ภาพวาดโดย Matisse อองรี มาติส ศิลปินชาวฝรั่งเศส

ฝรั่งเศสมอบกาแล็กซีขนาดใหญ่ให้โลก ศิลปินดีเด่นซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดและโดดเด่นที่สุดของขบวนการศิลปะของ Fauvism, Henri Matisse อาชีพของเขาเริ่มต้นในปี พ.ศ. 2435 เมื่อศิลปินในอนาคตสอบผ่านที่Académie Julian ในปารีสได้สำเร็จ ที่นั่นเขาได้รับความสนใจจากกุสตาฟ โมโร ซึ่งทำนายมาติส อาชีพที่สดใสในสาขาศิลปะ

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 Matisse เริ่มค้นหาตัวเอง เขาผ่านการคัดลอกและยืมมาหลายปีเขียนสำเนาจำนวนมาก ภาพวาดที่มีชื่อเสียงจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ พยายามค้นหาสไตล์ของตัวเอง ความหลงใหลในอิมเพรสชั่นนิสม์ที่โดดเด่นในขณะนั้นทำให้ Matisse มีโอกาสที่จะทำงานในลักษณะของการถ่ายโอนรูปแบบและจานสี

นักวิจารณ์ศิลปะในช่วงหลายปีที่ผ่านมากล่าวว่า Matisse มีสีแปลก ๆ ในผืนผ้าใบของเขาซึ่งสร้างขึ้นในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสม์ ศิลปินมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการใช้ลายเส้นที่สว่าง แข็งแรง และโค้งเล็กน้อย โดยเน้นสีที่สว่างสดใสเป็นพิเศษ

ชอบ อาจารย์ที่มีชื่อเสียงอิมเพรสชันนิสม์ Paul Signac, Matisse ชอบ pointillism - ประเภทของอิมเพรสชั่นนิสม์ที่ใช้จุดที่สลายตัวจำนวนมากเพื่อถ่ายทอดภาพ สไตล์นี้ช่วยให้ศิลปินเลือก Fauvism เป็นวิธีที่เหมาะสมที่สุดสำหรับเขาในการสะท้อนความเป็นจริงโดยรอบ

อันที่จริง Matisse เป็นผู้ก่อตั้ง Fauvism ที่แท้จริง คำแปลภาษาฝรั่งเศสของคำนี้คือ "ป่า" คำนี้สัมพันธ์กับแนวคิด - "ฟรี" นั่นคือไม่อยู่ภายใต้กฎที่ยอมรับโดยทั่วไป

จุดเริ่มต้นของชัยชนะของ Matisse ถือได้ว่าเป็นภาพวาด "Woman in a Green Hat" ซึ่งจัดแสดงโดยศิลปินในปี 1904 บนผืนผ้าใบ ผู้ชมเห็นภาพเกือบแบนของผู้หญิงที่มีใบหน้าคั่นด้วยแถบสีเขียว ดังนั้น Matisse จึงลดความซับซ้อนของภาพให้มากที่สุด โดยปล่อยให้สีเดียวเท่านั้นที่จะครอบงำ

มันเป็นความแพร่หลายของสีเหนือรูปแบบและเนื้อหาที่กลายเป็นหลักการสำคัญของ Fauvism แก่นแท้ของสไตล์นี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความหลงใหลในศิลปะรูปแบบแปลกใหม่ของ Matisse ศิลปินได้เดินทางไกล รวมทั้ง ทวีปแอฟริกา. ศิลปะดั้งเดิม แต่แปลกประหลาดของชนเผ่าสร้างความประทับใจให้เขาและเป็นแรงผลักดันให้ภาพในภาพวาดเรียบง่ายยิ่งขึ้น

ความชุ่มฉ่ำของสีบนผืนผ้าใบของ Matisse ถูกยืมมาจากอาหรับตะวันออกที่สดใส จากที่นั่นความหลงใหลของศิลปินกับ odalisques นางสนม - นักเต้นชาวอาหรับซึ่งภาพที่เขาแสดงในภาพเขียนของเขายืดเยื้อจนถึงปีสุดท้ายของชีวิต เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าหลังจากที่ได้พบกับ ผู้ใจบุญชาวรัสเซีย Sergei Shchukin Matisse เริ่มสนใจภาพวาดไอคอนรัสเซียโบราณ

ตามคำเชิญของ Shchukin Matisse เดินทางมารัสเซียแล้วทาสีผ้าใบที่โด่งดังที่สุดของเขา "Dance" ตามคำสั่งของเขา "แฝด" ของภาพนี้ก็คือ "ดนตรี" ผืนผ้าใบทั้งสองสะท้อนถึงแก่นแท้ของลัทธิโฟวิส - ความเป็นธรรมชาติ ความรู้สึกของมนุษย์, ความบริสุทธิ์ของการถ่ายทอดอารมณ์ ความจริงใจของตัวละคร ความสว่างของสี ศิลปินไม่ได้ใช้เปอร์สเปคทีฟโดยเลือกเฉดสีแดงและส้มสด

Matisse รอดชีวิตจากสงครามโลกครั้งที่สอง แต่ถึงแม้จะประสบความยากลำบาก เขาไม่สูญเสียความจริงใจที่เขาพยายามรวบรวมไว้ในภาพวาดของเขา มันมีไว้สำหรับความฉับไวไร้เดียงสาตรงไปตรงมาและความสว่างที่กระตือรือร้นของผืนผ้าใบของเขาที่ศิลปินยังคงเป็นที่รักของผู้ชื่นชอบการวาดภาพ

Matisse (Matisse) Henri Emile Benois (12/31/1869, Le Cateau, Picardy, - 11/3/1954, Cimiez, ใกล้ Nice), จิตรกรชาวฝรั่งเศส, ศิลปินกราฟิกและประติมากร

เอฟเฟกต์สีของภาพวาดของ Matisse นั้นแข็งแกร่งมาก อย่างไรก็ตาม ปฏิกิริยากลับเป็นเชิงลบ แต่รุนแรงมากเสมอ ภาพวาดของเขามีเสียงดัง ประโคมดัง บางครั้งก็ทำให้หูหนวก พวกเขาไม่ทำให้เกิดความชื่นชมอย่างสงบอีกต่อไป แต่มีอาการผิดปกติทางสายตา นี่ไม่ใช่ "วันหยุดของดวงตา" แต่เป็นการสนุกสนานกันอย่างเป็นบ้าเป็นหลัง

Matisse บรรลุผลสีที่แข็งแกร่งเช่นนี้ได้อย่างไร? อย่างแรกเลย คอนทราสต์ของสีที่เน้นเป็นพิเศษ ปล่อยให้คำพูดของศิลปินเอง:“ ในภาพวาดของฉัน“ ดนตรี” ท้องฟ้าถูกทาด้วยสีน้ำเงินที่สวยงาม, สีน้ำเงินที่สุดของบลูส์, เครื่องบินถูกทาสีด้วยสีที่อิ่มตัวจนเป็นสีน้ำเงิน, ความคิดของสัมบูรณ์ สีฟ้าเป็นที่ประจักษ์อย่างเต็มที่; ความเขียวขจีบริสุทธิ์ถูกนำมาสำหรับต้นไม้ เสียงชาดสำหรับศพ ป้ายพิเศษ: แบบฟอร์มได้รับการแก้ไขตามอิทธิพลของระนาบสีที่อยู่ใกล้เคียง เนื่องจากการแสดงออกขึ้นอยู่กับพื้นผิวสีที่ผู้ดูครอบคลุมทั้งหมด

หลังจากได้รับปริญญาทางกฎหมายเขาทำงานเป็นทนายความ (2432-2434) เขาเรียนที่ปารีส - ที่ Julian Academy (ตั้งแต่ปี 1891) กับ A.V. .Moro; คัดลอกผลงานของอาจารย์ชาวฝรั่งเศสและชาวดัตช์เก่า เขาได้รับอิทธิพลจากนีโออิมเพรสชันนิสม์ (ส่วนใหญ่คือ P. Signac), P. Gauguin ศิลปะแห่งอาหรับตะวันออกในระดับหนึ่ง - ภาพวาดไอคอนรัสเซียโบราณ (หนึ่งในกลุ่มแรกในตะวันตกที่ชื่นชม บุญศิลป์; เยือนมอสโกในปี 2454) หลังจากทำความคุ้นเคยกับงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ Post-Impressionists และจิตรกรชาวอังกฤษ J. Turner, A. Matisse เริ่มใช้สีที่อิ่มตัวมากขึ้นโดยเลือกสีอ่อน ("Bois de Boulogne", c. 1902, Pushkin Museum, Moscow; "สวนลักเซมเบิร์ก" ค.ศ. 1902 อาศรม เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปะของ P. Cezanne (“Nude. Servant”, 1900, Museum ศิลปะร่วมสมัย, นิวยอร์ก; "จานบนโต๊ะ", 1900, อาศรม, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)

ในปี ค.ศ. 1905-07 ผู้นำลัทธิโฟวิสม์ ในซาลอนฤดูใบไม้ร่วงที่มีชื่อเสียงของกรุงปารีสในปี 1905 ร่วมกับเพื่อนใหม่ เขาได้จัดแสดงผลงานจำนวนหนึ่ง ได้แก่ "ผู้หญิงในหมวกสีเขียว" ผลงานเหล่านี้ซึ่งสร้างความรู้สึกอื้อฉาว เป็นรากฐานของลัทธิโฟวิส ในเวลานี้ Matisse ค้นพบรูปปั้นของชาวแอฟริกาเริ่มรวบรวมมีความสนใจในงานแกะสลักไม้แบบญี่ปุ่นคลาสสิกและศิลปะการตกแต่งอารบิก ในปีพ.ศ. 2449 เขาได้ทำงานเกี่ยวกับองค์ประกอบ Joy of Life ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวี The Afternoon of a Faun โดย S. Mallarme: พล็อตเรื่องผสมผสานลวดลายของอภิบาลและการสนุกสนานกันอย่างเป็นบ้าเป็นหลัง ภาพพิมพ์หิน แม่พิมพ์ เซรามิกส์แรกปรากฏขึ้น ปรับปรุงการวาดภาพอย่างต่อเนื่อง โดยส่วนใหญ่ใช้ปากกา ดินสอ และถ่าน ในกราฟิกของ Matisse ของอาหรับผสมผสานกับการถ่ายทอดเสน่ห์อันเย้ายวนของธรรมชาติ

เริ่มจากครึ่งหลังของทศวรรษ 1900 Matisse อ้างว่า แบบใหม่ การแสดงออกทางศิลปะใช้การวาดที่กระชับคมและในเวลาเดียวกันองค์ประกอบจังหวะที่คมชัดการผสมผสานที่ตัดกันของโซนสีไม่กี่แห่ง แต่สว่างสดใสและท้องถิ่น (แผงสำหรับคฤหาสน์ของ SI Shchukin ในมอสโก "การเต้นรำ" และ "ดนตรี" ทั้งคู่ - 2453 , อาศรม, เลนินกราด) จากนั้นจึงอุดมไปด้วยเฉดสีพื้นฐานหนึ่งสีโปร่งแสงและไม่ซ่อนพื้นผิวของผืนผ้าใบ ("Artist's Workshop", 1911, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน, มอสโก)

ในปี พ.ศ. 2451-2455 มาติสใช้สีที่บริสุทธิ์เกือบทั้งหมด (ในบางกรณีที่เขาใช้ทรานซิชันและโทนสีผสม) สร้างภาพวาดของเขาด้วยโทนสีหลักสามสี “เทพารักษ์และนางไม้” เป็นเสียงประสานของสีเขียว ชมพูและน้ำเงิน “การเต้นรำ” เป็นสีน้ำเงิน เขียวและแดง สิ่งมีชีวิตยังคงถูกสร้างขึ้นจากพยัญชนะของม่วง เหลืองและแดง หรือน้ำเงิน ม่วงและชมพู จากนั้น ราวปี พ.ศ. 2455 เขาเลื่อนไปที่เสียงสี่สี โดยหนึ่งในสี่โทนสีในภาพให้อยู่ในที่ที่เล็กมาก: "แทนเจียร์" - น้ำเงิน ส้ม ชมพู แดง "บนระเบียง" - ม่วง เขียว , ชมพู , ฟ้า . “ ทางเข้า Kazba” - สีแดงเข้ม, น้ำเงิน, เขียว, ชมพูซีด ใน ปีต่อมาเขาใช้ชุดค่าผสมที่ซับซ้อนมากขึ้นและขยายจานสีของเขาอย่างมีนัยสำคัญโดยแนะนำเฉดสีที่หลากหลายยิ่งขึ้น

