Japansk klassisk maleri: de mest berømte navne. Hokusai - Japans verden

Japansk maleri er en helt unik tendens inden for verdens kunst. Det har eksisteret siden oldtiden, men som en tradition har det ikke mistet sin popularitet og evne til at overraske.

Opmærksomhed på tradition

Østen er ikke kun landskaber, bjerge og Solopgang... Det er også de mennesker, der skabte sin historie. Det er disse mennesker, der har opretholdt traditionen med japansk maleri i mange århundreder ved at udvikle og formere deres kunst. Dem, der har ydet et betydeligt bidrag til japanske kunstneres historie. Det er takket være dem, at moderne har bevaret alle kanonerne i traditionelt japansk maleri.

Måden at male på

I modsætning til i Europa foretrak japanske kunstnere at male tættere på grafik end at male. I sådanne malerier kan man ikke finde de rå, skødesløse slag af olie, der er så karakteristiske for impressionisterne. Hvad er den grafiske karakter af sådan kunst som japanske træer, klipper, dyr og fugle - alt i disse malerier er tegnet så tydeligt som muligt med faste og selvsikre blækstreger. Alle objekter i kompositionen skal have en oversigt. Udfyldning inden for en sti sker normalt med akvarel. Farven skylles ud, andre nuancer tilføjes, og et eller andet sted er papirets farve tilbage. Dekorativitet er nøjagtigt det, der adskiller japanske malerier fra kunsten i hele verden.

Kontraster i maleriet

Kontrast er en anden almindelig teknik, der anvendes af japanske kunstnere. Det kan være en forskel i tone, farve eller kontrast mellem varme og kolde nuancer.

Kunstneren griber til teknikken, når han vil fremhæve et eller andet element i emnet. Det kan være en vene på en plante, et enkelt kronblad eller en træstamme mod himlen. Derefter er lyset, den oplyste del af objektet og skyggen under det (eller omvendt) afbildet.

Overgange og farver

Når man maler japanske malerier, bruges ofte overgange. De er forskellige: for eksempel fra en farve til en anden. På kronblade af åkander, pæoner kan du bemærke en overgang fra en lys skygge til en rig, lys farve.

Også overgange bruges i billedet af vandoverfladen, himlen. Den glatte overgang fra solnedgang til mørk, uddybende tusmørke ser meget smuk ud. Ved tegning af skyer bruger de også overgange fra forskellige nuancer og reflekser.

Hovedmotiverne for japansk maleri

I kunsten er alt sammenkoblet med I virkeligheden, med følelser og følelser fra dem, der er involveret i det. Som med litteratur, musik og andre former for kreativitet er der flere evige temaer i maleriet. det historiske grunde, billeder af mennesker og natur.

Japanske landskaber er varierede. Ofte i malerierne er der billeder af damme - et yndlingsmøbel for japanerne. En pryddam, et par vandliljer og bambus i nærheden - sådan ser et almindeligt billede af 17-18 århundrede ud.

Dyr i japansk maleri

Dyr er også et ofte tilbagevendende element i asiatisk maleri. Traditionelt er dette en krybende tiger eller en huskat. Generelt er asiater meget glad for, og derfor findes deres repræsentanter i alle former for orientalsk kunst.

En verden af ​​fauna er et andet tema, som japansk maleri følger. Fugle - kraner, dekorative papegøjer, luksuriøse påfugle, svaler, iøjnefaldende spurve og endda hane - alle findes i tegningerne af orientalske mestre.

Fisk er et lige så relevant emne for japanske kunstnere. Koi karper er den japanske version af guldfisken. Disse skabninger lever i Asien i alle damme, selv små parker og haver. Koi karper er en slags tradition, der hører til Japan. Disse fisk symboliserer kamp, ​​beslutsomhed, opnåelse af deres mål. Det er ikke for ingenting, at de er afbildet som flydende med strømmen, altid med dekorative bølgetoppe.

Japanske malerier: skildrer mennesker

Mennesker i japansk maleri er et specielt emne. Kunstnere skildrede geisha, kejsere, krigere og ældste.

Geisha er malet omgivet af blomster, altid i detaljerede klæder med mange folder og elementer.

Vismænd males, når de sidder eller forklarer deres disciple noget. Billedet af den gamle videnskabsmand er et symbol på Asiens historie, kultur og filosofi.

Krigeren blev portrætteret som formidabel, undertiden skræmmende. De lange var detaljerede og trådlignende.

Normalt raffineres alle detaljerne i rustningen ved hjælp af mascara. Ofte er nøgne krigere prydet med tatoveringer, der skildrer en orientalsk drage. Det er et symbol på styrke og militær magt Japan.

Herskerne blev portrætteret for de kejserlige familier. Smukke tøj, ornamenter i mænds hår er, hvad sådanne kunstværker bugner af.

