Isang pambihirang larawan. Mga larawan mula sa abo ng cremated na mga tao

Ang pagpipinta, kung hindi mo isinasaalang-alang ang mga realista, ay palaging, ay at magiging kakaiba. Ngunit ang ilang mga larawan ay mas weirder kaysa sa iba.
Ang ilang mga gawa ng sining ay tila pinukpok sa ulo ng manonood, napatulala at namangha. Ang ilan sa kanila ay hinihila ka sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay natatakpan ng mga lihim at mystical riddles, at ang ilan ay nakakagulat sa isang labis na presyo.

Maingat na sinuri ng Bright Side ang lahat ng mga pangunahing nakamit sa pagpipinta sa mundo at pinili ang dosenang mga ito sa pinakamarami. kakaibang mga larawan... Ang pagpili ay hindi kasama ang mga kuwadro na gawa ni Salvador Dali, na ang mga gawa ay ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang naisip.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel
National Gallery, Oslo

Ang "The Scream" ay itinuturing na isang palatandaan na kaganapan sa Expressionism at isa sa pinakamarami tanyag na mga kuwadro sa mundo. Mayroong dalawang interpretasyon ng kung ano ang itinatanghal: ito mismo ang bayani na sinunggaban ng takot at tahimik na sumisigaw, na idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang tainga; o isinasara ng bida ang kanyang tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at kalikasan na tumutunog sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng "The Scream", at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis, kung saan nagdusa ang artist. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, hindi bumalik si Munch upang magtrabaho sa canvas.

"Naglalakad ako sa daanan kasama ang dalawang kaibigan - papalubog na ang araw - biglang pumula ang dugo sa kalangitan, tumigil ako, pakiramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - tiningnan ko ang dugo at ang apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at ng lungsod - ang aking mga kaibigan nagpunta sa, at ako ay nakatayo, nanginginig sa kaguluhan, pakiramdam ng isang walang katapusang sigaw butas kalikasan ", - sinabi Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

"Saan tayo nagmula? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, canvas, langis
Museyo sining, Boston

Sa direksyon mismo ni Gauguin, dapat basahin ang pagpipinta mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga pigura ang naglalarawan sa mga katanungang nailahad sa pamagat. Tatlong kababaihan na may isang bata ang kumakatawan sa simula ng buhay; panggitnang pangkat simbolo ng pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa panghuling pangkat, ayon sa plano ng artista, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila pinagkasundo at inilaan sa kanyang mga pagsasalamin", sa kanyang paanan "isang kakaiba puting ibon... kumakatawan sa kawalan ng salita. "

Ang isang malalim na pilosopiko na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta niya sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagkumpleto ng trabaho, nais pa niyang magpakamatay, dahil: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang nakahihigit sa lahat ng aking mga nakaraang trabaho, at hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay siya para sa isa pang 5 taon, at sa gayon nangyari ito.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis
Reina Sofia Museum, Madrid

Nagpapakita ang Guernica ng mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, ipinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad na bumaling ang pagsasalita sa larawan. "Ginawa mo ba yun?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Ang isang malaking painting-fresco na "Guernica", na ipininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang pang-isang libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang larawan ay naisulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng pagtatrabaho sa larawan, nagtrabaho si Picasso nang 10-12 na oras at nasa mga unang sketch na makikita ng isang tao pangunahing ideya... Ito ay isa sa pinakamahusay na mga guhit ang bangungot ng pasismo, pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng mag-asawang Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis
London National Gallery, London

Ang bantog na pagpipinta ay kumpleto at puno ng mga simbolo, alegorya at iba`t ibang sanggunian - hanggang sa pirma na "Narito si Jan van Eyck", na ginawang hindi lamang isang gawaing sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagkukumpirma ng isang tunay na kaganapan na dumalo ang artista.

Ang portrait na kuno ni Giovanni di Nicolao Arnolfini at ang kanyang asawa ay isa sa pinaka kumplikadong mga gawa kanlurang paaralan ng pagpipinta Hilagang Renaissance... Sa Russia mga nakaraang taon ang larawan ay nagkamit ng malaking katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demonyo nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis
Tretyakov Gallery, Moscow

Ang pagpipinta ni Mikhail Vrubel ay sorpresa sa imahe ng isang demonyo. Ang malungkot na may mahabang buhok na tao ay hindi halos katulad ng pangkalahatang ideya ng tao kung ano ang dapat magmukhang isang masamang espiritu. Ito ay isang imahe ng lakas ng diwa ng tao, panloob na pakikibaka, pag-aalinlangan. Kamangha-manghang nakapikit, ang Demonyo ay nakaupo na may malaking, malungkot na mga mata na nakadirekta sa malayo, napapaligiran ng mga bulaklak. Binibigyang diin ng komposisyon ang higpit ng pigura ng demonyo, na parang na-sandwic sa pagitan ng itaas at mas mababang mga crossbars ng frame.

Ang artista mismo ay nagsalita tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta: "Ang demonyo ay hindi gaanong masamang espiritu bilang isang nagdurusa at nakalulungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang nangingibabaw at kamangha-manghang espiritu."

"Apotheosis of War"

Vasily Vereshchagin. 1871, canvas, langis
State Tretyakov Gallery, Moscow

Ang larawan ay nakasulat nang napakalalim at emosyonal na sa likod ng bawat bungo na nakahiga sa tambak na ito, sinisimulan mong makita ang mga tao, ang kanilang kapalaran at ang kapalaran ng mga hindi na makikita ang mga taong ito. Si Vereshchagin mismo, na may malungkot na panunuya, tinawag ang canvas na "buhay pa rin" - inilalarawan nito ang "patay na kalikasan". Ang lahat ng mga detalye ng pagpipinta, kabilang ang dilaw na pangkulay, ay sumasagisag sa pagkamatay at pagkasira. Binibigyang diin ng malinaw na asul na kalangitan ang pagkamatay ng larawan. Ang mga galos mula sa mga sabre at butas ng bala sa mga bungo ay nagpapahiwatig din ng ideya ng "Apotheosis of War".

Ang Vereshchagin ay isa sa mga pangunahing pintor ng labanan sa Russia, ngunit nagpinta siya ng mga giyera at laban hindi dahil mahal niya sila. Sa kabaligtaran, sinubukan niyang iparating sa mga tao ang kanyang negatibong pag-uugali sa giyera. Sa sandaling si Vereshchagin, sa sobrang init ng damdamin, ay bulalas: "Hindi na ako magpapinta ng mga larawan ng labanan - basta! Kinukuha ko ang sinusulat ko nang napakalapit sa aking puso, sumisigaw (nang literal) sa kalungkutan ng bawat nasugatan at napatay." Marahil ang resulta ng bulalas na ito ay ang kakila-kilabot at nakakagulat na pagpipinta na "The Apotheosis of War", na naglalarawan ng isang bukid, mga uwak at isang bundok ng mga bungo ng tao.

"Amerikanong Gothic"

Grant Wood. 1930, langis. 74 × 62 cm
Art Institute ng Chicago, Chicago

Ang pagpipinta na may malungkot na ama at anak na babae ay puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at retrogradeness ng mga taong nakalarawan. Galit na mga mukha, mga pitchfork na nasa gitna mismo ng larawan, mga makalumang damit kahit na sa pamantayan ng 1930, isang nakalantad na siko, ang mga tahi sa damit ng magsasaka, na inuulit ang hugis ng pitchfork, at samakatuwid ay isang banta na nakatuon sa lahat na lumusot . Ang lahat ng mga detalyeng ito ay maaaring masuri nang walang katapusan at nanginginig mula sa kaguluhan. Ang "American Gothic" ay isa sa mga pinakakilalang larawan sa sining ng Amerika noong ika-20 siglo, ang pinakatanyag na arte na meme noong ika-20 at ika-21 na siglo. Kapansin-pansin, ang mga hukom ng kumpetisyon sa Art Institute ng Chicago ay pinaghihinalaang "Gothic" bilang isang "nakakatawang Valentine", at ang mga residente ng Iowa ay labis na nasaktan kay Wood dahil sa paglalarawan sa kanila sa isang hindi kanais-nais na ilaw.

"Mga nagmamahal"

Rene Magritte. 1928, canvas, langis

Ang pagpipinta na "Lovers" ("Lovers") ay umiiral sa dalawang bersyon. Sa isa sa kanila ang isang lalaki at isang babae, na ang mga ulo ay nakabalot ng puting tela, ay naghahalikan, at sa isa pa, "nakatingin" sila sa manonood. Ang larawan ay nakakagulat at nakaka-akit. Sa dalawang pigura na walang mukha, ipinaabot ni Magritte ang ideya ng pagkabulag ng pag-ibig. Tungkol sa pagkabulag sa bawat kahulugan: ang mga mahilig ay hindi nakakakita ng sinuman, hindi nakikita ang mga ito totoong mukha at kami, at bukod sa, mga mahilig, ay isang misteryo kahit sa bawat isa. Ngunit sa tila linaw na ito, patuloy pa rin kaming tumingin sa mga mahilig sa Magritte at iniisip ang tungkol sa kanila.

Halos lahat ng mga kuwadro na gawa ni Magritte ay mga puzzle na hindi malulutas nang buong buo, dahil nagtataas sila ng mga katanungan tungkol sa pinakadiwa ng pagiging. Magritte sa lahat ng oras ay nagsasalita tungkol sa daya ng nakikita, tungkol sa nakatagong misteryo, na karaniwang hindi natin napapansin.

"Lakad"

Marc Chagall. 1917, canvas, langis
Estado ng Tretyakov Gallery

Ang "The Walk" ay isang self-portrait kasama ang asawang si Bella. Ang kanyang minamahal ay pumailanglang sa langit at ang pagtingin na iyon ay mag-drag papunta sa flight at Chagall, nakatayo sa lupa na walang katiyakan, na parang hinahawakan lamang ito sa mga daliri ng kanyang sapatos. Si Chagall ay may isang titmouse sa kanyang kabilang kamay - masaya siya, mayroon siyang parehong titmouse sa kanyang mga kamay (marahil ang kanyang pagpipinta), at isang kreyn sa kalangitan. Kadalasan ay seryoso sa kanyang pagpipinta, si Marc Chagall ay sumulat ng isang kaaya-aya na manipesto ng kanyang sariling kaligayahan, na puno ng mga alegasyon at pagmamahal.

