โอเปร่าหรือแจ๊ส แจ๊ส: คืออะไร (คำจำกัดความ) ประวัติความเป็นมา บ้านเกิดของแจ๊ส

วิญญาณสวิง?

ทุกคนคงรู้ว่าองค์ประกอบในสไตล์นี้ฟังดูเป็นอย่างไร ประเภทนี้เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกาและเป็นการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป เพลงที่น่าทึ่งดึงดูดความสนใจในทันที พบแฟนๆ และแพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว

เป็นการยากที่จะถ่ายทอดค็อกเทลดนตรีแจ๊สเนื่องจากเป็นการผสมผสาน:

• ดนตรีสดและสดใส;
• จังหวะอันเป็นเอกลักษณ์ของกลองแอฟริกัน
• เพลงสวดของคริสตจักรแบ๊บติสต์หรือโปรเตสแตนต์

แจ๊สในดนตรีคืออะไร? เป็นการยากมากที่จะให้คำจำกัดความของแนวคิดนี้เนื่องจากเมื่อแรกเห็นแรงจูงใจที่เข้ากันไม่ได้นั้นฟังในตอนแรกซึ่งมีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกันทำให้โลกมีดนตรีที่ไม่เหมือนใคร

ลักษณะเฉพาะ

ลักษณะของแจ๊สคืออะไร? จังหวะแจ๊สคืออะไร? และคุณสมบัติของเพลงนี้คืออะไร? คุณสมบัติที่โดดเด่นของสไตล์คือ:

• บางจังหวะ;
• ระลอกคลื่นคงที่ของบิต;
• ชุดจังหวะ;
• ด้นสด

ช่วงดนตรีของสไตล์นี้มีสีสัน สดใส และกลมกลืนกัน มันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าเสียงต่ำหลายตัวที่รวมกัน สไตล์นี้มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานอันเป็นเอกลักษณ์ของด้นสดกับท่วงทำนองที่คิดไว้ล่วงหน้า การแสดงด้นสดสามารถทำได้โดยศิลปินเดี่ยวหรือนักดนตรีหลายคนในวงดนตรี สิ่งสำคัญคือเสียงโดยรวมมีความชัดเจนและเป็นจังหวะ

ประวัติศาสตร์แจ๊ส

ทิศทางดนตรีนี้ได้พัฒนาและก่อตัวขึ้นตลอดศตวรรษ แจ๊สเกิดขึ้นจากส่วนลึกของวัฒนธรรมแอฟริกัน ในฐานะที่เป็นทาสผิวดำซึ่งถูกนำจากแอฟริกามาที่อเมริกาเพื่อทำความเข้าใจซึ่งกันและกัน เรียนรู้ที่จะเป็นหนึ่งเดียว และด้วยเหตุนี้ พวกเขาจึงสร้างศิลปะดนตรีชิ้นเดียว

การแสดงท่วงทำนองของแอฟริกามีลักษณะการเต้นและการใช้จังหวะที่ซับซ้อน พวกเขาทั้งหมดพร้อมกับท่วงทำนองบลูส์ตามปกติสร้างพื้นฐานสำหรับการสร้างใหม่อย่างสมบูรณ์ ศิลปะดนตรี.

กระบวนการทั้งหมดของการผสมผสานวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปเข้าไว้ด้วยกัน แจ๊สอาร์ตเริ่มด้วย ปลาย XVIIIต่อเนื่องตลอดศตวรรษที่ 19 และเมื่อปลายศตวรรษที่ 20 เท่านั้นที่นำไปสู่การเกิดขึ้นของทิศทางใหม่ทางดนตรีอย่างสมบูรณ์

แจ๊สปรากฏเมื่อใด แจ๊สฝั่งตะวันตกคืออะไร? คำถามค่อนข้างคลุมเครือ ทิศทางนี้ปรากฏในตอนใต้ของสหรัฐอเมริกาในนิวออร์ลีนส์ประมาณปลายศตวรรษที่สิบเก้า

ระยะเริ่มต้นของการเกิดขึ้น ดนตรีแจสโดดเด่นด้วยการแสดงด้นสดและทำงานเหมือนกัน ดนตรีประกอบ. บรรเลงโดยนักเป่าทรัมเป็ตหลัก นักเล่นทรอมโบนและคลาริเน็ตร่วมกับเครื่องเคาะจังหวะ เครื่องดนตรีกับพื้นหลังของเพลงเดินขบวน

สไตล์พื้นฐาน

ประวัติของดนตรีแจ๊สเริ่มขึ้นเมื่อนานมาแล้วและจากการพัฒนาทิศทางดนตรีนี้ทำให้หลายคน หลากหลายสไตล์. ตัวอย่างเช่น:

• แจ๊สโบราณ;
• บลูส์;
• วิญญาณ;
• วิญญาณแจ๊ส;
• ขี้;
• ดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์;
• เสียง;
• แกว่ง.

แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สได้ทิ้งรอยประทับขนาดใหญ่ไว้ในรูปแบบของทิศทางดนตรีนี้ ประเภทแรกและดั้งเดิมที่สร้างโดยวงดนตรีขนาดเล็กคือดนตรีแจ๊สโบราณ ดนตรีถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของด้นสดในธีมบลูส์ เช่นเดียวกับเพลงและการเต้นรำของยุโรป

บลูส์ถือได้ว่าเป็นทิศทางที่ค่อนข้างมีลักษณะเฉพาะ ทำนองที่มีพื้นฐานมาจากจังหวะที่ชัดเจน แนวเพลงที่หลากหลายนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยทัศนคติที่เห็นอกเห็นใจและการยกย่องจากความรักที่สูญเสียไป ในเวลาเดียวกัน อารมณ์ขันที่เบาบางสามารถติดตามได้ในข้อความ ดนตรีแจ๊สหมายถึงการเต้นบรรเลงชนิดหนึ่ง

ดนตรีนิโกรแบบดั้งเดิมคือทิศทางของจิตวิญญาณ ซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับประเพณีบลูส์ เสียงดนตรีแจ๊สแบบนิวออร์ลีนส์ที่น่าสนใจค่อนข้างโดดเด่นด้วยจังหวะสองจังหวะที่แม่นยำมากรวมถึงการมีท่วงทำนองที่แยกจากกันหลายเพลง ทิศทางนี้มีลักษณะเฉพาะจากข้อเท็จจริงที่ว่าหัวข้อหลักซ้ำหลายครั้งในรูปแบบต่างๆ

ในประเทศรัสเซีย

แจ๊สเป็นที่นิยมมากในประเทศของเราในช่วงทศวรรษที่ 1930 ดนตรีบลูส์และจิตวิญญาณคืออะไร นักดนตรีโซเวียตเรียนรู้ในวัยสามสิบ ทัศนคติของเจ้าหน้าที่ที่มีต่อทิศทางนี้เป็นไปในเชิงลบมาก ในขั้นต้น นักแสดงแจ๊สไม่ได้ถูกห้าม อย่างไรก็ตาม มีการวิพากษ์วิจารณ์ค่อนข้างรุนแรงเกี่ยวกับทิศทางดนตรีนี้ว่าเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมตะวันตกทั้งหมด

ปลายยุค 40 วงดนตรีแจ๊สถูกข่มเหง เมื่อเวลาผ่านไป การปราบปรามนักดนตรีหยุดลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป

ข้อเท็จจริงแจ๊สที่น่าสนใจและน่าสนใจ

แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคืออเมริกาที่มีความหลากหลาย สไตล์ดนตรี. เป็นครั้งแรกที่เพลงนี้ปรากฏท่ามกลางตัวแทนชาวแอฟริกันที่ถูกกดขี่และไม่ได้รับสิทธิ์ซึ่งถูกบังคับพรากจากบ้านเกิดของพวกเขา ในช่วงเวลาพักผ่อนที่หายาก ทาสจะร้องเพลงพื้นเมืองพร้อมกับปรบมือ เนื่องจากพวกเขาไม่มีเครื่องดนตรี

ในตอนแรกมันเป็นเพลงแอฟริกันที่แท้จริง อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป มันเปลี่ยนไป และแรงจูงใจของเพลงสวดของคริสเตียนก็ปรากฏขึ้น ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 เพลงอื่น ๆ ปรากฏขึ้นซึ่งมีการประท้วงและร้องเรียนเกี่ยวกับชีวิตของพวกเขา เพลงดังกล่าวเริ่มถูกเรียกว่าบลูส์

คุณสมบัติหลักของแจ๊สคือจังหวะอิสระและอิสระอย่างสมบูรณ์ในสไตล์ไพเราะ นักดนตรีแจ๊สต้องสามารถด้นสดเป็นรายบุคคลหรือเป็นกลุ่มได้

ตั้งแต่เริ่มก่อตั้งในเมืองนิวออร์ลีนส์ ดนตรีแจ๊สได้ผ่านเส้นทางที่ค่อนข้างยาก มันแพร่กระจายครั้งแรกในอเมริกาและจากนั้นไปทั่วโลก

ศิลปินแจ๊สชั้นนำ

แจ๊สเป็นดนตรีประเภทพิเศษที่เต็มไปด้วยความเฉลียวฉลาดและความหลงใหลที่ไม่ธรรมดา เธอไม่รู้ขอบเขตและขอบเขต นักดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงสามารถเติมชีวิตชีวาให้กับดนตรีและเติมพลังให้กับมันได้อย่างแท้จริง

ที่มีชื่อเสียงมากที่สุด นักดนตรีแจ๊สถือว่าหลุยส์ อาร์มสตรอง ผู้ซึ่งได้รับการเคารพจากสไตล์ที่มีชีวิตชีวา ความมีคุณธรรม ความเฉลียวฉลาด อิทธิพลของอาร์มสตรองที่มีต่อดนตรีแจ๊สนั้นมีค่ามาก อย่างที่เขาเป็น นักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเวลาทั้งหมด.