การเปิดเผยความหมายของคำของ Matisse เกี่ยวกับการโต้ตอบของโทนสีบริสุทธิ์เป็นสิ่งสำคัญ เมื่อพูดถึงเฉดสี Matisse ไม่ได้หมายถึงการไล่ระดับความอิ่มตัวของโทนสี - สีขาวซึ่งเป็นไปได้เมื่อใช้สีบริสุทธิ์ (ในภาษาอิตาลีและรัสเซียดั้งเดิม) นอกจากนี้ ดูเหมือนว่าเขาจะไม่ได้นึกถึงเฉดสีในจินตนาการที่ผู้ชมต้องรับรู้เมื่อระนาบสีอิ่มตัวชนกัน ซึ่งเป็นเสียงสะท้อนของทฤษฎีนีโออิมเพรสชันนิสต์ของการผสมสีด้วยแสง การสั่นสะเทือนนี้เล็กน้อยเกินไป และความรู้สึกของเฉดสีกลางนั้นชั่วคราว เห็นได้ชัดว่าเรากำลังพูดถึงความจำเป็นในการแนะนำโทนสีเปลี่ยนผ่าน ซึ่งมาติสมาในภายหลัง

การทำงานในสีที่บริสุทธิ์ Matisse ก็เหมือนกับจิตรกรคนอื่นๆ ที่ต้องการหลีกเลี่ยงความซ้ำซากจำเจ ซึ่งเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับความงดงาม แต่เขาไม่ประสบความสำเร็จเสมอไป และบางสิ่งของเขามีลักษณะเฉพาะด้วยความซ้ำซากจำเจ (แผง "ดนตรี") ในทางกลับกัน ในช่วงทศวรรษที่ 10 เขาต้องการรักษาความบริสุทธิ์ของสีไว้โดยไม่ล้มเหลว เลี่ยงการผสมสี เขาจึงหันไปใช้เทคนิคคล้ายกับการเคลือบของปรมาจารย์ผู้เฒ่า สีเข้มเบากว่า เช่น ชมพู-ขาว ฟ้า-ม่วง ฯลฯ จากนั้นเพื่อให้สีสั่นสะเทือน เขาค่อยๆ ถูมันลงบนผืนผ้าใบ แทนที่จะใช้สีขาวเพื่อทำให้สีส่องผ่าน

การวาดภาพอย่างต่อเนื่องทำให้ Matisse กลายเป็นอัจฉริยะของแปรง โครงร่างในภาพวาดของเขาถูกวาดอย่างมั่นใจด้วยการลากเส้นเพียงครั้งเดียว ภาพวาดของเขามักจะคล้ายกัน (โดยเฉพาะในการทำซ้ำ) กับภาพวาดพู่กัน เอฟเฟกต์เหล่านี้มักจะขึ้นอยู่กับสัมผัสที่เฉียบแหลมและเฉียบขาด

บางครั้งเขาใช้เลเยอร์ที่มีความหนาแน่นต่างกัน (เช่น ใน “Girl with Tulips”) โดยผลักสีหนึ่งไปข้างหน้าโดยแลกกับอีกสีหนึ่ง อย่างไรก็ตาม ผลงานจำนวนหนึ่งในปี 1912 ถูกทาสีด้วยพื้นผิวที่เรียบและซ้ำซากจำเจ หากพื้นผิวของภาพวาดมาติสบางภาพอาจดูแห้งและซ้ำซากจำเจ นี่ไม่ได้บ่งชี้ถึงการเพิกเฉยต่อวัสดุในการวาดภาพซึ่งคิดไม่ถึง ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แต่เกี่ยวกับความกลัวเฉพาะเรื่องความรุนแรงต่อเนื้อหา สำหรับ Matisse ในฐานะศิลปินตกแต่ง ความสามัคคีของภาพกับฐานของมัน ผืนผ้าใบ ความขาวและโครงสร้างที่เขานำมาพิจารณาในลักษณะเดียวกับที่นักจิตรกรรมฝาผนังคำนึงถึงพื้นผิวของผนังเป็นพิเศษ สิ่งสำคัญ. แต่การจำพื้นฐานบางครั้ง Matisse ก็ลืมเกี่ยวกับสีเองเกี่ยวกับคุณสมบัติเฉพาะและความเป็นไปได้ของการวาดภาพสีน้ำมัน

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือเทคนิคของรายละเอียดที่ไม่สมบูรณ์ ซึ่งจะเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษใน "The Moroccan", "The Ball Game" และเรื่องอื่นๆ สีในบริเวณที่ศิลปินอยากจะกลบไม่ได้ดูจืดชืดไปกว่านี้ แต่เหลือผ้าใบเปล่า (ซึ่งบางครั้งก็ทำเพื่อดึงแสงออกมา) หรือรายละเอียดยังไม่เสร็จ (ส่วนใหญ่แขน ขา ฯลฯ .) Matisse ถูก จำกัด ให้เคลือบด้าน, การวาดภาพด้วยของเหลวและไม่สนใจ ความเอาใจใส่เป็นพิเศษปัญหาใบแจ้งหนี้ นี่เป็นช่องว่างที่ไม่ต้องสงสัยในงานของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับการทำงานหนักหลายปีของเขาในเรื่องคอนทราสต์ของสี งานวิทยาศาสตร์ในการศึกษาปฏิกิริยาทางจิตฟิสิกส์ต่อความคมชัดของสีเฉพาะ Matisse ไม่พอใจกับระบบของโทนสีเพิ่มเติมที่ค้นพบโดย Delacroix ซึ่งลดลงเป็นระบบโดย Impressionists เขากำลังมองหาความไม่ลงรอยกันเสียงกรีดร้องความสามัคคีที่คมชัด มีความเป็นไปได้ที่ขนานกับ ดนตรีร่วมสมัย Stravinsky, Strauss และอื่น ๆ เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงเหล่านี้เขาได้รับผลกระทบจากความวิตกกังวลความไม่มั่นคงทางจิตใจและความเฉียบแหลมที่มากเกินไปของความรู้สึกของชนชั้นกลางสมัยใหม่

ในลักษณะที่เข้มงวดและเข้มงวดของผลงานของ Matisse ในช่วงครึ่งหลังของยุค 10 อิทธิพลของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมนั้นสังเกตได้ชัดเจน ("Music Lesson", 1916-17, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, นิวยอร์ก); ในทางตรงกันข้าม งานของยุค 20 มีความโดดเด่นด้วยแรงจูงใจอันเร่งด่วน ความหลากหลายของสี และความนุ่มนวลในการเขียน (ชุด Odalisques) ในยุค 30-40 Matisse สรุปการค้นพบของช่วงเวลาก่อนหน้าโดยรวมการค้นหาการตกแต่งฟรีของเวลา Fauvism กับการสร้างองค์ประกอบที่ชัดเจนในการวิเคราะห์ (ผ้าสักหลาดใน Barnes Museum "Dance", 1931 -32, Merion, ฟิลาเดลเฟีย, สหรัฐอเมริกา) พร้อมระบบสีที่ปรับให้เหมาะสมยิ่งขึ้น ("Plum Tree Branch", 1948, คอลเล็กชั่นส่วนตัว, นิวยอร์ก)

ผลงานของ Matisse โดยรวมมีลักษณะทั่วไปหลายประการ ในความพยายามที่จะตอบโต้ความตึงเครียดที่ปั่นป่วนของชีวิตในศตวรรษที่ 20 คุณค่านิรันดร์เขาได้สร้างบรรยากาศแห่งเทศกาลขึ้นใหม่ - โลกแห่งการเต้นรำที่ไม่มีที่สิ้นสุด ความสงบอันเงียบสงบของฉากที่งดงาม พรมและผ้าที่มีลวดลาย ผลไม้เป็นประกาย แจกัน ทองแดง ภาชนะและรูปแกะสลัก เป้าหมายของ Matisse คือการดึงดูดผู้ชมให้หลงไหลในขอบเขตของภาพและความฝันในอุดมคตินี้ เพื่อถ่ายทอดความรู้สึกสงบสุขหรือความกังวลที่คลุมเครือ แต่แฝงไปด้วยความวิตกกังวล ผลกระทบทางอารมณ์ของภาพวาดของเขานั้นเกิดขึ้นได้จากความอิ่มตัวของสีขั้นสุด ดนตรีของจังหวะเชิงเส้นที่สร้างเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหวภายในของรูปแบบ และสุดท้ายคือ การอยู่ใต้บังคับบัญชาอย่างสมบูรณ์ขององค์ประกอบทั้งหมดของภาพ ซึ่ง วัตถุบางครั้งกลายเป็นอาหรับชนิดหนึ่ง ก้อนสีบริสุทธิ์ ("ปลาแดง", 2454 ; "ยังมีชีวิตอยู่กับเปลือกหอย", 2483 ทั้งสองงาน - ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์พุชกิน)

Matisse บรรลุความสมบูรณ์และในขณะเดียวกัน ความหลากหลายของภาพ ประการแรก โดยการตระหนักถึงการเชื่อมต่อที่แท้จริงและเป็นธรรมชาติระหว่างสีและรูปแบบ - เชิงเส้น - ระนาบ สีมีอิทธิพลเหนือรูปแบบในตัวเขามากจนถือได้ว่าเป็นเนื้อหาที่แท้จริงของภาพวาดของเขา และทุกสิ่งทุกอย่างเป็นเพียงฟังก์ชันของสีที่พร่างพรายและทรงพลัง การวาดภาพใน Matisse นั้นด้อยกว่าคุณภาพของสีเสมอ การพัฒนาเส้นขนานกับการพัฒนาคุณสมบัติภาพของเขา ในช่วงระยะเวลาของการค้นหาครั้งแรก ภาพจะค่อนข้างเฉื่อยและเป็นค่าประมาณ ("Dinner Table") ภาพวาดจะค่อยๆ คมชัดและแสดงออกมากขึ้น มาติสวาดภาพจากธรรมชาติอย่างไม่เหน็ดเหนื่อย มีภาพวาดของเขาหลายร้อยภาพ เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพอย่างแท้จริง ทักษะของเขานั้นชัดเจนในสเก็ตช์โมเดลที่มีชีวิตชีวาและหุนหันพลันแล่นของเขา ประการแรกที่น่าสังเกตคือความแม่นยำที่เขาวางร่างไว้บนแผ่นงานโดยทันทีพบการติดต่อระหว่างสัดส่วนกับระนาบของกระดาษ แม้แต่ภาพสเก็ตช์ของเขาก็ยังเป็นองค์ประกอบ พวกเขามักจะพอดีกับอาหรับที่แสดงออกซึ่งตัดระนาบในแนวทแยงมุม ชิ้นส่วนของธรรมชาติโดยศิลปินที่เปิดกว้างดูเหมือนจะเปลี่ยนเป็นการเล่นจุดและจังหวะการตกแต่งในทันที ในขณะเดียวกัน ความมีชีวิตชีวาไม่ได้ลดลงเลย แต่ถูกเน้นย้ำอย่างเฉียบขาด โดยไม่ต้องคิดถึงรายละเอียด Matisse จับแกนของการเคลื่อนไหวโดยทั่วไปส่วนโค้งของร่างกายอย่างชาญฉลาดให้ความสมบูรณ์และความสม่ำเสมอในการประกบของรูปแบบ ภาพวาดของมาติสนั้นเฉียบคม ไดนามิก เรียบง่าย และรัดกุม ความเป็นพลาสติกนั้นแปลกประหลาดมากจนไม่สามารถนำไปผสมกับงานเขียนแบบอื่นของช่างเขียนแบบที่มีชื่อเสียงในสมัยของเขาได้ ในความมีชีวิตชีวาและความเป็นธรรมชาติ พวกมันไม่ได้ด้อยกว่าของญี่ปุ่น ทั้งในด้านการตกแต่ง - ไปจนถึงเพชรประดับเปอร์เซีย การแสดงออกของลายเส้น - ไปจนถึงภาพวาดของ Delacroix ยิ่งกว่านั้น พวกมันไม่ได้ขึ้นอยู่กับ "ความเก่งกาจ" เลย ไม่ใช่ความชอบสำหรับจังหวะที่น่าทึ่ง - พวกเขาสร้างสรรค์ในความหมายที่แท้จริง เพราะพวกเขาเผยให้เห็นรูปแบบพลาสติกที่มีการโน้มน้าวใจอย่างเต็มที่