Landskaber

Det traditionelle japanske landskab er bjerge. Asiatiske malere har formået at skildre en række landskaber: de kan skildre den samme top i forskellige farver, med en anden atmosfære. Det eneste, der forbliver uændret, er den obligatoriske tilstedeværelse af blomster. Normalt skildrer kunstneren sammen med bjergene en slags plante i forgrunden og tegner den detaljeret. Bjerge og kirsebærblomster ser smukke ud. Og hvis de maler faldende kronblade, fremkalder billedet beundring for den triste skønhed. Kontrasten i maleriets atmosfære er en anden bemærkelsesværdig kvalitet i den japanske kultur.

Hieroglyffer

Ofte er kompositionen af ​​et billede i japansk maleri kombineret med skrivning. Hieroglyferne er placeret, så de ser smukke kompositionskomponenter ud. Normalt er de malet til venstre eller højre for billedet. Hieroglyffer kan betegne, hvad der er afbildet i billedet, dets navn eller kunstnerens navn.

Japan er et af de rigeste lande i historie og kultur. Overalt i verden anses japanerne for at være pedantiske mennesker, der finder æstetik i absolut alle manifestationer af livet. Derfor er japanske malerier altid meget harmoniske i farve og tone: hvis der er pletter med en eller anden lys farve, så kun i de semantiske centre. På eksemplet med malerier af asiatiske kunstnere kan man studere teorien om farve, den korrekte overførsel af form ved hjælp af grafik, komposition. Teknikken til udførelse af japanske malerier er så høj, at den kan tjene som et eksempel på at arbejde med akvareller og udføre "vask" af grafiske værker.

Har en meget rig historie; dens tradition er stor, med Japans enestående position i verden, der påvirker de japanske kunstneres dominerende stilarter og teknikker markant. Kendt faktum At Japan har været stærkt isoleret i århundreder skyldes ikke kun geografi, men også den dominerende japanske kulturelle tilbøjelighed til isolation, der har præget landets historie. Gennem århundrederne af det, vi måske kalder "japansk civilisation", har kultur og kunst udviklet sig adskilt fra dem i resten af ​​verden. Og det er endda mærkbart i praksis med japansk maleri. For eksempel er Nihonga-malerier blandt de vigtigste værker i japansk maleripraksis. Det er baseret på mere end tusind års tradition, og malerier oprettes normalt med pensler på din (japansk papir) eller eginu (silke).

Imidlertid blev japansk kunst og maleri påvirket af fremmed kunstnerisk praksis... Først var det kinesisk kunst i det 16. århundrede og Kinesisk kunst og den kinesiske kunsttradition, som har været særlig indflydelsesrig i flere henseender. Fra det 17. århundrede blev japansk maleri også påvirket af vestlige traditioner. Især i det førkrigs periode, der varede fra 1868 til 1945, var japansk maleri påvirket af impressionisme og Europæisk romantik... Samtidig blev nye europæiske kunstbevægelser også væsentligt påvirket af japansk kunstneriske teknikker... I kunsthistorien kaldes denne indflydelse "japanisme", og den er især vigtig for impressionisterne, kubisterne og kunstnerne forbundet med modernismen.

Den lange historie med japansk maleri kan ses som en syntese af flere traditioner, der skaber stykker af en etableret japansk æstetik. Først og fremmest har buddhistisk kunst og maleteknikker såvel som religiøst maleri sat et markant præg på japanske maleriers æstetik; vandblækmaleri af landskaber i traditionen med kinesisk litterært maleri - en anden vigtigt element anerkendt i mange berømte japanske malerier; Maleri af dyr og planter, især fugle og blomster, er noget, der normalt er forbundet med japanske kompositioner, ligesom landskaber og scener fra hverdagen. Endelig har gamle skønhedsrepræsentationer fra filosofi og kultur haft stor indflydelse på japansk maleri. Det gamle Japan... Wabi, som betyder kortvarig og hård skønhed, sabi (skønheden ved naturlig patina og aldring) og yugen (dyb nåde og subtilitet) påvirker stadig idealerne i praksis med japansk maleri.

Endelig, hvis vi fokuserer på et udvalg af de ti mest berømte japanske mesterværker, skal vi nævne ukiyo-e, som er en af ​​de mest populære kunstgenrer i Japan, selvom det hører til grafik. Det dominerede japansk kunst fra det 17. til det 19. århundrede, hvor kunstnere, der tilhører denne genre, skabte træsnit og malerier med emner som smukke piger, kabuki skuespillere og sumobrydere samt scener fra historie og folkeeventyr, rejsescener og landskaber, flora og fauna og endda erotik.

Det er altid svært at lave en liste bedste malerier af kunstneriske traditioner... Mange fantastiske stykker vil blive udelukket; denne liste indeholder imidlertid ti af de mest genkendelige japanske malerier i verden. I denne artikel præsenteres kun malerier oprettet fra det 19. århundrede til i dag.