Duke Ellington มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในทิศทางนี้ ในขณะที่เขาใช้กลุ่มดนตรีของเขาเป็นห้องทดลองดนตรีสำหรับการทดลอง ตลอดอายุขัยของพระองค์ กิจกรรมสร้างสรรค์เขาเขียนเรียงความที่เป็นต้นฉบับและไม่เหมือนใครมากมาย

ในช่วงต้นทศวรรษ 80 Wynton Marsalis กลายเป็นผู้ค้นพบที่แท้จริง เนื่องจากเขาชอบเล่นอะคูสติกแจ๊ส ซึ่งสร้างความกระฉับกระเฉงและกระตุ้นความสนใจในดนตรีแนวใหม่นี้

แจ๊ส - รูปแบบของศิลปะดนตรีที่เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกาในนิวออร์ลีนส์อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปและต่อมาก็แพร่หลาย ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือเพลงบลูส์และชาวแอฟริกันอเมริกันอื่นๆ ดนตรีพื้นบ้าน. ลักษณะเด่นภาษาดนตรีของแจ๊สเดิมทีเป็นด้นสด โพลีริธึมที่อิงตามจังหวะที่ซิงโครไนซ์ และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงเท็กซ์เจอร์จังหวะ - วงสวิง การพัฒนาแจ๊สเพิ่มเติมเกิดขึ้นจากการพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิกใหม่โดยนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส แจ๊สฟรายส์คือ: แจ๊สเปรี้ยวจี๊ด, บี๊บ, แจ๊สคลาสสิค, เจ๋ง, โมดัลแจ๊ส, สวิง, สมูทแจ๊ส, โซลแจ๊ส, ฟรีแจ๊ส, ฟิวชั่น, ฮาร์ดบ็อบและอื่น ๆ อีกมากมาย

ประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊ส

Wilex College Jazz Band, เท็กซัส

แจ๊สเกิดขึ้นจากการผสมผสานของวัฒนธรรมดนตรีที่หลากหลายและ ประเพณีประจำชาติ. เดิมทีมันมาจากแอฟริกา ดนตรีแอฟริกันทุกเพลงมีลักษณะเป็นจังหวะที่ซับซ้อนมาก ดนตรีมักมาพร้อมกับการเต้นรำซึ่งกระทืบและปรบมืออย่างรวดเร็ว บนพื้นฐานนี้เมื่อปลายศตวรรษที่ 19 มีแนวดนตรีอีกประเภทหนึ่งเกิดขึ้น - แร็กไทม์ ต่อจากนั้นจังหวะของแร็กไทม์รวมกับองค์ประกอบของบลูส์ทำให้เกิดทิศทางดนตรีแนวใหม่ - แจ๊ส

เพลงบลูส์ถือกำเนิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดยผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันกับความกลมกลืนแบบยุโรป แต่ควรแสวงหาต้นกำเนิดของมันตั้งแต่ตอนที่ทาสถูกนำจากแอฟริกามายังโลกใหม่ ทาสที่นำมาไม่ได้มาจากตระกูลเดียวกันและมักจะไม่เข้าใจกันด้วยซ้ำ ความจำเป็นในการรวมเป็นหนึ่งนำไปสู่การรวมกันของหลายวัฒนธรรมและเป็นผลให้เกิดการ วัฒนธรรมทั่วไป(รวมถึงดนตรี) ชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมแอฟริกัน วัฒนธรรมดนตรีและยุโรป (ซึ่งได้รับการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในโลกใหม่ด้วย) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเกิดขึ้นของ "โปรโต-แจ๊ส" และจากนั้นแจ๊สในความหมายที่ยอมรับกันโดยทั่วไป แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือ American South และโดยเฉพาะอย่างยิ่งนิวออร์ลีนส์
จำนำ เยาวชนนิรันดร์แจ๊ส - ด้นสด
ลักษณะเฉพาะของสไตล์คือการแสดงที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของนักดนตรีแจ๊ส กุญแจสู่เยาวชนนิรันดร์ของดนตรีแจ๊สคือการด้นสด หลังจากการปรากฏตัวของนักแสดงฝีมือเยี่ยมที่ใช้ชีวิตทั้งชีวิตในจังหวะดนตรีแจ๊สและยังคงเป็นตำนาน - หลุยส์ อาร์มสตรอง ศิลปะการแสดงแจ๊สได้เปิดโลกทัศน์ที่ไม่ธรรมดาให้กับตัวเอง: การแสดงเดี่ยวหรือร้องเดี่ยวกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงทั้งหมด ที่เปลี่ยนความคิดของดนตรีแจ๊สไปอย่างสิ้นเชิง แจ๊สไม่ได้มีแค่อย่างเดียว บางชนิด การแสดงดนตรีแต่ยังเป็นยุคที่ร่าเริงไม่ซ้ำแบบใคร

นิวออร์ลีนส์แจ๊ส

คำว่า นิวออร์ลีนส์ มักใช้เพื่ออธิบายลักษณะของนักดนตรีที่เล่นดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึงปี 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีชาวนิวออร์ลีนส์ที่เล่นในชิคาโกและบันทึกเสียงจากราวปี 1917 ถึงปี 1920 ช่วงเวลาแห่งประวัติศาสตร์แจ๊สนี้เรียกอีกอย่างว่ายุคแจ๊ส และแนวคิดนี้ยังใช้เพื่ออธิบายเพลงที่เล่นในรูปแบบต่างๆ ยุคประวัติศาสตร์ตัวแทนของการฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ผู้ปรารถนาที่จะเล่นดนตรีแจ๊สในสไตล์เดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนนิวออร์ลีนส์

คติชนวิทยาและดนตรีแจ๊สของชาวแอฟริกันอเมริกันได้แยกทางกันตั้งแต่เปิด Storyville ซึ่งเป็นย่านโคมแดงในนิวออร์ลีนส์ที่ขึ้นชื่อเรื่องสถานบันเทิง ผู้ที่ต้องการความสนุกสนานและสนุกสนานที่นี่กำลังรอโอกาสที่เย้ายวนใจมากมายจากฟลอร์เต้นรำ คาบาเร่ต์ วาไรตี้โชว์ ละครสัตว์ บาร์และร้านอาหาร และทุกที่ในสถาบันเหล่านี้ เสียงเพลงก็ดังขึ้น และนักดนตรีที่เชี่ยวชาญในดนตรีที่เชื่อมประสานกันแบบใหม่ก็สามารถหางานทำได้ ด้วยการเติบโตของจำนวนนักดนตรีที่ทำงานอย่างมืออาชีพในสถานบันเทิงของ Storyville จำนวนวงโยธวาทิตและวงดนตรีข้างถนนลดลงและแทนที่จะเป็นวงดนตรีที่เรียกว่า Storyville ตระการตาการรวมตัวกันทางดนตรีที่มีความเฉพาะตัวมากขึ้น เมื่อเทียบกับการเล่นของวงดนตรีทองเหลือง การประพันธ์เพลงเหล่านี้ มักเรียกกันว่า "วงออร์เคสตราคำสั่งผสม" และกลายเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์แจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ ระหว่างปี 1910 ถึง 1917 ไนท์คลับของ Storyville กลายเป็นสถานที่ที่สมบูรณ์แบบ สิ่งแวดล้อมสำหรับแจ๊ส
ระหว่างปี 1910 ถึง 1917 ไนท์คลับของ Storyville กลายเป็นสถานที่ในอุดมคติสำหรับดนตรีแจ๊ส
พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

