Giuseppe Fortunino Francesco Verdi(italiensk. Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, 10. oktober, Roncole, nær byen Busseto, Italien - 27. januar, Milano) - italiensk komponist, central figur på den italienske operaskole. Hans bedste operaer ( Rigoletto, La traviata, Aida), kendt for deres rigdom af melodisk udtryksevne, opføres ofte i operahuse rundt om i verden. Ofte nedvurderet af kritikere i fortiden (for "at hengive sig til almindelige menneskers smag", "simplistisk polyfoni" og "skamløs melodramatisering"), danner Verdis mesterværker grundlaget for det sædvanlige opera-repertoire halvandet århundrede efter de blev skrevet.

Tidlig periode

Dette blev efterfulgt af flere operaer, blandt dem - "Siciliansk nadver" ( Les vêpres siciliennes; bestilt af Paris Opera), Troubadour ( Il Trovatore), "Maskeradebold" ( En ballo i maschera), "The Destiny Force" ( La forza del destino; skrevet efter ordre fra Imperial Mariinsky Theatre i Skt.Petersborg), den anden version af Macbeth ( Macbeth).

Operaer af Giuseppe Verdi

• Oberto, Conte di San Bonifacio - 1839
• Konge for en time (Un Giorno di Regno) - 1840
• Nabucco eller Nebuchadnezzar (Nabucco) - 1842
• Lombarderne i det første korstog (I Lombardi ") - 1843
• Ernani- 1844. Baseret på spillet med samme navn af Victor Hugo
• To Foscari (I due Foscari)- 1844. Baseret på et skuespil af Lord Byron
• Jeanne d'Arco (Giovanna d'Arco)- 1845. Baseret på stykket "The Maid of Orleans" af Schiller
• Alzira- 1845. Baseret på spillet med samme navn af Voltaire
• Attila- 1846. Baseret på stykket "Attila, Hunnernes Leder" af Zacharius Werner
• Macbeth- 1847. Baseret på spillet med samme navn af Shakespeare
• Rogues (I masnadieri)- 1847. Baseret på skuespillet af samme navn af Schiller
• Jerusalem (Jerusalem)- 1847 (Version Lombard)
• Corsair (Il corsaro)- 1848. Baseret på digtet med samme navn af Lord Byron
• Slaget ved Legnano (La battaglia di Legnano)- 1849. Baseret på stykket "Slaget ved Toulouse" af Joseph Meri
• Luisa Miller- 1849. Baseret på stykket "Forræderi og kærlighed" af Schiller
• Stiffelio- 1850. Baseret på skuespillet Den hellige fader, eller evangeliet og hjertet, af Émile Souvestre og Eugene Bourgeois.
• Rigoletto- 1851. Baseret på stykket Kongen morer sig selv af Victor Hugo
• Troubadour (Il Trovatore)- 1853. Baseret på spillet med samme navn af Antonio García Gutierrez
• La Traviata- 1853. Baseret på stykket "Lady of the Camellias" af A. Dumas-son
• Siciliansk Vespers (Les vêpres siciliennes)- 1855. Baseret på skuespillet "Hertugen af ​​Alba" af Eugene Scribe og Charles De Verier
• Giovanna de Guzman(Version af "Sicilianske Vesper").
• Simon Boccanegra- 1857. Baseret på spillet med samme navn af Antonio Garcia Gutierrez.
• Aroldo- 1857 (Stiffelio-version)
• Maskeradebal (Un ballo in maschera) - 1859.
• Destiny Force (La forza del destino)- 1862. Baseret på stykket "Don Alvaro, or the Force of Destiny" af Angel de Saavedra, hertug af Rivas, tilpasset til scenen af ​​Schiller under titlen "Wallenstein". Premiere på Mariinsky Theatre i St. Petersborg
• Don Carlos- 1867. Baseret på skuespillet af samme navn af Schiller
• Aida- 1871. Uropført på Khedive Opera House i Kairo, Egypten
• Otello- 1887. Baseret på spillet med samme navn af Shakespeare
• Falstaff- 1893. Baseret på Shakespeares "Windsor Ridiculous"

Musikalske fragmenter

Opmærksomhed! Musikuddrag i Ogg Vorbis -format

• "Skønhedens hjerte er tilbøjeligt til forræderi", fra operaen "Rigoletto"(info)

Noter

Links

• Giuseppe Verdi: Noder ved International Music Score Library Project

Opera Giuseppe Verdi

Oberto (1839) Konge i en time (1840) Nabucco (1842) Lombarder i det første korstog (1843) Hernani (1844) To Foscari (1844)

Joan of Arc (1845) Alzira (1845) Attila (1846) Macbeth (1847) Røvere (1847) Jerusalem (1847) Corsair (1848) Slaget ved Legnano (1849)

Louise Miller (1849) Stifellio (1850) Rigoletto (1851) Troubadour (1853) Traviata (1853) Siciliansk Vespers (1855) Giovanna de Guzman (1855)

Giuseppe blev født den 10. oktober 1813 i landsbyen Roncole, der ligger nær byen Busseto og 25 kilometer fra Parma. Verdi voksede op i en fattig familie, hans far handlede vin i byen La Renzole i det nordlige Italien.

Antonio Barezzi spillede en vigtig rolle i Giuseppes skæbne. Han var købmand, men musik spillede en stor rolle i hans liv.

Barezzi hyrede Verdi til at fungere som fuldmægtig og bogholder for kommercielle anliggender... Kontorarbejdet var kedeligt, men ikke belastende; men meget tid blev optaget af arbejdet med den musikalske del: Verdi omskrev flittigt partituret og partierne, deltog i prøver, hjalp amatørmusikere med at lære partierne.

Blandt Busset -musikerne ledende sted besat af Ferdinando Provezi - katedralorganist, dirigent for Philharmonic Orchestra, komponist og teoretiker. Han introducerede Verdi til det grundlæggende i komposition og dirigeringsteknikker, berigede hans musikteoretiske viden og hjalp ham med at forbedre sit orgelspil. Overbevist om den unge mands store musikalske talent forudsagde han en strålende fremtid for ham.

Verdis første komponisteksperimenter går tilbage til tiden med undervisning med Provezi. Dog skrive ung musiker var af amatørkarakter og tilføjede næsten ingenting til sine sparsomme levebrød. Det var på tide at tage en mere rummelig kreativ vej, men til dette var det nødvendigt at lære meget. Så ideen opstod om at komme ind i Milano -konservatoriet - en af ​​de bedste i Italien. De nødvendige midler hertil blev tildelt af den bussetianske "kontanthjælp til nødlidende", som Barezzi insisterede på: for en tur til Milano og konservatoriestudier (i løbet af de første to år) modtog Verdi et stipendium på 600 lire. Dette beløb blev lidt genopfyldt af Barezzi fra personlige midler.

I det sene forår 1832 kom Verdi til Milano, den største by i Norditalien, Lombardiets hovedstad. Verdi led imidlertid en bitter skuffelse: han blev blankt nægtet adgang til konservatoriet.

Da dørene til Milano -konservatoriet smækkede til for Verdi, var hans første bekymring at finde en kyndig og erfaren lærer blandt byens musikere. Blandt de personer, der blev anbefalet til ham, valgte han komponisten Vincenzo Lavigna. Han accepterede villigt at studere med Verdi, og det første han gjorde for ham var muligheden for at deltage gratis i La Scala -forestillinger.

Mange forestillinger blev afholdt med deltagelse af de bedste kunstneriske kræfter i landet. Det er ikke svært at forestille sig, med hvilken glæde den unge Verdi lyttede til berømte sangere og sangere. Han deltog også i andre teatre i Milan, såvel som prøver og koncerter i Philharmonic Society.

Engang besluttede Selskabet at opføre oratoriet "Skabelsen af ​​verden" af den store østrigske komponist Joseph Haydn. Men det skete, at ingen af ​​dirigenterne kom til øvelsen, og alle de optrædende var på deres pladser og udtrykte utålmodighed. Så henvendte lederen af ​​Selskabet P. Mazini sig til Verdi, som var i salen, med en anmodning om at hjælpe ham ud af den akavede situation. Hvad fulgte derefter - siger komponisten selv i sin selvbiografi.

“Jeg gik hurtigt hen til klaveret og begyndte at øve. Jeg husker udmærket den ironiske latterliggørelse, hvormed de hilste på mig ... Mit unge ansigt, mit tynde udseende, mit dårlige tøj - alt dette inspirerede lidt respekt. Men uanset hvad så fortsatte øvelsen, og jeg blev selv efterhånden inspireret. Jeg begrænsede mig ikke længere til akkompagnement, men begyndte at dirigere med min højre hånd og lege med min venstre. Da øvelsen var slut, betalte de mig komplimenter fra alle sider ... Som følge af denne hændelse blev udførelsen af ​​Haydns koncert betroet mig. Den første offentlige forestilling var så vellykket, at det straks var nødvendigt at organisere en gentagelse i stor salædel klub, som deltog i ... alt overklasse Milan ".

Så for første gang blev Verdi bemærket i musicalen Milano. En greve beordrede ham endda en kantate til hans familiefest. Verdi opfyldte ordren, men "His Excellence" belønnede ikke komponisten med en eneste lyre.

Men så kom det længe ventede og glædelige øjeblik i den unge komponists liv: han modtog en ordre på en opera - den første opera! Denne ordre blev lavet af Mazini, som ikke kun ledede Filharmonisk Selskab, men også var leder af det såkaldte Filodramatiske Teater. Libretto af A. Piazza, væsentligt revideret af librettisten F. Soler, dannede grundlaget for Verdis første opera Oberto. Bestillingen til operaen blev sandelig ikke fuldført så hurtigt som ønsket ...

Studieårene i Milano sluttede. Det er tid til at tage tilbage til Busseto og afvikle byens stipendium. Kort efter hans hjemkomst blev Verdi godkendt som dirigent for bykommunen ... Verdi brugte meget tid på at lede Philharmonic Orchestra og studere med dets musikere.

I foråret 1836 fandt Verdis bryllup med Margarita Barezzi sted, højtideligt fejret af Busset Philharmonic Society. Snart blev Verdi far: i marts 1837, datter af Virginia, og i juli 1838, søn af Ichiliao.

I årene 1835-1838 komponerede Verdi et stort antal værker af lille form - marcher (op til 100!), Danse, sange, romanser, kor og andre.

Hans vigtigste kreative kræfter var koncentreret om operaen "Oberto". Komponisten var så ivrig efter at se sin opera på scenen, at han efter at have afsluttet partituret omskrev alle vokal- og orkesterpartierne med sin egen hånd. I mellemtiden var kontraktens løbetid med Busset kommune ved at være slut. I Busseto, hvor der ikke var et permanent operahus, kunne komponisten ikke længere opholde sig. Efter at have flyttet med sin familie til Milano, begyndte Verdi energiske bestræbelser på at iscenesætte Oberto. På dette tidspunkt var Mazini, der bestilte operaen, ikke længere leder af Det Filodramatiske Teater, og Lavigna, som kunne have været meget nyttig, døde.

Masini, der troede på Verdis talent og store fremtid, gav uvurderlig bistand i denne henseende. Han fik støtte fra indflydelsesrige mennesker. Premieren var planlagt til foråret 1839, men på grund af sygdommen hos en af ​​de førende kunstnere blev den udskudt til sent efterår. I løbet af denne tid blev libretto og musik delvist omarbejdet.

Premieren på "Oberto" fandt sted den 17. november 1839 og var en stor succes. Dette skyldtes i høj grad forestillingens strålende cast.

Operaen var en succes - ikke kun i Milano, men også i Torino, Genova og Napoli, hvor den hurtigt blev iscenesat. Men disse år viser sig at være tragiske for Verdi: han mister den ene efter den anden datter, søn og elskede kone. "Jeg var alene! En! .. - skrev Verdi. "Og midt i denne frygtelige smerte måtte jeg afslutte en komisk opera." Det er ikke overraskende, at det ikke lykkedes for komponisten i "King for a Time". Forestillingen blev bukket. Krak personlige liv og operaens fiasko ramte Verdi. Han ville ikke skrive mere.

Men en gang vinteraften mens han vandrede formålsløst gennem Milanos gader, mødte Verdi Merelli. Efter at have talt med komponisten tog Merelli ham med til teatret og overrakte ham næsten med magt en manuskriptlibretto til den nye opera Nebuchadnezzar. “Her er Solers libretto! sagde Merelli. - Tænk på, hvad du kan lave af sådan et vidunderligt materiale. Tag det og læs det ... og du kan bringe det tilbage ... "

Selvom Verdi bestemt kunne lide librettoen, returnerede han den til Merelli. Men sidstnævnte ønskede ikke at høre om afvisningen og stak librettoen i komponistens lomme og skubbede den uden at begå det uden for kontoret og låste den med en nøgle.