ในฐานะศิลปินกราฟิก ทำงานด้วยปากกา ดินสอ ถ่านชาร์โคล ในเทคนิคการแกะสลัก ไลโนคัท และการพิมพ์หิน มาติสทำงานโดยใช้เส้นบางๆ เป็นช่วงๆ บางครั้งก็ยาวและกลม ตัดผ่านพื้นหลังสีขาวหรือสีดำ [ซีรีย์] "ธีมส์และรูปแบบต่างๆ", ถ่าน, ปากกา , 2484; ภาพประกอบ: ถึง "บทกวี" โดย Mallarmé ถึง "Pasiphae" de Monterlant ถึง "บทกวีแห่งความรัก" โดย Ronsard] ในช่วงทศวรรษที่ 1940 Matisse มักใช้เทคนิคการใช้กระดาษสี (Jazz series, 1944-47) Matisse หันมาใช้ประติมากรรมตั้งแต่ต้นปี 1900 แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงทศวรรษที่ 20-30 (โล่งอก "ร่างหญิงเปลือยจากด้านหลัง", สีบรอนซ์, 2473, พิพิธภัณฑ์ศิลปะซูริค). งานล่าสุด Matisse - การตกแต่งภายใน (รวมถึงหน้าต่างกระจกสี) ของโบสถ์ลูกประคำใน Vence ใกล้เมือง Nice (1953) Matisse เสียชีวิตใน Cimiez ใกล้ Nice เมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน 1954

นักเขียนแบบร่างที่ยอดเยี่ยม Matisse เป็นนักวาดภาพสีที่ยอดเยี่ยม โดยได้ผลลัพธ์ของเสียงที่สอดคล้องกันในองค์ประกอบของสีที่เข้มข้นมากมาย เช่นกัน ภาพวาดเป็นที่รู้จักสำหรับภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของเขา, งานแกะสลัก, ประติมากรรม, ภาพวาดสำหรับผ้า หนึ่งใน งานสำคัญการออกแบบและหน้าต่างกระจกสีของโบสถ์ Dominican of the Rosary in Vence (1951) กลายเป็นศิลปิน

ศิลปินชาวฝรั่งเศส ปลายXIX- ต้นศตวรรษที่ 20 มีความลำเอียงอย่างมากในการเต้น นักบัลเล่ต์ผู้สง่างามของเดอกาส์และพรีมาที่สง่างามของคาบาเร่ต์ตูลูส-โลเทรคเป็นเพียงรูปแบบที่แตกต่างกันของแฟชั่น ธีมเต้น. Henri Matisse ผู้ยิ่งใหญ่ก็ไม่มีข้อยกเว้น “ฉันรักการเต้นมาก การเต้นเป็นสิ่งที่น่าอัศจรรย์: ชีวิตและจังหวะ มันง่ายสำหรับฉันที่จะอยู่กับการเต้น” อาจารย์ยอมรับ และแม้ว่าภาพของมาติสจะต่างจากความสมจริง และผืนผ้าใบที่ตกแต่งแล้วของเขามีความเหมือนกันเพียงเล็กน้อยกับสาวผมบลอนด์ในตูตัส แต่ธีมของการเต้นรำก็เกิดขึ้นอย่างสม่ำเสมอในทุกจุดเปลี่ยนของเส้นทางที่สร้างสรรค์ของเขา

การเต้นรำรอบแรกปรากฏในผ้าใบยุคแรก "Joys of Life" ของศิลปิน ชุดรูปแบบนี้พบการพัฒนา 4 ปีต่อมาเมื่อ Matisse เริ่มทำงานกับแผงขนาดยักษ์ "Dance" และ "Music" ซึ่งได้รับมอบหมายจากนักสะสมชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงและผู้ใจบุญ S. I. Shchukin แต่ก่อนหน้านั้นในปี พ.ศ. 2450 อาจารย์ได้แกะสลักไม้ด้วยนางไม้เต้นรำและแจกันของผู้แต่งหลายคนด้วยแรงจูงใจเดียวกัน หลังจากนั้น Matisse ก็เริ่มสร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่สำหรับคฤหาสน์มอสโกของ Shchukin

“เมื่อฉันต้องเต้นที่มอสโคว์ ฉันเพิ่งไป Moulin de la Galette ในวันอาทิตย์ ฉันดูว่าพวกเขาเต้นยังไง ฉันชอบฟารันโดลเป็นพิเศษ ... กลับมาที่ห้องของฉัน ฉันแต่งเพลงยาวสี่เมตรของฉัน เต้น ร้องเพลง แรงจูงใจเดียวกัน ". ร่างสีแดงสดที่เต้นเป็นวงกลม ไม่เพียงแต่ทำให้ลูกค้าพอใจ แต่ยังนำชื่อเสียงที่คู่ควรมาสู่ผู้สร้างภาพอีกด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา Matisse กลับมาสู่ธีมการเต้นรำ

คำสั่งที่ได้รับในปี 1930 จากนักสะสมชาวอเมริกันผู้โด่งดังอย่าง Albert Barnes นั้นไม่ใช่เรื่องง่ายเลย: ผ้าใบตกแต่งต้องวางไว้ในห้องโค้งเหนือหน้าต่าง ลูกค้าที่มีชื่อเสียงได้เลือกธีมและเทคนิคอย่างชาญฉลาดให้ขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของศิลปิน แต่เมื่อมาที่หัวข้อโปรดของเขา Matisse ได้สร้างผลงานที่ไม่เหมือนกับแผง "Shchukin" ที่มีพลังและน่าตื่นเต้น

การเต้นรำแบบปารีส "เกิดขึ้นโดย Matisse ในอายุเจ็ดสิบของเขา อย่างไรก็ตามถือเป็นหนึ่งในผลงานที่กล้าหาญและสร้างสรรค์ที่สุดของศิลปิน และทั้งหมดเป็นเพราะโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับคำสั่งนี้ผู้เขียนคิดค้นและพัฒนาเทคนิคเดคูพาจดั้งเดิม (ซึ่งเป็นภาษาฝรั่งเศส) หมายถึง" ตัดออก") เช่นเดียวกับปริศนายักษ์รูปภาพประกอบจากชิ้นส่วนแยกจากแผ่นที่ทาสีด้วย gouache ก่อนหน้านี้มาสโทรเองตัดร่างหรือชิ้นส่วนของพื้นหลังด้วยกรรไกรซึ่งจากนั้น (ตามรูปวาดที่ทำเครื่องหมายไว้ ด้วยถ่าน) ติดกับฐานด้วยหมุด เทคโนโลยีนี้เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนอย่างรวดเร็ว ขั้นตอนสุดท้าย - การทาสีบนผืนผ้าใบ - เกิดขึ้นด้วยความช่วยเหลือของจิตรกรที่ทำตามคำแนะนำของศิลปิน

งานเดคูพาจถือเป็นผลงานชิ้นเอกของมาติสผู้ล่วงลับไปแล้ว เนื่องจากเป็นชายชราที่ป่วย ล้มป่วย เขาไม่ปล่อยกรรไกรและเรียกร้องกระดาษสีอย่างต่อเนื่อง

อันที่จริงแผง "การเต้นรำแบบปารีส" มีอยู่ในสามเวอร์ชัน เวอร์ชันแรกสุดแต่ยังไม่เสร็จคือการศึกษาขั้นเตรียมการเป็นหลัก ด้วยงานที่สองที่เกือบจะเสร็จสมบูรณ์ เกิดข้อผิดพลาดที่น่ารังเกียจ: Matisse ทำผิดพลาดในขนาดของห้องและต้องเขียนผ้าใบทั้งหมดอีกครั้ง เวอร์ชันสุดท้ายได้รับการอนุมัติจากลูกค้าและออกเดินทางไปต่างประเทศได้สำเร็จ และก่อนหน้านี้ศิลปิน "มีข้อบกพร่อง" นึกถึงและในปี 1936 ได้ให้ค่าเล็กน้อยแก่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในปารีส

วันนี้ "การเต้นรำแบบปารีส" ถือเป็นไข่มุกแห่งคอลเล็กชั่นของพิพิธภัณฑ์แห่งนี้อย่างเหมาะสม - ไม่มีเหตุผลเลยที่ห้องโถงพิเศษถูกสร้างขึ้นเพื่อแสดงผืนผ้าใบขนาดยักษ์ ภาพวาดถูกยึดอย่างแน่นหนาเหนือหน้าต่างสามบานในห้องโค้งโค้ง และสำหรับการยอมรับอย่างตรงไปตรงมาของผู้อำนวยการพิพิธภัณฑ์ "ไม่ได้หมายความถึงความเป็นไปได้ในการขนส่ง"

แต่ที่นี่ชาวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกโชคดีอย่างไม่น่าเชื่อ: พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งปารีสถูกปิดเพื่อสร้างใหม่ในระยะยาว แผงที่ไม่เหมือนใครถูกส่งไปยังรัสเซียด้วยท่าทางที่ยิ่งใหญ่: ตอนแรกมันถูกแขวนไว้เป็นเวลาสามเดือนในพิพิธภัณฑ์ State Hermitage และตอนนี้ (ตั้งแต่วันที่ 6 กันยายน) มาถึงพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน และรายละเอียดที่น่าสนใจอีกอย่างหนึ่ง: ในกระบวนการทำงานเกี่ยวกับ "การเต้นรำแบบปารีส" Henri Matisse ได้พบกับผู้หญิงชาวรัสเซียคนหนึ่งชื่อ Lidia Nikolaevna Delektorskaya ซึ่งกลายเป็นเลขานุการคนแรกจากนั้นเป็นผู้ช่วยและพยาบาลที่ขาดไม่ได้จากนั้น - เพื่อนสนิทของศิลปินและ รำพึงสุดท้าย ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2476 Lydia Delektorskaya ย้ายไปที่บ้านของ Matisse และ "อยู่ที่นั่น" เป็นเวลาเกือบ 22 ปีจนกระทั่งถึงแก่กรรมของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่

แผง "Dance" และ "Music" ของ Matisse ซึ่งสร้างความรู้สึกอื้อฉาวในนิทรรศการ Paris Autumn Salon ในปีพ. ศ. 2453 ได้รับมอบหมายจากนักอุตสาหกรรมและนักสะสมชาวรัสเซีย S. Shchukin ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในฝรั่งเศสซึ่งเชิญ Matisse ไปที่มอสโก , แนะนำเขาให้รู้จักกับ V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev ทำให้สามารถมองเห็นไอคอนรัสเซียเก่า ๆ ได้ซึ่งศิลปินชาวฝรั่งเศสรู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่ง

Matisse รู้สึกว่าแนวคิดของผืนผ้าใบทั้งสองนี้เป็นอย่างไร: “ฉันนึกภาพผู้มาเยี่ยมเข้ามา ชั้นบนเปิดต่อหน้าเขา เขาต้องไปต่อ พยายาม เขาต้องการจุดประกายความร่าเริง แผงแรกของฉันแสดงการเต้นรำ การเต้นรำแบบกลม บนยอดเขา บนชั้นสองคุณอยู่ในบ้านแล้ววิญญาณแห่งความเงียบงันอยู่ที่นี่และฉันเห็นเวทีดนตรีพร้อมผู้ฟังที่เอาใจใส่ ... Matisse ก็เห็นที่สามเช่นกัน ฉากซึ่งรวบรวมความสงบสุขอย่างสมบูรณ์

