Apakah drama terpenting abad ke-21? Kompleks "drama Rusia moden".

Perkaitan penyelidikan disebabkan oleh keperluan untuk mengubah alat deskripsi analitik drama, kerana drama abad kedua puluh berbeza dari zaman kuno, Renaissance, klasik.

Kebaruan terdiri dalam mengaktifkan kesedaran pengarang dalam drama Rusia dari pergantian abad kesembilan belas dan kedua puluh. hingga ke hari ini, dari "drama baru" hingga yang terbaru.

Drama bukan hanya jenis sastera yang paling kuno, tetapi juga yang paling tradisional. Dipercayai bahawa prinsip asas penerimaan dan penafsiran teks dramatik dapat diterapkan pada drama kuno, dan teater "epik" B. Brecht, dan drama eksistensial. pilihan moral, dan permainan yang tidak masuk akal.

Pada masa yang sama, penyelidik percaya bahawa drama boleh berubah: dalam setiap drama tempoh sejarah ia membawa "semangat masa" tertentu, saraf moralnya, menggambarkan apa yang disebut masa nyata di atas panggung, meniru "masa tatabahasa" yang berkembang ke masa depan.

Menjadi jelas bahawa undang-undang genus, teorinya, yang dirasakan sejak zaman Aristoteles tidak lagi sesuai dengan proses baru drama moden.

Konsep "drama moden" sangat luas dari segi kronologi dan estetik (drama psikologi realistik - A. Arbuzov, V. Rozov, A. Volodin, A. Vampilov; drama "gelombang baru" - L. Petrushevskaya , A. Galin, V. Arro, A. Kazantsev; "drama baru" pasca-perestroika - N. Kolyada. M. Uvarova, M. Arbatova, A. Shipenko)

Kepelbagaian genre dan gaya mencirikan drama kontemporari. Pada tahun 60-90an, prinsip kewartawanan dan falsafah dipergiatkan dengan jelas, yang tercermin dalam genre dan struktur gaya drama. Jadi, dalam banyak drama "politik" dan "produksi", asasnya adalah perbahasan dialog. Ini adalah drama kontroversial yang menarik perhatian aktiviti penonton. Mereka dicirikan oleh ketajaman konflik, pertembungan kekuatan dan pendapat lawan. Tepat di drama publisiti kita sering bertemu dengan pahlawan dengan posisi hidup yang aktif, pahlawan-pejuang, walaupun tidak selalu menang, dengan final terbuka, mendorong penonton untuk secara aktif mengusahakan pemikiran mereka, mengganggu hati nurani sipil ("The Dictatorship of Conscience" oleh M. Shatrov, "Minutes satu pertemuan "dan" Kami, yang bertandatangan di bawah "A. Gelman).

Graviti seni moden kefahaman falsafah mengenai masalah abad ini telah meningkatkan minat dalam genre drama intelektual, drama perumpamaan. Jamuan bersyarat dalam moden permainan falsafah pelbagai. Contohnya, ini adalah "memproses" buku yang dipinjam dan plot legenda ("The House That Swift Built" oleh Gr. Gorin, "Don't Throw Fire, Prometheus!". Roshchina); retrospeksi sejarah ("Lunin, atau Kematian Jacques", "Perbualan dengan Socrates" oleh E. Radzinsky, "The Tsar's Hunt" oleh L. Zorin). Bentuk-bentuk seperti itu memungkinkan kita untuk menimbulkan masalah kekal, di mana sezaman kita juga terlibat: Baik dan Jahat, Hidup dan Mati, perang dan damai, takdir manusia di dunia ini.

Dalam tempoh pasca-perestroika, bahasa teater dan dramatis dikemas kini secara aktif. Kita dapat membicarakan kecenderungan avant-garde moden, mengenai postmodernisme, tentang seni "alternatif", "seni lain", yang garis pendeknya dipotong pada tahun 1920-an, dan yang tetap di bawah tanah selama beberapa dekad. Dengan "perestroika" bawah tanah teater tidak hanya naik ke permukaan, tetapi juga "disahkan", disamakan hak dengan teater rasmi... Tren ini, tentu saja, menuntut tuntutan baru pada drama, yang memerlukannya diperkaya dalam bentuk bukan tradisional. Drama moden seperti ini disebut sebagai permainan dengan unsur-unsur absurdisme, di mana absurditas kewujudan manusia ditangkap dengan jelas dan artistik, memimpin kisah ini menjadi perumpamaan atau kiasan yang pedih. Salah satu momen teater avant-garde moden yang paling meluas adalah persepsi dunia sebagai rumah gila, "kehidupan bodoh", di mana hubungan biasa terputus, aksi tragik dan serupa, situasi fantasi. Dunia ini dihuni oleh orang-orang hantu, "idiot", werewolves ("The Wonderful Woman" oleh N. Sadur, "Walpurgis Night, or the Commander's Steps" oleh Ven. Erofeev) sebagai hukuman mereka menempatkannya di rumah sakit jiwa, di mana dia sudah pernah sebelumnya; di sana dia, di satu pihak, bertemu dengannya bekas kekasih Sebaliknya, Natalia bertentangan dengan Borka Mordovorot yang teratur, yang menghukum Gurevich dengan suntikan "sulfa"; untuk mengelakkan tindakan suntikan, Gurevich, dengan bantuan Na talia, mencuri alkohol dari bilik kakitangan; namun, mabuk gembira di kamar berakhir di gunung mayat, kerana alkohol yang dicuri oleh Gurevich ternyata metil alkohol; di final, Mordovorot Borka yang marah menginjak-injak Gurevich yang buta dan mati dengan kakinya. Walau bagaimanapun, peristiwa ini jelas tidak mencukupi untuk tragedi lima tindakan, di mana peranan penting dimainkan oleh penyebutan bahawa peristiwa itu berlaku pada malam sebelum 1 Mei, iaitu pada Malam Walpurgis, dan hubungan dengan Don Juan dan Tamu Batu langsung dimainkan: menyuntik Gurevich dengan "sulfa", Borka-Mordorovorot mengundangnya ke pesta malam dengan Natalya, yang mana Gurevich, menggerakkan bibirnya yang patah dengan sukar, membalas , seperti patung panglima: "Saya akan datang ..." Sebenarnya, plot dan konflik permainan yang tragis terungkap di ruang bahasa. Daripada konflik klasik antara tugas dan perasaan, Erofeev mengungkap tragedinya mengenai konflik antara keganasan dan bahasa. Kekerasan tidak dapat dilafazkan - ia menegaskan kenyataannya melalui penderitaan mangsa. Semakin banyak mangsa, semakin kuat kesakitan, semakin kuat kenyataan ini. Realiti kekacauan. Bahasa bebas, tetapi dapat menentang kenyataan tanpa belas kasihan ini hanya dengan ilusi, kebolehubahan, kebendaannya: utopia karnival bahasa yang diciptakan oleh Gurevich tidak terkalahkan dalam pertahanannya. Orang dalam drama ini ditakdirkan untuk berada di perbatasan bahasa dan keganasan (seseorang, tentu saja, seperti Borka, dengan jelas menghubungkan hidupnya dengan kekuatan kekerasan). Dengan kekuatan kesedaran, Gurevich membuat karnival linguistik di sekitar dirinya, tetapi tubuhnya - dan masuk klinik psikiatri dan kesedaran juga - terus menderita penyiksaan yang paling nyata. Pada hakikatnya, ini adalah bagaimana kisah pertengahan pengadilan antara jiwa dan daging dihidupkan kembali. Tetapi dengan Erofeev, jiwa dan dagingnya ditakdirkan: bukan hanya kenyataan keganasan yang bertujuan untuk menginjak-injak pencipta utopia linguistik yang ceria, tetapi perjuangan untuk kebebasan yang konsisten, jauh dari chimera yang disebut realiti, juga membawa kepada diri -pemusnahan. Itulah sebabnya Walpurgis Night masih menjadi tragedi, walaupun terdapat banyak adegan dan gambar komik).

Sebagai tambahan kepada Erofeev, drama pascamoden diwakili oleh pengarang seperti Alexei Shipenko (ms 1961) Mikhail Volokhov (hlm. 1955), O. Mukhina (memainkan Tanya-Tanya, Yu), Eugene Grish-sovets (Bagaimana saya makan anjing " , "Serentak"), dan juga oleh Vladimir Sorokin (lakon "Pelmeni", "Dugout", "Trust", "Dostoevsky-trip", lakon layar "Moscow" [bersama-sama dengan pengarah filem Alexander Zeldovich]). Walau bagaimanapun, mungkin hanya ada seorang penulis Generasi Baru yang berjaya membina teater anda sebagai fenomena budaya yang bebas - dengan estetika, falsafah, dan bahasa dramatik yang tersendiri. Ini Nina Sadur.

Lakonan "Wonderful Woman" (1982) 1 dapat menjadi kunci kepada teater fantasi Nina Sadur (b. 1950) dan falsafah seninya. Pada bahagian pertama drama ("Field"), seorang hamba biasa Lydia Petrovna, yang dihantar bersama "sekumpulan rakan" untuk menuai kentang dan hilang di antara padang pasir yang tidak berkesudahan, bertemu dengan "bibi" tertentu yang pada awalnya memberikan kesan orang bodoh suci yang lemah akal. Namun, setelah berkenalan lebih jauh, "aunty" menemui ciri-ciri seorang leshachi (dia "memimpin" seorang wanita yang ketinggalan dari kumpulan itu), dia sama dengan Alam dan Kematian (nama belakangnya adalah Ubienko), dan dia mendefinisikan dirinya sebagai "Kejahatan dunia". Jelas, tidak seperti "penternak desa" dan tradisionalis lain (Aitmatov, Voinovich dan bahkan Aleshkovsky), Sadur tidak mengaitkan dengan prinsip semula jadi idea "undang-undang kekekalan", kebenaran hidup tertinggi, yang menentang kebohongan undang-undang dan hubungan sosial. "Wanita hebatnya" itu jahat dan berbahaya, komunikasi dengannya menyebabkan melankolis yang tidak dapat difahami dan sakit di hati ("entah bagaimana menarik ... perasaan yang tidak menyenangkan"). Pada hakikatnya, watak ini merangkumi pengetahuan mistik tentang jurang kekacauan yang tersembunyi di bawah cengkeraman kewujudan yang teratur. "Wanita hebat" Ubienko menawarkan ujian ritual yang aneh kepada rakan pengembara: "Penyelarasannya adalah seperti berikut. Saya melarikan diri. Anda mengejar. Sekiranya anda menangkapnya - syurga, jika anda tidak menangkapnya - akhir seluruh dunia. Adakah anda membaca? " Tanpa diduga untuk dirinya sendiri, Lydia Petrovna bersetuju dengan syarat ini, tetapi pada saat terakhir, setelah bertemu dengan wanita itu, dia takut dengan ancamannya. Sebagai hukuman atas kekalahan itu, "wanita" itu melenyapkan seluruh "lapisan atas" dari bumi bersama dengan orang-orang yang tinggal di atasnya dan meyakinkan Lydia Petrovna bahawa dia ditinggalkan sendirian di seluruh dunia dan bahawa dia semua kehidupan normal- hanya dummy, dibuat oleh "aunty" untuk ketenangan fikiran Lida: "Betapa nyata! Sama persis! Anda tidak boleh memberitahu! "

Pada bahagian kedua drama ("Kumpulan Rombongan"), Lydia Petrovna mengaku kepada rakan-rakannya bahawa setelah bertemu dengan "wanita lapangan" dia benar-benar hilang keyakinan bahawa dunia di sekelilingnya adalah nyata: "Walaupun pada kanak-kanak, saya ragu adakah anda faham? bahkan mereka sekarang memalukan dan menyedihkan hati saya, "- dan ketika, ketua jabatan yang jatuh cinta dengannya menciumnya, dia bertindak seperti ini:" Orang-orangan sawah ingin mencium saya. Model, boneka Alexander Ivanovich ... Anda bahkan tidak boleh memecat saya, kerana anda tidak ada di sana, adakah anda faham? " Perkara yang paling mencolok ialah rakan sekerja, setelah mendengar pengakuan Lydia Ivanovna, tanpa disangka mudah mempercayainya. Penjelasan mistik yang ditawarkan oleh "wanita" itu bertepatan dengan perasaan dalaman orang yang berusaha melindungi diri mereka dari kebimbangan setiap hari dari pertanyaan yang tidak dijawab: "Mengapa kita hidup?" Oleh itu timbul masalah utama, yang cuba diselesaikan oleh semua watak dalam drama, tanpa pengecualian: bagaimana membuktikan bahawa anda masih hidup? sebenar? Satu-satunya hujah yang perlu diperhatikan adalah kemampuan seseorang melampaui batas peranan hidupnya yang biasa: "Hanya hidup yang boleh saya lompat dari diri saya sendiri?" Tapi mana? Lydia Petrovna "melompat keluar" menjadi kegilaan, tetapi jalan keluar ini hampir tidak melegakan. Pada dasarnya, ini adalah jalan keluar hingga mati - dengan suara siren ambulans, Lydia Petrovna berteriak: "Hanya tambang, satu-satunya hati saya berhenti. Saya bersendirian, hanya saya yang terbaring di bumi yang lembap, dan dunia mekar, bahagia, bahagia, hidup! " Walau bagaimanapun, ketidakmampuan bukan satu watak dalam drama (kecuali "wanita", tentu saja) untuk mencari bukti yang meyakinkan tentang keaslian kewujudannya sendiri mengisi kata-kata mengenai "mekar dunia" dengan ironi tragis.

