Keskiajan maallinen musiikkikulttuuri. Vanha musiikki ja keskiaika
keskiaikaisia muusikoita. 1200-luvun käsikirjoitus Keskiajan musiikki Musiikkikulttuurin kehityskausi, joka kattaa ajanjakson noin 400-luvulta 1300-luvulle jKr... Wikipedia
Sisältää erilaisia eläviä ja historiallisia folk-, populaari-, pop- ja klassisen musiikin genrejä. Intialainen klassinen musiikki, jota edustavat karnatakan ja hindustanilaiset perinteet, juontaa juurensa Sama Vedasta ja sitä kuvataan monimutkaisena ja monipuolisena ... Wikipedia
Montmartren muusikkoryhmä Ranskalainen musiikki on yksi mielenkiintoisimmista ja vaikutusvaltaisimmista eurooppalaisista musiikkikulttuureista, joka on saanut alkunsa ... Wikipedia
Sisältö 1 Kansanmusiikki 2 Klassinen musiikki, ooppera ja baletti 3 Suosittu musiikki ... Wikipedia
Tämä artikkeli käsittelee musiikkityyliä. Filosofisten näkemysten ryhmä on New Age -artikkelissa. Katso myös luokka: New Age -musiikki New Age (new age) Suunta: Elektroninen musiikki Alkuperä: Jazz, Etninen, Minimalismi, Klassinen Musiikki, Konkreettinen musiikki ... Wikipedia
I Musiikki (kreikan sanasta musike, kirjaimellisesti muusien taide) on taiteen muoto, joka heijastaa todellisuutta ja vaikuttaa ihmiseen merkityksellisten ja erityisesti organisoitujen äänisarjojen kautta, jotka koostuvat pääasiassa sävelistä ... ... Suuri Neuvostoliiton tietosanakirja
- (kreikaksi moysikn, sanasta mousa muse) eräänlainen puku, joka heijastaa todellisuutta ja vaikuttaa ihmiseen mielekkäiden ja erityisesti korkeudeltaan ja ajallisesti järjestettyjen äänisarjojen kautta, jotka koostuvat pääasiassa sävelistä ... ... Musiikki Encyclopedia
Sarja artikkeleita kroaateista ... Wikipedia
Belgialainen musiikki on saanut alkunsa maan pohjoisosassa asuneiden flaamilaisten musiikillisista perinteistä ja etelässä asuneiden vallonien perinteistä, jotka saivat vaikutteita ranskalaisista perinteistä. Belgialaisen musiikin muodostuminen eteni monimutkaisessa historiallisessa ... ... Wikipediassa
Kirjat
- Kuvitettu taiteen historia. Arkkitehtuuri, veistos, maalaus, musiikki, Lyubke V. Elinikäinen painos. Pietari, 1884. A. S. Suvorinin painos. Painos, jossa on 134 piirustusta. Omistajan sidonta, jossa nahkainen selkä ja kulmat. Sidos selkä. Turvallisuus on hyvä.…
- Kuvitettu taiteen historia. Arkkitehtuuri, kuvanveisto, maalaus, musiikki (kouluille, itseopiskelu ja tiedotus), Lübke. Life painos. Pietari, 1884. A. S. Suvorinin painos. Kirja, jossa on 134 piirustusta. Typografinen kansi. Turvallisuus on hyvä. Kannessa pieniä repeytymiä. Runsaasti kuvitettu…
Keskiajalla Euroopassa uudenlainen musiikkikulttuuri on syntymässä - feodaalinen joka yhdistää ammattitaidetta, amatöörimusiikkia ja kansanperinne. Kirkosta lähtien hallitsee kaikilla henkisen elämän osa-alueilla, ammattimusiikkitaiteen perusta on muusikoiden toiminta temppeleitä ja luostareita . Maallista ammattitaidetta edustivat alun perin vain laulajat, jotka loivat ja esittivät eeppisiä tarinoita hovissa, aatelisten taloissa, sotureiden keskuudessa jne. ( bardit, skaldit jne.). Ajan myötä amatööri- ja puoliammattimaiset musiikinteon muodot kehittyvät. ritarillisuus: Ranskassa - trubaduurien ja trouveurien taide (Adam de la Halle, XIII vuosisata), Saksassa - minnesingerit ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, XII - XIII vuosisatoja ), sekä kaupungeissa käsityöläiset. Feodaalilinnoissa ja kaupungeissa viljellään kaikenlaisia sukuja, laulujen genret ja muodot (eepos, "dawn", rondo, le, virele, balladit, kanzonit, laudat jne.).
Elämään tulee uusia ihmisiäSoittimetmukaan lukien ne, jotka tulivat Itä (alttoviulu, luuttu jne.), syntyy yhtyeitä (epävakaita sävellyksiä). Folklore kukoistaa talonpoikien keskuudessa. On myös "kansan ammattilaisia": tarinankertojat , liikkuvat synteettiset taiteilijat ( jonglöörit, miimit, minstrelit, shpilmanit, ihailijat ). Musiikki suorittaa jälleen pääosin sovellettavia ja henkis-käytännöllisiä tehtäviä. Luovuus toimii yhdessäesitys(yleensä yhdessä henkilössä).
Ja musiikin sisällössä ja muodossaan hallitsee kollektiivisuus ; yksilöllinen alku tottelee yleistä erottumatta siitä (muusikko-mestari on paras edustaja yhteisöjä ). Tiukka valta kaikessa perinne ja kanonisuus . Yhdistäminen, säilyttäminen ja levittäminen perinteitä ja standardeja.
Vähitellen, vaikkakin hitaasti, musiikin sisältö, sen genrejä, muotoja , ilmaisukeinoja. SISÄÄN Länsi-Eurooppa 6.-7. vuosisadalta . tiukasti säännelty järjestelmä yksiääninen (monodinen ) kirkkomusiikkiin perustuva diatoniset tilat ( Gregoriaaninen laulu), yhdistäen lausunnon (psalmodiatit) ja laulamisen (hymnit ). 1. ja 2. vuosituhannen vaihteessa, moniäänisyys . Uusi laulu (kuoro ) ja laulu-instrumentaali (kuoro ja urkujen) genret: organum, motetti, johtaminen, sitten messu. Ranska 1100-luvulla ensimmäinen säveltäjä (luova) koulu klo Notre Damen katedraali(Leonin, Perotin). Renessanssin vaihteessa (ars nova -tyyli Ranskassa ja Italiassa, XIV vuosisata) v ammattimusiikkiamonofonia pakotetaan pois moniäänisyys , musiikki alkaa vähitellen vapautua puhtaasti käytännöllisistä toiminnoista (kirkon palvelemisesta riittejä ), se lisää arvoa maallinen genrejä, mukaan lukien laulu Guillaume de Machaux).
Renessanssi.
Musiikkia XV-XVII vuosisatojen aikana.Keskiajalla musiikki oli kirkon etuoikeus, joten useimmat musiikkiteokset olivat pyhiä, ne perustuivat kirkon hymnit(gregoriaaninen laulu), jotka ovat olleet osa uskontunnustusta kristinuskon alusta lähtien. 1600-luvun alussa vihdoin kanonisoitiin kulttimelodiat, joissa paavi Gregorius I osallistui suoraan. Gregoriaanista laulua esittivät ammattilaulajat. Kirkkomusiikin hallittua polyfonian gregoriaaninen laulu pysyi moniäänisten kulttiteosten (messut, motettit jne.) temaattisena perustana.
Keskiaikaa seurasi renessanssi, joka oli muusikoille löytöjen, innovaatioiden ja tutkimusten aikakautta, elämän kaikkien kulttuuristen ja tieteellisten ilmaisukerrosten renessanssia musiikista ja maalauksesta tähtitiedettä ja matematiikkaa.
Vaikka musiikki säilyi suurelta osin uskonnollisena, kirkon yhteiskunnan hallinnan heikkeneminen avasi säveltäjille ja esiintyjille enemmän vapautta näyttää kykyjään.
Painokoneen keksimisen myötä nuottien painaminen ja levittäminen tuli mahdolliseksi, ja siitä hetkestä alkaa se, mitä kutsumme klassiseksi musiikiksi.
Tänä aikana ilmestyi uusia soittimia. Suosituimmat olivat soittimet, joilla musiikin ystävät pystyivät soittamaan helposti ja yksinkertaisesti, ilman erityisiä taitoja.
Juuri tähän aikaan ilmestyi alttoviulu, viulun edeltäjä. Nauhat (puunauhat otelaudan poikki) tekivät soittamisesta helppoa, ja ääni oli hiljainen, lempeä ja soi hyvin pienissä paikoissa.
Myös puhallinsoittimet olivat suosittuja - nokkahuilu, huilu ja käyrätorvi. Monimutkaisin musiikki on kirjoitettu äskettäin luodulle cembalolle, virginaalille (englantilainen cembalo, ominaista pieni koko) ja urkuille. Samalla muusikot eivät unohtaneet säveltää yksinkertaisempaa musiikkia, joka ei vaatinut korkeaa esiintymistaitoa. Samaan aikaan musiikillisessa kirjoittamisessa tapahtui muutoksia: raskaat puiset painopalikat korvattiin italialaisen Ottaviano Petruccin keksimillä liikkuvilla metallikirjaimilla. Julkaistut musiikkiteokset myytiin nopeasti loppuun, ja yhä useammat ihmiset alkoivat liittyä musiikkiin.