งานหลักสำหรับเขาคือการบรรลุความสมบูรณ์ของภาพวาดขาตั้งเหล่านี้ ซึ่งแทบไม่เกี่ยวข้องกับสถาปัตยกรรมและการตกแต่งทั้งหมด ในการประพันธ์เพลงทั้งสองนี้ เราสัมผัสได้ถึงเสียงสะท้อนของการประพันธ์เพลง Fauvist ของ Matisse ซึ่งสร้างภายใต้ความประทับใจโดยตรงของการเต้นรำพื้นบ้านฝรั่งเศสที่เขาเห็นในตอนใต้ของฝรั่งเศส

บรรดาผู้ที่รู้จักศิลปินเป็นอย่างดีกล่าวว่าแม้ว่า Shchukin จะไม่ได้สั่งการประพันธ์เพลงที่สองให้กับเขา แต่ก็ยังคงถือกำเนิดขึ้น ใน "การเต้นรำ" ที่มีชีวิตชีวาและบ้าคลั่ง เราสามารถมองเห็นมุมที่ซับซ้อน การผสมผสานระหว่างมือและร่างกายที่ไม่ธรรมดา และใน "ดนตรี" ซึ่งตรงกันข้ามกับจังหวะ พื้นฐานของการแก้ปัญหาการเรียบเรียงไม่ใช่ไดนามิก ไม่ใช่การเคลื่อนไหว แต่ ความไม่สามารถเคลื่อนที่ได้อย่างสมบูรณ์ของร่างแยกที่อยู่ด้านหน้า ผืนผ้าใบสองผืน ภาพหนึ่งมีนักเต้นห้าคน อีกภาพหนึ่งมีร่างที่ร้อนแรงห้าที่นั่ง มีความคล้ายคลึงกันในแง่ของรูปแบบสี การอ่านแบบเรียบๆ ธีมนามธรรม แต่ตรงกันข้ามในจังหวะ Matisse ตามที่เขาเขียนเองระบายสีภาพวาดของเขา "เพื่อความอิ่มตัวเพื่อให้ ... สีน้ำเงินถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่เช่นความคิดของสีน้ำเงินสัมบูรณ์"

หลังจากที่ "Dance" และ "Music" ก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวที่ Autumn Salon S. Schukin ปฏิเสธที่จะหยิบมันขึ้นมาและอธิบายสิ่งนี้ด้วยความไม่สุภาพในการศึกษาตัวเลขบางส่วน เด็กสาวเพิ่งตั้งรกรากอยู่ในบ้านของเขา และเขาไม่ต้องการทำให้พวกเขาอับอาย อย่างไรก็ตามหลังจากนั้นไม่นานเขาก็เปลี่ยนใจ อย่างไรก็ตาม Matisse ต้องทาสีแดงเล็กน้อยบนร่างของเด็กชายเป่าขลุ่ยเพื่อซ่อนสัญญาณของเพศ ตอนนี้แผง "Dance" และ "Music" ของ Matisse จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ State Hermitage ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Henri Matisse ชอบ Impressionists และ Neo-Impressionists Gauguin ซึ่งเป็นศิลปะแห่งอาหรับตะวันออกตอนอายุ 35 เขากลายเป็นผู้นำของ Fauvists โทนสีของเขาดูสง่างามและประณีต และจังหวะดนตรีที่เป็นเส้นตรงช่วยสร้างเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหวภายใน ไม่มีผู้ติดตามของ Matisse คนใดสามารถบรรลุองค์ประกอบที่สมบูรณ์และการตกแต่งที่สมบูรณ์ขององค์ประกอบทั้งหมดของภาพในขณะที่เขาทำอยู่ ปรมาจารย์ที่สมบูรณ์ภาพวาดตกแต่ง ตัวเขาเองได้สร้างโลกแห่งดนตรีที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว การเต้นรำที่เร่าร้อน โลกของตุ๊กตาที่เปล่งประกาย แจกันและผลไม้ โลกแห่งความสงบอันเงียบสงบและการลืมเลือนอย่างสนุกสนาน

Henri Matisse เกิดเมื่อวันที่ 31 ธันวาคม พ.ศ. 2412 ทางตอนเหนือของฝรั่งเศสใน Cateau-Cambresy และใช้ชีวิตในวัยเด็กของเขาใน Boen-en-Vermandois พ่อของเขาเป็นพ่อค้าธัญพืชและฝันว่าลูกชายของเขาจะเป็นทนายความ Matisse หลังจาก Lyceum Saint-Quentin ศึกษากฎหมายในปารีส ทำงานกับทนายความใน Boen-en-Vermandois เป็นครั้งแรกที่เขาลองทาสีหลังจากที่เข้ารับการรักษาในโรงพยาบาลและเข้ารับการผ่าตัดเอาไส้ติ่งออก เมื่ออายุได้ 20 ปี เขาเริ่มวาดภาพที่ École Ventin de la Tour และในปี พ.ศ. 2434 ได้เดินทางไปปารีส ซึ่ง Bouguereau และ Ferrier ได้เตรียมเขาให้พร้อมที่จะเข้าสู่ École des Beaux-Arts ในหลักสูตรภาคค่ำที่โรงเรียนมัณฑนศิลป์เขาได้พบกับ Albert Marquet เข้าสู่การประชุมเชิงปฏิบัติการของ Gustave Moreau ที่ School of Fine Arts เขาลอกเลียนผลงานมากมายในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เดินทางไปบริตตานี และในปี พ.ศ. 2440 เขาได้แสดงผลงานอิมเพรสชันนิสม์ที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา นั่นคือภาพวาด Dessert ที่ Salon of the National Society of Fine Arts

Matisse มักถูกเรียกว่าลูกชายและสามีของช่างทำเสื้อ ในปีพ.ศ. 2441 เขาได้แต่งงานกับอมีเลีย-โนเอ-มี-อเล็กซานดริน แพรเออร์ หญิงสาวชาวใต้ที่สูงตระหง่าน และพวกเขาก็ไปลอนดอนด้วยกันซึ่ง Matisse ได้เห็นผลงานของ "Herald of the Sun" เป็นครั้งแรกซึ่งเป็นเรื่องโรแมนติกซึ่งได้รับการยกย่องจาก Impressionists - Turner เพื่อนคนหนึ่งของ Matisse เล่าว่า Matisse บอกว่าเขารักลอนดอนเพราะ "เขาพบเขาครั้งแรกในชีวิต ฮันนีมูน".

หลังจากลอนดอน ศิลปินไปคอร์ซิกา ตูลูส เมื่อ Moreau เสียชีวิต Matisse ออกจากโรงเรียนวิจิตรศิลป์และในปี 1899 เดียวกันก็เริ่มเข้าเรียนที่ Carriera Academy รับงานประติมากรรม (ในหลักสูตรภาคค่ำ) ในบรรดาเพื่อนของเขา ได้แก่ Pissarro, Derain, Puy, Marquet ซึ่งเขาทาสีผ้าสักหลาดตกแต่ง Mignac, Cross, Mailol และศิลปินชื่อดังคนอื่น ๆ ในสมัยนั้น

ในปี 1901 Matisse เริ่มจัดแสดงผลงานของเขาที่ Salon des Indépendants, Bertha Weil Gallery, Salon d'Automne การทำงานกับ Signac และ Cross ในปี 1904 นั้น Matisse รู้สึกทึ่งกับการแบ่งแยก ซึ่งเป็นระบบภาพที่อิงจากการสลายตัวอย่างเป็นระบบของโทนสีที่ซับซ้อนเป็นสีที่บริสุทธิ์ โดยจับจ้องบนผืนผ้าใบด้วยจังหวะที่แยกจากกัน โดยอิงจากการผสมด้วยแสงระหว่างการรับรู้ทางสายตา

และในปี ค.ศ. 1905 Matisse ก็กลายเป็นผู้นำของทิศทางใหม่ - Fauvism ที่ Autumn Salon, Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta จัดแสดงร่วมกับเขาซึ่งแบ่งปันมุมมองของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพเช่นเขาพยายามที่จะมุ่งเน้นไปที่โทนสีขององค์ประกอบของพวกเขาสร้างพวกเขาในอัตราส่วนของสีท้องถิ่นที่สดใส จุด.

ในปีพ.ศ. 2449 ที่ Salon des Indépendants Matisse ได้จัดแสดงผลงานชิ้นเอกที่ใหญ่ที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือ The Joy of Life ซึ่งต่อมาใช้เป็นพื้นฐานสำหรับแผงงานเต้นรำ ในช่วงเวลานี้เขาทำแม่พิมพ์ไม้และภาพพิมพ์หิน ฉันไปแอลจีเรียซักพักแล้วก็ไปอิตาลี

ในปี 1907 กลุ่ม Fauvist เลิกกันและ Matisse ได้เปิดการประชุมเชิงปฏิบัติการของเขา ภาพวาดของเขาจัดแสดงในนิวยอร์ก มอสโก เบอร์ลิน เขาตีพิมพ์ Notes of a Painter และตั้งรกรากอยู่ใน Issy-les-Moulineaux ชานเมืองปารีส

ในปี 1910 เรื่องอื้อฉาวปะทุขึ้นใน Autumn Salon เนื่องจากแผงเพลง "Dance" และ "Music" ในปี 1911 Matisse ไปมอสโคว์ในปี 1912 - โมร็อกโกเริ่มจัดแสดงประติมากรรม ตั้งแต่นั้นมา นิทรรศการส่วนตัวของเขาถูกจัดขึ้นในหลายเมืองทั่วโลก และ Bernheim-Jeune Gallery ได้จัดนิทรรศการส่วนตัวของเขาเป็นประจำ

ในปี 1920 Henri Matisse ตามคำร้องขอของ S. Diaghilev ได้สร้างแบบจำลองของการออกแบบฉากและเครื่องแต่งกายสำหรับบัลเล่ต์รัสเซีย

ในปี พ.ศ. 2464 เขาย้ายไปเมืองนีซ เริ่มทำงาน ภาพประกอบหนังสือและตามคำสั่งของ American Barnes เขาได้สร้างแผงภาพวาด "Dance" ที่ยิ่งใหญ่ซึ่งติดตั้งในเมือง Merion ในปี 1933

ปิแอร์ ลูกชายของศิลปินเปิดแกลเลอรีของเขาในนิวยอร์ก ซึ่งเขาได้จัดแสดงผลงานของพ่อ โดยได้รับการผ่าตัดอย่างจริงจังในปี พ.ศ. 2484 ใน ปีที่แล้ว Matisse ทำงานเป็นศิลปินหนังสือมากขึ้น เริ่มสนใจภาพตัดปะ

มาติสชอบวาดรูปดอกไม้ ต้นไม้ และผู้หญิงเป็นส่วนใหญ่ นี่คือวิธีที่เขาเขียนเกี่ยวกับงานของเขา: “ฉันพึ่งพานางแบบของฉันโดยสมบูรณ์ซึ่งฉันศึกษาเมื่อไม่มีการวางตัวและจากนั้นฉันจึงตัดสินใจเลือกท่าให้เหมาะกับแก่นแท้ของมันมากที่สุด เมื่อฉันถ่าย นางแบบใหม่ ฉันเห็นตำแหน่งที่เหมาะสมสำหรับเธอเมื่อเธออยู่ในสภาพที่ผ่อนคลายและสงบ และฉันก็กลายเป็นทาสของท่านี้ ฉันทำงานกับผู้หญิงเหล่านี้บางครั้งเป็นเวลาหลายปีจนหมดความสนใจ ป้ายพลาสติกของฉัน , บางที, แสดงออก สติอารมณ์, สภาวะจิตใจ...ซึ่งฉันสนใจโดยไม่รู้ตัว..."

เพราะเหตุนี้ บรรดาสตรีของพระองค์จึงเปรียบเสมือนดอกไม้ และดอกไม้จึงเปรียบเสมือนคนมีชีวิต...