Japansk maleri har en ekstrem rig historie. Gennem århundreder har japanske kunstnere udviklet sig et stort antal af unikke teknikker og stilarter, der er Japans mest værdifulde bidrag til kunstverdenen. En af disse teknikker er sumi-e. Sumi-e betyder bogstaveligt tegnet blæk, som kombinerer kalligrafi og blækmaling for at skabe sjælden skønhed i børstede kompositioner. Denne skønhed er paradoksal - gammel, men moderne, enkel men kompleks, dristig, men underordnet og afspejler utvivlsomt det åndelige grundlag for kunst i Zen-buddhismen. Buddhistiske præster bragte den hårde blækbriket og bambusbørsten til Japan fra Kina i det sjette århundrede, og i løbet af de sidste 14 århundreder har Japan udviklet en rig arv af blækmaleri.

Rul ned og se 10 japanske malerier

1. Katsushika Hokusai "Drømmen om fiskerens hustru"

Et af de mest genkendelige japanske malerier er Drømmen om Fisherman's Wife. Det blev malet i 1814 af den berømte kunstner Hokusai. Efter strenge definitioner, dette fantastisk stykke Hokusai bør ikke betragtes som et maleri, da det er en træsnit af ukiyo-e-genren fra Kinoe no Komatsu, som er en shunga-bog med tre bind. Kompositionen skildrer en ung dykker, ama, seksuelt sammenflettet med et par blæksprutter. Dette billede var meget indflydelsesrig i det 19. og 20. århundrede. Arbejdet har påvirket mere senere kunstnere såsom Félicien Rops, Auguste Rodin, Luis Okok, Fernand Knopf og Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro skriver et nostalgisk digt, mens han ser på månen"

Tessai Tomioka er et pseudonym for en berømt japansk kunstner og kalligraf. Han betragtes som den sidste store maler i Bunjing-traditionen og en af ​​de første store malere i Nihong-stil. Bunjing var en skole med japansk maleri, der blomstrede i den sene Edo-periode blandt kunstnere, der betragtede sig litterære eller intellektuelle. Hver af disse kunstnere, inklusive Tessaya, udviklede deres egen stil og teknik, men de var alle store fans. Kinesisk kunst og kultur.

3. Fujishima Takeji "Solopgang over det østlige hav"

Fujishima Takeji var en japansk maler kendt for sit arbejde med udviklingen af ​​romantik og impressionisme i yoga (vestlig stil) kunstbevægelse i sent XIX- begyndelsen af ​​det XX århundrede. I 1905 rejste han til Frankrig, hvor han blev påvirket af datidens franske bevægelser, især impressionisme, som det fremgår af hans 1932-maleri Sunrise Over the Eastern Sea.

4. Kitagawa Utamaro "Ti typer kvindelige ansigter, en samling af dominerende skønheder"

Kitagawa Utamaro var en fremtrædende japansk maler, der blev født i 1753 og døde i 1806. Han er langt bedst kendt for sin serie med titlen Ti typer kvindelige ansigter. Samling af dominerende skønheder, temaer Stor kærlighed klassisk poesi "(undertiden kaldet" Women in Love ", der indeholder separate graveringer" Naked Love "og" Brooding Love "). Han er en af ​​de mest betydningsfulde kunstnere, der tilhører ukiyo-e træsnitgenren.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Kawanabe Kyosai var en af ​​de mest berømte japanske malere i Edo-perioden. Hans kunst blev påvirket af Tohaku, en Kano-maler fra det 16. århundrede, der var den eneste kunstner på sin tid, der malede skærme helt med indisk blæk på en delikat baggrund af pulveriseret guld. Selvom Kyosai er kendt som en tegneserie, har han skrevet nogle af de mest berømte malerier i Japansk historie kunst XIXårhundrede. Tiger er et af de malerier, som Kyosai brugte akvareller og blæk til at skabe.

6. Hiroshi Yoshida "Fuji fra siden af ​​Kawaguchi-søen"

Hiroshi Yoshida er kendt som en af ​​de største figurer i shin-hanga-stilen (shin-hanga er en kunstbevægelse i Japan i det tidlige 20. århundrede under Taisho- og Shёwa-perioderne, som genoplivet den traditionelle ukiyo-e-kunst, som tog rod i Edo- og Meiji-perioderne. (XVII - XIX århundreder)). Han studerede traditionen med det vestlige oliemaleri, som blev lånt fra Japan i Meiji-perioden.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami er sandsynligvis den mest populære japanske kunstner i vores tid. Hans arbejde sælger til astronomiske priser ved større auktioner, og hans arbejde inspirerer allerede nye generationer af kunstnere, ikke kun i Japan, men også i udlandet. Murakamis kunst omfatter en række forskellige medier og betegnes almindeligvis som superflad. Hans arbejde er kendt for sin brug af farve, der indeholder motiver fra japansk traditionel og populær kultur. Indholdet af hans malerier beskrives ofte som "sødt", "psykedelisk" eller "satirisk".