”Hvad skulle der gøres? - huskede Verdi. - Jeg vendte hjem med Nabucco i lommen. I dag - en strofe, i morgen - en anden; her - en note, der - en hel sætning - så lidt efter lidt opstod hele operaen. "

Men selvfølgelig skal disse ord ikke tages bogstaveligt: ​​operaer skabes ikke så let. Det var kun takket være enormt, hårdt arbejde og kreativ inspiration, at Verdi var i stand til at gennemføre den store score af Nebuchadnezzar i efteråret 1841.

Premieren på "Nebuchadnezzar" fandt sted den 9. marts 1842 på La Scala - med deltagelse af bedste sangere og sangere. Ifølge samtidige har sådanne stormfulde og entusiastiske bifald ikke været hørt i teatret i lang tid. I slutningen af ​​handlingen rejste publikum sig fra deres pladser og hilste varmt på komponisten. Først betragtede han det endda som en ond hån: trods alt kun for halvandet år siden, her blev han så nådesløst buet for "Imaginary Stanislav." Og pludselig - sådan en storartet, fantastisk succes! Indtil slutningen af ​​1842 blev operaen opført 65 gange (!) - et usædvanligt fænomen i La Scalas historie.

Årsagen til den triumferende succes lå primært i det faktum, at Verdi i "Nebukadnesar" trods sit bibelske plot var i stand til at udtrykke sine mest elskede tanker og ambitioner fra sine landsmandspatrioter.

Efter fremstillingen af ​​Nebukadnezzar ændrede den strenge, usociale Verdi sig og begyndte at være i selskab med den progressive milanesiske intelligentsia. Dette samfund samledes konstant i huset til en ivrig patriot i Italien - Clarina Maffei. Med hende indledte Verdi venlige relationer i mange år, fanget i den korrespondance, der varede indtil hendes død. Clarinas mand, Andrea Maffei, var digter og oversætter. Verdi komponerede to romanser baseret på hans digte, og senere på sin egen libretto - operaen "Røverne" baseret på Schillers drama. Komponistens forbindelse med Maffei-samfundet påvirkede i høj grad den endelige dannelse af hans politiske og kreative idealer.

Blandt renæssancens digtere og A. Manzonis nærmeste venner var Tommaso Grossi, forfatter til satiriske digte, dramaer og andre værker. Baseret på en af ​​sektionerne berømt digt"Jerusalem Liberated" af den fremragende italienske digter Torquato Tasso Grossi skrev digtet "Giselda". Dette digt fungerede som materiale til Solers operalibretto, hvor Verdi skrev den næste, fjerde opera, med titlen "Lombarderne i det første korstog."

Men ligesom i "Nebukadnesar" de bibelske jøder mente moderne italienere, så betød korsfarerne i "langobarderne" patrioterne i det moderne Italien.

Denne "kryptering" af ideen om operaen afgjorde snart "langobardernes" enorme succes i hele landet. Den patriotiske essens af operaen undgik dog ikke de østrigske myndigheders opmærksomhed: de forhindrede produktionen og tillod den først efter ændringer i librettoen.

Premieren på "The Lombards" fandt sted på Teatro alla Scala den 11. februar 1843. Forestillingen blev til en levende politisk demonstration, som i høj grad foruroligede de østrigske myndigheder. Korsfarernes sidste kor blev opfattet som en lidenskabelig opfordring til det italienske folk om at kæmpe for deres hjemlands frihed. Efter iscenesættelsen i Milano begyndte et triumftog af "langobarder" i andre byer i Italien og europæiske lande, og det blev også iscenesat i Rusland.

"Nebuchadnezzar" og "Lombards" gjorde Verdi berømt i hele Italien. Operahuse begyndte efter hinanden at tilbyde ham ordrer til nye operaer. En af de første ordrer blev lavet af det venetianske teater "La Fenice", der efterlod valget af plottet efter komponistens skøn og anbefalede librettisten Francesco Piave, som siden er blevet en af ​​Verdis vigtigste samarbejdspartnere og nærmeste venner i mange år . En række af hans efterfølgende operaer, herunder mesterværker som Rigoletto og La Traviata, blev skrevet i Piaves libretto.

Efter at have accepteret ordren gik komponisten i gang med at søge efter et plot. Efter at have gennemgået et par stykker litterære værker, besluttede han sig for dramaet "Hernani" af den franske forfatter, dramatiker og digter Victor Hugo - så vandt han allerede europæisk berømmelse med romanen "Notre Dame Cathedral".

Dramaet "Hernani", der første gang blev iscenesat i Paris i februar 1830, er gennemsyret af en frihedselskende ånd og romantisk spænding. Komponisten arbejdede med lidenskab på Ernani og skrev partituret af en opera i fire akter på få måneder. Premieren på "Hernani" fandt sted den 9. marts 1844 på det venetianske teater "La Fenice". Succesen har været enorm. Operens plot, dets ideologiske indhold viste sig at være i overensstemmelse med italienerne: den forfulgte Ernani ædle fremtoning mindede om patrioter, der blev udvist af landet, i koret af sammensværgere hørte opfordringen til at kæmpe for befrielsen af ​​fædrelandet, forherligelse af ridderlig ære og tapperhed vækkede en følelse af patriotisk pligt. Hernanis forestillinger blev til livlige politiske demonstrationer.

I løbet af disse år udviklede Verdi en ekstremt intens kreativ aktivitet: premieren fulgte premieren. Mindre end otte måneder efter premieren på Hernani, den 3. november 1844, fandt den første forestilling af den nye, allerede sjette, opera af Verdi, The Two Foscari, sted på Argentina Theatre i Rom. Den litterære kilde for hende var tragedien af ​​samme navn af den store engelske digter og dramatiker George-Gordon Byron.

Efter Byron blev Verdis opmærksomhed henledt til den store tyske digter og dramatiker Friedrich Schiller, nemlig hans historiske tragedie Jomfruen fra Orleans. Det heroiske og på samme tid rørende billede af den patriotiske pige, som er nedfældet i Schillers tragedie, inspirerede Verdi til at skabe operaen Giovanna d'Arco (libretto af Soler). Den havde premiere på Teatro alla Scala i Milano den 15. februar 1845. Operaen var i starten en ganske stor succes - hovedsageligt takket være den berømte unge primadonna Herminia Fredzolini, der optrådte hovedrollen, men så snart denne rolle overgik til andre kunstnere, kølede interessen for operaen af, og hun forlod scenen.

Snart fandt en ny premiere sted - operaen "Alzira" - baseret på Voltaires tragedie. Napolitanske teatergængere klappede ganske mindeligt den nye opera, men dens succes var også kortvarig.

Attila er titlen på Verdis næste opera. Materialet til hendes libretto var den tyske dramatiker Tsacharias Werners tragedie - "Attila - Hunnernes konge".

Premieren på Attila, der fandt sted den 17. marts 1846, på det venetianske teater La Fenice, gik forbi med en ivrig patriotisk entusiasme for kunstnere og lyttere. En storm af entusiasme og råb - "For os, for os Italien!" - Indkaldte sætningen fra den romerske kommandant Aetius, rettet til Attila: "Tag hele verden, kun Italien, overlad Italien til mig!"

Fra sin ungdom beundrede Verdi Shakespeares genialitet - han læste og genlæst entusiastisk sine tragedier, dramaer, historiske krøniker, komedier og deltog også i deres forestillinger. Værdsatte drøm- at komponere en opera baseret på et Shakespeare -plot - han indså det i en alder af 34 år: han valgte tragedien Macbeth som en litterær kilde til sin næste, tiende opera.

Premieren på Macbeth fandt sted den 14. marts 1847 i Firenze. Opera havde stor succes både her og i Venedig, hvor det hurtigt blev leveret. Macbeths scener, hvor patrioterne handler, vakte stor begejstring hos publikum. En af scenerne, hvor den synges om et hengiven hjemland, især betaget publikum; så da de iscenesatte Macbeth i Venedig, opfangede de, grebet af en enkelt patriotisk impuls, med et kraftfuldt omkvæd melodien med ordene "De forrådte deres hjemland ..."

I midten af ​​sommeren 1847 var London vært for premieren på komponistens næste opera, The Robbers, baseret på dramaet af samme navn af F. Schiller.

Efter London tilbragte Verdi flere måneder i Paris. Det historiske år 1848 kom, da en kraftfuld revolutionær bølge fejede over Europa. I januar (selv før starten på revolutioner i andre lande!) brød en storslået folkeopstand ud på Sicilien, mere præcist, i hovedstaden Palermo.

I tæt forbindelse med de revolutionære begivenheder i 1848 står komponistens skabelse af den fremragende heroisk-patriotiske opera "Slaget ved Legnano". Men allerede før hende nåede Verdi at færdiggøre operaen "Le Corsaire" (libretto af Piave baseret på digtet af samme navn af Byron).

I modsætning til Le Corsaire var operaen Slaget ved Legnano en rungende succes. Plottet, hentet fra det italienske folks heroiske fortid, genoplivede på scenen en historisk begivenhed: nederlaget i 1176 af de forenede lombardiske tropper af den tyske kejser Frederick Barbarossas erobrerende hær.

Forestillingerne ved Slaget ved Legnano, der blev afholdt i et teater dekoreret med nationale flag, blev ledsaget af levende patriotiske demonstrationer af romerne, der udråbte en republik i februar 1849.

Mindre end et år efter den romerske premiere på slaget ved Legnano, i december 1849, blev Verdis nye opera Louise Miller iscenesat på Teatro San Carlo i Napoli. Dets litterære kilde er Schillers "filistinske drama" forræderi og kærlighed, rettet mod klasseulighed og fyrstelig despotisme.

"Louise Miller" er Verdis første lyriske og hverdagsopera, hvor almindelige mennesker er hovedpersoner. Efter produktionen i Napoli gik Louise Miller rundt på en række etaper i Italien og andre lande.

Verdi var træt af at føre en nomadisk livsstil, han ville slå sig fast et sted, især da han ikke længere var alene. Det var på dette tidspunkt, at en temmelig rig ejendom Sant'Agata var til salg i nærheden af ​​Busseto. Verdi, der dengang havde betydelige midler, købte den og flyttede i begyndelsen af ​​1850 hertil med sin kone til fast ophold.

En livlig komponerende aktivitet tvang Verdi til at rejse rundt i Europa, men Sant'Agata blev fra den tid hans yndlingsbolig til slutningen af ​​sit liv. Kun vintermånederne foretrak komponisten at tilbringe enten i Milano eller i kystbyen Genova - i Palazzo Dorna.

Den første opera komponeret i Sant'Agata var Stiffelio, den femtende i Verdis kreative portefølje.

Mens han arbejdede på Stiffelio, overvejede Verdi planer for fremtidige operaer og tegnede delvist musik til dem. Allerede dengang blev han betragtet som en af ​​de største komponister, men den højeste blomstring af hans værk nærmede sig kun: der var operaer forude, som bragte ham ære af "Europas musikalske hersker."

Rigoletto, Troubadour og La Traviata blev de mest populære operaer i verden. Oprettet efter hinanden på mindre end en to-årig periode, tæt på hinanden i musikkens natur, danner de en slags trilogi.

Litterær kilde "Rigoletto" - en af ​​de bedste tragedier fra Victor Hugo "Kongen er underholdt". Først præsenteret i Paris den 2. november 1832, umiddelbart efter premieren, efter regeringens ordre, blev operaen udelukket fra repertoiret - som et skuespil "stødende for moral", da forfatteren i den fordømte den opløste franske konge af første halvdel af det 16. århundrede, Frans I.

Efter pensionering til Busseto arbejdede Verdi så hårdt, at han skrev en opera på 40 dage. Premieren på "Rigoletto" fandt sted den 11. marts 1851 på det venetianske teater "La Fenice", bestilt af hvilken operaen blev komponeret. Forestillingen var en kæmpe succes, og hertugens sang, som komponisten forventede, gav et stænk. Da de forlod teatret, nynnede eller fløjtede publikum hendes legende melodi.

Efter at operaen var iscenesat, sagde komponisten: "Jeg er tilfreds med mig selv, og jeg tror, ​​at jeg aldrig vil skrive en bedre." Indtil slutningen af ​​sit liv betragtede han Rigoletto som sin bedste opera. Det blev værdsat af både Verdis samtidige og efterfølgende generationer. Rigoletto er stadig en af ​​de mest populære operaer i hele verden.