"Hardin ng Makalupang Kasiyahan"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, kahoy, langis
Prado, Espanya

"The Garden of Earthly Delights" - ang pinakatanyag na triptych ng Hieronymus Bosch, na pinangalanan pagkatapos ng tema ng gitnang bahagi, ay nakatuon sa kasalanan ng pagnanasa. Ang larawan ay umaapaw sa mga transparent na numero, kamangha-manghang mga istraktura, halimaw, guni-guni na kinuha sa laman, mga mala-helikong mga karikatura ng katotohanan, na tiningnan niya ng isang mausisa, sobrang matalas na titig.

Ang ilang mga siyentista ay nais na makita sa triplech ang isang paglalarawan ng buhay ng isang tao sa pamamagitan ng prisma ng kanyang walang kabuluhan at mga imahe pagmamahal sa lupa, iba pa - isang tagumpay ng pagiging masagana. Gayunpaman, ang kawalang-kasalanan at ilang detatsment na kung saan ang indibidwal na mga pigura ay binibigyang kahulugan, pati na rin ang kanais-nais na pag-uugali sa gawaing ito ng bahagi ng mga awtoridad ng simbahan, ay nagdududa na ang nilalaman nito ay maaaring niluwalhati ng mga kasiyahan sa katawan. Sa ngayon, wala sa mga magagamit na interpretasyon ng larawan ang kinikilala bilang ang tanging tama.

"Tatlong edad ng isang babae"

Gustav Klimt. 1905, canvas, langis
Pambansang Gallery napapanahong sining, Roma

Ang "Three Ages of a Woman" ay parehong masaya at malungkot nang sabay. Ang kwento ng buhay ng isang babae ay nakasulat sa tatlong mga numero dito: kawalang-ingat, kapayapaan at kawalan ng pag-asa. Ang dalaga ay organiko na hinabi sa burloloy ng buhay, ang matanda ay namumukod sa kanya. Ang pagkakaiba sa pagitan ng inilarawan sa istilo ng imahe ng isang dalaga at ang naturalistic na imahe ng isang matandang babae ay nakakakuha simbolikong kahulugan: ang unang yugto ng buhay ay nagdudulot ng walang katapusang mga posibilidad at metamorphose, ang huling - patuloy na pagiging palagi at salungatan sa katotohanan. Ang canvas ay hindi bitawan, umakyat sa kaluluwa at ipapaisip sa iyo ang lalim ng mensahe ng artist, pati na rin ang lalim at hindi maiwasang buhay.

"Pamilya"

Egon Schiele. 1918, canvas, langis
Gallery na "Belvedere", Vienna

Si Schiele ay isang mag-aaral ng Klimt, ngunit, tulad ng anumang mahusay na mag-aaral, hindi niya kinopya ang kanyang guro, ngunit naghahanap ng bago. Ang Schiele ay higit na nakalulungkot, kakaiba at nakakatakot kaysa kay Gustav Klimt. Sa kanyang mga gawa, maraming tinatawag na pornograpiya, iba't ibang mga perversion, naturalismo at, sa parehong oras, sumasakit na kawalan ng pag-asa. "Pamilya" ay kanya huling trabaho, kung saan ang kawalan ng pag-asa ay dinala sa ganap, sa kabila ng katotohanang ito ang kanyang hindi kakaibang kakaibang larawan. Ginuhit niya ito bago siya namatay, matapos mamatay ang kanyang buntis na asawa na si Edith sa trangkaso Espanyol. Namatay siya sa edad na 28, tatlong araw lamang pagkatapos ni Edith, na nagawang iguhit siya, ang kanyang sarili at ang kanila. ipinanganak na anak.

"Dalawang Frida"

Frida Kahlo. 1939

Kasaysayan mahirap buhay Mexico artist Si Frida Kahlo ay naging malawak na kilala pagkatapos ng paglabas ng pelikulang "Frida" kasama si Salma Hayek sa pinagbibidahan... Si Kahlo ay nagsulat ng halos sariling mga larawan at inilahad ito nang simple: "Pininturahan ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksang pinakaalam ko." Hindi isang solong larawan sa sarili ni Frida Kahlo ang nakangiti: isang seryoso, kahit na nakalulungkot na mukha, na-fuse makapal na kilay, bahagyang kapansin-pansin na antena sa itaas ng mahigpit na naka-compress na mga labi. Ang mga ideya ng kanyang mga kuwadro na gawa ay naka-encrypt sa mga detalye, background, mga figure na lilitaw sa tabi ni Frida. Ang simbolismo ni Kahlo ay batay sa pambansang tradisyon at malapit na nauugnay sa mitolohiya ng Katutubong Amerikano noong pre-Hispanic na panahon. Sa isa sa pinakamahusay na mga kuwadro na gawa- "Dalawang Fridas" - ipinahayag niya ang mga prinsipyong panlalaki at pambabae, na pinag-isa sa kanya ng isang solong sistema ng sirkulasyon, na nagpapakita ng kanyang integridad.

"Waterloo Bridge. Fog Effect"

Claude Monet. 1899, canvas, langis
Ermita ng Estado, St. Petersburg

Kapag tinitingnan ang isang larawan mula sa isang malapit na distansya, walang nakikita ang manonood kundi ang canvas, kung saan inilalagay ang madalas na makapal na mga stroke ng langis. Ang lahat ng mahika ng trabaho ay nagsiwalat kapag unti-unti kaming nagsisimulang lumayo mula sa canvas sa isang malayong distansya. Una, hindi maintindihan na mga kalahating bilog, dumadaan sa gitna ng larawan, nagsisimulang lumitaw sa harap namin, pagkatapos ay nakikita namin ang malinaw na mga balangkas ng mga bangka at, paglayo sa distansya ng halos dalawang metro, lahat ng mga nag-uugnay na gawa ay mahigpit na iginuhit sa harap sa amin at pumila sa isang lohikal na kadena.

"Bilang 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, fiberboard, langis

Ang kakaiba ng larawang ito ay ang canvas ng pinuno ng Amerikano ng abstract expressionism, na kanyang pininturahan, pagbubuhos ng pintura sa isang piraso ng fiberboard na kumalat sa sahig, ang pinaka mamahaling pagpipinta sa mundo. Noong 2006, sa auction ng Sotheby, nagbayad sila ng $ 140 milyon para dito. Si David Giffen, isang tagagawa ng pelikula at kolektor, ay ipinagbili ito sa financer ng Mexico na si David Martinez. "Patuloy akong lumayo mula sa karaniwang mga tool ng artista tulad ng isang kuda, paleta at brushes. Mas gusto ko ang mga stick, scoop, kutsilyo at pagbuhos ng pintura o isang pinaghalong pintura na may buhangin, basag na baso o iba pa. Kapag nasa loob ako ng pagpipinta, Hindi ko namalayan ang Pag-unawa ay darating sa paglaon. Wala akong takot sa mga pagbabago o pagkasira ng imahe, dahil ang larawan ay nabubuhay sa sarili nitong buhay. Tinutulungan ko lang itong lumabas. Ngunit kung mawalan ako ng contact sa larawan, ito ay magiging gulo at gulo Kung hindi, kung gayon ito ay dalisay na pagkakaisa, ang gaan ng kung paano ka kumukuha at nagbibigay. "

"Isang lalaki at isang babae sa harap ng isang tumpok ng dumi"

Joan Miró. 1935, tanso, langis
Joan Miró Foundation, Espanya

Maganda ang pamagat. At sino ang mag-aakalang sasabihin sa amin ng larawang ito ang tungkol sa mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang pagpipinta ay ginawa sa isang sheet ng tanso sa linggo sa pagitan ng Oktubre 15 at 22, 1935. Ayon kay Miro, ito ang resulta ng pagtatangkang ilarawan ang isang trahedya. Digmaang Sibil sa Espanya. Sinabi ni Miro na ito ay larawan ng isang panahon ng pagkabalisa. Inilalarawan ng pagpipinta ang isang lalaki at isang babae na umaabot sa bawat isa sa isang yakap, ngunit hindi gumagalaw. Ang mga pinalaki na ari at hindi magagandang kulay ay inilarawan bilang "puno ng karima-rimarim at karima-rimarim na sekswalidad."

"Erosion"

Jacek Jerka

Ang neo-surrealist ng Poland ay kilala sa buong mundo para sa kanya magagandang larawan, kung saan pinagsama ang mga katotohanan, lumilikha ng mga bago. Mahirap isaalang-alang ang kanyang labis na detalyadong at sa ilang mga lawak na paantalang isa-isa ang mga gawa, ngunit ito ang format ng aming materyal, at kailangan naming pumili ng isa - upang ilarawan ang kanyang imahinasyon at kasanayan. Inirerekumenda namin na pamilyarin mo ang iyong sarili nang mas detalyado.

"Kalabanin mo siya"

Bill Stoneham. 1972

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra maestra ng pagpipinta sa buong mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan. May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at mga palad na nakadikit sa baso. Mula sa "dahil sa larawang ito ay namamatay" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagbibigay ng pagtaas sa mga taong may mahina psyche maraming takot at haka-haka. Iginiit ng artist na ang pagpipinta ay naglalarawan ng kanyang sarili sa edad na limang, na ang pintuan ay isang representasyon ng hating linya sa pagitan ng ang totoong mundo at ang mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang batang lalaki sa mundong ito. Ang mga bisig ay kumakatawan sa mga kahaliling buhay o posibilidad. Ang pagpipinta ay sumikat noong Pebrero 2000 nang ibenta ito sa eBay gamit ang isang backstory na nagsabing ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" ​​ay binili sa halagang $ 1025 ni Kim Smith, na noon ay simpleng binubuhusan ng mga liham mula kay katakut-takot na kwento at hinihingi na sunugin ang larawan.