8. Yayoi Kusama "græskar"

Yaoi Kusama er også en af ​​de mest berømte japanske malere. Hun skaber i forskellige teknikker, herunder maleri, collage, skulptur, performance, miljøkunst og installation, hvoraf de fleste viser hendes tematiske interesse i psykedeliske farver, gentagelse og mønster. En af de mest berømte serier af denne store kunstner er Pumpkin-serien. Et regelmæssigt græskar dækket af prikker i en lysegul farve præsenteres på baggrund af nettet. Samlet set danner alle sådanne elementer et visuelt sprog, der umiskendeligt matcher kunstnerens stil og er blevet udviklet og raffineret gennem årtier med omhyggelig produktion og reproduktion.

9. Temmyoya Hisashi "Japansk ånd nr. 14"

Temmyoya Hisashi er en moderne japansk kunstner kendt for sine neo-nihonga malerier. Han deltog i genoplivningen af ​​den gamle tradition for japansk maleri, hvilket er fuldstændig modsat moderne japansk maleri. I 2000 skabte han også sin nye butouha-stil, der demonstrerer hans standhaftige holdning til det autoritative kunst system gennem hans malerier. "Japanese Spirit No. 14" blev oprettet som en del af kunstnerisk skema"BASARA", fortolket i japansk kultur som det nedre aristokratis oprørske opførsel under den krigende stat for at fratage muligheden for at søge perfekt billede liv, klæde sig i frodige og luksuriøse tøj og handle med fri vilje, der ikke svarede til deres sociale klasse.

10. Katsushika Hokusai "Den store bølge ud for Kanagawa"

Endelig er The Great Wave off Kanagawa sandsynligvis det mest genkendelige japanske maleri, der nogensinde er malet. Dette er faktisk det mest berømte arbejde kunst skabt i Japan. Det skildrer store bølger truende både ud for Kanagawa-præfekturets kyst. Selvom det undertiden forveksles med en tsunami, er bølgen, som navnet antyder, sandsynligvis bare en unormalt høj højde. Maleriet er lavet i ukiyo-e traditionen.

Elsker du japansk maleri? Hvor meget ved du om berømte japanske kunstnere? Lad os overveje mest med dig i denne artikel berømte kunstnere Japan, der skabte deres værker i ukiyo-e (浮世 絵) stil. Denne maleristil har udviklet sig siden Edo-perioden. Hieroglyferne, som denne stil er skrevet med mean 絵 betyder bogstaveligt "billeder (billeder) af en verden i forandring", du kan læse mere om denne retning af maleriet

Hisikawa Moronobu(菱 川 師 宣, 1618-1694). Han betragtes som grundlæggeren af ​​ukiyo-e-genren, selvom han faktisk kun er den første mester, hvis liv er blevet bevaret biografiske oplysninger... Moronobu blev født i familien af ​​en mester inden for farvning af stof og broderi med guld- og sølvtråde og i lang tid var engageret i et familiehåndværk, så et særpræg ved hans arbejde er det smukt dekorerede tøj af skønheder, der giver en vidunderlig kunstnerisk effekt.

Efter at have flyttet til Edo studerede han først uafhængigt maleriteknikker, og derefter fortsatte kunstneren Kambun sine studier.

De fleste af Moronobus album er kommet ned til os, hvor han skildrer historisk og litterære plot og bøger med eksempler på mønstre til kimono. Mesteren arbejdede også i shunga-genren og blandt dem individuelle værker flere har overlevet, der skildrer smukke kvinder.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). Anerkendt i slutningen af ​​det 18. århundrede bar mesteren Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) pseudonymet Torii Kiyonaga, som han tog, da han arvede Ukiyo-e Torii-skolen fra Torii Kiyomitsu efter sidstnævntes død.

Kiyonaga blev født i familien til boghandleren Shirakoya Ishibei. Genren bidzing bragte ham den største berømmelse, selvom han begyndte med yakusha-e. Emnerne for graveringerne i genren bidzing blev taget fra hverdagen: gåture, festlige processioner, gå ud i naturen. Blandt de mange værker af kunstneren, serien "Konkurrencer af moderigtige skønheder fra muntre kvartaler", der viser Minami, et af de "munter kvarterer" i den sydlige del af Edo, "12 portrætter af sydlige skønheder", "10 typer tebutikker " skille sig ud. Karakteristisk træk mesteren var en detaljeret undersøgelse af baggrundsbillede og brugen af ​​teknikker, der kom fra Vesten til skildring af lys og rum.

Kiyonaga fik sin oprindelige berømmelse med genoptagelsen i 1782 af "Fashion Models: Models New as Spring Foliage" -serien, begyndt af Koryusai i 1770'erne for udgiveren Nishimurai Yohachi.

(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). På dette fremragende mester ukiyo-e blev påvirket af Torii Kiyonaga og udgiver Tsutaya Juzaburo. Som et resultat af et langsigtet samarbejde med sidstnævnte blev der udgivet mange album, bøger med illustrationer og serier med tryk.

På trods af at Utamaro tog plottet fra almindelige håndværkeres liv og forsøgte at skildre naturen ("The Insects Book"), kom berømmelse til ham som en kunstner af værker dedikeret til geishaer fra Yoshiwara-kvarteret ("Yearbook of Yoshiwara Green Houses" ").

