Hvem har malet billedet. Hvem malede de allerførste malerier

Den 3. december 1961 fandt en skelsættende begivenhed sted på New York Museum of Modern Art – Matisses maleri "Båden", som hang på hovedet i 46 dage, blev ordentligt ophængt. Det er overflødigt at sige, at dette ikke er den eneste. Sjov sag forbundet med malerier af store kunstnere.

Pablo Picasso malede et af sine berømte portrætter på mindre end 5 minutter

Ehrenburg udtrykte overraskelse over hastigheden af ​​arbejdets udførelse, der var trods alt gået mindre end 5 minutter, hvortil Picasso svarede: "Jeg har kendt dig i 40 år. Og alle disse 40 år lærte jeg at male portrætter på 5 minutter.

Ilya Repin hjalp med at sælge et maleri, han ikke malede

Bjørnene i det berømte maleri af Shishkin blev malet af en anden kunstner

Et stykke fiberplade, som man simpelthen hældte maling over, blev et af de dyreste malerier

Datoen for skabelsen af ​​hans maleri Rubens krypteret af stjernerne

Chupa-Chups-logoet blev tegnet af den verdensberømte surrealist

Det er værd at bemærke, at i 1967 i Italien blev der med pavens velsignelse udgivet en unik version af Bibelen med illustrationer af Salvador Dali.

Det dyreste maleri Mel bringer ulykke

En af de ansatte på Munch-museet tabte på en eller anden måde ved et uheld maleriet, hvorefter han begyndte at lide af frygtelige hovedpine, der førte denne mand til selvmord. En anden medarbejder på museet, som var ude af stand til at holde billedet, bogstaveligt talt efter et par af hende kom ind i en frygtelig bilulykke. Og en besøgende på museet, der tillod sig selv at røre ved maleriet, brændte efter nogen tid levende i en brand. Det er dog muligt, at der kun er tale om tilfældigheder.

Malevichs "Black Square" har en "ældre bror"

Den sidste nadver. Leonardo Da Vinci.

En gang på gaden så kunstneren en drukkenbolt, der uden held forsøgte at komme ud af afløbsbrønden. Da Vinci tog ham med til et af drikkestederne, satte ham ned og begyndte at tegne. Hvad var kunstnerens overraskelse, da drukkenbolten efter at have åbnet sig indrømmede, at han for flere år siden allerede havde poseret for ham. Det viste sig, at dette er den samme sangerinde.

De første kunstnere på jorden var hule mennesker. På væggene i huler i Sydfrankrig og Spanien fandt man farvetegninger af dyr, som blev lavet i perioden fra 30.000 til 20.000 f.Kr. Mange af disse tegninger er overraskende velbevarede, fordi hulerne var ukendte i mange århundreder. Gamle mennesker tegnede vilde dyr, som de så omkring dem. Menneskelige figurer, meget umodne i teknik, men tegnet i naturtro positurer, er blevet opdaget i Afrika og det østlige Spanien.

Hulekunstnere malede hulernes vægge med div lyse farver. Jordokker (jernoxider i forskellige farver - fra lys gul til mørk orange) og mangan (et metallisk grundstof) blev brugt som farvestoffer. De blev knust til pulver, blandet med fedt, animalsk fedt og påført med en slags pensel. Nogle gange blev farvestoffer, knust til pulver og blandet med spæk, fyldt med træpinde, som blev som "farveblyanter".

Hulemændene skulle lave kvaster af dyrehår eller plantefibre og skarpe slebet flintmejsler til at ridse linjer. En af de tidlige civilisationer dukkede op i Egypten, og så var der kunstnere, der malede billeder. Mange kunstværker blev skabt til at dekorere pyramiderne og gravene af faraoerne og andre vigtige mennesker. På gravens væglærred forevigede kunstnere scener fra en persons liv. De brugte akvarel maling og hvid.

Andet oldtidens civilisation- Det Ægæiske Hav - nåede også et betydeligt udviklingsniveau af malerkunsten. Deres kunstnere arbejdede i gratis og yndefuld stil, de skildrede livet i havet, dyr, blomster, sportsspil. Deres tegninger er lavet på våd gips. Dette særlig slags tegninger kaldes nu fresker. Så du ser, at tegning er forankret i en meget tidlige år menneskelig civilisation.

I næsten hver betydeligt arbejde kunst er et mysterium, en "dobbeltbund" el hemmelig historie som du vil åbne.

Musik på numsen

Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1500-1510.

