोव्हिएत चिन्हांसह पूरक होती.

ग्रेट देशभक्त युद्धादरम्यान बॉम्ब घेतल्याने तो गंभीर जखमी झाला होता. इमारतीची पुनर्बांधणी करण्यात आली. 1987 पर्यंत, इमारतीची फक्त किरकोळ कॉस्मेटिक दुरुस्ती झाली. आता बोलशोई थिएटर ही एक इमारत आहे नवीन दृश्यजिथे तुम्ही आधुनिक प्रभाव वापरू शकता. त्याच वेळी, त्याने शास्त्रीय वास्तुकलेचा आत्मा, त्याचे "स्वाक्षरी" ध्वनीशास्त्र टिकवून ठेवले आहे, ज्यामुळे ते जगातील सर्वोत्तम थिएटरपैकी एक मानले जाण्याचा अधिकार देते. हा बोलशोई थिएटरचा इतिहास आहे.

आणि शेवटी, आणखी एक, कमी मनोरंजक तथ्य नाही. चित्रपटगृहात पूर्ण किंवा अंशतः सेट केलेले चित्रपट: बर्डमॅन, द डिझास्टर आर्टिस्ट, ला ला लँड, द फँटम ऑफ द ऑपेरा, बर्लेस्क ऑफ अ टेल, नॉकआउट, बम्पिंग ब्रॉडवे, ब्लॅक हंस", "द पपेटियर", "ए टेरिबली बिग अॅडव्हेंचर" , "शेक्सपियर इन लव्ह", "मर्डर इन अ स्मॉल टाउन", "ओर्फेव्रे क्वे".

थिएटरचा इतिहास (नाटक आणि या कलेचे इतर प्रकार) विकसित होत राहील, कारण त्यात रस दोन हजार वर्षांहून अधिक काळ अपरिवर्तित राहिला आहे.

कोणासाठीही आधुनिक माणूसथिएटर नियोजित सांस्कृतिक उपक्रमांचा अविभाज्य भाग बनले आहेत. आणि अनेकांना थिएटरच्या उदयाच्या इतिहासात रस आहे, कारण एक काळ असा होता जेव्हा थिएटर नव्हते? ते कधी होते हे लक्षात ठेवणे कठीण आहे, कारण पहिले थिएटर आदिम समुदायांमध्ये दिसू लागले.

त्या दूरच्या काळात, लोकांना अजूनही समजले नाही की पाऊस का पडत आहे, अचानक थंड का झाले आणि सर्वशक्तिमान देवाने बर्फ किंवा मुसळधार पाऊस पाठवला याबद्दल ते कसे दोषी आहेत. त्यांना कशाचाही धोका होऊ नये म्हणून त्यांनी प्रत्येक महत्त्वाच्या कार्यक्रमापूर्वी नाट्य समारंभ आयोजित करण्याचा प्रयत्न केला. अशा कार्यक्रमांच्या माहितीमुळे आम्हाला थिएटर कसे दिसले आणि त्याकडे इतके लक्ष का दिले गेले हे समजून घेण्याची संधी मिळाली.

आदिम ते आधुनिक

आदिम रंगभूमी अर्थातच तशी नव्हती समकालीन निर्मिती. येथे व्यावसायिकता किंवा प्रतिभेचा प्रश्नच नव्हता - लोकांनी प्रत्येक इव्हेंटमध्ये त्यांचा आत्मा आणि त्यांचे सर्व अनुभव टाकून, घटनांना त्यांना वाटेल तसे नाटकीय करण्याचा प्रयत्न केला. त्यांचा प्रामाणिकपणे विश्वास होता की ते जितके अधिक भावनिकपणे त्यांची भक्ती सादर करू शकतील तितके चांगले कापणी होईल, उदाहरणार्थ. या सगळ्याला सुधारित संगीत आणि गाण्यांची साथ होती.

नंतर, तिसर्‍या सहस्राब्दी इ.स.पू. इजिप्तमध्ये, कारागीर आणि शेतकऱ्यांच्या संरक्षकांबद्दल अधिक संघटित नाट्य स्किट्स आधीच आयोजित केल्या गेल्या होत्या. ग्रीस हे कार्निव्हल परफॉर्मन्सचे जन्मस्थान बनले, जे प्रामुख्याने खुल्या हवेत आयोजित केले गेले. येथील लोकनाट्ये लोकप्रिय होती. अभिनेत्यांना जवळजवळ नेहमीच मुखवटे घालावे लागतात.

पुनर्जागरण - या काळात प्रामुख्याने कॉमेडी सादरीकरण केले गेले. ते शहराच्या चौकांमध्ये मांडण्यात आले आणि बरेच लोक तमाशा पाहण्यासाठी जमले.

कुठेतरी 16 व्या शतकाच्या शेवटी. - 17 व्या शतकाच्या सुरूवातीस, जगाने ऑपेरा ओळखला आणि फक्त नंतर, 18 व्या शतकाच्या मध्यभागी, बॅले दिसू लागले, पहिले ऑपेरेटा फक्त 19 व्या शतकाच्या मध्यभागी दिसू लागले.

मागील वर्षांची आजची निर्मिती

18 व्या आणि 19 व्या शतकातील थिएटरबद्दल बोलणे, आम्ही आधीच कामगिरी आणि निर्मितीबद्दल बोलत आहोत ज्यामध्ये प्रतिभावान कलाकारांनी भाग घेतला. ते रंगवले गेले आणि थिएटर स्वतःच आदिम आणि पुनर्जागरणापेक्षा पूर्णपणे भिन्न होते. तर, 19 व्या शतकाच्या शेवटी, नटक्रॅकर बॅलेचे एक भव्य उत्पादन आमच्याकडे आले. आणि त्या दिवसात, आणि आता प्रत्येकासाठी उपलब्ध नव्हते. हे, अर्थातच, उत्पादनाच्या महान आणि सतत वाढत्या लोकप्रियतेमुळे आहे. जर पूर्वी केवळ उच्चभ्रू, थोर स्त्रिया आणि सज्जनांना थिएटरसारखी लक्झरी परवडत असेल तर आज ते प्रत्येकासाठी उपलब्ध आहेत. तिकिटांबद्दल प्रचार असूनही, लोक तिकीट खरेदी करण्याचे पर्यायी मार्ग शोधत आहेत. म्हणून, उदाहरणार्थ, आपण त्यांना आमच्या वेबसाइटवर ऑर्डर करू शकता. हे तुम्हाला रांगा आणि अनपेक्षित अप्रिय परिस्थितींपासून वाचवेल.

आज रंगभूमीने वेगळे रूप धारण केले आहे. ते प्रत्येक देशाचे प्रतीक आणि अभिमान बनले आहे. आर्किटेक्चरल ensembles, सजावटीच्या डिझाइन आणि प्रशस्त हॉल, प्रसिद्ध कवी, दिग्दर्शक आणि थिएटर निर्मात्यांची पोर्ट्रेट, नियमानुसार, नेहमी हॉलची सजावट करतात. वर समकालीन देखावाआपण बर्‍याचदा झारच्या अंमलाखाली प्रथमच सादर केलेले प्रदर्शन पाहतो. होय, त्यांनी काही समायोजन केले आहे, कदाचित काही अधिक केले गेले आहेत वास्तविक घटना, आणि कुठेतरी कलात्मक दिग्दर्शकांनी बॅलेसह ऑपेरा एकत्र करून संगीताची साथ जोडण्याचा निर्णय घेतला. परंतु, असे असले तरी, हे पुन्हा एकदा पुष्टी करते की थिएटर नेहमीच भूतकाळात होते आणि भविष्यात ते प्रेक्षकांचे लक्ष वेधून घेईल, जरी गेल्या शतकातील एक कामगिरी रंगमंचावर सादर केली गेली - हा आपला इतिहास आहे आणि अनेकांसाठी तो संस्कृती आणि परंपरांच्या निर्मितीचा एक महत्त्वाचा घटक आहे.

आधुनिक माणूस कधीकधी थिएटरला कमी लेखतो आणि सिनेमाच्या बाजूने त्याची निवड करतो. तथापि, नाट्यकलेशी थोडीशी तुलना करता येईल. रशियन थिएटरने त्याच्या निर्मितीपासून जगातील सर्वोत्कृष्ट चित्रपटांपैकी एक अशी पदवी मिळवण्यापर्यंतचा बराच पल्ला गाठला आहे. आम्ही तुम्हाला आमच्यासोबत त्याच्या निर्मितीचा इतिहास लक्षात ठेवण्यासाठी आमंत्रित करतो.

रशियामध्ये, नाट्य कला बहुतेक युरोपियन आणि आशियाई देशांपेक्षा खूप नंतर विकसित होऊ लागली. परंतु त्याच वेळी, बफून, ज्यांनी परफॉर्मन्स दिले, तसेच रस्त्यावरील संगीतकार, ज्यांनी महाकाव्य आणि दंतकथा सांगितल्या, त्यांनी आधुनिक रशियाच्या प्रदेशाचा दौरा केला.

निर्माता पहिला,नावाच्या व्यावसायिक थिएटरबद्दल म्हणता येईल "कॉमेडी मॅन्शन"राजवंशातील पहिल्या राजांपैकी एक मानले जाते रोमानोव्ह अलेक्सी मिखाइलोविच. तथापि, त्याच्या मृत्यूनंतर, चर्चमधील गायन स्थळावर असमाधानी असलेल्या मंडळींनी थिएटर नष्ट केले.

त्याच काळात, श्रीमंत जमीनदारांनी त्यांचे स्वतःचे थिएटर तयार करण्यास सुरवात केली ज्यामध्ये सर्फ खेळले. थिएटरचे गंभीर संरक्षक होते पीटर आय. ज्यामध्ये रशियन सम्राटप्रदर्शन रशियन भाषेत असावे आणि "खूप गंभीर नसावे, खूप मजेदार नसावे, कोणतेही प्रेम प्रकरण नसावे आणि खूप दुःखी नसावे" अशी मागणी केली.

पीटरच्या मृत्यूनंतर, नाट्यकलेला राज्यकर्त्यांनी पाठिंबा देणे बंद केले आणि सत्तेवर आल्यानंतरच अण्णा इओनोव्हनात्याला पुन्हा राज्य अनुदान मिळाले.

निर्मितीचा इतिहास राज्य थिएटर रशियामध्ये, बहुतेक तज्ञांच्या मते, सज्जनांच्या स्थापनेपासून सुरुवात झाली कॅडेट कॉर्प्स, जिथे पहिले थिएटर स्टुडिओ आयोजित केले गेले होते आणि थोरांच्या मुलांना अभिनयाची कला शिकवली गेली होती. त्याच वेळी, रशियामधील पहिले व्यावसायिक थिएटर दिसले यारोस्लाव्हलव्यापारी फ्योडोर वोल्कोव्हच्या गटाच्या आधारे.

काळाबरोबर रशियन थिएटरसुधारित आणि लोकसंख्येच्या विविध विभागांमधून चाहते मिळवले.

बोलशोई थिएटर: निर्मितीचा इतिहास

मॉस्कोच्या अगदी मध्यभागी असलेले बोलशोई थिएटर, कलेचे मंदिर आणि जगप्रसिद्ध ऑपेरा आणि बॅले थिएटरचे शीर्षक धारण करते. हे लक्षात घेण्यासारखे आहे की बोलशोई थिएटरचे दोन "वाढदिवस" ​​आहेत - मार्च 1776 आणि जानेवारी 1852. परंतु तरीही, पहिली तारीख सामान्यतः स्वीकारलेली तारीख मानली जाते.

सुरुवातीला, बोलशोई थिएटर पेट्रोव्स्की स्क्वेअरवर बांधले गेले आणि त्यानुसार, पेट्रोव्स्की असे म्हटले गेले. थिएटरचे संस्थापक प्रिन्स प्योटर वासिलीविच आहेत उरुसोव, ज्यांना कॅथरीन II कडून मैफिली, नाट्य प्रदर्शन आणि मास्करेड्सच्या सामग्रीवर सर्वोच्च परवानगी मिळाली.

दुर्दैवाने, पेट्रोव्स्की थिएटर उघडण्यापूर्वीच जमिनीवर जळले, ज्यामुळे उरुसोव्हची स्थिती मोठ्या प्रमाणात बिघडली. राजकुमाराने इंग्रज मायकेलकडे कारभार सोपवला मेडॉक्सजो बराच काळ त्याचा साथीदार आहे. मेडॉक्सचे पेट्रोव्स्की थिएटर पंचवीस वर्षे उभे राहिले, ज्या दरम्यान ते वारंवार जळले आणि पूर अनुभवला.

त्यानंतर, 1821 मध्ये, आंद्रेईच्या डिझाइननुसार बोलशोई थिएटरसाठी मूलभूत इमारतीचे बांधकाम सुरू झाले. मिखाइलोवाआणि ओसिप beauvaisजे चार वर्षे चालले.

तेव्हापासून, सर्व युद्धे, आग आणि इतर आपत्ती असूनही, राजधानीच्या मध्यभागी, अपोलोच्या रथासह आठ स्तंभांचे थिएटर पोर्टिकोच्या वर उगवते, जे जीवन आणि कलेच्या चिरंतन चळवळीचे प्रतीक आहे.