Efter premieren på Rigoletto gik Verdi næsten umiddelbart i gang med at udvikle manuskriptet til den næste opera, Troubadouren. Det tog dog cirka to år, indtil denne opera så scenen. Årsagerne til at bremse arbejdet var forskellige: dette var en elsket mors død og problemer med censuren i forbindelse med produktionen af ​​"Rigoletto" i Rom, og pludselig død Cammarano, som Verdi rekrutterede til at arbejde på librettoen "Troubadour".

Først i efteråret 1852 blev den ufærdige libretto færdiggjort af L. Bardare. Måneder med hårdt arbejde gik, og den 14. december samme år skrev komponisten til Rom, hvor premieren var planlagt: “... Troubadouren er fuldstændig færdig: alle noterne er på plads, og jeg er tilfreds. Nok til at romerne var lykkelige! "

Troubaduren havde premiere på Apollo Theatre i Rom den 19. januar 1853. Selvom Tiberen, der rasede og flød fra bankerne om morgenen, næsten forstyrrede premieren. Mindre end syv uger var gået siden den romerske premiere på Troubadour, da Verdis nye opera La Traviata den 6. marts 1853 blev opført på det venetianske teater La Fenice.

Ved at bruge rige vokale og orkestrale udtryksmidler skabte Verdi den nye slags opera. "La Traviata" er en dybt sandfærdig psykologisk musikalsk drama fra samtidens liv - almindelige mennesker. I midten af ​​1800-tallet var dette nyt og modigt, da tidligere historiske, bibelske, mytologiske plots herskede i operaer. Verdis innovation faldt ikke i smagen af ​​almindelige teatergængere. Den første venetianske produktion var en fuldstændig fiasko.

Den 6. marts 1854 fandt den anden venetianske premiere sted, denne gang på Teatro San Benedetto. Operaen var en succes: publikum forstod den ikke kun, men elskede den også højt. Snart blev La Traviata den mest populære opera i Italien og andre lande i verden. Det er karakteristisk, at Verdi selv, da han engang blev spurgt, hvilken af ​​sine operaer han elsker allermest, svarede, at han som professionel sætter Rigoletto højere, men som amatør foretrækker han La Traviata.

I årene 1850-1860 blev Verdis operaer fremført på alle større scener i Europa. For Skt. Petersborg skriver komponisten operaen "The Force of Destiny", for Paris - "Sicilian Vespers", "Don Carlos", for Napoli - "Masquerade Ball".

Den bedste af disse operaer er Masquerade Ball. Maskeradeboldens berømmelse spredte sig hurtigt i hele Italien og langt ud over dets grænser; han har taget en fast plads i verdens opera -repertoire.

En anden Verdis opera, The Force of Destiny, blev bestilt af ledelsen af ​​de kejserlige teatre i Skt. Petersborg. Denne opera var tiltænkt en italiensk trup, der har optrådt kontinuerligt i Skt. Petersborg siden 1843 og haft en enestående succes. Premieren fandt sted den 10. november 1862. Petersborgere hilste varmt på den berømte komponist. Den 15. november skrev han til en af ​​sine venner i et brev: "Der var tre forestillinger ... i et fyldt teater og med fremragende succes."

I slutningen af ​​1860'erne modtog Verdi et tilbud fra den egyptiske regering om at skrive en opera til det nye teater i Kairo med et patriotisk plot fra Egyptisk liv at dekorere fejringen af ​​Suez -kanalens indvielse. Forslagets usædvanlighed forundrede først komponisten, og han nægtede at acceptere det; men da han i foråret 1870 stiftede bekendtskab med manuskriptet udviklet af den franske videnskabsmand (specialist i gammel egyptisk kultur) A. Mariette, blev han så revet med af plottet, at han tog imod tilbuddet.

Operaen stod stort set færdig i slutningen af ​​1870. Premieren var oprindeligt planlagt til vintersæsonen 1870-1871, men på grund af den spændte internationale situation (den fransk-preussiske krig) måtte den udsættes.

Kairo -premieren på Aida fandt sted den 24. december 1871. Ifølge akademiker B. V. Asafiev, "var det en af ​​de mest geniale og entusiastiske forestillinger i hele operahistorien."

I foråret 1872 begyndte Aida sin triumfmarsch gennem andre italienske operascener, og snart blev den berømt i hele Europa, herunder Rusland og i Amerika. Fra nu af begyndte de at tale om Verdi som en genial komponist. Selv de professionelle musikere og kritikere, der behandlede Verdis musik med fordomme, anerkendte nu komponistens enorme talent, hans enestående tjenester inden for operakunst. Tjajkovskij anerkendte skaberen af ​​"Aida" som et geni og sagde, at Verdis navn skulle være indskrevet på historietavlerne ved siden af ​​de største navne.

Den melodiske rigdom af "Aida" forbløffer med sin rigdom og variation. I ingen anden opera har Verdi vist så generøs og uudtømmelig melodisk opfindsomhed som her. Samtidig er melodierne fra "Aida" præget af enestående skønhed, udtryksfuldhed, adel, originalitet; i dem er der ikke engang et spor af den kliché, rutine, "charme", som ofte blev syndet af gamle italienske operakomponister, og endda Verdi selv i de tidlige og til dels mellemliggende perioder med kreativitet. I maj 1873 blev Verdi, der dengang boede i Sant'Agata, dybt bedrøvet over nyheden om den 88-årige Alessandro Manzonis død. Verdis kærlighed og respekt for denne patriotiske forfatter var grænseløs. For tilstrækkeligt at ære mindet om sin herlige landsmand, besluttede komponisten at oprette et Requiem på den første årsdag for hans død. Det tog Verdi ikke mere end ti måneder at oprette Requiem, og den 22. maj 1874 blev det først opført under ledelse af forfatteren i Milanos Markuskirke. Melodiens rigdom og udtryksfuldhed, harmoniernes friskhed og dristighed, farverig orkestrering, formharmoni, beherskelse af polyfonisk teknik placerer Verdis Requiem blandt de mest fremragende værker i denne genre.

Dannelsen af ​​en samlet italiensk stat levede ikke op til Verdis håb, ligesom mange andre patrioter. Komponistens politiske reaktion fremkaldte en dyb bitterhed. Verdis frygt var også forårsaget af Italiens musikliv: forsømmelse af nationale klassikere, blind efterligning af Wagner, hvis værk Verdi satte stor pris på. En ny stigning kom for den ældre forfatter i 1880'erne. I en alder af 75 begyndte han at skrive en opera baseret på handlingen i Shakespeares Othello. Modsatte følelser - lidenskab og kærlighed, loyalitet og intriger formidles i hende med enorm psykologisk nøjagtighed. Othello samler alt det geni, som Verdi har opnået i sit liv. Musikalsk verden var chokeret. Men denne opera blev slet ikke finalen på den kreative vej. Da Verdi allerede var 80 år gammel, skrev han et nyt mesterværk - den komiske opera Falstaff baseret på Shakespeares skuespil Windsor Ridiculous - et værk så perfekt, realistisk med en fantastisk polyfon slutning - en fuga, at det straks blev anerkendt som den højeste præstation af verdens opera.

Den 10. september 1898 blev Verdi 85 år. "... Mit navn lugter af mumiernes æra - jeg tørrer selv op, når jeg bare mumler dette navn for mig selv," indrømmede han trist. Den stille og langsomme udryddelse af komponistens vitale kræfter fortsatte i mere end to år.

Kort efter at menneskeheden højtideligt mødte det 20. århundrede, blev Verdi, der boede på et hotel i Milano, lammet og en uge senere, tidligt om morgenen den 27. januar 1901, i en alder af 88, døde. Der blev erklæret national sorg i hele Italien.

1. ung grøn

Giuseppe Verdi sagde engang:
Da jeg var atten år gammel, betragtede jeg mig selv som stor og sagde:
"JEG ER".
Da jeg var femogtyve år gammel, begyndte jeg at sige:
"Mig og Mozart".
Da jeg fyldte fyrre, sagde jeg:
"Mozart og mig".
Nu siger jeg:
"Mozart".

2. fejlen kom ud ...

Engang kom en nitten-årig dreng til dirigenten i Milano-konservatoriet og bad ham tage en eksamen. Ved adgangsprøven spillede han sine kompositioner på klaver. Et par dage senere modtog den unge mand et strengt svar: "Forlad tanken om konservatoriet. Og hvis du virkelig vil studere musik, skal du kigge efter en privat lærer blandt bymusikerne ..."
Således blev den talentløse unge mand sat på plads, og det skete i 1832. Og efter et par årtier søgte Milano -konservatoriet lidenskabeligt æren af ​​at bære navnet på den musiker, den engang havde afvist. Dette navn er Giuseppe Verdi.

3. Giv et bifald! ...

Verdi sagde engang:
- Bifald er en integreret del af nogle former for musik og bør indarbejdes i partituret.

4. Jeg siger "mozart"!

Engang talte Verdi, der allerede var hvidt med gråt hår og berømt over hele verden, med en håbefuld komponist. Komponisten var atten år gammel. Han var fuldstændig overbevist om sit eget geni og talte hele tiden kun om sig selv og sin musik.
Verdi lyttede længe og opmærksomt til det unge geni og sagde så med et smil:
- Min kære unge ven! Da jeg var atten år gammel, betragtede jeg mig også som en stor musiker og sagde: "Jeg er". Da jeg var femogtyve, plejede jeg at sige: "Mig og Mozart." Da jeg var fyrre år, sagde jeg allerede: "Mozart og mig." Og nu siger jeg bare: "Mozart".

5. Jeg vil ikke fortælle det!

En håbefuld musiker forsøgte i lang tid at få Verdi til at lytte til sit skuespil og udtrykke sin mening. Endelig var komponisten enig. På den aftalte time kom den unge mand til Verdi. Han var en høj ung mand, tilsyneladende udstyret med en enorm fysisk styrke. Men han spillede meget dårligt ...
Efter at have spillet færdig bad gæsten Verdi om at udtrykke sin mening.
- Fortæl mig bare hele sandheden! sagde den unge mand resolut og knyttede sine pood -næver i spænding.
- Det kan jeg ikke, - svarede Verdi med et suk.
- Men hvorfor?
- Jeg er bange...

6. ikke en dag uden en linje

Verdi havde altid en nodebog med sig, hvori han hver dag skrev sine musikalske indtryk fra den dag, han havde levet, ned. I disse ejendommelige dagbøger af den store komponist kunne man finde fantastiske ting: fra enhver lyd, det være sig råben fra en ismager på en varm gade eller bådsmandens opfordringer til en tur, udråb fra bygherrer og andre arbejdere eller børns gråd, udviste Verdi et musikalsk tema fra alt! Som senator overraskede Verdi engang sine senatvenner meget. På fire ark musikpapir transponerede han meget genkendeligt i en kompliceret lang fuga ... talerne fra temperamentsfulde lovgivere!

7. godt tegn

Efter at have afsluttet arbejdet med operaen "Troubadour" inviterede Giuseppe Verdi venligst en temmelig middelmådig musikkritiker, hans store dårlige ønsker, at gøre ham bekendt med nogle af de vigtigste fragmenter af operaen. - Jamen, hvordan kan du lide min nye opera? spurgte komponisten og rejste sig fra klaveret.
- Helt ærligt, - sagde kritikeren resolut, - alt dette forekommer mig ret fladt og inexpressivt, monsieur Verdi.
- Herregud, du kan slet ikke forestille dig, hvor taknemmelig jeg er for din feedback, hvor glad jeg er! - udbrød den glade Verdi og rystede varmt på sin modstanders hånd.
"Jeg forstår ikke din glæde," trak kritikeren på skuldrene. - Jeg kunne jo ikke lide operaen ... - Nu er jeg helt sikker på succesen med min "Troubadour", - forklarede Verdi. - Når alt kommer til alt, hvis du ikke kunne lide værket, så vil publikum helt sikkert kunne lide det!