Fragment af en triptykon

Uenigheder om betydningerne og skjulte betydninger mest kendte værk hollandsk kunstner har ikke aftaget siden starten. På højre fløj af triptykonet kaldet "Musical Hell" er der afbildet syndere, der tortureres i underverdenen ved hjælp af musikinstrumenter. En af dem har sedler påtrykt balderne. Oklahoma Christian University-studerende Amelia Hamrick, som studerede maleriet, omsatte notationen fra det 16. århundrede til et moderne twist og indspillede "en 500 år gammel røvsang fra helvede."

Nøgen Mona Lisa

Den berømte "Gioconda" findes i to versioner: nøgenversionen hedder "Monna Vanna", den blev skrevet af lidet kendt kunstner Salai, som var elev og sitter af den store Leonardo da Vinci. Mange kunstkritikere er sikre på, at det var ham, der var model for Leonardos malerier "Johannes Døberen" og "Bacchus". Der er også versioner, der klædt i en kvindekjole, Salai tjente som billedet af Mona Lisa selv.

Gammel fisker

I 1902 malede den ungarske kunstner Tivadar Kostka Chontvari maleriet "Old Fisherman". Det ser ud til, at der ikke er noget usædvanligt i billedet, men Tivadar lagde en undertekst i det, som aldrig blev afsløret i kunstnerens liv.

De færreste tænkte på at sætte et spejl i midten af ​​billedet. I hver person kan der både være Gud (den gamle mands højre skulder er duplikeret) og Djævelen (den gamle mands venstre skulder er duplikeret).

Var der en hval?

Hendrik van Antonissen "Scene ved bredden".

Det ser ud til, at almindeligt landskab. Både, mennesker på kysten og ørkenhavet. Og kun en røntgenundersøgelse viste, at folk samledes på kysten af ​​en grund - i originalen undersøgte de kadaveret af en hval, der var skyllet i land.

Men kunstneren besluttede, at ingen ville se på en død hval og malede maleriet om.

To "Morgenmad på græsset"

Edouard Manet, Morgenmad på græsset, 1863.

Claude Monet, Morgenmad på græsset, 1865.

Kunstnerne Edouard Manet og Claude Monet er nogle gange forvirrede – de var trods alt begge franskmænd, levede på samme tid og arbejdede i impressionismens stil. Selv navnet på et af Manets mest berømte malerier, "Breakfast on the Grass", lånte Monet og skrev sin "Breakfast on the Grass".

Tvillinger ved den sidste nadver

Leonardo da Vinci, Den sidste nadver, 1495-1498.

Da Leonardo da Vinci skrev " sidste aftensmad”, lagde han særlig vægt på to skikkelser: Kristus og Judas. Han ledte efter siddere til dem i meget lang tid. Endelig lykkedes det ham at finde en model til billedet af Kristus blandt de unge sangere. Det lykkedes ikke Leonardo at finde en person til Judas i tre år. Men en dag stødte han på en drukkenbolt, der lå i rendestenen på gaden. Han var en ung mand, der var blevet ældet af stor druk. Leonardo inviterede ham til et værtshus, hvor han straks begyndte at skrive Judas fra ham. Da drukkenbolten kom til fornuft, fortalte han kunstneren, at han allerede havde poseret for ham en gang. Det var for nogle år siden, da han sang i kirkekoret, Leonardo skrev Kristus fra ham.

"Natvagt" eller "Dagvagt"?

Rembrandt, Nattevagt, 1642.

Et af Rembrandts mest berømte malerier, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", hang i forskellige sale i omkring to hundrede år og blev først opdaget af kunsthistorikere i det 19. århundrede. Da figurerne så ud til at skille sig ud på en mørk baggrund, blev den kaldt Nattevagten, og under dette navn kom den ind i verdenskunstens skatkammer.

Og først under restaureringen, udført i 1947, viste det sig, at billedet i hallen havde formået at blive dækket af et lag sod, som forvrængede dets farve. Efter at have ryddet det originale maleri, blev det endelig afsløret, at scenen præsenteret af Rembrandt faktisk finder sted i løbet af dagen. Placeringen af ​​skyggen fra venstre hånd af kaptajn Kok viser, at handlingens varighed ikke er mere end 14 timer.

kæntret båd

Henri Matisse, "Båden", 1937.

På New York Museum samtidskunst i 1961 blev Henri Matisses maleri "Båden" udstillet. Først efter 47 dage bemærkede nogen, at maleriet hang på hovedet. Lærredet viser 10 lilla linjer og to blå sejl på hvid baggrund. Kunstneren malede to sejl af en grund, det andet sejl er en afspejling af det første på vandoverfladen.
For ikke at tage fejl af, hvordan billedet skal hænge, ​​skal du være opmærksom på detaljerne. Det større sejl skal være i toppen af ​​maleriet, og toppen af ​​sejlet på maleriet skal rettes til øverste højre hjørne.