आतील बोलशोई थिएटरची इमारत बाहेरीलपेक्षा कमी भव्य नाही. पंचस्तरीय सभागृह, मोठा टप्पा, अविश्वसनीय ध्वनीशास्त्र, छतावरील म्युरल्स, गिल्डेड स्टुको, क्रिस्टल मल्टी-टायर्ड झूमर प्रचंड आकारआणि बोलशोई थिएटरच्या सजावटीच्या इतर भव्यतेने एकापेक्षा जास्त वेळा कल्पनाशक्तीला चकित केले आणि नाटककार, अभिनेते, नर्तक, गायक, संगीतकार आणि संगीतकारांना प्रेरणा दिली.

महान रशियन नृत्यनाट्यांचे तारे, गायक, नृत्यदिग्दर्शक, संगीतकार, संगीतकार, अभिनेते आणि सर्जनशील व्यवसायांचे इतर प्रतिनिधी बोलशोई थिएटरच्या मंचावर उजळले. याव्यतिरिक्त, महान परदेशी कलाकारांनी बोलशोई थिएटरमध्ये सादर करण्याच्या प्रस्तावांना विशेष घाबरून वागवले.

पहिला अभिनेता ग्रीक थीसिपस मानला जातो, ज्याने डायोनिससच्या सन्मानार्थ काव्यात्मक स्पर्धा जिंकली.

III शतक BC मध्ये. रोमन लोकांनी, ग्रीक थिएटरने प्रेरित होऊन, प्राचीन ग्रीक नाटकांच्या त्यांच्या स्वत: च्या आवृत्त्या तयार केल्या आणि त्यांना उत्स्फूर्त रंगमंचावर सादर केले. या कामगिरीतील कलाकार गुलाम होते. महिलांना फक्त खेळण्याची परवानगी होती किरकोळ भूमिका. रोमन थिएटर्सना ग्लॅडिएटर मारामारी, सार्वजनिक फाशी आणि रथ शर्यतींची सवय असलेल्या प्रेक्षकांचे लक्ष वेधण्यासाठी स्पर्धा करावी लागत असल्याने, नाटकांमध्ये हिंसक दृश्ये आणि असभ्य विनोदाचा समावेश होता. ख्रिश्चन धर्माच्या प्रसारामुळे अशा कल्पना संपुष्टात आल्या.

मध्ययुगातील थिएटरचा उदय

नंतर, विविध बायबलसंबंधी कथा सादर करून, इतर धार्मिक सुट्ट्यांमध्ये रहस्ये बाहेर पडू लागली.

पुनर्जागरण थिएटर

1576 मध्ये, लंडनमध्ये पहिली थिएटर इमारत बांधली गेली, त्याआधी सर्व नाटके हॉटेलमध्ये, फेअर स्टेजवर किंवा किल्ले आणि उदात्त घरांमध्ये हॉलच्या मध्यभागी खेळली गेली. इंग्लिश राणी एलिझाबेथ I ने नाट्य कलेचे संरक्षण केले, ज्या काळात तिचे नाव आहे त्या काळात पहिले व्यावसायिक नाटककार दिसू लागले, त्यापैकी सर्वात प्रसिद्ध आहे महान शेक्सपियर, अभिनेते, परफॉर्मन्स दरम्यान प्रॉप्स वापरण्याची आणि पोशाख बदलण्याची परंपरा. 18 व्या शतकाच्या मध्यापर्यंत शास्त्रीय रंगभूमीची निर्मिती झाली.

मॅट्रियोष्का बाहुल्या ही रशियन स्मरणिका मानली जाते आणि म्हणूनच रशियन फेडरेशनमध्ये येणा-या पर्यटकांमध्ये खूप लोकप्रिय आहेत. विविध देश. सर्वात मनोरंजक गोष्ट अशी आहे की या लाकडी पेंट केलेल्या मोहक सुंदरांच्या मूर्ती, एकमेकांमध्ये गुंतवलेल्या, रशियन मुळांपासून दूर आहेत.

पहिला रशियन मॅट्रीओष्का

एक आनंदी, गोल चेहर्यावरील रशियन मुलीचा नमुना, क्लासिक नेस्टिंग बाहुल्यांमध्ये मूर्त रूप, 19 व्या शतकाच्या सुरूवातीस जपानमधून रशियाला आणले गेले. सूर्याच्या भूमीवरील स्मरणिका ही जपानी ऋषी फुकुरमची लाकडी घरटी मूर्ती होती. आधुनिक मॅट्रियोष्काच्या मातृ देशाच्या परंपरेच्या भावनेने ते सुंदरपणे रंगवले गेले आणि शैलीबद्ध केले गेले.

एकदा मॉस्को टॉय वर्कशॉपमध्ये, जपानी स्मरणिकेने स्थानिक टर्नर वॅसिली झ्वेझडोचकिन आणि कलाकार सेर्गे माल्युटिन यांना अशीच खेळणी तयार करण्यास प्रेरित केले. कारागिरांनी एकाच्या आत घरटी बांधून सारख्याच मूर्ती तयार केल्या आणि रंगवल्या. जपानी स्मरणिकेचे पहिले अॅनालॉग हेडस्कार्फ आणि सँड्रेस घातलेली एक मुलगी होती, त्यानंतरच्या घरट्याच्या बाहुल्यांमध्ये गोंडस मजेदार मुले - मुले आणि मुली, शेवटच्या, आठव्या घरट्याच्या बाहुलीवर, एक swaddled बाळ काढले होते. बहुधा, मॅट्रिओना या मादी नावाच्या सन्मानार्थ त्याचे नाव मिळाले, जे त्या वेळी सर्वत्र पसरले होते.

सर्जीव्ह पोसाड बाहुल्या घरटे

मॉस्कोमधील कार्यशाळा बंद झाल्यानंतर, 1900 मध्ये, प्रशिक्षण आणि प्रात्यक्षिक कार्यशाळेत सेर्गेव्ह पोसाड येथील कारागीरांनी मॅट्रियोष्काचे उत्पादन हाती घेतले. या प्रकारची लोक हस्तकला व्यापक झाली आहे, बोगोयाव्हलेन्स्की, इव्हानोव्ह, वसिली झ्वेझडोचकिन यांच्या कार्यशाळा, जे मॉस्कोहून पोसाडला गेले होते, राजधानीपासून फार दूर नाहीत.

कालांतराने, या स्मरणिका खेळण्याने इतकी लोकप्रियता मिळवली की परदेशी लोकांनी ते रशियन मास्टर्सकडून ऑर्डर करण्यास सुरुवात केली: फ्रेंच, जर्मन इ. अशा मॅट्रीओष्का बाहुल्या स्वस्त नव्हत्या, परंतु प्रशंसा करण्यासारखे काहीतरी होते! या लाकडी खेळण्यांचे चित्र रंगीत, अलंकृत, वैविध्यपूर्ण बनले. कलाकारांनी रशियन सुंदर मुलींना लांब सँड्रेस आणि पेंट केलेले स्कार्फ, फुलांचे गुच्छ, टोपल्या आणि गाठींमध्ये चित्रित केले. विसाव्या शतकाच्या सुरूवातीस, परदेशी देशांसाठी मॅट्रियोष्का बाहुल्यांचे मोठ्या प्रमाणावर उत्पादन स्थापित केले गेले.

नंतर, मर्दानी घरटी बाहुल्या दिसू लागल्या, उदाहरणार्थ, बासरीसह मेंढपाळांचे चित्रण, मिशा लावलेले वर, दाढी असलेले वृद्ध पुरुष इ. लाकडी खेळणी विविध तत्त्वांनुसार एकत्र केली गेली, परंतु नमुना, एक नियम म्हणून, अपरिहार्यपणे शोधला गेला - उदाहरणार्थ, घरटे बाहुल्या-वधू आणि नातेवाईकांसह घरटे बांधले गेले.

निझनी नोव्हगोरोड प्रांतातील नेस्टिंग बाहुल्या

20 व्या शतकाच्या मध्यभागी, मॅट्रियोष्का सर्जीव्ह पोसाडच्या पलीकडे पसरली. तर, निझनी नोव्हगोरोड प्रांतात, कारागीर दिसू लागले ज्यांनी चमकदार अर्ध-शॉलमध्ये पातळ उंच मुलींच्या रूपात घरटे बाहुल्या बनवल्या. आणि सेर्गेव्ह पोसाड कारागीरांनी ही खेळणी अधिक स्क्वॅट आणि समृद्ध तरुण स्त्रियांच्या रूपात बनविली.

आधुनिक घरटी बाहुल्या

मॅट्रिओष्का अजूनही रशियन संस्कृतीच्या प्रतीकांपैकी एक मानली जाते. आधुनिक नेस्टिंग बाहुल्या विविध शैलींमध्ये बनविल्या जातात: शास्त्रीय रेखाचित्रांव्यतिरिक्त, प्रसिद्ध राजकीय व्यक्ती, टीव्ही सादरकर्ते, चित्रपट आणि पॉप स्टार यांचे पोर्ट्रेट त्यांच्यावर ठेवलेले आहेत.

सेर्गेव्ह पोसाडमध्ये, खेळण्यांच्या संग्रहालयात, 20 व्या शतकाच्या सुरूवातीस आणि मध्यभागी असलेल्या विविध मास्टर्सच्या मॅट्रियोष्का बाहुल्यांचे संग्रह आहेत, तसेच पेंट केलेली पहिली मॅट्रियोष्का बाहुली आहे. प्रसिद्ध कलाकारसर्गेई माल्युटिन.

संबंधित व्हिडिओ

विरोधाभास म्हणजे विरोधी मते, स्वारस्ये आणि दृश्यांचा संघर्ष. हे गरजा पूर्ण करण्यात मदत करण्यासाठी डिझाइन केले आहे. व्ही संघर्ष परिस्थितीप्रत्येक बाजू आपले ध्येय साध्य करण्याचा आणि समस्या सोडवण्याचा प्रयत्न करते.

कौटुंबिक संघर्षांची मुख्य कारणे: - स्वत: ची पुष्टी करण्याची असमाधानी गरज; - वैवाहिक जीवनातील वैयक्तिक गरजा लक्षात घेण्याची जोडीदाराची इच्छा; - एकमेकांशी संवाद साधण्यास असमर्थता; - अत्यधिक भौतिक महत्वाकांक्षा; पत्नी, वडील, आई आणि असे बरेच काही;- वेगवेगळे प्रकारस्वभाव; - संवाद साधण्याची इच्छा नसणे; - जोडीदारांपैकी एकाची लैंगिक शीतलता; - जोडीदारांपैकी एकाची मत्सर; - व्यभिचार; - वाईट सवयी. व्यवस्थापन तज्ञ संघांमधील संघर्षांची खालील कारणे ओळखतात: 1. मर्यादित संसाधने. भौतिक, आर्थिक आणि श्रम संसाधने नेहमीच मर्यादित असतात. त्यांना संस्थेच्या विविध संरचनात्मक विभागांमध्ये चांगल्या प्रकारे वितरित करणे हे व्यवस्थापकाचे कार्य आहे. परंतु, वितरण निकषांच्या अटींमुळे हे करणे खूप कठीण असल्याने, अशा मर्यादित संसाधनांमुळे अपरिहार्यपणे विविध प्रकारचे संघर्ष होतात.2. कार्यांचे परस्परावलंबन. सर्व उपक्रम परस्परावलंबी घटकांनी बनलेले असतात, म्हणजेच एका कर्मचाऱ्याचे काम दुसऱ्याच्या कामावर अवलंबून असते. वैयक्तिक कामगार किंवा एक युनिट अयोग्य मार्गाने काम करत असल्यास, हे परस्परावलंबन संघर्षाचे कारण बनू शकते.3. धारणा, ध्येये आणि मूल्यांमधील फरक. सहसा संघटनात्मक संरचनांमध्ये कालांतराने स्पेशलायझेशनची प्रक्रिया असते, म्हणजे, अरुंद क्षेत्रातील क्रियाकलाप. परिणामी, पूर्वीचे संरचनात्मक विभाग लहान विशिष्ट युनिट्समध्ये विभागले जाऊ लागले आहेत. अशा संरचना नवीन उद्दिष्टे तयार करतात आणि ती साध्य करण्यावर लक्ष केंद्रित करू लागतात, ज्यामुळे संघर्ष होण्याची शक्यता वाढते.4. मध्ये फरक जीवन अनुभवआणि आचरण. लोक एकमेकांपासून वेगळे आहेत. अती आक्रमक, हुकूमशाही व्यक्तिमत्त्वे आहेत, इतरांबद्दल उदासीन आहेत. हे बहुतेकदा चिथावणी देणारे आहेत संघर्ष. अनुभव, शिक्षण, सेवेची लांबी, वय यातील फरक संघर्षाची शक्यता वाढवतात.5. खराब संप्रेषणे. माहिती ओव्हरलोड, खराब यामुळे संघर्ष वाढू शकतो अभिप्राय, संदेशांचे विकृतीकरण. संघातील गप्पांमुळे संघर्षाला विशेष निकड मिळते. ते उत्प्रेरक म्हणून काम करू शकतात, हस्तक्षेप करू शकतात वैयक्तिक कर्मचारीखरी परिस्थिती समजून घ्या. माहिती हस्तांतरणाच्या इतर सामान्य समस्या म्हणजे कर्मचार्‍यांच्या अपुरेपणे स्पष्टपणे विकसित केलेल्या नोकरीच्या जबाबदाऱ्या, कामासाठी परस्पर अनन्य आवश्यकतांचे सादरीकरण.