Kekaguman dengan keindahan, walaupun keindahan ini adalah bencana dan lahir dari kekacauan, walaupun ia membawa kepada bencana, adalah satu-satunya bukti yang sahih tentang keaslian kewujudan manusia, satu-satunya cara yang ada pada seseorang untuk "melompat keluar dari dirinya sendiri" - dengan kata lain, untuk mencari kebebasan.

Perkara pertama yang menarik perhatian penulis drama kontemporari adalah tidak adanya acara berskala besar. Habitat wira moden- terutamanya rumah tangga, "beralasan", "di antara mereka sendiri", di luar pertarungan moral dengan selamat tinggal... Sebilangan besarnya, semua yang diperkatakan berkaitan dengan drama L. Petrushevskaya. Dalam lakonannya, perbezaan paradoks antara kata-kata dalam tajuk mereka - "Cinta", "Andante", "Pelajaran Muzik", "Columbine's Apartment" - dan kebiasaan, kekurangan kerohanian, sinis sebagai norma kewujudan pahlawan adalah memukau. Lakonan oleh L. Petrushevskaya "Three girls in blue" adalah salah satu yang paling terkenal. Gambar dalam tajuk dikaitkan dengan sesuatu yang romantis, luhur, "percintaan". Namun, hal itu sama sekali tidak berkaitan dengan tiga wanita muda, yang diikat oleh kekeluargaan yang jauh dan "warisan" yang sama - separuh rumah desa yang bobrok, di mana mereka tiba-tiba, seiring, memutuskan untuk menghabiskan musim panas dengan anak-anak mereka. Subjek perbincangan dalam permainan ini adalah atap yang bocor: kepada siapa dan dengan perbelanjaan siapa ia harus diperbaiki. Kehidupan dalam permainan adalah tawanan, penguasa animasi. Akibatnya, dunia khayalan muncul, dan tidak begitu banyak dari peristiwa (tidak ada peristiwa dalam permainan, seperti itu), tetapi hanya dari dialog, di mana setiap orang hanya mendengar dirinya sendiri.

Hari ini generasi baru datang ke drama, "gelombang baru". Kumpulan penulis drama kontemporari muda, yang telah ditentukan (N. Kolyada, A. Shipenko, M. Arbatova, M. Ugarov, A. Zheleztsov, O. Mukhina, E. Gremina, dll.), Pada pendapat teater pakar, menyatakan sikap baru. Lakonan penulis muda membuat anda merasa sakit akibat "masalah keaslian", tetapi pada masa yang sama, setelah "terapi kejutan", "realisme hitam" drama perestroika, orang-orang muda ini tidak begitu banyak menodai keadaan yang mencacatkan seseorang, tetapi melihat penderitaan orang ini, memaksanya untuk berfikir "di pinggir" mengenai kemungkinan bertahan, meluruskan. Kedengarannya seperti "harapan, orkestra kecil di bawah arahan cinta."

Alexander Vampilov

(1937-1972)

Motif kejatuhan rohani dalam drama oleh A. Vampilov "Duck Hunt"

Tujuan pelajaran:

1. Tunjukkan kepentingan drama Vampilov untuk sastera Rusia, faham ciri seni dan keaslian ideologi drama "Duck Hunt"
2. Untuk mendidik pelajar tentang prinsip kerohanian yang menyumbang kepada pengembangan keperibadian yang harmoni melalui konsep kebaikan, kepekaan, kedermawanan.
3. Menggalakkan pengembangan pertuturan, selera estetik dari pelajar.

Anda perlu menulis mengenai perkara yang bukan
tidur pada waktu malam.
A. Vampilov

Semasa kelas

1. ucapan perasmian guru.

Teater! Berapa banyak makna perkataan
Untuk semua orang yang pernah berkunjung ke sana!
Betapa penting dan kadang-kadang baru
Ada tindakan untuk kita!
Kami hampir mati dalam persembahan
Kami menitiskan air mata dengan wira ...
Walaupun kadang-kadang kita tahu dengan baik
Bahawa semua penderitaan tidak ada apa-apa!

Melupakan usia, kegagalan,
Kami berusaha untuk kehidupan orang lain
Dan menangis dari kesedihan orang lain,
Dengan kejayaan orang lain, kami berusaha ke atas!
Dalam persembahan, hidup sepintas lalu,
Dan semuanya akan dibuka pada akhirnya:
Siapa penjahat yang menjadi wira
Dengan topeng yang mengerikan di wajahnya.
Teater! Teater! Berapa banyak yang mereka maksudkan
Kadang-kadang kata-kata anda adalah untuk kami!
Dan bagaimana sebaliknya?
Di teater, kehidupan selalu betul!

Hari ini kita akan bercakap mengenai drama Rusia abad kedua puluh. Kami akan bercakap mengenai karya penulis, setelah keseluruhan era drama Rusia dinamakan - drama Vampilov.

2. Vitae Kurikulum soal penulis (pelajar pra-latihan).

3. Mengusahakan bahan teori.

S: Apa itu drama?

S: Jenis drama apa yang anda ketahui? Sebarkan padanan.

• Tragedi
• Drama
• Komedi

Menciptakan konflik dan percanggahan yang tidak dapat diselesaikan, di mana individu luar biasa terlibat; pertembungan pasukan perang yang tidak dapat diselesaikan, salah satu pihak yang bertempur mati.

Penggambaran keperibadian dalam hubungannya yang dramatis dengan masyarakat dalam pengalaman yang sukar. Mungkin penyelesaian konflik berjaya.

Menghasilkan terutamanya kehidupan peribadi orang-orang untuk memperlekehkan orang-orang yang ketinggalan zaman, usang.

S: Buktikan bahawa drama "Duck Hunt" adalah drama dengan menyampaikan plot karya ini.

Jadi, wira drama ini bertentangan dengan kehidupan.

4. Bekerja dengan teks.

Berikut adalah jadual. Sebarkan dalam jadual momen konflik utama dari kehidupan Zilov. (mengikut kumpulan)

Q: Ungkapan yang manakah dari bahasa Rusia drama klasik sinonim dengan cogan kata "Shove it - dan perniagaan sudah berakhir"? ("Celaka dari akal").

Q: Gambar apa yang anda fikirkan artis terkenal bolehkah anda menggambarkan hubungan Zilov dengan ibu bapanya? (Rembrandt "Kembalinya Anak Yang Hilang").

Oleh itu, tema orang yang hilang dalam kehidupan seorang anak yang "hilang". Lebih daripada satu generasi bimbang.

S: Apakah karya lain yang anda ketahui mengenai topik ini?

Q: Apa, menurut pendapat anda, tragedi pahlawan itu? Mengapa dia kehilangan kekalahan dalam semua bidang kehidupan?

S: Mengapa drama ini disebut "Duck Hunt"? (Perburuan pahlawan adalah penyucian).

Perkembangan pertuturan. Luahkan pendapat anda secara bertulis mengenai masalah "Menjadi atau tidak, atau kisah abadi mengenai anak yang hilang"

Kesimpulannya. Tema yang dibangkitkan dalam drama adalah abadi, dipertimbangkan dalam berbagai aspek, tetapi hasilnya selalu sama: percubaan untuk mengubah kehidupan. Para pahlawan mengalami penyesalan terlambat dan memulai kehidupan yang lebih baik, atau buntu dan cuba bunuh diri. Oleh itu, soalan Hamlet kekal.

Menjadi atau tidak - itulah persoalannya;
Apa yang lebih mulia dalam semangat - untuk tunduk
Sling dan anak panah nasib yang sengit
Atau, mengambil alih laut yang bergolak, membunuh mereka
Konfrontasi?

Karya penulis drama Vampilov juga akan kekal abadi, seperti yang dibuktikan oleh festival semua-Rusia drama moden. A. Vampilova.

Kerja rumah.

1. Isi jadual di bahagian "Kawan"
2. Lukis poster untuk bermain (atau gunakan lukisan lisan secara lisan)

Rujukan

1. M.A. Chernyak "Kesusasteraan Rusia Kontemporari", Moscow, Eksmo Education, 2007
2. M. Meshcheryakova "Sastera dalam jadual", Rolf Moscow 2000
3. V.V. Agenosov "Sastera Rusia abad kedua puluh. Gred 11 ", rumah penerbitan" Drofa ", Moscow, 1999
4. N.L. Leiderman, M.N. Lipovetsky "Sastera Rusia Kontemporari, 1950-1990", Moscow, ACADEMA, 2003

Konsep "drama moden" sangat luas dari segi kronologi (akhir 1950-an - 60-an) dan secara estetik. A. Arbuzov, V. Rozov, A. Volodin, A. Vampilov - klasik baru telah dikemas kini dengan ketara genre tradisional Drama psikologi realistik Rusia dan membuka jalan untuk penemuan selanjutnya... Ini dibuktikan dengan karya penulis drama "gelombang baru" tahun 1970-an-1980-an, termasuk L. Petrushevskaya, A. Galin, V. Arro, A. Kazantsev, V. Slavkin, L. Razumovskaya dan lain-lain, serta pasca-perestroika "drama baru" yang dikaitkan dengan nama N. Kolyada, M. Ugarov, M. Arbatova, A. Shipenko dan banyak lagi yang lain.

Drama kontemporari adalah hidup multidimensi dunia seni berusaha untuk mengatasi corak, piawaian yang dikembangkan oleh estetika ideologi realisme sosialis dan realiti lengai dari masa yang tidak stabil.

Ini adalah drama Soviet yang secara terbuka menyatakan perlunya menyusun semula masyarakat, sosial, ekonomi dan moral. Keperitan 60-an - awal 80-an dan pahlawan mereka dengan kegigihan dan keberanian yang dicemburui menunjukkan dari tahap kejahatan sistem yang secara kejam menghancurkan negara, alam, dan kesedaran manusia. Di bawah syarat diktat ideologi, berbakat pengarah teater, seperti G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, O. Efremov, A. Efros, M. Zakharov. Usaha besar mereka membuat persembahan-perjumpaan penuh semangat wartawan "The Man from the Side" (berdasarkan lakonan I. Dvoretsky), "Minutes of one meeting" oleh A. Gelman, "Jadi kita akan menang!" dan The Dictatorship of Conscience oleh M. Shatrov; persembahan-perumpamaan dengan nada sosio-falsafah mendalam berdasarkan lakonan Gr. Gorin ("Lupakan Herostratus!" Watak penulis drama (I. Druta, A. Makaenka, K. Sai dan lain-lain). Selama bertahun-tahun genangan, "cabang Chekhovian" yang tidak habis-habisnya, drama psikologi domestik yang disajikan oleh drama Arbuzov, Rozov, Volodin, Vampilov, mengalami nasib yang sukar. Penulis lakonan ini selalu membalikkan cermin ke dalam. jiwa manusia dan dengan kecemasan jelas mereka merekodkan dan juga berusaha menjelaskan sebab dan proses pemusnahan moral masyarakat, penurunan nilai "kod moral pembangun komunisme." Bersama prosa oleh Y. Trifonov dan V. Shukshin, V. Astafiev dan V. Rasputin, lagu oleh A. Galich dan V. Vysotsky, lakaran oleh M. Zhvanetsky, lakon layar dan filem oleh G. Shpalikov, A. Tarkovsky dan E. Klimov, sandiwara oleh pengarang-penulis ini diserang dengan jeritan kesakitan: "Sesuatu terjadi pada kita. Kita menjadi liar, benar-benar liar ... Dari mana datangnya kita ?!" Ini berlaku dalam keadaan penapisan yang paling teruk, dalam tempoh kelahiran samizdat, perbezaan pendapat estetika dan politik, dan bawah tanah.

Pada pertengahan 1980-an, setelah "perestroika", banyak karya berjaya dicetak dan di panggung. Pertama sekali, ini adalah drama anti-Stalin dan anti-Gulag ("Kolyma" oleh I. Dvoretsky, "Anna Ivanovna" oleh V. Shalamov, "Troika" oleh Y. Edlis, dimainkan oleh A. Solzhenitsyn), serta "Peace of Brest" oleh M. Shatrov, "Kastruchcha" dan "Ibu Yesus" oleh A. Volodin. Dalam drama "The Seventh Feat of Hercules" M. Roshchin mencipta gambar asal dewi pembohong Ata, yang, yang menyamar sebagai Kebenaran dan memanggil hitam putih dan sebaliknya, secara bebas memerintah di Hellas "sosialisme maju" yang miskin.