Bedrag i et selvportræt

Vincent van Gogh, Selvportræt med et rør, 1889.

Der er legender om, at Van Gogh angiveligt har skåret sit eget øre af. Nu er den mest pålidelige version, at van Goghs øre blev beskadiget i et lille slagsmål med deltagelse af en anden kunstner, Paul Gauguin.

Selvportrættet er interessant, fordi det afspejler virkeligheden i en forvrænget form: kunstneren er afbildet med et bandageret højre øre, fordi han brugte et spejl, når han arbejdede. Faktisk var venstre øre beskadiget.

fremmede bjørne

Ivan Shishkin, "Morgen i fyrreskoven", 1889.

Det berømte maleri hører ikke kun til Shishkins børste. Mange kunstnere, der var venner med hinanden, tyede ofte til "en vens hjælp", og Ivan Ivanovich, der havde malet landskaber hele sit liv, var bange for, at rørende bjørne ikke ville blive, som han havde brug for. Derfor henvendte Shishkin sig til en velkendt dyremaler Konstantin Savitsky.

Savitsky malede måske de bedste bjørne i russisk maleris historie, og Tretyakov beordrede, at hans navn skulle vaskes af lærredet, da alt på billedet "startende fra ideen og slutter med henrettelsen, alt taler om måden at male på, om kreativ metode karakteristisk for Shishkin.

Uskyldig historie "gotisk"

Grant Wood, amerikansk gotik", 1930.

Grant Woods værk betragtes som et af de mærkeligste og mest deprimerende i amerikansk maleris historie. Billedet med en dyster far og datter flyder over med detaljer, der indikerer alvoren, puritanismen og retrograditeten af ​​de afbildede mennesker.
Faktisk havde kunstneren ikke til hensigt at skildre nogen rædsler: under en tur til Iowa bemærkede han et lille hus i gotisk stil og besluttede at skildre de mennesker, der efter hans mening ville være ideelt egnede som beboere. Grants søster og hans tandlæge er udødeliggjort i form af karakterer, som befolkningen i Iowa blev så fornærmet over.

Salvador Dalis hævn

Maleriet "Figur ved vinduet" blev malet i 1925, da Dali var 21 år gammel. Så var Gala endnu ikke kommet ind i kunstnerens liv, og hans søster Ana Maria var hans muse. Forholdet mellem bror og søster forværredes, da han skrev på et af malerierne "nogle gange spyttede jeg på et portræt af min egen mor, og det giver mig glæde." Ana Maria kunne ikke tilgive så chokerende.

I sin bog fra 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister skriver hun om sin bror uden ros. Bogen gjorde El Salvador rasende. I yderligere ti år derefter huskede han vredt på hende ved enhver lejlighed. Og så i 1954 dukker billedet "En ung jomfru hengiver sig til Sodomy-synd ved hjælp af sin egen kyskheds horn". Kvindens positur, hendes krøller, landskabet uden for vinduet og maleriets farvesammensætning afspejler tydeligt figuren ved vinduet. Der er en version om, at det var sådan, Dali tog hævn på sin søster for hendes bog.

Danae med to ansigter

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Mange hemmeligheder bag et af Rembrandts mest berømte malerier blev først afsløret i 60'erne af det tyvende århundrede, da lærredet blev oplyst med røntgenstråler. For eksempel viste skyderiet, at i den tidlige version ansigtet af prinsessen, der trådte ind kærlighedsaffære med Zeus lignede det ansigtet på Saskia, malerens hustru, der døde i 1642. I den endelige version af maleriet begyndte det at ligne ansigtet på Gertier Dirks, Rembrandts elskerinde, som kunstneren boede hos efter sin kones død.

Van Goghs gule soveværelse

Vincent van Gogh, "Soveværelse i Arles", 1888 - 1889.

I maj 1888 erhvervede Van Gogh et lille værksted i Arles i Sydfrankrig, hvor han flygtede fra de parisiske kunstnere og kritikere, der ikke forstod ham. I et af de fire værelser indretter Vincent et soveværelse. I oktober er alt klar, og han beslutter sig for at male Van Goghs soveværelse i Arles. For kunstneren var farven, rummets komfort meget vigtigt: alt skulle antyde tanker om afslapning. Samtidig fastholdes billedet i forstyrrende gule toner.

Forskere af Van Goghs kreativitet forklarer dette med, at kunstneren tog revebøtte, et middel mod epilepsi, som forårsager alvorlige ændringer i patientens opfattelse af farve: hele den omgivende virkelighed er malet i grøn-gule toner.