स्रोत:

• संघातील संघर्ष: चांगले किंवा वाईट

सल्ला 4: तुमच्या आडनावाचे मूळ: इतिहास कसा शोधायचा

प्रत्येक व्यक्तीला त्याच्या आडनावाची कदर असते. प्रत्येक व्यक्तीला लवकरच किंवा नंतर त्याच्या उत्पत्तीचे रहस्य प्रकट करायचे आहे. आडनावाच्या उत्पत्तीचे रहस्य उघड करण्यासाठी तज्ञ काय करत आहेत ते आम्ही शोधू.

रंगभूमीचा इतिहास हे मानवजातीचे जग आहे

प्राचीन ग्रीसचे थिएटर

प्राचीन ग्रीक नाटक आणि थिएटरची उत्पत्ती.

ग्रीसमध्ये नाटकाचे स्वरूप दीर्घ काळापूर्वी होते, ज्या दरम्यान महाकाव्य, आणि नंतर गीताने प्रथम प्रबळ स्थान व्यापले. आपल्या सर्वांना इलियड आणि ओडिसीच्या समृद्ध वीर महाकाव्य, हेसिओड (7 वे शतक ईसापूर्व) च्या उपदेशात्मक (उपदेशात्मक) महाकाव्यांची माहिती आहे; सहाव्या शतकातील गीतकारांच्या या रचना आहेत. इ.स.पू.

ग्रीक नाटक आणि थिएटरचा जन्म विधी खेळांशी संबंधित आहे जे शेतीच्या संरक्षक देवतांना समर्पित होते: डीमीटर, तिची मुलगी कोरे आणि डायोनिसस. प्राचीन ग्रीक नाटकाच्या तीन शैली डियोनिससच्या सन्मानार्थ धार्मिक खेळ आणि गाण्यांमधून वाढल्या: शोकांतिका, कॉमेडी आणि सॅटायर कॉमेडी (गायनगृहाच्या नावावर ठेवलेले, ज्यामध्ये सैयर्सचा समावेश होता).

• शोकांतिकेने डायोनिसियन पंथाची गंभीर बाजू प्रतिबिंबित केली.
• विनोदी - कार्निवल-व्यंग्यात्मक.
• व्यंग्य नाटक हा सरासरी प्रकार सादर केला गेला. आनंदी खेळ वर्ण आणि एक आनंदी शेवटडायोनिससच्या सन्मानार्थ सुट्टीच्या दिवशी त्याचे स्थान निश्चित केले: शोकांतिकेच्या सादरीकरणाचा निष्कर्ष म्हणून सत्यर नाटक सादर केले गेले.

सामाजिक-राजकीय आणि नैतिक शिक्षणामध्ये दुःखद कल्पनांची भूमिका मोठी होती. आधीच सहाव्या शतकाच्या उत्तरार्धात बीसी. शोकांतिका एक महत्त्वपूर्ण विकास गाठली आहे. प्राचीन इतिहास सांगतो की पहिला अथेनियन शोकांतिका कवी थेस्पिस होता (इ.स.पू. सहावा शतक). त्याच्या शोकांतिकेचे पहिले उत्पादन (त्याचे नाव अज्ञात आहे) 534 ईसापूर्व वसंत ऋतू मध्ये झाले. ग्रेट डायोनिसियसच्या मेजवानीवर. हे वर्ष जागतिक रंगभूमीच्या जन्माचे वर्ष मानले जाते.

कॉमेडीमध्ये, शोकांतिकेपेक्षा बरेच काही, सांसारिक हेतू पौराणिक हेतूंसह मिसळले गेले होते, जे हळूहळू प्रबळ झाले किंवा अगदी एकमात्र झाले, जरी सामान्यतः कॉमेडी अजूनही डायोनिससला समर्पित मानली जात होती. सुधारित स्किट्स हे लोक प्रहसन थिएटरचे प्राथमिक स्वरूप होते आणि त्यांना माइम्स ("अनुकरण", "पुनरुत्पादन" म्हणून भाषांतरित केले गेले; या स्किट्सच्या कलाकारांना माइम्स देखील म्हटले जात असे). माईम्सचे नायक लोक थिएटरचे पारंपारिक मुखवटे होते: एक योद्धा, एक बाजार चोर, एक चार्लटन वैज्ञानिक, एक साधा माणूस जो सर्वांना मूर्ख बनवतो इ.

अथेन्सचे थिएटर.

प्राचीन ग्रीक नाट्य कला 5 व्या शतकातील तीन महान शोकांतिका - एस्किलस, सोफोक्लीस, युरिपाइड्स आणि विनोदकार अ‍ॅरिस्टोफेनेस यांच्या कामात शिखरावर पोहोचली, ज्यांच्या क्रियाकलापाने 4 व्या शतकाच्या सुरुवातीस इ.स.पू. इ.स.पू. इतर नाटककारांनी त्याच वेळी लिहिले, परंतु त्यांच्या कामाचे फक्त छोटे तुकडे आमच्यापर्यंत आले आहेत आणि काहीवेळा फक्त नावे आणि अल्प माहिती.

हेलेनिस्टिक थिएटर.

हेलेनिझमच्या युगात (VI-I शतके इ.स.पू.), शास्त्रीय काळातील ग्रीक थिएटरमध्ये नाट्यशास्त्र आणि अभिनय आणि थिएटर इमारतीच्या वास्तुकला या दोन्ही बाबतीत महत्त्वपूर्ण बदल झाले. हे बदल नवीन ऐतिहासिक परिस्थितीशी जोडलेले आहेत. हेलेनिस्टिक युगाच्या थिएटरमध्ये, विनोद आणि शोकांतिका अजूनही रंगल्या जातात. पण चौथ्या शतकाच्या शोकांतिका पासून. इ.स.पू. फक्त लहान तुकडे टिकतात आणि वरवर पाहता कलात्मक गुणवत्ताहेलेनिस्टिक शोकांतिका लहान होत्या. कॉमेडीचा न्यायनिवाडा करण्यासाठी बरीच माहिती उपलब्ध आहे, कारण फक्त एकच नाटक आणि त्या काळातील महान विनोदकार मेनँडरच्या इतर नाटकांचे अनेक उतारे आपल्याकडे आले आहेत.

हेलेनिस्टिक युगातील कॉमेडीला नवीन अॅटिक (किंवा निओ-अॅटिक) कॉमेडी म्हणतात. नवीन कॉमेडीमध्ये प्रेमाचा आकृतिबंध मोठी भूमिका बजावतो. नवीन अॅटिक कॉमेडीच्या लेखकांनी अॅरिस्टॉटलचा विद्यार्थी थियोफ्रास्टसचा मानसशास्त्रीय सिद्धांत व्यापकपणे वापरला, त्यानुसार सर्व वर्ण वैशिष्ट्ये एखाद्या व्यक्तीच्या देखाव्यामध्ये आणि त्याच्या कृतींमध्ये प्रकट होतात. थिओफ्रास्टसच्या फिजिओग्नोमिक वर्णनाने निःसंशयपणे मुखवटाच्या डिझाइनवर प्रभाव पाडला, ज्यामुळे प्रेक्षकांना हे किंवा ते पात्र ओळखण्यास मदत झाली. नवीन कॉमेडीमध्ये युरिपाइड्सचा प्रभाव दिसून येतो. त्याच्या अनेक नायकांची जीवनाशी जवळीक, त्यांच्या भावनिक अनुभवांचे प्रकटीकरण - हेच नवीन कॉमेडीने युरिपिड्समधून घेतले आहे.

प्राचीन ग्रीक थिएटरची वास्तुकला.

सुरुवातीला, परफॉर्मन्सची जागा अगदी सोप्या पद्धतीने मांडली गेली: गायन स्थळ त्याच्या मंत्र आणि नृत्यांसह गोल रॅम्ड प्लॅटफॉर्म-ऑर्केस्ट्रा (क्रियापद orheomai - "मी नृत्य" पासून) वर सादर केले गेले, ज्याभोवती प्रेक्षक जमले. पण नाट्यकलेचे सामाजिक क्षेत्रात महत्त्व म्हणून आणि सांस्कृतिक जीवनग्रीस, आणि नाटक जसजसे अधिक गुंतागुंतीचे होत गेले, तसतसे सुधारणेची गरज होती. ग्रीसच्या डोंगराळ लँडस्केपने स्टेजची सर्वात तर्कसंगत व्यवस्था करण्यास प्रवृत्त केले आणि प्रेक्षक जागा: ऑर्केस्ट्रा टेकडीच्या पायथ्याशी स्थित होऊ लागला आणि प्रेक्षकांना उतारावर ठेवण्यात आले.

सर्व प्राचीन ग्रीक चित्रपटगृहे खुली होती आणि मोठ्या संख्येने प्रेक्षकांना सामावून घेतले होते. डायोनिससचे अथेन्स थिएटर, उदाहरणार्थ, 17,000 लोक सामावून घेऊ शकतात, एपिडॉरसमधील थिएटर - 10,000 पर्यंत. 5 व्या शतकात इ.स.पू. ग्रीसमध्ये, एक स्थिर प्रकारची नाट्य रचना विकसित झाली, जी पुरातन काळाच्या संपूर्ण युगाचे वैशिष्ट्य आहे. थिएटरचे तीन मुख्य भाग होते: ऑर्केस्ट्रा, थिएटरन (प्रेक्षकांसाठी ठिकाणे, क्रियापद teaomai - "मी पाहतो") आणि स्केने (स्केन - "तंबू", नंतर लाकडी किंवा दगडी रचना).

थिएटरचा आकार ऑर्केस्ट्राच्या व्यासाने (11 ते 30 मीटर पर्यंत) निर्धारित केला जातो. स्कीन ऑर्केस्ट्राच्या परिघापर्यंत स्पर्शिकपणे स्थित होता. स्केने-प्रोस्केनियाची समोरची भिंत, ज्यामध्ये सहसा कोलोनेडचा देखावा असतो, मंदिर किंवा राजवाड्याचा दर्शनी भाग दर्शवितो. स्कीन दोन पार्श्व रचनांनी संलग्न होते, ज्याला पॅरास्केनियास म्हणतात. Paraskenii ने देखावे आणि इतर नाट्य संपत्ती साठवण्याचे ठिकाण म्हणून काम केले. स्केने आणि प्रेक्षकांच्या आसनांच्या दरम्यान, ज्याने वर्तुळाच्या अर्ध्याहून अधिक जागा व्यापली होती, तेथे गल्ली-विडंबन होते, ज्याद्वारे प्रेक्षक प्रदर्शन सुरू होण्यापूर्वी थिएटरमध्ये प्रवेश करतात आणि नंतर गायन स्थळ आणि कलाकार ऑर्केस्ट्रामध्ये प्रवेश करतात. शास्त्रीय काळातील थिएटरमध्ये, प्रेक्षकांचे लक्ष कृतीच्या विकासावर, पात्रांच्या नशिबावर केंद्रित होते, बाह्य प्रभावांवर नाही. ग्रीक थिएटरच्या मांडणीने चांगली श्रवणीयता दिली. याव्यतिरिक्त, काही थिएटरमध्ये, आवाज वाढवण्यासाठी प्रेक्षकांच्या आसनांमध्ये रेझोनेटिंग जहाजे ठेवण्यात आली होती. प्राचीन ग्रीक थिएटरमध्ये पडदा नव्हता, जरी हे शक्य आहे की काही नाटकांमध्ये प्रोसेनियमचे काही भाग प्रेक्षकांपासून तात्पुरते बंद केले गेले होते.

रोमन थिएटर

रोमन थिएटरची उत्पत्ती.

रोमन थिएटर आणि नाटकाची उत्पत्ती ग्रीसप्रमाणेच, कार्निव्हल घटकांनी समृद्ध असलेल्या धार्मिक खेळांकडे परत जाते. उदाहरणार्थ, इटालियन देवता शनिच्या सन्मानार्थ सॅटर्नलियाची मेजवानी आहे. या सुट्टीचे वैशिष्ट्य म्हणजे नेहमीच्या सामाजिक संबंधांचे "उलटणे": मालक काही काळासाठी "गुलाम" बनले आणि गुलाम "मालक" बनले.

रोमन थिएटर आणि नाटकाच्या उत्पत्तीपैकी एक म्हणजे ग्रामीण कापणी उत्सव. अगदी दुर्गम काळातही, जेव्हा रोम लॅटियमचा एक छोटासा समुदाय होता, तेव्हा कापणीच्या समाप्तीच्या संदर्भात खेड्यांमध्ये सुट्टी साजरी केली जात असे. या सुट्ट्यांमध्ये, आनंददायी असभ्य गाणी-फेसेनिन्स गायली गेली. ग्रीसप्रमाणेच, दोन अर्ध-गायिका सहसा सादर करतात, विनोदांची देवाणघेवाण करतात, कधीकधी कॉस्टिक सामग्री.