Perestroika Gorbachev, yang bermula di masyarakat Soviet, secara serius mengubah keadaan budaya. Dan kemudian timbul reaksi psikologi paradoks. Setelah akhirnya mendapat kebebasan dan publisiti yang lama ditunggu-tunggu, banyak yang bingung. Namun, ini mempunyai kelebihannya, ketika keinginan bijak muncul "bukan untuk lari, tetapi berhenti untuk memahami makna apa yang sedang terjadi."

Perkara yang paling positif adalah bahawa dalam keadaan baru panggilan pegawai dari seni kepada penulis untuk menjadi "pasukan tindak balas cepat", untuk membuat drama "pada topik hari ini", "untuk mengikuti kehidupan", " permainan terbaik mengenai ... "perestroika". VS Rozov dengan adil membicarakan hal ini di halaman majalah "Budaya Soviet": "Ya, mereka akan memaafkan saya, ini adalah sesuatu yang ada dalam semangat zaman dahulu ... Tidak mungkin ada drama khas" mengenai perestroika. " Bermain hanya boleh menjadi permainan. Dan ada drama mengenai orang. Sekatan tematik yang sama pasti akan menghasilkan aliran peretasan semu-sebenar. "

Jadi ia bermula era baru ketika bar dinaikkan tinggi untuk kriteria kebenaran dan kesenian dalam refleksi penulis drama mengenai masa kini. "Penonton hari ini jauh melebihi mode sementara teater dan sikap teater dari atas ke bawah - dia lapar, rindu untuk perbualan cerdas dan tidak acuh mengenai yang paling penting dan penting, tentang ... kekal dan abadi," Y Edlis memperhatikan dengan adil.

Skandal itu ternyata mempesona, ini belum pernah terjadi sebelumnya. Biasanya, jika Oleg atau saya mula bercakap dengan suara yang tinggi, Tomochka segera muncul dan cepat memadamkan api. Tetapi pada hari itu, kami sangat jarang berada di rumah sendirian. Semyon, Tomusya, Nikita dan Christina pergi ke rumah percutian berhampiran Moscow, membeli baucar selama sepuluh hari. Oleg dan saya sepatutnya menyertai mereka pada 31 Disember untuk bersenang-senang bersama Tahun Baru.

Oleh itu, sekarang tidak ada yang mengganggu kita untuk bersumpah. Pertama, Oleg mengatakan bahawa isterinya adalah "wanita malas, makhluk yang tidak teratur, perempuan simpanan yang menjijikkan yang hanya memikirkan perkara bodoh." Saya tersinggung dan menjawab:

- Ngomong-ngomong, ini omong kosong, iaitu buku saya, memberi makan keluarga.

- Hanya dua kali saya menerima bayaran yang baik, dan sudah menjangkau jari saya, - Kuprin mendesis.

- Bukan dua, tapi empat, - Saya mengingatkan, - anda lebih baik ingat, untuk wang apa anda boleh membeli kereta asing, eh? Dari bayaran saya, jumlah yang diperlukan telah terkumpul, gaji anda dibelanjakan sepenuhnya untuk makanan!

Oleg mengetap giginya.

- Anda Saltychikha! Dia mengumumkan secara tiba-tiba.

Bolehkah saya tidak menceritakan keseluruhan skandal kepada anda? Ini berakhir dengan teruk, Oleg meraih mantel kulit domba dan berlari keluar dari rumah dengan teriakan:

- Perceraian!

Saya berlari mengelilingi pangsapuri yang kosong, kemudian tiba-tiba tertidur, prokemaril hampir hingga keesokan harinya keesokan harinya, menguap, merangkak ke dapur dan tiba-tiba menyedari bahawa semalam saya tidak sampai ke rumah penerbitan, dan bagaimanapun, mereka menunggu saya di sana dengan tajuk untuk manuskrip baru.

Saya meraih telefon. Editor saya Olesya Konstantinovna, sayangnya, sekarang duduk di rumah bersama anaknya. Sebaliknya, saya sangat gembira kerana Olesya mempunyai seorang anak lelaki. Sebagai Viola Tarakanova, saya gembira dengan berita ini, tetapi menjadi sangat sukar bagi penulis Arina Violova. Laconic, tenang, tidak pernah merobek rambutnya sendiri atau di kepala orang lain, Olesya menyeret sebuah troli besar yang penuh dengan manuskrip. Dengan cara yang tidak dapat difahami, dia selalu dapat membacanya tepat pada waktunya, membetulkannya dan memasukkannya ke dalam produksi. Mereka mengatakan bahawa walaupun di wad pranatal, dia membaca Smolyakova yang lain. By the way, kejadian anekdot sepenuhnya berlaku kepada Olesya. Sebaik sahaja dia melahirkan anak kecilnya, dia meraih cerita baru Milada. Naskah itu harus diedit dengan cepat, rumah penerbitan sangat berminat dengan buku-buku Smolyakova, dan Milada, berambut perang bermata biru manis, memberitahu pemilik "Marko" dengan senyuman paling sayang:

- Detektif saya hanya akan diperintah oleh Olesya, saya tidak akan mempercayai novel saya kepada orang lain. Adakah Olesya ada di hospital? Jadi saya tidak akan menyerahkan buku itu kepada anda.

Itulah sebabnya mengapa Olesya Konstantinovna yang malang melahirkan dan berpelukan dengan Milada yang lain yang tidak hancur dan, hampir tidak pulih, meraih pegangannya untuk menggerakkan opsyen detektif berikutnya.

Suami Olesya mengatur untuk isterinya yang tersayang di dalam kotak (ini adalah ruang dua bilik, di antaranya ada bilik mandi). Olesya berbaring di satu bangsal, dan yang kedua ditempati oleh seorang wanita, yang dijaga oleh seorang ibu yang sangat aktif dan banyak bicara.

Setelah mengerjakan manuskrip itu, Olesya memutuskan untuk meletakkan tumpukan kertas di atas meja di sebelah katil, dan kemudian ibu bicara jiran yang sama melihat ke dalam bilik.

- Anda tidak memerlukan apa-apa, sayang? Dia bertanya.

Nampaknya, anak perempuan bibi itu tertidur, dan wanita itu tidak punya tempat untuk mengarahkan kegiatan meluap.

- Terima kasih, - jawab Olesya, - semuanya baik-baik saja.

Dia berharap wanita itu akan pergi, tetapi dia tidak akan meninggalkan bilik itu.

- Oh, anda sendirian!

"Suami saya pergi membeli buaian," jelas editor dengan tenang.

- Oh, anda bosan!

- Tidak, - Olesya cuba melawan, - Aku hebat!

- Anda sedih!

- Tidak, semuanya indah.

- Oh, saya sekarang!

Sebelum Olesya tersentak, wanita itu bergegas ke bilik sebelah dan segera kembali, sambil memegang setumpuk buku yang tinggi.

"Di sini, sayang," katanya dengan gembira, "bacalah. Demi Tuhan, anda akan menyukainya, bersenang-senang, lupakan kesedihan. Mengapa anda tidak membawa buku-buku kecil itu? By the way, adakah anda biasa dengan pengarang ini? Saya sangat mengesyorkannya!

Rintihan yang dilarikan keluar dari dada Olesya. Seorang wanita yang cerewet menghulurkan selusin jilid Smolyakova kepada editor miskin itu. Bolehkah anda bayangkan betapa gembira ibu muda yang tidak bahagia itu, yang baru saja meletakkan naskah Milada? Dia secara peribadi membawa semua novel yang diingatnya dan mengetahuinya hampir dengan hati.

Tetapi saya bukan Smolyakov, "Marko" tidak memerlukan banyak karya Arina Violova, jadi seorang gadis bernama Fira kini berurusan dengan naskah saya. Setelah bercakap dengan editor baru beberapa kali, saya merasa kagum: mengapa di bumi "Marko" menyimpan pekerja seperti itu? Setelah menyerahkan buku baru itu kepada Olesya, setelah beberapa lama saya menerima senarai kekurangan yang perlu dihilangkan. Olesya Konstantinovna tidak pernah mengejek saya dan tidak menggunakan ungkapan yang kabur, Fira bertindak berbeza.

- Ya? - Saya ketakutan.

- Beberapa omong kosong, - Fira meringis, - di halaman kelima belas anjing itu menghilang, dan pada hari keempat puluh sepertinya terlihat.

"Ada penjelasan untuk fakta ini di akhir buku," saya mengingatkannya.

"Saya belum membaca epilognya," kata Fira, "tetapi sudah tidak dapat difahami dan saya tidak menyukainya. Tulis lebih baik.

"Mari perbaiki," saya mencadangkan.

- Tidak perlu, ia akan berjaya seperti itu. Tulis lebih baik.

- Bagaimana? - Saya keliru.

- Apa maksud awak?

Fira memutarkan matanya.

- Baiklah ... jika saya mempunyai masa, menulis buku itu dengan cara yang berbeza, lebih baik, lebih berbakat. Cuma saya terpaksa mengedit sampah orang lain, secara amnya, mengusahakan diri sendiri.

Anda sendiri faham bahawa setelah perbualan seperti itu, keinginan untuk berkomunikasi dengan Fira hilang selamanya. Dan editor saya sekarang adalah seorang gadis yang sangat sakit, selalu sakit. Sekarang dia mengalami masalah dengan giginya, kemudian dengan telinganya, kemudian kepalanya sakit. Mungkin, untuk alasan ini, wajah Fira tidak meninggalkan rasa geram yang tidak senang, dan dalam suaranya seseorang dapat mendengar ungkapan itu, tidak diucapkan dengan kuat: "Betapa letihnya kamu semua."

- Halo, - datang dari tiub.

"Ya," gadis itu bergumam dan batuk putus asa.

Semuanya sudah jelas, sekarang dia menghidap bronkitis, tetapi dia akan berhenti mengeluh tentang jantung dan gastritisnya.

- Arina risau. Saya…

- Oh-oh-oh, - Fira mengganggu saya, - anda lagi!

"Baiklah," jawab saya, sedikit bingung dengan kekasaran. - Dan apa? Saya sangat penat dengan awak?

"Hingga mati," kata Fira, "berhenti berdering! Anda telah membawa semua orang ke tahap yang sangat baik.

Sejenak saya mati rasa, tetapi kemudian, mengumpulkan semua kehendak saya menjadi penumbuk, saya berbisik:

- Adakah anda ingin mengatakan bahawa buku saya ...

"Dengar," Fira menyela saya, "hanya orang yang bergumam yang masuk ke" Marko ", tidak dapat mengatakan yang sebenarnya kepada seseorang. Tetapi saya, terima kasih Tuhan, berbeza. Anda adalah orang yang benar-benar tidak berbakat, berhenti berkeliaran di koridor rumah penerbitan, mereka tidak boleh mengatakan kepada anda: "Tinggalkan kami sendiri." Naskah itu mengerikan, di dalamnya ...

Saya menjatuhkan telefon seperti ular beracun... Pelik, tetapi tidak ada air mata. Mungkin kerana sudah lama saya mengharapkan teguran, kerana mempercayai bahawa saya mengambil tempat orang lain: lebih baik bagi Viola Tarakanova untuk tidak mula menulis cerita detektif, Arina Violova mati dengan tenang, tidak ada kembang api di atas kuburnya dan orang ramai peminat tidak mula menangis. Saya harus mengakui: jalan penulis prosa bukan untuk saya.

Sebelum ribut mereda dalam jiwa saya, loceng berbunyi, saya dengan hati-hati mengambil penerima dan, bersiap sedia untuk masalah berikutnya, bertanya:

- Siapa disana?

"Seratus gram dan timun," jawab Remizov sambil tertawa. - Wah! Siapa yang bercakap seperti itu?

"Anda memanggil saya untuk mengajar pelajaran dalam perbualan telefon? - Saya marah.

- Apa kejahatan kamu, - Slavka menghela nafas, - sekarang jelas mengapa Oleg memutuskan untuk bercerai. Saya, orang bodoh, memutuskan untuk menenangkan anda, berkata: "Jangan bimbang, Fork, Oleg ada bersama saya, kami akan merayakan Tahun Baru bersama-sama." Dia tidak mahu melihatmu, tidak ada apa-apa, lalu berdamai. Dan anda seperti anjing: woof, woof. Tidak ada cara untuk berfikir dengan kepala anda: siapa yang memerlukan anda dengan watak seperti itu? Penulis celaka.

Agensi Persekutuan untuk Pendidikan

Institusi pendidikan negeri

Pendidikan profesional yang lebih tinggi

Chelyabinsk Universiti Negeri»

Cawangan Miass

Jabatan Filologi

Drama kontemporari.