หลังจากปิด Storyville แจ๊สจากแคว้น ประเภทพื้นบ้านเริ่มเปลี่ยนเป็นทิศทางดนตรีระดับประเทศ แผ่ขยายไปยังจังหวัดทางภาคเหนือและภาคตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการปิดกิจการบันเทิงเพียงไตรมาสเดียวไม่สามารถสนับสนุนการกระจายอย่างกว้างขวางได้ พร้อมกับนิวออร์ลีนส์ในการพัฒนาแจ๊ส สำคัญมากเซนต์หลุยส์ แคนซัสซิตี้ และเมมฟิสเล่นตั้งแต่เริ่มต้น Ragtime เกิดในเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 จากนั้นจึงแพร่กระจายไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี พ.ศ. 2433-2446

ในอีกทางหนึ่ง การแสดงของนักร้องประสานเสียงที่มีภาพโมเสกของนิทานพื้นบ้านแอฟริกัน-อเมริกันตั้งแต่จิ๊กไปจนถึงแร็กไทม์ แพร่กระจายอย่างรวดเร็วและเป็นจุดเริ่มต้นของดนตรีแจ๊ส ดาราแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นการเดินทางของพวกเขาในการแสดงดนตรี ก่อนที่ Storyville จะปิดทำการ นักดนตรีในนิวออร์ลีนส์ได้ออกทัวร์ร่วมกับคณะที่เรียกกันว่า "vaudeville" Jelly Roll Morton จากปี 1904 ออกทัวร์เป็นประจำใน Alabama, Florida, Texas จาก 1,914 เขามีสัญญาที่จะดำเนินการในชิคาโก. ในปีพ.ศ. 2458 เขาย้ายไปชิคาโกและวง White Dixieland Orchestra ของทอม บราวน์ ทัวร์ชมเพลงหลักในชิคาโกยังจัดโดยวงดนตรี Creole Band ที่มีชื่อเสียง นำโดย Freddie Keppard ผู้เล่นชาวเมืองนิวออร์ลีนส์ เมื่อแยกจากวง Olympia Band ครั้งหนึ่งศิลปินของ Freddie Keppard แล้วในปี 1914 ก็ประสบความสำเร็จในการแสดงใน โรงละครที่ดีที่สุดชิคาโกและได้รับข้อเสนอให้บันทึกเสียงการแสดงก่อนวงดนตรีแจ๊สดั้งเดิมของ Dixieland ซึ่ง Freddie Keppard ปฏิเสธด้วยสายตาสั้น ขยายอาณาเขตที่ครอบคลุมโดยอิทธิพลของดนตรีแจ๊สอย่างมีนัยสำคัญ วงออเคสตราที่เล่นบนเรือกลไฟเพื่อความสุขที่แล่นไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้

เนื่องจาก ปลายXIXศตวรรษ การเดินทางในแม่น้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์ปอลกลายเป็นที่นิยม ครั้งแรกในช่วงสุดสัปดาห์ และต่อมาตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 ออร์เคสตราของนิวออร์ลีนส์ได้แสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ ดนตรีได้กลายเป็นความบันเทิงที่น่าดึงดูดที่สุดสำหรับผู้โดยสารในระหว่างการทัวร์แม่น้ำ ในวงออเคสตราวงใดวงหนึ่ง ซูเกอร์ จอห์นนี่ ภรรยาในอนาคตของหลุยส์ อาร์มสตรอง ลิล ฮาร์ดิน นักเปียโนแจ๊สคนแรกของวงได้เริ่มต้นขึ้น วงดนตรีเรือข้ามฟากของนักเปียโนอีกคนหนึ่งชื่อ Faiths Marable นำเสนอดาวแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ในอนาคตมากมาย

เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะหยุดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งวงออเคสตราจัดคอนเสิร์ตสำหรับประชาชนในท้องถิ่น เป็นคอนเสิร์ตที่เปิดตัวอย่างสร้างสรรค์สำหรับ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และอีกหลายคน เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งไปตามมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี้ ในเมืองนี้ ที่ซึ่งต้องขอบคุณรากฐานที่แข็งแกร่งของคติชนชาวแอฟริกันอเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้น การเล่นดนตรีแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ที่เก่งกาจจึงพบสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ในตอนต้นของทศวรรษที่ 1920 ชิคาโกได้กลายเป็นศูนย์กลางหลักในการพัฒนาดนตรีแจ๊ส ซึ่งด้วยความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงมีการสร้างสไตล์ที่ได้รับชื่อเล่นว่าแจ๊สชิคาโก

วงใหญ่

วงดนตรีบิ๊กแบนด์สุดคลาสสิกที่เป็นที่รู้จักในวงการแจ๊สตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษ 1920 แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงปลายทศวรรษที่ 1940 นักดนตรีที่เข้าสู่วงดนตรีใหญ่ส่วนใหญ่มักจะเล่นเป็นส่วนที่ชัดเจนไม่ว่าจะเรียนในการซ้อมหรือจากโน้ต การประสานกันอย่างระมัดระวัง ร่วมกับส่วนเครื่องเป่าลมทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าไม้ ทำให้เกิดเสียงดนตรีแจ๊สที่สมบูรณ์ และสร้างเสียงที่ดังเร้าใจจนกลายเป็นที่รู้จักในนาม "เสียงวงดนตรีขนาดใหญ่"

บิ๊กแบนด์กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น โดยถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษ 1930 เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้การเต้นสวิง หัวหน้าวงดนตรีแจ๊สชื่อดังอย่าง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet เรียบเรียงหรือเรียบเรียงและบันทึกในขบวนพาเหรดเพลงฮิตที่ฟังแล้วไม่ใช่แค่เพียง ทางวิทยุและทุกที่ในห้องเต้นรำ วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงได้อวดนักด้นเดี่ยว-โซโล ซึ่งนำผู้ชมเข้าสู่สภาวะที่ใกล้กับฮิสทีเรียในระหว่าง "การต่อสู้ของวงออเคสตรา" ที่โด่งดัง
วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงแสดงการแสดงเดี่ยวของพวกเขาซึ่งนำผู้ชมไปสู่สภาวะที่ใกล้เคียงกับฮิสทีเรีย
แม้ว่าวงใหญ่ๆ จะลดความนิยมลงหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 แต่วงออร์เคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และวงอื่นๆ อีกมากมายได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงสองสามทศวรรษข้างหน้า ดนตรีของพวกเขาค่อยๆ เปลี่ยนแปลงไปภายใต้อิทธิพลของกระแสใหม่ๆ กลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดยบอยด์ ไรเบิร์น, ซัน รา, โอลิเวอร์ เนลสัน, ชาร์ลส์ มิงกัส, แธด โจนส์-มอล ลูอิส ได้สำรวจแนวคิดใหม่ในด้านความกลมกลืน เครื่องมือวัด และเสรีภาพในการแสดงด้นสด ทุกวันนี้ วงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออร์เคสตราละครเช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble เล่นการเรียบเรียงดั้งเดิมของการประพันธ์เพลงบิ๊กแบนด์เป็นประจำ

แจ๊สตะวันออกเฉียงเหนือ

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 เพลงนี้ก็ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อนักเป่าแตร Louis Armstrong ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวปฏิวัติใหม่ในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์แจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์กซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นานก็เป็นกระแสของนักดนตรีแจ๊สที่เคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องจากทางใต้สู่ทางเหนือ

หลุยส์ อาร์มสตรอง

ชิคาโกนำเพลงของนิวออร์ลีนส์มาทำให้ร้อนแรง โดยไม่ได้เพิ่มความเข้มข้นด้วยความพยายามเพียงอย่างเดียว วงดนตรีที่มีชื่อเสียง Hot Five และ Hot Seven ของ Armstrong แต่เรื่องอื่นๆ เช่นกัน รวมถึงปรมาจารย์อย่าง Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งแก๊ง Austin High School ได้ช่วยชุบชีวิตนิวออร์ลีนส์ ท่ามกลางชาวชิคาโกที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ที่ผลักดันขอบเขตของความคลาสสิก สไตล์แจ๊สนิวออร์ลีนส์มีทั้งนักเปียโน Art Hodes, มือกลอง Barrett Deems และนักชลาริเน็ต Benny Goodman อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งย้ายไปนิวยอร์คในที่สุด ได้สร้างมวลชนที่สำคัญขึ้นที่นั่น ซึ่งช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแจ๊สที่แท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์กลางของการบันทึกเสียงเป็นหลักในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่จัดแสดงดนตรีแจ๊สชั้นนำ โดยมีสโมสรในตำนานมากมาย เช่น Minton Playhouse, Cotton Club, the Savoy และ Village Vanguard และ เช่นเดียวกับสนามกีฬาเช่น Carnegie Hall