Matisse ให้วิสัยทัศน์ใหม่ของโลก ถ้า เลโอนาร์โดผู้ยิ่งใหญ่ da Vinci แย้งว่าปาฏิหาริย์หลักของการวาดภาพคือความสามารถในการถ่ายทอดปริมาตรของสิ่งของ จากนั้น Matisse แปลทุกอย่างลงในระนาบ แอปเปิ้ลเปลี่ยนจากลูกบอลเป็นวงกลม มาติสดึงความลึกจากการวาดภาพและเริ่มเปลี่ยนธรรมชาติเพื่อให้สอดคล้องกับความคิดของเขา เขาสามารถบังคับร่างมนุษย์ให้อยู่ในแนวของเครื่องประดับได้ เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นใน "ห้องสีแดง" ของเขา เขาสามารถเปลี่ยนร่างที่สัมพันธ์กับการสนับสนุนได้ - เขาทำสิ่งนี้ใน "Standing Dawn" กระทั่งพื้นของเขาก็ลาดเอียงไปทันใด และสีสันก็ให้ความรู้สึกถึงอากาศที่ร้อนอบอ้าว ("ทางเข้า Kozba") หรือเย็น น้ำใสในตู้ปลา ("ปลาแดง")

Matisse วาดลวดลายด้วยความยินดี พรมตะวันออกเขาใช้อัตราส่วนสีที่แม่นยำและกลมกลืนกันอย่างระมัดระวังเพียงใด! งดงาม เต็มไปด้วยแสงภายในที่ลึกลับและภาพนิ่ง ภาพบุคคล และภาพเปลือยของเขา

นักประวัติศาสตร์ศิลป์บอกว่าถ้ามาติสไม่ได้เป็นจิตรกร เขาคงอยู่ในสิบอันดับแรกของประติมากรชาวฝรั่งเศส เขาเป็นคนแรกที่ใช้การเสียรูปเพื่อเห็นแก่การแสดงออกและในขณะที่เขายอมรับว่าถ้า Mayol ในฐานะผู้เชี่ยวชาญสมัยโบราณทำงานเป็นจำนวนมากเขาก็เหมือนกับผู้เชี่ยวชาญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่หลงใหลในอาหรับและประสบความสำเร็จอย่างงดงาม เส้นเงา รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของ Matisse "Large Seated Nude" ถูกสร้างขึ้นในยุค 20 - ในเวลาเดียวกันกับภาพวาดของเขา "Odalisque" และ "Nude Seated on a Blue Cushion"

ผู้ร่วมสมัยกล่าวว่าเมื่อ Matisse แกะสลัก เขาทำให้ดินเปียกบ่อยเกินไป และด้วยเหตุนี้ เมื่อหมุนเครื่องจักร ร่างจึงมักจะตกลงมาและทรุดตัวลง จากนั้น Matisse หยิบแปรงขึ้นมาแล้วย้ายวิสัยทัศน์พลาสติกของเขาไปที่ผืนผ้าใบ

ผลงานที่ยอดเยี่ยมชิ้นสุดท้ายของ Henri Matisse คือการออกแบบโบสถ์ลูกประคำในเมือง Vence ใกล้กับเมือง Nice ซึ่งเขาทำงานตั้งแต่ปี 1948 ถึง 1951 ในตำแหน่งสถาปนิก เป็นจิตรกร เป็นประติมากร และเป็นนักตกแต่ง

การวาดภาพที่แปลกตาน้ำหนักเบาพลาสติกได้ครอบครองสถานที่หลักแห่งใดแห่งหนึ่งในผลงานของ Matisse มาโดยตลอด ในปี ค.ศ. 1920 ภาพวาดของเขาได้รับการพัฒนามาอย่างดีและเป็นรูปธรรม ต่อมาเขาเริ่มสนใจภาพวาดพู่กันซึ่งกลายเป็นสีสันสดใสอย่างน่าประหลาดใจ ในปี 1919 ในบรรดาภาพวาดของเขา "ธีมของหมวกที่มีขนนกกระจอกเทศ" ปรากฏขึ้นในปี 1935 - "ธีมของกระจก" ในปี 1940 - "ธีมของผู้หญิงในเก้าอี้นวม" และในปี 1944 - "ธีม" ลูกพีช". ในเทคนิคการวาด - อนุสาวรีย์พลาสติกเปรียบเปรย - ภาพวาดสุดท้ายของเขาใน "Chapel of the Rosary" ก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน

Louis Aragon ในนวนิยายที่ไม่ธรรมดาของเขา Henri Matisse เขียนว่า:

ตลอดชีวิต

วาดคำที่ฟังในตัวเขา ...

ในปี 1952 พิพิธภัณฑ์ Henri Matisse ได้เปิดขึ้นใน Cateau-Cambresy เปิดในช่วงชีวิตของศิลปิน

ในบทความเรื่อง "You Need to Look at the World Through the Eyes of a Child" อองรี มาติส เปิดเผยความลับของความสดและเสน่ห์ของผลงานของเขาว่า "ผมเชื่อว่าศิลปินไม่มีอะไรยากไปกว่าการวาดภาพ กุหลาบ แต่เขาสามารถสร้างดอกกุหลาบของตัวเองได้ด้วยการลืมทุกคน กุหลาบที่เขียนไว้ข้างหน้าเขา ... ขั้นตอนแรกสู่ความคิดสร้างสรรค์คือการเห็นรูปลักษณ์ที่แท้จริงของแต่ละวัตถุ ... การสร้างหมายถึงการแสดงสิ่งที่อยู่ในตัวคุณ

ความสว่างของสีความเรียบง่ายของเทคนิคการแสดงออก - ภาพวาดของศิลปินชาวฝรั่งเศส Henri Matisse ทำให้ประหลาดใจกับความคิดริเริ่มของพวกเขา ผู้นำของ Fauvism ได้ลองใช้เทรนด์ต่างๆ มากมายในทัศนศิลป์ ก่อนที่เขาจะค้นพบสไตล์ของตัวเอง โดดเด่นด้วยตัวละครที่ "ดุร้าย"

วัยเด็กและเยาวชน

บ้านเกิดของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่คือเมือง Le Cateau-Cambresy ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส ที่นี่ในปี พ.ศ. 2412 ลูกคนหัวปีเกิดในครอบครัวของพ่อค้าธัญพืชที่ประสบความสำเร็จ ซึ่งมีชื่อว่าอองรี-เอมิล เบอนัวต์ มาติส ชะตากรรมของเด็กเป็นข้อสรุปมาก่อน - ในเวลานั้นทายาทคนแรกในครอบครัวจำเป็นต้องรับช่วงต่อธุรกิจของพ่อในอนาคต แต่เห็นได้ชัดว่าเด็กชายสืบเชื้อสายมาจากมารดาผู้เป็นที่รักยิ่งในยามห่างไกล เวลาว่างสำหรับการวาดภาพงานหัตถกรรมเซรามิก

อองรีเตรียมพร้อมสำหรับอนาคตอย่างละเอียด เขาเรียนที่โรงเรียน จากนั้นไปที่สถานศึกษา นอกจากนี้ ลูกชายที่ดื้อรั้นซึ่งขัดต่อเจตจำนงของหัวหน้าครอบครัว ไปปารีสเพื่อทำความเข้าใจด้านนิติศาสตร์ ด้วยประกาศนียบัตรที่ห่างไกลจากงานศิลปะ เขากลับบ้าน ซึ่งเขาทำงานเป็นเสมียนเป็นเวลาหลายเดือน

ความเจ็บป่วยตัดสินชะตากรรม ชีวประวัติสร้างสรรค์ศิลปินที่มีพรสวรรค์เริ่มต้นในปี 1889 เมื่อ Henri Matisse ตกอยู่ใต้มีดของศัลยแพทย์ที่มีไส้ติ่งอักเสบ

ฟื้นตัวหลังการผ่าตัดได้สองเดือน เพื่อไม่ให้ลูกชายของเขาเบื่อ แม่ของเขาจึงนำอุปกรณ์วาดภาพมาที่โรงพยาบาล และมาติสก็เริ่มคัดลอกโปสการ์ดสีอย่างกระตือรือร้น ในเวลานี้ ในที่สุดชายหนุ่มก็เข้าใจสิ่งที่เขาต้องการอุทิศชีวิตของเขาให้สำเร็จ

จิตรกรรม

ความฝันที่จะเป็นนักเรียนของโรงเรียนวิจิตรศิลป์มอสโกไม่ได้รับ อองรีล้มเหลวในการรับเข้าเรียนครั้งแรก ดังนั้นเขาจึงต้องนั่งที่โต๊ะของสถาบันการศึกษาอื่นๆ ก่อน ซึ่งเขาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับพื้นฐานของการวาดภาพ และในปี พ.ศ. 2438 "ป้อมปราการ" ก็ยอมจำนน - พร้อมกับอัลเบิร์ตมาร์เกต์ศิลปินชื่อดังในอนาคต Matisse เข้าสู่ School of Arts อันเป็นเจ้าข้าวเจ้าของในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Gustave Moreau

วงกลมแห่งความสนใจในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์รวมถึงศิลปะร่วมสมัย Henri Matisse ยังอยากรู้เกี่ยวกับทิศทางของญี่ปุ่นด้วย ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของไขกระดูกของเขา Moreau ส่งนักเรียนของเขาไปเรียนรู้ที่จะ "เล่นกับสีสัน" ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ซึ่งอองรีพยายามเลียนแบบภาพวาดคลาสสิกด้วยการคัดลอกภาพวาด อาจารย์สอนให้ "ฝันถึงสีสัน" ซึ่งเป็นที่ที่ศิลปิน Matisse มีความหลงใหลในการค้นหาเฉดสีที่เหมาะสมเพื่อถ่ายทอดอารมณ์

ใน ทำงานเร็วการผสมผสานของคำสอนของ Moreau กับองค์ประกอบที่ยืมมาจากปรมาจารย์แปรงที่มีชื่อเสียงได้ปรากฏขึ้นแล้ว ตัวอย่างเช่น ชีวิตที่ยังคง "ขวด Schiedam" นั้นคลุมเครือ: ในอีกด้านหนึ่งสีเข้มทำให้เลียนแบบ Chardin และลายเส้นกว้างและส่วนผสมของสีดำและสีเงิน - อองรียอมรับในภายหลัง:

“ฉันเข้าใจด้านที่แสดงออกของสีอย่างเป็นธรรมชาติ ผ่าน ทิวทัศน์ฤดูใบไม้ร่วงฉันจะไม่จำเฉดสีใดที่เหมาะกับช่วงเวลานี้ของปี มีเพียงความรู้สึกของฤดูใบไม้ร่วงเท่านั้นที่จะสร้างแรงบันดาลใจให้ฉัน ... ฉันเลือกสีที่ไม่ได้เป็นไปตามทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์ใดๆ แต่ตามความรู้สึก การสังเกต และประสบการณ์

การศึกษาคลาสสิกทำให้ศิลปินเบื่อหน่ายอย่างรวดเร็วและเขาหันไปหาอิมเพรสชั่นนิสต์โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาชื่นชมผืนผ้าใบ สีใน ทำงานเร็วยังคงดูน่าเบื่อ แต่ค่อยๆ เพิ่มความชุ่มฉ่ำ แรงดึงดูดของอิมเพรสชั่นนิสม์เริ่มแปรสภาพเป็นสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง แล้วในปี พ.ศ. 2439 ร้านเสริมสวยการสร้างสรรค์ครั้งแรกของจิตรกรมือใหม่เริ่มปรากฏขึ้น

อันดับแรก นิทรรศการส่วนตัวไม่ได้สร้างความกระฉับกระเฉงในแวดวงผู้ชื่นชอบศิลปะ อองรี มาติสตัดสินใจออกจากเมืองหลวงของฝรั่งเศสไปทางเหนือ โดยเขาได้ลองใช้เทคนิคการวาดเส้นประ ในเวลานี้ผลงานชิ้นเอกชิ้นแรกมาจากปากกาของเขา - "ความหรูหราความสงบและความสุข" แต่ชายคนนั้นไม่พบรูปแบบการเขียน "พื้นเมือง" นี้

การปฏิวัติในผลงานของศิลปินเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1905 Matisse ร่วมกับกลุ่มคนที่มีความคิดเหมือนๆ กัน ได้สร้างรูปแบบใหม่ในการวาดภาพที่เรียกว่า Fauvism พลังงานของสีที่นำเสนอในนิทรรศการในฤดูใบไม้ร่วงทำให้ผู้ชมตกใจ Henri นำเสนอผลงานสองชิ้น - ภาพเหมือน "Woman in a Hat" และภาพวาด " เปิดหน้าต่าง».