Utamaro nåede højt niveau i udtryk sindstilstande på papiret. For første gang i japansk træsnit begyndte han at bruge bustekompositioner.

Det var Utamaros arbejde, der påvirkede de franske impressionister og bidrog til den europæiske interesse for japanske tryk.

(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Hokusais rigtige navn er Tokitaro. Sandsynligvis den mest kendte ukiyo-e-mester rundt om i verden. Gennem hele sit arbejde brugte han over tredive pseudonymer. Historikere bruger ofte pseudonymer til at periodisere hans arbejde.

Først arbejdede Hokusai som en udskærer, hvis arbejde var begrænset til kunstnerens hensigt. Denne kendsgerning vejede Hokusai, og han begyndte at se sig selv som en uafhængig kunstner.

I 1778 blev han lærling i Katsukawa Shunshs studie med speciale i yakusha-e-udskrifter. Hokusai var både en talentfuld og en meget flittig studerende, der altid viste respekt for læreren og nød derfor Shunshos særlige favor. Således var Hokusais første uafhængige værker i yakusha-e-genren i form af diptychs og triptychs, og den studerendes popularitet svarede til lærerens. På dette tidspunkt havde den unge mester allerede udviklet sit talent så meget, at han følte sig trængsel inden for rammerne af en skole, og efter lærerens død forlod Hokusai studiet og studerede retningerne fra andre skoler: Kano, Sotatsu (ellers - Koetsu), Rimpa, Tosa.

I denne periode oplever kunstneren betydelige økonomiske vanskeligheder. Men på samme tid bliver han dannet som en mester, der nægter det velkendte image, som samfundet krævede, og leder efter sin egen stil.

I 1795 blev illustrationer til den poetiske antologi Kaka Edo Murasaki offentliggjort. Derefter malede Hokusai surimonomalerier, som straks blev populære, og mange kunstnere begyndte at efterligne dem.

Fra denne periode begyndte Tokitaro at underskrive sine værker med navnet Hokusai, selvom nogle af hans værker blev offentliggjort under pseudonymerne Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

I 1800 begyndte skibsføreren at kalde sig Gakejin Hokusai, hvilket betød "Maling af skøre Hokusai."

Bemærkelsesværdige illustrationer inkluderer 36 udsigter over Fuji-bjerget, hvor Victory Wind er den mest fremtrædende. Clear Day ”eller“ Red Fuji ”og“ The Great Wave off Kanagawa ”,“ 100 Views of Mount Fuji ”, udgivet i tre album,“ Manga Hokusai ”(北 斎 漫画), der kaldes“ det japanske folks encyklopædi ”. Kunstneren satte alle sine synspunkter på kreativitet og filosofi i "Manga". Manga er den vigtigste kilde til at studere Japans liv på det tidspunkt, da det indeholder mange kulturelle aspekter. I alt blev der udgivet tolv numre i løbet af kunstnerens liv og efter hans død - tre mere:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (efter kunstnerens død)

Hokusais kunst påvirkede europæiske tendenser som jugendstil og fransk impressionisme.

(河 鍋 暁 斎, 1831-1889). Han brugte pseudonymerne Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, studerede på Kano-skolen.

I modsætning til Hokusai var Kyosai temmelig fræk, hvilket fik ham til at bryde op med kunstneren Tsuboyama Tozan. Efter skolen blev han en uafhængig mester, skønt han nogle gange deltog i yderligere fem år. På det tidspunkt malede han kyoga, de såkaldte "skøre billeder".

Blandt de udestående graveringer skelnes der "Hundrede billeder af Kyosai". Som illustrator skaber Kyosai billeder til romaner og romaner i samarbejde med andre kunstnere.

I slutningen af ​​det 19. århundrede besøgte europæere ofte Japan. Kunstneren var bekendt med nogle af dem, og flere af hans værker findes nu på British Museum.

(歌 川 広 重, 1797-1858). Han arbejdede under pseudonymet Ando Hiroshige (安藤 広 重) og er kendt for sin subtile gengivelse af naturlige motiver og naturlige fænomener. Det første maleri "Fuji-bjerget i sneen", som nu opbevares på Suntory Museum i Tokyo, malede han i en alder af ti år. Plots tidlige værker baseret på virkelige begivenheder foregår på gaden. Hans berømte cykler: "100 udsigter over Edo", "36 visninger af Fuji-bjerget", "53 stationer i Tokaido", "69 stationer i Kimokaido", "100 kendte arter Edo ". Monet og den russiske kunstner Bilibin blev stærkt påvirket af 53 stationer på Tokaido Road, malet efter rejser langs East Seaside Road, samt 100 udsigter over Edo. Af serien i genren katyo-ga med 25 graveringer er arket "Spurve over en kamelia dækket af sne" det mest berømte.

(歌 川 国 貞, også kendt som Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). En af de mest prominente ukiyo-e kunstnere.

