Henri Matisse Matisse, Henri. Matisse malerier

hjem / Utro kone

"Jeg fandt et ubegrænset aktivitetsområde inden for maleri, hvor jeg kunne give frihed til min rastløse kreativitet."
© Henri Matisse, 25. maj 1852

Fransk kunstner Henri Matisse gik ind i historien som et anerkendt geni af verdensmaleri, der stort set bestemte kunstens udvikling i det 20. århundrede. På jagt efter sit kunstneriske "jeg" formåede han at prøve sig på flere stilarter og retninger på én gang, voksede ud af hver af dem og grundlagde sin egen malerskole, kaldet "Fauvisme" (fransk fauve - "vild").

Men i modsætning til sine kolleger i butikken viste Matisse selv ikke nogen "vildskab", men var en beskeden og fredelig mand. Og hvis andre avantgarde-kunstnere bogstaveligt talt førte en revolution, der forsøgte at afspejle tidens oprørske ånd på deres lærreder, søgte Matisse "fred og fornøjelse", konstant eksperimenterede med farver og gentænkte farvens betydning.

“Jeg drømmer om en afbalanceret kunst, fuld af renhed og ro, kunst uden forgæves og hektiske plots ... som kunne give sindet hvile ... hvordan behagelig lænestol giver hvile til en træt person» - sagde Matisse.

Mange mennesker undrer sig stadig over, hvordan en person med en så rolig kreativ credo formåede at blive en af nøglefigurerne i det 20. århundredes kunst. Mærkeligt nok begyndte sådanne spørgsmål ikke at bekymre Matisse med det samme, fordi den store kunstners historie ikke begyndte med malerverdenen.

Unge Henri - søn af en succesrig kornhandler - profeterede en karriere som advokat, og som lydig søn begyndte Matisse at studere jura på en af de prestigefyldte skoler i Paris. Efter endt studium vendte han tilbage til hjemby, hvor han hurtigt fik et job som fuldmægtig hos en svoret advokat. Det så ud til, at den unge mands fremtid allerede var besluttet, men så greb skæbnen ind i hans liv og ændrede alle planer radikalt.

Matisse lå på operationsbordet. Et angreb af akut blindtarmbetændelse lænket i lang tid ung mand i seng og efterlod ham uden underholdning. Ønsker på en eller anden måde at lyse op for sin søns "hospital" hverdag, kærlig mor gav ham malerudstyr og åbnede en ny og ukendt verden for unge Matisse. Malerkurser fascinerede den unge mand så meget, at han mod sin fars vilje besluttede at forlade jura for altid og vendte tilbage til hovedstaden for at blive kunstner.

Den første lærer i Matisse, den franske kunstner Gustave Moreau - en symbolist til kernen og en anerkendt mester i farvespillet - elskede at sende elever til Louvre - for at kopiere værker af ærede mestre, finpudsningsteknikker og teknikker klassisk maleri. "Du skal drømme om farve", - gentog han til sine anklager, og Matisse var som ingen anden gennemsyret af denne erklæring og gjorde sit liv til en søgen efter den ideelle måde at formidle følelser gennem farve.

Senere skrev Matisse:

”Jeg opfatter den ekspressive side af farve rent intuitivt. Ved at sende efterårslandskab, Jeg kan ikke huske, hvilke farvenuancer der er egnede til denne årstid, jeg vil kun blive inspireret af efterårets fornemmelser ... Jeg vælger farver ikke til nogen videnskabelig teori, men ved at føle, observere og opleve "

Interesse for farve er allerede mærkbar i tidlige værker Matisse. Som regel er det forsøg på en ung kunstner til at male i ånden hos anerkendte malermestre. Et af disse værker er et stilleben kaldet "En flaske schidam" (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): en klassisk komposition, mørke og ujævne nuancer, særlig opmærksomhed på halvtonerne giver ligheden med lærredene. I mellemtiden taler rigdom af sorte og sølvfarver og bredden af penselstrøg om Matisses bekendtskab med kreativitet.

I løbet af studieårene gennemgik Matisse konsekvent alle stadier af udviklingen af klassisk kunst, prøvede sin hånd på hver af dem. Ikke desto mindre mente Matisse for al vigtigheden af tidligere tiders traditioner i dannelsen af kunstnerens stil, at alt dette ikke var for ham. Louvre virkede for ham som et kæmpe bibliotek fuld af gamle bøger, der gør en træt elev søvnig og melankolsk. Matisse derimod længtes efter noget nyt, usædvanligt, i modsætning til hvad der var skabt før ham.

"Det forekom mig, at jeg, da jeg kom ind i Louvre, mistede følelsen af min æra, og at de malerier, jeg malede under direkte indflydelse af de gamle mestre, ikke udtrykker, hvad jeg føler", - huskede kunstneren.

En af de vigtigste faser i udviklingen af Matisse som kunstner var hans bekendtskab med impressionisternes værker, især med det værk, der på det tidspunkt var lidt kendt. Denne Matisse stod i gæld til den australske kunstner John Russell - hans ven og mentor, der for første gang siden Moreau fik Matisse til at tænke alvorligt over farvens betydning og betydning i maleriet.

"Russell var min lærer, han forklarede mig teorien om farve.", - indrømmede Matisse.

Impressionisme og hans egne eksperimenter med farvekontraster påvirkede stærkt kunstnerens første "uafhængige" værker. Disse er for eksempel stilleben "Skåle og frugter" (Vaisselle et Fruits), "Frugter og kaffekande" (Fruits et Cafetière). Dette inkluderer også de første landskaber af Matisse - "Bois du Boulogne" og "Luxembourg Garden" (Jardin du Luxembourg).

Et par år senere opgav Matisse sin passion for impressionisme og kastede sig ud i undersøgelsen af hans tilhængeres værker. I denne periode havde kunstneren en familie, men på trods af den trange finansielle position, han fortsatte med at søge efter sin egen stil. Hans malerier solgte praktisk talt ikke, men Matisse stoppede ikke med at eksperimentere med farve og analyserede betydningen af forskellige nuancer og deres kombinationer.

“Charme, lethed, friskhed - det er alle flygtige fornemmelser ... Impressionistiske kunstnere ... havde subtile fornemmelser tæt på hinanden, så deres lærreder ligner hinanden. Jeg foretrækker, med risiko for at fratage landskabet sin charme, at understrege dets karakteristik og opnå større konsistens. "- skrev Matisse mange år senere.

Min fremtidige kone Amelie Pareyre Matisse mødte en ven ved et bryllup. Amelie var en brudepige, og hun og Matisse sad ved et uheld ved siden af hende. Pigen blev forelsket i en høj, skægget mand og tørrede omhyggeligt hver buket violer, som han gav hende på møder. På det tidspunkt blev Matisse plaget af tvivl, og han kunne ikke beslutte, om han endelig ville vie sit liv til kunst. Amelie blev derimod den person, der troede på kunstneren, virkelig troede på lang tid blive hans loyale ven og første mus. Og alligevel, på trods af Matisses følelser for pigen, forstod han allerede dengang, at ingen og ingenting kunne fange hans hjerte mere end at male. Han fik mod og tilstod:

"Mademoiselle, jeg elsker dig højt, men jeg vil altid elske at male mere"

Den første personlig udstilling kunstneren blev holdt uden megen succes, hvilket ikke forårsagede det korrekte svar fra kritikere. Derefter besluttede Matisse at forlade hovedstaden til Sydfrankrig i selskab med pointillisten Paul Signac. Imponeret over sine lærreder begyndte Matisse at arbejde i en lignende teknik med punktstreger, og efter et stykke tid kom det første mesterværk med titlen "Luksus, fred og fornøjelse" (Luxe, Calme at Volupté) ud under børsten.