Dimainkan oleh I. Vyrypaev ("Oksigen"),

saudara Presnyakov ("Menggambarkan mangsa"),

E. Grishkovets ("Bagaimana saya makan anjing")

Selesai: K.R. Karimova

Kumpulan: MP-202

Diperiksa: Ph.D., profesor bersekutu

CM. Shakirov

Pengenalan …………………………………………………………………………… .p. 2

Bab 1. Drama kontemporari …………………………………………… .p. 3

a) “Drama Baru” ……………………………………………………………… h. 4

b) "Verbatim" ………………………………………………………………… hal. 6

c) "Theater.doc" …………………………………………………………………… halaman 7

Bab 2. Muka drama moden

a) E. Grishkovets (“Bagaimana saya makan anjing”) ………………………………………… hlm.10

b) Saudara-saudara Presnyakov ("Menggambarkan korban") ………………………………… h. 12

c) I. Vyrypaev ("Oksigen") …………………………………………………. muka surat 14

Kesimpulan …………………………………………………………………………… halaman 16

Rujukan ……………………………………………………………… .p. 17

Pengenalan.

Nampaknya tidak ada keraguan lagi bahawa ledakan dramatik itu berkembang dan bising hari ini. Semasa penulis muda secara aktif menulis drama - dan bukan puisi atau, katakanlah, novel; ketika beratus-ratus drama ini (tanpa keterlaluan) disusun di Internet, ketika banyak festival berganti-ganti satu sama lain dalam aliran berterusan, ketika pengarah muda muncul, yang tulisan tangannya dibentuk di bawah pengaruh langsung permainan rakan sebaya mereka (mari kita panggil Kirill Serebrennikov , Olga Subbotina, Vladimir Ageev, Alexander Galibin); apabila keseluruhan teater drama baru muncul (sekurang-kurangnya Teatr.doc oleh Mikhail Ugarov dan Elena Gremina dan Pusat Drama dan Pengarahan Mikhail Roshchin dan Alexei Kazantsev), menjadi jelas bahawa ia bukan hanya mengenai tarikan yuran teater (hari ini, bukan seperti itu, dan besar), tetapi dalam perkara lain.

Bab 1 dikhaskan untuk drama kontemporari Rusia secara umum. Bab 2 meneliti karya penulis drama kontemporari terkenal seperti E. Grishkovets, Presnyakov bersaudara, I. Vyrypaev.

Bab 1. Drama kontemporari.

Kita tidak bercakap mengenai "drama moden" - Chekhov mungkin moden hari ini - tetapi mengenai "drama baru" yang menerobos ke dalam teater dalam beberapa aliran pantas, seperti kren meletup: Grishkovets, Vyrypaev, Maxim Kurochkin, Olga Mukhina , saudara Presnyakov, Vasily Sigarev. Perkara paling terang yang dapat dilihat dalam teks ini adalah keinginan untuk bersuara, menyampaikan sesuatu yang sangat penting kepada orang lain.
Ciri khas drama baru adalah kekompakan teks, kekayaannya. Untuk mempunyai masa dengan cepat mengatakan atau menjerit hanya perkara yang paling penting dan teruskan. Hari ini orang mula menghargai masa mereka - untuk memaksa lelaki moden Duduk di teater selama 4 jam adalah kemewahan yang luar biasa. Oleh itu, pemampatan, kepekatan teks sangat penting. Ketika begitu banyak peristiwa diliputi, ketika seseorang masih muda, pandangannya merangkumi sejumlah besar fenomena dan tidak dapat berhenti di mana sahaja. Tetapi ini tidak bermaksud bahawa dia tidak merakam dan tidak menggambarkan perkara-perkara ini. Dalam permainan pendek atau dalam persembahan selama 1 jam, anda mempunyai banyak masa untuk mengatakan dan melakukan banyak perkara. Masa di mana kita hidup tidak memerlukan perenungan, bukan refleksi, tetapi perbuatan dan tindakan. Dalam drama baru, bahkan kata sudah menjadi tindakan (katakan: "Saya tidak mahu" - atau berteriak: "Saya tidak boleh").
Apa kemodenan, ketajaman drama baru, sukar untuk dirumuskan dan difahami, sukar difahami, sesuatu yang anda tidak fikirkan secara khusus, sesuatu yang anda jalani. Sesuatu yang dirampas dari udara, tenaga yang berjaya dikumpulkan dan disampaikan oleh pengarang - dengan bantuan bahasa, pembinaan teks ...

"Drama Baru".

Konsep "drama baru" pertama kali muncul dalam kajian teater pada pergantian abad ke-19 dan ke-20. Dalam lakonan Zola, Shaw, Ibsen, Strindberg, Maeterlinck, Wilde, Chekhov dan Gorky, watak-watak bukan standard bertindak yang menggunakan bahasa sehari-hari yang luar biasa sederhana.

Pada akhir abad ke-20, dokumentari yang keras, ganas dan tidak memadai sering dilakukan di Teater Royal Court eksperimen British. Contoh-contoh "drama baru" Barat yang paling terkenal seperti "Bahasa Tubuh" oleh Stephen Daldry dan "Monolog of the Vagina" oleh Eve Ensler, yang dibuat pada tahun 90-an abad kedua puluh. Persembahan pertama adalah montaj halus dari wawancara audio lelaki mengenai badan mereka - warga London berkulit putih berusia antara 20 hingga 40 tahun. Satu lagi permainan akhir tahun sembilan puluhan - di mana, dari wawancara wanita mengenai alat kelamin mereka, terbentuklah tangisan pengarang mengenai ketidakadilan sosial masyarakat terhadap wanita masa kini.

Mengemukakan persoalan mengenai keadaan drama dan teater semasa, mustahil untuk mengabaikan isu "drama baru". Hanya pengkritik teater yang sangat malas yang dapat menjauhkan diri dari dua kubu yang berperang - pengkritik yang bersemangat atau meminta maaf yang sama dengan fenomena ini di teater moden. Tidak ada makna emas dalam hubungannya dengan "drama baru". Dan ini dapat difahami: terlalu terang, tidak biasa, akut secara sosial, kadang-kadang mengejutkan seni drama baru. Seseorang meletakkan "drama baru" bertentangan dengan teater repertoir tradisional, seseorang menganggap aliran yang diperlukan tanpa hiasan kebenaran hidup di atas pentas, seseorang merujuknya kepada seni avant-garde, seseorang melihat dalam "drama baru" arahan utama teater Rusia. Walau apa pun, di kebelakangan ini menjadi jelas bahawa "drama baru" telah bertahan dari tahap "semi-basement" "subkultur belia" dan mengaku sebagai sesuatu yang lebih: ia mempunyai panggung sendiri, pengarahnya sendiri, penontonnya sendiri, festivalnya sendiri.

Sekiranya di panggung anda diberitahu mengenai sumbang mahram, pemerkosaan, pembunuhan atau cinta sesama jenis, tindakan gantian dengan perbualan mengenai makna kehidupan, ditaburkan dengan kata-kata tidak senonoh, ketahui: ini adalah Drama Baru.

Secara ilmiah, tanda-tanda di atas disebut naturalisme dan tenggelam dalam bahasa jalanan. Istilah ini muncul seratus tahun yang lalu, ketika Drama Baru diciptakan oleh Ibsen, Zola, Strindberg, Hauptmann dan lain-lain. Sejak itu, gelombang Drama Baru muncul setiap 20-30 tahun, yang bermaksud perubahan dalam iklim sosial, pertama kali menyebabkan semua jenis celaan, dan akhirnya tergolong dalam kategori klasik ...

Di Rusia, gerakan untuk hak penulis drama menjadi tokoh yang setara dengan pengarah bermula pada tahun 90-an dan menghasilkan "drama baru" yang hari ini menetapkan nada dalam teater Rusia. Teater repertoir, di mana pengarah melakukan orisinalitas metafora di bidang drama klasik, secara bertahap mengalami stagnasi, dia perlu disuburkan oleh makna hari ini, walaupun sesaat dan dangkal. Ini adalah tugas utama teater - untuk tidak disempurnakan dan disucikan oleh masa, tetapi - nadi masa, walaupun keliru, tidak masuk akal dan satu hari. Begitulah sifat teater - pemandangan yang dilahirkan di dataran.

Pada awal kemunculan "drama baru", ia adalah patos anti-borjuasi, ia tidak dirancang untuk orang biasa yang makan dengan baik yang pergi ke teater dengan harapan dapat melihat sesuatu yang diharapkan dan dapat diramalkan (itu adalah kepuasan dari jangkaan penonton rata-rata yang bersyarat dan boleh disebut teater borjuasi). "Drama baru" jauh lebih kasar; ia selalu memberikan penonton bukan apa yang diharapkannya untuk dilihat, tetapi sesuatu yang berbeza, menjengkelkan.

Lagipun, tidak seratus peratus penduduk pergi ke teater, tetapi hanya sebahagiannya sahaja, dan untuk beberapa waktu bahagian ini terbiasa dengan kenyataan bahawa dia melihat di atas panggung kehidupan orang-orang yang ideanya mengenai etika, perbendaharaan kata , kebersihan bertepatan dengan kebiasaannya - maka tidak ada yang mengejutkan. Tetapi tiba-tiba penonton diperlihatkan kehidupan orang-orang yang terpinggirkan, penagih dadah, sadomasochis, iaitu kehidupan orang-orang yang tidak dapat ditemui dalam hidup mereka dengan sebilangan besar penonton. Terdapat tidak senonoh, tetapi saya akan mengatakan bahawa terdapat strata sosial yang tidak normatif. Jadi, melukis kehidupan orang-orang ini di atas panggung masih menjadi kecenderungan utama "drama baru".

Kata Kerja.

Sekarang di puncak fesyen di Rusia - teater dokumentari, yang juga disebut drama baru. Mereka berdasarkan teknik penciptaan persembahan teater, yang disebut "verbatim" (dari bahasa Latin "verbatim" - "secara harfiah"). Pertunjukan mengejutkan saudara-saudara Presnyakov, Maxim Kurochkin, Evgeny Grishkovets, Ivan Vyrypaev bukan sahaja berjaya secara komersial, mereka juga telah berulang kali menerima anugerah teater berprestij, misalnya, Topeng Emas dalam pencalonan Novation. Siapa mereka - penulis drama Rusia yang baru dan apa itu "teatro.doc"?

"Verbatim" muncul di England pada pertengahan 1990-an pada gelombang drama moden yang disebut "Penulisan Baru", dan rakan sejenisnya berbahasa Rusia terdengar seperti "drama baru." Bahan untuk setiap pertunjukan verbatim adalah wawancara dengan wakil kumpulan sosial yang menjadi milik para pahlawan produksi. Transkrip wawancara dengan orang sebenar menjadi asas permainan "dokumentari". British sendiri, dengan cara itu, mendakwa bahawa teknik "verbatim" tidak diciptakan oleh mereka, tetapi Teater Soviet"Blue Blouse", di mana pertunjukan dalam genre "review" dipentaskan bukan berdasarkan drama, tetapi menurut skrip, setiap kali dibuat baru mengenai bahan kehidupan sebenarnya.

Lebih sering daripada tidak, terdapat satu lakonan dalam pertunjukan "verbatim", durasi keseluruhannya tidak lebih dari satu jam, irama cepat sentiasa dikekalkan - semua ini tidak seperti apa yang berlaku di teater biasa. Pelakon bermain tanpa alat solek, hiasan digunakan minimum, muzik dan tarian dibenarkan jika penggunaannya ditentukan oleh pengarang dalam teks drama. Pahlawan kadang-kadang mengatakan perkara yang mengejutkan secara terus terang, sehingga banyak pengkritik mencela "drama baru" kerana terlalu topikal dan bersosial.

Teknik verbatim adalah salah satu tren terpenting dalam drama moden. Istilah ini menunjukkan bahawa pengarang drama (kadang-kadang ada beberapa) berhubungan langsung dengan orang-orang tentang siapa dia akan menggambarkan, dan entah bagaimana merakam, merakam ucapan mereka. Kadang-kadang ia boleh berfungsi dengan dikafon, dan kadang-kadang hanya "memuat turun" maklumat dari laman Internet, forum, korespondensi ICQ. Ini adalah tekstur kehidupan yang konkrit dan hidup, yang kemudian diolah dalam beberapa cara; mungkin ada sedikit teks pengarang.

"Teater. dokumen ».