Tandløs perfektion

Leonardo da Vinci, "Portræt af fru Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Den generelt accepterede opfattelse er, at Mona Lisa er perfektion, og hendes smil er smukt i sin mystiske karakter. Den amerikanske kunstkritiker (og deltidstandlæge) Joseph Borkowski mener dog, at heltinden, at dømme efter ansigtsudtrykket, har mistet mange af sine tænder. Mens hun undersøgte forstørrede fotografier af mesterværket, fandt Borkowski også ar omkring hendes mund. "Hun smiler så meget netop på grund af det, der skete med hende," mener eksperten. "Hendes ansigtsudtryk er typisk for mennesker, der har mistet deres fortænder."

Major i ansigtskontrol

Pavel Fedotov, Majors Matchmaking, 1848.

Offentligheden, der først så maleriet "Major's Matchmaking", lo hjerteligt: ​​kunstneren Fedotov fyldte det med ironiske detaljer, der var forståelige for datidens seere. For eksempel er majoren tydeligvis ikke bekendt med reglerne for ædel etikette: han dukkede op uden de rigtige buketter til bruden og hendes mor. Og bruden selv blev udskrevet af sine købmandsforældre i en aftenballkjole, selvom det var dagtimerne (alle lamperne i rummet var slukket). Pigen prøvede åbenbart en lav-cut kjole på for første gang, er flov og forsøger at løbe væk til sit værelse.

Hvorfor Frihed er nøgen

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Frihed ved barrikaderne, 1830.

Ifølge kunsthistorikeren Etienne Julie malede Delacroix ansigtet af en kvinde fra den berømte parisiske revolutionær - vaskedamen Anna-Charlotte, som gik på barrikaderne efter sin brors død i hænderne på kongelige soldater og dræbte ni vagter. Kunstneren afbildede hende med bar overkropp. Ifølge hans plan er dette et symbol på frygtløshed og uselviskhed, såvel som demokratiets triumf: nøgne bryster viser, at Svoboda, som en almindelig borger, ikke bærer et korset.

ikke-firkantet firkant

Kazimir Malevich, Black Suprematist Square, 1915.

Faktisk er den "sorte firkant" slet ikke sort og slet ikke firkantet: Ingen af ​​firkantens sider er parallelle med nogen af ​​dens andre sider, og ingen af ​​siderne af den firkantede ramme, der indrammer billedet. Og den mørke farve er resultatet af blanding af forskellige farver, blandt hvilke der ikke var sort. Det menes, at dette ikke var forfatterens uagtsomhed, men en principiel holdning, ønsket om at skabe en dynamisk, mobil form.

Specialister fra Tretyakov Gallery opdagede forfatterens inskription på berømt maleri Malevich. Indskriften lyder: "Slaget om negrene i en mørk hule." Denne sætning refererer til navnet på det legende maleri af den franske journalist, forfatter og kunstner Alphonse Allais "Battle of the Negroes in a Dark Cave in the Dead of Night", som var et absolut sort rektangel.

Melodrama af den østrigske Mona Lisa

Gustav Klimt, "Portræt af Adele Bloch-Bauer", 1907.

Et af Klimts mest betydningsfulde malerier forestiller den østrigske sukkermagnat Ferdinand Bloch-Bauers hustru. Hele Wien diskuteret hvirvelvindsromantik Adele og kendt kunstner. Den sårede ægtemand ville hævne sig på sine elskere, men valgte en meget usædvanlig måde: han besluttede at bestille et portræt af Adele til Klimt og få ham til at lave hundredvis af skitser, indtil kunstneren begynder at slå ud af hende.

Bloch-Bauer ønskede, at arbejdet skulle vare flere år, og modellen kunne se, hvordan Klimts følelser forsvandt. Han gav et generøst tilbud til kunstneren, som han ikke kunne afvise, og alt viste sig i henhold til scenariet for den bedragne mand: arbejdet blev afsluttet på 4 år, elskende havde længe kølet af mod hinanden. Adele Bloch-Bauer fandt aldrig ud af, at hendes mand var klar over hendes forhold til Klimt.

Maleriet, der bragte Gauguin tilbage til livet

Paul Gauguin, "Hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?", 1897-1898.

Mest berømt maleri Gauguin har én funktion: den "læses" ikke fra venstre mod højre, men fra højre mod venstre, som kabbalistiske tekster, som kunstneren var interesseret i. Det er i denne rækkefølge, at allegorien om en persons åndelige og fysiske liv udfolder sig: fra sjælens fødsel (et sovende barn i nederste højre hjørne) til dødens uundgåelighed (en fugl med et firben i dens kløer i nederste venstre hjørne).