Billedet var modstridende og passede på sin egen måde ikke ind i de rammer, pointillisterne satte. I modsætning til sine kolleger, der opgav den fysiske blanding af farver til fordel for separate streger, koncentrerede Matisse sig igen om farve. Efter bevidst at have valgt et lyst område - rød, lilla, orange - afveg kunstneren fra en realistisk fortolkning af plottet. Mættede nuancer virkede unaturlige, hvilket skabte spændinger og forstyrrede den sædvanlige "ro" i de klassiske elementer. Imidlertid var det netop på grund af denne inkonsekvens - en kombination af klassiske og innovative former - at Matisse for første gang virkelig formåede at vise beskueren egen vision virkelighed.

Billedet var en succes og blev godt modtaget af kritikere. Ikke desto mindre opgav Matisse meget snart pointillismen og indså, at denne vej heller ikke var for ham.

1905 var et vendepunkt i arbejdet med Matisse. Efter en lang søgning og eksperimenter med farve lykkedes det kunstneren at realisere sin "sans for naturen" så meget som muligt. Sammen med en gruppe ligesindede deltog han i efterårssalonen og præsenterede to nye værker på udstillingen - ” Åbn vindue”(La Fenêtre Ouverte) og“ Kvinde i hat ”(La Femme au Chapeau).

Malerierne, malet med fuldstændig tilsidesættelse af alle reglerne, forårsagede meget støj og forargede selv pariserne, der er vant til eksotisme. Kritikere kaldte dem "en gryde med maling kastet over for offentligheden", og forfatterne fik tilnavnet "Fauves" eller "vilde".

På trods af den hårde kritik og forargelse fra offentligheden blev "Kvinden i hatten" erhvervet af den berømte forfatter og kunstkender Gertruda Stein. Ifølge historierne om et af øjenvidnerne, "Besøgende prustede og kiggede på billedet og forsøgte endda at rive det af"... Gertrude Stein kunne ikke forstå, hvorfor billedet virkede helt naturligt for hende.

Så en ny retning dukkede op i maleriet, der trådte ind i kunsthistorien under navnet "fauvisme". Matisse blev anerkendt som leder af Fauves, herunder tidligere klassekammerater fra Moreau -klassen. Efter at have forladt de traditionelle metoder til at skildre objekter og konstruere et billede, begyndte disse kunstnere at male i rene åbne farver, forenkle og skematisere form. Lys, til tider aggressiv farve og høj kontrast dannede grundlaget for kompositionen og blev den vigtigste metode til at "udtrykke følelser" hos kunstnere.

”Fragmenteringen af farve har ført til fragmentering af form, kontur. Resultat: en vibrerende overflade ... Jeg begyndte at male med farverige fly og forsøgte at opnå harmoni i forholdet mellem alle farveplaner "- huskede Matisse et halvt århundrede senere.

Frankrig gav verden en enorm galakse fremragende kunstnere, hvoraf den ene er den største og mest lys repræsentant kunstnerisk bevægelse Fauvisme, Henri Matisse. Hans karriere begyndte i 1892, da den fremtidige kunstner med succes bestod eksamenerne på Paris Academy of Julian. Der tiltrak han opmærksomheden fra Gustave Moreau, der forudsagde Matisse en lys karriere inden for det kunstneriske område.

Fra begyndelsen af det 20. århundrede begyndte Matisse at lede efter sig selv. Han går igennem stressende år med at kopiere og låne, skriver mange eksemplarer. berømte malerier fra Louvre og forsøger at finde sin egen stil. Den fremherskende passion for impressionisme på det tidspunkt gav Matisse mulighed for at finde ud af, hvordan form og farvepalet overføres.

Kunstkritikere i disse år bemærkede, at Matisse har en ejendommelig præsentation af farve på sine lærreder, der er lavet i den impressionistiske stil. Kunstneren var præget af brugen af lyse, stærke, let buede streger med en overvægt af usædvanligt lyse, mættede farver.

Synes godt om berømt mester Impressionisme Paul Signac, Matisse er vild med pointillisme - en form for impressionisme, der bruger mange forfaldne punkter til at formidle et billede. Det var denne stil, der hjalp kunstneren endelig med at vælge Fauvisme som den mest egnede måde for ham at afspejle den omgivende virkelighed.

Faktisk var Matisse den egentlige grundlægger af Fauvisme. Den franske oversættelse af dette udtryk er "vild". Dette ord svarer til begrebet - "gratis", det vil sige ikke underlagt almindeligt accepterede regler.

Begyndelsen på Matisses triumf kan betragtes som hans maleri "Woman in a Green Hat", udstillet af kunstneren i 1904. På lærredet så beskueren et næsten fladt billede af en kvinde med et ansigt adskilt af en grøn stribe. Således forenklede Matisse billedet så meget som muligt, så kun en farve kunne dominere.

Det var udbredelsen af farve frem for form og indhold, der blev Fauvisms hovedprincip. Essensen af denne stil var stærkt påvirket af Matisses fascination af eksotiske kunstformer. Kunstneren rejste meget, herunder til det afrikanske kontinent. Stammernes primitive, men ejendommelige kunst imponerede ham og gav impuls til yderligere forenkling af billedet i malerierne.

Farverigdom i Matisses lærreder var lånt fra de lyse orientalske arabesker. Derfra strakte entusiasmen sig for de odaliske kunstnere - arabiske konkubines -dansere, hvis billeder han viste i sine malerier indtil de sidste år af sit liv -. Det vides også, at efter møde med Russisk filantrop Sergei Shchukin Matisse blev interesseret i gammelt russisk ikonemaleri.

På invitation fra Shchukin kommer Matisse til Rusland, og derefter bestilte han sit mest berømte maleri - "Dance". En slags "tvilling" af dette billede er "Musik". Begge lærreder afspejler essensen af Fauvisme - naturligheden i menneskelige følelser, renheden i overførsel af følelser, oprigtigheden af karaktererne, farvens lysstyrke. Kunstneren bruger praktisk talt ikke perspektiv, foretrækker lyse røde og appelsiner.

Matisse overlevede to verdenskrige, men på trods af de strabadser, han oplevede, mistede han ikke den oprigtighed, som han stræbte efter at legemliggøre i sine malerier. Det er for sin barnslige spontanitet, ærlighed og entusiastiske lysstyrke i sine lærreder, at kunstneren stadig er elsket af malekyndere.

ANRI MATISS

Matisse Henri Emile Benois (31.12.1869, Le Catot, Picardie, - 03.11.1954, Cimiez, nær Nice), Fransk maler, grafiker og billedhugger.

Farvepåvirkningen af Matisses malerier er ekstremt stærk; reaktionen er imidlertid og negativ, men altid meget intens. Hans malerier er klangfulde, høje fanfare, nogle gange øredøvende. De forårsager ikke længere rolig beundring, men visuelle paroxysmer, dette er ikke en "fejring af øjet", men et uhæmmet orgie.

På hvilken måde opnår Matisse en så stærk farveeffekt? Først og fremmest ekstremt fremhævede farvekontraster. Lad os give ordet til kunstneren selv: "I mit maleri" Musik "er himlen malet i smuk blå, den blå af det blå, flyet er malet med en farve så mættet, at blå er fuldstændig manifesteret, tanken om Absolut blå; for træerne tog de rent grønt, for ligene - ringende cinnabar. Speciel funktion: formen blev ændret i henhold til indflydelsen fra de nærliggende farveplaner, fordi udtrykket afhænger af den farveoverflade, der er dækket af seeren som helhed ”.

Efter at have modtaget en juristeksamen arbejdede han som advokat (1889-1891). Studerede i Paris - ved Julian Academy (fra 1891) under A.V. Bouguereau, på skolen dekorativ kunst(fra 1893) og på skolen finere kunst(1895-99) af G. Moreau; kopierede værker af gamle franske og hollandske mestre. Oplevede indflydelsen fra neo -impressionismen (hovedsageligt P. Signac), P. Gauguin, kunsten i det arabiske øst, til en vis grad - Gammel russisk ikonemaleri (han var en af de første i Vesten, der satte pris på det kunstnerisk fortjeneste; besøgte Moskva i 1911). Efter at have stiftet bekendtskab med impressionisternes, postimpressionisternes og den engelske maler J. Turners arbejde begyndte A. Matisse at bruge mere mættede farver, idet de foretrak lysfarver ("Bois de Boulogne", ca. 1902, Pushkin Museum, Moskva; "Luxembourg Have", c. 1902, Eremitagen, Skt. Petersborg). Han var stærkt påvirket af kunsten til P. Cezanne (Nude. Servant, 1900, Museum of Modern Art, New York; Dishes on the Table, 1900, Hermitage, St. Petersburg).