Ang pinong sining ay may kakayahang magbigay ng isang buong hanay ng mga emosyon. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay napapatingin ka sa kanila nang maraming oras, habang ang iba ay literal na nagulat, humanga at sumabog sa pananaw sa mundo. Mayroong mga naturang obra maestra na makapag-iisip at maghanap ka lihim na kahulugan... Ang ilang mga kuwadro na gawa ay nababalot ng mistiko mga misteryo, habang sa iba ang pangunahing bagay ay ang kanilang ipinagbabawal na mataas na presyo.

Maraming mga kakaibang larawan sa kasaysayan ng pagpipinta sa buong mundo. Sa aming pag-rate, sadya kong hindi babanggitin si Salvador Dali, na isang master sa ganitong uri at ang unang naisip ang pangalan. At bagaman ang mismong konsepto ng kakatwa ay paksa, maaaring i-solo ng isa ang mga tanyag na akdang malinaw na namumukod sa pangkalahatang serye.

Edvard Munch "The Scream". Ang gawaing pagsukat ng 91x73.5 cm ay nilikha noong 1893. Pininturahan ito ng Munch sa mga langis, pastel at tempera; ngayon ang pagpipinta ay itinatago sa Oslo National Gallery. Ang paglikha ng artista ay naging isang palatandaan para sa impressionism; sa pangkalahatan ito ay isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa mundo ngayon. Munch mismo ang nagkwento ng pagkakalikha nito: "Naglalakad ako sa daanan kasama ang dalawang kaibigan. Sa oras na ito ay papalubog na ang araw. Biglang lumula ang dugo sa langit, huminto ako, pakiramdam ko ay pagod, at sumandal sa bakod. Tumingin ako sa ang dugo at apoy sa ibabaw ng bughaw - isang itim na fiord at isang lungsod. Ang aking mga kaibigan ay nagpatuloy, at ako pa rin ay nakatayo, nanginginig sa kaguluhan, pakiramdam ng isang walang katapusang sigaw na butas sa kalikasan. " Mayroong dalawang bersyon ng interpretasyon ng inilabas na kahulugan. Maaari itong isaalang-alang na ang nakalarawan na karakter ay kinuha ng takot at tahimik na sumisigaw, na idiniin ang kanyang mga kamay sa tainga. Sinasabi ng isa pang bersyon na ang tao ay nagsara ng tainga mula sa hiyawan na sumisigaw sa paligid niya. Sa kabuuan, lumikha si Munch ng maraming mga 4 na bersyon ng "The Scream". Naniniwala ang ilang eksperto na ang pagpipinta na ito ay isang klasikong pagpapakita ng manic-depressive psychosis na pinagdusahan ng artist. Nang nagamot si Munch sa klinika, hindi na siya bumalik sa canvas na ito.

Paul Gauguin "Saan tayo nagmula? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" Sa Museum of Fine Arts ng Boston, mahahanap mo ang gawaing Impressionist na may sukat na 139.1 x 374.6 cm. Ito ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1897-1898. Ang malalim na gawaing ito ay isinulat ni Gauguin sa Tahiti, kung saan nagretiro siya mula sa pagmamadali Buhay Parisian... Ang pagpipinta ay naging napakahalaga sa artist na sa pagtatapos nito ay nais pa niyang magpakamatay. Naniniwala si Gauguin na siya ang pinakamahusay sa ulo na nilikha niya dati. Naniniwala ang artista na hindi siya makakalikha ng isang bagay na mas mahusay o katulad, wala na lamang siyang higit na pagsisikapan. Si Gauguin ay nabuhay ng isa pang 5 taon, na nagpapatunay sa katotohanan ng kanyang mga paghuhusga. Siya mismo ang nagsabi ng kanya pangunahing larawan dapat tingnan mula kanan hanggang kaliwa. Mayroong tatlong pangunahing mga grupo ng mga pigura dito, na nagpapakatao sa mga tanong na may pamagat ang canvas. Tatlong kababaihan na may isang bata ang nagpapakita ng simula ng buhay, sa gitna ng mga tao ay sumasagisag sa kapanahunan, habang ang katandaan ay kinakatawan ng isang matandang babae na naghihintay para sa kanyang kamatayan. Tila na napagtagumpayan niya ito at iniisip ang tungkol sa kanyang sarili. Sa kanyang paanan ay isang puting ibon, na sumisimbolo sa kawalan ng kahulugan ng mga salita.

Pablo Picasso "Guernica". Ang paglikha ni Picasso ay itinatago sa Reina Sofia Museum sa Madrid. Ang malaking larawan sa laki na 349 ng 776 cm na pininturahan ng langis sa canvas. Ang pagpipinta sa mural na ito ay nilikha noong 1937. Sinasabi sa larawan ang tungkol sa pagsalakay ng mga pasista na boluntaryong piloto sa lungsod ng Guernica. Bilang resulta ng mga kaganapang iyon, ang lungsod na may populasyon na 6 libong katao ay tuluyan na ring nawasak. Ang artista ay lumikha ng larawang ito sa loob lamang ng isang buwan. Sa mga unang araw, nagtrabaho si Picasso ng 10-12 na oras, sa kanyang kauna-unahang mga sketch ang pangunahing ideya ay nakikita na. Bilang isang resulta, ang larawan ay naging isa sa pinakamahusay na mga guhit ng lahat ng mga katatakutan ng pasismo, kalupitan at kalungkutan ng tao. Sa "Guernica" makikita mo ang eksena ng kabangisan, karahasan, kamatayan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan. Bagaman ang mga dahilan para dito ay hindi malinaw na nakasaad, malinaw ang mga ito mula sa kasaysayan. Sinasabing noong 1940, si Pablo Picasso ay ipinatawag pa sa Gestapo sa Paris. Agad siyang tinanong: "Ginawa mo ba ito?" Kung saan tumugon ang artist: "Hindi, ginawa mo ito."

Jan van Eyck "Larawan ng mag-asawang Arnolfini". Ang pagpipinta na ito ay ipininta noong 1434 sa langis sa kahoy. Ang mga sukat ng obra maestra ay 81.8x59.7 cm, at itinatago ito sa London National Gallery. Malamang na ipininta ng pagpipinta si Giovanni di Nicolao Arnolfini kasama ang kanyang asawa. Ang gawain ay isa sa pinakamahirap sa Paaralang kanluranin ng pagpipinta sa panahon ng Hilagang Renaissance. Dito sa sikat na pagpipinta isang malaking bilang ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga pahiwatig. Na may pirma lamang ng artist na "Si Jan van Eyck ay narito". Bilang isang resulta, ang pagpipinta ay hindi lamang isang gawain ng sining, ngunit isang tunay na makasaysayang dokumento. Pagkatapos ng lahat, ito ay naglalarawan totoong kaganapan nakuha ni van Eyck. Ang larawang ito sa mga nagdaang panahon naging tanyag sa Russia, sapagkat sa pamamagitan ng walang mata, kapansin-pansin ang pagkakahawig ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Seated Demon". Ang obra maestra ni Mikhail Vrubel, na ipininta niya sa langis noong 1890, ay itinatago sa Tretyakov Gallery. Ang sukat ng canvas ay 114x211 cm.Ang demonyong inilalarawan dito ay nakakagulat. Lumilitaw siya bilang isang malungkot na kabataan kasama mahabang buhok... Karaniwan ang mga tao ay hindi kumakatawan sa mga masasamang espiritu sa ganoong paraan. Si Vrubel mismo, tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta, ay nagsabi na sa kanyang pagkaunawa ang demonyo ay hindi gaanong isang masamang espiritu bilang isang nagdurusa. Sa parehong oras, hindi maaaring tanggihan siya ng isang tao ng awtoridad at dignidad. Ang demonyo ni Vrubel ay isang imahe, una sa lahat, ng espiritu ng tao, na naghahari sa loob natin sa patuloy na pakikibaka sa ating mga sarili at pag-aalinlangan. Ang nilalang na ito, na napapalibutan ng mga bulaklak, ay nakakalungkot na kumapit sa mga kamay nito, ang mga malalaking mata nito na malungkot na tumingin sa malayo. Ang buong komposisyon ay nagpapahiwatig ng hadlang ng pigura ng demonyo. Mukhang na-sandwic siya sa imaheng ito sa pagitan ng tuktok at ilalim ng frame ng larawan.

Vasily Vereshchagin "Ang Apotheosis ng Digmaan". Ang larawan ay ipininta noong 1871, ngunit dito nakita ng may-akda na makita ang mga kakila-kilabot sa hinaharap na World Wars. Ang canvas na may sukat na 127x197 cm ay itinatago sa Tretyakov Gallery. Ang Vereshchagin ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na pintor ng labanan sa pagpipinta ng Russia. Gayunpaman, hindi siya nagsulat ng mga giyera at labanan dahil mahal niya sila. Ang ibig sabihin ng Artist visual arts sinubukan upang iparating sa mga tao ang kanyang negatibong pag-uugali sa digmaan. Nang sandaling nangako pa si Vereshchagin na hindi na magpapinta ng mga larawan ng labanan. Pagkatapos ng lahat, kinuha ng pintor ang kalungkutan ng bawat sugatan at pinatay na sundalo na malapit sa kanyang puso. Ang resulta ng isang taos-pusong pag-uugali sa paksang ito ay "The Apotheosis of War". Ang isang kahila-hilakbot at kamangha-manghang larawan ay naglalarawan ng isang bundok ng mga bungo ng tao sa isang bukid na may mga uwak sa paligid. Lumikha si Vereshchagin ng isang emosyonal na canvas, sa likod ng bawat bungo sa isang malaking tumpok ay natunton ang kasaysayan at kapalaran ng mga indibidwal at mga taong malapit sa kanila. Ang artista mismo ay nanunuya na tinawag ang larawang ito na buhay pa rin, dahil inilalarawan nito ang isang patay na kalikasan. Ang lahat ng mga detalye ng "The Apotheosis of War" ay sumisigaw tungkol sa kamatayan at kawalan ng laman, makikita ito kahit sa dilaw na background ng mundo. At ang asul na kalangitan ay binibigyang diin lamang ang kamatayan. Ang ideya ng mga pangamba sa digmaan ay binibigyang diin ng mga butas ng bala at mga marka ng sable sa mga bungo.