8. Tilbagebetal dine penge, maestro!

Verdis nye opera "Aida" blev modtaget med beundring af publikum! Den berømte komponist blev bogstaveligt talt bombarderet med anerkendelser og entusiastiske breve. Men blandt dem var følgende: "Den larmende snak om din opera" Aida "fik mig til at tage til Parma den 2. i denne måned og deltage i forestillingen ... I slutningen af ​​operaen stillede jeg mig selv spørgsmålet: gjorde operaen tilfredsstille mig? Svaret var negativt, jeg sætter mig ind i vognen og vender hjem til Reggio. Alle dem omkring mig taler bare om operaens fordele. Jeg følte igen et ønske om at lytte til operaen, og den 4. jeg Jeg er tilbage i Parma. Det indtryk, jeg gjorde, er følgende: der er ikke noget fremragende i operaen ... Efter to eller tre forestillinger vil din "Aida" være i arkivets støv. Du kan bedømme, kære hr. Verdi, hvilken beklagelse jeg føler over de lyriker, jeg har spildt forgæves. Hertil kommer, at jeg er en familiefar, og en sådan udgift giver mig ikke hvile. Derfor appellerer jeg direkte til dig med en anmodning om at returnere de angivne penge til mig ... "
Sidst i brevet blev der fremlagt en dobbeltregning for rundtursbanen, teater og middag. I alt seksten lire. Efter at have læst brevet beordrede Verdi sin impresario til at betale sagsøgeren penge.
»Dog med fradrag af fire lire for to aftensmaden,« sagde han muntert, »da denne underskriver kunne have aftensmad derhjemme. Og mere ... Tag hans ord om, at han aldrig vil lytte til mine operaer igen ... For at undgå nye udgifter.

9. historien om en samling

En dag kom en af ​​hans venner for at besøge Verdi, som tilbragte sommeren i sin lille villa ved kysten i Monte Catini. Når han så sig omkring, blev han usigeligt overrasket over, at ejeren, selvom den ikke var for stor, men stadig en to-etagers villa på ti værelser konstant klemmer i et værelse, og ikke den mest komfortable ...
- Ja, selvfølgelig har jeg flere værelser, - forklarede Verdi, - men der gemmer jeg ting, som jeg virkelig har brug for.
Og den store komponist tog gæsten med rundt i huset for at vise ham disse ting. Forestil dig en nysgerrig gæsts overraskelse, da han så rigtig mange orgelorganer bogstaveligt talt oversvømmede Verdis villa ...
-Se du, - komponisten forklarede den mystiske situation med et suk, - jeg kom her på jagt efter fred og ro, hvilket vil sige at arbejde på min ny opera... Men de mange ejere af disse instrumenter, du lige så, besluttede af en eller anden grund, at jeg kom her udelukkende for at lytte til min egen musik i en temmelig dårlig fremførelse af deres orgel ... Fra morgen til aften glædede de mine ører med arier fra La Traviata , " Rigoletto "," Troubadour ". Og det betød, at jeg hver gang måtte betale dem for denne tvivlsomme fornøjelse. Til sidst blev jeg fortvivlet og købte simpelthen alle orgelorganerne af dem. Denne fornøjelse kostede mig ret meget, men nu kan jeg arbejde i fred ...

10. umulig opgave

I Milano, overfor den berømte Teatro alla Scala, er der en taverna, hvor kunstnere, musikere og sceneeksperter har været samlet i lang tid.
Der, under glas, har en flaske champagne været opbevaret i lang tid, som er tiltænkt dem, der konsekvent og tydeligt kan genfortælle indholdet af Verdis opera "Troubadour" med egne ord.
Denne flaske har været opbevaret i mere end hundrede år, vinen bliver stærkere, men den "heldige" er stadig væk.

11.den bedste er den venligste

Verdi blev engang spurgt, hvilken af ​​hans kreationer han anser for den bedste?
- Huset, som jeg byggede i Milano til ældre musikere ...

Verdis arbejde er en kulmination i udviklingen Italiensk musik XIX århundrede. Hans kreative aktivitet, primært forbundet med operagenren, strakte sig over mere end et halvt århundrede: den første opera (Oberto, grev Bonifacio) blev skrevet af ham i en alder af 26 år, den næstsidste (Othello) på 74, den sidste (" Falstaff") - på 80 (!) år. I alt, under hensyntagen til seks nye udgaver af tidligere skrevne værker, skabte han 32 operaer, som den dag i dag udgør den vigtigste repertoirefond for teatre rundt om i verden.

Generelt evolution opera kreativitet Verdi kan se en vis logik. Med hensyn til temaer og plot skiller 1940'ernes operaer sig ud med den prioriterede værdi af plotmotiver, beregnet til en stor sociopolitisk resonans (Nabucco, Lombards, Slaget ved Legnano). Verdi tog fat på sådanne begivenheder oldtidshistorie, som viste sig at stemme overens med stemningerne i datidens Italien.

Allerede i de første operaer af Verdi, skabt af ham i 40'erne, blev nationale befrielsesideer, så relevante for den italienske offentlighed i 1800 -tallet, legemliggjort: "Nabucco", "Lombards", "Hernani", "Jeanne d, Arc ", "Atilla", "Slaget ved Legnano", "Røverne", "Macbeth" (Verdis første Shakespeare-opera) osv. - alle er baseret på heroisk-patriotiske historier, lovprisninger af frihedskæmpere, hver af dem indeholder en direkte politisk hentydning til den sociale situation i Italien, som kæmper mod østrigsk undertrykkelse. Fremførelsen af ​​disse operaer fremkaldte et udbrud af patriotiske følelser blandt den italienske lytter, strømmet ud i politiske demonstrationer, det vil sige, at de blev begivenheder af politisk betydning.

Melodierne fra operakor komponeret af Verdi fik betydningen af ​​revolutionære sange og blev sunget i hele landet. 40'ernes sidste opera - Louise Miller " baseret på Schillers drama "Snedighed og kærlighed" - åbnet ny fase i Verdis værker. For første gang vendte komponisten sig selv til et nyt emne - social ulighed det bekymrede mange kunstnere for det andet halvdelen af ​​XIXårhundrede, repræsentanter kritisk realisme... Heroiske plots erstattes af personligt drama på grund af sociale årsager... Verdi viser, hvordan en uretfærdig social orden bryder menneskelige skæbner. På samme tid viser fattige, magtesløse mennesker sig at være meget ædlere, åndeligt rigere end repræsentanter for "det høje samfund".

I sine operaer fra 1950'erne afviger Verdi fra den borgerlige heroiske linje og fokuserer på individuelle karakterers personlige dramaer. I løbet af disse år blev den berømte operatriade skabt - "Rigoletto" (1851), "La Traviata" (1853), "Troubadour" (1859). Temaet om social uretfærdighed, der stammer fra "Louise Miller", blev udviklet i den berømte operatriade i begyndelsen af ​​50'erne - Rigoletto (1851), Troubadour, La Traviata (begge 1853). Alle tre operaer fortæller om lidelser og død for mennesker, der er socialt udsatte, foragtet af "samfundet": en hofnarr, en tiggersigøjner, en falden kvinde. Oprettelsen af ​​disse kompositioner taler om Verdis øgede dygtighed som dramatiker.

I forhold til komponistens tidlige operaer er dette et stort skridt fremad:

• den psykologiske begyndelse forstærkes, forbundet med afsløringen af ​​lyse, ekstraordinære menneskelige karakterer;
• kontraster, der afspejler livsmodsætninger, skærpes;
• traditionelle operaformer fortolkes på en innovativ måde (mange arier, ensembler bliver til frit organiserede scener);
• recitationsrollen stiger i vokalpartier;
• orkesterets rolle vokser.

Senere i operaer skabt i anden halvdel af 50'erne ( "Sicilianske Vesper" - for Paris Opera, "Simon Boccanegra", "Masquerade Ball") og i 60'erne ( "Skæbnens kraft" - bestilt af St. Petersburg Mariinsky Theatre og Don Carlos - for Paris Opera) vender Verdi igen tilbage til de historisk-revolutionære og patriotiske temaer. Nu er sociale og politiske begivenheder imidlertid uløseligt forbundet med helternes personlige drama, og kampens patos, lyse menneskemængder kombineres med subtile psykologier.

Det bedste af disse værker er operaen Don Carlos, som afslører den forfærdelige natur af katolsk reaktion. Det er baseret på historisk plot, lånt fra Schillers drama af samme navn. Begivenheder udspiller sig i Spanien under regeringstiden for den despotiske kong Filip II, der forråder sin egen søn i inkvisitionens hænder. Efter at have gjort det undertrykte flamske folk til en af ​​hovedpersonerne i værket, viste Verdi heroisk modstand mod vold og tyranni. Denne tyranniske patos fra "Don Carlos", konsonant politiske begivenheder i Italien, på mange måder tilberedt "Aida".

"Aida", oprettet i 1871 efter ordre fra den egyptiske regering, åbner sen periode i Verdis værker. Denne periode indeholder også sådanne topkomponeringer af komponisten som et musikalsk drama. Othello og komisk opera Falstaff (begge baseret på Shakespeare på en libretto af Arrigo Boito).

Disse tre operaer kombineres bedste funktioner komponist stil:

• dyb psykologisk analyse af menneskelige karakterer;
• levende, fængslende fremvisning af konfliktkonflikter;
• humanisme rettet mod at afsløre ondskab og uretfærdighed;
• spektakulær underholdning, teatralitet;
• demokratisk forståelighed af det musikalske sprog, baseret på traditionerne i italiensk folkesang.

I de sidste to operaer baseret på Shakespeares plots - "Othello" og "Falstaff" søger Verdi at finde nogle nye veje i operaen, for at give den en mere dybdegående undersøgelse af de psykologiske og dramatiske aspekter. Med hensyn til melodisk vægt og indhold (dette gælder især Falstaff) er de imidlertid ringere end tidligere skrevne operaer. Lad os tilføje, at operaerne i kvantitative termer er placeret langs linjen af ​​"udryddelse". I løbet af de sidste 30 år af sit liv skrev Verdi kun 3 operaer: dvs. en forestilling på 10 år.

Opera af Giuseppe Verdi "La Traviata"

Grund " La Traviatas "(1853) er lånt fra romanen" Lady of the Camellias "af Alexandre Dumas-søn. Som et muligt operamateriale tiltrak han komponistens opmærksomhed umiddelbart efter udgivelsen (1848). Romanen var en sensationel succes, og forfatteren omarbejdede den hurtigt til et teaterstykke. Verdi deltog i premieren og bekræftede endelig sin beslutning om at skrive en opera. Han fandt i Dumas et tema tæt på ham - tragedien om en kvindes skæbne ødelagt af samfundet.

Operaens tema forårsagede en voldsom kontrovers: det moderne plot, kostumer, frisurer var meget usædvanligt for publikum i det 19. århundrede. Men det mest uventede var, at den ”faldne kvinde” for første gang optrådte på operascenen som hovedpersonen, skildret med skjult sympati (en omstændighed specielt fremhævet af Verdi i operaens navn - sådan er italieneren ” traviata ”er oversat). Denne nyhed er hovedårsagen til premierens skandaløse fiasko.

Som i mange andre operaer af Verdi blev librettoen skrevet af Francesco Piave. Alt er ekstremt enkelt i det:

• minimum af aktører
• mangel på sammenfiltrede intriger;
• vægt ikke på begivenheden, men på den psykologiske side - sindsro heltinder.

Kompositionsplanen er ekstremt lakonisk, den er koncentreret om personligt drama:

1. dag - udstilling af billeder af Violetta og Alfredo og et slips kærlighedslinje(Alfredos bekendelse og fremkomsten af ​​en gensidig følelse i Violettas sjæl);

Den anden dag viser udviklingen af ​​billedet af Violetta, hvis hele liv blev fuldstændig forvandlet under påvirkning af kærlighed. Allerede her sker en drejning mod en tragisk afslutning (Violettas møde med Georges Germont bliver fatalt for hende);

Dag III indeholder kulminationen og frigørelsen - Violettas død. Således er hendes skæbne den vigtigste dramatiske kerne i operaen.

Ved genre"La Traviata" - en af ​​de første prøver lyrisk-psykologisk opera. Plottets almindelighed og intimitet fik Verdi til at opgive den heroiske monumentalitet, teatralske underholdning og showiness, der kendetegnede hans første operaværker. Dette er komponistens "mest støjsvage" kammeropera. Orkestret er domineret af strengeinstrumenter, dynamikken går sjældent ud over R.

Meget bredere end i sine andre værker stoler Verdi på moderne hverdagsgenrer... Dette er først og fremmest genren af ​​valsen, som kan kaldes "leitgenre" for "La Traviata" (levende eksempler på vals er Alfredos drikkesang, del 2 af Violettas aria "Be Free ...", Violetta og Alfredos duet fra 3 dage Vi forlader landet ”). På baggrund af valsen finder Alfreds amorøse forklaring i akt I sted.