I 1905-07 lederen af Fauvism. I den berømte parisiske efterårssalon fra 1905 udstiller han sammen med sine nye venner en række værker, heriblandt "Kvinden i den grønne hat". Disse værker, som gjorde en skandaløs sensation, lagde grunden til Fauvisme. På dette tidspunkt opdager Matisse skulpturen af Afrikas folk, begynder at samle den, er interesseret i klassisk japansk træsnit og arabisk dekorativ kunst. I 1906 afsluttede han arbejdet med kompositionen "Livets glæde", hvis plot var inspireret af digtet "Afternoon of a Faun" af S. Mallarmé: plottet kombinerer pastorale motiver og bacchanalia. De første litografier, træsnit og keramik dukkede op; Fortsætter med at forbedre tegningen, hovedsagelig udført med en pen, blyant og kul. I Matisses grafik kombineres arabesk med en subtil overførsel af naturens sensuelle charme.

Siden anden halvdel af 1900'erne, hævder Matisse ny type kunstnerisk udtryk ved hjælp af et lakonisk, skarpt og samtidig fleksibelt mønster, en skarpt rytmisk komposition, en kontrasterende kombination af få farvezoner, men intenst lys og lokal (paneler til SI Shchukins palæ i Moskva "Dance" og "Music", begge - 1910, Hermitage, Leningrad), dengang rig på nuancer af en grundlæggende tone, gennemsigtig og ikke skjulende tekstur af lærredet ("Kunstners værksted", 1911, Pushkin Museum of Fine Arts, Moskva).

I 1908-1912 byggede Matisse næsten udelukkende ren farve (i sjældne tilfælde bruger han overgange, blandede toner) sine malerier på tre grundtoner. "Satyr og nymfe" - harmonien mellem grønt, lyserødt og blåt, "Dans" - blå, grøn og rød, stilleben er bygget på harmonien mellem lilla, gul og rød eller blå, violet og pink. Omkring 1912 vender han sig til de fireklingende farver, og en af de fire toner på billedet får et meget lille sted: "Tanger" - blå, orange, lyserød, rød, "På terrassen" - lilla, grøn, lyserød, blå. "Indgang til Kazba" - rød, blå, grøn, lyserød. V senere år han griber til mere komplekse kombinationer og udvider sin palet markant og introducerer et større udvalg af nuancer.

Her er det vigtigt at afsløre betydningen af Matisses ord om interaktionen mellem rene toner. Når vi taler om nuancer, betyder Matisse naturligvis ikke gradueringerne af tonens mætning - hvidheden, hvilket også er muligt, når du bruger en ren farve (på italienske og russiske primitiver). Han har tilsyneladende heller ikke i tankerne de imaginære nuancer, som beskueren skulle opfatte ved kollision af mættede farveplaner, en slags ekko af den neo-impressionistiske teori om optisk farveblanding. Denne vibration er for lille, og fornemmelsen af mellemtoner er forbigående. Her det kommer naturligvis om behovet for at indføre overgangstoner, hvortil Matisse senere kom.

Matisse arbejder i ren farve og ønsker, som enhver maler, at undgå monotoni - billedets modsætning, men det vil ikke altid lykkes, og nogle af hans ting er præget af monotoni (panel "Musik"). På den anden side vil han i 10'erne bevare farvens renhed med alle midler. Da han undgår at blande maling, anvender han en teknik, der ligner de gamle mesters ruder, og lægger sig på mørk maling lettere, for eksempel pink - hvid, blå - lilla osv. For derefter at få malingen til at vibrere gnider han den kraftigt ind i lærredet, i stedet for at bruge hvidt, får den til at skinne igennem.

Kontinuerligt arbejde med tegning tillod Matisse at blive en virtuos af penslen. Konturerne i hans malerier er trygt trukket med et slag. Hans malerier ligner ofte (især i reproduktion) penseltegninger. Deres effekt er ofte baseret på en mesterlig, fed berøring.

Nogle gange bruger han lag med forskellig tæthed (for eksempel i "Pige med tulipaner") og skubber en farve frem til skade for en anden. En række ting fra 1912 er dog skrevet med en glat, ensformig tekstur. Hvis overfladen af andre Matisses malerier kan virke tør og ensformig, så indikerer dette ikke en tilsidesættelse af malematerialet, utænkeligt i en stor kunstner, men en ejendommelig frygt for vold mod materialet. For Matisse, som dekorativ kunstner, er sammensmeltningen af billedet med dets base, lærredet særlig vigtig, hvis hvidhed og struktur bliver taget i betragtning af ham lige så meget som monumentalisten tager hensyn til vægens overflade. Men da han husker basen, glemmer Matisse nogle gange selve malingen, åh specifikke funktioner og mulighederne for oliemaleri.

Af særlig betydning er teknikken med ufuldstændige detaljer, især godt mærkbar i "marokkansk", "boldspil" og andre ting; farven på de steder, som kunstneren ønskede at overdøve, bliver ikke dæmpet, men der er et tomt lærred tilbage (som nogle gange gøres for at afsløre lys), eller detaljen forbliver undermalet (for det meste arme, ben osv.). Matisse begrænser sig til mat, flydende maling og betaler ikke særlig opmærksomhed spørgsmål om tekstur. Dette er et utvivlsomt hul i hans arbejde, især hvis man sammenligner hans mange års hårde arbejde med farvekontraster, en slags videnskabeligt arbejde om undersøgelsen af den psykofysiske reaktion på en bestemt farvekontrast. Matisse er ikke tilfreds med systemet med ekstra toner, opdaget af Delacroix, bragt ind i et system af impressionisterne. Han leder efter dissonanser, skrigende, hårde aftaler; her er en parallel til nutidens musik fra Stravinsky, Strauss og andre mulig.Ligesom disse komponister er han påvirket af angst, psykologisk ustabilitet, overdrevent øgede følelser hos den moderne borgerlige.

På den tilbageholdende, stramme måde i Matisses værker fra anden halvdel af 10'erne er kubismens indflydelse mærkbar ("The Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, New York); 1920'ernes værker, på den anden side, kendetegnes ved deres vitale spontanitet af motiver, deres koloristiske variation og blødhed i deres forfatterskab ("Odalisque" -serien). I 30-40'erne opsummerer Matisse sådan set opdagelserne fra tidligere perioder og kombinerer søgen efter gratis dekorativitet på Fauvisms tid med en analytisk klar konstruktion af kompositionen (frise i Barnes Museum "Dance", 1931- 32, Merion, Philadelphia, USA), med et subtilt nuanceret farvesystem ("Plum tree branch", 1948, privat samling, New York).

Matisses arbejde som helhed er kendetegnet ved en række fælles træk... Søger at imødegå de turbulente spændinger i det 20. århundredes liv Evige værdier liv, genskaber han sin festlige side - en verden af endeløs dans, rolig fred i idylliske scener, mønstrede tæpper og tekstiler, mousserende frugter, vaser, bronzer, kar og figurer. Matisses mål er at fange seeren til dette område. ideelle billeder og drømme, for at give ham en følelse af fred eller vag, men fortryllende angst. Den følelsesmæssige virkning af hans maleri opnås primært ved den ekstreme mætning farver, musikaliteten af lineære rytmer, hvilket skaber effekten af den indre bevægelse af former, endelig den fuldstændige underordning af alle billedkomponenterne, som objektet undertiden bliver til en slags arabesk, en blodprop af ren farve (rød fisk , 1911; Stilleben med en skal, 1940; begge værker - på Pushkin Museum of Fine Arts).