Grant Wood "American Gothic". Ito maliit na larawan ay may sukat na 74 by 62 cm. Nilikha ito noong 1930, at ngayon ay itinatago sa Chicago Institute of Arts. Ang pagpipinta ay isa sa pinaka tanyag na halimbawa Amerikanong sining noong huling siglo. Nasa ating panahon na, ang pangalang "American Gothic" ay madalas na nabanggit sa media. Inilalarawan ng pagpipinta ang isang medyo malungkot na ama at kanyang anak na babae. Maraming mga detalye ang nagsasabi tungkol sa kalubhaan, puritanism at ossification ng mga taong ito. Mayroon silang mga hindi kasiya-siyang mukha, isang agresibong pitchfork sa gitna ng larawan, at ang mga damit ng mag-asawa ay makaluma kahit na sa mga pamantayan ng panahon. Kahit na ang tahi sa damit ng magsasaka ay sumusunod sa hugis ng isang pitchfork, na pagdodoble ng banta sa mga pumapasok sa kanyang lifestyle. Ang mga detalye ng larawan ay maaaring pag-aralan nang walang katapusan, pisikal na pakiramdam ng kakulangan sa ginhawa. Nakatutuwa na sa isang pagkakataon, sa isang kumpetisyon sa Chicago Institute of the Arts, ang larawan ay tinanggap ng mga hukom bilang nakakatawa. Ngunit ang mga tao ng Iowa ay nainis ang artist sa paglalagay sa kanila sa isang hindi magandang tingnan na pananaw. Ang modelo para sa babae ay kapatid ni Wood, ngunit ang prototype ng galit na lalaki ay ang dentista ng pintor.

Rene Magritte "Mga Magmamahal". Ang pagpipinta ay ipininta noong 1928 sa langis sa canvas. Bukod dito, mayroong dalawang mga pagpipilian para dito. Sa isa sa kanila, isang lalaki at isang babae ang naghahalikan, ang kanilang mga ulo lamang ang nakabalot ng isang puting tela. Sa isa pang bersyon ng larawan, ang mga mahilig ay tumitingin sa manonood. Inilabas at namangha, at mga bewitches. Ang mga pigura na walang mukha ay sumisimbolo sa pagkabulag ng pag-ibig. Nabatid na ang mga mahilig ay walang nakikita sa paligid, hindi natin sila nakikita. totoong damdamin... Kahit na para sa bawat isa, ang mga taong ito, na binulag ng pakiramdam, ay talagang isang misteryo. At bagaman ang pangunahing mensahe ng larawan ay tila malinaw, ang "Mga Mahilig" ay tumingin ka pa rin sa kanila at naiisip ang tungkol sa pag-ibig. Sa pangkalahatan, halos lahat ng mga kuwadro na gawa ni Magritte ay mga puzzle, na kung saan ay ganap na imposibleng malutas. Pagkatapos ng lahat, ang mga canvases na ito ay nagtataas ng pangunahing mga katanungan tungkol sa kahulugan ng ating buhay. Sa kanila, pinag-uusapan ng artista ang tungkol sa hindi mailusyon na likas ng ating nakikita, tungkol sa katotohanan na maraming mga mahiwagang bagay sa paligid natin na sinubukan naming hindi pansinin.

Marc Chagall "Maglakad". Ang pagpipinta ay ipininta sa langis sa canvas noong 1917, ngayon ay itinatago ito sa State Tretyakov Gallery. Sa kanyang mga gawa, si Marc Chagall ay karaniwang seryoso, ngunit dito pinayagan niya ang kanyang sarili na magpakita ng damdamin. Ipinapahayag ng pagpipinta ang personal na kaligayahan ng artista, puno ito ng pagmamahal at mga alegasyon. Ang kanyang "Walk" ay isang self-portrait, kung saan ipinakita ni Chagall ang kanyang asawang si Bella sa tabi niya. Ang kanyang pinili ay umakyat sa langit, malapit na niyang kaladkarin ang artista doon, na halos itinaas na niya ang kanyang sarili sa lupa, hinahawakan lamang siya gamit ang mga dulo ng kanyang sapatos. Sa kabilang banda ng lalaki ay isang titmouse. Masasabi natin na ganito ang paglalarawan ni Chagall ng kanyang kaligayahan. Mayroon siyang crane sa kalangitan sa anyo ng isang minamahal na babae, at isang tite sa kanyang mga kamay, kung saan sinasadya niya ang kanyang trabaho.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights". Ang 389x220 cm na canvas na ito ay nakaimbak sa Museo ng Espanya Tama Ang Bosch ay nagpinta ng isang pagpipinta ng langis sa kahoy noong mga taon 1500-1510. Ito ang pinakatanyag na Bosch triptych, bagaman ang larawan ay may tatlong bahagi, pinangalanan ito sa gitnang isa, na nakatuon sa pagkasagana. Mayroong pare-pareho ang mga debate sa paligid ng kahulugan ng isang kakaibang larawan, walang ganoong interpretasyon nito na makikilala bilang ang tanging tama. Lumilitaw ang interes sa triptych dahil sa marami maliliit na bahagi, kung saan ipinahayag ang pangunahing ideya. Mayroong mga translucent na numero, hindi pangkaraniwang istraktura, halimaw, katawanin na bangungot at pangitain at impiyerno na mga pagkakaiba-iba ng katotohanan. Ang artista ay maaaring tumingin sa lahat ng ito sa isang matalim at naghahanap ng mata, na pinamamahalaang upang pagsamahin ang hindi magkatulad na mga elemento sa isang solong canvas. Sinubukan ng ilang mga mananaliksik na makita ang display sa larawan buhay ng tao na ipinakita ng may akda na walang kabuluhan. Ang iba ay natagpuan ang mga imahe ng pag-ibig, ang isang tao ay natuklasan ang tagumpay ng pagkasagana. Gayunpaman, ito ay kaduda-dudang sinisikap ng may-akda na luwalhatiin ang mga likas na kasiyahan. Pagkatapos ng lahat, ang mga numero ng mga tao ay inilalarawan na may malamig na detatsment at inosente. At ang mga awtoridad ng simbahan ay naging reaksiyon ng mabuti sa larawang ito ng Bosch.

Gustav Klimt "Tatlong edad ng isang babae". Ang pagpipinta na ito ay matatagpuan sa Roman National Gallery of Modern Art. Ang lapad na 180cm na parisukat na canvas ay ipininta sa langis sa canvas noong 1905. Ang larawan na ito ay nagpapahayag ng parehong kagalakan at kalungkutan nang sabay. Ang artista sa tatlong pigura ay naipakita ang buong buhay ng isang babae. Ang una, isang bata pa rin, ay walang pakialam. Ang isang may-edad na babae ay nagpapahayag ng kapayapaan, at ang huling edad ay sumisimbolo ng kawalan ng pag-asa. Kung saan average na edad organiko na hinabi sa dekorasyon ng buhay, at ang luma ay kapansin-pansin laban sa background nito. Ang malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng isang dalaga at isang mas matandang babae ay simbolo. Kung ang pamumulaklak ng buhay ay sinamahan ng maraming mga pagkakataon at pagbabago, kung gayon ang huling yugto ay isang nakatanim na pagpapanatili at salungatan sa katotohanan. Ang ganitong larawan ay nakakaakit ng pansin at iniisip mo ang tungkol sa hangarin ng artist, ang lalim nito. Naglalaman ito ng lahat ng buhay na hindi maiiwasan at mga metamorphose.

Egon Schiele "Ang Pamilya". Ang canvas na ito ay may sukat na 152.5x162.5 cm, na pininturahan ng langis noong 1918. Itinatago ito ngayon sa Vienna Belvedere. Ang guro ni Schiele ay si Klimt mismo, ngunit ang mag-aaral ay hindi man lang sinubukan na kopyahin siya nang masigasig, na naghahanap ng kanyang sariling pamamaraan ng pagpapahayag. Maaari nating ligtas na sabihin na ang mga gawa ni Schiele ay higit na nakalulungkot, nakakatakot at kakaiba kaysa sa mga Klimt. Ang ilang mga elemento ngayon ay tatawaging pornograpiya, maraming iba't ibang mga perversion, naroroon ang naturalismo sa lahat ng kagandahan nito. Sa parehong oras, ang mga larawan ay literal na natatakpan ng ilang uri ng sakit na kawalan ng pag-asa. Ang tuktok ng pagkamalikhain ni Schiele at ang kanyang sarili huling larawan ay "Pamilya". Sa canvas na ito, ang kawalan ng pag-asa ay dinadala sa maximum, habang ang gawain mismo ay naging pinaka kakaiba para sa may-akda. Matapos ang asawa ni Schiele na buntis ay pumanaw mula sa trangkaso Espanyol, at ilang sandali bago siya namatay, nilikha ang obra maestra na ito. 3 araw lamang ang lumipas sa pagitan ng dalawang pagkamatay, sapat na sila para sa artist na ilarawan ang kanyang sarili kasama ang kanyang asawa at ang kanyang hindi pa isinisilang na anak. Sa oras na iyon, si Schiele ay 28 taong gulang lamang.