Billedet af Violetta.

Den første egenskab ved Violetta er givet i en kort orkestral optakt, som introducerer operaen, hvor to modsatte temaer spilles:

1 - temaet for den "døende Violetta", der foregriber frakobling af dramaet. Givet i den dæmpede lyd af divizi-violiner, i den sørgelige h-moll, korstruktur, ved anden intonation. Ved at gentage dette tema i introduktionen til III. akt understregede komponisten hele kompositionens enhed (metoden til den "tematiske bue");

2 - "kærlighedens tema" - lidenskabelig og entusiastisk, i E -durens lyse klang, kombinerer melodiens melodiøsitet med rytmens glatte vals. I selve operaen optræder hun som Violetta i akt II på tidspunktet for hendes adskillelse fra Alfredo.

V Jeg handler(billede af bolden) Violettas karakteristik er baseret på sammenflettningen af ​​to linjer: strålende, virtuos, forbundet med udførelsesformen ydre essens billede og lyrisk-dramatisk, formidlende interiør Violettas verden. I begyndelsen af ​​handlingen dominerer den første - virtuosen. Ved fejringen virker Violetta uadskillelig fra sit miljø - et lystigt sekulært samfund. Hendes musik er ikke særlig individualiseret (det er karakteristisk, at Violetta slutter sig til Alfredos drikkesang, som snart bliver hentet af hele koret af gæster).

Efter Alfredos kærlighedshistorie er Violetta prisgivet de mest modstridende følelser: her både drømmen om ægte kærlighed og vantro på muligheden for lykke. Derfor er den stor portræt aria , der fuldender I -handlingen, er baseret på en kontrasterende sammenligning af to dele:

1 del - langsom ("Er du ikke mig ..." f-moll). Adskiller sig i en eftertænksom, elegisk karakter. En glat valselignende melodi er fuld af ærefrygt og ømhed, indre spænding (pauser, pp, diskret akkompagnement). Temaet for Alfreds kærlighedsbekendelse fungerer som en slags omkvæd til hovedmelodien. Fra nu af bliver denne smukke melodi, meget tæt på kærlighedstemaet fra orkesterforspillet, operaens hovedtema (det såkaldte 2. bind af kærlighed). I Violettas arie lyder hun flere gange, først i sin del og derefter i Alfredo, hvis stemme er givet af den anden plan.

2 del af arien - hurtig ("At være fri ..." As-dur). Dette er en strålende vals, fængslende med hurtigheden i rytme og virtuos koloratur. En lignende 2-delt struktur findes hos mange opera-arier; Verdi bragte imidlertid Violettas arie tættere på en gratis drømmemonolog, herunder udtryksfulde recitative links (i dem-en afspejling af Violettas åndelige kamp) og brugte teknikken med toplan (Alfredos stemme langt væk).

Da hun blev forelsket i Alfredo, forlod Violetta støjende Paris med ham og brød med sin fortid. For at understrege hovedpersonens udvikling ændrer Verdi i akt II radikalt funktionerne i hendes musikalske tale. Ydre glans og virtuose roulader forsvinder, intonationer opnår sangsimpelhed.

I centrum II handling - duet af Violetta med Georges Germont , Alfreds far. Dette i ordets fulde forstand er en psykologisk duel mellem to naturer: Violettas åndelige adel står i kontrast til den filistinske middelmådighed af Georges Germont.

Kompositionelt er duoen meget langt fra den traditionelle form for fællessang. Dette er en gratis scene, herunder recitativ, arioso, ensemblesang. I konstruktionen af ​​scenen kan tre store sektioner skelnes, forbundet med recitative dialoger.

Afsnit I omfatter Germonts arioso "Ren, med et engles hjerte" og Violettas tilbagevenden solo "Du vil forstå lidenskabens kraft." Violettas del er kendetegnet ved stormende spænding og står i skarp kontrast til Germonts afmålte cantilena.

Musikken i det andet afsnit afspejler vendepunktet i Violettas humør. Germont formår i sin sjæl at plante smertefulde tvivl om Alfredos kærligheds levetid (arioso Germont "Passion passerer") og hun giver efter for hans anmodninger (" Din datter ... "). I modsætning til 1. sektion domineres 2. sektion af fællessang, hvor hovedrollen tilhører Violetta.

Afsnit 3 ("Jeg dør, men i min hukommelse") dedikeret til at vise Violettas uselviske beslutsomhed om at give afkald på hendes lykke. Hans musik er fastholdt i karakter af en barsk march.

Scenen efter duetten af ​​Violettas afskedsbrev og hendes afsked med Alfredo er fuld af åndelig forvirring og lidenskab, som kulminerer i den udtryksfulde lyd af den såkaldte kærlighed fra orkesterpreluden (i ord “Åh, min Alfred! Jeg elsker dig så meget").

Dramaet om Violetta, der har besluttet at forlade Alfredo, fortsætter ved Floras bold (finale i akt 2 eller scene 2 i akt 2). dansemusik, men nu tynger boldens brogede travlhed Violetta; hun går smertefuldt igennem en pause med sin elskede. Kulminationen på finalen på 2 dage - spild af Alfredo, der kaster penge for Violettas fødder - betaling for kærlighed.

III handling næsten helt dedikeret til Violetta, udmattet af hendes sygdom og forladt af alle. Allerede i en lille orkesterindledning er der en følelse af en forestående katastrofe. Den er baseret på temaet for den døende Violetta fra orkesterforspillet til akt I, kun i en mere intens c-moll. Det er karakteristisk, at der i indledningen til akt III ikke er noget andet, kontrasterende tema - temaet kærlighed.

Den centrale episode III handlinger - Violettas arie "Tilgiv mig for altid"... Dette er et farvel til livet, til øjeblikke af lykke. Før ariens begyndelse optræder 2. bind af kærlighed i orkestret (når Violetta læser et brev fra Georges Germont). Melodien til arien er meget enkel, den er baseret på glatte brummende motiver og sangbevægelser på den sjette. Rytmen er meget udtryksfuld: accenter på svage slag og lange pauser fremkalder associationer til åndedrætsbesvær, med fysisk udmattelse. Tonaludviklingen fra a-minor er rettet mod parallel-mu, og derefter til major med samme navn, desto trist er tilbagevenden til minor. Formen er kuplet. Situationens tragedie forværres af de festlige lyde af karnevalet, der bryder ind i det åbne vindue (i finalen i Rigoletto spiller hertugens sang en lignende rolle).

Atmosfæren ved at nærme sig døden oplyses kort af glæden ved Violettas møde med den hjemvendte Alfredo. Deres duet "Vi forlader landet" - dette er endnu en vals, let og drømmende. Imidlertid forlader Violettas styrker snart. Musikken fra den sidste afsked lyder højtideligt og sørgeligt, da Violetta giver Alfreda sin medaljon (korakkorder i en ostinatarytme på rrrr - karakteristiske tegn på en begravelsesmarsch). Lige før afslutningen lyder kærlighedstemaet igen i strengeinstrumenternes ekstremt stille klang.

Opera af Giuseppe Verdi "Rigoletto"

Dette er Verdis første modne opera (1851), hvor komponisten flyttede væk fra heroiske temaer og vendte sig til konflikter genereret af social ulighed.

I hjertet af grund- Victor Hugos drama "Kongen er sjov", forbudt umiddelbart efter premieren, som underminering af kongemagtens autoritet. For at undgå sammenstød med censur flyttede Verdi og hans librettist Francesco Piave scenen fra Frankrig til Italien og ændrede navnene på heltene. Imidlertid reducerede disse "ydre" ændringer på ingen måde kraften i social eksponering: Verdis opera fordømmer ligesom Hugos spil den moralske lovløshed og fordærv i det sekulære samfund.

Operaen består af de handlinger, hvorunder en enkelt historie, forbundet med billederne af Rigoletto, Gilda og hertugen, udvikler sig intensivt og hurtigt. Et sådant fokus udelukkende på hovedpersonernes skæbne er karakteristisk for Verdis drama.

Allerede i akt I - i afsnittet af Monterones forbandelse - forudses det fatale udfald, hvortil alle heltenes lidenskaber og handlinger bliver tiltrukket. Mellem disse ekstreme punkter i dramaet - Monterones forbandelse og Gildas død - er der en kæde af indbyrdes forbundne dramatiske klimaks, der ubønhørligt bringer den tragiske slutning tættere på.

• scenen for Gildas bortførelse i finalen i akt I;
• Rigolettos monolog og den følgende scene med Gilda, hvor Rigoletto sværger at hævne sig på hertugen (II -akt);
• Kvartetten af ​​Rigoletto, Gilda, Herzog og Maddalena er kulminationen på akt III, der åbner en direkte vej til den fatale opløsning.

Operaens hovedperson er Rigoletto- et af de klareste billeder skabt af Verdi. Dette er en person, over hvem, ifølge Hugos definition, en tredobbelt ulykke graviterer (grimhed, svaghed og en foragtet profession). I modsætning til Hugos drama opkaldte komponisten sit værk efter ham. Det lykkedes ham at afsløre billedet af Rigoletto med den dybeste sandhed og Shakespeares alsidighed.

Dette er en mand med store lidenskaber, besidder ekstraordinært sind, men tvunget til at spille en ydmygende rolle ved retten. Rigoletto foragter og ser ikke adelen, han går ikke glip af en mulighed for at håne de korrupte hoffolk. Hans latter skåner ikke engang den gamle Monterones faderlige sorg. Rigolettos datter er dog ikke helt anderledes: Han er en kærlig og uselvisk far.

Operaens allerførste tema, der åbner en kort orkester introduktion, er forbundet med billedet af hovedpersonen. det forbandelse tema baseret på vedvarende gentagelse af en lyd i en skarpt prikket rytme, dramatisk c-moll, i trompeter og tromboner. Karakteren er uhyggelig, dyster, tragisk, understreget af spændt harmoni. Dette tema opfattes som et billede på rock, utilgivende skæbne.

Indledningens andet tema blev kaldt "lidelsens tema". Den er baseret på sørgelige anden intonationer, afbrudt af pauser.

V Jeg har et billede af operaen(bold i hertugens palads) Rigoletto dukker op i skikkelse af en nar. Hans grimasser, maner, lamme gangart formidles af temaet, der lyder i orkestret (nr. 189 fra noder). Det er kendetegnet ved skarpe, "stikkende" rytmer, uventede accenter, kantede melodiske drejninger, "klovn", der virker.

En skarp dissonans i forhold til hele boldens atmosfære er episoden forbundet med Monterones forbandelse. Hans formidable og majestætiske musik karakteriserer ikke så meget Monterone som sindstilstanden i Rigoletto, rystet af forbandelsen. På vejen hjem kan han ikke glemme ham, så ildevarslende ekko af forbandets l-va dukker op i orkestret, der ledsager Rigolettos recitativ "For evigt af den gamle cem er jeg forbandet." Denne recitativ åbner 2 et billede af operaen, hvor Rigoletto medvirker i to duetscener, der er helt modsatte i farverne.

Den første, med Sparafucile, er en eftertrykkeligt "forretningsmæssig", behersket samtale mellem to "sammensværgere", som ikke behøvede cantilevered sang. Det er designet i dystre farver. Begge parter er grundigt recitative og forener aldrig. Den "cementerende" rolle spilles af en kontinuerlig melodi i oktav -unison af celloer og kontrabasser i orkestret. I slutningen af ​​scenen, igen, som en besættelseshukommelse, lyder l-v forbandelseslyde.

Den anden scene, med Gilda, afslører en anderledes, dybt menneskelig side af Rigolettos karakter. Følelser af faderlig kærlighed overføres gennem en bred, typisk italiensk cantilena, hvor to Rigoletto's ariosos fra denne scene er et godt eksempel - "Tal ikke med mig om hende"(Nr. 193) og "Åh, pas på den luksuriøse blomst"(adresse til tjeneren).

Centralt i udviklingen af ​​Rigolettos image er hans scene med hoffolk efter bortførelsen af ​​Gilda fra 2 handlinger... Rigoletto ser nynnende ud jester sang uden ord, gennem hvis tilsyneladende ligegyldighed skjult smerte og angst tydeligt mærkes (takket være den mindre skala, en overflod af pauser og faldende anden intonationer). Da Rigoletto indser, at hans datter er sammen med hertugen, smider han masken af ​​fingeret ligegyldighed. Vrede og had, lidenskabelige bønner høres i hans tragiske arie-monolog "Kurtisaner, fjender af vice."