คลื่นแห่งความขุ่นเคืองเกิดขึ้นกับศิลปินผู้เยี่ยมชมนิทรรศการไม่เข้าใจว่ามันเป็นไปได้ที่จะละเลยประเพณีวิจิตรศิลป์ทั้งหมดได้อย่างไร ผู้ก่อตั้งสไตล์นี้ถูกขนานนามว่า fauvists นั่นคือคนป่าเถื่อน

อย่างไรก็ตามความสนใจดังกล่าวแม้ว่าจะเป็นลบก็ตามทำให้ Matisse ได้รับความนิยมและผลตอบแทนที่ดี: ภาพวาดมีแฟน ๆ ที่ซื้อมันด้วยความยินดี ตัวอย่างเช่น เกอร์ทรูด สไตน์ นักเขียนชาวอเมริกัน หยิบ "ผู้หญิงในหมวก" ที่นิทรรศการทันที และภาพวาด "ความสุขแห่งชีวิต" ซึ่งปรากฏในปี 2449 ถูกซื้อโดยนักสะสมชื่อดังลีโอ สไตน์

เกิดขึ้นภายหลังเล็กน้อย เหตุการณ์สำคัญ- ศิลปินได้พบกับการสื่อสารที่ยังไม่รู้จักซึ่งส่งผลให้เกิดมิตรภาพหลายทศวรรษในระหว่างที่ปรมาจารย์ของแปรงแข่งขันกันเอง ปิกัสโซกล่าวว่าการตายของพวกเขาคนใดคนหนึ่งจะเป็นความสูญเสียที่ไม่สามารถแก้ไขได้สำหรับทุกคนเพราะไม่มีใครพูดถึงปัญหาเชิงสร้างสรรค์อย่างรุนแรง

สองมากที่สุด ผ้าใบที่มีชื่อเสียง- "Dance" และ "Music" - Matisse เขียนให้กับผู้ใจบุญ Sergei Shchukin รัสเซียสั่งภาพวาดสำหรับบ้านในมอสโก ศิลปินในขณะวาดภาพร่าง ตั้งเป้าหมายที่จะสร้างบางสิ่งเพื่อให้ผู้ที่เข้ามาในคฤหาสน์รู้สึกโล่งใจและสงบสุข ที่น่าสนใจคืออองรีดูแลการแก้ไขภาพเขียนเป็นการส่วนตัว - ชาวฝรั่งเศสมาถึงเมืองหลวงของรัสเซียซึ่งเขาได้รับความกระตือรือร้น ศิลปินเองรู้สึกประทับใจกับคอลเล็กชั่นไอคอนโบราณของเจ้าของบ้านและความเรียบง่ายของรัสเซีย

เห็นได้ชัดว่าศิลปินได้รับค่าธรรมเนียมที่ดีเพราะเขาไปเที่ยวทันที เยี่ยมชม นิทานตะวันออกแอลจีเรียและหลังจากกลับถึงบ้านเขาก็นั่งทำงานทันที - ภาพวาด "บลูนู้ด" เห็นแสงสว่าง การเดินทางครั้งนี้สร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับมาติส มีองค์ประกอบใหม่ปรากฏขึ้นในงานของเขา ชายผู้นี้สร้างภาพพิมพ์หิน แกะสลักบนเซรามิกและไม้

เสน่ห์ของตะวันออกไม่ปล่อยมือชาวฝรั่งเศสยังคงคุ้นเคยกับแอฟริกาโดยเดินทางไปโมร็อกโก แล้วเขาก็ไปเที่ยวยุโรปและอเมริกา ในเวลานี้งานของเขาค่อยๆเริ่มสูญเสียสัญญาณของ Fauvism ซึ่งเต็มไปด้วยความละเอียดอ่อนและความลึกพิเศษมีความเกี่ยวข้องกับธรรมชาติปรากฏขึ้น

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองศิลปินได้รับการวินิจฉัยว่าเป็นเนื้องอกหลังจากการผ่าตัดชายคนนั้นไม่สามารถเคลื่อนไหวได้ ในขณะนั้น Matisse ได้คิดค้นทิศทางใหม่ในด้านงานเดคูพาจ ซึ่งมีพื้นฐานมาจากการวาดภาพจากกระดาษสี

Henri Matisse ยุติโครงการออกแบบขนาดใหญ่ คอนแวนต์ในวองซ์ ว่ากันว่าศิลปินถูกขอให้แก้ไขภาพสเก็ตช์กระจกสีเท่านั้น แต่เขาพับแขนเสื้อขึ้นอย่างกระตือรือร้นและสร้างโครงการที่สมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม ชายผู้นี้ถือว่างานนี้เป็นสัญลักษณ์ของโชคชะตาในบั้นปลายชีวิตของเขา และเป็นผลงานศิลปะกระปุกออมสินที่ดีที่สุด

ชีวิตส่วนตัว

ชีวิตส่วนตัวของ Henri Matisse ถูกประดับประดาโดยผู้หญิงสามคน ในปี 1984 ศิลปินกลายเป็นพ่อเป็นครั้งแรก - นางแบบ Carolina Zhoblot มอบลูกสาว Margarita ที่มีความสามารถ อย่างไรก็ตาม อองรีไม่ได้แต่งงานกับผู้หญิงคนนี้เลย

ภรรยาอย่างเป็นทางการคือ Amelie Pareira ซึ่งเป็นตัวแทนของโลกแห่งการวาดภาพในงานแต่งงานของเพื่อน หญิงสาวทำหน้าที่เป็นเพื่อนเจ้าสาวและอองรีถูกวางไว้ข้างโต๊ะโดยไม่ได้ตั้งใจ Amelie ตกหลุมรักตั้งแต่แรกเห็นชายหนุ่มก็เริ่มแสดงความสนใจ หญิงสาวกลายเป็นคนใกล้ชิดคนแรกที่เชื่อในความสามารถของเขาอย่างไม่มีเงื่อนไข

ก่อนงานแต่งงาน เจ้าบ่าวเตือนเจ้าสาวว่าสถานที่หลักในชีวิตมักจะถูกครอบครองโดยงาน ครอบครัวที่เพิ่งสร้างใหม่ไปลอนดอนเพื่อทำความคุ้นเคยกับงานของวิลเลียม เทิร์นเนอร์ แม้จะไปฮันนีมูน

การแต่งงานทำให้เกิดลูกชาย Jean-Gerard และ Pierre ทั้งคู่ยังได้นำ Margarita เข้ามาในครอบครัวเพื่อเลี้ยงดู ปีที่ยาวนานลูกสาวและภรรยาเข้ามาแทนที่นางแบบหลักและแรงบันดาลใจของศิลปิน หนึ่งใน ภาพวาดที่มีชื่อเสียงอุทิศให้กับภรรยาของเขา - "The Green Stripe" เขียนในปี 1905

ภาพเหมือนของหญิงสาวผู้เป็นที่รักนี้ดึงดูดผู้ที่ชื่นชอบศิลปะในขณะนั้นด้วย "ความอัปลักษณ์" ผู้ชมเชื่อว่าตัวแทนของ Fauvism ไปไกลเกินไปกับความสว่างของสีและความจริงทั้งหมด

ที่จุดสูงสุดของความนิยมซึ่งมาในยุค 30 ศิลปินต้องการผู้ช่วย Matisse ในเวลานั้นย้ายไป Nice กับครอบครัวของเขา อยู่มาวันหนึ่ง Lydia Delektorskaya ผู้อพยพชาวรัสเซียปรากฏตัวในบ้านและกลายเป็นเลขานุการของจิตรกร ตอนแรกภรรยาไม่เห็นอันตรายในตัวหญิงสาว - สามีของเธอไม่ชอบสาวผมขาว แต่สถานการณ์เปลี่ยนไปทันที เมื่อเขาบังเอิญเห็นลิเดียอยู่ในห้องนอนของภรรยา อองรีก็รีบดึงเธอ

ต่อจากนั้น Amelie หย่ากับสามีผู้โด่งดังของเธอและ Dilectorskaya ก็กลายเป็นคนสุดท้ายของ Matisse ความสัมพันธ์แบบไหนที่ครองคู่นี้ มันคือความรัก หรือ ทั้งคู่ถูกจำกัด งานร่วมกัน, ยังไม่เป็นที่รู้จัก ท่ามกลางการกระจัดกระจายของภาพวาดและภาพวาดลิเดีย ผืนผ้าใบ "Odalisque บลูฮาร์โมนี่.

ความตาย

1 พฤศจิกายน 1954 Henri Matisse ถูก microstroke สองวันต่อมา ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่เสียชีวิต ตำนานกล่าวว่าก่อนที่เธอจะเสียชีวิต Dilectorskaya ไปเยี่ยมจิตรกรในห้องนอนซึ่งเธอพูดว่า:

"วันอื่นคุณจะพูดว่า: ไปเอาดินสอกับกระดาษกันเถอะ"

อองรีตอบด้วยรอยยิ้ม:

“ขอดินสอกับกระดาษหน่อย”

งานศิลปะ

• 2439 - "ขวด Schiedam"
• 2448 - "ความสุขของชีวิต"
• 2448 - "ผู้หญิงในหมวก"
• 2448 - "แถบสีเขียว"
• 2448 - "เปิดหน้าต่างใน Collioure"
• 2450 - "สีน้ำเงินนู้ด"
• 2451 - "ห้องแดง"
• 2453 - "ดนตรี"
• 2459 - "อาบน้ำริมแม่น้ำ"
• 2478 - "ชมพูนู้ด"
• 2480 - "ผู้หญิงในเสื้อคลุมสีม่วง"
• 2483 - "เสื้อโรมาเนีย"
• 2495 - "ความโศกเศร้าของราชา"

วิธีที่ดีที่สุดในการถ่ายทอดอารมณ์คืออะไร?