Matisse opnår integritet og på samme tid billedlig mangfoldighed først og fremmest ved at realisere en ægte og organisk forbindelse mellem farve og form - lineær -plan. Farve er så fremherskende over form for ham, at det kan betragtes som det sande indhold i hans malerier, og alt andet er bare en funktion af blændende, kraftfuld farve. Tegning som sådan i Matisse har altid været underordnet kvaliteten af dens farve, udviklingen af linjen gik parallelt med udviklingen af billedkvaliteter. I perioden med de første søgninger, lidt træg og omtrentlig ("Aftensbordet"), bliver hans tegning gradvist mere og mere akut og udtryksfuld. Matisse maler meget og utrætteligt fra livet, hans tegninger er i hundredvis, han er en ægte tegningens virtuose. Hans dygtighed er tydeligt tydelig i enhver af hans livlige, fremherskende skitser fra modeller. Først og fremmest bemærkelsesværdig er den nøjagtighed, hvormed han placerer figuren på arket og umiddelbart finder korrespondancen mellem dets proportioner og papirets plan. Selv hans skitser er kompositoriske; de passer normalt ind i en udtryksfuld arabesk, der skærer flyet diagonalt. Et stykke natur af en modtagelig kunstner synes umiddelbart at blive forvandlet til et spil af dekorative pletter og streger; på samme tid reduceres imidlertid vitaliteten slet ikke, men snarere stærkt understreget. Uden at tænke på detaljerne griber Matisse selve bevægelsesaksen, generaliserer vittigt kroppens bøjninger, giver integritet og regelmæssighed til formuleringerne af former. Matisses tegninger er så skarpe, dynamiske, forenklede og lakoniske, deres plasticitet er så unik, at de ikke kan blandes med andre værker af andre berømte tegnere i hans tid. I livlighed og spontanitet er de ikke ringere end japanske, i dekorativitet - i persisk miniatur, i udtryksfuldhed af linjer - i Delacroix tegninger. Desuden er deres grundlag slet ikke "virtuositet", ikke en afhængighed af spektakulære slag - de er konstruktive i sand forstand, for de afslører plastisk form med fuldstændig overbevisning.

Matisse Henri Emile Benois (31.12.1869, Le Catot, Picardie, - 03.11.1954, Cimiez, nær Nice), fransk maler, grafiker og billedhugger.

På hvilken måde opnår Matisse en så stærk farveeffekt? Først og fremmest ekstremt fremhævede farvekontraster. Lad os give ordet til kunstneren selv: "I mit maleri" Musik "er himlen malet i smuk blå, den blå af det blå, flyet er malet med en farve så mættet, at blå er fuldstændig manifesteret, tanken om Absolut blå; for træerne tog de rent grønt, for ligene - ringende cinnabar. Et særligt træk: formularen blev ændret i henhold til påvirkningen fra tilstødende farveplaner, fordi udtrykket afhænger af den farveoverflade, der er dækket af seeren som helhed ”.

Efter at have modtaget en juristeksamen arbejdede han som advokat (1889-1891). Studerede i Paris - på Julian Academy (fra 1891) under AV Bouguereau, på School of Decorative Arts (fra 1893) og på School of Fine Arts (1895-99) under G. Moro; kopierede værker af gamle franske og hollandske mestre. Oplevede indflydelsen fra neo -impressionismen (hovedsageligt P. Signac), P. Gauguin, kunsten i det arabiske øst, til en vis grad - det gamle russiske ikonmaleri (han var en af de første i Vesten, der satte pris på dens kunstneriske fortjeneste ; i 1911 besøgte han Moskva). Efter at have stiftet bekendtskab med impressionisternes, postimpressionisternes og den engelske maler J. Turners arbejde begyndte A. Matisse at bruge mere mættede farver, idet de foretrak lysfarver ("Bois de Boulogne", ca. 1902, Pushkin Museum, Moskva; "Luxembourg Have", c. 1902, Eremitagen, Skt. Petersborg). Han var stærkt påvirket af kunsten til P. Cezanne (Nude. Servant, 1900, Museum of Modern Art, New York; Dishes on the Table, 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Fra anden halvdel af 1900'erne etablerede Matisse en ny form for kunstnerisk udtryksfuldhed ved hjælp af et lakonisk, skarpt og samtidig fleksibelt mønster, en skarpt rytmisk komposition, en kontrasterende kombination af få farvezoner, men intenst lys og lokal ( panel for S. I. Shchukin i Moskva "Dance" og "Music", begge - 1910, Hermitage, Leningrad), derefter rig på nuancer af en grundlæggende tone, gennemskinnelig og ikke skjuler tekstur af lærredet ("Artist's Workshop", 1911, Museum of Fine Arts opkaldt efter A. S. Pushkin, Moskva).

I 1908-1912 byggede Matisse næsten udelukkende ren farve (i sjældne tilfælde bruger han overgange, blandede toner) sine malerier på tre grundtoner. "Satyr og nymfe" - harmonien mellem grønt, lyserødt og blåt, "Dans" - blå, grøn og rød, stilleben er bygget på harmonien mellem lilla, gul og rød eller blå, violet og pink. Omkring 1912 vender han sig til de fireklingende farver, og en af de fire toner på billedet får et meget lille sted: "Tanger" - blå, orange, lyserød, rød, "På terrassen" - lilla, grøn, lyserød, blå ... "Indgang til Kazba" - rød, blå, grøn, lyserød. I senere år tyede han til mere komplekse kombinationer og udvidede sin palette betydeligt og introducerede et større udvalg af nuancer.

Her er det vigtigt at afsløre betydningen af Matisses ord om interaktionen mellem rene toner. Når vi taler om nuancer, betyder Matisse selvfølgelig ikke gradueringerne af tonens mætning - hvidhed, hvilket også er muligt, når du bruger en ren farve (på italienske og russiske primitiver). Han har tilsyneladende heller ikke i tankerne de imaginære nuancer, som beskueren skulle opfatte ved kollision af mættede farveplaner, en slags ekko af den neo-impressionistiske teori om optisk farveblanding. Denne vibration er for lille, og fornemmelsen af mellemtoner er forbigående. Her taler vi naturligvis om behovet for at indføre overgangstoner, som Matisse senere kom til.

Matisse arbejder i ren farve og ønsker, som enhver maler, at undgå monotoni - billedkunstens modsætning, men det vil ikke altid lykkes, og nogle af hans ting er præget af monotoni (panel "Musik"). På den anden side vil han i 10'erne bevare farvens renhed med alle midler. Da han undgår at blande farver, griber han til en teknik, der ligner de gamle mesters ruder, og lægger på en lysere mørk maling, for eksempel pink - hvid, blå - lilla osv. For derefter at få malingen til at vibrere gnider han den kraftigt ind i lærredet, i stedet for at bruge hvidt, får den til at skinne igennem.

Nogle gange bruger han lag med forskellig tæthed (for eksempel i "Pige med tulipaner") og skubber en farve frem til skade for en anden. En række ting fra 1912 er dog skrevet med en glat, ensformig tekstur. Hvis overfladen af andre Matisses malerier kan virke tør og ensformig, så indikerer dette ikke en tilsidesættelse af malematerialet, utænkeligt i en stor kunstner, men en ejendommelig frygt for vold mod materialet. For Matisse, som dekorativ kunstner, er sammensmeltningen af billedet med dets base, lærredet særlig vigtig, hvis hvidhed og struktur bliver taget i betragtning af ham lige så meget som monumentalisten tager hensyn til vægens overflade. Men når han husker basen, glemmer Matisse undertiden selve malingen, de særlige træk og muligheder ved oliemaleri.