Betalt Særlig opmærksomhed til kabuki-skuespillere og selve teatret - dette er omkring 60% af alle værker. Også kendt er værker i genren budgivning og portrætter af sumobrydere. Det vides, at han oprettede fra 20 til 25 tusind grunde, der omfattede 35-40 tusind ark. Han vendte sig sjældent til landskaber og krigere. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798 - 1861). Født i familien af ​​en silkefarver. Kuniyoshi begyndte at studere tegning i en alder af ti, mens han boede sammen med kunstneren Kuninao i deres familie. Derefter fortsatte han sine studier med Katsukawa Shunyei, og i en alder af 13 gik han ind i Tokuyoni-værkstedet. Den unge kunstners første år går ikke godt. Men efter at have modtaget en ordre fra udgiveren Kagaya Kitibei om fem udskrifter til 108 Suikoden Heroes-serien gik tingene op ad bakke. Han skaber resten af ​​karaktererne i denne serie og fortsætter derefter til andre forskellige værker, og efter femten år bliver han på niveau med Utagawa Hiroshige og Utagawa Kunisada.

Efter 1842-forbuddet mod billeder teater scener, skuespillere, geisha og kurtisaner Kuniyoshi skriver sin "kat" -serie, laver graveringer fra en pædagogisk serie til husmødre og børn, skildrer nationale helte i serien "Traditions, Morality and Deanery", og i slutningen af ​​1840'erne - begyndelsen af ​​1850'erne, efter lempelse af forbud, vendte kunstneren tilbage til temaet kabuki.

(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Kendt for sine værker i genren budgivning. Hans bedste værker inkluderer portrætter som okubi-e ("store hoveder"), der betragtes som eksempler på kunsten fra Bunsei-æraen (1818-1830), da ukiyo-e-genren var i tilbagegang. Kunstneren skrev mange lyriske og erotiske surimono samt cyklussen af ​​landskaber "Sixty-ni stations of Kisokaido", som han ikke kunne gennemføre, og den blev afsluttet af Hiroshige.

Nyheden i Bijinga-skildringen var i en sensualitet, som andre kunstnere aldrig havde haft før. Fra hans værker kan vi forstå datidens mode. Han udgav også biografier af De fyrre-syv Ronin og skrev flere flere bøger, herunder A History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e Ruiko), som indeholder kunstnerbiografier. Og i "Notes of a Nameless Elder" beskrev han sig selv som en fordærvet beruselse og tidligere ejer et bordel i Nedzu, som brændte ned i 1830'erne.

Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Kunstnerens rigtige navn er Hozumi Jirobei. Han er opdageren af ​​ukiyo-e polykrom trykning. Han studerede på Kano-skolen og studerede maleri. Derefter, under indflydelse af Shigenaga Nishimura og Torii Kiyomitsu, blev træsnit hans hobby. Graveringer i to eller tre farver er lavet siden begyndelsen af ​​det 18. århundrede, og Harunobu begyndte at male i ti farver ved hjælp af tre brædder og kombinere tre farver - gul, blå og rød.

Han skiller sig ud i billedet af gadescener og malerier i shunga-genren. Og fra 1760'erne var han en af ​​de første, der begyndte at portrættere skuespillerne fra kabuki-teatret. Hans værker påvirkede E. Manet og E. Degas.

(小 原 古邨, 1877 - 1945). Hans rigtige navn er Matao Ohara. Han skildrede scener fra de russisk-japanske og kinesisk-japanske krige. Efter udseendet af fotografering solgte hans arbejde dog dårligt, og han begyndte at tjene til livets ophold i undervisningen i skolen. finere kunst i Tokyo. I 1926 Ernest Felloza, kurator for afdelingen Japansk kunst på Boston Museum overtalte Ohara til at vende tilbage til maleriet, og kunstneren begyndte at skildre fugle og blomster, og hans arbejde solgte godt i udlandet.

(伊藤 若 冲, 1716 - 1800). Han skiller sig ud blandt andre kunstnere for sin excentricitet og livsstil, som består i venskab med mange kulturelle og religiøse figurer fra den tid. Han skildrede dyr, blomster og fugle på en meget eksotisk måde. Han var meget berømt og tog ordrer til maling af skærme og tempelmalerier.

(鳥 居 清 信, 1664-1729). En af de vigtigste repræsentanter tidlig periode ukiyo-e. På trods af den store indflydelse hans lærer Hisikawa Monorobu blev han grundlæggeren af ​​yakusha-e-genren i billedet af plakater og plakater og opfandt sin egen stil. Skuespillere blev portrætteret i specielle stillinger som modige helte og blev malet i
adelig orange farve og skurkerne blev trukket ind blå blomster... For at skildre lidenskab opfandt kunstneren en speciel type mimizugaki-tegning - disse er snoede linjer med skiftende tynde og tykke streger og kombineret med et grotesk billede af lemmernes muskler.

Torii Kiyonobu er grundlæggeren af ​​Torii-dynastiet af malere. Hans studerende var Torii Kiyomasu, Torii Kiyosige I, Torii Kiyomitsu.