สไตล์แคนซัสซิตี้

ในช่วงยุค Great Depression and Prohibition ดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้ได้กลายเป็นนครแห่งดนตรีแจ๊สแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 และ 1930 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตี้มีลักษณะเฉพาะด้วยเพลงบลูส์ที่บรรเลงโดยวงดนตรีทั้งวงใหญ่และวงสวิงขนาดเล็กซึ่งแสดงให้เห็นถึงการโซโลที่มีพลังมากซึ่งดำเนินการสำหรับผู้อุปถัมภ์ร้านเหล้าที่มีการขายสุราอย่างผิดกฎหมาย ในผับเหล่านี้เองที่รูปแบบของเคาท์เบซีผู้ยิ่งใหญ่ตกผลึก โดยเริ่มจากแคนซัสซิตีร่วมกับวงออเคสตราของวอลเตอร์ เพจ และต่อมากับเบนนี่ โมเต็น ออเคสตร้าทั้งสองนี้เป็นตัวแทนของสไตล์แคนซัสซิตี้ตามแบบฉบับ ซึ่งมีพื้นฐานมาจากรูปแบบเฉพาะของบลูส์ ที่เรียกว่า "เออร์บันบลูส์" และเกิดขึ้นจากการเล่นของออเคสตราข้างต้น ฉากดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้ยังโดดเด่นด้วยกาแล็กซี่ทั้งหมด ปรมาจารย์ที่โดดเด่นเสียงร้องบลูส์ เป็นที่รู้จักในฐานะ "ราชา" ซึ่งเป็นศิลปินเดี่ยวของ Count Basie Orchestra นักร้องบลูส์ชื่อดัง Jimmy Rushing ชาร์ลี ปาร์คเกอร์ นักแซ็กโซโฟนอัลโตที่มีชื่อเสียง ซึ่งเกิดในแคนซัสซิตี้ เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก เขาใช้ "ชิป" บลูส์ที่มีลักษณะเฉพาะอย่างแพร่หลายซึ่งเขาได้เรียนรู้จากออร์เคสตราของแคนซัสซิตี และต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในจุดเริ่มต้นในการทดลองบอปเปอร์ ในทศวรรษที่ 1940

แจ๊สฝั่งตะวันตก

ศิลปินที่ถูกจับโดยขบวนการแจ๊สสุดเจ๋งในทศวรรษ 1950 ได้ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแองเจลิส นักแสดงจากลอสแองเจลิสเหล่านี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Nonet Miles Davis ได้พัฒนาสิ่งที่เป็นที่รู้จักในชื่อ West Coast Jazz แจ๊สฝั่งตะวันตกนั้นนุ่มนวลกว่าเสียงบี๊บที่โกรธจัดก่อนหน้านี้มาก แจ๊สฝั่งตะวันตกส่วนใหญ่ได้รับการเขียนออกมาอย่างละเอียด เส้นแบ่งแยกที่มักใช้ในองค์ประกอบเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นส่วนหนึ่งของอิทธิพลของยุโรปที่แทรกซึมเข้าไปในดนตรีแจ๊ส อย่างไรก็ตาม เพลงนี้เหลือพื้นที่มากมายสำหรับการด้นสดเดี่ยวเชิงเส้นแบบยาวๆ แม้ว่า West Coast Jazz จะทำการแสดงเป็นหลักในสตูดิโอบันทึกเสียง คลับต่างๆ เช่น Lighthouse ใน Hermosa Beach และ Haig ใน Los Angeles มักมีการแสดงระดับมาสเตอร์ ซึ่งรวมถึงนักเป่าแตร Shorty Rogers, นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Shenk, มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffrey .

การแพร่กระจายของแจ๊ส

แจ๊สได้กระตุ้นความสนใจของนักดนตรีและผู้ฟังทั่วโลกเสมอมาโดยไม่คำนึงถึงสัญชาติของพวกเขา พอเพียงที่จะติดตามผลงานยุคแรกๆ ของนักเป่าแตร Dizzy Gillespie และการสังเคราะห์ประเพณีแจ๊สของเขากับดนตรีคิวบาสีดำในทศวรรษที่ 1940 หรือหลังจากนั้น การผสมผสานของแจ๊สกับดนตรีญี่ปุ่น ยูเรเซียน และตะวันออกกลาง ซึ่งมีชื่อเสียงในผลงานของนักเปียโน Dave Brubeck เช่น รวมไปถึงนักประพันธ์เพลงยอดเยี่ยมและหัวหน้าวงแจ๊ส - วงดุริยางค์ของ Duke Ellington ที่ผสมผสานกัน มรดกทางดนตรีแอฟริกา ละตินอเมริกา และตะวันออกไกล

Dave Brubeck

แจ๊สซึมซับอย่างต่อเนื่องและไม่เพียง แต่ประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น เช่น เมื่อศิลปินต่างๆ เริ่มทดลองงานด้วย องค์ประกอบทางดนตรีอินเดีย. ตัวอย่างของความพยายามนี้สามารถได้ยินในการบันทึกของ Paul Horn นักตีกลองที่ทัชมาฮาลหรือในกระแสของ "ดนตรีโลก" ที่แสดงตัวอย่างเช่นโดยวงดนตรี Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin ซึ่งเดิมมีพื้นฐานมาจากดนตรีแจ๊สเป็นส่วนใหญ่ เริ่มใช้เครื่องมือใหม่ๆ ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla ในระหว่างที่เขาทำงานกับ Shakti จังหวะที่บรรเจิดขึ้นและรูปแบบของ Raga ของอินเดียก็ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลาย
ในขณะที่โลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สก็ได้รับอิทธิพลอย่างต่อเนื่องจากประเพณีดนตรีอื่นๆ
Art Ensembleชิคาโก (The Art Ensemble of Chicago) เป็นผู้บุกเบิกยุคแรกในการผสมผสานรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส โลกหลังทำความรู้จักนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลง John Zorn และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอก Masada Orchestra ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้นักดนตรีแจ๊สทั้งกลุ่ม เช่น มือคีย์บอร์ด John Medeski ซึ่งบันทึกเสียงร่วมกับนักดนตรีแอฟริกัน Salif Keita, Marc Ribot นักกีตาร์ และมือเบส Anthony Coleman นักเป่าแตร Dave Douglas นำอิทธิพลของบอลข่านมาสู่ดนตรีของเขาด้วยแรงบันดาลใจ ขณะที่ชาวเอเชีย-อเมริกัน แจ๊สออร์เคสตรา(วงแจ๊สออร์เคสตราเอเชีย-อเมริกัน) เป็นผู้นำการบรรจบกันของแจ๊สและเอเชียน รูปแบบดนตรี. ในขณะที่โลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สก็ได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีอื่น ๆ อย่างต่อเนื่อง โดยจัดหาอาหารสำหรับผู้ใหญ่สำหรับการวิจัยในอนาคต และพิสูจน์ให้เห็นว่าแจ๊สเป็นดนตรีสากลอย่างแท้จริง

แจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

ครั้งแรกในวงดนตรีแจ๊ส RSFSR ของ Valentin Parnakh

วงการแจ๊สมีต้นกำเนิดในสหภาพโซเวียตในปี ค.ศ. 1920 พร้อม ๆ กับความรุ่งเรืองในสหรัฐอเมริกา วงดนตรีแจ๊สวงแรกใน โซเวียต รัสเซียถูกสร้างขึ้นในมอสโกในปี 1922 โดยกวี นักแปล นักเต้น นักแสดงละครเวที วาเลนติน ปาร์นัค และถูกเรียกว่า "วงออร์เคสตราแจ๊สนอกรีตวงแรกของ Valentin Parnakh ใน RSFSR" วันเกิดของแจ๊สรัสเซียถือเป็นวันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 เมื่อคอนเสิร์ตครั้งแรกของกลุ่มนี้เกิดขึ้น วงออเคสตราของนักเปียโนและนักแต่งเพลง Alexander Tsfasman (มอสโก) ถือเป็นวงดนตรีแจ๊สมืออาชีพกลุ่มแรกที่จะแสดงบนอากาศและบันทึกแผ่นดิสก์