Monologen har to dele. Del I er baseret på en dramatisk erklæring, den udvikler sig udtryksfulde midler orkestral introduktion til operaen: den samme ynkelige c-moll, melodiens udtryksfuldhed, rytmens energi. Orkestrets rolle er ekstremt vigtig - den uafbrudte strøm af strygerfiguration, den gentagne gentagelse af sukmotivet, den ophidsede pulsering af sekstupletterne.

Anden del af monologen er bygget på en glat, sjælfuld cantilena, hvor raseri viger for bønfald. ("Mine herrer, forbarm dig over mig).

Det næste trin i udviklingen af ​​hovedpersonens image er hævneren Rigoletto. Sådan ser han ud for første gang i en ny duetscene med sin datter i akt 2, der begynder med Gildas historie om bortførelsen. Ligesom den første duet af Rigoletto og Gilda (fra 1. akt) indeholder den ikke kun ensemblesang, men også recitative dialoger og arioso. Ændringen af ​​kontrasterende episoder afspejler forskellige nuancer af karakterernes følelsesmæssige tilstand.

Det sidste afsnit af hele scenen kaldes almindeligvis "hævnduoen". Hovedrollen i den spilles af Rigoletto, der lover at brutalt tage hævn over hertugen. Musikkens karakter er meget aktiv, viljestærk, hvilket lettes af et hurtigt tempo, stærk klang, tonal stabilitet, stigende retning af intonationer, stædigt gentagende rytme (nr. 209). Alle 2 akter i operaen afsluttes med en "hævnduet".

Billedet af hævneren Rigoletto er udviklet i det centrale spørgsmål 3 handlinger, genialt kvartet hvor alle hovedpersonernes skæbner er sammenflettet. Rigolettos dystre beslutsomhed er her i modsætning til hertugens letsindighed og Gildas psykiske kvaler og Maddalenas koketteri.

Under et tordenvejr indgår Rigoletto en aftale med Sparafucile. Carty-on-the-storm har psykologisk betydning, det supplerer heltenes drama. Derudover spilles den vigtigste rolle i akt 3 af hertugens ubekymrede sang "The Heart of Beauties", der fungerer som en ekstremt levende kontrast til de dramatiske begivenheder i finalen. Den sidste fremførelse af sangen afslører for Rigoletto en frygtelig sandhed: hans datter var offer for hævn.

Rigolettos scene med den døende Gilda, deres sidste duet er afkoblingen af ​​hele dramaet. Hans musik er domineret af deklamation.

De to andre hovedpersoner i operaen - Gilda og hertugen - er psykologisk dybt forskellige.

Det vigtigste i billedet Gilda- hendes kærlighed til hertugen, som pigen ofrer sit liv for. Karakteriseringen af ​​heltinden er givet i evolutionen.

Gilda optræder første gang i en duetscene med sin far i Act I. Hendes udgivelse ledsages af et levende portrættema i orkestret. Hurtigt tempo, munter C -dur, dansrytme med "rampefulde" synkopationer formidler både mødeglæden og heltens lyse, ungdommelige fremtoning. Det samme tema udvikler sig fortsat i selve duetten, der forbinder korte, melodiøse vokalfraser.

Billedets udvikling fortsætter i de følgende scener af akt I - kærlighedsduetten af ​​Gilda og hertugen og Gildas aria.

Husker en kærlighedsdato. Arien er bygget på et tema, hvis udvikling danner en tredelt form. I det midterste afsnit er ariens melodi farvet med et virtuost koloraturornament.

Opera af Giuseppe Verdi "Aida"

Oprettelsen af ​​Aida (Kairo, 1871) stammer fra et forslag fra den egyptiske regering om at skrive en opera til et nyt operahus i Kairo til minde om åbningen af ​​Suez -kanalen. Grund blev udviklet af den berømte franske videnskabsmand-egyptolog Auguste Mariette ifølge en gammel egyptisk legende. Operaen afslører ideen om kampen mellem godt og ondt, kærlighed og had.

Menneskelige lidenskaber og håb kolliderer med den ubønhørlige skæbne og skæbne. Denne konflikt præsenteres først i orkesterindledningen til operaen, hvor to førende ledmotiver sammenlignes og derefter polyfonisk kombineres - temaet Aida (personificeringen af ​​kærlighedsbilledet) og temaet for præsterne (et generaliseret billede af ondskab, skæbne).

I sin stil er "Aida" på mange måder tæt på "Stor fransk opera":

• store skalaer (4 akter, 7 malerier);
• dekorativ pragt, glans, "underholdning";
• en overflod af massekorscener og store ensembler;
• balletens store rolle, højtidelige optog.

Samtidig kombineres elementerne i den "store" opera med funktionerne lyrisk-psykologisk drama siden den vigtigste humanistisk idé forstærket af en psykologisk konflikt: alle hovedpersonerne i operaen, der udgør kærlighedstrekanten, oplever akutte interne modsætninger. Så Aida betragter hendes kærlighed til Radames som et forræderi før hendes far, brødre, hjemland; i Radames sjæl kæmper militær pligt og kærlighed til Aida; Amneris skynder sig mellem lidenskab og jalousi.

Det ideologiske indholds kompleksitet, vægten på psykologisk konflikt bestemte kompleksiteten dramaturgi , som er præget af understreget konflikt. Aida er i sandhed en opera med dramatiske sammenstød og intens kamp ikke kun mellem fjender, men også mellem elskende.

1 scene, jeg handler indeholder udstilling alle hovedpersonerne i operaen, bortset fra Amonasro, Aidas far, og binde kærlighedslinje, som bogstaveligt talt refereres til operaens begyndelse. det jalousi -trio(Nr. 3), som afslører de komplekse forhold mellem deltagerne i "kærlighedstrekanten" - operaens første ensemblescene. I hans heftige musik kan man høre angst, spændingen fra Aida og Radames og Amneris' knapt indeholdte vrede. Den orkestrale del af trioen er baseret på jalousiens ledemotiv.

I 2 handlinger kontrasten forstærkes. I hans første billede, i et større skud, er modstanden fra to rivaler (i deres duet) givet, og i det andet billede (dette er finalen i 2. akt) bliver hovedkonflikten i operaen væsentligt forværret på grund af inkludering i det af Amonasro, etiopiske fanger på den ene side og den egyptiske farao, Amneris, egyptere på den anden side.

V 3 handlinger dramatisk udvikling er fuldstændig skiftet til det psykologiske plan - til området for menneskelige relationer. To duoer følger den ene efter den anden: Aida-Amonasro og Aida-Radames. De er meget forskellige i ekspressive og kompositoriske løsninger, men samtidig skaber de en enkelt linje med gradvist stigende dramatisk spænding. Helt i slutningen af ​​handlingen opstår der et plot "eksplosion" - et ufrivilligt forræderi af Radames og det pludselige udseende af Amneris, Ramfis og præsterne.

4 handling- operaens absolutte højdepunkt. Dens repressalier i forhold til 1. akt er tydelig: a) begge åbner med en duet af Amneris og Radames; b) i finalen gentages temaerne fra "indvielsesscenen", især den store præstess bøn (hvis denne musik imidlertid tidligere ledsagede den højtidelige glorificering af Radames, så er her hans rituelle begravelsestjeneste).

4. akt har to klimaks: et tragisk i retsscenen og et "stille" lyrisk i finalen i afskedsduetten af ​​Aida og Radames. Rettens scene- dette er operaens tragiske frakobling, hvor handlingen udvikler sig i to parallelle planer. Fra fangehullet kommer musikken fra præsterne, der anklager Radames, og i forgrunden råber en grædende Amneris til guderne i fortvivlelse. Billedet af Amneris er begavet i retsscenen tragiske træk... Det faktum, at hun i bund og grund selv viser sig at være et offer for præsterne, introducerer Amneris til den positive lejr: hun indtager ligesom Aidas plads i operaens hovedkonflikt.

Tilstedeværelsen af ​​et andet, "stille" klimaks er et ekstremt vigtigt træk ved Aidas drama. Efter storslåede optog, processioner, triumfmarscher, balletscener, intense sammenstød bekræfter sådan en stille, lyrisk afslutning den vidunderlige idé om kærlighed og heltemod i dens navn.

Ensemblescener.

Alt de vigtigste punkter i udviklingen af ​​psykologisk konflikt i "Aida" er forbundet med ensemblescener, hvis rolle er usædvanlig stor. Dette er "jalousiets trio", der udfører funktionen ved åbningen i operaen, og duetten af ​​Aida med Amneris - operaens første kulmination og Aida's duet med Radames i finalen - frigørelsen af ​​kærligheden linje.

Rollen som duetscener, der opstår i de mest intense situationer, er især stor. I 1. akt er det en duet mellem Amneris og Radames, der udvikler sig til en "jalousietrio"; i akt 2 - Aidas duet med Amneris; i 3. akt følger to duetter med Aidas deltagelse i træk. Den ene er hos sin far, den anden er med Radames; i akt 4 er der også to duetter omkring forsøgets kulminerende scene: i begyndelsen - Radames -Amneris, i slutningen - Radames -Aida. Der er næppe endnu en opera, hvor der ville være så mange duetter.

Desuden er de alle meget individuelle. Aidas møder med Radames er ikke af konfliktmæssig karakter og nærmer sig typen af ​​"ensembles of samtykke" (især i finalen). I Radames møder med Amneris er deltagerne skarpt isolerede, men der er ingen kamp, ​​Radames undgår det. Men Aidas møder med Amneris og Amonasro i ordets fulde betydning kan kaldes åndelige kampe.

Formmæssigt er alle Aida-ensembler det frit organiserede scener , hvis konstruktion helt afhænger af det specifikke psykologiske indhold. De skifter afsnit baseret på solo- og ensemblesang, recitative og rent orkestrale sektioner. Et slående eksempel en meget dynamisk scenedialog - Aida og Amneris duet fra 2 akter ("testduet"). Billederne af de to rivaler vises i sammenstød og dynamik: Udviklingen af ​​billedet af Amneris går fra hyklerisk mildhed, insinuitet til utilsløret had.

Hendes vokale del er hovedsageligt baseret på en ynkelig recitativ. Kulminationen på denne udvikling kommer i øjeblikket med "at droppe masken" - i emnet "Du elsker, jeg elsker også"... Hendes voldsomme karakter, bredde i rækkevidden, uventede accenter kendetegner Amneris' magtfulde, ukuelige gemyt.

I Aidas sjæl erstattes fortvivlelsen af ​​stormfuld glæde og derefter et bøn om døden. Stemmestilen er mere arios, med en overvægt af sørgende, bønfaldende intonationer (for eksempel arioso "Undskyld og undskyld" baseret på en trist lyrisk melodi spillet på baggrund af arpeggieret akkompagnement). I denne duet bruger Verdi en "invasionsteknik" - som for at bekræfte Amneris triumf, brager lyden af ​​den egyptiske salme "To the Sacred Banks of the Nile" fra billede I ind i hans musik. En anden tematisk bue er temaet "Mine guder" fra Aidas monolog fra akt I.

Udviklingen af ​​duetscener er altid betinget af en specifik dramatisk situation. Et eksempel er to duetter af 3 akter. Aidas duet med Amonasro begynder med deres fulde enighed, hvilket kommer til udtryk i sammenfald af tematisk (tema "Vi vender snart tilbage til vores fædreland" lyder først i Amonasro, derefter i Aida), men dets resultat er en psykologisk "distance" af billeder: Aida er moralsk deprimeret i en ulige duel.

Aidas duet med Radames begynder tværtimod med en kontrastfuld sammenstilling af billeder: entusiastiske udråb af Radames ( "Igen med dig, kære Aida") er imod den sørgmodige recitation af Aida. Imidlertid opnås ved at overvinde følelsernes kamp, ​​heltenes glade, entusiastiske samtykke (Radames beslutter i en kærlighedsimpuls at flygte med Aida).

Operaens finale er også bygget i form af en duetscene, hvis handling udspiller sig i to parallelle planer - i fangehullet (farvel til Aida og Radames liv) og i templet over det (bønnesang af præstinderne og Amneris hulken). Hele udviklingen af ​​den sidste duet er rettet mod et gennemsigtigt, skrøbeligt, opadgående tema "Undskyld, jord, jeg beklager, ly for alle lidelser"... Af sin natur er det tæt på ledemotivet for Aidas kærlighed.

Massescener.