Hvem er din yndlings ukiyo-e kunstner?

Det japanske sprog adskiller sig fra ethvert europæisk sprog i sin struktur, hvilket kan forårsage visse vanskeligheder med at lære. Men rolig! Specielt for dig har du udviklet et kursus "", som du kan tilmelde dig lige nu!

Monokromt maleri af Japan er et af de unikke fænomener i østens kunst. En masse værker og forskning er blevet brugt på det, men det opfattes ofte som en meget betinget ting og undertiden endda dekorativ. Dette er ikke tilfældet. Den japanske kunstners åndelige verden er meget rig, og han bryr sig ikke så meget om den æstetiske komponent som om den åndelige. Art of the East er en syntese af eksternt og internt, eksplicit og implicit.

I dette indlæg vil jeg ikke være opmærksom på monokrom maleriets historie, men til dens essens. Dette er hvad der vil blive diskuteret.

skærm "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Det, vi ser i monokrome malerier, er resultatet af kunstnerens interaktion med fyrtriaden: papir, pensel, blæk. Derfor skal man forstå kunstneren selv og hans holdning for at forstå værket korrekt.

"Landskab" Sesshu, 1398

Papir for en japansk mester er det ikke bare et improviseret materiale, som han underordner sig hans indfald, men snarere det modsatte - det er en "bror", og derfor har holdningen til hende udviklet sig i overensstemmelse hermed. Papir er en del af den omgivende natur, som japanerne altid har behandlet med bange og forsøgt ikke at underkaste sig selv, men fredeligt sameksistere med det. Papir er tidligere et træ, der stod i et bestemt område i en bestemt periode "så" noget omkring det, og det gemmer alt dette. Sådan opfatter en japansk kunstner materialet. Inden arbejdet påbegyndes, så håndværkere ofte på Tomt ark(overvejet det) og først derefter begyndte de at male. Selv nu vælger moderne japanske kunstnere, der praktiserer Nihon-ga-teknikken (traditionelt japansk maleri) papir omhyggeligt. De køber den på bestilling fra papirfabrikker. For hver kunstner med en vis tykkelse, fugtgennemtrængelighed og tekstur (mange kunstnere indgår endda en aftale med fabriksejeren om ikke at sælge dette papir til andre kunstnere) - derfor opfattes hvert maleri som noget unikt og levende.

"Læsning i bambuslunden" Syubun, 1446.

Når vi taler om betydningen af ​​dette materiale, er det værd at nævne sådanne berømte monumenter i japansk litteratur som "Noter ved hovedgavlen" af Sei Shonagon og "Genji Monogotari" af Murasaki Shikibu: i både "Noter" og "Genji" kan du finde plot når hovmænd eller elskere udveksler beskeder ... Papiret, som disse meddelelser blev skrevet på, var af den passende sæson, skygge og skrivemåden svarede til dets tekstur.

"Murasaki Shikibu ved Ishiyama Shrine" af Kyoshen

Børste- den anden komponent er fortsættelsen af ​​mesterens hånd (igen, dette er naturligt materiale). Derfor blev børster også lavet på bestilling, men ofte af kunstneren selv. Han tog hårene af den krævede længde, valgte børstens størrelse og det mest behagelige greb. Mesteren skriver kun med sin egen børste og ingen andre. (Af personlig erfaring: var på masterklassen til den kinesiske kunstner Jiang Shilun, publikum blev bedt om at vise, hvad hans studerende, der var til stede på masterklassen, kunne gøre, og hver af dem, der tog mesterens børste op, sagde at det ikke ville fungere hvad de forventede, da børsten ikke er deres, er de ikke vant til det og ved ikke, hvordan de skal bruges korrekt).

"Fuji" blæk skitse af Katsushika Hokusai

Mascara er det tredje vigtige element. Mascara er af forskellige typer: den kan give en blank eller mat effekt efter tørring, den kan blandes med sølv eller okker nuancer, så det rigtige valg af mascara er heller ikke uvigtigt.

Yamamoto Baytsu, slutningen af ​​XVIII- XIX århundrede.

De vigtigste emner i monokrom maleri er landskaber. Hvorfor er der ingen farve i dem?

Tvillingeskærm "Pines", Hasegawa Tohaku

For det første er den japanske kunstner ikke interesseret i selve objektet, men i dets essens en bestemt komponent, der er fælles for alle levende ting og fører til harmoni mellem mennesket og naturen. Derfor er billedet altid et tip, det er rettet mod vores sanser og ikke til synet. Understatement er en stimulus for dialog, hvilket betyder forbindelse. Linjer og pletter er vigtige i billedet - de dannes kunstnerisk sprog... Dette er ikke mesterens frihed, der efterlod et fedt spor, hvor han ønskede, men et andet sted, tværtimod, malede det ikke - alt på billedet har sin egen betydning og betydning og bærer ikke en tilfældig karakter .