Maleriet er malet af Gauguin på Tahiti, hvor kunstneren flygtede fra civilisationen flere gange. Men denne gang fungerede livet på øen ikke: total fattigdom førte ham til depression. Efter at have afsluttet lærredet, som skulle blive hans åndelige testamente, tog Gauguin en æske arsenik og gik til bjergene for at dø. Han beregnede dog ikke dosis, og selvmordet mislykkedes. Næste morgen vaklede han hen til sin hytte og faldt i søvn, og da han vågnede, mærkede han en glemt tørst efter livet. Og i 1898 gik hans anliggender op ad bakke, og en lysere periode begyndte i hans arbejde.

112 ordsprog i ét billede

Pieter Brueghel den Ældre, "Hollandske Ordsprog", 1559

Pieter Brueghel den Ældre skildrede et land, der var beboet af bogstavelige billeder af datidens hollandske ordsprog. Der er cirka 112 genkendelige formsprog i det malede billede. Nogle af dem bruges stadig i dag, såsom "svøm mod strømmen", "bank hovedet mod væggen", "bevæbnet til tænderne" og "store fisk spiser små".

Andre ordsprog afspejler menneskelig dumhed.

Kunstens subjektivitet

Paul Gauguin, bretonsk landsby under sneen, 1894

Gauguins maleri "Breton Village in the Snow" blev efter forfatterens død solgt for kun syv francs og desuden under navnet "Niagara Falls". Auktionsholderen hængte ved et uheld maleriet på hovedet efter at have set et vandfald i det.

skjult billede

Pablo Picasso, Det blå rum, 1901

I 2008 viste infrarødt, at et andet billede var gemt under "Blue Room" - et portræt af en mand klædt i et jakkesæt med en sommerfugl og hvilende hovedet på hans hånd. "Så snart Picasso havde en ny idé, tog han penslen op og legemliggjorde den. Men han havde ikke mulighed for at købe et nyt lærred, hver gang musen besøgte ham,« forklarer mulig årsag denne kunsthistoriker Patricia Favero.

Utilgængelige marokkanske kvinder

Zinaida Serebryakova, nøgen, 1928

En dag modtog Zinaida Serebryakova et fristende tilbud - at tage på en kreativ rejse for at portrættere orientalske jomfruers nøgne figurer. Men det viste sig, at det simpelthen var umuligt at finde modeller de steder. En tolk for Zinaida kom til undsætning - han bragte sine søstre og sin brud til hende. Ingen før og efter var i stand til at fange de lukkede orientalske kvinder nøgen.

Spontan indsigt

Valentin Serov, "Portræt af Nicholas II i en jakke", 1900

I lang tid Serov kunne ikke male et portræt af zaren. Da kunstneren gav helt op, undskyldte han overfor Nikolai. Nikolai var lidt ked af det, satte sig ved bordet og rakte hænderne ud foran ham ... Og så gik det op for kunstneren - her er han! En simpel militærmand i officersjakke med klare og triste øjne. Dette portræt betragtes det bedste billede sidste kejser.

Igen toer

© Fedor Reshetnikov

Det berømte maleri "Again deuce" er blot anden del af den kunstneriske trilogi.

Den første del er "Ankommet til ferien." Tydeligt velhavende familie vinterferie, en glad elev-fremragende studerende.

Anden del er "Again the deuce." En fattig familie fra den arbejdende udkant, højden skoleår, en nedslået bedøvelse, der igen griber en toer. I øverste venstre hjørne kan du se billedet "Ankommet til ferien."

Tredje del er "Re-eksamen". Landhus, sommer, alle går, en ondsindet ignorant, der ikke bestod den årlige eksamen, er tvunget til at sidde inden for fire vægge og proppe. I øverste venstre hjørne kan du se billedet "Again deuce".

Hvordan mesterværker fødes

Joseph Turner, Regn, damp og fart, 1844

I 1842 rejste fru Simon med tog i England. Pludselig begyndte et kraftigt regnskyl. Den ældre herre, der sad over for hende, rejste sig, åbnede vinduet, stak hovedet ud og stirrede sådan i omkring ti minutter. Ude af stand til at dæmme sin nysgerrighed åbnede kvinden også vinduet og så frem. Et år senere opdagede hun maleriet "Rain, Steam and Speed" på en udstilling på Det Kongelige Kunstakademi og kunne i det genkende selve episoden i toget.

Anatomi lektion fra Michelangelo

Michelangelo, Adams skabelse, 1511

Et par amerikanske neuroanatomi-eksperter mener, at Michelangelo faktisk efterlod nogle anatomiske illustrationer i et af sine mest berømte værker. De mener, at en enorm hjerne er afbildet i højre side af billedet. Overraskende nok kan selv komplekse komponenter som cerebellum, synsnerver og hypofyse findes. Og det iørefaldende grønne bånd matcher perfekt placeringen af ​​vertebralarterien.