आदिवासी व्यवस्थेच्या काळात उद्भवलेल्या, त्यानंतरच्या शतकांमध्ये फेसेनिन्स देखील अस्तित्वात होते आणि होरेसच्या मते, प्लीबियन आणि पॅट्रिशियन यांच्यातील सामाजिक संघर्ष त्यांच्यामध्ये दिसून आला. अशाप्रकारे सतुरस उद्भवले (अनुवादात याचा अर्थ "मिश्रण" आहे). सतुरा हे घरगुती आणि कॉमिक स्वरूपाचे नाट्यमय दृश्य होते, ज्यामध्ये संवाद, गायन, संगीत आणि नृत्य यांचा समावेश होता.

कॉमिक स्वरूपाचा आणखी एक प्रकारचा नाट्यमय कामगिरी म्हणजे अटेलानी, जे अपेनिन द्वीपकल्पात राहणाऱ्या इतर जमातींकडून घेतले गेले होते, ज्यांच्याशी रोमने सतत युद्धे केली होती. तरुणांना या खेळांची आवड निर्माण झाली आणि त्यांनी सुट्टीच्या दिवशी त्यांची व्यवस्था करण्यास सुरुवात केली. अटेलनमध्ये चार आवर्ती कॉमिक पात्रे होती: मॅक, बुक्कन, पप्प आणि डॉसेन. अटेलनीकडे ठोस मजकूर नव्हता, म्हणून जेव्हा ते सादर केले गेले तेव्हा सुधारणेसाठी विस्तृत वाव उघडला. माइम देखील लोकनाट्याकडे परत जातो. ग्रीसप्रमाणे, माइम लोक जीवनातील दृश्ये पुनरुत्पादित करतात आणि काहीवेळा मिथकांचे विडंबन करतात, देव आणि नायकांना विदूषक स्वरूपात काढतात. अशा प्रकारे, रोममध्ये, जवळजवळ समान धार्मिक खेळ होते प्राचीन ग्रीस. पण लोकनाट्याचा विकास नाटकाच्या कमकुवत सुरुवातीच्या पलीकडे गेला नाही. हे रोमन जीवनाचा पुराणमतवादी मार्ग आणि याजकांच्या तीव्र प्रतिकारामुळे आहे. म्हणूनच, रोममध्ये एक स्वतंत्र पौराणिक कथा विकसित झाली नाही, जी ग्रीसमध्ये नाटकासह कलेची "माती आणि शस्त्रागार" म्हणून काम करते.

रिपब्लिकन काळातील रोमन थिएटर.

रोमन लोकांनी ग्रीक लोकांकडून साहित्यिक नाटक तयार केले आणि लॅटिनमध्ये अनुवादित केले आणि ते त्यांच्या स्वतःच्या संकल्पना आणि अभिरुचीनुसार स्वीकारले. पहिल्या प्युनिक युद्धाच्या विजयी समाप्तीनंतर, 240 बीसीच्या उत्सवाच्या खेळांमध्ये, नाट्यमय कामगिरीची व्यवस्था करण्याचा निर्णय घेण्यात आला. उत्पादनाची जबाबदारी ग्रीक लिव्हियस अँड्रॉनिकसकडे सोपविण्यात आली होती, जो रोमन सिनेटरच्या गुलामगिरीत होता, ज्याने त्याला लॅटिन नाव लिवियस दिले. त्याच्या सुटकेनंतर, तो रोममध्ये राहिला आणि ग्रीक शिकवू लागला लॅटिनरोमन खानदानी लोकांचे पुत्र. या शिक्षकाने शोकांतिका आणि बहुधा कॉमेडी देखील सादर केली, जी त्याने ग्रीक मॉडेलमधून पुन्हा तयार केली किंवा कदाचित, ग्रीकमधून लॅटिनमध्ये भाषांतरित केली. या निर्मितीने रोमन थिएटरच्या विकासाला पहिली चालना दिली.

235 बीसी पासून नाटककार Gnaeus Neviy आपली नाटके रंगवायला सुरुवात करतो. नेव्हियसचा एक तरुण समकालीन, टायटस मॅकियस प्लॅव्हट. त्याचे कार्य त्या कालावधीचा संदर्भ देते जेव्हा कृषी समुदायातील रोम सर्वात मजबूत राज्यात बदलतो - प्रथम अपेनाइन द्वीपकल्प आणि नंतर संपूर्ण भूमध्यसागरीय खोऱ्यात. पब्लिअस टेरेन्स Afr, ज्यांनी प्लॉटस सारखे काम केले, पॅलियाटा या प्रकारात, ते नाटककारांच्या पुढच्या पिढीतील होते. टेरेन्सला नव्या युरोपीय नाटकाचा अग्रदूत म्हणता येईल. युरोपियन थिएटर वारंवार त्याच्या कामाकडे वळले आहे. मोलियरच्या कामात त्याच्या "फॉर्मियन" आणि "ब्रदर्स" या विनोदांचा प्रभाव जाणवतो.

शाही काळातील रोमन थिएटर.

इ.स.पूर्व पहिल्या शतकात रोममधील प्रजासत्ताक कोसळले. सीझरच्या हत्येनंतर आणि 31 ईसापूर्व अँटोनीवर विजय मिळवल्यानंतर. ऑक्टाव्हियन रोममध्ये सम्राट झाला, ज्याला नंतर मानद टोपणनाव ऑगस्टस ("पवित्र") मिळाले. ऑगस्टसला थिएटरचे सामाजिक महत्त्व चांगले ठाऊक होते आणि त्यांनी त्याच्या विकासासाठी प्रत्येक संभाव्य मार्गाने योगदान दिले. सर्वप्रथम, ऑगस्टसला रोमन रंगमंचावर ग्रीक प्रकारातील शोकांतिकेचे पुनरुज्जीवन करायचे होते, ते त्याच्या नागरिकांच्या नैतिकतेत सुधारणा आणि शिक्षित करण्याचे एक साधन म्हणून पाहत होते. ऑगस्टसच्या या आकांक्षांना उत्कृष्ठ रोमन कवी होरेस याने पाठिंबा दिला होता आणि ते त्याच्या काव्याच्या विज्ञानात प्रतिबिंबित झाले होते. तथापि, रोमन रंगमंचावर एक गंभीर शैली पुनरुज्जीवित करण्याचे ऑगस्टसचे सर्व प्रयत्न अयशस्वी झाले.

शाही युगाच्या शोकांतिकेतून, तत्वज्ञानी सेनेकाच्या शोकांतिका वगळता आपल्यापर्यंत काहीही आले नाही. लुसियस अॅनेई सेनेका हा सम्राट नीरोचा शिक्षिका होता, एकेकाळी तो त्याच्या अधिपत्याखाली राज्यातील सर्वोच्च पदांवर होता, परंतु नंतर त्याच्यावर सम्राटाविरुद्ध कट रचल्याचा आरोप करण्यात आला आणि नीरोच्या आदेशानुसार त्याने नसा उघडून आत्महत्या केली. सेनेकाने त्याच्या आयुष्याच्या शेवटच्या वर्षांत शोकांतिका लिहिण्यास सुरुवात केली, जेव्हा नीरोचा त्याच्याबद्दलचा दृष्टीकोन बदलला आणि त्याला विद्यमान ऑर्डरवर अधिक काळजीपूर्वक आपले मत व्यक्त करण्यास भाग पाडले गेले.

नाट्य प्रदर्शनांचे आयोजन.

विविध कार्यक्रमांदरम्यान रोममध्ये कार्यक्रम आयोजित करण्यात आले होते सार्वजनिक सुट्ट्या. ज्युपिटर, जुनो आणि मिनर्व्हा यांच्या सन्मानार्थ सप्टेंबरमध्ये आयोजित पॅट्रिशियन्स, रोमन गेम्सच्या मेजवानीवर नाटके खेळली गेली; जुलैमध्ये अपोलो गेम्समध्ये. पहिल्या शतकाच्या मध्यापर्यंत रोममध्ये कायमस्वरूपी थिएटर इमारत नव्हती. बीसी.; त्याच्या बांधकामाला पुराणमतवादी सिनेटने विरोध केला होता. कामगिरीसाठी, एक लाकडी प्लॅटफॉर्म, माणसाच्या अर्ध्या उंचीचा, सहसा मंचावर उभारला जातो. 4-5 पायऱ्यांची एक अरुंद शिडी स्टेजच्या व्यासपीठाकडे नेली, ज्याच्या बाजूने कलाकार स्टेजवर चढले.

या दुर्घटनेत राजवाड्यासमोर कारवाई झाली. कॉमेडीजमध्ये, देखावा जवळजवळ नेहमीच शहराच्या रस्त्यावर दोन किंवा तीन घरांच्या दर्शनी भागासह चित्रित केला जातो आणि कृती घरासमोर होते. प्रेक्षक मंचासमोरील बाकांवर बसले. परंतु काहीवेळा सिनेटने या तात्पुरत्या थिएटरमध्ये जागा स्थापन करण्यास मनाई केली: सिनेटच्या म्हणण्यानुसार, परफॉर्मन्समध्ये बसणे हे प्रभावीपणाचे लक्षण होते. नाट्य खेळांसाठी बांधलेली सर्व रचना पूर्ण झाल्यानंतर लगेचच मोडकळीस आली.

रोमसाठी एक कार्यक्रम म्हणजे दगडाने बांधलेले पहिले कायमचे थिएटर. हे थिएटर इ.स.पूर्व ५५ मध्ये बांधले गेले. ग्नीम पॉम्पी ग्रेट आणि 40 हजार लोकांपर्यंत सामावून घेतले. 1ल्या शतकाच्या शेवटी इ.स.पू. रोममध्ये, आणखी दोन दगडी थिएटर बांधले गेले: बाल्बाचे थिएटर आणि मार्सेलसचे थिएटर. नंतरच्या काळापासून, तीन मजल्यांमध्ये विभागलेले बाह्य भिंतीचे अवशेष आजपर्यंत टिकून आहेत, जे तीन आतील स्तरांशी संबंधित आहेत.

मध्ययुगातील थिएटर

साहित्यिक आणि अर्ध-लिटर्जिकल नाटक.

चर्च नाटक हे मध्ययुगाच्या सुरुवातीच्या नाट्यकलेचे एक प्रकार बनले. प्राचीन थिएटरच्या अवशेषांविरुद्ध, ग्रामीण खेळांविरुद्ध लढा देत, चर्चने नाटकीय प्रचाराची प्रभावीता स्वतःच्या हेतूंसाठी वापरण्याचा प्रयत्न केला.

आधीच 9व्या शतकात, वस्तुमान नाट्यमय केले गेले होते, ख्रिस्ताच्या जीवनाबद्दल, त्याच्या दफन आणि पुनरुत्थानाबद्दलच्या दंतकथांमधून भाग वाचण्याचा विधी विकसित केला गेला होता. या संवादांतून आरंभीच्या धार्मिक नाटकाचा जन्म होतो. अशा नाटकाची दोन चक्रे होती - एक ख्रिसमस, जो ख्रिस्ताच्या जन्माबद्दल सांगते आणि एक इस्टर, जो त्याच्या पुनरुत्थानाची कथा सांगते. ख्रिसमसच्या धार्मिक नाटकात, मंदिराच्या मध्यभागी एक क्रॉस ठेवण्यात आला होता, नंतर तो काळ्या कपड्यात गुंडाळला गेला होता, ज्याचा अर्थ परमेश्वराच्या शरीराचे दफन होते.

कालांतराने, लीटर्जिकल नाटक अधिक जटिल बनते, "अभिनेत्यांचे" पोशाख वैविध्यपूर्ण बनतात आणि चाचणी आणि हालचालींचे अचूक संकेत देऊन "दिग्दर्शकाच्या सूचना" तयार केल्या जातात. हे सर्व पुजाऱ्यांनीच केले. धार्मिक कार्यक्रमांच्या आयोजकांनी स्टेज अनुभव जमा केला आणि लोकांना ख्रिस्ताचे स्वर्गारोहण आणि इतर गॉस्पेल चमत्कार कुशलतेने दाखवण्यास सुरुवात केली. जीवनाकडे जाणे आणि रंगमंचावरील प्रभावांचा वापर करून, धार्मिक नाटकाने यापुढे आकर्षित केले नाही, परंतु तेथील रहिवाशांना सेवेपासून विचलित केले. शैलीचा विकास त्याच्या आत्म-नाशाने भरलेला होता. थिएटरच्या सेवांना नकार देऊ इच्छित नसल्यामुळे आणि त्यास सामोरे जाण्यास सक्षम नसल्यामुळे, चर्चचे अधिकारी मंदिरांच्या तिजोरीतून बाहेरून पोर्चमध्ये नेले जातात. अर्ध-लिटर्जिकल ड्रामा जन्माला येतो. आणि मग चर्च थिएटर, औपचारिकपणे पाळकांच्या सत्तेत असल्याने, शहरातील गर्दीच्या प्रभावाखाली पडले. आता ती आधीच तिच्या अभिरुचीनुसार त्याला हुकूम देत आहे, त्याला चर्चच्या सुट्ट्यांवर नव्हे तर मेळ्यांच्या दिवशी परफॉर्मन्स देण्यास भाग पाडत आहे, गर्दीला समजेल अशा त्याच्या मूळ भाषेत पूर्णपणे स्विच करण्यासाठी. यशाबद्दल चिंतित असलेल्या, पाळकांनी अधिक दैनंदिन विषय निवडण्यास सुरुवात केली आणि अर्ध-लिटर्जिकल नाटकासाठी साहित्य आहे. बायबलसंबंधी कथादररोजच्या व्याख्येच्या अधीन. बायबलसंबंधी दंतकथा कालांतराने काव्यात्मक प्रक्रियेच्या अधीन आहेत. तांत्रिक नवकल्पना देखील सादर केल्या जातात: एकाच वेळी दृश्यांचे तत्त्व शेवटी स्थापित केले जाते, जेव्हा एकाच वेळी अनेक कृती दृश्ये दर्शविली जातात; युक्त्यांची संख्या वाढते. तथापि, हे सर्व असूनही, चर्च नाटकाने चर्चशी घनिष्ठ नाते कायम ठेवले. नाटक पोर्चवर, चर्चच्या निधीवर आयोजित केले गेले होते, त्याचे प्रदर्शन पाळकांनी संकलित केले होते (जरी याजक आणि सामान्य लोकांसह प्रदर्शनातील सहभागी). तर, परस्पर अनन्य घटकांना लहरीपणे एकत्र करून, चर्च नाटक बर्याच काळापासून अस्तित्वात होते.