Renessanssin loppua leimasi vuoden tärkein tapahtuma musiikin historiaa- oopperan synty. Ryhmä humanisteja, muusikoita ja runoilijoita kokoontui Firenzeen johtajansa kreivi Giovanni De Bardin (1534 - 1612) suojeluksessa. Ryhmän nimi oli "kamerata", sen pääjäseniä olivat Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (tähtitieteilijä Galileo Galilein isä), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri ja Ottavio Rinuccini nuorempana.
Ensimmäinen dokumentoitu ryhmän kokous pidettiin vuonna 1573, ja aktiivisimmat työvuodet "Florentine Camerata "olivat 1577 - 1582. He uskoivat musiikin "pilaantuneen" ja pyrkivät palaamaan muinaisen Kreikan muotoon ja tyyliin uskoen, että musiikin taitoa voitaisiin parantaa ja siten myös yhteiskuntaa parantuisi. Camerata kritisoi olemassa olevaa musiikkia liiallinen polyfonian käyttö tekstin ymmärrettävyyden ja teoksen runollisen osan menettämisen kustannuksella ja ehdotti uuden musiikkityylin luomista, jossa monodista tekstiä säestää instrumentaalimusiikki. Heidän kokeilunsa johtivat luomiseen. uudesta laulu-musikaalisesta muodosta - resitatiivista, jota käytti ensin Emilio de Cavalieri ja joka myöhemmin liittyi suoraan oopperan kehitykseen.
Ensimmäinen virallisesti tunnustettuooppera , modernia standardia vastaava ooppera "Daphne" (Daphne), joka esitettiin ensimmäisen kerran vuonna 1598. "Daphnen" kirjoittajat olivat Jacopo Peri ja Jacopo Corsi, libretto Ottavio Rinuccini. Tämä ooppera ei ole säilynyt. Ensimmäinen säilynyt ooppera on samojen kirjoittajien "Eurydice" (1600). Jacopo Peri ja Ottavio Rinuccini. Tämä luova liitto loi edelleen monia teoksia, joista suurin osa on kadonnut.
Varhainen barokkimusiikki (1600-1654)
Ehdollisena siirtymäkohtana barokin ja renessanssin aikakausien välillä voidaan pitää italialaisen säveltäjän Claudio Monteverdin (1567-1643) resitatiivityylinsä luomista ja johdonmukaista kehitystä. italialainen ooppera. Oopperaesitysten alkaminen Roomassa ja erityisesti Venetsiassa merkitsi jo uuden genren tunnustamista ja leviämistä koko maahan. Kaikki tämä oli vain osa laajempaa prosessia, joka vallitsi kaikki taiteet ja ilmeni erityisen selvästi arkkitehtuurissa ja maalauksessa.Renessanssin säveltäjät kiinnittivät huomiota musiikkiteoksen kunkin osan viimeistelyyn, kiinnittäen vain vähän tai ei ollenkaan huomiota näiden osien rinnakkain. Yksittäin jokainen osa saattoi kuulostaa erinomaiselta, mutta lisäyksen harmoninen tulos oli enemmän sattuman kuin säännöllisyyden kysymys. Figuuribasson ulkonäkö osoitti merkittävää muutosta musiikillisessa ajattelussa - nimittäin harmonia, joka on "osien yhdistäminen yhdeksi kokonaisuudeksi", on yhtä tärkeä kuin melodiset osat (polyfonia) itse. Yhä enemmän polyfonia ja harmonia näyttivät saman eufonisen musiikin säveltämisen idean kahdelta puolelta: harmonisia sekvenssejä säveltäessä dissonanssia luotaessa kiinnitettiin yhtä paljon huomiota tritoneihin. Harmoninen ajattelu oli olemassa myös joidenkin edellisen aikakauden säveltäjien, esimerkiksi Carlo Gesualdon, keskuudessa, mutta barokin aikakaudella se hyväksyttiin yleisesti.
Ne teosten osat, joissa modaliteettia ja tonaliteettia ei voida selvästi erottaa, hän merkitsi seka-duuriksi tai seka-molliksi (myöhemmin hän otti näille käsitteille käyttöön termit "monaaliduuri" ja "monaali-molli"). Taulukosta näkyy, kuinka tonaalinen harmonia jo varhaisbarokkikaudella melkein syrjäyttää edellisen aikakauden harmonian.
Italiasta tulee uuden tyylin keskus. Paavikunta, vaikka olikin uskonpuhdistuksen vastaisen taistelun vangittuna, mutta jolla oli kuitenkin valtavat taloudelliset resurssit, joita täydennettiin Habsburgien sotilaskampanjoilla, etsi mahdollisuuksia levittää katolista uskoa laajentamalla kulttuurista vaikutusvaltaa. Arkkitehtuurin, kuvataiteen ja musiikin loistolla, loistolla ja monimutkaisuudella katolilaisuus ikään kuin väitteli askeettisen protestantismin kanssa. Varakkaat Italian tasavallat ja ruhtinaskunnat kilpailivat kiivaasti myös kuvataiteessa. Yksi tärkeimmistä musiikkitaiteen keskuksista oli Venetsia, joka oli tuolloin sekä maallisen että kirkon suojeluksessa.
Merkittävä varhaisen barokin kauden hahmo, jonka asema oli katolilaisuuden puolella protestantismin kasvavaa ideologista, kulttuurista ja sosiaalista vaikutusta vastustaen, oli Giovanni Gabrieli. Hänen teoksensa kuuluvat "korkean renessanssin" (renessanssin kukoistusajan) tyyliin. Jotkut hänen innovaatioistaan instrumentoinnin alalla (tiettyjen tehtävien antaminen tietylle instrumentille) osoittavat kuitenkin selvästi, että hän oli yksi niistä säveltäjistä, jotka vaikuttivat uuden tyylin syntymiseen.
Yksi kirkon pyhän musiikin sävellykselle asettamista vaatimuksista oli, että lauluteosten tekstit olivat luettavissa. Tämä vaati siirtymistä pois polyfoniasta kohti musiikillisia tekniikoita, joissa sanat nousivat etusijalle. Laulu muuttui säestykseen verrattuna monimutkaisemmaksi, koristeelliseksi. Näin homofonia kehittyi.
Monteverde Claudio(1567-1643), italialainen säveltäjä. Mikään ei houkutellut häntä niin paljon kuin ihmisen sisäisen, henkisen maailman paljastaminen sen dramaattisissa törmäyksissä ja konflikteissa ulkomaailman kanssa. Monteverdi on traagisen suunnitelman konfliktidramaturgian todellinen perustaja. Hän on todellinen ihmissielujen laulaja. Hän tavoitteli sinnikkäästi musiikin luonnollista ilmaisukykyä. "Ihmispuhe on harmonian emäntä, ei sen palvelija."
"Orpheus" (1607) - Oopperan musiikki keskittyy traagisen sankarin sisäisen maailman paljastamiseen. Hänen osansa on poikkeuksellisen monipuolinen, siinä sulautuvat erilaiset tunne- ja ilmaisuvirrat ja genrelinjat. Hän huutaa innokkaasti kotimetsilleen ja rannikoilleen tai suree Eurydicensa menetystä taiteettomissa kansanlauluissa.
Kypsän barokin musiikki (1654-1707)
Ylimmän vallan keskittämisen aikaa Euroopassa kutsutaan usein absolutismiksi. Absolutismi saavutti huippunsa Ranskan kuninkaan Ludvig XIV:n aikana. Louisin hovi oli esikuva koko Euroopalle. Mukaan lukien hovissa esitettävä musiikki. Soittimien (erityisesti koskettimien) lisääntynyt saatavuus antoi sysäyksen kamarimusiikin kehitykselle.Kypsä barokki eroaa varhaisbarokista uuden tyylin läsnäololla ja musiikin muotojen lisääntyneellä erottelulla, erityisesti oopperassa. Kuten kirjallisuudessa, musiikkiteosten suoratoistotulostuksen tulo johti yleisön laajentumiseen; vaihto musiikkikulttuurin keskusten välillä kiihtyi.
Ludvig XIV:n hovin hovisäveltäjien erinomainen edustaja oli Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Jo 21-vuotiaana hän sai tittelin "instrumentaalimusiikin hovisäveltäjäksi". Lullyn luova työ liittyi alusta alkaen läheisesti teatteriin. Hovikamarimusiikin järjestämisen ja "airs de courin" sävellyksen jälkeen hän alkoi kirjoittaa balettimusiikkia. Ludvig XIV itse tanssi baletteissa, jotka olivat tuolloin hoviaatelisten suosikkiviihdettä. Lully oli erinomainen tanssija. Hän sattui osallistumaan tuotantoihin, tanssimaan kuninkaan kanssa. Hänet tunnetaan yhteistyöstään Molièren kanssa, jonka näytelmiin hän sävelsi musiikkia. Mutta tärkein asia Lullyn työssä oli silti oopperoiden kirjoittaminen. Yllättäen Lully loi täydellisen tyypin ranskalainen ooppera; ns. lyyrinen tragedia Ranskassa (fr. tragedie lyrique) ja saavutti kiistattoman luovan kypsyyden oopperatalotyönsä ensimmäisinä vuosina. Lully käytti usein kontrastia orkesteriosan majesteettisen äänen ja yksinkertaisten resitatiivien ja aarioiden välillä. musiikillinen kieli Lully ei ole kovin monimutkainen, mutta varmasti uusi: harmonian selkeys, rytminen energia, muodon artikuloinnin selkeys, tekstuurin puhtaus puhuvat homofonisen ajattelun periaatteiden voitosta. Hänen menestystään auttoi suurelta osin myös hänen kykynsä valita muusikoita orkesterille ja työskentely heidän kanssaan (hän johti itse harjoituksia). Olennainen osa hänen työtään oli huomio harmoniaan ja soolosoittimeen.