Af særlig betydning er teknikken med ufuldstændige detaljer, især godt mærkbar i "marokkansk", "boldspil" og andre ting; farven på de steder, som kunstneren ønskede at overdøve, bliver ikke dæmpet, men der er et tomt lærred tilbage (som nogle gange gøres for at afsløre lys), eller detaljen forbliver undermalet (for det meste arme, ben osv.). Matisse begrænser sig til mat, flydende maling og er ikke særlig opmærksom på teksturproblemer. Dette er et utvivlsomt hul i hans arbejde, især hvis vi sammenligner hans langsigtede hårde arbejde med farvekontraster, en slags videnskabeligt arbejde med undersøgelsen af den psykofysiske reaktion på denne eller den farvekontrast. Matisse er ikke tilfreds med systemet med ekstra toner, opdaget af Delacroix, bragt ind i et system af impressionisterne. Han leder efter dissonanser, skrigende, hårde aftaler; her er en parallel til nutidens musik fra Stravinsky, Strauss og andre mulig.Ligesom disse komponister er han påvirket af angst, psykologisk ustabilitet, overdrevent øgede følelser hos den moderne borgerlige.

Matisses arbejde som helhed har en række fællestræk. I et forsøg på at modsætte livets evige værdier sig til det turbulente spændinger i det 20. århundredes liv genskaber han dens festlige side - en verden af endeløs dans, fredfyldt ro i idylliske scener, mønstrede tæpper og tekstiler, mousserende frugter, vaser, bronzer , fartøjer og figurer. Matisses mål er at trække betragteren ind i denne sfære af ideelle billeder og drømme, at formidle en følelse af fred eller en vag, men fortryllende angst til ham. Den følelsesmæssige virkning af hans maleri opnås først og fremmest af den ekstreme mætning af farveskalaen, musikaliteten i lineære rytmer, der skaber effekten af den indre bevægelse af former, og endelig ved fuldstændig underordning af alle komponenterne i billedet, for hvilket objektet nogle gange bliver til en slags arabesk, en blodprop i ren farve ("Rød fisk", 1911; "Stilleben med en skal", 1940; begge værker er i Pushkin Museum of Fine Arts).

Matisse opnår integritet og på samme tid billedlig mangfoldighed først og fremmest ved at realisere en ægte og organisk forbindelse mellem farve og form - lineær -plan. Farve er så fremherskende over form for ham, at det kan betragtes som det sande indhold i hans malerier, og alt andet er bare en funktion af blændende, kraftfuld farve. Tegning som sådan i Matisse har altid været underordnet kvaliteten af hans farve, udviklingen af linjen gik parallelt med udviklingen af billedkvaliteter. I perioden med de første søgninger, lidt træg og omtrentlig ("Aftensbordet"), bliver hans tegning gradvist mere og mere akut og udtryksfuld. Matisse maler meget og utrætteligt fra livet, hans tegninger er i hundredvis, han er en ægte tegningens virtuose. Hans dygtighed er tydeligt tydelig i enhver af hans livlige, fremherskende skitser fra modeller. Først og fremmest bemærkelsesværdig er den nøjagtighed, hvormed han placerer figuren på arket og umiddelbart finder korrespondancen mellem dets proportioner og papirets plan. Selv hans skitser er kompositoriske; de passer normalt ind i en udtryksfuld arabesk, der skærer flyet diagonalt. Et stykke natur af en modtagelig kunstner synes umiddelbart at blive forvandlet til et spil af dekorative pletter og streger; på samme tid reduceres imidlertid vitaliteten slet ikke, men snarere stærkt understreget. Uden at tænke på detaljerne griber Matisse selve bevægelsesaksen, generaliserer vittigt kroppens bøjninger, giver integritet og regelmæssighed til formuleringerne af former. Matisses tegninger er så skarpe, dynamiske, forenklede og lakoniske, deres plasticitet er så unik, at de ikke kan blandes med andre værker fra andre berømte tegnere i hans tid. I livlighed og spontanitet er de ikke ringere end japanske, i dekorativitet - i persisk miniatur, i udtryksfuldhed af linjer - i Delacroix tegninger. Desuden er deres grundlag slet ikke "virtuositet", ikke en afhængighed af spektakulære slag - de er konstruktive i sand forstand, for de afslører plastisk form med fuldstændig overbevisning.

Som grafiker, der arbejder med en pen, blyant, trækul, ætsning, linocuts og litografi, opererer Matisse hovedsageligt med en streg, tynd, undertiden diskontinuerlig, nogle gange lang og rund, der skærer gennem en hvid eller sort baggrund [serie "Temaer og variationer ", trækul, pen, 1941; illustrationer: til "Digte" af Mallarmé, til "Pasiphae" af de Montherlant, til "Digte af kærlighed" af Ronsard]. I 40'erne tyede Matisse ofte til teknikken med applikationer fra farvet papir (Jazz-serien, 1944-47). Matisse vendte sig til skulptur fra begyndelsen af 1900'erne, men især ofte i 20-30'erne (relief "nøgen kvindefigur bagfra", bronze, 1930, Kunstmuseum, Zürich). Sidste arbejde Matisse - indretning (inklusive farvede ruder) i "Rosenkransens kapel" i Vence, nær Nice (1953). Matisse døde på Cimieux nær Nice den 3. november 1954.

En fremragende tegner, Matisse var overvejende en kolorist, der opnåede effekten af en harmonisk lyd i sammensætningen af mange intense farver. Sammen med malerier kendes hans strålende tegninger, graveringer, skulpturer, tegninger til stoffer. Et af kunstnerens største værker var udsmykningen og farvede ruder i det dominikanske kapel i rosenkransen i Vence (1951).

Franske malere sent XIX- begyndelsen af det 20. århundrede var meget delvis til dans. Graciøse ballerinaer Degas og den prægtige primakabaret fra Toulouse-Lautrec er bare forskellige inkarnationer af moderigtigt dans tema... Den store Henri Matisse var ingen undtagelse. "Jeg elsker virkelig dans. En fantastisk ting er dans: liv og rytme. Det er let for mig at leve med dans," indrømmede mesteren. Og selvom billederne af Matisse er fremmed for realisme, og hans dekorative lærreder har lidt tilfælles med bronzepiger i tutus, har dansens tema altid dukket op på alle vendepunkter i hans karriere.

Den første runddans optrådte i kunstnerens tidlige maleri "Livets glæde". Dette tema fandt sin udvikling 4 år senere, da Matisse begyndte at arbejde på de gigantiske paneler "Dance" og "Music" bestilt af den berømte russiske samler og filantrop S. I. Shchukin. Men allerede før det, i 1907, lavede mesteren et trærelief med dansende nymfer og flere forfattervaser af samme motiv. Derefter gik Matisse i gang med at skabe et monumentalt lærred til Shchukins Moskva -palæ.

"Da jeg havde brug for at danse for Moskva, gik jeg bare til Moulin de la Galette i søndags. Jeg så på danserne. Jeg kunne især godt lide farandolaen ... Da jeg vendte tilbage til mit sted, komponerede jeg min fire meter lange dans, synger den samme melodi ". De lyse røde figurer, der cirkler i en vanvittig runddans, glædede ikke kun kunden, men bragte også skaberen af billedet velfortjent berømmelse. Det er ikke tilfældigt, at næsten et kvart århundrede senere vender Matisse igen tilbage til temaet dans.

Ordren, som kom i 1930 fra den berømte amerikanske samler Albert Barnes, var virkelig vanskelig: det dekorative lærred skulle placeres i de buede hvælvinger over vinduerne. Den eminente klient overlod klogt valget af tema og teknik til kunstnerens skøn. Men da han vendte sig til sit yndlingsemne, skabte Matisse et værk, der på ingen måde ligner det dynamiske og spektakulære "Shchukin" -panel.

Den parisiske dans "blev undfanget af Matisse i det syvende årti. Ikke desto mindre betragtes det som et af kunstnerens mest vovede og innovative værker. Og alt fordi forfatteren især for denne ordre fandt på og udviklede en original teknik til decoupage (som på fransk betyder "udskåret"). Som et kæmpe puslespil blev billedet samlet fra separate fragmenter. Fra ark, der tidligere var malet med gouache, klippede maestroen personligt figurer eller stykker af baggrunden med en saks, som derefter var ( ifølge tegningen angivet med trækul) fastgjort til basen med stifter. den sidste fase - tegning af maling på lærredet - fandt sted ved hjælp af en maler, der handlede efter kunstnerens instruktioner.