धर्मनिरपेक्ष नाट्यशास्त्र.

वास्तववादी दिशेची सुरुवात

नवीन वास्तववादी ट्रेंडचे पहिले स्प्राउट्स फ्रेंच शहराच्या अरासमधील ट्राउव्हर (ट्रॉउबाडोर) अॅडम डी ला हॅले (सुमारे 1238-1287) च्या नावाशी संबंधित आहेत. डी ला अल्ले यांना कविता, संगीत आणि रंगभूमीची आवड होती. तो पॅरिसमध्ये आणि इटलीमध्ये राहत होता (अंजूच्या चार्ल्सच्या दरबारात) आणि कवी, संगीतकार आणि नाटककार म्हणून तो मोठ्या प्रमाणावर प्रसिद्ध झाला.

13 व्या शतकात, विनोदी प्रवाह चमत्कार थिएटरने आधीच बुडविला होता, ज्याची थीम म्हणून जीवनातील घटना देखील होत्या, परंतु ते धर्माकडे वळले.

चमत्कार.

चमत्कार हे नाव स्वतःच "चमत्कार" या लॅटिन शब्दावरून आले आहे. आणि खरंच, सर्व संघर्ष, कधीकधी अगदी तीव्रपणे जीवनातील विरोधाभास प्रतिबिंबित करणारे, दैवी शक्तींच्या हस्तक्षेपामुळे या शैलीमध्ये सोडवले गेले - सेंट निकोलस, व्हर्जिन मेरी इ. वेळ स्वतः - XIV शतक, युद्धांनी भरलेले, लोकप्रिय अशांतता आणि अमानुष बदला, चमत्कार म्हणून अशा वादग्रस्त शैलीच्या विकासाचे स्पष्टीकरण देते. हा योगायोग नाही की चमत्कार, ज्याची सुरुवात सामान्यतः वास्तविकतेच्या प्रकटीकरणाने होते, नेहमी तडजोड, पश्चात्ताप आणि क्षमा या कृतीने समाप्त होते, ज्याचा व्यावहारिक अर्थ नुकत्याच दाखवलेल्या अत्याचारांशी समेट होता, कारण प्रत्येक खलनायकामध्ये एक संभाव्य नीतिमान गृहित धरले जाते. माणूस हे बर्गर चेतना आणि चर्च दोघांनाही अनुकूल होते.

गूढ.

15 व्या-16 व्या शतकातील मिस्ट्री थिएटरचा आनंदाचा दिवस, शहरांच्या जलद भरभराटीचा आणि सामाजिक विरोधाभास वाढण्याचा काळ. या शहराने सरंजामशाही अवलंबित्वावर मोठ्या प्रमाणात मात केली आहे, परंतु अद्याप ते निरंकुश राजाच्या अधिपत्याखाली आलेले नाही. रहस्य हे मध्ययुगीन शहर आणि तिथल्या संस्कृतीच्या भरभराटीची अभिव्यक्ती होती. हे तथाकथित "नक्कल रहस्ये" मधून वाढले - धार्मिक सुट्ट्यांच्या सन्मानार्थ, राजांच्या पवित्र प्रस्थानाच्या सन्मानार्थ शहरी मिरवणुका. या उत्सवांमधून, मध्ययुगीन रंगभूमीच्या सुरुवातीच्या अनुभवाचा वापर करून हळूहळू एक रहस्यमय नाटक तयार केले गेले. रहस्यांचे प्रदर्शन चर्चने नव्हे तर शहरातील कार्यशाळा आणि नगरपालिकांनी आयोजित केले होते. लेखक नवीन प्रकारचे आकडे होते - शास्त्रज्ञ, धर्मशास्त्रज्ञ, वकील, डॉक्टर. शहराच्या वरच्या भांडवलदारांनी निर्मितीचे दिग्दर्शन केले होते हे असूनही, रहस्ये ही एक भव्य बाह्य हौशी कला होती. या कार्यक्रमात शेकडो लोक सहभागी झाले होते.

रहस्यांनी जगाची निर्मिती, देवाविरूद्ध ल्युसिफरचे बंड, बायबलसंबंधी चमत्कार दर्शवले. मिस्ट्रीने मध्ययुगीन थिएटरची थीमॅटिक श्रेणी विस्तृत केली, एक प्रचंड स्टेज अनुभव जमा केला, जो मध्य युगाच्या नंतरच्या शैलींद्वारे वापरला गेला. गूढ घडवणारे शहरी लोक होते. विशालचे वेगळे भाग नाट्य प्रदर्शनशहरातील विविध कार्यशाळांच्या प्रतिनिधींनी सादर केले. त्याच वेळी, गूढतेने प्रत्येक व्यवसायाला शक्य तितक्या पूर्णपणे व्यक्त करणे शक्य केले. द मिस्ट्रीजने नाट्य तंत्र विकसित केले, लोकांमध्ये थिएटरची आवड निर्माण केली आणि पुनर्जागरण नाटकाची काही वैशिष्ट्ये तयार केली. परंतु 1548 पर्यंत रहस्यमय समाज, विशेषत: फ्रान्समध्ये व्यापकपणे, गूढ दाखवण्यावर बंदी घालण्यात आली: रहस्य थिएटरची गंभीर विनोदी ओळ खूपच मूर्त बनली होती. मृत्यूचे कारण हे देखील आहे की तिला समाजातील नवीन, पुरोगामी शक्तींकडून पाठिंबा मिळाला नाही.

सुधारणा चळवळ

सामंतविरोधी चारित्र्य

युरोपमध्ये १६व्या शतकात सुधारणा घडून आली. त्यात सामंतविरोधी वर्ण होता आणि त्याने सरंजामशाहीच्या वैचारिक स्तंभ, कॅथलिक चर्चविरुद्ध संघर्षाचे रूप धारण केले.

सुधारणा चळवळ "परमेश्‍वराशी वैयक्‍तिक सहवास" या तत्त्वाची पुष्टी करते, वैयक्तिक सद्गुणांचे तत्त्व. धनदांडग्यांच्या हातात नैतिकता हे जहागिरदारांविरुद्ध आणि गरीब शहरी जनतेविरुद्ध संघर्षाचे हत्यार बनते. बुर्जुआ जागतिक दृष्टिकोनाला पवित्रता देण्याची इच्छा नैतिकतेच्या थिएटरला जन्म देते.

नैतिकता.

नैतिकतेने नैतिकतेला धार्मिक कथानक आणि दैनंदिन विचलनापासून मुक्त केले आणि स्वतःला वेगळे करून, शैलीत्मक ऐक्य आणि एक मोठे उपदेशात्मक अभिमुखता प्राप्त केली.

प्रहसन.

क्षेत्रीय प्रहसन अपक्ष म्हणून उभे आहे नाट्य शैली 15 व्या शतकाच्या उत्तरार्धापासून. मात्र, त्याआधी छुप्या विकासात त्यांनी बराच पल्ला गाठला होता. हे नाव लॅटिन फर्टा ("फिलिंग") वरून आले आहे. खरंच, रहस्यांच्या आयोजकांनी अनेकदा लिहिले: "येथे प्रहसन घाला." आनंदी कार्निव्हल परफॉर्मन्स आणि लोक सादरीकरणे "मूर्ख कॉर्पोरेशन्स" ला जन्म देतात - क्षुद्र न्यायिक अधिकारी, शहरातील विविध बोहेमियन, शाळकरी मुले, सेमिनारियन यांची संघटना. 15 व्या शतकात, विदूषक समाज संपूर्ण युरोपमध्ये पसरला. पॅरिसमध्ये चार मोठ्या संस्था होत्या आणि त्यांच्या हास्यास्पद कामगिरीचे परेड नियमितपणे आयोजित केले जात होते. या परेडमध्ये, बिशपची भाषणे, न्यायाधीशांचे शब्द विवाद आणि शहरातील राजांच्या प्रवेशाची खिल्ली उडवली गेली. याला प्रत्युत्तर म्हणून, धर्मनिरपेक्ष आणि आध्यात्मिक अधिकार्यांनी फार्सरांचा छळ केला, त्यांना शहरातून बाहेर काढले, तुरुंगात टाकले. प्रहसन त्याच्या सर्व सामग्रीसह आणि कलात्मक रचनेसह वास्तवाकडे वळले आहे. तो लुटारू सैनिक, माफी देणारे भिक्षू, उधळपट्टी करणारे सरदार, कंजूष व्यापारी यांची थट्टा करतो. तीव्रपणे लक्षात आलेले आणि वर्णित वर्ण वैशिष्ट्यांमध्ये व्यंग्यात्मकपणे टोकदार जीवन सामग्री आहे. फार्सर्ससाठी अभिनय कलेची मुख्य तत्त्वे म्हणजे व्यक्तिचित्रण, विडंबन व्यंगचित्र आणि गतिशीलता, स्वतः कलाकारांची क्रियाकलाप आणि आनंद व्यक्त करणे. राजेशाही आणि चर्चवादी अधिकार्यांनी शहरी मुक्त विचारसरणीवर आणि त्याचा एक प्रकार - प्रहसनात्मक थिएटरवर आक्रमण केले.

प्रहसनाचा मोठा प्रभाव होता पुढील विकासथिएटर पश्चिम युरोप. इटलीमध्ये, कॉमेडिया डेल'आर्टेचा जन्म प्रहसनातून झाला; स्पेनमध्ये - "स्पॅनिश थिएटरचे जनक" लोपे डी रुएडा यांचे कार्य; आणि इंग्लंडमध्ये, प्रहसनाच्या प्रकारानुसार, जॉन हेवूडने त्याचे इंटरल्यूड्स, जर्मनीमध्ये, हॅन्स सॅक्स लिहिले; फ्रान्समधील प्रहसनात्मक परंपरेने मोलिएर आणि महान शेक्सपियर यांच्या कलेचे पोषण केले.

हे प्रहसनच जुन्या आणि नव्या रंगभूमीचा दुवा बनले.

नवीन थिएटर

थिएटर (ग्रीक थिएटरॉनमधून - तमाशाची ठिकाणे, तमाशा). थिएटरची सामान्य संकल्पना नाट्य कला प्रकारांमध्ये विभागली गेली आहे: नाटक थिएटर, ऑपेरा, बॅले, पॅन्टोमाइम थिएटर इ. या शब्दाची उत्पत्ती प्राचीन ग्रीक अँटिक थिएटरशी जोडलेली आहे, जिथे सभागृहातील ठिकाणांना असे म्हटले जाते. तथापि, आज या संज्ञेचा अर्थ अत्यंत वैविध्यपूर्ण आहे.

ज्ञानयुगाच्या दरम्यान, संक्रमण समकालीन संस्कृती. जीवनाचा आणि विचारांचा एक नवीन मार्ग आकार घेत होता, याचा अर्थ नवीन प्रकारच्या संस्कृतीची कलात्मक आत्म-जागरूकता देखील बदलत होती. "प्रबोधन" हे नाव सांस्कृतिक आणि अध्यात्मिक जीवनाच्या क्षेत्रातील या वर्तमानाच्या सामान्य भावनेचे वैशिष्ट्य आहे, ज्याचा उद्देश धार्मिक किंवा राजकीय अधिकार्यांवर आधारित विचारांना पुनर्स्थित करणे आहे जे मानवी मनाच्या आवश्यकतांचे पालन करतात.

18 वे शतक अशी जागतिक संस्कृती दिली अद्भुत कलाकारआणि इंग्लंडमधील शेरीडन, व्होल्टेअर, डिडेरोट, फ्रान्समधील ब्युमार्चैस, लेसिंग, गोएथे, जर्मनीतील शिलर, इटलीमधील गोल्डोनी यांसारखे थिएटर कला सिद्धांतकार. तर्काच्या वर्चस्वामुळे ज्ञानाची कला तर्कसंगततेने ग्रस्त आहे, जीवनाचे तर्कसंगत विश्लेषण करण्यासाठी क्रमबद्ध फॉर्म आवश्यक आहेत.