Englannissa kypsää barokkia leimasi Henry Purcellin (1659-1695) loistava nero. Hän kuoli nuorena, 36-vuotiaana, kirjoittaen suuren määrän teoksia ja tullessaan laajalti tunnetuksi elämänsä aikana. Purcell tunsi Corellin ja muiden italialaisten barokkisäveltäjien teokset. Hänen suojelijansa ja asiakkaansa olivat kuitenkin erityyppisiä ihmisiä kuin italialainen ja ranskalainen maallinen ja kirkollinen aatelisto, joten Purcellin kirjoitukset eroavat suuresti italialaisesta koulukunnasta. Purcell työskenteli monenlaisissa genreissä; yksinkertaisista uskonnollisista hymneistä marssimusiikkiin, suurimuotoisista laulusävellyksistä lavastettuun musiikkiin. Hänen luettelonsa sisältää yli 800 teosta. Purcellista tuli yksi ensimmäisistä kosketinsäveltäjistä, jonka vaikutus ulottuu nykypäivään.
Toisin kuin yllä mainitut säveltäjät, Dietrich Buxtehude (1637-1707) ei ollut hovisäveltäjä. Buxtehude työskenteli urkurina ensin Helsingborgissa (1657-1658), sitten Elsinoressa (1660-1668) ja sitten vuodesta 1668 St. Mary Lyypeckissä. Hän ei ansainnut rahaa julkaisemalla teoksiaan, vaan esittämällä niitä, ja hän mieluummin sävelsi musiikkia kuin kirkkotekstejä ja esitti omia urkuteoksiaan aatelisten holhouksen sijaan. Valitettavasti kaikkia tämän säveltäjän teoksia ei ole säilytetty. Buxtehuden musiikki rakentuu pitkälti ideoiden, rikkauden ja mielikuvituksen vapauden mittakaavalle, taipumukseen patokseen, dramaattisuuteen ja hieman oratoriseen intonaatioon. Hänen työllään oli vahva vaikutus säveltäjiin, kuten J. S. Bachiin ja Telemanniin.
Myöhäinen barokkimusiikki (1707-1760)
Tarkka raja kypsän ja myöhäisen barokin välillä on keskustelunaihe; se on jossain vuosien 1680 ja 1720 välillä. Suurin osa sen määritelmän monimutkaisuudesta johtuu siitä, että eri maissa tyylit muuttuivat epätahtisina; Jo yhdessä paikassa sääntönä hyväksytyt innovaatiot olivat toisessa uusia löytöjäEdellisen ajanjakson löytämät muodot ovat saavuttaneet kypsyyden ja suuren vaihtelun; konsertolla, sarjalla, sonaatilla, concerto grossolla, oratoriolla, oopperalla ja baletilla ei enää ollut teräviä kansallisia piirteitä. Yleisesti hyväksyttyjä teoskaavioita on vakiinnutettu kaikkialla: toistuva kaksiosainen muoto (AABB), yksinkertainen kolmiosainen muoto (ABC) ja rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Italialainen säveltäjä, syntynyt Venetsiassa. Vuonna 1703 hän sai katolisen papin arvoarvon. Näihin, tuolloin vielä kehittyneisiin instrumentaalilajeihin (barokkisonaatti ja barokkikonsertto), Vivaldi antoi merkittävimmän panoksensa. Vivaldi sävelsi yli 500 konserttoa. Hän antoi myös ohjelmalliset nimet joillekin teoksilleen, kuten kuuluisalle The Four Seasonsille.
Domenico Scarlatti (1685-1757) oli yksi aikansa johtavista kosketinsäveltäjistä ja esiintyjistä. Mutta ehkä tunnetuin hovisäveltäjä oli Georg Friedrich Händel (1685-1759). Hän syntyi Saksassa, opiskeli kolme vuotta Italiassa, mutta lähti Lontoosta vuonna 1711, missä hän aloitti loistavan ja kaupallisesti menestyksekkään uransa itsenäisenä oopperasäveltäjänä esittäen tilauksia aatelistolle. Väsymättömällä energialla varustettu Händel muokkasi muiden säveltäjien materiaalia ja työsteli jatkuvasti omia sävellyksiään. Hänet tunnetaan esimerkiksi siitä, että hän on työstänyt kuuluisaa oratoriota "Messias" niin monta kertaa, että nyt ei ole olemassa versiota, jota voitaisiin kutsua "aitoiseksi".
Hänen kuolemansa jälkeen hänet tunnustettiin johtavaksi eurooppalaiseksi säveltäjäksi, ja klassisen aikakauden muusikot opiskelivat häntä. Händel sekoitti musiikissaan improvisaation ja kontrapointin rikkaat perinteet. Musiikkikoristeiden taide saavutti hänen teoksissaan erittäin korkean kehitystason. Hän matkusti ympäri Eurooppaa opiskellakseen muiden säveltäjien musiikkia, ja siksi hänellä oli erittäin laaja tuttavuus muiden tyylien säveltäjien keskuudessa.
Johann Sebastian Bach Syntynyt 21. maaliskuuta 1685 Eisenachissa, Saksassa. Hän sävelsi elämänsä aikana yli 1000 teosta eri genreissä oopperaa lukuun ottamatta. Mutta elämänsä aikana hän ei saavuttanut merkittävää menestystä. Muuttaen monta kertaa, Bach vaihtoi ei liian korkeaa asemaa toisensa jälkeen: Weimarissa hän oli hovimuusikkona Weimarin herttua Johann Ernstin luona, sitten hänestä tuli urkujen huoltaja Pyhän Tapanin kirkossa. Bonifatius Arnstadtissa, muutamaa vuotta myöhemmin hyväksyi urkurin viran Pyhän Tapanin kirkossa. Vlasia Mühlhausenissa, jossa hän työskenteli vain noin vuoden, minkä jälkeen hän palasi Weimariin, missä hän toimi hoviurkurina ja konserttien järjestäjänä. Hän hoiti tätä tehtävää yhdeksän vuotta. Vuonna 1717 Anhalt-Köthenin herttua Leopold palkkasi Bachin Kapellmeisteriksi, ja Bach alkoi asua ja työskennellä Köthenissä. Vuonna 1723 Bach muutti Leipzigiin, missä hän asui kuolemaansa asti vuonna 1750. Hänen elämänsä viimeisinä vuosina ja Bachin kuoleman jälkeen hänen maineensa säveltäjänä alkoi laskea: hänen tyyliään pidettiin vanhanaikaisena nousevaan klassismiin verrattuna. Hänet tunnettiin ja muistettiin enemmän esiintyjänä, opettajana ja Bachs Jr:n, ensisijaisesti Carl Philipp Emmanuelin, isänä, jonka musiikki oli kuuluisampaa.
Ainoastaan Mendelssohnin Matteuksen Passion-esitys 79 vuotta J.S. Bachin kuoleman jälkeen herätti kiinnostuksen hänen työhönsä. Nyt J.S. Bach on yksi suosituimmista säveltäjistä
Klassismi
Klassismi - tyyli ja suunta taiteessa XVII - alku XIX vuosisadat
Tämä sana tulee latinan sanasta classicus - esimerkillinen. Klassismi perustui uskoon olemisen rationaalisuuteen, siihen, että ihmisluonto on harmoninen. He näkivät ihanteensa klassikoista muinaisessa taiteessa, jota pidettiin täydellisyyden korkeimpana muotona.
1700-luvulla alkaa uusi vaihe sosiaalisen tietoisuuden kehityksessä - valaistumisen aika. Vanha yhteiskuntajärjestys tuhotaan; ajatukset ihmisarvon, vapauden ja onnen kunnioittamisesta ovat ensiarvoisen tärkeitä; yksilö saavuttaa itsenäisyyden ja kypsyyden, käyttää mieltään ja kriittinen ajattelu. Barokkiajan ihanteet loistoineen, suurenmoisine puheineen ja juhlallisuuksineen korvautuvat uudella, luonnollisuuteen ja yksinkertaisuuteen perustuvalla elämäntavalla. On aika Jean-Jacques Rousseaun idealistisille näkemyksille, jotka vaativat paluuta luontoon, luonnolliseen hyveeseen ja vapauteen. Luonnon ohella antiikin ideaalisoidaan, koska uskottiin, että antiikin aikana ihmiset onnistuivat ilmentämään kaikki ihmisten pyrkimykset. Muinaista taidetta kutsutaan klassiseksi, se tunnustetaan esimerkilliseksi, totuudenmukaisimmaksi, täydellisimmäksi, harmonisimmaksi ja toisin kuin barokin aikakauden taide, sitä pidetään yksinkertaisena ja ymmärrettävänä. Huomion keskipisteessä muiden tärkeiden näkökohtien ohella ovat koulutus, tavallisten ihmisten asema yhteiskuntarakenteessa, nerokkuus ihmisen ominaisuutena.