Decoupage -værker betragtes som mesterværker af sen og meget sen Matisse. Da han allerede var en syg gammel mand, sengeliggende, slap han ikke saksen og krævede konstant farvet papir.

Faktisk findes panelet "Parisian Dance" i tre versioner. Den tidligste, men ufuldstændige version er i det væsentlige en forberedende skitse. Med det andet, allerede næsten gennemførte fuldgyldige arbejde, kom der en offensiv tabbe: Matisse begik en fejl i rummets størrelse, og hele lærredet skulle omskrives på ny. Den endelige version blev godkendt af klienten og sejlede med succes til udlandet. Og den forrige, "defekt", tegnede kunstneren på, og i 1936 indrømmede han en beskeden belønning til museet for moderne kunst i byen Paris.

I dag betragtes "Pariserdansen" med rette som perlen i samling af dette museum - det er ikke uden grund, at der blev bygget en særlig hal til at udstille det gigantiske lærred. Maleriet var fast fastgjort over tre vinduer i buede hvælvinger og, som museets direktør ærligt indrømmer, "indebærer ikke mulighed for transport."

Men her var beboerne i Sankt Petersborg og Moskva utroligt heldige: Museum of Contemporary Art i Paris blev lukket for en langsigtet genopbygning. Det unikke panel blev sendt til Rusland med en bred gestus: først hang det i tre måneder Statens Eremitage, og ankommer nu (fra 6. september) til Pushkin State Museum of Fine Arts. Og endnu en interessant detalje: mens han arbejdede med "Pariserdansen", mødte Henri Matisse en simpel russisk kvinde, Lydia Nikolaevna Delektorskaya, der først blev sekretær, derefter en uerstattelig assistent og sygeplejerske, og derefter - kunstnerens nærmeste ven og sidste muse . I oktober 1933 flyttede Lydia Delektorskaya til Matisse -huset og "blev" der i næsten 22 år, indtil den store mester døde.

Matisse-panelerne "Dance" og "Music", som gjorde en skandaløs fornemmelse på udstillingen i Paris Efterårssalon i 1910, blev bestilt af den dengang allerede kendte franske kunstner, russiske industrimand og samler S. Shchukin, der inviterede Matisse til Moskva, introducerede ham for V. Bryusov, V. Serov, N. Andreev, gav mulighed for at se gamle russiske ikoner, hvorfra den franske kunstner var henrykt.

Sådan præsenterede Matisse ideen om disse to lærreder: "Jeg forestiller mig, at en besøgende kommer ind. Første sal åbner op foran ham. Han skal gå videre, gøre en indsats, han skal inspirere en følelse af munterhed. Mit første panel viser en dans, en rund dans på toppen af en bakke. På anden sal. Du er allerede inde i huset, hersker stilhedens ånd her, og jeg ser en musikscene med opmærksomme lyttere ... "Matisse så også den tredje scene, som legemliggjorde fuldstændig fred.

Hovedopgaven for ham var at opnå integriteten af disse staffeli -malerier, som ikke har meget at gøre med det arkitektoniske og dekorative ensemble. I begge kompositioner kan man mærke ekkoet af Matisses Fauvist -kompositioner, der er lavet under det direkte indtryk af de franske folkedanse, han så i Sydfrankrig.

De, der kendte kunstneren godt, sagde, at selvom Shchukin ikke havde beordret ham en anden komposition, ville den stadig være født. I den dynamiske, hektiske "dans" kan man se komplekse forkortelser, en usædvanlig sammenvævning af hænder og kroppe, og i den modsatte rytme til "Musik" er grundlaget for den kompositionsmæssige løsning ikke dynamik, ikke bevægelse, men den absolutte immobilitet af løsrevet , frontalt placerede figurer. To lærreder, det ene med fem dansende figurer, det andet med fem siddende ildfigurer, er ens i farveskala, i planlæsning af formen, i abstrakt tema, men modsat i rytme. Matisse, som han selv skrev, malede sine malerier "til mætning, så ... det blå er fuldstændigt afsløret, som ideen om absolut blå."

Efter at "Dance" og "Music" forårsagede en skandale på Salon d'Automne, nægtede S. Shchukin at tage dem væk og forklarede dette ved beskedenhed ved udarbejdelsen af nogle figurer. Unge piger havde netop slået sig ned i hans hus, og han ønskede ikke at gøre dem i forlegenhed. Men efter et stykke tid ændrede han ikke desto mindre mening. Matisse var imidlertid nødt til at lægge lidt rød maling på figuren af fløjtenistens dreng for at skjule tegn på køn. Nu vises Matisses paneler "Dance" og "Music" i State Hermitage Museum i Skt. Petersborg.

Henri Matisse var glad for impressionisterne og neo-impressionisterne, Gauguin, det arabiske østs kunst, i en alder af 35 år blev han leder af Fauves. Hans farveskema er elegant og sofistikeret, og meget musikalske lineære rytmer skaber effekten af indre bevægelse. Ingen af tilhængerne af Matisse formåede at opnå sådan, som han gjorde, fuldstændig kompositorisk og dekorativ underordning af alle elementer i billedet, han forbliver fuldendt mester dekorativt maleri... Han skabte selv sin egen, unikke verden af musik, hurtig dans, en verden af funklende figurer, vaser og frugter, en verden af fredfyldt fred og glædelig glemsel.

Henri Matisse blev født den 31. december 1869 i det nordlige Frankrig i Cato Cambresi og tilbragte sin barndom i Boen-en-Vermandois. Hans far var kornhandler og drømte om, at hans søn ville blive advokat. Efter Lyceum Saint-Quentin studerede Matisse jura i Paris, arbejdede for en advokat i Boen-en-Vermandois. Han forsøgte først at male, efter at han var indlagt på hospitalet og blev opereret - blindtarmsbetændelse blev fjernet. I en alder af 20 begyndte han at male på School of Ventin de la Tour, og i 1891 tog han til Paris, hvor Bouguereau og Ferrier forberedte ham på optagelse på School of Fine Arts. På aftenkurser på School of Decorative Arts mødte han Albert Marquet, gik ind på værkstedet for Gustave Moreau på School of Fine Arts. Han kopierede meget i Louvre, rejste til Bretagne og udstillede i 1897 på Salon of National Society of Fine Arts et af hans mest betydningsfulde impressionistiske værker - maleriet "Dessert".

Matisse blev ofte kaldt møllersøn og mand. I 1898 giftede han sig med den smukke høje sydlige Amelia-Noe-mi-Alexandrine-bøn. Og sammen tog de til London, hvor Matisse første gang så værkerne fra "solens herald", romantikeren, der blev idoliseret af impressionisterne - Turner. En af Matisses venner mindede om, at Matisse sagde, at han elskede London, fordi "han først mødte ham i hans Bryllupsrejse".

Efter London tog kunstneren til Korsika, til Toulouse. Da Moreau døde, forlod Matisse School of Fine Arts og begyndte i samme 1899 at deltage i Carriere Academy, tog skulptur (i aftenkurser). Blandt hans venner var Pissarro, Derain, Puy, Marquet, med hvem han malede en dekorativ frise, Mignac, Cross, Maillol og andre berømte kunstnere fra den tid.

I 1901 begyndte Matisse at udstille sit arbejde på Salon of the Independent, Berthe Weil Gallery og Salon d'Automne. Arbejde i 1904 med Signac og Cross, Matisse var fascineret af divisionisme - et billedsystem, der var baseret på den metodiske nedbrydning af en kompleks farvetone til rene farver, fastgjort på lærredet med separate streger, der regnede med deres optiske blanding i visuel opfattelse.

Og i 1905 blev Matisse leder af en ny trend - Fauvisme. På Salon d'Automne blev Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta udstillet sammen med ham, der delte hans synspunkter om maleri, ligesom ham, forsøgte at fokusere på farveskemaet i deres kompositioner, baseret dem på forholdet af lyse lokale farvepletter.

I 1906 udstillede Matisse på Salon of the Independent en af sine største kompositioner, "Livets glæde", som senere tjente som grundlag for panelet "Dans". I løbet af denne tid lavede han træsnit og litografier. Et stykke tid tog jeg til Algeriet og derefter til Italien.