วงดนตรีแจ๊สยุคต้นของสหภาพโซเวียตเชี่ยวชาญในการแสดงนาฏศิลป์ที่ทันสมัย ​​(foxtrot, Charleston) ใน จิตสำนึกมวลดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 1930 ส่วนใหญ่มาจากวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร Ya. B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วม "Merry Fellows" (1934) อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของ นักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่สอดคล้องกัน (แต่งโดย Isaak Dunaevsky) Utyosov และ Skomorovsky ได้สร้างรูปแบบดั้งเดิมของ "tea-jazz" (การแสดงละครแจ๊ส) โดยอาศัยส่วนผสมของดนตรีกับโรงละคร โอเปร่า จำนวนเสียงร้อง และองค์ประกอบของการแสดงมีบทบาทอย่างมากในนั้น มีส่วนสำคัญในการพัฒนา แจ๊สโซเวียตสนับสนุนโดย Eddie Rosner นักแต่งเพลง นักดนตรี และหัวหน้าวง หลังจากเริ่มต้นอาชีพในเยอรมนี โปแลนด์ และประเทศในยุโรปอื่น ๆ Rozner ย้ายไปที่สหภาพโซเวียตและกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียตและผู้ริเริ่มดนตรีแจ๊สเบลารุส
ในจิตสำนึกมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 1930
ทัศนคติของเจ้าหน้าที่โซเวียตต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามปกติแล้ว นักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิจารณ์ดนตรีแจ๊สที่รุนแรงเช่นนี้แพร่หลายไปทั่วในบริบทของการวิจารณ์วัฒนธรรมตะวันตกโดยทั่วไป ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ในระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตประสบกับช่วงเวลาที่ยากลำบากโดยเฉพาะเมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกกดขี่ข่มเหง เมื่อเริ่ม "ละลาย" การปราบปรามนักดนตรีก็หยุดลง แต่การวิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป จากการวิจัยของศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอเมริกัน เพนนี แวน เอสเชน กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธในอุดมคติเพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียตและต่อต้านการขยายอิทธิพลของสหภาพโซเวียตในประเทศโลกที่สาม ในยุค 50 และ 60 ในมอสโกวงออเคสตราของ Eddie Rozner และ Oleg Lundstrem กลับมาทำกิจกรรมอีกครั้ง มีการแต่งเพลงใหม่ ซึ่งวงออเคสตราของ Iosif Weinstein (เลนินกราด) และ Vadim Ludvikovsky (มอสโก) รวมถึง Riga Variety Orchestra (REO) โดดเด่น

วงบิ๊กแบนด์ได้นำเอานักเรียบเรียงที่มีความสามารถและนักด้นเดี่ยวมาสู่กาแล็กซี ซึ่งผลงานของเขาได้นำแจ๊สของโซเวียตไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพและทำให้มันใกล้เคียงกับมาตรฐานโลกมากขึ้น ในหมู่พวกเขามี Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin การพัฒนาแชมเบอร์และคลับแจ๊สในสไตล์ที่หลากหลายเริ่มต้นขึ้น (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, เยอรมัน Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Brill, Leonid Chizhik เป็นต้น)

แจ๊สคลับ "บลูเบิร์ด"

ปรมาจารย์แจ๊สโซเวียตหลายคนข้างต้นเริ่มต้นขึ้น วิธีที่สร้างสรรค์บนเวทีของสโมสรแจ๊สมอสโกในตำนาน "บลูเบิร์ด" ซึ่งมีอยู่ตั้งแต่ปี 2507 ถึง 2552 เปิดชื่อตัวแทนใหม่ คนรุ่นใหม่ดาราแจ๊สชาวรัสเซีย (พี่น้อง Alexander และ Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko และอื่น ๆ ) ในยุค 70 แจ๊สทรีโอ "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) ซึ่งประกอบด้วยนักเปียโน Vyacheslav Ganelin มือกลอง Vladimir Tarasov และนักเป่าแซ็กโซโฟน Vladimir Chekasin ซึ่งมีอยู่จนถึงปี 1986 ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง ในยุค 70-80 วงดนตรีแจ๊สจากอาเซอร์ไบจาน "Gaya" นักร้องนำและวงดนตรีจอร์เจีย "Orera" และ "Jazz-Khoral" ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

หลังจากที่ความสนใจในดนตรีแจ๊สลดลงในทศวรรษที่ 90 ก็เริ่มได้รับความนิยมอีกครั้งใน วัฒนธรรมเยาวชน. เทศกาลดนตรีแจ๊สจัดขึ้นทุกปีในมอสโก เช่น Usadba Jazz และ Jazz ในสวน Hermitage สถานที่คลับแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในมอสโกคือสโมสรแจ๊ส Union of Composers ซึ่งเชิญ แจ๊สที่มีชื่อเสียงและนักแสดงบลูส์

แจ๊สใน โลกสมัยใหม่

โลกแห่งดนตรีสมัยใหม่มีความหลากหลายพอๆ กับสภาพอากาศและภูมิศาสตร์ที่เราเรียนรู้ผ่านการเดินทาง แต่วันนี้เราเห็นทุกอย่างผสมปนเปกัน มากกว่า วัฒนธรรมโลกทำให้เราใกล้ชิดกับสิ่งที่กำลังเป็นอยู่เรื่อย ๆ " โลกดนตรี» (ดนตรีสากล). แจ๊สในปัจจุบันไม่สามารถแต่ได้รับอิทธิพลจากเสียงที่แทรกซึมเข้าไปจากแทบทุกมุม โลก. การทดลองแบบยุโรปที่มีการหวือหวาแบบคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีของผู้บุกเบิกรุ่นใหม่ เช่น Ken Vandermark นักแซ็กโซโฟนแนวหน้าผู้เยือกเย็นที่เป็นที่รู้จักจากผลงานของเขากับนักเป่าแซ็กโซโฟน Mats Gustafsson, Evan Parker และ Peter Brotzmann นักดนตรีรุ่นเยาว์ดั้งเดิมคนอื่นๆ ที่ยังคงค้นหาตัวตนของตัวเองต่อไป ได้แก่ นักเปียโน Jackie Terrasson, Benny Green และ Braid Meldoa, นักเป่าแซ็กโซโฟน Joshua Redman และ David Sanchez และมือกลอง Jeff Watts และ Billy Stewart

ประเพณีการเปล่งเสียงแบบเก่ากำลังดำเนินไปอย่างรวดเร็วโดยศิลปิน เช่น นักเป่าแตร Wynton Marsalis ซึ่งทำงานร่วมกับทีมผู้ช่วยทั้งในวงดนตรีเล็กๆ ของเขาเองและในวงดนตรีแจ๊สลินคอล์นเซ็นเตอร์ ซึ่งเขาเป็นผู้นำ ภายใต้การอุปถัมภ์ของเขา นักเปียโน Marcus Roberts และ Eric Reed นักเป่าแซ็กโซโฟน Wes "Warmdaddy" Anderson นักเป่าแตร Markus Printup และนักไวโอลิน Stefan Harris เติบโตขึ้นเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม มือเบส Dave Holland ยังเป็นผู้ค้นพบพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย การค้นพบมากมายของเขามีทั้งศิลปิน เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน/นักเบสเอ็ม สตีฟ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน สตีฟ วิลสัน นักไวบราโฟนิก สตีฟ เนลสัน และมือกลองบิลลี คิลสัน ผู้ให้คำปรึกษาที่ยอดเยี่ยมอื่น ๆ ของพรสวรรค์รุ่นเยาว์ ได้แก่ นักเปียโน Chick Coreaและตอนนี้เสียชีวิตแล้ว - มือกลอง Elvin Jones และนักร้อง Betty Carter โอกาสที่เป็นไปได้ พัฒนาต่อไปดนตรีแจ๊สในปัจจุบันมีขนาดค่อนข้างใหญ่ เนื่องจากวิธีพัฒนาพรสวรรค์และวิธีการแสดงออกเป็นสิ่งที่คาดเดาไม่ได้ คูณด้วยความพยายามร่วมกันของแนวเพลงแจ๊สต่างๆ ที่ได้รับการสนับสนุนในปัจจุบัน

เว็บไซต์.ตอนนี้มันกลายเป็นแฟชั่นที่ค่อนข้างทันสมัยที่จะผสมผสานหลากหลาย แนวดนตรีและจัดทำโครงการที่ทั้งดนตรีวิชาการและแจ๊สให้เสียงในเวลาเดียวกัน ในยาคุตสค์ เราได้เห็นแล้วว่าทำอย่างไร เช่น Leonid Senderskyที่เล่นรายการกับ “อาร์โก้ อาร์ติโก้”หรือทีม "ราสเตรลี ควอเตต"ซึ่งละครมีทุกอย่างตั้งแต่เพลงคลีซเมอร์ไปจนถึงเพลงประกอบ

และตอนนี้ผู้ฟัง Yakut ได้มีโอกาสประเมินโครงการ "แจ๊สและโอเปร่า"ซึ่งเป็นตัวแทนของนักร้อง Olga Godunovaและ Ekaterina Lekhina. โปรแกรมของพวกเขารวมถึงเพลงป๊อป, โอเปร่า, แจ๊สและดูเหมือนว่ายังมีอีกมากมาย พวกเขาบอกเราเกี่ยวกับงานของพวกเขาในรายละเอียดก่อนวันแสดง

โครงการของคุณเกิดขึ้นได้อย่างไร?