Järki hallitsee myös taidetta. Halutessaan korostaa taiteen korkeaa tarkoitusta, sen sosiaalista ja kansalaisroolia ranskalainen filosofi ja kouluttaja Denis Diderot kirjoitti: "Jokaisen veistos- tai maalausteoksen tulee ilmaista jotain suurta elämän sääntöä, opettaa."
Teatteri oli samalla elämän oppikirja ja itse elämä. Lisäksi teatterissa toiminta on erittäin määrättyä, mitattua; se on jaettu näytöksiin ja kohtauksiin, jotka puolestaan jakautuvat erillisiksi hahmojen jäljennöksiksi luoden 1700-luvulle niin rakkaan taiteen ihanteen, jossa kaikki on paikallaan ja loogisten lakien alainen.
Klassismin musiikki on äärimmäisen teatraalista, se näyttää kopioivan ja matkivan teatterin taidetta.
Klassisen sonaatin ja sinfonian jakaminen suuriin osiin - osiin, joissa jokaisessa on monia musiikillisia "tapahtumia", on kuin näytelmän jakamista toimiin ja kohtauksiin.
Klassisen aikakauden musiikissa implikoidaan usein juoni, tietty toiminta, joka avautuu yleisön edessä samalla tavalla kuin teatteritoiminta avautuu yleisön edessä.
Kuuntelijan tarvitsee vain käynnistää mielikuvitus ja tunnistaa hahmot "musiikkivaatteissa" klassinen komedia tai tragedia.
Teatterin taide auttaa selittämään 1700-luvulla tapahtuneita suuria muutoksia musiikin esittämisessä. Aikaisemmin pääasiallinen paikka, jossa musiikki soi, oli temppeli: siinä ihminen oli alhaalla, valtavassa tilassa, jossa musiikki näytti auttavan häntä katsomaan ylös ja omistamaan ajatuksensa Jumalalle. Nyt, 1700-luvulla, musiikkia kuullaan aristokraattisessa salongissa, aatelistilan juhlasalissa tai kaupungin aukiolla. Valaistumisen aikakauden kuuntelija näyttää kohtelevan musiikkia "sinulle" eikä enää koe sitä iloa ja arkuutta, jonka hän inspiroi häneen soitessaan temppelissä.
Urkujen voimakas, juhlallinen ääni ei ole enää musiikissa, kuoron rooli on vähentynyt. Klassisen tyylin musiikki kuulostaa kevyeltä, siinä on paljon vähemmän ääniä, ikään kuin se "painottaisi vähemmän" kuin menneen ajan raskas, kerroksellinen musiikki. Urkujen ja kuoron ääni korvattiin sinfoniaorkesterin äänellä; ylevät aariat väistyivät kevyelle, rytmikkäälle ja tanssimusiikille.
Rajattoman uskon ihmismielen mahdollisuuksiin ja tiedon voimaan ansiosta 1700-lukua alettiin kutsua järjen tai valaistumisen aikakaudeksi.
Klassismin kukoistus tulee 1700-luvun 80-luvulle. Vuonna 1781 J. Haydn loi useita innovatiivisia teoksia, mukaan lukien jousikvartetto op. 33; V.A.:n oopperan ensi-ilta Mozartin "Seraglion sieppaus"; F. Schillerin draama "Ryövärit" ja I. Kantin "Puhtaan järjen kritiikki" julkaistaan.
Klassisen ajan kirkkaimmat edustajat ovat Wienin klassisen koulukunnan säveltäjät Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart ja Ludwig van Beethoven. Heidän taiteensa ilahduttaa sävellystekniikan täydellisyyttä, luovuuden humanistista suuntaa ja erityisesti W. A. Mozartin musiikissa näkyvää halua esittää täydellistä kauneutta musiikin avulla.
Wienin klassisen koulukunnan käsite syntyi pian L. Beethovenin kuoleman jälkeen. Klassiselle taiteelle on ominaista herkkä tasapaino tunteiden ja järjen, muodon ja sisällön välillä. Renessanssin musiikki heijasteli aikakauden henkeä ja henkeä; barokin aikakaudella ihmistiloista tuli pohdintaa musiikissa; klassismin aikakauden musiikki laulaa ihmisen toimista ja teoista, hänen kokemistaan tunteista ja tunteista, tarkkaavaisesta ja kokonaisvaltaisesta ihmismielestä.
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Saksalainen säveltäjä, jota pidetään usein kaikkien aikojen suurimpana säveltäjänä.
Hänen työnsä liitetään sekä klassismiin että romantiikkaan.
Toisin kuin edeltäjänsä Mozart, Beethoven sävelsi vaikeasti. Beethovenin muistikirjat osoittavat, kuinka vähitellen, askel askeleelta, epävarmista luonnoksista syntyy suurenmoinen sommitelma, jota leimaa vakuuttava rakennuslogiikka ja harvinainen kauneus. Logiikka on Beethovenin suuruuden päälähde, hänen vertaansa vailla oleva kyky järjestää vastakkaiset elementit monoliittiseksi kokonaisuudeksi. Beethoven pyyhkii pois perinteiset cesurat muodon osien väliltä, välttää symmetriaa, yhdistää osia syklistä, kehittää temaattisista ja rytmisistä motiiveista laajennettuja rakenteita, jotka eivät ensi silmäyksellä sisällä mitään mielenkiintoista. Toisin sanoen Beethoven luo musiikillista tilaa mielensä voimalla, omasta tahdostaan. Hän ennakoi ja loi niitä taiteellisia suuntauksia, joista tuli ratkaisevia 1800-luvun musiikkitaiteen kannalta.
Romantiikka.
kattaa ehdollisesti 1800-1910
Romanttiset säveltäjät yrittivät ilmaista ihmisen sisäisen maailman syvyyttä ja rikkautta musiikillisten keinojen avulla. Musiikista tulee kohokuvioitumpaa, yksilöllisempää. Laulun genret kehittyvät, mukaan lukien balladi.
Romantismin tärkeimmät edustajat musiikissa ovat: in Itävalta - Franz Schubert
; Saksassa - Ernest Theodor Hoffmann,
Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; sisään
jne.................
Varhaisen keskiajan olosuhteissa koko musiikkikulttuuri on pelkistetty kahteen pää "termiin". Sen yhdellä napasta on kirkon laillistama ammattimainen liturginen musiikki, periaatteessa sama kaikille kristinuskon omaksuneille kansoille (kielen yhtenäisyys on latina, laulun yhtenäisyys on gregoriaaninen laulu). Toisaalta - kirkon vainoama kansanmusiikki useilla paikallisilla kielillä, joka liittyy kansanelämään, vaeltavien muusikoiden toimintaan.
Huolimatta voimien absoluuttisesta eriarvoisuudesta (valtion tuen, aineellisten olosuhteiden jne.) kansanmusiikki kehittyi intensiivisesti ja jopa osittain tunkeutui kirkkoon erilaisten lisäysten muodossa kanonisoituun gregoriaaniseen lauluun. Niiden joukossa esimerkiksi lahjakkaiden muusikoiden luomia troppeja ja sekvenssejä.
polkuja - nämä ovat teksti- ja musiikkilisäyksiä, jotka on lisätty koraalin keskelle. Eräänlainen polku on sarja. Keskiaikainensekvenssejä Nämä ovat monimutkaisten ääntelyjen alatekstejä. Yksi syy niiden esiintymiseen oli merkittävä vaikeus muistaa pitkiä yhdellä vokaalilla laulettuja melodioita. Ajan myötä sekvenssit alkoivat perustua kansanvaraston melodioihin.
Munkki on nimetty ensimmäisten jaksojen tekijöiden joukossa.Notker lempinimeltään Zaika St. Gallenin luostarista (Sveitsissä, lähellä Bodenjärveä). Notker (840-912) olisäveltäjä, runoilija, musiikin teoreetikko, historioitsija, teologi. Hän opetti luostarikoulussa ja oli änkytyksestään huolimatta kuuluisa mahtava opettaja. Sekvensseihinsä Notker käytti osittain tunnettuja melodioita, osittain sävelsi itse.
Trenton kirkolliskokouksen (1545-1563) asetuksella lähes kaikki sekvenssit karkotettiin jumalanpalvelus paitsi neljä. Niistä tunnetuin oli sekvenssiDies irae ("Day of Wrath"), joka kertoo tuomiopäivästä . Myöhemmin viides jakso otettiin katolisen kirkon käyttöön,Stabat materia ("Siellä oli sureva äiti").
Maallisen taiteen henki tuotiin kirkkoelämään jahymnit - henkiset laulut, lähellä kansanlauluja runollisen tekstin pohjalta.