Det psykologiske drama i "Aida" udspiller sig på en bred baggrund af monumentale publikumsscener, hvis musik maler scenen (Afrika) og genskaber de barske majestætiske billeder det gamle Egypten... Temaerne om højtidelige salmer, sejrsmarcher og triumftog danner det musikalske grundlag for publikumsscenerne. I akt I er der to sådanne scener: scenen for "forherligelsen af ​​Egypten" og "scenen for indvielsen af ​​Radames".

Hovedtemaet for Egyptens glorificeringsscene er egyptiernes højtidelige salme "Til Nils hellige bredder", der lyder, efter at faraoen meddelte gudernes vilje: De egyptiske tropper vil blive ledet af Radames. Alle de tilstedeværende er grebet af en enkelt krigerisk impuls. Egenskaber ved hymnen: mejslet marchrytme, original harmonisering (modal variabilitet, udbredt brug af afvigelser i sekundære tangenter), barsk farvelægning.

Den mest storslåede massescene i "Aida" - sidste 2 akter. Som i dedikationsscenen bruger komponisten her de mest forskellige elementer i operaens handling: sang af solister, omkvæd, ballet. Sammen med hovedorkestret bruges et brassband på scenen. Overfladen af ​​deltagere forklarer multidimensionalitet finale: den er baseret på mange temaer af meget forskellig karakter: en højtidelig salme "Ære til Egypten" melodiøst tema for kvindekoret "Laurbærkranse" en sejrsmarch, hvis melodi ledes af en solotrompet, præsternes ildevarslende ledemotiv, det dramatiske tema i Amonasros monolog, den etiopiske bøn om benådning osv.

Mange afsnit, der udgør finalen på 2 dage, kombineres til en slank symmetrisk struktur, der består af tre dele:

Del I er tredelt. Det er indrammet af det jublende omkvæd "Ære til Egypten" og præsternes strenge sang, baseret på deres ledemotiv. I midten lyder den berømte march (trompet solo) og balletmusik.

Del 2 står i kontrast til sit ekstreme drama; det er dannet af episoder med deltagelse af Amonasro og de etiopiske fanger, der beder om nåd.

Del 3 er en dynamisk reprise, der begynder med en endnu mere kraftfuld lyd af temaet "Ære til Egypten". Nu forener hun sig med alle solisternes stemmer om princippet om kontrastfuld polyfoni.

Værker af Giuseppe Verdi efter genre, der angiver titel, oprettelsesår, genre / performer, med kommentarer.

Opera

1. "Oberto, grev Bonifacio" ("Oberto, conte di san Bonifacio"), libretto af A. Piazza og T. Soler. Første produktion den 17. november 1839 i Milano på La Scala teatret.
2. "King for a Time" ("Un giorno di regno") eller "Imaginary Stanislav" ("Il finto Stanislao"), libretto af F. Romani. Første produktion den 5. september 1840 i Milano i La Scala -teatret.
3. "Nabucco" eller "Nebuchadnezzar", libretto af T. Soler. Første produktion den 9. marts 1842 i Milano i La Scala -teatret.
4. "Lombarderne i det første korstog" ("I Lombardi alla prima crociata"), libretto af T. Soler. Første opførelse den 11. februar 1843. i Milano, på La Scala -teatret. Operaen blev senere omarbejdet til Paris under titlen Jerusalem (Jerusalem). Balletmusik blev skrevet til anden udgave. Første opførelse den 26. november 1847 i Paris ved Grand Op?Ra.
5. "Ernani", libretto af F. M. Piave. Første forestilling den 9. marts 1844. i Venedig, på La Fenice -teatret.
6. "Two Foscari" ("I due Foscari"), libretto af F. M. Piave. Første produktion den 3. november 1844 i Rom ved Argentina Theatre.
7. Giovanna d'Arco, libretto af T. Soler. Første produktion den 15. februar 1845 i Milano i La Scala -teatret.
8. "Alzira", libretto af S. Cammarano. Første produktion den 12. august 1845 i Napoli, i Teatro San Carlo.
9. "Attila", libretto af T. Soler og F. M. Piave. Første produktion den 17. marts 1846 i Venedig på La Fenice -teatret.
10. "Macbeth" ("Macbeth"), libretto af F. M. Piave og A. Maffei. Første produktion den 14. marts 1847 i Firenze, på Teatro La Pergola. Operaen blev senere redesignet til Paris. Balletmusik blev skrevet til anden udgave. Første produktion i Paris den 21. april 1865 i Théâtre Lyrique.
11. "Røverne" ("I Masnadieri"), libretto af A. Maffei. Første produktion den 22. juli 1847 i London på Royal Theatre.
12. "Corsair" ("Il Corsaro"), libretto af F. M. Piave. Første forestilling den 25. oktober 1848 i Trieste.
13. "Slaget ved Legnano" ("La Battaglia di Legnano"), libretto af S. Cammarano. Første produktion den 27. januar 1849 i Rom ved Argentina Theatre. Senere, i 1861, blev operaen opført med en revideret libretto med titlen "The Siege of Harlem" ("Assiedo di Harlem").
14. Luisa Miller, libretto af S. Cammarano. Første produktion den 8. december 1849 i Napoli i Teatro San Carlo.
15. "Stiffelio", libretto af F. M. Piave. Første forestilling den 16. november 1850 i Trieste. Operaen blev senere omarbejdet under titlen Aroldo. Første forestilling den 16. august 1857 i Rimini.
16. "Rigoletto" ("Rigoletto"), libretto af F. M. Piave. Første produktion den 11. marts 1851 i Venedig på Teatro La Fenice.
17. "Il Trovatore", libretto af S. Cammarano og L. Bardare. Første forestilling den 19. januar 1853 i Rom på Apollo Teatret. Til produktionen af ​​operaen i Paris blev der skrevet balletmusik, og finalen blev revideret.
18. "La Traviata", libretto af F. M. Piave. Første produktion den 6. marts 1853 i Venedig på Teatro La Fenice.
19. "Sicilianske Vesper" ("I vespri siciliani"), ("Les v? Pres siciliennes"), libretto af E. Scribe og C. Duveyer. Første produktion den 13. juni 1855 i Paris ved Grand Op? Ra.
20. "Simon Boccanegra", libretto af F. M. Piave. Første produktion den 12. marts 1857 i Venedig på Teatro La Fenice. Senere blev operaen revideret (libretto af A. Boito). Første produktion den 24. marts 1881 i Milano i La Scala -teatret.
21. Un ballo in maschera, libretto af A. Somme. Første produktion den 17. februar 1859 i Rom på Teatro Apollo.
22. "Destiny Force" ("La Forza del destino"), libretto af F. M. Piave. Første produktion den 10. november 1862 i Skt. Petersborg på Mariinsky Theatre. Operaen blev senere omarbejdet. Første produktion i Milano den 20. februar 1869 på La Scala -teatret.
23. Don Carlo, libretto af J. Mary og C. du Locle. Første produktion den 11. marts 1867 i Paris ved Grand Opera. Operaen blev senere omarbejdet. Første produktion i Milano den 10. januar 1881 på La Scala -teatret.
24. "Aida", libretto af A. Gislanzoni. Første forestilling den 24. december 1871 i Kairo. En ouverture (upubliceret) blev skrevet til operaen, som blev fremført ved produktionen af ​​Aida i Milano (La Scala) den 8. februar 1872.
25. "Otello", libretto af A. Boito. Den første forestilling var den 5. februar 1887 i Milano i La Scala-teatret (til forestillingen i Paris i 1894 blev der skrevet balletmusik: "Arabisk sang", "Græsk sang", "Salme til Muhammed", "Dans af krigerne").
26. "Falstaff", libretto af A. Boito. Første produktion den 9. februar 1893 i Milano i La Scala -teatret.

Arbejder for kor

• "Lyd, trompet" ("Suona la tromba") til ordene i G. Mamelis hymne, for mandskor og orkester. Op. 1848 g.
• "Hymn of Nations" ("Inno delle nazioni"), kantater for høj stemme, omkvæd og orkester, til ord af A. Boito. Op. til Londons verdensudstilling. Første forestilling den 24. maj 1862

Kirkemusik

• Requiem (Messa di Requiem), for fire solister, kor og orkester. Første opførelse den 22. maj 1874 i Milano, i San Marco-kirken.
• "Pater Noster" (tekst af Dante), til kor i fem dele. Første forestilling den 18. april 1880 i Milano.
• Ave Maria (tekst af Dante), for sopran og strygeorkester. Første forestilling den 18. april 1880 i Milano.
• "Fire åndelige stykker" ("Quattro pezzi sacri"): 1. "Ave Maria", for fire stemmer (op. C. 1889); 2. "Stabat Mater", for firestemmigt blandet kor og orkester (op. C. 1897); 3. "Le laudi alla vergine Maria" (tekst fra Dantes "Paradise"), for et firestemmigt kvindekor uden akkompagnement (slutningen af ​​1980'erne); 4. "Te Deum", for dobbelt firdelt kor og orkester (1895-1897). Første forestilling den 7. april 1898 i Paris.

Kammerinstrumental musik

• Strygekvartet i e-moll. Første forestilling den 1. april 1873 i Napoli.

Kammervokal musik

• Seks romancer for stemme med klaver. til ordene fra G. Vittorelli, T. Bianchi, C. Angiolini og Goethe. Op. i 1838
• "The Exile" ("L'Esule"), ballade for bas med klaver. til ordene fra T. Soler. Op. i 1839
• "Seduction" ("La Seduzione"), en ballade for bas med klaver. til L. Balestras ord. Op. i 1839
• "Notturno", for sopran, tenor og bas med obligato fløjteakkompagnement. Op. i 1839
• Album - seks romanser for stemme med klaver. til A. Maffeis, M. Magionis og F. Romanis ord. Op. i 1845
• "Tiggeren" ("Il Poveretto"), romantik for stemme med klaver. Op. i 1847
• "Forladt" ("L'Abbandonata"), for sopran med klaver. Op. i 1849
• "Blomsten" ("Fiorellin"), en romantik til ord af F. Piave. Op. i 1850
• "Digterens bøn" ("La preghiera del poeta"), til N. Soles ord. Op. i 1858
• "Stornel" ("Il Stornello"), for stemme med klaver. Op. i 1869 for et album til fordel for F. M. Piave.

Ungdoms kompositioner

• Flere orkestrale ouverturer, blandt dem Rossinis ouverture til Barberen i Sevilla. Marcher og danse for Busseto byorkester. Koncertstykker til klaver og soloblæsere. Arias og vokalensembler(duetter, trioer). Messer, motetter, laudi og andre kirkeskrifter.
• "Jeremias klagesang" (ifølge Bibelen, oversat til italiensk).
• The Madness of Saul, for stemme og orkester, tekst af V. Alfieri. Op. før 1832
• Kantat for solostemme og orkester til ære for brylluppet med R. Borromeo. Op. i 1834
• Kor til tragedierne A. Manzoia og "Ode til Napoleons død" - "5. maj", ord af A. Manzoni, for stemme og orkester. Op. i perioden 1835 - 1838

Biografi

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi er en italiensk komponist, hvis arbejde er en af ​​de største bedrifter i operaens verden og kulminationen på udviklingen af ​​italiensk opera i det 19. århundrede.

Komponisten har komponeret 26 operaer og et rekviem. Komponistens bedste operaer: "Masquerade Ball", "Rigoletto", "Troubadour", "La Traviata". Kreativitetens højdepunkt er de seneste operaer: Aida, Othello, Falstaff.

Tidlig periode

Verdi blev født i familien til Carlo Giuseppe Verdi og Luigi Uttini i Le Roncole - en landsby nær Busseto i Tarot -afdelingen, som på det tidspunkt var en del af det første franske imperium efter annekteringen af ​​fyrstedømmerne Parma og Piacenza. Det skete så, at Verdi officielt blev født i Frankrig.

Verdi blev født i 1813 (samme år som Richard Wagner, i fremtiden hans vigtigste rival og førende komponist af den tyske operaskole) i Le Roncole, nær Busseto (hertugdømmet Parma). Komponistens far, Carlo Verdi, havde en landsbykro, og hans mor, Luigia Uttini, var spinner. Familien levede i fattigdom, og Giuseppes barndom var svær. I landsbykirken var han med til at fejre messen. Musikalsk læsefærdighed og studerede orgelspil med Pietro Baistrocchi. Efter at have bemærket sønnens trang til musik, gav forældrene Giuseppe en spinet. Komponisten beholdt dette meget uperfekte instrument til slutningen af ​​sit liv.