"Teater Dokumentari" kembali ke Moscow pada tahun 2000 - perwakilan gerakan "Drama Baru" Britain mengadakan beberapa siri seminar. Penulis drama dan pengarah Inggeris, Stephen Daldry menjelaskan kepada peserta Teater Dokumentari di Moscow mengenai perasaannya tentang bekerja pada drama ini: “Pada awal kerja, anda tidak tahu tema atau wataknya: anda hanya mempunyai subjek yang anda pelajari ... Proses kerja agak menakutkan kerana anda bermula dari awal dan anda mungkin akan memperoleh hasil yang sifar. Tetapi anda harus mempercayai diri sendiri. Mempercayai subjek. Dan - yang paling penting - percayai orang yang anda wawancara. "

Teknologi "verbatim" baru menemui penyokong di Rusia, dan pada bulan Februari 2002, di ruang bawah tanah sebuah bangunan kediaman di pusat Moscow, sebuah panggung tetap untuk drama dokumentari "Teatro.doc" dibuka, dan dalam setahun ia menjadi tahap pemujaan di Moscow. Pengarang drama secara sengaja bekerja dengan "kejahatan sosial": penagih dadah, kehilangan tempat tinggal, kemungkinan bunuh diri, tahanan. Yang paling skandal adalah karya doc "Big zhrachka" ("verbatim dari kehidupan artis televisyen"). Penulisnya adalah Alexander Vartanov dan Ruslan Malikov bekas anggota kru salah satu rancangan TV skandal, secara diam-diam merakam rakan-rakan mereka di sebuah dikafon, yang, setelah mendengar diri mereka bermain, enggan mempercayai bahawa mereka mengatakannya. Pertunjukan yang tegang dan elektrik dilancarkan oleh pertengkaran hebat di udara. Pertunjukan doc lain "Crimes of Passion" adalah pertunjukan solo oleh Galina Sinkina berdasarkan bahan yang dikumpulkan olehnya di koloni keselamatan maksimum wanita - mengenai wanita yang menjalani masa untuk jenayah berat, yang mereka lakukan kerana cinta. Pengarang drama "Oxygen" Ivan Vyrypaev, menerima "Golden Mask" untuk drama ini, yang bacaan moden 10 perintah alkitabiah melalui mulut seorang pemuda berhampiran Moscow - seorang penagih dadah dan pembunuh.

Beberapa tahun yang lalu "Teatr.doc" dan persatuan " Topeng Emas", Dianjurkan di Rusia festival persembahan berdasarkan drama kontemporari Rusia dan asing" Baru

Teatr.doc - sebuah teater kecil di salah satu ruang bawah tanah Trekhprudny Lane berkembang dari seminar yang diadakan di Moscow oleh Royal Court Theatre di London, ketua pakar Drama Baru di Eropah, yang mengajar Rusia teknik Verbatim. Ini adalah ketika seorang penulis drama meraih dikafon dan terus menerus terjun ke dalam kehidupan, katakanlah, penambang (inilah yang mereka lakukan di teater Kemerovo "Lodge") atau orang-orang yang kehilangan tempat tinggal ("Lagu-lagu rakyat Moscow" di Teatre.doc) , atau penduduk jajahan ("Crimes of Passion", ibid.) dll. Keupayaan mengubah bahan yang dikumpulkan menjadi persembahan dan memainkannya dengan ketepatan 100% secara semula jadi tidak mencukupi. Oleh itu, sementara teater ini mengalami ketidak profesionalisme, yang diliputi oleh tangisan baru yang kuat. Lima belas tahun yang lalu, omong-omong, ini diperhatikan di pawagam perestroika, ketika ketidakmampuan untuk fokus ditunjukkan sebagai sinematografi kelas tinggi.

Walaupun begitu, hari ini pemimpin Teatr.doc adalah Ivan Vyrypaev - pelakon Siberia dengan mata gila dan pelakon berbakat yang luar biasa - drama "Oxygen" (diarahkan oleh Viktor Ryzhakov) - tafsiran moden mengenai sepuluh perintah yang Vyrypaev tersedak dalam irama rap, menyanyikan dan menari bersama pasangannya Arina Marakulina.

Topik mati lemas di dewan kecil Teatra.doc terdengar sangat relevan. "Ingatlah generasi mereka yang lahir pada tahun 70-an - inilah generasi yang tercekik" - Vyrypaev mengakhiri persembahan. Musim bunga lalu, bersama dengan Grishkovets, dia bahkan mengumumkan penciptaan gerakan Oksigen, yang tujuan dan objektifnya belum jelas, satu lagi yang jelas: penentangan berterusan dari generasinya terhadap orang lain, seruan pertolongan, "suara masalah besar ”(seperti yang dikatakan oleh Brodsky mengenai puisi Tsvetaeva).

Teatr.doc berasal dari Moscow sebagai platform bebas yang menentang teater klasik. Teater ini, sepertinya, membatalkan semua bentuk konvensyen yang diadopsi di teater klasik: ruang bawah tanah kecil dan bukannya bangunan kompleks seni bina teater Moscow yang besar; "Adegan", dengan lancar

mengalir ke "auditorium" untuk 30 tempat duduk, bukannya berpecah menjadi pentas, parterre, mezzanine dan balkoni; ketiadaan kakitangan sepenuhnya dan mana-mana

organisasi teater yang diadopsi, dengan "gantungan" dan "pentadbiran" tradisionalnya. Di teater kecil ini, penulis drama dan pengarah sendiri

menjual tiket kepada penonton untuk persembahan mereka, dan penonton sering terlibat dalam persembahan itu. Teater meletakkan dirinya sebagai "aneh", "dalam semua kedudukannya tidak seperti teater", "miskin dan bebas", "skandal" dan menggunakan definisi diri yang lebih spesifik, tetapi tidak kurang juga menandakan: "satu-satunya teater di Moscow yang hanya baru teks ", teater," Di mana kumpulan di atas panggung diizinkan semuanya kecuali pemandangan yang membebankan ", di mana" dalam satu persembahan, anda dapat melihat bintang yang dikenali, di lain - artis bukan profesional yang tidak dikenali "," teater dokumentari, drama, persembahan, aksi panggung di mana teater menyiarkan suara orang sebenar».

Di Teater.DOC kata seni diganti sepenuhnya oleh ucapan sehari-hari, drama ini berbentuk adegan yang diintip di jalanan, struktur plot-komposisi teks biasa untuk teater musnah. Kemampuan untuk bereinkarnasi sebagai gelandangan atau gay masih dihargai, tetapi para pengarah sudah memikirkan apakah lebih baik membawa gay atau gelandangan yang sebenar ke panggung. Sejauh ini, Ugarov membincangkan hal ini dengan lebih teliti, memberitahu di kelas induk untuk bekerja dengan pelakon bagaimana dia menghabiskan 5-6 jam untuk melakonkan sehingga pelakon yang letih berbicara dalam bahasa semula jadi, melupakan pelajaran pidato panggung. Walaupun begitu, jelas bahawa Teater DOC, seperti "drama baru", sebahagian besarnya adalah teater eksperimental pengarah, yang tujuannya adalah untuk mengubah fakta masyarakat menjadi tontonan.

E. Grishkovets ("Bagaimana saya makan anjing").

Pengarang yang berjaya secara komersial telah muncul di kalangan wakil-wakil "drama baru". Drama baru telah memasuki kehidupan baru-baru ini - mereka tidak melebihi 30 tahun.

Menjadi masuk tahun lepas penulis drama dan pelakon super popular Yevgeny Grishkovets sangat berminat dengan "teater dokumentari" - dalam persembahan mono dia pergi ke pentas yang hampir kosong tanpa solek dan kostum, bercakap mengenai kesan, ingatan dan impiannya. Grishkovets sendiri mendakwa bahawa dia terus menambahkan sesuatu, perubahan dalam persembahannya, menyusun teks baru dengan cepat ... Grishkovets sendiri mendefinisikan karyanya sebagai "sentimentalisme baru", dia adalah pemilik dua "Topeng Emas" dan pemenang hadiah pemuda "Kemenangan".

Dalam pahlawan Grishkovets, seperti pada kita semua, tidak ada yang berani. Dan bukan kerana dia sangat risau. Semua orang mahu menjadi genius, pelampau, penyamun, lelaki dan wanita yang gila dengan keanehan mereka yang berair. Sesiapa sahaja, hanya untuk menonjol dari jisim umum, lengai dan biasa. Bagaimana? Wang, penampilan, warna telefon bimbit dan secara amnya ada keburukan. Kebiasaan hari ini tidak dalam mode, orang normal hanya boleh dikasihani.

Di sini Grishkovets dan kasihanilah dia dengan caranya sendiri. Sebaliknya, dia menyesal sehingga baru-baru ini. Dan kemudian tiba-tiba sesuatu pecah. Sesuatu telah berubah - baik dalam dirinya dan di sekelilingnya. Tahap tertentu telah berakhir. Hujungnya sangat terasa di mana-mana: di negara ini, dalam sastera, dalam getaran antarplanet yang halus. Kita perlu meringkaskan dan memikirkan apa yang akan berlaku seterusnya.

Inilah yang sedang dilakukan oleh Grishkovets. Dia segera mengeluarkan dua kompilasi terakhir. Di sana, dalam bentuk yang sudah siap, semua yang telah dilakukan oleh orang normal secara misterius ini di pentas Moscow dalam lima tahun terakhir disajikan dalam bentuk lengkap. Dari "Bagaimana saya makan anjing" yang terkenal dan "Serentak" ke kitaran "Sekarang",

sebahagiannya termasuk dalam album bersama Grishkovets dan kumpulan rock bernama "Curlers". Dari "Catatan Pengembara Rusia" dan "Musim Sejuk", yang mana dia menerima Anti-Booker dan dua "Topeng Emas", hingga "Dreadnoughts" pahlawan pahlawan dengan tajuk "A Play for Women."

Setiap latihannya yang luar biasa dan meragukan adalah kepingan epik mengenai seorang lelaki bernama Grishkovets, di mana kebanyakan orang normal mudah mengenali diri mereka sendiri. Apa yang akan terjadi kepadanya seterusnya adalah misteri seperti apa yang akan berlaku di Rusia orang biasa.

Ini adalah sandiwara, mendengar mana seseorang dapat melihat bayangan masa kecil dan masa remaja, mendapati banyak persamaan dengan dirinya sendiri, ini membuat anda merasa seperti anak yang dibungkus selimut hangat pada pagi musim sejuk, tidak mahu merangkak keluar dari di bawahnya dan cepat berlari di sepanjang lantai yang sejuk, basuh untuk pergi ke sekolah, kemudian sebagai pelaut yang sedang tumbuh yang membajak laut melawan angin, dan juga membangkitkan banyak emosi, kemudian senyum yang baik, kemudian tiba-tiba air mata datang , dan setelah mendengar keseluruhan pertunjukan, untuk beberapa waktu sesuatu berubah dalam diri anda, perasaan baik dan hangat untuk waktu yang lama memetik rentetan jiwa anda, dan kenangan dari apa yang anda dengar kekal seumur hidup.

Monolognya "How I Ate a Dog" adalah yang paling banyak contoh yang baik tarikan peribadi pengarang kepada pendengar, kerana di sini pengarang dan watak dengan topi tanpa puncak di tangan mereka tidak diragukan lagi bertepatan dengan keinginan mereka untuk mengekspresikan diri mereka, lebih tepatnya, untuk berbicara hingga tahap tertentu, sehingga kemudian mereka jatuh dari keletihan. Dalam kegelisahan yang manis ini, bahkan rasa janggal, ada catatan pengakuan, semacam penglibatan dalam nasib biasa yang disampaikan kepada penonton. Dia, nasib ini, ditebak dalam penghapusan batas antara panggung dan penonton, penyatuan teks yang dituturkan dengan kehidupan. Oleh itu, saya datang dari jalan, seperti yang dikatakan oleh Grishkovets, dan saya memberitahu anda tentang diri saya, dengar, ini mengenai anda.

Saudara Presnyakov ("Menggambarkan Korban").

Saudara-saudara Vladimir dan Oleg Presnyakovs adalah lulusan fakulti filologi Universiti Ural di Yekaterinburg. Kedua-duanya mengajar di universiti yang sama.

Bahagian pertama "3 o.b." (pengarang - Vladimir Presnyakov) diterbitkan dalam edisi "belia" majalah "Ural" pada tahun 1999. Sejak tahun 1998, saudara-saudara telah bersama-sama menjalankan teater pelajar Kristina Orbakaite di USU14. Pada tahun 2000 mereka permainan umum"Penutup Lantai" dilihat di Festival Drama Muda di Lyubimovka.

Fakta bahawa semua watak Vladimir dan Oleg Presnyakov mengalami krisis identiti dapat dilihat walaupun dari senarai watak dalam drama mereka. Jarang ada yang mempunyai nama mereka sendiri: paling kerap - lelaki pertama, lelaki ke-2, wanita pertama, wanita ke-2, ibu, bapa saudara, lelaki muda, gadis, lelaki tetamu, saksi wanita ...

Hari ini hanya orang yang malas tidak mengetahui plot "Melukis mangsa". Seorang lelaki muda Valya memainkan peranan sebagai mangsa dalam eksperimen penyiasatan, sementara pada waktu malam hantu seorang pelaut yang beracun atau hanya seorang ayah pelaut yang mati muncul kepadanya, gadis itu menekan, bermimpi untuk berkahwin, dan ibunya bersenang-senang dengan ayahnya abang, Uncle Petya. Variasi milisi saudara Presnyakov dengan tema "Dusun" membawa kemuliaan bukan hanya kepada diri mereka sendiri, tetapi juga kepada pengarah Kirill Serebrennikov, yang pertama kali mementaskan drama ini di panggung Teater Seni Moscow. Chekhov, dan kemudian yang membuat filem berdasarkannya, yang menerima Hadiah utama"Kinotavra-2006" dan penghargaan "Golden Mark Aurelius" untuk filem terbaik Pesta Antarabangsa Rom Pertama.