Lopusta XIVuosisatojen ajan uudenlainen ritarikulttuuriin liittyvä luovuus ja musiikin tekeminen on sisällytetty Länsi-Euroopan musiikkielämään. Singers-knights merkitsi pohjimmiltaan maallisen musiikin alkua. Heidän taiteensa oli kosketuksessa kansanmusiikkiperinteen kanssa (kansanlauluintonaatioiden käyttö, yhteistyön harjoittaminen kansanmuusikoiden kanssa). Monissa tapauksissa trubaduurit luultavasti valitsivat teksteihinsä yhteisiä kansansävelmiä.
Keskiajan musiikkikulttuurin suurin saavutus oli ammattieurooppalaisen syntymämoniäänisyys . Sen alku viittaaIXluvulla, jolloin gregoriaanisen laulun yhteisesitys korvattiin joskus kaksiäänisellä. Varhaisin kaksiääninen tyyppi oli rinnakkainenorganum , jossa gregoriaaninen laulu äänitettiin oktaaville, kvartille tai kvintille. Sitten ilmestyi ei-rinnakkaiselin epäsuoralla (kun vain yksi ääni liikkui) ja vastakkaisella liikkeellä. Vähitellen gregoriaanista laulua säestävä ääni muuttui yhä itsenäisemmaksi. Tätä kaksoisäänen tyyliä kutsutaandiskantti (käännöksessä - "pe-nie apart").
Ensimmäistä kertaa tällaisia organumeja alettiin kirjoittaaLeonin , ensimmäinen tunnettu säveltäjä-polyfonisti (XIIvuosisadalla). Hän toimi valtionhoitajana kuuluisassa Notre Damen katedraalissa, jossa kehittyi suuri moniääninen koulu.
Leoninin työ yhdistettiinars antiqua (ars antiqua, mikä tarkoittaa "vanhaa taidetta"). Tämä nimi annettiin kulttipolyfonialleXII- XIIIvuosisatojen muusikot varhainen renessanssi, joka vastusti sitäars nova ("uusi taide").
Alussa XIIIvuosisatoja Leoninin perinne jatkuiperotiini , lempinimen Great mukaan. Hän ei enää säveltänyt kaksiäänistä, vaan 3 x ja 4 x - äänielimet. Perotinin ylääänet muodostavat toisinaan vastakkaisen kaksiäänisen, toisinaan hän käyttää taitavasti jäljitelmää.
Perotinin aikaan muodostui uudenlainen polyfonia -kapellimestari , jonka perustana ei enää ollut gregoriaaninen laulu, vaan suosittu arjen tai vapaasti sävelletty melodia.
Vielä rohkeampi polyfoninen muoto olimotetti - yhdistelmä melodioita eri rytmeillä ja eri teksteillä, usein jopa eri kielillä. Motetti oli ensimmäinen musiikkilaji, joka oli yhtä laajalle levinnyt sekä kirkossa että hovielämässä.
Polyfonian kehittyminen, poikkeaminen tekstin jokaisen tavun samanaikaisesta ääntämisestä kaikilla äänillä (moteteissa), vaati notaatioiden parantamista, kestojen tarkkaa osoittamista. Näkyykuukautismerkintä (latinasta mensura - mitta; kirjaimellisesti - mitattu merkintä), joka mahdollisti sekä äänten korkeuden että suhteellisen keston vahvistamisen.
Samanaikaisesti polyfonian kehittymisen kanssa tapahtui muodostumisprosessimassat - polyfoninen syklinen työ pääjumalanpalveluksen tekstin parissa katolinen kirkko. Messun rituaali muotoutui vuosisatojen ajan. Se sai lopullisen muotonsa vastaXIve-ku. Kokonaisvaltaisena sävellyksenä massa muotoutui vielä myöhemmin, vXIVluvulla, josta tuli renessanssin johtava musiikkityyli.
1100-luvulta taiteessa heijastuu keskiajan estetiikalle ominainen vastakohta, kun pyhä musiikki - "uusi laulu" vastustaa "vanhaa", eli pakanallista musiikkia. Samaan aikaan instrumentaalimusiikkia pidettiin sekä länsimaisessa että idässä kristillisessä perinteessä vähemmän arvokkaana ilmiönä kuin laulaminen.
"Maastrichtin tuntikirja", Maastrichtin riitti. 1300-luvun ensimmäinen neljännes. Hollanti, Liege. British Library. Stowe MS 17, f.160r / Pienoiskuva Maastrichtin aukioloajoista, Alankomaat (Liège), 1300-luvun 1. neljännes, Stowe MS 17, f.160r.
Musiikki on erottamaton lomasta. Matkustavat näyttelijät, ammattiviihdyttäjät ja viihdyttäjät liittyvät lomiin keskiaikaisessa yhteiskunnassa. Tämän käsityön ihmisiä, jotka voittivat kansan rakkauden, kutsuttiin kirjallisissa monumenteissa eri tavalla. Kirkkokirjailijat käyttivät perinteisesti klassisia antiikin roomalaisia nimiä: mime / mimus, pantomim / pantomimus, histrion / histrio. Latinalainen termi joculator hyväksyttiin yleisesti - jokeri, jokeri, jokeri. Viihdyttäjien luokan edustajia kutsuttiin tanssijoiksi / saltatoriksi; jesters /balatro, scurra; muusikot /musiikki. Muusikot erottuivat soittimien tyypeistä: citharista, cymbalista jne. Ranskankielinen nimi "jonglööri" / jongleur oli erityisen laajalle levinnyt; Espanjassa sana "huglar" / junglar vastasi sitä; Saksassa - "spielman" / Spielmann, Venäjällä - "buffoon". Kaikki nämä nimet ovat käytännössä synonyymejä.
Keskiaikaisista muusikoista ja musiikista - lyhyesti ja katkerasti.
2.
Maastricht Book of Hours, BL Stowe MS 17, f.269v
Kuvitukset - XIV vuosisadan ensimmäisen neljänneksen hollantilaisesta käsikirjoituksesta - British Libraryn "Maastricht Book of Hours". Reunareunusten kuvien avulla voit arvioida laitteen Soittimet ja musiikin asemasta elämässä.
1200-luvulta lähtien vaeltavat muusikot ovat pyrkineet yhä enemmän linnoille ja kaupungeille. Yhdessä ritarien ja papiston edustajien kanssa hovin papit ympäröivät kruunattuja suojelijoitaan. Muusikot ja laulajat ovat korvaamattomia osallistujia ritarilinnojen asukkaiden viihteessä, rakastuneiden herrasmiesten ja -naisten kumppaneita.
3.
f.192v
Siellä trumpetit ja pasuunat jylisevät kuin ukkonen,
Ja huilut ja piiput soivat hopealla,
Harppujen ja viulujen ääni seurasi laulua,
Ja laulajat saivat paljon uusia mekkoja innokkaasti.
[Kudruna, 1200-luvun saksalainen eeppinen runo]
4.
f.61v
Teoreettinen ja käytännöllistä musiikkia oli osa ihanteellisen ritarin koulutusohjelmaa, häntä kunnioitettiin jalona, hienostuneena hauskana. He rakastivat erityisesti melodista alttoviulua herkillä sointuillaan ja melodista harppua. Laulusooloa seurasivat viulun ja harpun soitto ammattimaisten jongleereiden lisäksi myös kuuluisilta runoilijoilta ja laulajilta:
"Tristram oli erittäin pätevä oppilas ja pian hallitsi seitsemän suurta taidetta ja monia kieliä. Sitten hän opiskeli seitsemää musiikkityyppiä ja tuli tunnetuksi kuuluisana muusikkona, jolla ei ollut vertaa.
["Tristramin ja Ysondan saaga", 1226]
5.
f.173v
Tristan ja Isolde ovat kaikissa legendan kirjallisissa fiksaatioissa taitavia harpunsoittajia:
Kun hän lauloi, hän soitti
Sitten hän muutti...
Ja jos toinen lauloi - toinen
Hän löi harppua kädellä.
Ja laulaen, täynnä kaipausta,
Ja kielten äänet käden alta
Lähestyi ilmassa ja siellä
He lensivät yhdessä taivaalle.
[Gottfried Strasbourgista. Tristan. 1300-luvun ensimmäinen neljännes]
6.
f.134r
Provencen trubaduurien "elämäkerroista" tiedetään, että jotkut heistä improvisoivat soittimilla ja kutsuttiin sitten "violariksi".
7.
f.46r
Saksan kansan Pyhän Rooman keisari Frederick II Staufen (1194-1250) "soitti eri soittimia ja hänet opetettiin laulamaan"
8.
f.103r
Harpuja, alttoviuluja ja muita soittimia soittivat myös naiset, pääsääntöisesti jonglöörit, toisinaan aatelisten perheiden tytöt ja korkeammatkin henkilöt.
Joten, XII vuosisadan ranskalainen hovirunoilija. lauloi vielist queen: "Kuningatar laulaa suloisesti, hänen laulunsa sulautuu soittimeen. Laulut ovat hyviä, kädet ovat kauniita, ääni on lempeä, äänet ovat hiljaisia.
9.
f.169v
Soittimia vaihdeltiin ja niitä parannettiin vähitellen. Saman perheen toisiinsa liittyvät instrumentit muodostivat monia lajikkeita. Tiukkaa yhdistämistä ei ollut: niiden muodot ja koot riippuivat suurelta osin päällikön toiveesta. Kirjallisissa lähteissä identtisillä soittimilla oli usein eri nimiä tai päinvastoin eri tyypit piilotettiin samojen nimien alle.