Den sidste nadver af Van Gogh

Vincent van Gogh, Natterrasse cafe", 1888

Forsker Jared Baxter mener, at Van Goghs Caféterrasse om natten indeholder en dedikation til Leonardo da Vincis Den sidste nadver. I midten af ​​billedet er en tjener med langt hår og i en hvid tunika, der minder om Kristi tøj, og omkring ham præcis 12 cafegæster. Baxter gør også opmærksom på korset, der ligger direkte bag ryggen på tjeneren i hvidt.

Dalis billede af hukommelsen

Salvador Dali, Hukommelsens vedholdenhed, 1931

Det er ingen hemmelighed, at de tanker, der besøgte Dali under skabelsen af ​​hans mesterværker, altid var i form af meget realistiske billeder, som kunstneren derefter overførte til lærredet. Så ifølge forfatteren selv blev maleriet "The Persistence of Memory" malet som et resultat af associationer, der opstod ved synet af smeltet ost.

Hvad råber Munch om

Edvard Munch, "Skriget", 1893.

Munch talte om fremkomsten af ​​hans idé om en af ​​de mest mystiske malerier i verdensmaleriet: "Jeg gik langs stien med to venner - solen var ved at gå ned - pludselig blev himlen blodrød, jeg holdt en pause, følte mig udmattet, og lænede mig op ad hegnet - jeg så på blodet og flammerne over det blålige- sorte fjord og byen - mine venner gik videre, og jeg stod og rystede af spænding og mærkede det endeløse skrig gennemtrængende natur. Men hvilken slags solnedgang kunne skræmme kunstneren så?

Der er en version af, at ideen om "Skrig" blev født af Munch i 1883, da der var flere stærkeste udbrud af Krakatoa-vulkanen - så kraftige, at de ændrede temperaturen i Jordens atmosfære med en grad. En rigelig mængde støv og aske spredte sig overalt jordkloden selv når Norge. Flere aftener i træk så solnedgangene ud, som om apokalypsen var ved at komme – en af ​​dem blev en inspirationskilde for kunstneren.

Forfatter blandt folket

Alexander Ivanov, "Kristi tilsynekomst for folket", 1837-1857.

Snesevis af siddende stillede op for Alexander Ivanov for hans hovedbillede. En af dem er kendt ikke mindre end kunstneren selv. I baggrunden kan man blandt rejsende og romerske ryttere, som endnu ikke har hørt Johannes Døberens prædiken, bemærke en karakter i brun tunika. Hans Ivanov skrev med Nikolai Gogol. Forfatteren kommunikerede tæt med kunstneren i Italien, især om religiøse spørgsmål, og gav ham råd i processen med at male. Gogol mente, at Ivanov "længst var død for hele verden, undtagen for hans arbejde."

Michelangelos gigt

Rafael Santi," athenske skole", 1511.

Ved at skabe berømt fresco"School of Athens", Raphael udødeliggjorde sine venner og bekendte i billeder af gamle græske filosoffer. En af dem var Michelangelo Buonarroti "i rollen" som Heraklit. I flere århundreder holdt fresken på hemmeligheder personlige liv Michelangelo, og moderne forskere har foreslået, at kunstnerens mærkeligt kantede knæ indikerer, at han har en ledsygdom.

Dette er ret sandsynligt i betragtning af de særlige forhold ved livsstilen og arbejdsforholdene for renæssancekunstnere og Michelangelos kroniske workaholisme.

Spejl af Arnolfinis

Jan van Eyck, "Portræt af Arnolfinis", 1434

I spejlet bag Arnolfinis kan du se spejlet af yderligere to personer i rummet. Det er højst sandsynligt, at der er tale om vidner til stede ved indgåelsen af ​​kontrakten. En af dem er van Eyck, som det fremgår af den latinske indskrift, der i modsætning til traditionen er placeret over spejlet i midten af ​​kompositionen: "Jan van Eyck var her." Sådan blev kontrakterne normalt forseglet.

Hvordan en fejl blev til et talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Selvportræt i en alder af 63, 1669.

Forsker Margaret Livingston studerede alle Rembrandts selvportrætter og fandt ud af, at kunstneren led af strabismus: på billederne ser hans øjne ind i forskellige sider, som ikke er observeret i portrætterne af andre mennesker af mesteren. Sygdommen førte til, at kunstneren bedre kunne opfatte virkeligheden i to dimensioner end mennesker med normalt syn. Dette fænomen kaldes "stereoblindhed" - manglende evne til at se verden i 3D. Men da maleren skal arbejde med et todimensionelt billede, var det netop denne mangel ved Rembrandt, der kunne være en af ​​forklaringerne på hans fænomenale talent.