For det andet bærer farve altid en eller anden form for følelsesmæssig farve og opfattes forskelligt af forskellige mennesker i forskellige tilstande, derfor giver følelsesmæssig neutralitet seeren mulighed for bedst at gå i dialog for at placere ham for opfattelse, kontemplation, tanke.

For det tredje er dette interaktionen mellem yin og yang, ethvert monokromt maleri er harmonisk med hensyn til forholdet mellem blæk og uberørt papirareal i det.

Hvorfor mest af papirplads ikke bruges?

"Landskab" Syubun, midten af ​​det 15. århundrede.

For det første fordyber det tomme rum seeren i billedet; for det andet skabes billedet, som om det kortvarigt er svævet til overfladen og er ved at forsvinde - dette skyldes verdensbillede og verdensbillede; for det tredje, i de områder, hvor der ikke er blæk, kommer papirets tekstur og skygge frem (dette er ikke altid synligt på reproduktioner, men faktisk er det altid interaktionen mellem to materialer - papir og blæk).

Sesshu, 1446

Hvorfor landskab?

"Contemplation of the Falls" af Geiami, 1478.

Ifølge det japanske verdensbillede er naturen mere perfekt end mennesket, så han skal lære af den, tage sig af den på alle mulige måder og ikke ødelægge eller underkaste den. Derfor kan du i mange landskaber se små billeder af mennesker, men de er altid ubetydelige, små i forhold til selve landskabet eller billeder af hytter, der er indskrevet i det omgivende rum og ikke engang altid er synlige - alt dette er symboler på verdenssynet.

"Årstider: Efterår og vinter" Sesshu. "Landskab" Sesshu, 1481

Afslutningsvis vil jeg sige, at monokromt japansk maleri ikke er kaotisk sprøjtet blæk, dette er ikke et indfald af kunstnerens indre ego - det er hele systemet billeder og symboler, er dette et arkiv med filosofisk tænkning og vigtigst af alt en måde at kommunikere og harmonisere sig selv og verden omkring os på.

Her synes jeg er svarene på de vigtigste spørgsmål, der opstår i seeren, når de står over for monokrom Japansk maleri... Jeg håber, at de vil hjælpe dig med at forstå det mest korrekt og opfatte det, når du mødes.

Hvert land har sine egne helte fra samtidskunst, hvis navne er velkendte, hvis udstillinger samler skarer af fans og nysgerrige, og hvis værker er spredt i private samlinger.

I denne artikel introducerer vi dig til de mest populære nutidige kunstnere Japan.

Keiko Tanabe

Født i Kyoto vandt Keiko adskillige kunstkonkurrencer som barn, men hun dimitterede ikke i kunsten. Arbejdet i afdelingen internationale forbindelser i den japanske selvstyrehandelsorganisation i Tokyo, i en stor advokatfirma i San Francisco og hos et privat konsulentfirma i San Diego, rejste meget. Hun sagde op sit arbejde i 2003, og efter at have lært det grundlæggende i akvarel i San Diego, helligede hun sig udelukkende til kunst.

Ikenaga Yasunari

Den japanske kunstner Ikenaga Yasunari maler portrætter moderne kvinder i det gamle Japansk tradition maling med Menso-børsten, mineralpigmenter, carbon black, blæk og linned som base. Hans karakterer er kvinder i vores tid, men takket være Nihonga-stilen får man en følelse af, at de kom til os fra umindelige tider.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki er en realistisk kunstner, der har mestret perfekt akvarel teknik... Abe kan kaldes en kunstner-filosof: han maler grundlæggende ikke kendte vartegn, men foretrækker subjektive kompositioner, der afspejler interne stater den person, der holder øje med dem.

Hiroko Sakai

Hiroko Sakais karriere som kunstner begyndte i begyndelsen af ​​90'erne i byen Fukuoka. Efter eksamen fra Seinan Gakuin University og Nihon French School of Interior Design inden for design og visualisering grundlagde hun Atelier Yume-Tsumugi Ltd. og lykkedes at styre dette studie i 5 år. Mange af hendes værker dekorerer lobbyer på hospitaler, kontorer for store virksomheder og nogle kommunale bygninger i Japan. Efter at have flyttet til USA begyndte Hiroko at male i olier.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahoris tredimensionelle arbejde er som hologrammer. De er opfyldt akrylmaling, overlejret i flere lag og en gennemsigtig væske af harpiks - alt dette, undtagen traditionelle metoder som tegning af skygger, blødgøring af kanter, kontrol af gennemsigtighed, giver Riusuki mulighed for at skabe skulpturelle malerier og giver dybde og realisme til sine værker.

Natsuki Otani

Natsuki Otani er en talentfuld japansk illustratør, der bor og arbejder i England.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu valgte grundlaget for sin kreativitet win-win-tema- han tegner katte. Hans billeder er populære over hele verden, især i form af gåder.

Tetsuya Mishima

De fleste af malerierne af den moderne japanske kunstner Mishima er lavet i olier. Hun har været professionelt engageret i maleri siden 90'erne, hun har flere separatudstillinger og et stort antal kollektive udstillinger, både japanske og udenlandske.