Frida Kahlo "Dalawang Frida". Ang larawan ay ipinanganak noong 1939. Ang artista ng Mexico na si Frida Kahlo ay sumikat matapos ang pagpapalabas ng isang film ng pelikula tungkol sa kanyang pinagbibidahan na si Salma Hayek. Ang gawa ng artista ay batay sa kanyang sariling mga larawan. Mismong siya ang nagpaliwanag ng katotohanang ito tulad ng sumusunod: "Sinusulat ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksang pinakaalam ko." Kapansin-pansin, sa wala sa kanyang mga canvases, hindi nakangiti si Frida. Seryoso ang mukha niya, kahit medyo nalulungkot. Ang fused bushy eyebrows at isang halos hindi kapansin-pansin na antennae sa itaas ng naka-compress na labi ay nagpapahayag ng maximum na kabigatan. Ang mga ideya ng mga kuwadro na gawa ay nakasalalay sa mga numero, background at mga detalye ng kung ano ang pumapaligid kay Frida. Ang simbolismo ng mga kuwadro na gawa ay batay sa pambansang tradisyon ng Mexico, na malapit na magkaugnay sa matandang mitolohiya ng India. Ang "Dalawang Frida" ay isa sa pinakamagandang larawan ng babaeng Mexico. Sa loob orihinal na paraan ang mga prinsipyo ng panlalaki at pambabae ay ipinapakita, pagkakaroon ng isang solong sistema ng sirkulasyon. Kaya, ipinakita ng artist ang pagkakaisa at integridad ng dalawang magkasalungat na ito.

Claude Monet "Waterloo Bridge. Fog Effect". Sa Ermita ng St. Petersburg maaari mong makita ang pagpipinta na ito ni Monet. Ito ay ipininta sa langis sa canvas noong 1899. Sa masusing pagsusuri ng larawan, lilitaw ito bilang isang lilang lugar na may malapong mga stroke na inilapat dito. Gayunpaman, paglayo mula sa canvas, naiintindihan ng manonood ang lahat ng mahika nito. Una, ang nakakubli na mga kalahating bilog ay nakikita, dumadaan sa gitna ng larawan, lilitaw ang mga balangkas ng mga bangka. At mula sa isang distansya ng isang pares ng mga metro, maaari mo nang makita ang lahat ng mga elemento ng larawan, na konektado sa isang lohikal na kadena.

Jackson Pollock "Bilang 5, 1948". Ang Pollock ay isang klasikong ng genre ng abstract expressionism. Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay ang pinakamahal sa mundo ngayon. At pininta ito ng artist noong 1948, nagbubuhos lamang pintura ng langis sa fiberboard na may sukat na 240x120 cm sa sahig. Noong 2006, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $ 140 milyon. Ang dating may-ari, kolektor at tagagawa ng pelikula na si David Giffen, ay ipinagbili ito sa financer ng Mexico na si David Martinez. Sinabi ni Pollock na nagpasya siyang lumayo mula sa mga pamilyar na tool ng artist tulad ng mga kuda, pintura at brushes. Ang kanyang mga gamit ay mga stick, kutsilyo, scoop at pagbuhos ng pintura. Gumamit din siya ng halo nito ng buhangin o kahit basag na baso. Simula upang lumikha. Ibinigay ni Pollock ang kanyang sarili sa inspirasyon, hindi man alam ang kanyang ginagawa. Saka lamang makikilala ang perpekto. Sa parehong oras, ang artist ay walang takot na sirain ang imahe o baguhin ito nang hindi sinasadya - ang larawan ay nagsisimula upang mabuhay ng kanyang sariling buhay. Ang gawain ni Pollock ay tulungan siyang maipanganak, upang makalabas. Ngunit kung ang master ay nawalan ng kontak sa kanyang nilikha, kung gayon ang resulta ay magiging kaguluhan at dumi. Kung matagumpay, ang pagpipinta ay maglalagay ng purong pagkakaisa, kadalian ng pagtanggap at paglalagay ng inspirasyon.

Joan Miró "Isang lalaki at isang babae sa harap ng isang tumpok ng dumi." Ang pagpipinta na ito ay itinatago ngayon sa koleksyon ng artista sa Espanya. Ito ay ipininta sa langis sa isang sheet ng tanso noong 1935 sa loob lamang ng isang linggo mula Oktubre 15 hanggang 22. Ang laki ng nilikha ay 23x32 cm lamang. Sa kabila ng isang nakakapukaw na pangalan, ang larawan ay nagsasalita ng mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang may-akda mismo, sa gayon, ay naglalarawan ng mga kaganapan ng mga taong nagaganap sa Espanya. Sinubukan ni Miro na ipakita ang isang panahon ng pagkabalisa. Sa larawan, makikita mo ang walang galaw na lalaki at babae, na, gayunpaman, ay napalapit sa bawat isa. Ang canvas ay puspos ng hindi magagandang mga lason na bulaklak, kasama ang pinalaki na ari, mukhang sadyang nakakainis at nakakadiri na kasarian.

Jacek Jerka "Erosion". Sa mga gawa ng neosurrealist ng Poland na ito, ang mga larawan ng katotohanan, magkakaugnay, bumuo bagong katotohanan... Sa ilang mga paraan, kahit na ang pagpindot sa mga larawan ay lubos na detalyado. Nararamdaman nila ang mga echo ng mga surrealista ng nakaraan, mula sa Bosch hanggang Dali. Lumaki si Yerka sa isang kapaligiran ng arkitekturang medieval na himalang nakaligtas sa pagbomba ng World War II. Nagsimula siyang gumuhit bago pa man pumasok sa unibersidad. Doon sinubukan nilang baguhin ang kanyang istilo sa isang mas moderno at hindi gaanong detalyado, ngunit pinanatili ni Yerka mismo ang kanyang pagkatao. Ngayon ang kanyang hindi pangkaraniwang mga kuwadro na gawa ay ipinakita hindi lamang sa Poland, kundi pati na rin sa Alemanya, Pransya, Monaco, USA. Matatagpuan ang mga ito sa isang bilang ng mga koleksyon sa buong mundo.

Si Bill Stoneham "Mga Kamay na Lumaban sa Kanya". Ang pagpipinta, na ipininta noong 1972, ay maaaring hindi tawaging klasikong pagpipinta. Gayunpaman, walang duda na siya ay isa sa mga kakatwang nilikha ng mga artista. Inilalarawan ng pagpipinta ang isang batang lalaki, sa tabi niya ay isang manika, at maraming palad ang nakadikit sa baso mula sa likuran. Ang canvas na ito ay kakaiba, mahiwaga at medyo mistiko. Napuno na ng mga alamat. Sinabi nila na dahil sa larawang ito may namatay, at ang mga bata dito ay buhay. Mukha talaga siyang katakut-takot. Hindi nakakagulat na ang pagpipinta ay pumupukaw ng mga takot at nakakatakot na pantasya para sa mga taong may sakit na kaisipan. Mismong si Stoneham ang nagtiyak na pininturahan niya ang kanyang sarili sa edad na 5 taon. Ang pintuan sa likod ng bata ay ang hadlang sa pagitan ng katotohanan at ng mundo ng mga pangarap. Ang manika, sa kabilang banda, ay isang gabay na maaaring magdala ng isang bata mula sa isang mundo patungo sa iba pa. Ang mga kamay naman ay mga kahaliling buhay o posibilidad ng isang tao. Ang pagpipinta ay naging tanyag noong Pebrero 2000. Naibenta ito sa eBay, na nagsasabi na mayroon itong mga aswang. Bilang isang resulta, ang "Hands Resist Him" ​​ay binili ng $ 1,025 ni Kim Smith. Di-nagtagal ang mamimili ay literal na binaha ng mga liham na may nakakatakot na kwento na nauugnay sa pagpipinta at ang kinakailangan upang sirain ang pagpipinta na ito.

Kabilang sa mga marangal na gawa ng sining na kinagigiliwan ng mata at sanhi lamang positibong damdamin, may mga kuwadro na gawa, upang ilagay ito nang banayad, kakaiba at nakakagulat. Ipinakita namin sa iyong pansin ang 20 mga kuwadro na gawa, na kabilang sa brush mga sikat na artista sa mundo na pinaparamdam sa iyo ...

"Pagkawala ng Isip sa Bagay"

Pagpinta, ipininta noong 1973 Austrian artist Otto Rapp. Inilarawan niya ang isang nabubulok na ulo ng tao, na inilagay sa isang birdcage, na naglalaman ng isang piraso ng laman.

"Haitable Live Negro"

Dante at Virgil sa Impiyerno

"Impiyerno"

"The Great Red Dragon and the Sea Monster"

"Diwa ng tubig"

"Necronom IV"

"Skinning Marcia"

"Ang Tukso ni St. Anthony"

"Masakit ang ulo"

"Sigaw"

"Kamatayan ni Marat"

"Buhay pa mula sa mga maskara"

Gallowgate Lard

"Sinusunog ni Saturn ang kanyang anak"

"Pinatay ni Judith si Holofernes"

"Bangungot"

"Patayan ng mga inosente"

"Pag-aaral ng larawan ng Innocent X Velazquez"

"Hardin ng Makalupang Kasiyahan"

Ang pagpipinta, kung hindi mo isinasaalang-alang ang mga realista, ay palaging, ay at magiging kakaiba. Metapisikal, naghahanap ng mga bagong porma at paraan ng pagpapahayag. Ngunit ang ilan sa mga kakatwang larawan ay mas mahirap kaysa sa iba.

Ang ilang mga gawa ng sining ay tila pinukpok sa ulo ng manonood, napatulala at namangha. Ang ilan sa kanila ay hinihila ka sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay natatakpan ng mga lihim at mystical riddles, at ang ilan ay nakakagulat sa isang labis na presyo.

Malinaw na ang "kakaibang" ay isang paksang konsepto, at ang bawat isa ay may kanya-kanyang kamangha-manghang mga larawan na nakikilala mula sa maraming iba pang mga likhang sining. Halimbawa, ang mga gawa ng Salvador Dali ay sadyang hindi kasama sa koleksyon na ito, na ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang naisip.

Salvador Dali

"Isang batang birhen na nagpapakasawa sa kasalanan ng Sodoma gamit ang mga sungay ng kanyang sariling kalinisan"

1954

Edvard Munch "The Scream"
1893, karton, langis, tempera, pastel. 91x73.5 cm
Pambansang Gallery, Oslo

Ang Scream ay itinuturing na isang palatandaan na kaganapan sa Expressionism at isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa buong mundo.