Olga: - มันปรากฏขึ้นเมื่อสามปีที่แล้ว และแรงบันดาลใจกลับมาอีกครั้งในยุค 90 อันห่างไกล เมื่อฉันได้ยินคอนเสิร์ตจากวัฏจักรปาวารอตตีและผองเพื่อน ซึ่งผสมผสานดนตรีคลาสสิก ป๊อป และแม้แต่ร็อคเข้าด้วยกัน ทันใดนั้นความคิดก็เกิดขึ้น: ทำไมเราไม่มีสิ่งนี้? และแม้ว่าในตอนนั้นฉันจะเรียนดนตรีเชิงวิชาการและทำงานที่โรงละครโอเปร่า ตอนนั้นฉันก็รู้สึกว่าเพลงป็อปและแจ๊สอยู่ใกล้ตัวฉันมากขึ้น ตั้งแต่นั้นมา ฉันก็เริ่มที่จะฟักความคิดนี้ และเมื่อสามปีที่แล้วมันก็กลายเป็นจริง

- แต่ความคิดนี้เกิดขึ้นในหัวของคุณ และมันเกิดขึ้นได้อย่างไรที่คุณแบ่งปันกับ Ekaterina?

Ekaterina: รู้จักกันมานาน เรามีครูสอนแกนนำคนหนึ่งด้วย แม้ว่าเราจะเรียนในสถานที่ต่างๆ - Olya ในโวลโกกราดและฉันในมอสโก และโอลก้าเมื่อเราพบกันบางครั้งมาที่มอสโคว์และนั่นคือวิธีที่การประชุมของเราเกิดขึ้น

Olga: - ในเวลานั้น ฉันเคยใช้ชีวิตในยุโรปแล้ว ไปเที่ยวอเมริกา ที่ๆ ฉันได้ยินละครเพลงที่บรอดเวย์ และรู้ว่ามันเป็นของฉัน และด้วยข้อเสนอกับคัทย่า ฉันจึงหันไป อาจเป็นเพราะก่อนอื่น เราเป็นเพื่อนกัน แล้วเราทั้งคู่ก็มีนักร้องเสียงโซปราโน แม้ว่าเสียงของคัทย่าจะยิ่งสูงขึ้น และเธอก็จดบันทึกอันชั่วร้ายที่อยู่เหนือการควบคุมของฉัน เห็นได้ชัดว่าโรงเรียนทั่วไปก็มีอิทธิพลเช่นกัน แต่โดยทั่วไปคัทย่าไม่ตอบสนองต่อข้อเสนอในทันที และทั้งหมดเริ่มต้นด้วยช่วงฤดูร้อนของเกิร์ชวิน - ครั้งหนึ่งในโวลโกกราด เราร้องเพลงนี้กับคนรู้จักคนหนึ่งของฉัน นักร้องโอเปร่า และมันก็ยอดเยี่ยมมาก และด้วยคัทย่า เรื่องราวของเราเริ่มต้นด้วยการเรียบเรียงนี้

Ekaterina: - ใช่ เราสั่งการจัดเรียงที่ดีและไม่ธรรมดา และพวกเขาก็ได้บันทึกและได้รับคำวิจารณ์ที่ยอดเยี่ยม ฉันได้ยินมาว่ามันเข้ากันได้ดีแค่ไหน - เพลงป็อปของ Olina, สไตล์การร้องเพลงแจ๊ส และสไตล์การเรียนของฉัน และรวมถึงการเรียบเรียงแจ๊สแบบคลาสสิกที่ไม่ได้มาตรฐานด้วย และเราเริ่มคิดเกี่ยวกับละคร โต้เถียง พูดคุย พยายาม

และในการเชื่อมต่อกับ .ของคุณ คำสุดท้าย. คุณจะเลือกละครอย่างไรเพื่อให้ดนตรีแจ๊ส โอเปร่า และละครเพลงผสมผสานกันอย่างกลมกลืน?

Ekaterina: - เรานั่งลงที่เปียโน เขียนสิ่งที่เราจะแสดง และลองนึกดูว่ามันจะออกมาเป็นอย่างไร นอกจากนี้ เรายังมีหมายเลขออร์เคสตราที่นำไปสู่การแสดงทั้งแบบคลาสสิกและแบบแจ๊ส ทำให้เกิดความเชื่อมโยงระหว่างองค์ประกอบต่างๆ

Olga: - นอกจากนี้เรายังมีความสนุกสนานที่นักวิชาการมักไม่ยอมให้ตัวเอง - เราสื่อสารกับสาธารณะ ครั้งหนึ่ง เพื่อนร่วมงานที่ทำงานอย่างหนักในบรอดเวย์บอกฉันว่าสามารถผสมผสานหลายอย่างเข้าด้วยกันได้ แต่การนำไปใช้งานนั้นสำคัญมาก และเมื่อเราเริ่มทำงานกับคัทย่า เราตัดสินใจย้ายออกจากแบบแผน - นักร้องโอเปร่าร้องเพลงและจากไป ทุกอย่างเข้มงวด ฯลฯ และคัทย่ามีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง - เขาเป็นนักสเก็ตลีลาในอดีต ทำไมเราไม่สามารถเต้นและจัดคอนเสิร์ตด้วยตัวเอง?

Ekaterina: - นอกจากนี้ยังสร้างการปิดและที่สำคัญที่สุดคือ ติดต่อด่วนกับประชาชน. เรารู้สึกถึงพลังของผู้ชม และเราได้แลกเปลี่ยนกับมัน

Olga: - แต่แน่นอน เราไม่ได้พูดวลีสำคัญ "เราไม่เห็นมือคุณ" (หัวเราะ) โดยทั่วไปแล้ว ถ้าคุณจำได้ คอนเสิร์ตครั้งแรกของเราเกิดขึ้นที่ Obninsk ใกล้กรุงมอสโก ซึ่งเราได้นำเสนอโครงการของเรา

และในหมู่คนปกติและสมมติว่าผู้ชมทั่วไปมีผู้โยกสองคนที่เรียกว่า - ทั้งหมดอยู่ในรอยสักทุกอย่างเป็นไปตามที่ควรจะเป็น และตอนนี้พวกเขามาหาเราหลังคอนเสิร์ตและบอกว่าในที่สุดพวกเขาก็รู้ว่าโอเปร่านั้นน่าสนใจและเราเปิดโลกใหม่ให้กับพวกเขา พวกเขาซื้อซีดีและรู้สึกขอบคุณเราจริงๆ

และนี่คือเป้าหมายของโครงการของเราอย่างแม่นยำ - เพื่อให้ครอบคลุมรสนิยมที่แตกต่างกันของสาธารณชน - โอเปร่า, แจ๊ส, ดนตรี และสำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าศิลปินสามารถแสดงแนวต่าง ๆ ได้ในสไตล์ของเขาเอง คัทย่าร้องเพลงโอเปร่ามาตลอดชีวิต และโครงการของเรายังรวมถึงละครเพลงและเพลงป๊อปด้วย

- แต่เรื่องการเต้น - คุณเต้นระหว่างรายการจริงๆ เหรอ?

Ekaterina: - แน่นอนว่าไม่ใช่พวกยิปซีที่มีทางออก (หัวเราะ) แต่ในการสูญเสียของวงออร์เคสตรา คุณสามารถคิดได้ไม่กี่ขั้นตอน

Olga: - ถ้าคุณมีน้ำแข็ง เราสามารถทำอะไรที่แปลกใหม่กว่านี้ได้ เพราะคัทย่าเป็นนักสเก็ตลีลา

- พระราชวังน้ำแข็งในยาคุตสค์คือ

ครั้งต่อไป (หัวเราะ)

- ขึ้นอยู่กับโปรแกรมของคุณที่คุณชอบ เพลงต่างๆอะไรกันแน่?