Den musikalsk begavede dreng blev bemærket af Antonio Barezzi, en velhavende købmand og musikelsker fra nabobyen Busseto. Han mente, at Verdi ikke ville blive kroejer eller landsbyorganist, men en stor komponist. Efter Barezzis råd flyttede ti-årige Verdi til Busseto for at studere. Så en ny, endnu sværere periode af livet begyndte - ungdomsårene og ungdommen. Om søndagen tog Giuseppe til Le Roncole, hvor han spillede orgel under messen. Verdi havde også en kompositionslærer - Fernando Provezi, direktør for Filharmoniske Selskab i Busseto. Carry var ikke kun engageret i kontrapunkt, han vækkede i Verdi trangen til seriøs læsning. Giuseppes opmærksomhed henledes på klassikerne i verdenslitteraturen - Shakespeare, Dante, Goethe, Schiller. Et af hans mest elskede værker er The Betrothed roman af den store italienske forfatter Alessandro Manzoni.

I Milano, hvor Verdi gik i en alder af atten for at fortsætte sin uddannelse, blev han ikke optaget på konservatoriet (i dag med navnet Verdi) ”på grund af det lave niveau af klaverspil; derudover var der aldersbegrænsninger på udestuen. " Verdi begyndte at tage private kontrapunktstimer, mens han deltog på samme tid operaforestillinger samt kun koncerter. Kommunikation med Milano -eliten overbeviste ham om alvorligt at tænke på karrieren som en teatralsk komponist.

Tilbage i Busseto, med støtte fra Antonio Barezzi (en lokal købmand og musikelsker, der støtter Verdis musikalske ambitioner), gav Verdi sin første offentlige forestilling i Barezzi -huset i 1830.

Fascineret af Verdis musikalske gave inviterer Barezzi ham til at blive musiklærer for sin datter Margarita. Snart blev de unge dybt forelskede i hinanden, og den 4. maj 1836 blev Verdi gift med Margarita Barezzi. Snart fødte Margarita to børn: Virginia Maria Luisa (26. marts 1837 - 12. august 1838) og Izilio Romano (11. juli 1838 - 22. oktober 1839). Mens Verdi arbejdede på sin første opera, dør begge børn i barndommen. Et stykke tid senere (18. juni 1840), i en alder af 26 år, dør komponistens kone Margarita af hjernebetændelse.

Indledende anerkendelse

Den første produktion af Verdis opera (Oberto, grev Bonifacio) (Oberto) på Milanos La Scala blev kritikerrost, hvorefter teaterimpresarioen, Bartolomeo Merelli, tilbød Verdi en kontrakt om at skrive to operaer. De var "King for a Time" (Un giorno di regno) og "Nabucco" ("Nebuchadnezzar"). Verdis kone og to børn døde, mens han arbejdede på den første af disse to operaer. Efter hendes fiasko ville komponisten stoppe med at skrive. opera musik... Premieren på Nabucco den 9. marts 1842 på La Scala var imidlertid en stor succes og etablerede Verdis ry som operakomponist. I løbet af det næste år blev operaen iscenesat i Europa 65 gange og har siden taget en stærk plads i repertoiret i verdens førende operahuse. Flere operaer fulgte Nabucco, herunder I Lombardi alla prima crociata (I Lombardi alla prima crociata) og Ernani, som blev iscenesat og succesfuld i Italien.

I 1847 blev langobarderne, der blev omskrevet og omdøbt til Jerusalem (Jérusalem), iscenesat af Paris Opera den 26. november 1847, hvilket gjorde Verdis første store operaværk. Til dette måtte komponisten omarbejde denne opera noget og erstatte de italienske karakterer med franske.

Mestre

I en alder af otteogtredive år havde Verdi en affære med Giuseppina Strepponi, en sangerinde (sopran), og på det tidspunkt afsluttede hendes karriere (de blev gift kun elleve år senere, og deres samliv før ægteskabet blev betragtet som skandaløst mange steder hvor de skulle bo) ... Snart stoppede Giuseppina med at optræde, og Verdi, efter Gioacchino Rossinis eksempel, besluttede at afslutte sin karriere med sin kone. Han var velhavende, berømt og forelsket. Måske var det Giuseppina, der overbeviste ham om at fortsætte med at skrive operaer. Den allerførste opera, skrevet af Verdi efter "pensionering", blev hans første mesterværk - "Rigoletto". Operalibrettoen, der er baseret på stykket The King Amuses selv af Victor Hugo, gennemgik betydelige censurændringer, og komponisten havde til hensigt at sige sit job op flere gange, indtil operaen endelig var færdig. Den første produktion fandt sted i Venedig i 1851 og var en enorm succes.

Rigoletto er måske en af ​​de bedste operaer i musikteaterets historie. Verdis kunstneriske generøsitet præsenteres for fuld kraft. Smukke melodier er spredt over hele partituret, arier og ensembler, der er blevet en integreret del af det klassiske opera -repertoire, følger hinanden, mens tegneserien og det tragiske smelter sammen.

La Traviata, Verdis næste store opera, blev komponeret og iscenesat to år efter Rigoletto. Librettoen er baseret på stykket "The Lady of the Camellia" af Alexandre Dumas-son.

Dette blev efterfulgt af flere operaer, blandt dem - den konstant opførte i dag "Siciliansk nadver" (Les vêpres siciliennes; skrevet på ordre fra Paris Opera), "Troubadour" (Il Trovatore), "Un ballo in maschera", "Styrke skæbne "(La forza del destino; 1862, bestilt af Imperial Bolshoi Stone Theatre i Skt. Petersborg), den anden version af operaen Macbeth.

I 1869 komponerede Verdi "Libera Me" til Requiem til minde om Gioacchino Rossini (resten af ​​delene blev skrevet af nu lidt kendte italienske komponister). I 1874 skrev Verdi sit Requiem for hans ærede forfatter Alessandro Manzonis død, herunder en revideret version af den tidligere skrevne Libera Me.

En af Verdis sidste store operaer, Aida, blev bestilt af den egyptiske regering for at fejre åbningen af ​​Suez -kanalen. Først nægtede Verdi. Mens han var i Paris, modtog han et andet tilbud gennem du Locle. Denne gang stiftede Verdi bekendtskab med operaskriften, som han kunne lide, og gik med til at skrive en opera.

Verdi og Wagner, hver især leder af deres egen nationale operaskole, har altid ikke kunnet lide hinanden. I hele deres liv har de aldrig mødt hinanden. Verdis overlevende kommentarer om Wagner og hans musik er få og langt imellem ("Han tager altid forgæves en utrættet vej og forsøger at flyve, hvor et normalt menneske bare ville gå, og opnå meget bedre resultater"). Ikke desto mindre sagde Verdi, da han fik at vide, at Wagner var død: "Hvor trist! Dette navn har sat et stort præg på kunsthistorien. " Der er kun et kendt udsagn fra Wagner om Verdis musik. Efter at have lyttet til Requiem sagde den store tysker, altid veltalende, altid gavmild i (smigrende) kommentarer i forhold til mange andre komponister: "Det er bedre ikke at sige noget."

Aida blev opført i Kairo i 1871 med stor succes.

Sidste år og død

Operaen Otello, baseret på et teaterstykke af William Shakespeare, blev iscenesat i Milano i 1887. Musikken i denne opera er "kontinuerlig", den indeholder ikke opdelingen i arier og recitativer, som er traditionel for italiensk opera - denne innovation blev introduceret under indflydelse af opera -reformen af ​​Richard Wagner (efter sidstnævntes død). Derudover, under indflydelse af den samme Wagner-reform, erhvervede stilen af ​​afdøde Verdi større grad recitativ, hvilket gav operaen effekten af ​​mere realisme, selvom den skræmte nogle fans af traditionel italiensk opera.

Verdis sidste opera, Falstaff, hvis libretto blev skrevet af Arrigo Boito, librettist og komponist, baseret på Shakespeares Merry Wives of Windsor, oversat til fransk af Victor Hugo, udviklede ". Denne komedies glimrende skrevne partitur er således meget tættere på Wagner's Meistersingers end på de komiske operaer af Rossini og Mozart. Melodiernes undvigelse og sprudlende tillader ikke at forsinke plotets udvikling og skaber en unik forvirringseffekt, så tæt på ånden i denne Shakespeare -komedie. Operaen slutter med en syvdelt fuga, hvor Verdi til fulde demonstrerer sin strålende beherskelse af kontrapunkt.

Den 21. januar 1901, mens han boede på Grand Et De Milan Hotel (Milano, Italien), fik Verdi et slagtilfælde. Da han blev ramt af lammelse, kunne han læse partierne fra operaerne La Boheme og Tosca af Puccini, Pagliacci af Leoncavallo, Spadronningen af ​​Tchaikovsky med sit indre øre, men hvad han syntes om disse operaer, skrevet af hans umiddelbare og værdige arvinger , forblev ukendt ... Verdi blev svagere hver dag og seks dage senere, tidligt om morgenen den 27. januar 1901, døde han.

Verdi blev oprindeligt begravet på den monumentale kirkegård i Milano. En måned senere blev hans lig overført til Casa Di Riposo i Musicisti, et feriehus for pensionerede musikere skabt af Verdi.

Han var agnostiker. Hans anden kone, Giuseppina Strepponi, beskrev ham som "en lidet troende mand".

Stil

Verdis forgængere, der påvirkede hans arbejde, er Rossini, Bellini, Meyerbeer og, vigtigst af alt, Donizetti. I de sidste to operaer, Othello og Falstaff, er indflydelsen fra Richard Wagner mærkbar. Respekt for Gounod, som hans samtidige troede på største komponistæra, lå Verdi ikke desto mindre ikke noget af den store franskmand. Nogle passager i Aida angiver komponistens bekendtskab med værkerne af Mikhail Glinka, som Franz Liszt populariserede i Vesteuropa efter hjemkomsten fra en rundvisning i Rusland.

I hele sin karriere nægtede Verdi at bruge det høje "C" i tenordele med henvisning til, at evnen til at synge denne note foran et fuldt publikum distraherer kunstnere både før, efter og under tonens fremførelse.

På trods af at til tider orkestreringen på Verdis værksted, stolede komponisten hovedsageligt på sin melodiske gave til at udtrykke heltenes følelser og handlingens drama. Ja, meget ofte i Verdis operaer, især under solo-vokalnumre, er harmonien bevidst asketisk, og hele orkestret lyder som ét akkompagnerende instrument (Verdi tilskrives ordene: "Orkestret er en stor guitar!" ikke nok opmærksomhed på aspektet af partituret, fordi det manglede skole og raffinement. Verdi selv sagde engang: ”Af alle komponisterne er jeg den mindst kyndige.” Men han skyndte sig at tilføje, ”jeg siger det seriøst, men ved 'viden' jeg betyder slet ikke viden om musik ”.

Det ville dog være forkert at sige, at Verdi undervurderede orkestrets udtrykskraft og ikke vidste, hvordan han skulle bruge den til ende, når han havde brug for den. Desuden orkestral- og kontrapunktinnovation (f.eks. strygere, der flyver langs den kromatiske skala i Monterones scene i Rigoletto, for at understrege situationens dramatik, eller, også i Rigoletto, et kor, der nynner nærliggende toner bag kulisserne, der skildrer, meget effektivt, nærmer storm) - karakteristisk for Verdis arbejde - så karakteristisk, at andre komponister ikke turde at låne nogle vovede teknikker fra ham på grund af deres øjeblikkelige anerkendelse.

Verdi var den første komponist, der specifikt søgte efter et sådant plot til en libretto, der bedst passede til hans komponenttalents egenskaber. Han arbejdede i tæt samarbejde med librettister og vidste, at det er det dramatiske udtryk, der er hovedkraften i hans talent, og han forsøgte at fjerne "unødvendige" detaljer og "unødvendige" karakterer fra plottet, og kun efterlade karakterer, hvor lidenskaber koger og scener rige i drama.

Operaer af Giuseppe Verdi

Destiny Force (La forza del destino) - 1862. Baseret på stykket "Don Alvaro, eller Destiny Force" af Angel de Saavedra, hertug af Rivas. Premiere på Bolshoi (Stone) Theatre i Skt. Petersborg

Don Carlos - 1867. Baseret på skuespillet af samme navn af Schiller
Aida - 1871. Uropført på Khedive Opera House i Kairo, Egypten
Otello - 1887. Baseret på skuespillet af samme navn af Shakespeare
Falstaff - 1893. Baseret på Shakespeares "Windsor Ridiculets"

Andre kompositioner

Litteratur

Spillefilmen "Det tyvende århundrede" (instrueret af Bernardo Bertolucci) begynder på dagen for Giuseppe Verdis død, da de to hovedpersoner bliver født.