"Naglalakad ako sa daanan kasama ang dalawang kaibigan - papalubog na ang araw - biglang lumula ang dugo sa langit, huminto ako, pakiramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - tiningnan ko ang dugo at ang apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at ng lungsod - nagpunta ang aking mga kaibigan, at tumayo ako, nanginginig sa kaguluhan, pakiramdam ng isang walang katapusang sigaw na butas sa kalikasan ", sinabi ni Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

Mayroong dalawang interpretasyon ng kung ano ang itinatanghal: ito mismo ang bayani na sinunggaban ng takot at tahimik na sumisigaw, na idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang tainga; o isinasara ng bida ang kanyang tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at kalikasan na tumutunog sa paligid. Sumulat si Munch ng 4 na bersyon ng "The Scream", at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis, kung saan nagdusa ang artist. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, hindi bumalik si Munch upang magtrabaho sa canvas.

Paul Gauguin "Saan tayo nagmumula? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"
1897-1898, langis sa canvas. 139.1x374.6 cm
Museyo ng Fine Arts, Boston

Ang isang malalim na pilosopiko na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta niya sa Tahiti, kung saan siya tumakas mula sa Paris. Sa pagtatapos ng trabaho, nais pa niyang magpakamatay, dahil "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang nakahihigit sa lahat ng aking naunang mga, at hindi ako lilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay siya para sa isa pang 5 taon, at sa gayon nangyari ito.

Sa direksyon mismo ni Gauguin, dapat basahin ang pagpipinta mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga pigura ang naglalarawan sa mga katanungang nailahad sa pamagat. Tatlong kababaihan na may isang bata ang kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang pangkat ay sumasagisag sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na pangkat, na pinaglihi ng artista, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila nagkakasundo at inilaan sa kanyang mga saloobin", sa kanyang paanan "isang kakaibang puting ibon ... kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Pablo Picasso "Guernica"
1937, canvas, langis. 349x776 cm
Reina Sofia Museum, Madrid

Ang isang malaking painting-fresco na "Guernica", na ipininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang pang-isang libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang larawan ay naisulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng pagtatrabaho sa larawan, nagtrabaho si Picasso nang 10-12 na oras at nasa mga unang sketch na makikita ang pangunahing ideya. Ito ang isa sa pinakamahusay na mga guhit ng bangungot ng pasismo, pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

Nagpapakita ang Guernica ng mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, ipinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad na bumaling ang pagsasalita sa larawan. "Ginawa mo ba yun?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Jan van Eyck "Larawan ng mag-asawang Arnolfini"
1434, kahoy, langis. 81.8x59.7 cm
London National Gallery, London

Ang larawan, siguro ng Giovanni di Nicolao Arnolfini at kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Western Northern Renaissance na paaralan ng pagpipinta.

Ang bantog na pagpipinta ay kumpleto at puno ng mga simbolo, alegorya at iba`t ibang sanggunian - hanggang sa pirma na "Narito si Jan van Eyck", na ginawang hindi lamang isang gawaing sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagkukumpirma ng isang tunay na kaganapan na dumalo ang artista.

Sa Russia sa mga nagdaang taon, ang pagpipinta ay nagkamit ng malaking katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Seated Demon"
1890, canvas, langis. 114x211 cm
Tretyakov Gallery, Moscow

Ang pagpipinta ni Mikhail Vrubel ay sorpresa sa imahe ng isang demonyo. Ang malungkot na may mahabang buhok na tao ay hindi halos katulad ng pangkalahatang ideya ng tao kung ano ang dapat magmukhang isang masamang espiritu. Ang artista mismo ay nagsalita tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta: "Ang demonyo ay hindi gaanong masamang espiritu bilang isang nagdurusa at nakalulungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang nangingibabaw at kamangha-manghang espiritu."

Ito ay isang imahe ng lakas ng diwa ng tao, panloob na pakikibaka, pag-aalinlangan. Kamangha-manghang nakapikit, ang Demonyo ay nakaupo na may malaking, malungkot na mga mata na nakadirekta sa malayo, napapaligiran ng mga bulaklak. Binibigyang diin ng komposisyon ang higpit ng pigura ng demonyo, na parang na-sandwic sa pagitan ng itaas at mas mababang mga crossbars ng frame.

Vasily Vereshchagin "Ang Apotheosis ng Digmaan"
1871, canvas, langis. 127x197 cm
State Tretyakov Gallery, Moscow

Ang Vereshchagin ay isa sa mga pangunahing pintor ng labanan sa Russia, ngunit nagpinta siya ng mga giyera at laban hindi dahil mahal niya sila. Sa kabaligtaran, sinubukan niyang iparating sa mga tao ang kanyang negatibong pag-uugali sa giyera. Sa sandaling si Vereshchagin, sa sobrang init ng damdamin, ay bulalas: "Hindi na ako magpapinta ng mga larawan ng labanan - basta! Kinukuha ko ang sinusulat ko nang napakalapit sa aking puso, sumisigaw (nang literal) sa kalungkutan ng bawat nasugatan at napatay." Marahil ang resulta ng bulalas na ito ay ang kakila-kilabot at nakakagulat na pagpipinta na "The Apotheosis of War", na naglalarawan ng isang bukid, mga uwak at isang bundok ng mga bungo ng tao.

Ang larawan ay nakasulat nang napakalalim at emosyonal na sa likod ng bawat bungo na nakahiga sa tambak na ito, sinisimulan mong makita ang mga tao, ang kanilang kapalaran at ang kapalaran ng mga hindi na makikita ang mga taong ito. Si Vereshchagin mismo, na may malungkot na panunuya, tinawag ang canvas na "buhay pa rin" - inilalarawan nito ang "patay na kalikasan".

Ang lahat ng mga detalye ng pagpipinta, kabilang ang dilaw na pangkulay, ay sumasagisag sa pagkamatay at pagkasira. Ang malinaw na asul na langit ay nagbibigay diin sa pagkamatay ng larawan. Ang mga galos mula sa mga sabre at butas ng bala sa mga bungo ay nagpapahiwatig din ng ideya ng "Apotheosis of War".

Grant Wood "American Gothic"
1930, langis. 74x62 cm
Art Institute ng Chicago, Chicago

Ang "American Gothic" ay isa sa mga pinakakilalang larawan sa sining ng Amerika noong ika-20 siglo, ang pinakatanyag na arte na meme noong ika-20 at ika-21 na siglo.

Ang pagpipinta na may malungkot na ama at anak na babae ay puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at retrogradeness ng mga taong nakalarawan. Galit na mukha, mga pitchfork na nasa gitna mismo ng larawan, mga makalumang damit kahit na sa pamantayan ng 1930, isang nakalantad na siko, ang mga tahi sa damit ng magsasaka, inuulit ang hugis ng pitchfork, at samakatuwid ay isang banta na nakatuon sa lahat. sino ang pumapasok. Ang lahat ng mga detalyeng ito ay maaaring masuri nang walang katapusan at nanginginig mula sa kaguluhan.

Kapansin-pansin, ang mga hukom ng kumpetisyon sa Art Institute ng Chicago ay pinaghihinalaang "Gothic" bilang isang "nakakatawang Valentine", at ang mga residente ng Iowa ay labis na nasaktan kay Wood dahil sa paglalarawan sa kanila sa isang hindi kanais-nais na ilaw.

Rene Magritte "Mga Mahilig"
1928, canvas, langis

Ang pagpipinta na "Lovers" ("Lovers") ay umiiral sa dalawang bersyon. Sa isa sa kanila ang isang lalaki at isang babae, na ang mga ulo ay nakabalot ng puting tela, ay naghahalikan, at sa isa pa, "nakatingin" sila sa manonood. Ang larawan ay nakakagulat at nakaka-akit. Sa dalawang pigura na walang mukha, ipinaabot ni Magritte ang ideya ng pagkabulag ng pag-ibig. Tungkol sa pagkabulag sa bawat kahulugan: ang mga nagmamahal ay walang nakikita, hindi namin nakikita ang kanilang totoong mukha, at bukod sa, ang mga mahilig ay isang misteryo kahit sa bawat isa. Ngunit sa tila linaw na ito, patuloy pa rin kaming tumingin sa mga mahilig sa Magritte at iniisip ang tungkol sa kanila.

Halos lahat ng mga kuwadro na gawa ni Magritte ay mga puzzle na hindi malulutas nang buong buo, dahil nagtataas sila ng mga katanungan tungkol sa pinakadiwa ng pagiging. Magritte sa lahat ng oras ay nagsasalita tungkol sa daya ng nakikita, tungkol sa nakatagong misteryo, na karaniwang hindi natin napapansin.

Marc Chagall "Maglakad"
1917, canvas, langis
Estado ng Tretyakov Gallery

Kadalasan ay seryoso sa kanyang pagpipinta, si Marc Chagall ay sumulat ng isang kaaya-aya na manipesto ng kanyang sariling kaligayahan, na puno ng mga alegasyon at pagmamahal.

Ang "The Walk" ay isang self-portrait kasama ang asawang si Bella. Ang kanyang minamahal ay pumailanglang sa langit at ang pagtingin na iyon ay mag-drag papunta sa flight at Chagall, nakatayo sa lupa na walang katiyakan, na parang hinahawakan lamang ito sa mga daliri ng kanyang sapatos. Si Chagall ay may isang titmouse sa kanyang kabilang kamay - masaya siya, mayroon siyang parehong titmouse sa kanyang mga kamay (marahil ang kanyang pagpipinta), at isang kreyn sa kalangitan.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights"
1500-1510, kahoy, langis. 389x220 cm
Prado, Espanya

Ang "The Garden of Earthly Delights" ay ang pinakatanyag na triptych ng Hieronymus Bosch, na pinangalanan sa tema ng gitnang bahagi, at nakatuon sa kasalanan ng pagnanasa. Sa ngayon, wala sa mga magagamit na interpretasyon ng larawan ang kinikilala bilang ang tanging tama.