I 1907 brød Fauvist -gruppen op, og Matisse åbnede sit eget værksted. Hans malerier udstilles i New York, Moskva, Berlin. Han udgav Noter af en maler og bosatte sig i forstæderne i Paris, Issy-les-Moulineaux.

I 1910 brød en skandale ud i Salon d'Automne på grund af hans paneler "Dance" og "Music". I 1911 besøgte Matisse Moskva, i 1912 - Marokko begyndte at udstille skulptur. Siden dengang har hans soloudstillinger været afholdt i mange byer rundt om i verden, og Bernheim-Gen-galleriet organiserede regelmæssigt hans personlige udstillinger.

I 1920 lavede Henri Matisse på anmodning af S. Diaghilev modeller af sceneri og skitser af kostumer til russiske balletter.

I 1921 flyttede han til Nice, begyndte at arbejde videre bogillustrationer og bestilt af den amerikanske Barnes lavede et monumentalt maleri-panel "Dance", som blev installeret i byen Merion i 1933.

Kunstnersønnen Pierre åbnede sit eget galleri i New York, hvor han udstillede sin fars arbejde. Efter at have gennemgået en vanskelig operation i 1941, arbejdede Matisse i de senere år mere som bogkunstner og blev interesseret i collager.

Mest af alt elskede Matisse at male blomster, træer og kvinder. Sådan skrev han selv om sit arbejde: ”Jeg er helt afhængig af min model, som jeg studerer, når hun er fri for at posere, og først derefter beslutter jeg mig for at vælge en pose til hende, der passer bedst til hendes væsen. ny model, Jeg ser en passende pose til hende, når hun er i en tilstand af afslapning og hvile, og jeg bliver slave af denne stilling. Jeg arbejder nogle gange med disse piger i mange år, indtil interessen tørrer. Mine plastiktegn udtrykker måske deres sindstilstand ... som interesserer mig uberegneligt ... "

Derfor er hans kvinder som blomster, og blomsterne er som levende mennesker ...

Matisse gav en ny vision om verden. Hvis store Leonardo da Vinci hævdede, at maleriets største mirakel er evnen til at formidle en tings volumen, derefter oversatte Matisse alt til et plan. Æblet har vendt sig fra en kugle til en cirkel. Matisse tog dybden fra maleriet og begyndte at ændre naturen, hvilket gjorde det i overensstemmelse med hans tanker. Han kunne underkaste menneskeskikkelsen til ornamentets linje, som det sker i hans "Røde værelse", han kunne flytte figuren i forhold til støtten - dette gjorde han i "Standing Dawn". Selv hans gulv blev pludselig skrånende, og farverne gav en fysisk fornemmelse af strømmende lummer luft ("Indgang til Kozba") eller kølig rent vand i akvariet ("Rød fisk").

Med hvilken glæde Matisse malede mønstre af orientalske tæpper, hvor omhyggeligt opnåede han præcise, harmoniske farveforhold! Smuk, fuld af mystisk indre lys og hans stilleben, portrætter, nøgen.

Kunstkritikere siger, at hvis Matisse ikke var en maler, ville han have indtastet de ti bedste franske billedhuggere. Han var den første til at bruge deformation for udtryks skyld, og som han selv indrømmede, hvis Mayol, som en mester i antikken, arbejdede i mængder, opnåede han, ligesom renæssancens mestre, fascineret af arabesker, en udsøgt silhuet linje. En af de mest berømte bronzestatuer af Matisse, "Large Seated Nude" blev oprettet i 1920'erne - samtidig med hans lærreder "Odalisque" og "Nude Sitting on a Blue Pude".

Samtidige sagde, at når Matisse skulpturerede, fugtede han for ofte leret, og fra dette, når maskinen vendte, faldt figurerne ofte og faldt sammen. Derefter tog Matisse en børste i hænderne og overførte sit plastiksyn til lærredet.

En af de sidste store værker Henri Matisse var designet af "Rosenkransens kapel" i Vance nær Nice, hvor han fra 1948 til 1951 arbejdede som arkitekt og som maler og som billedhugger og som dekoratør.

Tegning, usædvanlig, lys, plastik, har altid indtaget et af hovedstederne i Matisses arbejde. I 1920'erne var hans tegninger veludviklede og specifikke, senere blev han interesseret i penseltegninger, som viste sig at være overraskende farverige. I 1919 dukkede der blandt hans tegninger op "temaet for en hat med strudsfjer", i 1935 - "spejlets tema", i 1940 - "temaet for en kvinde i en lænestol" og i 1944 - et "tema for fersken ". I tegningsteknikken - monumental, billedligt plastisk - blev også hans sidste maleri i "Rosenkransens kapel" lavet.

Louis Aragon skrev i sin usædvanlige roman "Henri Matisse":

Hele livet

Tegn ham et ord, der lyder i ham ...

I 1952 blev Henri Matisse -museet åbnet i Cato Cambresi. Åbnet i kunstnerens levetid.

I en artikel med titlen "Du skal se på verden med et barns øjne," afslørede Henri Matisse hemmeligheden ved friskheden og charmen ved hans værker: "Jeg tror, at for en kunstner er der intet vanskeligere end at male en rose ; men han kan kun skabe sin egen rose ved at glemme roser skrevet før ham ... Det første skridt til kreativitet er at se hvert objekts sande udseende ... At skabe er at udtrykke, hvad der er i dig. "

Lysstyrke i farver, enkelhed i teknik, udtryk - malerierne af den franske kunstner Henri Matisse forbløffer med deres originalitet. Lederen af Fauvisme prøvede en masse tendenser inden for billedkunsten, inden han fandt sin egen stil, præget af en "vild" karakter.

Barndom og ungdom

Fødestedet for den store kunstner er den nordlige by Le Cato Cambresi i Frankrig. Her i 1869 i familien til en succesrig kornhandler blev den førstefødte født, der fik navnet Henri Emile Benoit Matisse. Barnets skæbne var en forudgående konklusion - på det tidspunkt var den første arving i familien forpligtet til at overtage faderens virksomhed i fremtiden. Men tilsyneladende arvede drengen generne til sin mor, som elskede at være væk fritid til maling af keramikhåndværk.

Henri var forberedt på fremtiden i detaljer, han studerede i skolen og derefter på lyceum. Desuden drog den stædige søn mod viljen fra familiens overhoved til Paris for at forstå juridisk videnskab. Med et diplom langt fra kunst vendte han hjem, hvor han arbejdede i flere måneder som fuldmægtig.

Skæbnen blev bestemt af sygdommen. Kreativ biografi begavet kunstner begyndte i 1889, da Henri Matisse kom under kniven på en kirurg med blindtarmsbetændelse.

Han kom sig efter operationen i to måneder. For at sønnen ikke skulle kede sig, bragte hans mor tegneforsyninger til hospitalet, og Matisse begyndte uselvisk at kopiere farvekort. På dette tidspunkt forstod den unge mand endelig, hvad han ville bruge sit liv på.

Maleri

Drømmen om at blive student ved Moskva School of Fine Arts blev ikke til virkelighed. Henri mislykkedes sin debutoptagelse, så han måtte først sidde ved andres skriveborde uddannelsesinstitutioner, hvor de introducerede dig til det grundlæggende i maleri. Og alligevel, i 1895, overgav "fæstningen" - sammen med den kommende berømte kunstner Albert Marquet Matisse kom han ind på den eftertragtede kunstskole i værkstedet for Gustave Moreau.

Interessekredsen i begyndelsen af kreativiteten inkluderet moderne kunst Henri Matisse var også nysgerrig efter den japanske retning. Symbolist til kernen i Moreau sendte sine elever til at lære at "lege med farve" i Louvre, hvor Henri forsøgte at efterligne maleriets klassikere ved at kopiere malerier. Mesteren lærte at "drømme om farve", hvor kunstneren Matisse udviklede en passion for at finde passende nuancer til at formidle følelser.