Olga: - ดนตรีที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง มันเป็นสิ่งสำคัญที่มันสัมผัสได้ แม้แต่นักร้องก็ยังไม่มี เสียงเข้มแต่มีบางอย่างที่ติดหู ตัวอย่างเช่น Charles Aznavour แต่ละเพลงของเขาเป็นเรื่องราว และเขาไม่มีความสามารถด้านเสียงที่โดดเด่น และบางครั้งเสียงก็ไพเราะแต่ไม่สามารถฟังได้ ฉันชอบฟัง Anna Netrebko และเพื่อนร่วมงานของฉันหลายคน รวมถึง Katya ด้วย

Ekaterina: - เราเป็นคนธรรมดา - เราฟังทุกอย่างที่มีคุณภาพและน่าสนใจ ที่สำคัญคือ ดนตรีไพเราะและเป็นมืออาชีพ

หากเรากลับมาที่ "Jazz and Opera" โครงการของคุณจะเป็นอย่างไรต่อไป? อาจจะบันทึกแผ่นดิสก์ ท่องเที่ยวต่างประเทศ?

Ekaterina: - ตอนนี้เรากำลังเจรจากับบางประเทศ ซึ่งเราอาจดำเนินการได้ แม้ว่าฉันจะไม่เปิดเผยรายละเอียดทั้งหมด แต่กระบวนการในทิศทางนี้กำลังดำเนินการอยู่ นอกจากนี้ในเดือนมีนาคม เราจะนำเสนอโปรแกรมที่สองของเราและไปทัวร์เมืองเหล่านั้นที่เราได้จัดคอนเสิร์ตไปแล้วและถูกเรียกอีกครั้ง และในยาคุตสค์เราจะแสดงตัวเลขสองสามตัวจากโปรแกรมใหม่

Olga: - และสำหรับดิสก์ นี่ยังไม่อยู่ในแผน เราทำการบันทึกจากคอนเสิร์ต วางไว้บนอินเทอร์เน็ต นอกจากนี้จะใช้เวลามากซึ่งเรามีไม่มาก

- ในความต่อเนื่องของหัวข้อและเกี่ยวข้องกับวันที่ 23 กุมภาพันธ์ คุณต้องการเชิญผู้ชายเข้าร่วมโครงการของคุณหรือไม่?

Olga: - โดยวิธีการที่ผู้ชายถามเราเอง (หัวเราะ) แต่ยังไม่ได้. ครั้งเดียว - เป็นไปได้ทีเดียวเช่น แขกพิเศษ, ตัวอย่างเช่น. นอกจากนี้ ชายและหญิงเป็นปรากฏการณ์ทั่วไปบนเวที ผู้ชายกับผู้ชายก็เป็นปรากฏการณ์ที่เกิดขึ้นบ่อยเช่นกัน แต่เนื่องจากเราทำงาน จึงไม่มีสิ่งใดเทียบได้กับสิ่งนี้ในรัสเซีย และอาจเป็นไปได้ในยุโรป โดยทั่วไปแล้วเด็กชายจะสปอยทั้งภาพ (หัวเราะ)

โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสภาพแวดล้อมทางศิลปะ มีการแข่งขันกันมากมาย ซึ่งบางครั้งก็ใช้รูปแบบที่ไม่สวยงามนัก คุณจะจัดการเพื่อหลีกเลี่ยงความอิจฉาริษยาและความรู้สึกไม่พอใจอื่นๆ ได้อย่างไร งานร่วมกัน? หรือคุณมีความคิดเช่นนั้น?

Ekaterina: - ไม่ เราไม่ได้คิดเกี่ยวกับมัน นอกจากโครงการนี้แล้ว เรามีชีวิตที่สร้างสรรค์ของเราเอง และเราตระหนักในตนเองในโครงการต่างๆ นอกจากนี้ เราไม่เคยโกรธเคืองเมื่อเราแนะนำบางสิ่งให้กันและกัน ท้ายที่สุดมองเห็นได้จากภายนอกมากขึ้น

Olga: - ตัวอย่างเช่น ตรงกันข้าม มันกระตุ้นฉันอย่างมืออาชีพถ้าเพื่อนร่วมงานของฉันประสบความสำเร็จ คัทย่าเป็นเจ้าของรางวัลแกรมมี่ในรัสเซียมีเพียงไม่กี่คนเท่านั้น

ชัยชนะเหล่านี้ โดยเฉพาะคนใกล้ชิด สร้างแรงบันดาลใจในการทำงาน ไม่ใช่เพราะฉันต้องการแกรมมี่ แม้ว่าฉันจะทำได้ แน่นอน! (หัวเราะ). แต่ในอาชีพคุณต้องจับคู่กันและอิจฉา - ฉันไม่รู้ว่ามันมาจากไหน เราไม่มีมัน

และเราไม่มีสิ่งที่ดีกว่าคนอื่น: งานของเราคือการทำงานเพื่อผลลัพธ์ และศิลปินควรมีแรงจูงใจ การค้นหา ข้อสงสัยอยู่เสมอ หากไม่เป็นเช่นนั้นและดูเหมือนว่าเขาจะทำทุกอย่างสำเร็จแล้วการเติบโตอย่างมืออาชีพก็สิ้นสุดลง

Ekaterina: - รู้ไหม ฉันโชคดี และได้คุยกับปลาซิโด โดมิงโกผู้ยิ่งใหญ่ ในอีกด้านหนึ่งเป็นเพียงดาวที่ไม่สามารถบรรลุได้ แต่ในขณะเดียวกันเขาก็เป็นคนที่เรียบง่ายและจริงใจในการสื่อสาร เขาไม่เหมือนใครที่รู้รายละเอียดทั้งหมดเกี่ยวกับงานของเรา และวิธีที่เขาเข้าหาคนหนุ่มสาวก็น่าทึ่งมาก เมื่อเขายืนอยู่ที่สแตนด์ของวาทยกร คุณจะเห็นดวงตาที่เปล่งประกายของเขาและความปรารถนาที่จะช่วยเหลือคุณ และในลักษณะที่เขาลืมเกี่ยวกับวงออร์เคสตราไปได้เลย

- ใช่ คนเหล่านี้มักประหลาดใจกับความกว้างของจิตวิญญาณ แม้ว่าพวกเขาจะมีชื่อเสียงหรือยิ่งใหญ่ก็ตาม

Olga: - นี่อาจเป็นสิ่งที่ยากที่สุดในอาชีพของเรา - การต่อสู้กับความไร้สาระ และยิ่งมีคนทำงานเพื่อตัวเองมากเท่าไหร่เขาก็ยิ่งได้รับมากขึ้นเท่านั้น โดยทั่วไปแล้ว เป็นเรื่องน่ายินดีอย่างยิ่งที่ทราบว่าคุณยังไม่ทราบบางสิ่งและมีบางที่ที่จะพยายามและเรียนรู้สิ่งใหม่

- คุณทัวร์ค่อนข้างมากกับโครงการ คุณคิดว่ามันเป็นที่รับรู้ของสาธารณชนได้อย่างไร

เราสนใจการขับรถมาก เราไปเที่ยวมาจะครบปีแล้ว พูดตามตรง ฟิลฮาร์โมนิกส์หลายๆ คนค่อนข้างจะระวังตัวสำหรับเรา - "แจ๊สและโอเปร่า" เป็นการผสมผสานกันแบบไหน? มุมมองอนุรักษ์นิยมเล็กน้อย แต่แล้วทุกคนก็พอใจ

ครั้งหนึ่งมีกรณีใน Ulan Ude - อดีตนักร้องโอเปร่ามาที่คอนเสิร์ต และหลังจากส่วนแรก เขากลับมาที่หลังเวทีด้วยดอกไม้และเพียงแค่ให้คำชมมากมายแก่เรา ซึ่งไม่ใช่กรณีในสภาพแวดล้อมการร้องเพลงเสมอไป นี้กลับไปที่สิ่งที่เราพูดถึงเมื่อเร็ว ๆ นี้ และเราเข้าใจดีว่าคำชมเหล่านี้ไม่ใช่แค่คำพูด แต่เป็นการพิสูจน์ว่าโครงการนี้ประสบความสำเร็จจริงๆ

และเป็นเรื่องดีอย่างยิ่งเมื่อมีคนหนุ่มสาวจำนวนมากในห้องโถง หลายคนบอกว่าโอเปร่าน่าเบื่อไม่น่าสนใจ และเมื่อคัทย่าออกมา - นักร้องที่น่าสนใจที่สื่อสารกับผู้ชมและเต้นรำด้วยแน่นอนว่าการรับรู้ก็เปลี่ยนไป

- และถ้าคุณย้ายออกจากโอเปร่าและแจ๊ส อาชีพของคุณพัฒนานอกโครงการอย่างไร?