Ang pangmatagalang kagandahan at kasabay ng pagiging kakatwa ng triptych ay nakasalalay sa paraan ng pagpapahayag ng pintor ng pangunahing ideya sa pamamagitan ng maraming mga detalye. Ang larawan ay umaapaw sa mga transparent na numero, kamangha-manghang mga istraktura, halimaw, guni-guni na kinuha sa laman, mga mala-helikong mga karikatura ng katotohanan, na tiningnan niya ng isang mausisa, sobrang matalas na titig.

Ang ilang mga siyentista ay nais na makita sa triptych ang isang imahe ng buhay ng tao sa pamamagitan ng prisma ng kanyang kawalang-kabuluhan at mga imahe ng makamundong pag-ibig, ang iba pa - isang tagumpay ng kabulukan. Gayunpaman, ang kawalang-kasalanan at ilang detatsment na kung saan ang indibidwal na mga pigura ay binibigyang kahulugan, pati na rin ang kanais-nais na pag-uugali sa gawaing ito ng bahagi ng mga awtoridad ng simbahan, ay nagdududa na ang nilalaman nito ay maaaring niluwalhati ng mga kasiyahan sa katawan.

Gustav Klimt "Tatlong edad ng isang babae"
1905, canvas, langis. 180x180 cm
Pambansang Gallery ng Modern Art, Roma

Ang "Three Ages of a Woman" ay parehong masaya at malungkot nang sabay. Ang kwento ng buhay ng isang babae ay nakasulat sa tatlong mga numero dito: kawalang-ingat, kapayapaan at kawalan ng pag-asa. Ang dalaga ay organiko na hinabi sa burloloy ng buhay, ang matanda ay namumukod sa kanya. Ang kaibahan sa pagitan ng inilarawan sa istilo ng imahe ng isang dalaga at ng naturalistic na imahe ng isang matandang babae ay nakakakuha ng isang simbolikong kahulugan: ang unang yugto ng buhay ay nagdudulot ng walang katapusang mga posibilidad at metamorphose, ang huling - hindi maihahawak na pagiging matatag at salungat sa katotohanan.

Ang canvas ay hindi bitawan, umakyat sa kaluluwa at ipapaisip sa iyo ang lalim ng mensahe ng artist, pati na rin ang lalim at hindi maiwasang buhay.

Egon Schiele "Pamilya"
1918, canvas, langis. 152.5x162.5 cm
Gallery na "Belvedere", Vienna

Si Schiele ay isang mag-aaral ng Klimt, ngunit, tulad ng anumang mahusay na mag-aaral, hindi niya kinopya ang kanyang guro, ngunit naghahanap ng bago. Ang Schiele ay higit na nakalulungkot, kakaiba at nakakatakot kaysa kay Gustav Klimt. Sa kanyang mga gawa, maraming tinatawag na pornograpiya, iba't ibang mga perversion, naturalismo at, sa parehong oras, sumasakit na kawalan ng pag-asa.

Ang "Pamilya" ay ang kanyang huling trabaho, kung saan ang kawalan ng pag-asa ay dinala hanggang sa ganap, sa kabila ng katotohanang ito ang kanyang hindi kakaibang hitsura ng larawan. Ginuhit niya ito bago siya namatay, matapos mamatay ang kanyang buntis na asawa na si Edith sa isang babaeng Espanyol. Namatay siya sa edad na 28, tatlong araw lamang matapos si Edith, na nagawang iguhit siya, ang kanyang sarili at ang kanilang hindi pa isinisilang na anak.

Frida Kahlo "Dalawang Frida"
1939

Ang kasaysayan ng mahirap na buhay ng artistang Mexico na si Frida Kahlo ay naging malawak na nakilala pagkatapos na mailabas ang pelikulang "Frida" na pinagbibidahan ni Salma Hayek. Si Kahlo ay nagsulat ng halos sariling mga larawan at inilahad ito nang simple: "Pininturahan ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksang pinakaalam ko."

Hindi isang solong larawan ng sarili ni Frida Kahlo ang nakangiti: isang seryoso, kahit na nakalulungkot na mukha, makapal na febred na kilay, isang hindi gaanong kapansin-pansin na antennae sa mahigpit na naka-compress na labi. Ang mga ideya ng kanyang mga kuwadro na gawa ay naka-encrypt sa mga detalye, background, mga figure na lilitaw sa tabi ni Frida. Ang simbolismo ni Kahlo ay batay sa pambansang tradisyon at malapit na nauugnay sa mitolohiya ng India noong panahon bago ang Hispaniko.

Sa isa sa mga pinakamahusay na kuwadro na gawa - "Dalawang Fridas" - ipinahayag niya ang mga prinsipyong panlalaki at pambabae, na pinag-isa sa kanya ng isang solong sistema ng sirkulasyon, na nagpapakita ng kanyang integridad. Para sa karagdagang impormasyon tungkol sa Frida, tingnan DITO magandang kagiliw-giliw na post

Claude Monet "Waterloo Bridge. Fog Effect"
1899, canvas, langis
Estado ng Ermitanyo, St. Petersburg

Kapag tinitingnan ang isang larawan mula sa isang malapit na distansya, walang nakikita ang manonood maliban sa canvas kung saan inilalagay ang madalas na makapal na mga stroke ng langis. Ang lahat ng mahika ng trabaho ay nagsiwalat kapag unti-unti kaming nagsisimulang lumayo mula sa canvas sa isang mas malaking distansya.

Sa una, ang hindi maiintindihan na mga kalahating bilog na dumadaan sa gitna ng larawan ay nagsisimulang lumitaw sa harap namin, pagkatapos ay nakikita namin ang malinaw na mga balangkas ng mga bangka at, paglipat ng distansya ng halos dalawang metro, ang lahat ng mga nag-uugnay na gawa ay mahigpit na iginuhit sa harap namin at pumila sa isang lohikal na kadena.

Jackson Pollock "Bilang 5, 1948"
1948, fiberboard, langis. 240x120 cm

Ang kakaiba ng larawang ito ay ang canvas ng pinuno ng Amerikano ng abstract expressionism, na kanyang pininturahan, pagbubuhos ng pintura sa isang piraso ng fiberboard na kumalat sa sahig, ang pinakamahal na pagpipinta sa buong mundo. Noong 2006, sa auction ng Sotheby, nagbayad sila ng $ 140 milyon para dito. Si David Giffen, tagagawa ng pelikula at kolektor, ay ipinagbili ito sa financer ng Mexico na si David Martinez.

"Patuloy akong lumayo mula sa karaniwang mga tool ng artista tulad ng isang kuda, paleta at brushes. Mas gusto ko ang mga stick, scoop, kutsilyo at pagbuhos ng pintura o isang pinaghalong pintura na may buhangin, basag na baso o iba pa. Kapag nasa loob ako ng pagpipinta, Hindi ko alam kung ano ang ginagawa ko. Ang pag-unawa ay dumating sa paglaon. Wala akong takot sa pagbabago o pagkasira ng imahe, sapagkat ang larawan ay may sariling buhay. Tinutulungan ko lang itong lumabas. Ngunit kung mawalan ako ng contact sa larawan, ito naging gulo at gulo. Kung hindi, kung gayon ito ay puro pagkakasundo, ang gaan ng kung paano ka kumukuha at nagbibigay. "

Joan Miró "Isang lalaki at isang babae sa harap ng isang tumpok ng dumi"
1935, tanso, langis, 23x32 cm
Joan Miró Foundation, Espanya

Maganda ang pamagat. At sino ang mag-aakalang sasabihin sa amin ng larawang ito ang tungkol sa mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang pagpipinta ay ginawa sa isang sheet ng tanso sa linggo sa pagitan ng Oktubre 15 at 22, 1935.

Ayon kay Miro, ito ang resulta ng pagtatangkang ilarawan ang trahedya ng Spanish Civil War. Sinabi ni Miro na ito ay larawan ng isang panahon ng pagkabalisa.

Inilalarawan ng pagpipinta ang isang lalaki at isang babae na umaabot sa bawat isa sa isang yakap, ngunit hindi gumagalaw. Ang mga pinalaki na ari at hindi magagandang kulay ay inilarawan bilang "puno ng karima-rimarim at karima-rimarim na sekswalidad."

Jacek Jerka "Erosion"

Ang neo-surrealist ng Poland ay kilala sa buong mundo para sa kanyang kamangha-manghang mga kuwadro na nagsasama ng mga katotohanan upang lumikha ng mga bago.

Si Bill Stoneham "Mga Kamay na Lumaban sa Kanya"
1972

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra ng pagpipinta sa buong mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan.

May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at mga palad na nakadikit sa baso. Mula sa "dahil sa larawang ito ay namamatay" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagdudulot ng maraming takot at haka-haka sa mga taong may mahinang pag-iisip.

Iginiit ng artist na ang pagpipinta ay naglalarawan ng kanyang sarili sa edad na limang, na ang pintuan ay isang representasyon ng paghahati ng linya sa pagitan ng totoong mundo at ng mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang bata sa buong mundong ito. Ang mga bisig ay kumakatawan sa mga kahaliling buhay o posibilidad.

Ang pagpipinta ay sumikat noong Pebrero 2000 nang ibenta ito sa eBay gamit ang isang backstory na nagsabing ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan."

Ang "Mga kamay ay lumalaban sa kanya" ay binili ng 1025 dolyar ni Kim Smith, na noon ay simpleng binubuhusan ng mga liham na may mga kakila-kilabot na kwento tungkol sa kung paano lumitaw ang guni-guni, talagang nabaliw ang mga tao sa pagtingin sa trabaho, at hinihiling na sunugin ang larawan

Ang pagpipinta, kung hindi mo isinasaalang-alang ang mga realista, ay palaging, ay at magiging kakaiba. Ngunit ang ilang mga larawan ay mas weirder kaysa sa iba.

May mga likhang sining na tila tumama sa ulo ng manonood, napatulala at namangha.

Bright Side maingat na sinuri ang lahat ng mga pangunahing nakamit sa pagpipinta sa mundo at pumili mula sa kanila ng dosenang mga kakaibang mga pinta. Sinadya naming hindi isama sa koleksyon na ito Salvador Dali, na ang mga gawa ay ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang naisip.