तथापि, एका सुसंवादी व्यक्तिमत्त्वात एखाद्या व्यक्तीचा आदर्श पाहणारे प्रबोधनकार कलेचा विचार करताना भावनांच्या आवश्यकतांकडे दुर्लक्ष करू शकत नाहीत. प्रबोधनाच्या रंगमंचाने आशय आणि पद्धत या दोन्ही गोष्टी उल्लेखनीयपणे व्यक्त केल्या आहेत एक नवीन रूपत्या युगासाठी पुरेशा जगासाठी.

इंग्लंडमधील ज्ञानयुगातील थिएटर.

18 व्या शतकातील थिएटरचे प्रेक्षक अधिक लोकशाही बनले. पारटेरेमध्ये, शहरवासीयांसाठी साधे बेंच स्थापित केले गेले. नोकरदार, विद्यार्थी आणि छोटे कारागीर यांनी रायक भरले होते. परफॉर्मन्स दरम्यान, प्रेक्षक खूप सक्रिय होते, स्टेजवर जे दाखवले गेले होते त्यावर अॅनिमेटेड प्रतिक्रिया देत होते.

अशा प्रकारे, इंग्लंडमध्ये, प्रबोधनाच्या थिएटरने उदयोन्मुख बुर्जुआ व्यवस्थेच्या दुर्गुणांवर टीका केली. थिएटरचा एक नवीन वैचारिक सिद्धांत आहे: प्रेक्षकांचे सार्वजनिक आणि नैतिक शिक्षण. ही शिकवण इंग्लंडच्या प्युरिटन परंपरांमध्ये पूर्णपणे बसते - भविष्यात, प्युरिटन्सनी नाट्यकलेच्या संदर्भात त्यांची भूमिका मऊ केली आणि यापुढे रंगभूमीच्या विरोधात लढा दिला नाही, तर त्याच्या सुधारणांसाठी: अनैतिकतेचे निर्मूलन आणि परिवर्तनासाठी. थिएटरला सामाजिकदृष्ट्या उपयुक्त संस्थेत रुपांतर.

प्युरिटन धर्मशास्त्रज्ञ जेरेमी कॉलियरचा अभिजात रंगभूमीच्या विरोधात, इंग्रजी स्टेजच्या अनैतिकता आणि अनैतिकतेचा संक्षिप्त आढावा (1698) हा थिएटरच्या सुधारणेचा कार्यक्रमात्मक दस्तऐवज बनला. या ग्रंथाने जवळजवळ संपूर्ण 18 व्या शतकात इंग्रजी रंगभूमीच्या नैतिकता आणि उपदेशात्मकतेवर जोर दिला. या शिरामध्ये, जोसेफ एडिसन (कॅटो, ड्रमर), रिचर्ड स्टील (द लाअर लव्हर, ऑर वुमन्स फ्रेंडशिप; केअरफ्री हसबंड), सॅम्युअल जॉन्सन (आयरीन), कोली सिबर (केअरफ्री हसबंड; लास्ट रेट ऑफ द लास्ट रेट ऑफ द लास्ट रेट) या नाटककारांचे काम. बायको; चिडलेला नवरा) यातून विकसित झाला.)

१७३१ मध्ये, द मर्चंट ऑफ लंडन किंवा द हिस्ट्री ऑफ जॉर्ज बर्नवेल या नाटकाच्या प्रस्तावनेत, नाटककार जॉर्ज लिलो यांनी बुर्जुआ नाटकाचा वास्तववादी सिद्धांत, नवीन सौंदर्यात्मक कार्यक्रमासाठी जाहीरनामा प्रकाशित केला. तो शोकांतिकेच्या वर्ग निर्बंधांना विरोध करतो, ज्याने केवळ उच्च-स्तरीय व्यक्तिमत्त्वांना त्याच्या नायकांमध्ये आणले. अभिजात वर्गाबद्दलची आपली नापसंती लपवून न ठेवता, शोकांतिका ही भांडवलदार वर्गाच्या नैतिक कल्पनांचे वाहक बनण्याची मागणी करतो. दहा वर्षांपूर्वी, 1721 मध्ये, एक अनामिक नाटक, घातक मॅडनेस, इंग्लंडमध्ये दिसू लागले, जे क्षुद्र-बुर्जुआ नाटकाच्या एका आवडत्या थीमवर लिहिले गेले होते - जुगाराचे विनाशकारी परिणाम. मग नाटक व्यावहारिकदृष्ट्या दुर्लक्षित राहिले - नवीन शैलीची वेळ अद्याप आली नव्हती. पण आता बुर्जुआ समस्यांना प्रेक्षकांमध्ये मोठी मागणी झाली आहे.

हेन्री फील्डिंग (इंग्लंडमधील डॉन क्विक्सोट; ग्रुबस्ट्रीटचे ऑपेरा, किंवा पत्नीच्या शूवर; 1736 साठी ऐतिहासिक दिनदर्शिका) यांनी नाट्यशास्त्रातील व्यंग्यात्मक प्रवृत्ती यशस्वीपणे विकसित केली. व्यंगात्मक निषेधाच्या तीव्रतेमुळे 1737 मध्ये नाट्य सेन्सॉरशिपवर सरकारी कायदा प्रकाशित झाला, ज्याने राजकीय व्यंगाचा अंत केला. नाटककार-शिक्षकांचे लक्ष शिष्टाचाराच्या विनोदावर केंद्रित होते, ज्यामुळे किमान सामाजिक व्यंगचित्रे शक्य झाली. या काळातील कॉमेडी ऑफ मॅनर्सची सर्वात मनोरंजक कामे ऑलिव्हर गोल्डस्मिथ (गुड इक्वल; नाईट ऑफ एरर्स) आणि रिचर्ड शेरीडन (प्रतिस्पर्धी; स्कूल ऑफ स्कँडल) यांच्या पेनशी संबंधित आहेत.

इंग्रजी कलात्मक कलेचा सर्वोत्कृष्ट प्रतिनिधी प्रसिद्ध डेव्हिड गॅरिक (1717-1779), स्टेजवरील मानवतावादी आणि शिक्षक होता. हॅम्लेट, लिअर आणि इतरांच्या भूमिका साकारून त्यांनी शेक्सपियरच्या नाट्यशास्त्राचा यशस्वीपणे प्रचार केला.

18 व्या शतकाचा शेवट इंग्लंडमध्ये नवीन शैलीच्या उदयाने चिन्हांकित केले - "दुःस्वप्न आणि भयपट" ची शोकांतिका, जी नवीन शैलीचा अग्रदूत होता. सौंदर्याची दिशा- रोमँटिसिझम. या शैलीचा निर्माता होरेस वॉलपोल होता. जरी त्याच्याकडे फक्त एकच नाटक आहे - "द मिस्ट्रियस मदर" (1768), ज्यात अनैतिक उत्कटतेची कहाणी आहे, लेखकाचा पूर्व-रोमँटिक आणि रोमँटिक नाट्यशास्त्रावर मोठा प्रभाव होता.

फ्रेंच थिएटर XVIII शतक.

प्रबोधनाच्या युगात समाजाच्या लोकशाहीकरणाच्या प्रक्रियेने एका नवीन नाट्यमय शैलीला जन्म दिला - क्षुद्र-बुर्जुआ नाटक, ज्याचे निर्माते फ्रान्समध्ये डी. डिडेरोट, एम. जे. सेडेन, एल.एस. मर्सियर होते.

P. O. Beaumarchais च्या कॉमेडीमध्ये क्षुद्र-बुर्जुआ नाटक आणि "अश्रूपूर्ण कॉमेडी" च्या उणीवा दूर केल्या गेल्या. सेव्हिलचा नाई"(1775) आणि" द मॅरेज ऑफ फिगारो "(1784), ज्यामध्ये नवीन शक्तीमोलिएरच्या परंपरा जिवंत झाल्या आणि प्रबोधन सौंदर्यशास्त्राची उत्कृष्ट वैशिष्ट्ये मूर्त स्वरुपात आली.

18 व्या शतकाच्या शेवटी फ्रेंच बुर्जुआ क्रांतीच्या काळात शैक्षणिक नाट्यशास्त्राच्या वीर आणि नागरी आकांक्षा सर्वात मोठ्या शक्तीने प्रकट झाल्या. एमजे चेनियरच्या शोकांतिका, सामंतविरोधी पथ्ये (“चार्ल्स IX”, 1789, “हेन्री VIII”, 1791, “जीन कॅलास”, 1791, “काई ग्रॅचस”, 1792) ने भरलेल्या क्रांतिकारक क्लासिकिझमच्या नाट्यमयतेची उदाहरणे होती. .

फ्रान्समध्ये, तत्त्वज्ञानी-शिक्षक व्होल्टेअरने आपल्या नाट्यमयतेमध्ये सामाजिक समस्यांना ज्वलंतपणे संबोधित केले आणि तानाशाहीचा निषेध केला, शोकांतिकेचा प्रकार विकसित करणे सुरू ठेवले.

त्याच वेळी, फ्रेंच रंगमंचावर विनोदी-व्यंग्यात्मक परंपरा कायम ठेवली गेली. तर, लेसेज (1668-1747) कॉमेडी "टर्केअर" मधील केवळ क्षय होत चाललेल्या अभिजात वर्गावरच नव्हे तर उदार बुर्जुआ वर्गावरही टीका केली. लोकनाट्यासाठी विनोदनिर्मिती करण्याची त्यांची इच्छा होती.

आणखी एक शिक्षक आणि नाटककार, डेनिस डिडेरोट (1713-1784), यांनी रंगमंचावर सत्य आणि नैसर्गिकतेचा बचाव केला. अनेक नाटकांव्यतिरिक्त ("बॅड सन", "फादर ऑफ द फॅमिली" इत्यादी), डिडेरोटने "द पॅराडॉक्स ऑफ द अॅक्टर" हा ग्रंथ लिहिला, जिथे त्याने अभिनयाचा सिद्धांत विकसित केला.

व्हॉल्टेअरच्या ज्ञानवर्धक शोकांतिकेच्या मंचावर, नवीन प्रकारचे कलाकार समोर आले, जे वीर आणि आरोपात्मक थीमचे नागरी विकृती व्यक्त करण्यास सक्षम होते.

फ्रान्समधील प्रबोधनाच्या थिएटरच्या विकासातील एक मोठे स्थान फेअरग्राउंड आणि बुलेव्हार्ड थिएटरने व्यापलेले होते. फेअर थिएटरची शैली पॅन्टोमाइम, प्रहसन, नैतिकता, फास्टॅचस्पेली होती, ज्याचे प्रदर्शन सुधारण्याच्या कलेवर आधारित होते. हे बर्‍याचदा व्यंग्यात्मक सादरीकरण होते, ज्यात विचित्र आणि बफूनरीचे घटक असायचे, असभ्य विनोदाने भरलेले. रस्सी नर्तक, बाजीगर आणि प्रशिक्षित प्राणी, सर्कस कलाकारांचे नमुना, देखील मेळ्यांमध्ये सादर केले. त्यांनी विडंबन आणि व्यंगचित्राचा भरपूर वापर केला. या कलेच्या लोकशाही स्वरूपामुळे विशेषाधिकारप्राप्त थिएटर्सनी त्यावर हल्ले केले.

जर्मन थिएटरची निर्मिती.

सर्वात प्रख्यात जर्मन लेखक-शिक्षक गॉथोल्ड-एफ्राइम लेसिंग (१७२९-१७८१) हे जर्मन राष्ट्रीय रंगभूमीचे खरे निर्माता होते. त्यांनी पहिली जर्मन राष्ट्रीय कॉमेडी "मिन्ना वॉन बर्नहोम", सामंतविरोधी शोकांतिका "एमिलिया गॅलोटी" आणि इतर अनेक नाट्यकृती तयार केल्या. नॅथन द वाईज या शैक्षणिक शोकांतिकेत लेखक धार्मिक कट्टरतेविरुद्ध बोलला.

"हॅम्बर्ग ड्रामाटर्गी" या प्रसिद्ध पुस्तकात लेसिंग यांनी नाटकाच्या सौंदर्यशास्त्र आणि सिद्धांतावर आपली मते मांडली. G. E. Lessing हे सामाजिक नाटक, राष्ट्रीय विनोदी आणि शैक्षणिक शोकांतिकेचे निर्माते, थिएटर सिद्धांतकार, 18 व्या शतकातील जर्मन थिएटरमधील वास्तववादी प्रवृत्तीचे संस्थापक आहेत.

जर्मन अभिनयावर प्रबोधनात्मक कल्पनांचा मोठा प्रभाव होता, ज्यामुळे ते वास्तववादाच्या जवळ आले. या वर्षांमध्ये जर्मनीतील सर्वात प्रमुख अभिनेता फ्रेडरिक लुडविग श्रोडर (1744-1816) होता, जो "वादळ आणि तणाव" च्या कल्पनांशी संबंधित होता. 70 च्या दशकात. 18 वे शतक जर्मन कलेत, "वादळ आणि हल्ले" या नावाने एक नवीन ट्रेंड निर्माण झाला.