Syndfri Venus

Sandro Botticelli, Venus' fødsel, 1482-1486.

Før fremkomsten af ​​Venus' fødsel, billedet af den nøgne kvindekrop i maleriet symboliserede det kun ideen om arvesynden. Sandro Botticelli var den første europæiske maler, der ikke fandt noget syndigt i ham. Desuden er kunstkritikere sikre på, at den hedenske kærlighedsgudinde symboliserer på fresken kristent billede: hendes udseende er en allegori om sjælens genfødsel, der har bestået dåbsritualet.

Lutspiller eller lutspiller?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutespilleren, 1596.

I lang tid var maleriet udstillet i Eremitagen under titlen "Lutespiller". Først i begyndelsen af ​​det 20. århundrede var kunsthistorikere enige om, at lærredet stadig forestiller en ung mand (sandsynligvis blev Caravaggio poseret af hans ven kunstneren Mario Minniti): på noderne foran musikeren, en optagelse af basdelen af madrigalen af ​​Jacob Arcadelt "Du ved, at jeg elsker dig" er synlig . En kvinde kunne næsten ikke træffe sådan et valg – det er bare hårdt for halsen. Derudover blev luten, ligesom violinen helt i kanten af ​​billedet, betragtet som et mandligt instrument i Caravaggios æra.

Nonnen af ​​Ilya Repin

Ilya Repin. Nonne. 1878. Statens Tretyakov Galleri / Portræt under røntgen

Sophia Repina, født Shevtsova, poserede for Ilya Repin for The Nun. Pigen var kunstnerens svigerinde - og på et tidspunkt var Repin selv alvorligt forelsket i hende, men giftede sig med hende lillesøster Tro. Sophia blev også hustru til Repins bror - Vasily, et orkestermedlem af Mariinsky Theatre.

Dette forhindrede ikke kunstneren i gentagne gange at male portrætter af Sophia. For en af ​​dem poserede pigen i en ceremoniel balsal: en let elegant kjole, blondeærmer, højt hår. Mens han arbejdede på maleriet, skændtes Repin alvorligt med modellen. Alle kan som bekendt støde en kunstner, men få kan hævne sig så opfindsomt som Repin gjorde. Den krænkede kunstner "klædte" Sophia i portrættet i klostertøj.

Historien, der ligner en joke, blev bekræftet af et røntgenbillede. Forskerne var heldige: Repin rensede ikke det originale malingslag af, hvilket gjorde det muligt at undersøge heltindens originale outfit i detaljer.

"Park Alley" af Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Park gyde. 1930. Privat samling / Isaac Brodsky. Parkgyde i Rom. 1911

Ikke mindre end interessant gåde efterladt til forskere af Repins elev - Isaac Brodsky. Tretyakov-galleriet har hans maleri "Park Alley", hvilket ved første øjekast ikke er bemærkelsesværdigt: Brodsky havde en masse værker om "park"-temaet. Men jo længere ind i parken - jo mere farverige lag.

En af forskerne bemærkede, at kompositionen af ​​maleriet minder mistænkeligt om et andet værk af kunstneren - "Park Alley in Rome" (Brodsky var nærig med originale titler). Dette maleri blev betragtet som tabt i lang tid, og dets reproduktion blev kun udgivet i en rimelig tid sjælden udgave 1929. Ved hjælp af et røntgenbillede fandt man en romersk gyde, der på mystisk vis var forsvundet – lige under den sovjetiske. Kunstneren rensede ikke det allerede færdige billede af og foretog simpelthen en række enkle ændringer til det: han skiftede tøj fra forbipasserende på mode i 30'erne af det XX århundrede, "tog" sersoen fra børnene, fjernede marmorstatuerne og ændrede lidt på træerne. Så den solrige italienske park blev med et par lette håndbevægelser til en eksemplarisk sovjetisk.

Da de blev spurgt, hvorfor Brodsky besluttede at skjule sin romerske gyde, fandt de ikke noget svar. Men det kan antages, at skildringen af ​​"borgerskabets beskedne charme" i 1930 allerede var upassende ud fra et ideologisk synspunkt. Ikke desto mindre er "Park Alley" af alle Brodskys post-revolutionære landskabsværker det mest interessante: På trods af ændringerne bevarede billedet modernitetens charmerende elegance, som desværre ikke længere var i den sovjetiske realisme.