Malinaw na ang "kakaibang" ay isang paksang konsepto, at ang bawat isa ay may kanya-kanyang kamangha-manghang mga larawan na nakikilala mula sa maraming iba pang mga likhang sining. Masisiyahan kami kung ibahagi mo sila sa mga komento at sabihin sa amin ng kaunti tungkol sa kanila.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel.

National Gallery, Oslo.

Ang bantog na pagpipinta ay kumpleto at puno ng mga simbolo, alegorya at iba`t ibang sanggunian - hanggang sa pirma na "narito si Jan van Eyck", na ginawang hindi lamang isang likhang sining ang pagpipinta, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa katotohanan ng ang kaganapan kung saan naroroon ang artista.

Ang larawan, siguro ng Giovanni di Nicolao Arnolfini at kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Western Northern Renaissance na paaralan ng pagpipinta.

Sa Russia, sa nakaraang ilang taon, ang pagpipinta ay nagkamit ng malaking katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demonyo nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis.

Ang pagpipinta ni Mikhail Vrubel ay sorpresa sa imahe ng isang demonyo. Ang kanyang malungkot na hitsura ay hindi man katulad sa pangkalahatang ideya ng tao tungkol sa kung anong hitsura ng isang masamang espiritu.

Ito ay isang imahe ng lakas ng diwa ng tao, panloob na pakikibaka, pag-aalinlangan. Nakalungkot ang mga kamay, nakaupo ang Demonyo na napapaligiran ng mga bulaklak, nakatingin sa malayo. Binibigyang diin ng komposisyon ang higpit ng kanyang pigura, na parang naka-sandwic sa pagitan ng itaas at mas mababang mga crossbars ng frame.

Ang artista mismo ay nagsalita tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta: "Ang demonyo ay hindi gaanong masamang espiritu bilang isang nagdurusa at nakalulungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang nangingibabaw at kamangha-manghang espiritu."

"Apotheosis of War"

Vasily Vereshchagin. 1871, canvas, langis.
State Tretyakov Gallery, Moscow.

Ang talinghaga ng giyera sa larawan ay naisalarawan ng may akda nang tumpak at malalim na sa likod ng bawat bungo na nakahiga sa bunton na ito, sinisimulan mong makita ang mga tao, kanilang mga kapalaran at mga kapalaran ng mga hindi na makikita ang mga taong ito. Si Vereshchagin mismo ay sarkastiko na tinawag ang canvas na "buhay pa rin" - inilalarawan nito ang "patay na kalikasan". Ang lahat ng mga detalye ng pagpipinta, kabilang ang dilaw na pangkulay, ay sumasagisag sa pagkamatay at pagkasira. Binibigyang diin ng malinaw na asul na kalangitan ang pagkamatay ng larawan. Ang mga galos mula sa mga sabre at butas ng bala sa mga bungo ay nagpapahiwatig din ng ideya ng "Apotheosis of War".

Ang Vereshchagin ay isa sa pangunahing pintor ng labanan sa Russia, ngunit nagpinta siya ng mga giyera at laban hindi dahil nakita niya ang kagandahan at kadakilaan sa kanila. Sa kabaligtaran, sinubukan ng artist na iparating sa mga tao ang kanyang negatibong pag-uugali sa giyera.

Sa sandaling si Vereshchagin, sa sobrang init ng damdamin, ay bulalas: "Hindi na ako magpapinta ng mga larawan ng labanan - basta! Kinukuha ko ang sinusulat ko nang napakalapit sa aking puso, sumisigaw (nang literal) sa kalungkutan ng bawat nasugatan at napatay." Marahil, ang resulta ng sigaw na ito ay ang kakila-kilabot at nakakagulat na larawan na "The Apotheosis of War".

"Amerikanong Gothic"

Grant Wood. 1930, langis. 74 x 62 cm.

Art Institute ng Chicago, Chicago.

Ang pagpipinta na may madilim na mga imahe ng mag-ama ay umaapaw sa mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at retrogradeness ng mga taong nakalarawan. Galit na mga mukha, mga pitchfork na nasa gitna mismo ng larawan, mga damit na makaluma kahit na sa pamantayan ng 1930, ang mga tahi sa damit ng magsasaka, na inuulit ang hugis ng isang pitchfork, bilang isang simbolo ng isang banta na nakatuon sa lahat na lumusot . Ang canvas ay puno ng mga madilim na detalye na nagpapanginig sa iyo mula sa hindi komportable.

Ang "American Gothic" ay isa sa mga pinakakilalang larawan sa sining ng Amerika noong ika-20 siglo, ang pinakatanyag na arte na meme noong ika-20 at ika-21 na siglo.

Kapansin-pansin, ang mga hukom ng kumpetisyon sa Art Institute ng Chicago ay pinaghihinalaang "Gothic" bilang isang "nakakatawang Valentine", at ang mga residente ng Iowa ay labis na nasaktan kay Wood dahil sa paglalarawan sa kanila sa isang hindi kanais-nais na ilaw.

"Mga nagmamahal"

Rene Magritte. 1928, canvas, langis.

Ang pagpipinta na "Lovers" ("Lovers") ay umiiral sa dalawang bersyon. Sa isang canvas, isang lalaki at isang babae, na ang mga ulo ay nakabalot ng puting tela, ay naghahalikan, at sa isa pa ay "nakatingin" sila sa manonood. Ang larawan ay nakakagulat at nakaka-akit.

Sa dalawang pigura na walang mukha, ipinaabot ni Magritte ang ideya ng pagkabulag ng pag-ibig. Tungkol sa pagkabulag sa bawat kahulugan: ang mga nagmamahal ay walang nakikita, hindi namin nakikita ang kanilang totoong mukha, at bukod sa, ang mga mahilig ay isang misteryo kahit sa bawat isa. Ngunit sa tila linaw na ito, patuloy pa rin kaming tumingin sa mga mahilig sa Magritte at iniisip ang tungkol sa kanila.

Halos lahat ng mga kuwadro na gawa ni Magritte ay mga puzzle na hindi malulutas nang buong buo, dahil nagtataas sila ng mga katanungan tungkol sa pinakadiwa ng pagiging. Magritte sa lahat ng oras ay nagsasalita tungkol sa daya ng nakikita, tungkol sa nakatagong misteryo, na karaniwang hindi natin napapansin.

"Lakad"

Marc Chagall. 1917, canvas, langis.
Estado ng Tretyakov Gallery.

Ang kasaysayan ng mahirap na buhay ng artistang Mexico na si Frida Kahlo ay naging malawak na nakilala pagkatapos na mailabas ang pelikulang "Frida" na pinagbibidahan ni Salma Hayek. Si Kahlo ay nagsulat ng halos sariling mga larawan at inilahad ito nang simple: "Pininturahan ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksang pinakaalam ko."

Hindi isang solong larawan ng sarili ni Frida Kahlo ang nakangiti: isang seryoso, kahit na nakalulungkot na mukha, makapal na febred na kilay, isang hindi gaanong kapansin-pansin na antennae sa mahigpit na naka-compress na labi. Ang mga ideya ng artist ay naka-encrypt sa mga detalye, background, mga figure na lilitaw sa tabi ng imahe ng may-akda sa mga canvases. Ang simbolismo ni Kahlo ay batay sa pambansang tradisyon at malapit na nauugnay sa mitolohiyang India ng panahon bago ang Hispanic.

Sa isa sa kanyang pinakamagagaling na kuwadro na gawa, Ang Dalawang Fridas, ipinahayag niya ang mga prinsipyong panlalaki at pambabae, na pinag-isa sa kanya ng isang solong sistema ng sirkulasyon at pagpapakita ng kanyang integridad.

"Waterloo Bridge. Fog Effect"

Claude Monet. 1899, canvas, langis.
State Hermitage Museum, St. Petersburg.

Maganda ang pamagat. At sino ang mag-aakalang sasabihin sa atin ng gawaing ito ang tungkol sa kakila-kilabot ng mga digmaang sibil.

Ang pagpipinta ay ginawa sa isang sheet ng tanso sa linggo sa pagitan ng Oktubre 15 at 22, 1935. Ayon kay Miro, ito ang resulta ng pagtatangkang ilarawan ang trahedya ng Spanish Civil War, isang larawan ng isang panahon ng kaguluhan. Inilalarawan ng canvas ang mga numero ng isang lalaki at isang babae, na umaabot sa bawat isa sa isang yakap, ngunit sa parehong oras ay hindi gumagalaw. Ang mga pinalawak na ari at hindi magagandang kulay ay inilarawan ng may-akda bilang "puno ng kasuklam-suklam at karima-rimarim na sekswalidad."

"Erosion"

Ang neo-surrealist ng Poland ay kilala sa buong mundo para sa kanyang kamangha-manghang mga kuwadro na nagsasama ng mga katotohanan na lumilikha ng mga bago. Mahirap isaalang-alang ang kanyang labis na detalyadong at sa ilang mga lawak na paisa-isa ang pagpindot sa mga gawa, ngunit ito ang format ng aming materyal. Inirerekumenda namin na pamilyar ka sa iyong sarili.

"Kalabanin mo siya"

Bill Stoneham. 1972.

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra maestra ng pagpipinta sa buong mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan.

May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at mga palad na nakadikit sa baso. Mula sa "dahil sa larawang ito ay namamatay" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagdudulot ng maraming takot at haka-haka sa mga taong may mahinang pag-iisip.

Iginiit ng artist na ang pagpipinta ay naglalarawan ng kanyang sarili sa edad na limang, na ang pintuan ay isang representasyon ng paghahati ng linya sa pagitan ng totoong mundo at ng mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang bata sa buong mundong ito. Ang mga bisig ay kumakatawan sa mga kahaliling buhay o posibilidad.

Ang pagpipinta ay sumikat noong Pebrero 2000 nang ibenta ito sa eBay na may backstory na ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" ​​ay binili sa halagang $ 1025 ni Kim Smith, na noon ay simpleng binubuhusan ng mga liham na may kakila-kilabot na mga kwento at hinihiling na sunugin ang larawan.