Lakonannya sangat menarik, berani dan bebas (dari klise drama). Anda bahkan boleh mengatakan "dipasang" atau "dibina." Dua impian (pada awal dan akhir), tiga eksperimen penyiasatan dalam tiga elemen (udara, air, api), tiga perbualan (dengan ibu, dengan rakan dan dengan ayah tiri). Rujukan ke "Dusun". Pada masa yang sama, Presnyakov mempunyai pandangan ahli sosiologi yang mempelajari subjek secara terpisah. Presnyakov menulis "tentang mereka" dan bukan "tentang diri mereka sendiri", yang mungkin mengapa menarik, menarik, tetapi tidak menarik.

Di final, pahlawan "bergabung dengan majoriti," di mana ayahnya memakai jubah putih, di mana pelaut hitam yang berani, wanita itu melambaikan sapu tangan dari pantai. Semua perkara yang bermakna ada pada masa lalu.

Saudara-saudara Presnyakov harus dicintai kerana dua perkara: kerana fakta bahawa drama mereka dipentaskan dengan ledakan di Barat - dan fakta seperti itu selalu membosankan kesia-siaan domestik kita - dan untuk fakta bahawa permainan, skrip mereka, dan sekarang novel "Menggambarkan Korban "menawarkan kepada orang yang kagum sesuatu yang serupa dengan pahlawan, yang sangat kurang dalam ruang budaya domestik.

Masa kini kosong (tentang ini monolog polis), orang tidak hidup, tetapi menggambarkan kehidupan. Tidak ada masa depan (bukan dalam pengertian yang paling harfiah - "semua orang mati").

I. Vyrypaev (Oksigen).

Drama "Oksigen" telah berlangsung selama tiga tahun di premis kecil "Teatra.doc" di lorong Trekhprudny, dan di kelab malam, yang hanya bermanfaat. Persembahan "mengenai perkara utama", yang diarahkan oleh pengarah Viktor Ryzhakov, berlangsung kurang dari satu jam, dan hanya tiga orang yang mengambil bahagian di dalamnya: dua pelakon dan seorang DJ wanita di konsol. Untuk calar vinil, Dia (Ivan Vyrypaev sendiri) dan Dia (pelakon Arina Marakulina) menceritakan kisah hati yang tidak terkawal dengan cara yang membingungkan tetapi memukau. Namun, mereka mengatakan - perkataan yang salah. Mereka mengucapkan kata-kata, menembak pada penonton dan satu sama lain teks berirama panik, campuran twister lidah demam, bacaan rap dan lagu-lagu aneh dengan permulaan dan penolakan. Sepuluh "komposisi" sesuai dengan perintah Injil, yang disampaikan melalui kisah cinta Sasha's homo simplicissimus dari Serpukhov dan perkara kecil metropolitan, juga Sasha, yang merokok di monumen Griboyedov. Perintah itu berputar dalam korsel gila: seperti "jangan berzina" tidak ada, dan perintah "Jangan membunuh" Sasha tidak mendengar, "kerana dia berada di pemain, dan oleh itu pergi dan membunuh isterinya dengan sekop. "

Saya rasa Oksigen Ivan Vyrypaev adalah teks penting yang luar biasa untuk masa kita. Mungkin, dia akan mempunyai nasib sendiri, mungkin lebih menarik daripada penjelmaan pertamanya. Penonton kadang-kadang berkata: "Saya tidak banyak mendengar, saya harus pergi untuk kedua kalinya, mendengar semuanya hingga akhir, kerana mereka sangat jelas. perkataan penting". Ini adalah kriteria bagi saya. Mungkin "Oksigen" selaras dengan orang dalam beberapa cara, dengan apa yang mereka rasakan dan alami sekarang. Tidak juga kerana menyebutkan peristiwa 11 September dan Nord-Ost. Intinya adalah bagaimana semua peristiwa ini berkaitan dengan seseorang, kehidupannya, bagaimana, berbicara tentangnya, seseorang tidak boleh tetap acuh tak acuh. Penting tidak kepentingan luaran, dan kemudian penyertaan, apabila seseorang dapat menjadi lebih baik sejenak, ubah sesuatu di dalam dirinya, beralih.
Ivan Vyrypaev adalah "ekstrem", dia mempunyai perasaan memberontak, protes - sesuatu yang menakutkan banyak orang. Walaupun saya tidak mengenali orang yang lebih kreatif, berfikir dan teliti daripada Ivan. Dan "Oksigen" nya adalah model sebenar dunia masa kini.

Menurut Vyrypaev, dalam drama “ dalam soalan tentang bagaimana dua orang muda dan progresif berusaha untuk memadankan Sepuluh Perintah dengan kehidupan mereka sendiri. " "Gambar" yang sangat menarik dipilih oleh pengarah untuk menggambarkan tesis.

20:20 - masa yang betul untuk tayangan filem berjudul Oxygen.
Banyak kata-kata yang bertentangan diucapkan tentangnya, dan yang paling banyak kaedah berkesan melihat mereka atau membantah melihatnya. Ini benar-benar perlu dilihat, saya katakan itu perlu seperti menghirup udara segar yang diperlukan setelah seharian di bilik yang penuh sesak, bagaimana cuaca semakin cerah dan menjadi lebih mudah untuk bernafas setelah ribut petir, bagaimana pasukan payung terjun menyedut oksigen meningkat ke gunung, seperti kanak-kanak ditampar di bahagian bawah sehingga dia menarik nafas dan menjerit untuk pertama kalinya.
Saya mengaku bahawa selama 10-15 minit pertama saya baru saja berusaha untuk membiasakan diri dengan kenyataan bahawa semua perkara yang pernah saya lihat di pawagam sebelum ini harus dilupakan. Cuba bayangkan selama lebih sejam bahawa anda menghidap amnesia. Sebaik sahaja saya berjaya, saya berbaring di kerusi dan menikmatinya lebih jauh. Tapi jangan salah sangka, ini bukan filem popcorn.
Pada pendapat saya, dalam filem ini (saya akan membuat tempahan, ini bukan filem dengan pengertian penuh kata, melainkan "siri filem pendek penuh") anda akan terguncang. Dari tidak masuk akal dan jelas, dari kenyataan yang semua orang tahu, tetapi tidak membicarakannya. Ia bahkan tidak dapat dijelaskan dengan jelas, begitu banyak yang dikatakan dalam filem itu dekat dengan mana-mana orang yang masih hidup. Ini adalah "perkara utama", perkara utama demi perkara buruk dan baik berlaku atau tidak. Namun, perkara utama ini tidak dapat dirumuskan. Itu ada di lidah, tetapi baik pahlawan maupun penonton tidak berani mengucapkannya.

Filem ini kaya dengan gambar, bukan simbol. Yang paling kuat, tentu saja, adalah gadis berapi-api, yang "pembakaran "nya disokong oleh oksigen, yang dia sendiri pancarkan.
Tetapi kerana api yang ditakdirkan akan padam cepat atau lambat, dan sebatang kayu yang telah menyala dari dalamnya akan terbakar, jadi pahlawan dan esensinya binasa tanpa oksigen, menyekatnya sendiri, atau menyerahkan peranan ini kepada orang lain.

Kesimpulannya.

Di Barat, terutama di Jerman, walaupun Inggeris juga muncul di sini, penonton telah membentuk semacam kompleks masokistik. Dia (penonton) datang ke teater dengan kesediaan sengaja untuk melihat di dalamnya sesuatu yang tidak menyenangkan, memotong telinga, tidak menyenangkan mata, bermain di saraf. Dia tidak bersedia untuk bertemu dunia ajaib cantik, melainkan dengan dunia yang dahsyat - dengan penyelewengan luar biasa, penyataan fisiologi, bisul sosial yang busuk. Lebih-lebih lagi, dia nampaknya rindu akan pertemuan ini. Ini sudah menjadi semacam ritual budaya.

Dan mudah untuk membentuk corak sederhana: semakin rela masyarakat melihat seni agresif, menjengkelkan, kehidupan yang lebih makmur di negaranya. Seni seperti itu akan berjaya di Belanda, Jerman, Finland, tetapi sudah ada di Latvia yang berjiran, ia akan lebih berjaya. Telah bersamanya rasa hebat untuk pergi ke Perancis, Bulgaria juga mempunyai, tetapi agak kurang. Di Belarus, ia akan mengalami kegagalan yang teruk. Di Ukraine akan dilancarkan. Di Moldova, untuk carian kreatif yang berani - tanpa mengira hasilnya - mereka boleh dipaku di leher. Pengecualian dapat dijumpai dari peraturan ini, jika dikehendaki, tetapi dalam keinginan estetik yang kuat, terdapat unsur kompensator yang jelas.

Kenyataan bahawa seni seperti itu baru-baru ini menyebabkan penolakan di kalangan masyarakat Rusia, dan sekarang juga menyebabkan, tetapi masih tidak begitu bersemangat, dikaitkan bukan hanya dengan perubahan secara beransur-ansur dalam keutamaan bahagian tertentu penonton kita, tetapi juga dengan penstabilan hidup. Kelebihan artistik karya seni radikal berbeza, kesan terapi adalah sama - ia menebus kekurangan dalam masyarakat sensasi kuat... Kehidupan yang lebih tenang adalah, semakin banyak tenaga yang diperlukan - teater, sinematik, bergambar. Semakin bertolak ansur dengan penonton di teater, semakin makmur keberadaannya di luarnya.

Bibliografi.

1. Grishkovets E. Bagaimana saya makan anjing / E. Grishovets // Musim sejuk: Semua permainan / E. Grishkovets. - M., 2006.

2. Chernyak M.A. Kesusasteraan Rusia moden / M.A. Chernyak. - SPb. :

Rumah penerbitan "Forum", 2004. - 336 p.

3. Bolshev A., - SPb .: Filol. fas. St Petersburg. negeri Universiti, 2000 .-- 320 p.

4. Nemzer A. Dekad Rusia yang indah. menyala. / A. Nemzer. - M., 2003 .-- 218 p.

5. Tukh B. Sepuluh Rusia moden pertama. Lit .: Sabtu. lakaran / B. Tukh. - M:

Onyx abad ke-21, 2002 .-- 380 p.

6. Gromova M.I. Drama Rusia akhir XX - awal abad XXI: tutorial... - M., Flint, 2005

7. Skoropanova I.S. Sastera pascamoden Rusia. - M., 1999

8. Smelyansky A. Keadaan yang dicadangkan. Dari kehidupan teater Rusia pada separuh kedua abad kedua puluh. - M., 1999

Seperti kesusasteraan Rusia pada awal abad ini, drama ditandai dengan semangat pluralisme estetik. Ini mengemukakan realisme, modenisme, postmodernisme. Perwakilan dari generasi yang berbeza mengambil bahagian dalam penciptaan drama moden: akhirnya, wakil yang sah dari gelombang pasca-vampilov Petrushevskaya, Arbatova, Kazantsev, pencipta drama pascamoden Prigov, Sorokin, serta wakil-wakil drama tahun sembilan puluhan . The playwrights Ugarov, Grishkovets, Dragunskaya, Mikhailova, Slapovsky, Kurochkin dan lain-lain berjaya menarik perhatian mereka sendiri - keseluruhan galaksi pengarang yang menarik dan berbeza.

Tema utama drama kontemporari adalah manusia dan masyarakat. Kemodenan dalam wajah mencerminkan kreativiti penulis drama realis. Anda boleh merujuk karya seperti "Persaingan" karya Alexander Galin, "Gairah Perancis di dacha berhampiran Moscow" oleh Razumovskaya, "Temu ramah percubaan mengenai topik kebebasan" oleh Arbatova dan banyak lagi. Maria Arbatova berjaya membangkitkan minat terbesar di kalangan wakil-wakil drama realistik pada tahun 90-an berkat feminis yang bermasalah, yang baru bagi kesusasteraan Rusia.

Feminisme memperjuangkan pembebasan dan persamaan wanita. Pada tahun 1990-an, pendekatan gender untuk masalah ini dapat dilihat. Terjemahan harfiah dari kata "jantina" adalah "seks", tetapi jantina dalam hal ini dipahami tidak hanya sebagai faktor biofisik, tetapi juga sebagai faktor sosio-biokultur yang membentuk stereotaip tertentu lelaki dan wanita. Secara tradisional, dalam sejarah dunia ribuan tahun terakhir, wanita diberi tempat kedua, dan kata "lelaki" dalam semua bahasa adalah maskulin.