แน่นอนผ่านสีและรูปร่าง อองรี มาติสเองก็เช่นกัน ท้ายที่สุดเขาเป็นผู้นำของ Fauvists ซึ่ง นักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศส Louis Vauxcelles เรียกว่า "สัตว์ป่า" (fr. les fauves) ผู้ร่วมสมัยหลงใหลในความสูงส่งของสี การแสดงออกของสี "ดุร้าย" คำแถลงแบบสุ่มนี้ถูกกำหนดให้เป็นชื่อของขบวนการทั้งหมด - Fauvism แม้ว่าตัวศิลปินเองจะไม่รู้จักชื่อนี้

ก. มอเรอร์. ภูมิทัศน์ Fauvist
ทิศทางศิลปะใน จิตรกรรมฝรั่งเศส ลัทธิโฟวิสพัฒนาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20
ผู้นำของทิศทางคือ Henri Matisse และ Andre Derain บรรดาผู้สนับสนุนแนวโน้มนี้ ได้แก่ Albert Marquet, Charles Camoin, Louis Walt, Henri Evenepoula, Maurice Marino, Georges Rouault, Georges Braque, Georgette Agoutte และอื่น ๆ

Henri Matisse: จากชีวประวัติ (1869-1954)

อองรี มาติส. ภาพถ่าย
ศิลปินชาวฝรั่งเศสที่โดดเด่นชื่อ Henri Matisse เกิดเมื่อวันที่ 31 ธันวาคม พ.ศ. 2412 ที่ Le Cateau ทางตอนเหนือของฝรั่งเศสในตระกูลพ่อค้าธัญพืชผู้มั่งคั่ง สันนิษฐานว่าลูกชายจะทำงานของพ่อต่อไป แต่อองรีไปปารีสเพื่อศึกษากฎหมายที่โรงเรียนกฎหมาย เขากลับมาที่ Saint-Quentin (ซึ่งเขาจบการศึกษาจาก Lyceum) หลังจากสำเร็จการศึกษา ได้งานเป็นเสมียน (พนักงาน) ที่ทนายความ
ความสนใจในการวาดภาพเกิดขึ้นในศิลปินในอนาคตโดยบังเอิญ: เขาเข้ารับการผ่าตัดเอาไส้ติ่งและแม่ของเขาเพื่อที่อองรีจะไม่เบื่อในช่วงระยะเวลาการกู้คืนสองเดือนจึงซื้ออุปกรณ์วาดภาพให้เขา ฉันต้องบอกว่าแม่ของเขาทำงานจิตรกรรมเซรามิก ดังนั้นเธอจึงสามารถสรุปได้ว่าลูกชายของเธอจะไม่เฉยเมยต่อศิลปะการวาดภาพ และมันก็เกิดขึ้น ในตอนแรกอองรีเริ่มคัดลอกโปสการ์ดสี เขารู้สึกทึ่งมากจนตัดสินใจเป็นศิลปินและลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนสอนวาดภาพของ Cantin de la Tour ซึ่งได้รับการฝึกฝนช่างเขียนแบบสำหรับอุตสาหกรรมสิ่งทอ
ในปี ค.ศ. 1892 เขามาที่ปารีส ซึ่งเขาศึกษาอยู่ที่ Académie Julian และต่อมากับ Gustave Moreau
ที่นิทรรศการศิลปะมุสลิมในมิวนิกในปี 2446 มาติสเริ่มคุ้นเคยกับภาพวาดประเภทนี้ซึ่งทำให้เขา ความประทับใจที่แข็งแกร่งและให้แนวทางในการพัฒนาความสามารถต่อไป ลักษณะเฉพาะภาพวาดนี้เป็นสีที่เข้ม เป็นภาพวาดที่เรียบง่าย เป็นภาพแบน ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในผลงานที่นำเสนอโดยเขาในนิทรรศการ "ป่า" (fauvists) ที่ร้านเสริมสวยในฤดูใบไม้ร่วงปี 1905
เขาใช้เวลาสองฤดูหนาว (1912 และ 1913) ในโมร็อกโก เสริมด้วยความรู้เกี่ยวกับลวดลายตะวันออก
โดยทั่วไป Matisse ซึมซับทุกอย่างที่เกี่ยวข้องกับวิจิตรศิลป์อย่างกระตือรือร้น: เขาคัดลอกผลงานของอาจารย์ชาวฝรั่งเศสและชาวดัตช์ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์งานของเขาได้รับความสนใจเป็นพิเศษจาก Jean-Baptiste Simeon Chardin เขาได้พบกับศิลปิน ประเทศต่างๆ. ในลอนดอน เขาศึกษางานของวิลเลียม เทิร์นเนอร์
วันหนึ่งเขาได้พบกับศิลปินชาวออสเตรเลีย จอห์น ปีเตอร์ รัสเซลล์ เพื่อนของออกุสต์ โรแด็ง รัสเซลล์รวบรวมภาพวาด เขายังแนะนำอองรีให้รู้จักกับอิมเพรสชั่นนิสม์และผลงานของวินเซนต์ แวนโก๊ะ ซึ่งเขาเป็นเพื่อนกันมา 10 ปีแล้ว Matisse อ้างถึง John Peter Russell เป็นครูของเขาซึ่งอธิบายทฤษฎีสีให้เขาฟัง
อิมเพรสชั่นนิสม์สร้างความประทับใจให้กับมาติสอย่างมาก ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2433 ถึง พ.ศ. 2445 มาติสได้สร้างภาพวาดที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณของอิมเพรสชั่นนิสม์: "ขวดของ Schiedam" (1896), "ของหวาน" (1897), "ผลไม้และหม้อกาแฟ" (1899), "อาหารและผลไม้" (1901)

A. Matisse "หม้อผลไม้และกาแฟ" (1899) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. เฮอร์มิเทจ (ปีเตอร์สเบิร์ก)
แต่ในขณะเดียวกัน มาติสก็มองหาหนทางในงานศิลปะ ภาพทิวทัศน์ช่วงแรกๆ สองภาพของเขาพูดถึงเรื่องนี้: The Bois de Boulogne (1902) และ The Luxembourg Garden (1902) การค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่เข้มข้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งเป็นของ 1901-1904 โครงสร้างการวาดภาพและงานสีโดย Paul Cezanne มีอิทธิพลพิเศษต่องานของ Matisse ซึ่งภายหลังเรียกเขาว่าแรงบันดาลใจหลักของเขา
นิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกของ Matisse เกิดขึ้นในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2447 ในแกลเลอรีของ Ambroise Vollard แต่ ความสำเร็จที่ดีเธอไม่มี
ได้รับอิทธิพลจากผลงานของ Paul Signac "Eugene Delacroix และ Neo-Impressionism" Matisse เริ่มทำงานในเทคนิคการแบ่งแยก (pointillism) โดยใช้เส้นประแยกกัน ในสไตล์นี้ ภาพวาดของเขา "ความหรูหรา สันติภาพ และความสุข" ถูกทาสี แต่ความหลงใหลใน Pointillism ของ Matisse นั้นมีอายุสั้น

A. Matisse "ความหรูหรา ความสงบ และความสุข" (1904-1905)
ในปี ค.ศ. 1907 มาติสได้เดินทางไปอิตาลี ในระหว่างที่เขาไปเยือนเวนิส ปาดัว ฟลอเรนซ์ และเซียนา เพื่อศึกษาศิลปะอิตาลี
ตามคำแนะนำของเพื่อน Matisse ก่อตั้ง โรงเรียนเอกชนจิตรกรรมซึ่งเรียกว่า Academy of Matisse เขาสอนที่นั่นตั้งแต่ พ.ศ. 2451-2454 ในช่วงเวลานี้ นักเรียน 100 คนจากเพื่อนร่วมชาติของศิลปินและชาวต่างชาติได้รับการศึกษาที่สถาบันการศึกษา
การศึกษาที่สถาบันการศึกษานั้นไม่ใช่เชิงพาณิชย์โดยธรรมชาติ Matisse ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการฝึกขั้นพื้นฐานแบบคลาสสิกของศิลปินรุ่นเยาว์ พวกเขาทั้งหมดไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ด้วยกันสัปดาห์ละครั้งตามหลักสูตร การทำงานกับโมเดลเริ่มขึ้นหลังจากเชี่ยวชาญเทคนิคการคัดลอกเท่านั้น ในช่วงที่สถาบันดำรงอยู่ สัดส่วนของนักเรียนหญิงในสถาบันนั้นสูงอย่างน่าประหลาดใจเสมอมา
ในปี 1908 Matisse ได้เดินทางไปเยอรมนีเป็นครั้งแรก ซึ่งเขาได้พบกับศิลปินจากกลุ่ม Most (ผู้ก่อตั้งลัทธิการแสดงออกทางอารมณ์ของชาวเยอรมัน)
ในปีพ.ศ. 2484 มาติสได้รับการผ่าตัดลำไส้ครั้งใหญ่ ในเรื่องนี้เขาทำให้สไตล์ของเขาง่ายขึ้น - เขาได้พัฒนาเทคนิคในการเขียนภาพจากเศษกระดาษ ในปีพ.ศ. 2486 เขาเริ่มวาดภาพชุดสำหรับหนังสือ "แจ๊ส" จากเศษกระดาษที่วาดด้วย gouache ในปี ค.ศ. 1944 ภรรยาและลูกสาวของเขาถูกจับโดยเกสตาโปในข้อหาเข้าร่วมกิจกรรมของกลุ่มต่อต้าน
เมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน พ.ศ. 2497 ศิลปินเสียชีวิตใน Cimiese ใกล้เมืองนีซเมื่ออายุได้ 84 ปี

ผลงานของอองรี มาติส

ผลงานของ Matisse มีพื้นฐานมาจากการศึกษาธรรมชาติและกฎแห่งการวาดภาพ ภาพร่างผู้หญิง ภาพนิ่ง และภูมิทัศน์ของเขาอาจดูเหมือนไม่มีนัยสำคัญในเนื้อหาสาระ แต่เป็นผลจากการศึกษารูปแบบธรรมชาติอันยาวนานและการทำให้เข้าใจง่ายขึ้น Matisse สามารถแสดงความรู้สึกทางอารมณ์ของความเป็นจริงในรูปแบบศิลปะที่เข้มงวดที่สุดได้อย่างกลมกลืน ศิลปินส่วนใหญ่เป็นนักวาดภาพสี โดยได้เอฟเฟกต์เสียงที่สอดคล้องกันในองค์ประกอบของสีที่เข้มข้นมากมาย

ลัทธิโฟวิส

Matisse ร่วมกับ Andre Derain ได้สร้างรูปแบบใหม่ที่เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะภายใต้ชื่อ Fauvism ภาพวาดของเขาในสมัยนั้นมีลักษณะแบนราบ เส้นชัดเจน และสีสันสดใส ใน "บันทึกของจิตรกร" (1908) เขาได้กำหนดหลักการทางศิลปะโดยพูดถึงความจำเป็นในการถ่ายทอดอารมณ์โดยตรงด้วยวิธีการง่ายๆ
ทั้งชื่อเสียงของ Matisse และการอำลา neo-impressionism (pointillism) และจุดเริ่มต้นของ fauvism เกี่ยวข้องกับภาพวาด "Woman in a Hat" Matisse ได้ประกาศศิลปะของสีสดใส การตัดสินใจที่กล้าหาญ และการตกแต่งเป็นสิ่งสำคัญในงานของเขา

A. Matisse "ผู้หญิงในหมวก" (1905) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 24×31 ซม.

Matisse จัดแสดงภาพวาดนี้ที่ Autumn Salon ในปี 1905 ศิลปินวาดภาพ Amelie ภรรยาของเขาในรูปเหมือน การผสมสีที่ชัดเจนจะอธิบายชื่อของทิศทางใหม่ - Fauvism (ป่า) ผู้ชมงงงวย: ผู้หญิงจะเป็นอย่างนั้นได้อย่างไร? แต่ Matisse แย้งว่า: "ฉันไม่ได้สร้างผู้หญิง ฉันกำลังสร้างภาพ" สีของมันคือสีของภาพวาด ไม่ใช่สีของชีวิตประจำวัน
Fauvism เป็นเทรนด์ศิลปะปรากฏขึ้นในปี 1900 ในระดับการทดลองและมีความเกี่ยวข้องจนถึงปี 1910 ขบวนการมีเพียง 3 นิทรรศการ Matisse ได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้นำของ Fauvists (พร้อมด้วยAndré Derain) แต่ละคนมีผู้ติดตามของพวกเขา
ความสำคัญของ Fauvism ที่ลดลงหลังปี 1906 และการล่มสลายของกลุ่มในปี 1907 ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อการเติบโตอย่างสร้างสรรค์ของ Matisse เอง ของเขามากมาย ผลงานที่ดีที่สุดถูกสร้างขึ้นโดยเขาระหว่างปี พ.ศ. 2449-2450
ในปี 1905 Matisse ได้พบกับจิตรกรหนุ่ม Pablo Picasso มิตรภาพของพวกเขาเริ่มต้นขึ้น เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งการแข่งขัน แต่ยังเคารพซึ่งกันและกัน
ในปี 1920 ตามคำร้องขอของ Sergei Diaghilev เขาได้สร้างภาพร่างเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์สำหรับบัลเล่ต์ The Nightingale ให้เป็นดนตรีโดย Igor Stravinsky และออกแบบท่าเต้นโดย Leonid Myasin ในปีพ.ศ. 2480 เขาวาดภาพทิวทัศน์สำหรับบัลเล่ต์ "Red and Black" ให้กับเพลงของ Dmitry Shostakovich และออกแบบท่าเต้นโดย Leonid Myasin
ในช่วงปี พ.ศ. 2489-2491 สีของการตกแต่งภายในโดย Matisse กลับกลายเป็นสีที่อิ่มตัวอย่างมากอีกครั้ง: ผลงานของเขาเช่น Red Interior, Still Life on a Blue Table (1947) และ Egyptian Curtain (1948) สร้างขึ้นจากความแตกต่างระหว่างแสงและความมืดตลอดจนการตกแต่งภายใน และพื้นที่ภายนอก

A. Matisse "ภายในสีแดง ยังมีชีวิตอยู่บนโต๊ะสีน้ำเงิน" (1947) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 116 x 89 ซม.