"Morgen i en fyrreskov" af Ivan Shishkin

Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky. Morgen ind fyrreskov. 1889. Statens Tretyakov Galleri

Et skovlandskab med unger, der leger på et væltet træ, er måske det mest bemærkelsesværdigt arbejde kunstner. Det er bare ideen om landskabet, Ivan Shishkin fik en anden kunstner - Konstantin Savitsky. Han malede også en hun-bjørn med tre unger: bjørne, en ekspert i skoven, Shishkin, lykkedes ikke på nogen måde.

Shishkin forstod upåklageligt skovfloraen, bemærkede de mindste fejl i tegningerne af sine elever - enten er birkebarken ikke afbildet på samme måde, eller fyrretræet ligner en falsk. Men mennesker og dyr i hans arbejde har altid været en sjældenhed. Det er her Savitsky kom til undsætning. Han efterlod i øvrigt et par stykker forberedende tegninger og skitser med unger - jeg ledte efter passende positurer. "Morgen i en fyrreskov" var ikke oprindeligt "morgen": maleriet hed "Bjørnefamilien i skoven", og der var kun to bjørne på det. Som medforfatter satte Savitsky sin signatur på lærredet.

Da lærredet blev leveret til købmanden Pavel Tretyakov, var han indigneret: han betalte for Shishkin (beordret forfatterens arbejde), men modtog Shishkin og Savitsky. Shishkin, hvordan retfærdig mand, tilskrev ikke sig selv forfatterskab. Men Tretyakov gik på princippet og slettede blasfemisk Savitskys signatur fra billedet med terpentin. Savitsky nægtede senere nobelt ophavsret, og bjørnene blev tilskrevet Shishkin i lang tid.

"Portræt af en korpige" af Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Portræt af en korpige. 1887. Statens Tretyakov-galleri / Portrættets bagside

På bagsiden af ​​lærredet fandt forskerne en besked fra Konstantin Korovin på pap, som viste sig at være næsten mere interessant end selve maleriet:

"I 1883 i Kharkov, et portræt af en korpige. Skrevet på en altan i en kommerciel offentlig have. Repin sagde, da denne skitse blev vist ham af Mamontov S.I., at han, Korovin, skriver og leder efter noget andet, men hvad er det til - dette er kun maleri til maleri. Serov havde endnu ikke malet portrætter på det tidspunkt. Og maleriet af denne skitse blev fundet uforståeligt??!! Så Polenov bad mig om at fjerne denne skitse fra udstillingen, da hverken kunstnerne eller medlemmerne - hr. Mosolov og nogle andre kan lide den. Modellen var en grim kvinde, endda noget grim.

Konstantin Korovin

Den harmoniske teori "Korovin - forløberen for russisk impressionisme" blev nådesløst ødelagt af objektiv teknisk og teknologisk forskning. På forsiden af ​​portrættet fandt de kunstnerens signatur i maling, lidt lavere - med blæk: "1883, Kharkov." I Kharkov arbejdede kunstneren i maj - juni 1887: han malede kulisser til russerens forestillinger privat opera Mamontov. Desuden fandt kunstkritikere ud af, at "Portrættet af en korpige" var lavet på en vis kunstnerisk måde - a la prima. Denne teknik oliemaleri lov til at male et billede i én session. Korovin begyndte først at bruge denne teknik i slutningen af ​​1880'erne.

Efter at have analyseret disse to uoverensstemmelser kom de ansatte i Tretyakov Gallery til den konklusion, at portrættet først blev malet i 1887, og mere tidlig dato Korovin tilføjede for at understrege sin egen innovation.

"Man and Cradle" af Ivan Yakimov

Ivan Yakimov. Mand og vugge.1770. Statens Tretyakov Galleri / Fulde version arbejde

"Oplyste" situationen - i bogstaveligt talt- Røntgen. Hun viste, at lærredet var skåret til højre og øverst.

PÅ Tretyakov Galleri maleriet kom efter salget af samlingen af ​​Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Han ejede det såkaldte "Russiske Museum" - en samling af malerier, skulpturer og antikviteter. Men i 1834 måtte samlingen på grund af økonomiske problemer sælges - og maleriet "En mand og en vugge" endte i Tretjakovgalleriet: ikke det hele, men kun dets venstre halvdel. Den rigtige gik desværre tabt, men du kan stadig se værket i sin helhed takket være en anden unik udstilling fra Tretyakovgalleriet. Den fulde version af Yakimovs arbejde blev fundet i albummet "Samling af fremragende værker russiske kunstnere and Curious Domestic Antiquities”, som indeholder tegninger fra de fleste af de malerier, der var en del af Svinin-samlingen.