Soittimien kuvat eivät liity tekstiin - en ole asiantuntija tässä asiassa.
10.
f.178v
Ryhmä kielisoittimet Se jaettiin jousi-, luuttu- ja harppuperheisiin. Langat tehtiin kierretyistä lampaansuoleista, hevosen hiuksista tai silkkilangoista. 1300-luvulta ne tehtiin yhä enemmän kuparista, teräksestä ja jopa hopeasta.
Jousisoittimet, joiden etuna oli liukuva ääni kaikilla puolisävyillä, soveltuivat parhaiten säestämään ääntä.
1200-luvun pariisilainen musiikin mestari John de Groheo / Grokejo asetti alttoviulun jousien joukossa ensimmäiselle sijalle: se "välittää hienovaraisemmin kaikkia musiikillisia muotoja", myös tanssin.
11.
f.172r
Saksalainen runoilija Ulrich von Eschenbach eepoksessa Wilhelm von Wenden (1290) esitti hovin juhlaa aineen:
Kaikista asioista, joita olen tähän mennessä kuullut,
Arvoinen viela vain kiitosta;
Sitä on kaikkien hyvä kuunnella.
Kun sydämesi on haavoitettu
Sitten tämä vaiva paranee
Äänen lempeästä suloisuudesta.
Musiikki Encyclopedia [M.: Neuvostoliiton tietosanakirja, Neuvostoliiton säveltäjä. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] raportoi, että viela on yksi keskiaikaisten kielten yleisimmistä nimistä jousisoittimet. Ja mitä Ulrich von Eschenbach tarkoitti - en tiedä.
12.
f.219v. Klikkaamalla kuvaa - työkalu on suurempi
14.
f.216v
Keskiajan ihmisten esityksissä instrumentaalimusiikki oli moniselitteistä, sillä oli polaarisia ominaisuuksia ja se herätti suoraan vastakkaisia tunteita.
"Hän saa toiset tyhjään iloon, toiset puhtaaseen hellään iloon ja usein pyhiin kyyneliin" [Petrarch].
15.
f.211v
Uskottiin, että hyvin käyttäytyvä ja hillitty musiikki, joka pehmentää moraalia, tuo sielut jumalalliseen harmoniaan, helpottaa uskon mysteerien ymmärtämistä.
16.
f.236v
Päinvastoin, jännittävät orgiastiset melodiat turmelevat ihmissuvun, johtavat Kristuksen käskyjen rikkomiseen ja lopulliseen tuomioon. Rajoittamattoman musiikin kautta monet paheet tulevat sydämeen.
17.
f.144v
Kirkkohierarkit seurasivat Platonin ja Boethiuksen opetuksia, jotka erottivat selvästi ihanteellisen, ylevän "taivaan harmonian" ja mautonta, säädytöntä musiikkia.
18.
f.58r
Hirviömäiset muusikot, joita on runsaasti goottilaisten käsikirjoitusten aloilla, mukaan lukien Maastricht Book of Hours, ovat histrionien syntisen taidon ruumiillistuma, jotka olivat samanaikaisesti muusikoita, tanssijoita, laulajia, eläinten kouluttajia, tarinankertojia jne. Histrionit julistettiin "Saatanan palvelijoiksi".
19.
f.116r
Groteskit olennot soittavat oikeita tai naurettavia soittimia. Intohimoisen musiikillisten hybridien irrationaalinen maailma on pelottavaa ja naurettavaa samanaikaisesti. "Surrealistiset" pahat henget, jotka käyttävät lukemattomia asuja, valloittavat ja huijaavat petollisella musiikilla.
20.
f.208v
XI vuosisadan alussa. Notker Gubasty, seuraten Aristotelesta ja Boethiusta, osoitti ihmisen kolmea ominaisuutta: järkevä olento, kuolevainen, joka osaa nauraa. Notker piti henkilöä, joka pystyi sekä nauramaan että aiheuttamaan naurua.
21.
f.241r
Juhlapäivinä muun muassa katsojia ja kuuntelijoita viihdyttävät musiikilliset eksentrit, jotka parodioivat ja panivat näin "vakavat" numerot liikkeelle.
Sarjakuvaajien käsissä "maailmassa nurinpäin", jossa tottumussuhteet käännetään ylösalaisin, musiikkiin sopimattomilta näyttävät esineet alkoivat "soilata" soittimina.
22.
f.92v. Kukon päällä soittavan muusikon vaatteiden alta piippaa lohikäärmeen vartalo
Esineiden käyttö heille epätavallisessa roolissa on yksi puhkikomedian menetelmistä.
23.
f.145v
Fantastinen musiikinteko vastasi aukiojuhlien maailmankuvaa, kun tavanomaiset rajat esineiden välillä poistuivat, kaikki muuttui epävakaaksi, suhteelliseksi.
24.
f.105v
XII-XIII vuosisatojen intellektuellien näkemyksissä. ruumiittoman pyhän hengen ja esteettömän iloisuuden välillä vallitsi tietty harmonia. Rauhallinen, valaistunut "hengellinen ilo", lakkaamattoman "riemuitsemisen Kristuksessa" käsky ovat ominaisia Franciscus Assisilaisen seuraajille. Franciscus uskoi, että jatkuva suru ei miellytä Herraa, vaan paholaista. Vanhassa provencelaisessa runoudessa ilo on yksi korkeimmista hovihyveistä. Hänen kulttinsa on syntynyt trubaduurien elämän vahvistavasta maailmankuvasta. "Monisävyisessä kulttuurissa vakavatkin äänet kuulostavat eri tavalla: niihin osuu nauruäänien refleksit, ne menettävät eksklusiivisuutensa ja ainutlaatuisuutensa, niitä täydentää naurunäkökulma."
25.
f.124v
Tarve laillistaa nauru ja vitsit eivät sulkeneet pois taistelua niitä vastaan. Uskon kannattajat leimasivat jonglöörejä "paholaisen yhteisön jäseniksi". Samalla he ymmärsivät, että vaikka jongleeraaminen on surullista kauppaa, mutta koska kaikkien on elettävä, ja se tulee elämään, kunhan säädyllisyyttä noudatetaan.
26.
f.220r
"Musiikilla on mahtava voima ja vaikutus sielun ja ruumiin intohimoihin; tämän mukaisesti erotetaan sävelet tai musiikkimuodot. Jotkut heistä ovat todellakin sellaisia, että ne houkuttelevat mittavuutellaan kuuntelevat rehellistä, moitteetonta, nöyrää ja hurskasta elämää.
[Nikolai Orem. Käsittely ominaisuuksien konfiguraatiosta. XIV vuosisata]
27.
f.249v
"Timpaanit, luutut, harput ja citharat
He olivat kuumia, ja parit kietoutuivat yhteen
Syntisessä tanssissa.
Koko yön peli
Syö ja juo aamuun asti.
Joten he huvittivat mammonaa sian muodossa
Ja he ratsastivat Saatanan temppelissä.
[Chaucer. Canterburyn tarinat]
28.
f.245v
Maalliset melodiat, jotka "kutitellen korvaa ja pettääkseen mielen vievät meidät pois hyvästä" [John Chrysostomos], jota pidetään syntisen ruumiillisuuden tuotteena, paholaisen nerokkaana luomuksena. Heidän korruptoivaa vaikutustaan vastaan on taisteltava ankarin rajoituksin ja kielloin. Helvetin elementtien kaoottinen kaoottinen musiikki on osa maailman "liturgiaa nurinpäin", "epäjumalien palvontaa".
29.
f.209r
Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) todistaa tällaisten näkemysten elinvoimaisuudesta, muistelee Saratovin läänissä sijaitsevan pienen kaupungin Hlynovskin katedraalin arkkipappia.
"Meille, valmistuneille, hän teki retken taiteen kentälle, erityisesti musiikkiin: - Mutta hän soittaa, - ja demonit kiehuvat jalkojesi alla ... Ja jos alat laulaa lauluja, niin demonien hännät tule ulos kurkustasi ja kiipeä ja kiipeä."
30.
f.129r
Ja toisella napalla. Pyhästä Hengestä tuleva korkean ihanteen jännittävä musiikki, sfäärien musiikki, ajateltiin Luojan luoman maailmankaikkeuden epämaisen harmonian ruumiillistukseksi - tästä syystä gregoriaanisen laulun kahdeksan säveltä ja kuvaksi harmonia sisällä kristillinen kirkko. Kohtuullinen ja suhteellinen erilaisten äänien yhdistelmä todisti hyvin järjestetyn Jumalan kaupungin yhtenäisyydestä. Konsonanssien harmoninen harmonia symboloi elementtien, vuodenaikojen jne. hyvin koordinoituja korrelaatioita.
Oikea melodia ilahduttaa ja parantaa henkeä, se on "kutsu ylelliseen elämäntapaan, joka ohjaa hyveelle omistautuneita olemaan sallimatta mitään epämusiikkia, ristiriitaista, epäjohdonmukaista tavoissaan" [Gregorius Nyssalainen, IV vuosisata]
Alaviitteet / Kirjallisuus:
Kudruna / toim. valmis R. V. Frenkel. M., 1983. S. 12.