सरंजामशाही आणि निरंकुशतेविरुद्ध लढणाऱ्या बुर्जुआ वर्गाच्या अत्यंत प्रगत, क्रांतिकारी विचारसरणीच्या मंडळांच्या चळवळीचे प्रतिबिंब त्यात होते. महान जर्मन कवी आणि नाटककार गोएथे आणि शिलर यांनी या प्रवाहात भाग घेतला. 1777 मध्ये, मॅनहाइम नॅशनल थिएटर उघडले गेले, जे 80 आणि 90 च्या दशकातील सर्वात मोठ्या जर्मन थिएटरपैकी एक बनले. 18 व्या शतकात, अभिनेता, दिग्दर्शक आणि नाटककार ए.व्ही. इफ्लँडची क्रिया त्यात उलगडली. त्यांनी मॅनहाइम रंगमंचावर बुर्जुआ-फिलिस्टाइन नाटक लावले (त्याची स्वतःची नाटके, तसेच ए. कोत्झेब्यू यांची नाटके), ज्याने रंगभूमीचा सर्जनशील चेहरा निश्चित केला.

XVIII शतकाच्या शेवटी. जर्मन रंगभूमीचा विकास हा वेमर थिएटरमधील महान जर्मन नाटककार जे. डब्ल्यू. गोएथे आणि एफ. शिलर यांच्या क्रियाकलापांशी संबंधित आहे. येथे जर्मनीत प्रथमच रंगमंचावर आले प्रमुख कामेजागतिक शास्त्रीय नाट्यशास्त्र (गोएथे, शिलर, लेसिंग, व्होल्टेअर आणि इतर), दिग्दर्शन कलेचा पाया घातला गेला, एकाच कलात्मक संकल्पनेच्या अधीन असलेल्या कलाकारांच्या जोडणीचे तत्त्व लागू केले गेले.

गोएथे त्याच्या सैद्धांतिक कार्यक्रमआणि कलात्मक सराव, त्यांनी प्राचीन कलेच्या कठोर मानकांची पूर्तता करणारे स्मारक थिएटर तयार करण्याच्या तत्त्वांची पुष्टी केली. अभिनयाची "वेमर स्कूल" मॅनहाइम शाळेच्या विरुद्ध होती आणि ती क्लासिकिस्टच्या जवळ गेली.

इटालियन थिएटर.

आर्थिक आणि राजकीय मागासलेपणा असूनही, नाट्य जीवनातील समृद्धता आणि विविधतेमुळे इटली वेगळे होते. 18 व्या शतकापर्यंत इटलीकडे जगातील सर्वोत्कृष्ट संगीत थिएटर आहे, ज्यामध्ये दोन प्रकार वेगळे केले गेले - गंभीर ऑपेरा आणि कॉमिक ऑपेरा(ऑपेरा बफ). तेथे एक कठपुतळी थिएटर होते, सर्वत्र कॉमेडिया डेल'आर्टचे प्रदर्शन दिले गेले.

मात्र, नाट्य रंगभूमीच्या सुधारणेचे काम प्रदीर्घ काळापासून सुरू आहे. प्रबोधनाच्या युगात, उत्स्फूर्त कॉमेडी यापुढे काळाच्या गरजा पूर्ण करत नाही. नव्या, गंभीर, साहित्यिक रंगभूमीची गरज होती. मास्कची कॉमेडी त्याच्या पूर्वीच्या स्वरूपात अस्तित्वात असू शकत नाही, परंतु त्याची उपलब्धी जतन करणे आणि काळजीपूर्वक नवीन थिएटरमध्ये हस्तांतरित करणे आवश्यक आहे.

इटालियन थिएटरमध्ये प्रबोधनाच्या कल्पनांचा प्रवेश औपचारिकतेविरूद्ध दीर्घ संघर्ष आणि नाट्य मंचावर कल्पनांच्या अभावासह होता. इटलीतील एक नवोदित उल्लेखनीय नाटककार कार्लो गोल्डोनी (1707-1793) होता. त्याने निर्माण केले नवीन कॉमेडीवर्ण सुधारणेऐवजी, कामगिरी साहित्यिक मजकुरावर आधारित होती.

18 व्या शतकाच्या उत्तरार्धात नाट्य युद्धांचा काळ म्हणून इटलीच्या इतिहासात प्रवेश केला. त्याला अॅबे चियारी, एक मध्यम नाटककार आणि म्हणून धोकादायक नसून त्याचा विरोध होता, परंतु त्याचा मुख्य विरोधक, त्याच्या बरोबरीचा, कार्लो गोझी होता. उत्स्फूर्त कॉमेडीची परंपरा पुनरुज्जीवित करण्याचे कार्य सेट करून गोझी मुखवटाच्या थिएटरच्या बचावासाठी आला. आणि काही टप्प्यावर तो यशस्वी झाला असे वाटले. आणि जरी गोल्डनीने त्याच्या कॉमेडीजमध्ये सुधारणेसाठी जागा सोडली आणि गोझीने अखेरीस त्याच्या जवळजवळ सर्व नाट्यकृती रेकॉर्ड केल्या, तरीही त्यांचा वाद क्रूर आणि बिनधास्त होता. दोन महान व्हेनेशियन लोकांमधील संघर्षाची मुख्य मज्जातंतू त्यांची असंगतता आहे. सार्वजनिक पदे, जगाच्या आणि माणसाच्या वेगवेगळ्या दृश्यांमध्ये.

कार्लो गोझी (१७२०-१८०६) हा प्रतिभावान नाटककार होता. गोल्डोनीच्या कॉमेडीजला त्याच्या स्वत:च्या प्रदर्शनासह विरोध करण्याच्या प्रयत्नात, गोझीने नाट्य परीकथेचा प्रकार विकसित केला. ही त्यांची "द लव्ह फॉर थ्री ऑरेंज", "द डीयर किंग", प्रसिद्ध "प्रिन्सेस टुरंडॉट", "द स्नेक वुमन" आणि इतर नाटके आहेत. समृद्ध विडंबन आणि रसाळ विनोदाबद्दल धन्यवाद, स्टेजसाठी गोझीच्या प्रतिभावान कथा आजही यशस्वी आहेत.

शोकांतिकेचा महान लेखक व्हिटोरियो अल्फीरी होता. इटालियन रिपर्टरी शोकांतिकेचा जन्म त्याच्या नावाशी जोडलेला आहे. त्याने नागरी आशयाची शोकांतिका जवळजवळ एकट्याने तयार केली. एक उत्कट देशभक्त ज्याने आपल्या मातृभूमीच्या मुक्तीचे स्वप्न पाहिले, अल्फीरीने अत्याचाराला विरोध केला. त्याच्या सर्व शोकांतिका स्वातंत्र्यलढ्याच्या वीरपद्धतीने ओतप्रोत आहेत.

अल्फीरीने असा युक्तिवाद केला की लोकांना अभिजात वर्गाच्या हातातून स्वातंत्र्य मिळाले पाहिजे, मानवी व्यक्तीचे स्वातंत्र्य असे प्रतिपादन केले, ज्याची इच्छा केवळ तर्क आणि कर्तव्याच्या भावनेच्या अधीन आहे. "सार्वभौम आणि साहित्यावर" (१७७८-८६) या ग्रंथात अल्फीरीने नाट्यमय कवितेचे कार्य म्हणजे सद्गुण आणि स्वातंत्र्यावरील प्रेमाच्या भावना जागृत करणे अशी व्याख्या केली. अल्फीरीच्या शोकांतिका "शौल", "फिलिप", "व्हर्जिनिया", "ब्रुटस I" आणि "ब्रुटस II" यांनी इटालियन थिएटरच्या विकासास हातभार लावला.

डॅनिश थिएटर ऑफ द एनलाइटनमेंट.

डेन्मार्कमधील व्यावसायिक थिएटर 18 व्या शतकात उद्भवले, त्याची निर्मिती देशाच्या आर्थिक आणि सांस्कृतिक विकासामुळे झाली. 23 सप्टेंबर, 1722 रोजी, "द मिझर" नाटकासह कोपनहेगनमध्ये "डॅनिश स्टेज" थिएटर उघडले, लवकरच एल. होलबर्गच्या पहिल्या कॉमेडी "द टिन मॅन-पोलिटिशियन" चा प्रीमियर झाला.

1728 मध्ये, न्यायालयीन मंडळांच्या प्रतिनिधींनी डॅनिश स्टेज बंद केले. थिएटरने केवळ 1748 मध्ये (रॉयल स्क्वेअरवरील खोलीत) पुन्हा काम सुरू केले. 1770 मध्ये, त्याला रॉयल ही पदवी मिळाली आणि ते न्यायालयाच्या मंत्रालयाच्या अधिकारक्षेत्रात आले. XVIII शतकाच्या उत्तरार्धात. थिएटरने सिंगस्पील, आय. इवाल्डच्या विनोदी, व्होल्टेअर आणि त्याच्या डॅनिश एपिगोन्सच्या शोकांतिका सादर केल्या, परंतु हॉलबर्गची नाट्यकर्मना थिएटरच्या भांडाराचा आधार बनली.

डेन्मार्कमधील प्रबोधनाच्या कल्पनांना चालना देण्यात प्रमुख भूमिका J. X. Wessel, विडंबन शोकांतिका लव्ह विदाउट स्टॉकिंग्ज (1772) चे लेखक, ज्याने हॉलबर्गच्या परंपरा चालू ठेवल्या, यांच्या कार्याने खेळली.

ज्ञानाचा रंगमंच संपूर्ण जागतिक संस्कृतीच्या इतिहासातील सर्वात उल्लेखनीय आणि लक्षणीय घटनांपैकी एक आहे; हे युरोपियन नाट्य कलेचा एक शक्तिशाली स्त्रोत आहे - सर्व काळासाठी. तरुण ऊर्जा कृतीत ओतण्याच्या गरजेतून नवीन रंगभूमीचा जन्म झाला. आणि जर तुम्ही स्वतःला हा प्रश्न विचारला की, ही कृती कलेच्या कोणत्या क्षेत्रात ओतली गेली असावी, हा एक मजेदार समुद्र आहे, तर उत्तर स्पष्ट आहे: अर्थातच, थिएटरच्या क्षेत्रात.

18 व्या शतकात युरोपियन थिएटर एक दीर्घ आणि जटिल जीवन जगले. सौंदर्यविषयक नियम, ज्यांना निरपेक्ष मानले जात होते, त्यांनी या काळात त्यांचे पूर्वीचे महत्त्व गमावले आहे. मते आणि अभिरुची शतकानुशतके अथक संघर्षात आहेत, सभागृहे एकापेक्षा जास्त वेळा सामाजिक संघर्षाच्या आखाड्यात बदलली आहेत. लेखकांनी राजकीय विरोधक म्हणून काम केले, ज्यांना प्रथमच हे समजले की त्यांच्या कलेमध्ये तीव्र संघर्ष देखील असू शकतो.

कलाकृती म्हणून रंगमंच चित्रकला आणि शिल्पकला, साहित्य आणि संगीत यासारख्या भौतिक स्मारकांमध्ये जतन केले जात नाही. परंतु रंगभूमीचा इतिहास भूतकाळातील महान अभिनेत्यांबद्दल सांगतो, ते कसे खेळले, समकालीन लोकांच्या कोणत्या आकांक्षा त्यांनी त्यांच्या अभिनयात मूर्त केल्या, त्या काळाच्या कोणत्या मागण्यांना त्यांनी प्रतिसाद दिला.

नाट्यजीवन रशिया XIXशतक

19व्या शतकाच्या सुरूवातीस, रशियन इम्पीरियल थिएटर्सचे नेटवर्क विकसित झाले, ज्याचे व्यवस्थापन
"मिनिस्ट्री ऑफ द कोर्ट ऑफ हिज इम्पीरियल मॅजेस्टी". कोर्टाची सेंट पीटर्सबर्गमध्ये तीन थिएटर होती - अलेक्झांड्रिंस्की, मारिंस्की आणि मिखाइलोव्स्की - आणि मॉस्कोमध्ये दोन - बोलशोई आणि माली थिएटर्स.

ए.एन.च्या नाटकांच्या आगमनाने. ओस्ट्रोव्स्की, आय.एस. तुर्गेनेव्ह, गद्य F.M. नेक्रासोव्ह वास्तववादाची दोस्तोव्हस्कीची कविता रशियन संस्कृतीत आली.

रंगमंचावर सत्य काय आहे याच्या जुन्या कल्पनांना तडा देत नाट्यकृतीसोबत अभिनयही बदलला आहे. 16 नोव्हेंबर 1859 हा ऑस्ट्रोव्स्कीच्या "थंडरस्टॉर्म" नाटकाच्या माली थिएटरमध्ये प्रीमियरचा दिवस होता. प्रदर्शनाभोवती वादळ उठले. कॅटरिनाच्या भूमिकेची पहिली कलाकार सुंदर अभिनेत्री एलपी होती. निकुलिना - कोसितस्काया. ऑस्ट्रोव्स्कीच्या नाटकांसह, रशियन जीवनाचा घटक रंगमंचावर फुटला, एक नवीन, रसाळ आणि आधुनिक भाषा. ऑस्ट्रोव्स्कीच्या नाटकांमध्ये, मालीचे कलाकार त्यानंतरच्या सर्व दशकांमध्ये चमकले. शुभ रात्री. फेडोटोवा, एम.एन. येर्मोलोवा माली थिएटरच्या अद्भुत अभिनेत्री आहेत.