Dalam salah satu pidatonya, sebagai tanggapan terhadap kata-kata "Sudah ada pembebasan di Rusia, mengapa anda menerobos gerbang terbuka?" Arbatova berkata: “Untuk membicarakan pembebasan wanita yang telah berlaku, kita perlu melihat berapa banyak wanita yang berada di cabang kekuasaan, bagaimana mereka dibenarkan mengakses sumber [anggaran nasional] dan membuat keputusan. Setelah mengkaji angka tersebut, anda akan melihat bahawa tidak ada pembicaraan mengenai pembebasan wanita yang serius di Rusia. Wanita itu ... didiskriminasi di pasaran buruh. Seorang wanita tidak dilindungi dari ... keganasan rumah tangga dan seksual yang mengerikan ... Undang-undang mengenai perkara ini berfungsi sedemikian rupa untuk melindungi perogol ... seperti yang ditulis oleh lelaki. " Hanya sebahagian daripada pernyataan Arbatova yang dipetik untuk menunjukkan kesahihan pergerakan wanita yang mulai membuat diri mereka dikenali di Rusia.

Latar belakang muzik dari drama ini adalah lagu "Under the Blue Sky" oleh Khvostenko - Grebenshchikov. Lagu ini dipelajari oleh anak perempuan jiran, muziknya kedengaran tidak sesuai dan tidak sesuai. Lagu mengenai bandar yang ideal ternyata manja. Melodi manja adalah, sebagaimana adanya, iringan kehidupan keluarga yang tidak berjaya, di mana, bukannya keharmonian, kebencian dan rasa sakit memerintah.

Arbatova menunjukkan bahawa seorang wanita yang bebas, menegaskan dirinya, tidak boleh mengulangi lelaki biasa, meminjam psikologinya. Mengenai ini - dalam permainan "War of Reflections". Di sini jenis wanita Rusia baru diciptakan semula, berusaha untuk bersikap seperti itu, menurut ideanya yang salah, kebanyakan wanita di Barat berkelakuan. "Saya juga percaya bahawa seorang lelaki adalah objek pemakaian, dan saya juga menuntut keselesaan darinya. Biarkan dia bersih dan diam. " Lelaki dan wanita menjadi cermin dalam permainan, saling mencerminkan. Buat pertama kalinya, seorang pahlawan lelaki mendapat peluang untuk melihat dirinya dari luar dalam bentuk monster moral. Feminisme baru tidak bermaksud perang antara jantina, tetapi kesamaan, kesetaraan mereka.

Untuk soalan "Adakah anda melihat bahaya dari feminisme?" Arbatova memberikan contoh negara-negara scandinavia, di mana sehingga 70% ulama adalah wanita, separuh parlimen dan kabinet menteri dihuni oleh wanita. Akibatnya, mereka mempunyai "dasar yang paling seimbang, jaminan sosial tertinggi dan masyarakat yang paling sah."

Drama lain oleh Arbatova juga berjaya - "Pengambilan Bastille" (mengenai keaslian feminisme Rusia dibandingkan dengan Barat) dan "Percubaan percubaan mengenai topik kebebasan" (percubaan untuk menunjukkan seorang wanita yang berjaya moden).

Sejak pertengahan 1990-an, Arbatova meninggalkan drama untuk politik dan hanya menulis prosa autobiografi. Skoropanova percaya bahawa drama dalam diri Arbatova telah banyak kehilangan. Drama yang diterbitkan itu relevan hingga hari ini.

Realisme dalam drama sebahagiannya dimodenkan dan dapat disintesis dengan unsur-unsur puisi sistem seni yang lain. Secara khusus, terdapat aliran realisme seperti "sentimentalisme kejam" - gabungan puisi realisme kejam dan sentimentalisme. Penulis drama Nikolai Kolyada diakui sebagai penguasa trend ini. "Pergi, pergi" (1998) - pengarang menghidupkan kembali garis kecil lelaki kecil dalam kesusasteraan. "Orang-orang yang saya tulis adalah orang-orang di wilayah-wilayah ... Mereka berusaha untuk terbang di atas rawa, tetapi Tuhan tidak memberi mereka sayap." Permainan ini terletak di sebuah bandar kecil bersebelahan dengan unit ketenteraan. Dari tentera, wanita lajang melahirkan anak dan kekal sebagai ibu tunggal. Separuh daripada penduduk bandar seperti itu, jika mereka berjaya keluar dari kemiskinan, tidak berjaya menjadi bahagia. Kehidupan mengeraskan pahlawan wanita, Lyudmila, tetapi jauh di dalam jiwanya dia mempertahankan kelembutan, kehangatan dan kedalaman cinta, itulah sebabnya Lyudmila mengumumkan hasratnya untuk bertemu seorang lelaki untuk mewujudkan keluarga. Dalam hidupnya, Valentin tertentu muncul, namun kenyataannya mengecewakan: dia (seperti Lyudmila - suaminya) ingin mencari pasangan yang kuat dan kaya. Pada hari Jumaat, bandar itu jatuh dalam keadaan mabuk yang tidak terkawal, dan Valentine tiba hanya pada hari Sabtu dan Ahad. Semasa perayaan berikutnya, para pendatang menghina Lyudmila, dan Valentin berdiri untuknya. Sungguh mengejutkan baginya: untuk pertama kalinya dalam hidupnya (wanita itu mempunyai anak perempuan dewasa) seorang lelaki berdiri untuknya. Lyudmila menangis dengan gembira kerana diperlakukan seperti orang. Nota sentimental yang meliputi permainan Kolyada mencerminkan perlunya kebaikan dan belas kasihan. Fakta bahawa semua orang tidak berpuas hati, Kolyada ingin menonjolkan karya ini dan karya-karyanya yang lain. Kasihan meresap semua yang ditulis oleh Kolyada dan menentukan spesifik karyanya.

Di latar depan drama mungkin bukan orangnya sendiri, tetapi kenyataan di Rusia dan dunia. Penulis menggunakan khayalan, simbolisme, kiasan, dan realisme mereka berubah menjadi pasca-realisme. Contohnya ialah "Russian Dream" (1994) oleh Olga Mikhailova. Drama ini mencerminkan sikap pasif sosial sebahagian besar masyarakat Rusia, dan juga utopianisme sosial yang tidak berkesudahan. Karya ini mencipta semula dunia konvensional mimpi dongeng, yang diekstrapolasi dengan realiti tahun sembilan puluhan. Di tengah permainan adalah gambaran Oblomov moden, seorang pemuda Ilya yang menawan, yang dicirikan oleh kemalasan dan kemalasan. Di dalam hatinya, dia tetap kanak-kanak, wujud dalam dunia fantasi. Ilya berusaha untuk memujuk wanita Perancis Catherine untuk melakukan aktiviti sosial, tetapi baik tenaga dan cintanya dapat mengubah gaya hidup Ilya. Final mempunyai konotasi yang membimbangkan dan bahkan eskatologi: pasif seperti itu tidak dapat berakhir dengan baik.

Ciri-ciri realisme eskatologi juga muncul dalam drama Ksenia Dragunskaya "Surat Rusia" (1996). Situasi kiasan yang digambarkan menyerupai situasi "Cherry Orchard": sebuah rumah desa yang dijual oleh seorang pemuda Nights, bergerak ke luar negara, adalah kiasan: ini adalah rumah kanak-kanak, yang digambarkan sebagai ditakdirkan mati, seperti kebun di depan rumah (kerana sinaran, ia mati di sini semua makhluk hidup). Walau bagaimanapun, Skye yang timbul antara Nightlegov dan wanita muda dapat berubah menjadi cinta, penulis menjelaskannya, dan ini, dengan akhir yang menyedihkan, meninggalkan samar-samar tetapi berharap akan kemungkinan keselamatan.

Jadi, di mana sahaja kod sentimentalisme, modenisme, atau postmodernisme dimasukkan ke dalam drama realistik. Terdapat juga fenomena sempadan, yang merangkumi drama Yevgeny Grishkovets. Sebilangan besar mereka tertarik ke arah realisme, tetapi mungkin merangkumi unsur-unsur aliran kesedaran moden. Grishkovets menjadi terkenal sebagai pengarang monodramas "Bagaimana saya makan anjing", "Serentak", "Dreadnoughts", di mana hanya ada satu pelakon(oleh itu istilah "monodrama"). Wira drama ini terutama terlibat dalam refleksi, dengan hasilnya dia mengenali penonton. Dia merenung fenomena kehidupan yang paling pelbagai dan paling sering disebut dengan apa yang disebut " perkara sederhana», Dan juga mengenai kategori masa. Semua orang mendapat pengetahuan mengenai mata pelajaran ini di sekolah dan universiti, tetapi wira Grishkovets berusaha untuk berfikir secara bebas. Proses berfikir bebas, agak naif, membingungkan, tidak dimahkotai dengan hasil yang hebat, menduduki tempat utama dalam drama. Dia tertarik dengan keikhlasan pahlawan monodrama, yang membawanya lebih dekat dengan mereka yang duduk di dewan. Wira itu sering menafsirkan fakta tertentu dalam biografinya. Apa yang di masa mudanya tampak normal dan jelas pada dirinya, kini dikritik olehnya, yang membuktikannya pertumbuhan peribadi, meningkatkan keperluan moral untuk diri sendiri.

Sangat menarik bahawa Grishkovets bukan sahaja seorang penulis drama, tetapi juga seorang pelakon. Dia mengakui bahawa membosankan untuk mengatakan teks yang sama berulang kali, dan setiap ucapan baru merangkumi momen yang berbeza-beza. Itulah sebabnya Grishkovets menghadapi masalah dengan penerbitan: teks utama bersyarat sedang diterbitkan.

Bersama dengan monodrama, Grishkovets juga membuat "bermain dalam dialog" "Catatan Pengembara Rusia", yang menekankan pentingnya persahabatan sulit. Penulis menunjukkan bahawa persahabatan sangat membosankan bagi seseorang, kerana pertama-tama ia memperkuat kepercayaan terhadap keperluan seseorang. "Dua sudah lebih dari satu." Genre lisan menentukan keunikan puisi drama ini. Sebelum kita adalah perbualan rakan-rakan mengenai perkara ini dan itu. Dalam drama "City" ada silih berganti percakapan (dialog) dan monolog. Percubaan untuk mengatasi melankolis dan kesunyian, yang meresap watak utama berfungsi. Pada satu ketika, dia hanya bosan dengan kehidupan, dan terutama bukan dari drama dan tragedi, melainkan dari monotoni, monotoni, pengulangan perkara yang sama. Dia mahukan sesuatu yang terang, tidak biasa, malah dia mahu pergi kampung halaman, tinggalkan keluarga; lontaran dalamannya mencerminkan teks. Pada akhirnya, seseorang memikirkan semula dirinya dengan banyak cara dan keuntungan bahasa bersama dengan dunia, dengan orang tersayang. Percubaan untuk menilai kembali diri sendiri, kembali kepada orang dan memperoleh dimensi kehidupan tambahan, yang akan memberi makna baru kewujudan berakhir dengan jayanya dalam drama ini. Penulis pertama sekali menekankan bahawa seseorang adalah ubat untuk seseorang.

Mainan oleh Grishkovets membawa cas humanistik dan mempunyai tahap kebolehpercayaan yang tinggi. Melalui semua yang diketahui, dia memasuki dunia dalaman keperibadian individu dan memanggil wataknya untuk pembaharuan diri, yang difahami bukan sebagai perubahan tempat, tetapi juga sebagai perubahan dalaman seseorang. Evgeny Grishkovets menjadi terkenal di akhir abad ini, tetapi baru-baru ini mula berulang.

Seiring dengan realistik dan pasca-realistik, mereka mencipta drama komedi moden dan drama moden, terutamanya drama yang tidak masuk akal. Lakonan "Penyiasatan" Stanislav Shulyak, Maxim Kurochkin "Opus Mixtum", Petrushevskaya "Twenty-Five Again" menonjol. Penekanannya adalah pada percanggahan hidup sosio-politik yang tidak dapat diselesaikan, yang hingga kini menyatakan diri mereka sendiri. Skoropanova menganggap "Dua Puluh Lima Lagi" (1993) sebagai karya yang paling mencolok seperti ini. Dengan menggunakan konvensi yang hebat dan memperlihatkan kemustahilan dari apa yang berlaku, penulis menentang panoptisme yang belum pernah dirilis, iaitu menentang pencerobohan negara ke dalam kehidupan peribadi orang. Petrushevskaya mempertahankan hak untuk membantah dan, secara umum, yang lain, yang tidak dapat digunakan oleh para juara standard, yang melanggar nasib orang lain. Drama ini terdiri daripada dialog antara seorang Wanita yang dibebaskan dari penjara dan seorang Gadis yang ditugaskan kepadanya untuk penyesuaian sosial dia dan Anaknya yang dilahirkan di penjara. Menyedari bahawa kanak-kanak ini adalah makhluk yang lebih menyerupai binatang daripada seseorang, Gadis itu menjadi berani dan mula mengajukan soalan yang diajukan kepadanya oleh borang soal selidik. Heroin muda tidak dapat memahami bahawa Wanita itu sudah bebas, dan mengancam dengan hukuman penjara kedua. Gadis itu tidak diberikan untuk memahami bahawa di hadapannya adalah seorang Wanita kebolehan luar biasa... Petrushevskaya sepertinya mengajukan pertanyaan: apakah ini sangat penting bagi negara, dari mana sebenarnya dia melahirkan? (Dan dari siapa Perawan Maria melahirkan? Tetapi itu disembah, kerana dia melahirkan Kristus.) Petrushevskaya menegaskan pada pembaca massa dan penonton kategori privasi - wilayah peribadi setiap orang.