Legenda Tristanista ja Isooldesta / Toim. valmis A.D. MIKHAILOV M., 1976. S. 223; S.197, 217.
Nibelungien laulu / Per. Yu. B. Korneeva. L., 1972. S. 212. Puutarhoissa ja linnan halleissa soisivat pappilan "suloiset sävelet".
Länsi-Euroopan keskiajan ja renessanssin musiikillinen estetiikka / Comp. V. P. Shestakovin tekstit. M., 1966. S. 242
Struve B. A. Viulujen ja viulujen muodostumisprosessi. M., 1959, s. 48.
CulkeP. Monche, Burger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V.P. kansankulttuuria Keskiaika: maallinen juhlaelämä 800-1500-luvun taiteessa. - M.: Nauka, 1988. S. 217; 218; 223.
Renessanssin estetiikka / Comp. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. S. 28.
Gurevich A. Ya. Keskiaikaisen kansankulttuurin ongelmat. S. 281.
Bahtin M. Verbaalisen luovuuden estetiikka. M., 1979. S. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Hlynovsk. Euklidinen avaruus. Samarkand. L., 1970. S. 41.
Averintsev S. S. Varhaisen Bysantin kirjallisuuden runoutta. M., 1977. S. 24, 25.
Tekstin lähteet:
Darkevich Vladislav Petrovich. Keskiajan IX-XVI vuosisatojen maallinen juhlaelämä. Toinen painos, suurennettu; M.: Kustantaja "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Keskiajan kansankulttuuri: maallinen juhlaelämä 800-1500-luvun taiteessa. - M.: Nauka, 1988.
V. P. Darkevich. Parodiamuusikot goottilaisten käsikirjoitusten miniatyyreissä // " Taiteellinen kieli Keskiaika", M., "Nauka", 1982.
Boethius. Ohjeet musiikkiin (otteita) // "Länsi-Euroopan keskiajan ja renessanssin musiikillinen estetiikka" M .: "Musiikki", 1966
+ linkit tekstin sisällä
Muut merkinnät kuvituksella Maastrichtin tuntikirjasta:
P.S. Marginalia - piirrokset marginaaleissa. Olisi luultavasti tarkempaa kutsua joitain kuvituksia sivun osan miniatyyriksi.
Keskiajan musiikkitaide. Kuvannomainen ja semanttinen sisältö. Persoonallisuudet.
Keskiaika- pitkä ihmiskehitysjakso, joka kattaa yli tuhat vuotta.
Jos käännymme "synkän keskiajan", kuten sitä usein kutsutaan, kuvaannollis-emotionaaliseen ympäristöön, näemme, että se oli täynnä intensiivistä henkistä elämää, luovaa ekstaasia ja totuuden etsintää. Kristillisellä kirkolla on ollut voimakas vaikutus mieliin ja sydämiin. Pyhän Raamatun teemat, juonet ja kuvat ymmärrettiin tarinaksi, joka etenee maailman luomisesta Kristuksen tulemiseen ja viimeisen tuomion päivään. Maallinen elämä nähtiin jatkuvana taisteluna pimeiden ja valoisten voimien välillä, ja tämän taistelun areena oli ihmissielu. Maailmanlopun odotus läpäisi keskiajan asenteen, se värittää tämän ajanjakson taidetta dramaattisilla sävyillä. Näissä olosuhteissa musiikkikulttuuri kehittyi kahdessa voimakkaassa kerroksessa. Toisaalta ammattimainen kirkkomusiikki, joka kävi läpi valtavan kehityspolun läpi koko keskiajan; toisaalta kansanmusiikin luovuus, jota "virallisen" kirkon edustajat vainosivat, ja maallinen musiikki, joka oli olemassa amatöörimusiikkina lähes koko keskiajan ajan. Huolimatta näiden kahden suuntauksen vastakkainasettelusta, ne kokivat molemminpuolista vaikutusta, ja tämän ajanjakson loppuun mennessä maallisen ja kirkkomusiikin vuorovaikutuksen tulokset tulivat erityisen havaittavissa. Emotionaalisen ja semanttisen sisällön puolelta keskiaikaiselle musiikille tyypillisintä on ihanteellisten, henkisten ja didaktisten periaatteiden hallitseminen - sekä maallisissa että kirkollisissa genreissä.
Kristillisen kirkon musiikin emotionaalinen ja semanttinen sisältö oli suunnattu ylistämään jumaluutta, kieltämään maalliset hyödyt kuoleman jälkeisen koston vuoksi, saarnaamaan askeettisuutta. Musiikki keskitti itsessään sen, mikä liittyi "puhtaan" ilmaisuun, vailla mitään "ruumiillista", aineellinen muoto tavoittelemaan ihannetta. Musiikin vaikuttavuutta vahvisti kirkkojen akustiikka, jonka korkeat holvit heijastivat ääntä ja loivat jumalallisen läsnäolon vaikutelman. Musiikin fuusio arkkitehtuuriin oli erityisen voimakas goottilaisen tyylin ilmaantumisen myötä. Siihen mennessä kehittynyt moniääninen musiikki loi huiman, vapaan äänten kohoamisen, toistaen goottilaisen temppelin arkkitehtonisia linjoja, luoden tilan äärettömyyden tunteen. Silmiinpistävimmät esimerkit musiikillisesta gootista loivat Notre Damen katedraalin säveltäjät - mestari Leonin ja mestari Perotin, lempinimeltään Suuri.
Keskiajan musiikkitaide. Genret. Musiikin kielen ominaisuudet.
Maallisten genrejen muodostumista tänä aikana valmisteli kiertävien muusikoiden työ - jonglöörit, minstrelit ja spielmanit jotka olivat laulajia, näyttelijöitä, sirkustaiteilijoita ja instrumentalisteja, yhtyivät yhteen. Myös jonglöörit, spielmanit ja minstrelit liittyivät mukaan kulkurit ja goliaardit- epäonnistuneet opiskelijat ja pakolaiset munkit, jotka toivat lukutaitoa ja tiettyä oppineisuutta "taiteelliseen" ympäristöön. Kansanlauluja kuulosti paitsi kehittyvillä kansallisilla kielillä (ranska, saksa, englanti ja muut), mutta myös latinaksi. Liikkuvilla opiskelijoilla ja tutkijoilla (vaganteilla) oli usein suuri latinankielisen käännöksen taito, mikä antoi erityisen koskettavan heidän syyttävät laulunsa, jotka oli suunnattu maallisia feodaaliherroja ja katolista kirkkoa vastaan. Vähitellen liikkuvat taiteilijat alkoivat muodostaa työpajoja ja asettua kaupunkeihin.
Samaan aikaan esitettiin eräänlainen "älyllinen" kerros - ritarillisuus, jonka joukossa (aselepoaikoina) myös kiinnostus taiteeseen leimahti. Linnat ovat muuttumassa ritarikulttuurin keskuksiksi. Parhaillaan laaditaan ritarillisen käytöksen sääntöjä, jotka edellyttävät "kohteliasta" (puhdistettua, kohteliasta) käytöstä. 1100-luvulla Provencessa taide syntyi feodaalien hovissa trubaduurit, joka oli tyypillinen ilmaus uudelle maalliselle ritarikulttuurille, joka julisti maallisen rakkauden, luonnosta nauttimisen ja maallisten ilojen kulttia. Kuvien suhteen trubaduurien musiikillinen ja runollinen taide tunsi monia muunnelmia, jotka liittyivät pääasiassa rakkauden sanoitukset tai sotilaallisia palveluslauluja, jotka heijastavat vasallin asennetta yliherraansa kohtaan. Usein trubaduurien rakkauslyriikat ottivat feodaalisen palveluksen muodon: laulaja tunnisti itsensä rouvan vasalliksi, joka oli yleensä herransa vaimo. Hän lauloi hänen arvokkuudestaan, kauneudesta ja jaloudesta, ylisti hänen valta-asemaansa ja "vikeri" saavuttamattoman tavoitteen eteen. Tietysti tässä oli paljon konventionaalista, tuon ajan hovietiketin sanelema. Usein ritarillisen palveluksen ehdollisten muotojen takana oli kuitenkin aito tunne, joka ilmaistui elävästi ja vaikuttavasti runollisissa ja musiikillisissa kuvissa. Trubaduurien taide oli aikansa monin tavoin edistynyt. Huomio taiteilijan henkilökohtaiset kokemukset, painopiste sisäinen maailma rakastavalle ja kärsivälle ihmiselle he sanovat, että trubaduurit vastustivat avoimesti keskiajan ideologian askeettisia suuntauksia. Trubaduuri ylistää todellista maallinen rakkaus. Siinä hän näkee "kaikkien siunausten lähteen ja alkuperän".