Ekaterina: - นอกเหนือจากต่างๆ กิจกรรมคอนเสิร์ตสำหรับซีซันที่สอง ฉันได้ตระหนักถึงตัวเองในแนวดนตรี ในมอสโกฉันเล่นใน "Phantom of the Opera" และเล่นบทบาทเพียง นักร้องเพลงโอเปร่าคาร์ลอตต้า. โชคดีที่ฉันไม่ต้องเปลี่ยนวิธีการร้องเพลง แต่ก็ยังไม่ใช่โอเปร่า และในละครเพลง คุณต้องเป็นนักแสดงละครและเต้นรำด้วย และฉันก็รู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งจากสิ่งนี้ แม้ว่าฉันจะปฏิเสธการทดลองใหม่นี้สำหรับฉันจนถึงครั้งสุดท้าย แต่ต้องขอบคุณเพื่อนของฉันและ Olya รวมถึงฉันยังคงลองมันและฉันชอบมันมาก ถึงแม้ว่านี่จะเป็นก้าวที่น่าตื่นเต้นมาก - ฉันมีการแสดง 13 ครั้งต่อเดือน และน่าแปลกใจที่ฉันไม่เบื่อเลย แม้จะผ่านไปแล้วสองฤดูกาลก็ตาม และฉันก็ยังมีการแสดงที่ยิ่งใหญ่ในเวโรนา - "Opera on Ice" มีนักสเก็ตลีลาที่มีชื่อเสียงหลายคนเล่นสเก็ตเพื่อร้องเพลงของฉัน การแสดงนั้นไม่มีใครเทียบได้ในโลก มันน่าทึ่งมาก

Olga: - ตอนนี้ฉันกำลังร่วมมือกับวงออเคสตราภาพยนตร์ที่ดำเนินการโดย Sergei Skripka ซึ่งเป็นความยินดีอย่างยิ่งสำหรับฉัน ฉันไม่เคยฝันว่าจะได้ร่วมงานกับวาทยกรคนนี้ ตั้งแต่วัยเด็กเมื่อฉันดูหนังในเครดิตฉันเห็นชื่อของเขาว่า "S. Violin" และตอนนี้ฉันก็อยู่บนเวทีเดียวกันกับเขา เราดำเนินการใน ห้องคอนเสิร์ตไชคอฟสกีและฟิลฮาร์โมนิก และแน่นอน เราแสดงดนตรีจากโรงภาพยนตร์

- และคุณคิดว่าอย่างไร - ตอนนี้มียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของวัฒนธรรมดนตรีในรัสเซียหรือลดลงหรือไม่?

Ekaterina: - ในความคิดของฉัน ดนตรีคลาสสิกกำลังเป็นที่นิยมมากขึ้นเรื่อยๆ ถ้าเราใช้เวทีมืออาชีพ ตัวอย่างเช่น ในโรงอุปรากรตอนนี้มีมาก โปรแกรมดีๆสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ เมื่อเขาเพิ่งเรียนจบจากเรือนกระจก ไม่มีประสบการณ์ ก็เรียนได้ภายในปีหรือสองปี ทักษะการแสดงและรับงาน และความสนใจในศิลปะการแสดงโอเปร่าก็เพิ่มขึ้น หลายคนต้องการเชื่อมโยงกับการร้องเพลง โดยเฉพาะอย่างยิ่งช่อง Kultura TV และโครงการ Bolshoi Opera ก็มีบทบาทสำคัญเช่นกัน

Olga: - ใช่ และการแข่งขันสำหรับเด็ก เช่น "The Nutcracker" ก็มีส่วนทำให้วัฒนธรรมดนตรีเป็นที่นิยมเช่นกัน แต่น่าเสียดายที่นอกเหนือจากช่อง Kultura TV แล้วโทรทัศน์ที่เหลือยังเป็นที่ต้องการอีกมาก โดยทั่วไปแล้วตอนนี้หลายคนต้องการที่จะมีชื่อเสียงพวกเขาต้องการร้องเพลงและแสดงและแน่นอนว่าไม่ใช่แค่กับเราเท่านั้น แต่ในหมู่คนจำนวนมากมีผู้ที่มีส่วนร่วมในงานศิลปะอย่างแท้จริง และเมื่อคุณเห็นสิ่งนี้ คุณคิดว่าทั้งหมดนี้ยังไม่ตายและจะไม่ตายไปพร้อมกับเรา เรามีมาก คนเก่งที่สืบสานงานศิลป์แท้ชิ้นนี้ต่อไป

"วันจันทร์สีฟ้า" (จากภาษาอังกฤษ "Blue Monday") เป็นโอเปร่าแจ๊ส นักแต่งเพลง - . ผู้เขียนบทภาษาอังกฤษคือ Buddy De Silva
รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 29 สิงหาคม พ.ศ. 2465 ที่บรอดเวย์ โอเปร่าได้รับการต้อนรับแบบผสมจากสาธารณชน เช้าวันรุ่งขึ้น สื่อตีพิมพ์บทวิจารณ์ที่ตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิง: บางคนพูดถึงความสำเร็จที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนของโอเปร่าอเมริกันตัวจริงเรื่องแรกในขณะที่คนอื่นอ้างว่า“ วันจันทร์สีฟ้า"เป็นภาพร่างที่น่าสลดใจและไม่น่าเชื่อ
พล็อตเป็นตัวแทน เรื่องน่าเศร้า รักสามเส้า. โอเปร่าเกิดขึ้นในร้านกาแฟที่สี่แยก 135th และ Lenox Avenues ในนิวยอร์ก นักพนันโจและวีที่รักของเขาถูกบังคับให้ต้องแยกจากกันชั่วขณะหนึ่ง: โจกำลังจะไปเยี่ยมแม่ของเขา จากอุบัติเหตุร้ายแรง เขาไม่ได้บอกหญิงสาวถึงเหตุผลที่แท้จริงในการจากไปของเขา โดยพูดเพียงว่าเขาทำธุรกิจส่วนตัวเท่านั้น ทอม นักร้องคาเฟ่ที่หยิ่งผยองซึ่งหลงรักวีด้วย เกลี้ยกล่อมหญิงสาวผู้หลอกลวง: พวกเขาบอกว่าโจไปหาคนอื่นจริงๆ ในไม่ช้าโจก็กลับมาที่ร้านกาแฟพร้อมกับจดหมายที่บอกว่าเขาไม่จำเป็นต้องไปหาแม่ของเขา เธอเสียชีวิตเมื่อสามปีก่อน วีโกรธไม่อยากคุยกับคนที่เธอรัก เธอเหนี่ยวไกแล้วตีโจ ในไม่ช้าหญิงสาวก็รู้ความจริง แต่การยิงกลับกลายเป็นอันตรายถึงชีวิต วีขอขมา โจยกโทษให้คนรักและฝันว่าอีกไม่นานจะได้เจอแม่บนสวรรค์

ประวัติความเป็นมาของการสร้าง

จอร์จ เกิร์ชวินพิชิต ที่สุดมีชื่อเสียงในด้านการผสมผสานการทดลองของแนวดนตรีและละครที่หลากหลาย ในทำนองเดียวกันที่นี่: "วันจันทร์สีฟ้า"เป็นแจ๊สโอเปร่าเรื่องแรก สามสัปดาห์ก่อนการแสดงครั้งแรก ผู้เขียนพบว่าการแสดงครึ่งชั่วโมงยังคงต้องการการปรับปรุง เกิร์ชวินและเดอ ซิลวาทำงานเสร็จภายในห้าวันและคืน มีการผลิตทดสอบสี่รายการในนิวเฮเวน คอนเนตทิคัต "วันจันทร์สีฟ้า". โอเปร่าได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นและกระตือรือร้นจากสาธารณชน แต่ในรอบปฐมทัศน์ควบคู่ไปกับการแสดงความบันเทิงของจอร์จ ไวท์ โอเปร่าไม่ได้สร้างความประทับใจให้ผู้ชมได้ดีที่สุด
โอเปร่า "บลูมันเดย์" เป็นความพยายามครั้งสำคัญครั้งแรกในการผสมผสานรูปแบบของดนตรีคลาสสิกและอเมริกันป็อปเข้าด้วยกัน (โอเปร่า แจ๊ส และสไตล์แอฟริกัน-อเมริกัน) ท่ามกลางการวิพากษ์วิจารณ์อื่น ๆ ได้มีการกล่าวว่าโอเปร่านี้แสดงให้เห็นถึงความสามารถครั้งแรกของศิลปะดนตรีอเมริกันแบบใหม่

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ :
- ใน Blue Monday จอร์จ เกิร์ชวินได้นำเสนอนวัตกรรมทางดนตรี: มีการบรรเลงเพลงแจ๊สในบทเพลงของนักแสดง
- โอเปร่าถูกเปลี่ยนชื่อเป็น "135th Street" ในภายหลัง