Dari drama yang ditulis oleh Petrushevskaya sudah pada abad baru, drama "Bifem" (2001) menonjol. Lakonan ini mempunyai gaya gaya sempadan dan sifat penggunaan konvensyen hebat di dalamnya dekat dengan modenisme. Nama umum Bifem adalah milik wanita Petrushevskaya dengan dua kepala. Tindakan itu dipindahkan ke masa depan, ketika pemindahan organ, termasuk pemindahan otak, menjadi mungkin - tetapi sangat mahal. Bee adalah salah satu yang pertama bersetuju untuk melekatkan kepala kedua ke tubuhnya, kepala anak perempuannya yang baru meninggal, femver. Kepala bercakap sepanjang persembahan, dan ternyata Bee sangat bangga dengan pengorbanannya, kerana memenuhi tugas moralnya kepada anak perempuannya, dan sebaliknya, Fem, sangat terseksa, menyedari bahawa seorang wanita dengan dua kepala tidak akan pernah tahu sama ada cinta atau perkahwinan, dan meminta ibunya untuk mengakhiri diriku. Lekapan kepala pada satu badan melambangkan hubungan kekeluargaan untuk Petrushevskaya. Penulis mengajarkan kesetaraan dalam keluarga: jika tidak ada dalam keluarga, maka dari mana asalnya dalam masyarakat? "Bifem" juga mengandungi ciri-ciri distopia, yang memberi amaran bahawa tanpa perubahan moral, penemuan saintifik terkini tidak akan membawa ke mana-mana dan akan menghasilkan monster.

The Men's Zone (1994) adalah permainan pascamoden. Penulis sendiri mendefinisikan genre sebagai "kabaret". Aksi ini berlaku di "zon" bersyarat, yang mengingatkan pada sebuah kamp konsentrasi dan salah satu lingkaran neraka. Penulis membawa pembaca kepada gambar orang terkenal: Lenin, Hitler, Einstein, Beethoven. Permainan dengan gambar-gambar ini, menghancurkan watak kultus mereka, dikendalikan oleh Lyudmila Petrushevskaya sepanjang permainan. Sebelum kita ada watak petikan hibrid. Masing-masing dari mereka mengekalkan ciri-ciri gambar yang mapan, dan pada masa yang sama memperoleh ciri-ciri tahanan, samseng, yang ditunjukkan pada masa melakukan peranan yang benar-benar tidak sesuai untuknya, iaitu: Hitler dalam peranan Jururawat, Lenin dalam bentuk bulan yang mengambang di langit, Einstein dan Beethoven digambarkan, masing-masing, Romeo dan Juliet. Realiti skizo-absurdis muncul, yang memutarbelitkan intipati lakon Shakespeare. Tindakan itu berlaku di bawah bimbingan pengawas yang mempersonifikasikan totalitarianisme pemikiran dan logosentrisme. Dalam konteks ini, "zon lelaki" Petrushevskaya ternyata menjadi metafora untuk budaya yang dihasilkan secara besar-besaran yang menggunakan bahasa kebenaran palsu. Akibatnya, bukan hanya citra Lenin yang terdesakralisasi, tetapi juga pemujaan tanpa syarat dari setiap kultus pada umumnya.

Permainan parodi dengan gambar sebenar tokoh sejarah Mikhail Ugarov juga tampil dalam drama "Hijau (...?) April" (1994-95, dua edisi - satu untuk membaca, yang lain untuk pementasan). Sekiranya Korkia dalam drama "The Black Man" membongkar imej Stalin yang dibuat oleh propaganda rasmi, maka Ugarov dalam lakonannya menyingkirkan gambar Lenin dan isterinya serta rakan seperjuangannya Nadezhda Krupskaya. Seperti Petrushevskaya, wataknya adalah simulacra. Pada masa yang sama, gambar watak dipersonifikasikan di bawah pencalonan "Lisitsyn" dan "Krupa". Ugarov tidak tergesa-gesa untuk mendedahkan kadnya dan memberitahu siapa sebenarnya pahlawannya. Dia memintanya untuk melihatnya melalui mata seorang pemuda dari keluarga yang cerdas, Seryozha, yang tidak tahu dengan siapa plot itu menghadapinya, dan oleh karena itu tidak diprogramkan untuk mitos Leninis. Penulis mencipta kenyataan maya, iaitu fiksyen, tetapi realiti yang mungkin. Ini menggambarkan pertemuan kemungkinan Seryozha pada hari April tahun 1916 di Tasik Zurich di Switzerland dengan dua orang asing. Sudah penampilan kedua-duanya menetapkan penonton dengan cara komedi: mereka memasuki basikal, dan wanita itu segera jatuh, dan temannya tertawa terbahak-bahak dan tidak dapat menenangkan diri untuk waktu yang lama. Kedua-dua tokoh ini menyerupai badut dan mengingatkan trik sarkas standard meniru. "Lisitsyn" bereaksi dengan sangat berlebihan terhadap kejatuhan isterinya sehingga sekian lama dia tidak dapat menahan nafas dari tawa. "Lisitsyn" adalah subjek aktif dan hidup dengan perawakan pendek, "Krupa" disajikan sebagai wanita gemuk dengan ekspresi kusam di wajahnya. Dalam hubungan ini "Lisitsyn" tergolong dalam peranan guru, dan "Krupa" - peranan muridnya yang bodoh. "Lisitsyn" selalu mengajar semua orang, sambil menunjukkan sikap tidak bertoleransi dan kasar. Pasangan suami isteri berada di tempat yang sama dengan Seryozha, dan mulai berkelakuan, secara sederhana, tidak beradab. "Lisitsyn" mengejek sepanjang masa dan secara amnya bersikap tanpa malu-malu. Seryozha pertama kali berjumpa dengan orang-orang seperti ini dan hampir tidak bertoleransi dengan apa yang berlaku, tetapi, sebagai orang yang sopan, dia diam. "Lisitsyn" merasakan ketidaksetujuan yang terpancar dan memutuskan untuk "mengajar" Seryozha pelajaran: dia masuk ke dalam lingkarannya dan mengajar bahawa kecerdasan adalah kekurangan kebebasan. "Dan inilah saya," kata Lisitsyn, "orang yang sangat bebas." Dalam perbualan pseudo-budaya "Lisitsyn" berusaha dengan segala cara yang mungkin untuk mempermalukan Seryozha dan, sebagai tambahan, untuk membuatnya minum. Setelah meninggalkan pemuda yang benar-benar mabuk dalam hujan lebat, "Lisitsyn" dan "Krupa" yang beristirahat dengan sempurna berangkat ke Zurich. Dan dengan kereta api petang, pengantin Seryozha harus tiba.

Bermain dengan imej pemimpin, Ugarov tidak hanya menghilangkannya dari kemanusiaan propaganda, tetapi juga menciptakan model hubungan antara negara Soviet dan warganya, berdasarkan rasa tidak hormat terhadap seseorang, ketidakpatuhan terhadap haknya, sehingga semua orang boleh hancur pada bila-bila masa. Membongkar tokoh kultus sistem totaliter adalah langkah penting untuk mengatasinya.

"Stereoscopic Pictures of Private Life" (1993) oleh Prigov - mengenai budaya massa. Prigov menunjukkan bahawa budaya massa pada zaman kita telah mengalami transformasi. Keperibadian ideologi yang luar biasa digantikan dengan strategi hasutan lembut, menggoda pura-pura, otak yang bersuara manis. Ini adalah cara yang lebih tersembunyi dan canggih untuk mempengaruhi bidang kesedaran dan bawah sedar. Ini menyumbang pada pembentukan dan penjinakan orang biasa, kerana meniru pemenuhan keinginan mereka. Tetap tidak berubah, Prigov menunjukkan, pemalsuan gambar realiti, penghinaan prinsip kerohanian, kehancurannya pada manusia. Dalam drama tersebut, Prigov meneliti kesannya terhadap produksi televisyen massa. Perhatiannya tertarik dengan rancangan bual bicara, di mana tidak ada yang buruk, menyedihkan, dan tidak tertahankan bagi otak. Sekiranya terdapat persamaan konflik, itu adalah konflik antara yang baik dan yang terbaik. Prigov sedang membina drama dari siri adegan miniatur (28 keseluruhan). Ini adalah episod dari kehidupan satu keluarga. peranan utama dalam miniatur tergolong dalam dialog komik. Topik yang diliputi adalah bergaya: seks, AIDS, muzik rock. Sementara itu, idea yang cukup pasti secara beransur-ansur dicadangkan:

Perkara utama dalam kehidupan adalah seks. "Generasi muda, serahkan kuasa dan wang kepada kami, dan lakukan seks untuk diri sendiri."

Komunis - orang yang baik... Dialog antara cucu dan nenek diberikan. Cucu itu diberitahu di sekolah tentang komunis, dan neneknya meyakinkannya bahawa idea bahawa komunis adalah "beberapa liar."

Ada yang paling dipercayai. "Masha, adakah kamu percaya kepada Tuhan?" - "Majoriti percaya, yang bermaksud, mungkin, ada Tuhan."

Selepas hampir setiap 28 adegan itu, tepukan gemuruh. Ini dilakukan untuk mendapatkan respons terprogram dari penonton yang berpotensi.

Tanpa diduga, makhluk asing muncul, tetapi tidak ada seorang pun ahli keluarga yang peduli kepadanya. Kemudian raksasa itu muncul. "Adakah itu kamu, Denis?" - "Tidak, ini aku, raksasa." - "Oh, baiklah." Raksasa itu memakan ibunya, dan kemudian keluarganya. Raksasa itu melambangkan kekuatan media terhadap seseorang. Tetapi akhirnya, ketika raksasa itu memakan makhluk asing, kedua-duanya dimusnahkan. Orang asing adalah simbol budaya yang benar, "lain", yang bersendirian mampu menentang budaya popular.

Tepuk tangan yang dirakam berterusan setelah tidak ada yang tersisa di atas panggung. Kecuali untuk Masha dan Tuhan, semua watak lain dimakan. Raksasa itu mereplikasi dirinya sendiri, ia meresap ke dalam jiwa orang.

Pada pergantian abad, generasi dua puluhan memasuki drama. Karya-karya mereka biasanya sangat gelap dan meneroka masalah kejahatan dalam satu cara atau yang lain. Tempat utama dalam pementasan ditempati oleh gambar tidak berperikemanusiaan dan keganasan, selalunya bukan dari negara, tetapi jahat, berakar pada hubungan orang dan memberi kesaksian bagaimana jiwa mereka dimutilasi. Itu adalah "Plasticine" oleh Sigarev, "Claustrophobia" oleh Konstantin Kostenko, "Oksigen" oleh Ivan Vyropaev, "Pub" oleh saudara Presnyakov. Permainan suram seperti itu dan dalam kuantiti sebegitu tidak pernah berlaku pada zaman bawah tanah. Ini menunjukkan kekecewaan terhadap nilai-nilai peradaban moden dan pada diri manusia. Walaupun begitu, dengan percanggahan, warna hitam yang menebal, pengarang muda mempertahankan cita-cita kemanusiaan.

Secara eksklusif tempat yang bagus dalam drama moden, pembuatan semula juga digunakan - versi baru dan moden karya terkenal... Playwrights beralih ke Shakespeare, seperti yang dibuktikan oleh "Hamlet. Versi "Boris Akunin," Dusun. Aksi nol "oleh Petrushevskaya," Dusun "oleh Klim (Klimenko)," Wabak di kedua rumah anda "oleh Grigory Gorin. Dari pengarang Rusia mereka beralih ke Pushkin (“Kering, Ziben, As, atau Ratu Sekop"Nikolai Kolyada), Gogol (" Old World Love "oleh Nikolai Kolyada," Bashmachkin "oleh Oleg Bogaev), Dostoevsky (" Crime Paradoxes "oleh Klim), Tolstoy (" Anna Karenina - 2 "oleh Oleg Shishkin: ada kemungkinan bahawa Anna tetap hidup), Chekhov ("The Seagull. Versi" oleh Akunin). Kriteria klasik dalam menilai kemodenan diakui lebih objektif daripada kriteria ideologi. Dalam kes lain, mereka berdebat dengan pendahulunya atau memperdalam pemerhatian mereka. Tetapi, pertama sekali, drama ini merujuk kepada nilai-nilai kemanusiaan sejagat yang diwariskan oleh golongan klasik. Drama terbaik yang dihasilkan oleh penulis drama kontemporari telah menjadi milik bukan sahaja drama Rusia, tetapi juga drama asing.

Sastera Rusia pada akhir XX - awal abad XXI secara keseluruhan, sepertinya Skoropanova, sangat menarik. Dia mengajar untuk berfikir, membentuk perasaan moral, menyangkal yang jelek, sering memberikan idea yang tidak baik dan indah dalam bentuk tidak langsung.