19व्या शतकाच्या पूर्वार्धातील रशियन कलाकार एम.एस. शेपकिन, पी.एस. मोचालोव्ह, व्ही.ए. आख्यायिकेतील आकृत्या म्हणून काराटिगिन वंशजांच्या स्मरणात राहिले. शेक्सपियर, मोलिएर, गोगोल, ऑस्ट्रोव्स्की आणि तुर्गेनेव्ह यांच्या नाटकांमध्ये शेपकिनने जवळपास 600 भूमिका केल्या. रशियन थिएटरमध्ये वास्तववाद प्रस्थापित करणारा तो पहिला होता, त्याने रशियन रंगमंचावर सत्य निर्माण केले.

मोचालोव्ह श्चेपकिनच्या अगदी उलट आहे. शेक्सपियरच्या हॅम्लेट, शिलरच्या द रॉबर्स नाटकातील कार्ल मूर, वॉ फ्रॉम विटमधील चॅटस्की या रशियन आणि पाश्चात्य नाटकांच्या नाटकांमध्ये त्यांनी मुख्य भूमिका केल्या.

नाटकांच्या निर्मितीमध्ये, रशियन कलाकारांनी नाट्य कला इतिहासात खाली गेलेल्या प्रतिमा तयार केल्या. प्रेक्षकांनी एकटेरिना सेमियोनोव्हा, अलेक्सी याकोव्हलेव्हचे कौतुक केले. या अभिनेत्यांनी प्रतिनिधित्व केलेल्या व्यक्तीमध्ये पूर्णपणे पुनर्जन्म घेतला. हळूहळू, माली थिएटर नाटकीय निर्मितीमध्ये आणि बोलशोई ऑपेरा आणि बॅलेमध्ये तज्ञ बनू लागले.

बोलशोई पेट्रोव्स्की थिएटर 1825-1853

6 जानेवारी, 1825 रोजी बोलशोई पेट्रोव्स्की थिएटरचे उद्घाटन अतिशय गंभीरपणे केले गेले. त्या संध्याकाळी नवीन थिएटरला भेट देणारे प्रेक्षक आर्किटेक्चरल डिझाइन आणि त्याचे मूर्त स्वरूप, इमारतीचा अभूतपूर्व स्केल आणि त्याच्या सभागृहाच्या सजावटीचे सौंदर्य पाहून आश्चर्यचकित झाले.

लेखक सर्गेई अक्साकोव्ह आठवले: "बोल्शोई पेट्रोव्स्की थिएटर, जे जुन्या, जळलेल्या अवशेषांमधून उद्भवले ... मला आश्चर्यचकित आणि आनंदित केले ... एक भव्य इमारत, केवळ माझ्या आवडत्या कलेसाठी समर्पित आहे, आधीच तिच्या देखाव्याने मला आनंदित केले. उत्साह..."

परफॉर्मन्स सुरू होण्यापूर्वी, प्रेक्षकांनी थिएटर बिल्डर ओसिप बोवे यांना स्टेजवर बोलावले आणि त्याला टाळ्या देऊन बक्षीस दिले.

11 मार्च 1853 रोजी ढगाळ थंडीच्या पहाटे काही अज्ञात कारणास्तव चित्रपटगृहात आग लागली. ज्वालाने तत्काळ संपूर्ण इमारतीला वेढले, परंतु मोठ्या ताकदीने स्टेजवर आणि सभागृहात आग भडकली. एका प्रत्यक्षदर्शीने या आगीचे वर्णन केले, “या राक्षसाकडे पाहणे भयंकर होते,” एका प्रत्यक्षदर्शीने आगीचे वर्णन केले. “जेव्हा ती जळली, तेव्हा आम्हाला असे वाटले की आमच्या डोळ्यांसमोर आम्हाला प्रिय व्यक्ती मरत आहे, आम्हाला सर्वात सुंदर विचार आणि भावना देऊन . ..”

Muscovites दोन दिवस ज्वाला लढाई, आणि तिसऱ्या दिवशी थिएटर इमारत रोमन कोलोझियम च्या अवशेष सारखी. सुमारे आठवडाभर इमारतीचे अवशेष धुमसत होते. 18 व्या शतकाच्या अखेरीपासून गोळा केलेले नाट्यविषयक पोशाख, उत्कृष्ट स्टेज सेट, मंडळाचे संग्रहण, संगीत लायब्ररीचा काही भाग आणि दुर्मिळ वाद्ये आगीत नष्ट होऊ शकली नाहीत.

प्रोफेसर ए. मिखाइलोव्ह यांनी काढलेल्या नवीन थिएटर इमारतीच्या प्रकल्पाला सम्राट अलेक्झांडर I यांनी 1821 मध्ये मान्यता दिली होती आणि त्याचे बांधकाम आर्किटेक्ट ओसिप बोव्ह यांच्याकडे सोपविण्यात आले होते.

युरोपमधील सर्वात मोठ्या थिएटरपैकी एक, जळलेल्या थिएटर इमारतीच्या जागेवर बांधले गेले होते, परंतु दर्शनी भाग थिएटर स्क्वेअरकडे होता...

बोलशोई थिएटर (१८५६-१९१७)

20 ऑगस्ट 1856 रोजी, पुनर्संचयित बोलशोई थिएटर त्यांच्या उपस्थितीत उघडण्यात आले. शाही कुटुंबआणि सर्व राज्यांचे प्रतिनिधी व्ही. बेलिनी यांच्या ऑपेरा "द प्युरिटानी" या इटालियन मंडळाने सादर केले. या काळातील मॉस्को बॅलेचे यश सेंट पीटर्सबर्ग येथे स्थायिक झालेल्या फ्रेंच मॅरिअस पेटिपाच्या प्रतिभेचे आहे. नृत्यदिग्दर्शक वारंवार स्टेज परफॉर्मन्ससाठी मॉस्कोला आले. 1869 मध्ये प्रथम दर्शविले गेलेले एल. मिंकसचे "डॉन क्विक्सोट" हे त्याच्या मॉस्कोमधील सर्वात लक्षणीय काम होते. त्यानंतर, पेटिपाने या बॅलेची मॉस्को आवृत्ती सेंट पीटर्सबर्ग स्टेजवर हस्तांतरित केली.

परफॉर्मिंग कल्चरच्या विकासासाठी पी. त्चैकोव्स्की यांचे कार्य खूप महत्त्वाचे होते. संगीतकाराचे ऑपेरा संगीतात पदार्पण - "व्होवोडा" (1869) आणि बॅले - " स्वान तलाव"(1877) बोलशोई थिएटरच्या मंचावर झाला. येथे ऑपेरा यूजीन वनगिन (1881) ला त्याचा वास्तविक जन्म मिळाला, त्याची पहिली चाचणी मोठा टप्पा 1879 च्या कंझर्व्हेटरी उत्पादनानंतर; संगीतकाराच्या ऑपेराच्या शिखरांपैकी एक, ऑपेरा माझेपा (1884), प्रथमच दिवसाचा प्रकाश पाहिला; ऑपेरा द ब्लॅकस्मिथ वाकुलाची अंतिम आवृत्ती, ज्याला 1887 च्या कामगिरीमध्ये चेरेविचकी हे नवीन नाव मिळाले.

थिएटरच्या इतिहासातील एक संस्मरणीय कामगिरी म्हणजे 16 डिसेंबर 1888 रोजी आय. मुसोर्गस्कीच्या लोकनाट्या "बोरिस गोडुनोव्ह" ची पहिली कामगिरी. एन. रिम्स्की-कोर्साकोव्हचे पहिले ऑपेरा द स्नो मेडेन (1893) होते, त्यानंतर द नाईट बिफोर ख्रिसमस (1898) होते. त्याच 1898 मध्ये, थिएटरने प्रथमच ए. बोरोडिनचा ऑपेरा "प्रिन्स इगोर" प्रेक्षकांना दाखवला आणि दोन वर्षांनंतर, कोरिओग्राफिक कलेचे प्रेमी ए. ग्लाझुनोव्हच्या "रेमोंडा" बॅलेशी परिचित झाले.

19 व्या शतकाच्या उत्तरार्धात - 20 व्या शतकाच्या सुरुवातीच्या थिएटरच्या ऑपेरा गटात अनेक उत्कृष्ट गायकांचा समावेश आहे. गेल्या वर्षांतील गौरवशाली नावांपैकी इव्हलालिया कडमिना, अँटोन बार्ट्सल, पावेल खोखलोव्ह, नाडेझदा सलीना, इव्हान ग्रीझुनोव्ह, मार्गारिटा गुनोवा, वॅसिली पेट्रोव्ह आणि इतर आहेत. या वर्षांमध्ये रंगभूमीच्या रंगमंचावर गायक दिसले, ज्यांची नावे लवकरच प्रसिद्ध झाली. रशिया, परंतु आणि परदेशात - लिओनिड सोबिनोव, फेडर चालियापिन, अँटोनिना नेझदानोवा.

सर्गेई रचमानिनोव्हच्या थिएटरमधील क्रियाकलाप फलदायी होता, ज्याने स्वतःला कंडक्टरच्या स्टँडवर घोषित केले. हुशार संगीतकार. रॅचमनिनॉफने थिएटरमध्ये रशियन ऑपेरा क्लासिक्सच्या आवाजाची गुणवत्ता सुधारली. तसे, रचमनिनोव्हचे नाव कंडक्टरच्या कन्सोलच्या स्थानांतराशी संबंधित आहे जिथे ते आता आहे, कंडक्टर ऑर्केस्ट्राच्या मागे स्टेजकडे तोंड करून उभा राहण्यापूर्वी.

1899 मध्ये, स्लीपिंग ब्युटीचा प्रीमियर बोलशोई थिएटरमध्ये झाला. या बॅलेचे स्टेजिंग, ज्याने रशियन भाषेत संगीत आणि नृत्याचे कॉमनवेल्थ स्थापित केले बॅले थिएटर, मॉस्को कोरिओग्राफर, लिब्रेटिस्ट आणि शिक्षक अलेक्झांडर गोर्स्की यांच्या दीर्घ आणि आनंदी कामाची सुरुवात होती. प्रतिभावान कलाकारांच्या एका मोठ्या गटाने त्याच्याबरोबर काम केले - एकटेरिना गेल्टसर, वेरा कराल्ली, सोफिया फेडोरोवा, अलेक्झांड्रा बालाशोवा, वसिली तिखोमिरोव, मिखाईल मॉर्डकिन, कंडक्टर आणि संगीतकार आंद्रे एरेंडे आणि इतर. नवीन उत्पादनबॅले "डॉन क्विक्सोट" (1900) गोर्स्कीने प्रथम तरुण कलाकार कॉन्स्टँटिन कोरोविन आणि अलेक्झांडर गोलोविन यांना आमंत्रित केले, जे नाट्य चित्रकलेचे भविष्यातील महान मास्टर आहेत.

1911 थिएटर इमारतीच्या जीर्णोद्धार प्रकल्पाच्या स्पर्धेत, अल्बर्ट कावोसने सादर केलेली योजना जिंकली.

कावोसने, ब्यूवेस इमारतीचा लेआउट आणि आकारमान राखून, उंची वाढवली, प्रमाण बदलले आणि वास्तू सजावटीची पुनर्रचना केली. विशेषतः, इमारतीच्या बाजूने दिवे असलेल्या पातळ कास्ट-लोह गॅलरी बांधल्या गेल्या. समकालीन लोकांनी या कोलोनेडचे स्वरूप लक्षात घेतले, विशेषत: संध्याकाळी सुंदर, जेव्हा तुम्ही ते दुरून पाहता, आणि जळत्या दिव्यांची रांग थिएटरच्या बाजूने चालत असलेला हिरा धागा असल्याचे दिसते.

अपोलोचा अलाबास्टर ग्रुप, ज्याने ब्यूवेस थिएटरला सुशोभित केले होते, आगीत नष्ट झाले. नवीन कॅव्होस तयार करण्यासाठी, त्याने सेंट पीटर्सबर्गमधील फोंटांका नदीच्या पलीकडे असलेल्या अनिचकोव्ह ब्रिजवरील प्रसिद्ध चार अश्वारूढ गटांचे लेखक, प्रसिद्ध रशियन शिल्पकार प्योटर क्लोड्ट (1805-1867) यांना आमंत्रित केले.

Klodt ने Apollo सह आता जगप्रसिद्ध शिल्पकला गट तयार केला. हे लाल तांब्याने इलेक्ट्रोप्लेट केलेल्या धातूच्या मिश्र धातुपासून ड्यूक ऑफ लिक्टेनबर्गच्या कारखान्यांमध्ये टाकण्यात आले होते.

सभागृहाच्या पुनर्बांधणीदरम्यान, कावोसने हॉलचा आकार बदलला, तो स्टेजपर्यंत अरुंद केला, ऑर्केस्ट्रा खड्डा खोल केला. पार्टेरेच्या आसनांच्या मागे, जिथे एक गॅलरी असायची, त्याने अॅम्फीथिएटरची व्यवस्था केली. सभागृहाचे परिमाण बनले: जवळजवळ समान खोली आणि रुंदी - सुमारे 30 मीटर, उंची - सुमारे 20 मीटर. प्रेक्षागृहात 2000 पेक्षा जास्त प्रेक्षक बसू लागले.

या स्वरूपात, लहान अंतर्गत आणि बाह्य पुनर्रचना वगळता बोलशोई थिएटर आजपर्यंत टिकून आहे.

रंगभूमी हा मानवी जगाचा चमत्कार आहे.