V tidligt arbejde en blanding af Moros lære med lånte elementer fra anerkendte penselmestre er allerede dukket op. For eksempel er stilleben "En flaske schidam" kendt for sin tvetydighed: på den ene side forråder mørke farver efterligning af Chardin og brede streger og en blanding af sort og sølv -. Senere indrømmede Henri:

”Jeg opfatter den ekspressive side af farve rent intuitivt. Gengivelse af efterårets landskab, jeg kan ikke huske, hvilke farvenuancer der er egnede til denne årstid, jeg vil kun blive inspireret af efterårets fornemmelser ... Jeg vælger farver ikke i henhold til nogen videnskabelig teori, men efter følelse, observation og erfaring. "

Studiet af klassikerne kedede hurtigt kunstneren, og han vendte sig til impressionisterne, især elskede lærreder. Farven i de tidlige værker er stadig kedelig, men gradvist opnået rigdom, tyngdekraften mod impressionisme begyndte at forvandle sig til sin egen unikke stil. Allerede i 1896 begyndte de første kreationer af en håbefuld maler at dukke op i kunstsaloner.

Den første soloudstilling gav ikke et stænk i kunstkendernes kredse. Henri Matisse besluttede at forlade Frankrigs hovedstad længere nordpå, hvor han forsøgte sig med teknikken med punktslag. På dette tidspunkt kom det første mesterværk, "Luksus, fred og fornøjelse", ud under hans pen. Men manden fandt heller ikke denne måde at skrive "indfødt".

Revolutionen i kunstnerens arbejde kom i 1905. Matisse, sammen med en gruppe ligesindede, skabte ny stil i maleri, kaldet Fauvisme. Farvenergien, der blev præsenteret på udstillingen i efteråret, overraskede publikum. Henri præsenterede to værker - portrættet "Kvinde i hatten" og maleriet "Åbent vindue".

En bølge af forargelse faldt på kunstnerne, udstillingens besøgende forstod ikke, hvordan man kunne negligere alle traditioner så meget visuel kunst... Grundlæggerne af stilen blev døbt Fauves, det vil sige vilde.

Denne opmærksomhed, omend negativ, bragte imidlertid Matisse popularitet og godt udbytte: malerierne havde fans, der var glade for at købe dem. For eksempel tog den amerikanske forfatter Gertrude Stein straks kvinden i hatten på udstillingen, og maleriet Livets glæde, der dukkede op i 1906, blev købt af den berømte samler Leo Stein.

Lidt senere skete det væsentlig begivenhed- kunstneren mødtes med en stadig ukendt kommunikation resulterede i årtiers venskab, hvor børstens mestre konkurrerede med hinanden. Picasso sagde, at nogen af dem ville være et uopretteligt tab for alle, fordi der ikke er andre, der kan diskutere nogle kreative spørgsmål så voldsomt.

To af de mest berømte lærreder - "Dance" og "Music" - skrev Matisse til skytshelgen Sergei Shchukin. Russeren bestilte malerier til et hus i Moskva. Mens han arbejdede med skitser, satte kunstneren et mål om at skabe noget, der ville få den person, der kom ind i palæet til at føle lettelse og fred. Det er interessant, at Henri personligt overvågede installationen af malerierne - franskmanden ankom til hovedstaden i Rusland, hvor han blev modtaget med entusiasme. Kunstneren selv var imponeret over samlingen af gamle ikoner for ejeren af huset og russernes enkelhed.

Tilsyneladende modtog kunstneren et godt gebyr, fordi han straks tog på tur. Besøgte orientalsk fortælling Algeriet og hjemkomst satte sig straks på arbejde - lyset så billedet "Blue Nude". Denne rejse gjorde et uudsletteligt indtryk på Matisse, nye elementer dukker op i hans arbejde, manden laver litografier, graveringer på keramik og træ.

Østens charme slap ikke, franskmanden blev ved med at stifte bekendtskab med Afrika efter at have rejst til Marokko. Og så tog han på en rejse til Europa og Amerika. På dette tidspunkt begyndte hans arbejde gradvist at miste tegnene på Fauvisme, fyldt med subtilitet og særlig dybde, en forbindelse med naturen dukkede op.

Under anden verdenskrig blev kunstneren diagnosticeret med onkologi; efter operationen kunne manden ikke bevæge sig. I den periode opfandt Matisse en ny retning inden for decoupage, som er baseret på samling af malerier fra stykker farvet papir.

Henri Matisse satte en stopper for sit arbejde med et stort designprojekt nonnekloster i Vance. Det siges, at kunstneren kun blev bedt om at redigere skitserne i farvede glas, men han rullede entusiastisk ærmerne op og skabte et komplet projekt. I øvrigt betragtede manden dette værk som et bestemt tegn på skæbne i slutningen af sit liv og det bedste i sin sparegris af kunstneriske værker.

Personlige liv

Henri Matisses personlige liv blev prydet af tre kvinder. I 1984 blev kunstneren far for første gang - modellen Carolina Zhobleau gav den talentfulde maler en datter, Margarita. Imidlertid giftede Henri sig slet ikke med denne pige.

Den officielle kone var Amelie Pareyre, som repræsentanten for malerverdenen mødte ved en vens bryllup. Pigen fungerede som brudepige, og Anri sad ved et uheld ved siden af bordet. Amelie blev ramt af kærlighed ved første blik, den unge mand begyndte også at vise tegn på opmærksomhed. Pigen blev den første tætte person, der troede på hans talent ubetinget.

Før brylluppet advarede brudgommen bruden om, at arbejde altid vil indtage det vigtigste sted i livet. Selv på deres bryllupsrejse tog den nyfremstillede familie til London for at stifte bekendtskab med William Turners arbejde.

Sønnerne til Jean-Gerard og Pierre blev født i ægteskab. Ægtefællerne tog også Margarita med i deres familie til uddannelse. Lange år datter og kone indtog stedet for kunstnerens hovedmodeller og muser. Et af de berømte malerier dedikeret til hans kone er The Green Stripe, malet i 1905.

Dette portræt af den elskede kvinde ramte datidens kunstkendere med sin "grimhed". Publikum mente, at repræsentanten for Fauvisme gik for langt med farvernes lysstyrke og ærlige sandhed.

På toppen af populariteten, der faldt i 30'erne, havde kunstneren brug for en assistent. Matisse flyttede til Nice med sin familie på det tidspunkt. Engang dukkede en ung russisk emigrant Lydia Delektorskaya op i huset og blev malersekretær. I første omgang så konen ikke faren i pigen - hendes mand kunne ikke lide blonde. Men situationen ændrede sig øjeblikkeligt: da han ved et uheld så Lydia i sin kones soveværelse, skyndte Henri sig for at tegne hende.

Efterfølgende blev Amelie skilt fra sin berømte mand, og Dilektorskaya blev den sidste mus af Matisse. Hvilket forhold herskede i denne fagforening, var det kærlighed, eller parret var begrænset til fælles arbejde, vides stadig ikke. Blandt spredningen af tegninger og malerier, der skildrer Lydia, lærredet "Odalisque. Blå harmoni ”.

Død

Den 1. november 1954 fik Henri Matisse et mikrostik. Den store kunstner døde to dage senere. Legenden siger, at før hendes død besøgte Dilektorskaya maleren i soveværelset, hvor hun sagde:

"En anden dag, ville du sige, lad os få en blyant og papir."

Henri svarede med et smil:

"Lad os få en blyant og papir."

Kunstværker

1896 - "En flaske schidam"
1905 - "Livets glæde"
1905 - "Kvinde med hat"
1905 - "Green Stripe"
1905 - "Åbn vindue ved Collioure"
1907 - "Blå nøgen"
1908 - Det røde værelse
1910 - "Musik"
1916 - "Bader ved floden"
1935 - "Pink Nude"
1937 - "Kvinden i den lilla frakke"
1940 - Rumænsk bluse
1952 - Kongens sorg

Barndom og ungdom

Maleri

Personlige liv

Død

Kunstværker

Redaktørens valg