A. Matisse "ม่านอียิปต์" (1948)
งานสุดท้ายของ Matisse (1954) คือหน้าต่างกระจกสีของโบสถ์ที่สร้างโดย Rockefeller ในปี 1921 ในรัฐนิวยอร์ก
หน้าต่างกระจกสีที่เหลืออีก 9 บานถูกวาดโดย Marc Chagall

พร้อมกับภาพวาดที่โดดเด่นของเขา ภาพวาดกราฟิค, แกะสลัก, ประติมากรรม, ภาพวาดสำหรับผ้า. ผลงานชิ้นสำคัญของศิลปินคือการตกแต่งและหน้าต่างกระจกสีของโบสถ์ Dominican of the Rosary in Vence (1951)
ในปีพ.ศ. 2490 มาติสได้พบกับนักบวชชาวโดมินิกัน ปิแอร์ กูตูเรียร์ และในการสนทนากับเขา ก็มีแนวคิดในการสร้างโบสถ์น้อยสำหรับคอนแวนต์เล็กๆ ในเมืองวองซ์ Matisse พบวิธีแก้ปัญหาด้วยตัวเอง การตกแต่ง. ต้นเดือนธันวาคม พ.ศ. 2490 มาติสได้กำหนดแผนการทำงานโดยเห็นด้วยกับภราดาชาวโดมินิกัน บราเดอร์ไรส์ซิเนียร์ และคุณพ่อกูตูริเยร์

การตกแต่งภายในของโบสถ์ - แท่นบูชา, หน้าต่างกระจกสี, ภาพวาดฝาผนัง "Saint Dominic"

ภายในพระอุโบสถ - ภาพวาดฝาผนัง "วิถีแห่งไม้กางเขน"

เกี่ยวกับผลงานที่มีชื่อเสียงของ Henri Matisse

A. Matisse "The Green Stripe" (มาดามมาติส) (1905) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 40.5 x 32.5 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐศิลปะ (โคเปนเฮเกน)
ภาพวาดนี้เป็นภาพเหมือนของภรรยาของศิลปิน ภาพเหมือนประทับใจกับ "ความอัปลักษณ์" นั่นคือความผิดปกติ แม้แต่สำหรับ Fauvism ความเข้มของสีก็มากเกินไป ระนาบสามสีสร้างองค์ประกอบของภาพเหมือน

A. Matisse "การเต้นรำ" (1910) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 260 x 391 ซม. อาศรมรัฐ(ปีเตอร์สเบิร์ก)
สันนิษฐานได้ว่า "การเต้นรำ" ถูกเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของภาพวาดแจกันกรีกและฤดูกาลของรัสเซียของ Sergei Diaghilev
ภาพที่เซอร์ไพรส์ด้วยการผสมผสานความสั้นของสื่อความหมายและภาพของมัน ขนาดใหญ่. "การเต้นรำ" เขียนด้วยสามสีเท่านั้น: ท้องฟ้าเป็นสีฟ้า ร่างกายของนักเต้นเป็นสีชมพู และภาพของเนินเขาเป็นสีเขียว การเต้นรำแบบกลมบนยอดเขานำโดยคนเปลือยกาย 5 คน

A. Matisse "ดนตรี" (1910) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 260 x 389 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Hermitage (ปีเตอร์สเบิร์ก)
เมื่อเขียนรูปภาพ Matisse พยายามลดรูปเหล่านั้นให้อยู่ในรูปแบบพื้นฐาน เขาจงใจกีดกันตัวละครของบุคลิกลักษณะเฉพาะโดยทำให้พวกเขามีลักษณะใบหน้าและร่างกายที่เกือบจะเหมือนกันเพื่อให้ผู้ชมรับรู้ภาพรวม ศิลปินพิจารณางานหลักเพื่อให้ได้สีที่กลมกลืนกันของผืนผ้าใบโดยใช้คอนทราสต์: ร่างของตัวละครถูกวาดด้วยสีแดงเข้ม ท้องฟ้าสีฟ้าและหญ้าสีเขียวที่เข้มจะตรงกันข้ามกับพวกเขา โดยรวมแล้วมีอักขระ 5 ตัวแสดงอยู่บนผ้าใบ สองคนเล่นเครื่องดนตรี (ไวโอลินและไปป์สองกระบอก) และที่เหลือร้องเพลง คนในรูปทุกคนนิ่งเฉย Matisse ตั้งใจเขียนซิลลูเอทของพวกเขาด้วยเส้นยืดหยุ่นและยืดหยุ่นเพื่อให้ผ้าใบมีจังหวะดนตรี
ศิลปินเองไม่ได้กล่าวถึงการตีความภาพนี้ มีเพียงข้อสันนิษฐานของนักประวัติศาสตร์ศิลป์ ดังนั้นผู้ชมแต่ละคนจึงสามารถตีความคำว่า "นักดนตรี" ของตนเองได้
ภาพวาด "Dance" และ "Musicians" มีความคล้ายคลึงกันใน โทนสีและจำนวนตัวเลขที่แสดง แต่มีความแตกต่างมากมายระหว่างพวกเขา: ใน "การเต้นรำ" มีการแสดง ตัวละครหญิง, ใน "เพลง" - ผู้ชาย ตัวละครใน "Dance" นั้นมีพลัง ในขณะที่ตัวละครใน "Music" นั้นนิ่งและสงบ

A. Matisse "การเต้นรำแบบปารีส" (1831-1933) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (ปารีส)
ในงานนี้ Matisse เป็นคนแรกที่ใช้เทคนิคเดคูพาจ ร่างและชิ้นส่วนของพื้นหลังถูกตัดออกจากแผ่นที่ทาสีด้วย gouache แล้วตรึงเข้ากับฐานตามรูปวาด จากนั้นจิตรกรก็ทาสีบนผืนผ้าใบตามทิศทางของศิลปิน

A. Matisse "บลูนู้ด" (1952) เทคนิคเดคูพาจ 115.5 x 76.5 ซม.

อองรี-เอมิล เบอนัวต์ มาติส ( อองรี มาติส) . เกิดในปี 1869 เมื่อวันที่ 31 ธันวาคมที่ Le Cateau - เสียชีวิตในปี 1954 เมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน ใกล้กับเมือง Nice ใน Cimiez การเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงมาก เขาได้ปฏิวัติประวัติศาสตร์ ต้นกำเนิดและการพัฒนาของประวัติศาสตร์อย่างแท้จริง โดยถือเป็นรูปแบบที่สำคัญของวิจิตรศิลป์ ศิลปินชาวฝรั่งเศสพรรณนาถึงโลกด้วยองค์ประกอบที่เข้าใจได้ง่าย ชัดเจน และชัดเจน ภาพวาดเหล่านี้ไม่มีอะไรฟุ่มเฟือย มีเพียงสิ่งที่ Henri Matisse ต้องการถ่ายทอดให้กับผู้ชมของเขาเท่านั้น นี่คือทั้งหมดของ Fauvism และ Matisse ทั้งหมด

ในปี 1892 Matisse เข้าเรียนที่ Julian Academy ในปารีส ซึ่งเขาเรียนกับ A.V. Bouguereau ด้วยตัวเอง หลังจากเรียนจบตั้งแต่ปี พ.ศ. 2436 ถึง พ.ศ. 2541 เขาทำงานจิตรกรรมในการประชุมเชิงปฏิบัติการของโรงเรียน ศิลปกรรมจี โมโร. Moreau มองเห็นพรสวรรค์ที่แท้จริงในผลงานของศิลปินคนนี้และทำนายอนาคตที่ดีสำหรับเขา ซึ่งเขากลายเป็นฝ่ายถูก ในเวลานี้อองรีคัดลอกภาพวาดของปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมโลกในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์สนใจงานของ Delacroix และอื่น ๆ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2439 เขาเริ่มแสดงผลงานของเขาในร้านเสริมสวย

พ.ศ. 2444 เรียกได้ว่าเป็นปีแห่งการก่อตั้งศิลปิน เขาค่อยๆ เลิกลอกเลียนแบบศิลปินคนอื่นๆ และค้นพบวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับโลกผ่านภาพวาด โดยเฉพาะอย่างยิ่งจานสีของเขาจะจางลงมากซึ่งเป็นเทคนิคพิเศษของการแปรงพู่กันแบบอิมเพรสชั่นนิสม์ ในปี ค.ศ. 1904 อองรี มาติส ได้ลองใช้มือของเขาในการแบ่งแยกและลัทธิชี้จุด สร้างสรรค์ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมหลายชิ้น โดยผสมผสานความทันสมัย ​​อิมเพรสชั่นนิสม์ เข้ากับลักษณะการเขียนแบบประ ในที่สุดเขาก็มาถึง Fauvism ภาพแรกในรูปแบบนี้ที่ผู้ชมเห็นคือ "The Woman in the Green Hat" สิ่งนี้ทำให้เกิดความรู้สึกที่แท้จริงในสภาพแวดล้อมทั้งหมดของจิตรกร นักเลง และนักวิจารณ์ และทำหน้าที่เป็นเงินสดสำหรับการก่อตัวของประเภทใหม่ ในศิลปะของ Fauvism เขาได้รับความช่วยเหลือไม่เพียง แต่จากรูปแบบการวาดภาพแบบยุโรปเท่านั้น แต่ยังได้รับความช่วยเหลือจากประติมากรรมของแอฟริกา (ซึ่งโดยวิธีการทำหน้าที่เป็นจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม) งานแกะสลักไม้แบบญี่ปุ่นและศิลปะการตกแต่งแบบอาหรับ

อาจเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ เต้นรำ. ปัจจุบันมีอยู่ในสองเวอร์ชัน ภาพหนึ่งแขวนอยู่ในอาศรมในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ภาพที่มีชื่อเสียงที่สุด) ภาพที่สองในนิวยอร์กที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ การเต้นรำถูกสร้างขึ้นในปี 1910 ผืนผ้าใบนี้ถูกสร้างขึ้นโดย Henri Matisse สำหรับคฤหาสน์มอสโกของ S.I. Shchukin ก่อนส่งภาพวาดให้กับลูกค้า เขาได้จัดแสดงที่ Salon d'Automne ในปารีส ภาพไม่เข้าใจและเยาะเย้ยศิลปินถูกเรียกว่าสร้างขยะที่เสื่อมโทรม ฯลฯ คนเปลือยกายห้าคนบนเนินเขาถูกวาดด้วยสามสีเท่านั้น - เขียว, น้ำเงินและแดง เมื่อเวลาผ่านไป งานเต้นรำบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่กลายเป็นงานที่โดดเด่นและสำคัญที่สุดงานหนึ่งของมาติส

คุณต้องการการขนส่งของเก่าหรือโบราณวัตถุคุณภาพสูงหรือไม่? การขนส่งทรัพย์สินทางวัฒนธรรมจาก บริษัท "Ulex" จะช่วยคุณได้ ผลงานของผู้เชี่ยวชาญการใช้งานพิเศษ วัสดุบรรจุภัณฑ์,ขนส่งอย่างระมัดระวังโดยไม่เสี่ยงของเสียหายของมีค่า.

ภาพเหมือนตนเอง

ภาษาอิตาลี

ผู้หญิงในหมวก

ห้องสีแดง

ปลาแดง

เวิร์คช็อปของศิลปิน

Odalisque ในชุดกางเกงสีแดง

จตุรัสในแซ็ง-ทรอเป

ยกเข่า

ภาพเหมือนของ Delectorskaya