Trubaduurien runouden vaikutuksesta luovuus kehittyi Trouvers, joka oli demokraattisempi (suurin osa trouvereista tuli kaupunkilaisilta) Täällä kehitettiin samoja teemoja, myös laulujen taiteellinen tyyli oli samanlainen. Saksassa sata vuotta myöhemmin (1200-luvulla) perustettiin koulu minnesingerit, jossa useammin kuin trubaduurien ja trouvereiden keskuudessa kehitettiin moraalisen ja opettavaisen sisällön lauluja, rakkausmotiivit saivat usein uskonnollisen värin ja yhdistettiin Neitsyt Marian kulttiin. Kappaleiden emotionaalinen rakenne erottui suuremmalla vakavuudella ja syvyydellä. Minnesingerit palvelivat suurimmaksi osaksi tuomioistuimissa, joissa he pitivät kilpailunsa. Tunnetaan kuuluisan legendan sankarin, Wolfram von Eschenbachin, Walther von der Vogelweiden ja Tannhäuserin nimet. Tähän legendaan perustuvassa Wagnerin oopperassa keskeinen kohtaus on laulajien kilpailun kohtaus, jossa sankari ylistää yleiseksi suuttumaksi maallisia tunteita ja nautintoja. Wagnerin kirjoittama "Tannhäuserin" libretto on esimerkki upeasta näkemyksestä moraalisia ihanteita, aavemaista rakkautta ylistävän aikakauden maailmankuvaan, joka kamppailee jatkuvassa dramaattisessa taistelussa syntisten intohimojen kanssa.
Kirkkolajit
Gregoriaaninen laulu. Varhaiskristillisessä kirkossa oli monia muunnelmia kirkon lauluista ja latinalaisista teksteistä. Oli tarpeen luoda yksi kulttirituaali ja sitä vastaava liturginen musiikki. Tämä prosessi saatiin päätökseen 6. ja 7. vuosisadan vaihteessa. Paavi Gregorius I. Kirkkomelodiat, valitut, kanonisoidut, jaetut kirkkovuoden sisällä, muodostivat virallisen koodin - antifonian. Siihen sisältyvät kuoromelodiat tulivat katolisen kirkon liturgisen laulun perustaksi, ja niitä kutsuttiin gregoriaaniseksi lauluksi. Sen esitti yhdellä äänellä kuoro tai miesäänien yhtye. Melodian kehittyminen tapahtuu hitaasti ja perustuu alkusävelmän variaatioon. Melodian vapaa rytmi on alisteinen sanojen rytmille. Tekstit ovat latinankielistä proosaa, jonka ääni loi irtautumisen kaikesta maallisesta. Melodinen liike on tasaista, jos pieniä hyppyjä esiintyy, ne kompensoidaan välittömästi vastakkaisella liikkeellä. Gregoriaanisten laulujen melodiat itsessään jakautuvat kolmeen ryhmään: lausunta, jossa tekstin jokainen tavu vastaa yhtä sävelmän ääntä, psalmodi, jossa on sallittua laulaa joitakin tavuja, ja riemu, kun tavut lauletaan monimutkaisin melodisin kaavoin, useimmiten "Alleluia" ("Ylistys Jumalalle"). Suuri merkitys, kuten muissakin taiteen muodoissa, on tilasymboliikalla (tässä tapauksessa "ylhäällä" ja "alhaalla"). Tämän monofonisen laulun koko tyyli, "toisen suunnitelman", "ääniperspektiivin" puuttuminen tuo mieleen keskiaikaisen maalauksen litteän kuvan periaatteen.
Hymni
. Virrenteon kukoistusaika juontaa juurensa 6. vuosisadalle. Hymnit, joille oli ominaista suurempi emotionaalinen välittömyys, kantoivat maallisen taiteen henkeä. Ne perustuivat laulurakenteen melodioihin, lähellä kansanmusiikkia. 500-luvun lopulla heidät erotettiin kirkosta, mutta ne olivat olemassa vuosisatoja ei-liturgisena musiikkina. Heidän paluunsa kirkkoelämään (9. vuosisata) oli eräänlainen myönnytys uskovien maailmallisille tunteille. Toisin kuin koraalit, hymnit perustuivat runollisiin teksteihin ja olivat erityisesti sävellettyjä (eikä lainattuja pyhistä kirjoista). Tämä määräsi sävelten selkeämmän rakenteen sekä suuremman melodian vapauden, joka ei ollut alisteinen jokaiselle tekstin sanalle.
Massa.
Messun rituaali on kehittynyt vuosisatojen aikana. Sen osien järjestys pääpiirteissä määräytyi 800-luvulla, mutta massa sai lopullisen muotonsa vasta 1000-luvulla. Myös hänen musiikin luomisprosessi oli pitkä. Vanhin liturgisen laulun muoto on psalmodi; Se liittyi suoraan itse liturgiseen toimintaan, ja se soi koko jumalanpalveluksen ajan ja sen esittivät papit ja kirkon kuoropojat. Hymnien esittely rikasti messun musiikkityyliä. Rituaalin erillisinä hetkinä soivat hymnimelodiat, jotka ilmaisivat uskovien yhteisiä tunteita. Aluksi niitä lauloivat seurakuntalaiset itse, myöhemmin ammattimainen kirkon kuoro. Hymnien emotionaalinen vaikutus oli niin voimakas, että ne alkoivat vähitellen korvata psalmodian ja ottamaan hallitsevan paikan messun musiikissa. Messun viisi pääosaa (niin sanottu tavallinen) muotoutuivat hymnien muodossa.
I. "Kyrie eleison"("Herra, armahda") - anteeksiannon ja armon pyyntö;
II. Gloria("Glory") - kiitoslaulu luojalle;
III. Uskontunnustus("Uskon") - liturgian keskeinen osa, joka esittää kristillisen opin pääperiaatteet;
IV. "Sanctus"("Pyhä") - juhlallisesti kirkas huudahdus, joka toistetaan kolme kertaa, korvattu tervehdyttävällä huudahduksella "Osanna", joka kehystää keskeisen jakson "Benedictus" ("Autuas se, joka tulee");
V. "Agnus Dei"("Jumalan Karitsa") - toinen armon rukous, joka on osoitettu Kristukselle, joka uhrasi itsensä; viimeinen osa päättyy sanoihin: "Dona nobis pacem" ("Anna meille rauha").
maallisia genrejä
laulumusiikkia
Keskiaikainen musiikillinen ja runollinen taide oli luonteeltaan pääosin amatöörimäistä. Se ehdotti riittävää universalismia: sama henkilö oli sekä säveltäjä että runoilija ja laulaja ja instrumentalisti, koska laulua säesti usein luuttu tai alttoviulu. Erittäin kiinnostavia ovat runolliset sanoitukset, erityisesti esimerkit ritaritaiteesta. Mitä tulee musiikkiin, siihen vaikuttivat gregoriaaniset laulut, vaeltavien muusikoiden musiikki sekä idän kansojen musiikki. Usein esiintyjät, joskus myös trubaduurien laulujen musiikin tekijät, olivat ritarien mukana matkustavia jonglöörejä, jotka seurasivat heidän lauluaan ja toimivat palvelijoina ja avustajina. Tämän yhteistyön ansiosta kansanmusiikin ja ritarillisen luovuuden rajat poistuivat.
Tanssimusiikki
Alue, jolla instrumentaalimusiikin merkitys ilmeni erityisen voimakkaasti, oli tanssimusiikki. 1000-luvun lopusta lähtien on syntynyt useita musiikki- ja tanssilajeja, jotka on suunniteltu yksinomaan soittimilla esiintymiseen. Yksikään sadonkorjuujuhla, yksikään hää tai muu perhejuhla ei ollut täydellinen ilman tanssia. Tansseja esitettiin usein tanssijoiden itsensä laulamiseen tai käyrätorveen, joissakin maissa - orkesterille, joka koostui trumpetista, rummusta, kellosta ja symbaaleista.
lese
ranskalainen kansantanssi. Keskiajalla se oli suosituin kaupungeissa ja kylissä. Pian ilmestymisensä jälkeen hän kiinnitti aristokratian huomion ja tuli salonkitanssi. Yksinkertaisten liikkeiden ansiosta branlya pystyivät tanssimaan kaikki. Sen osallistujat pitävät kädestä, muodostaen suljetun ympyrän, joka voi murtua viivoiksi, muuttuen siksak-liikkeiksi. Lessiä oli monenlaisia: yksinkertaista, kaksois-, iloista, hevos-, pesurinlesettiä, soihtumaljaa jne. Leseliikkeiden perusteella rakennettiin gavotte, paspier ja burre, ja lesestä syntyi vähitellen menuetti.
Stella
Tanssia esittivät pyhiinvaeltajat, jotka tulivat luostariin kumartamaan Neitsyt Marian patsasta. Hän seisoi vuoren huipulla auringon valaisemana, ja näytti siltä, että hänestä virtasi outoa valoa. Tästä syystä tanssin nimi (stella - lat. tähti). Ihmiset tanssivat yhdessä, järkyttyneinä Jumalanäidin loistosta ja puhtaudesta.
Karol
Se oli suosittu 1100-luvulla. Karol on avoin ympyrä. Laulun esityksen aikana tanssijat lauloivat kädestä pitäen. Tanssijoiden edessä oli yhteislaulu. Kaikki osallistujat lauloivat kuoron. Tanssin rytmi oli joko tasaista ja hidasta tai kiihtynyt ja muuttunut juoksuksi.
Kuoleman tanssit
Myöhäiskeskiajalla v eurooppalaista kulttuuria Kuoleman teemasta on tullut varsin suosittu. Ruttoepidemia, joka vaati valtavan määrän ihmishenkiä, vaikutti asenteeseen kuolemaa kohtaan. Jos aiemmin se oli vapautumista maallisista kärsimyksistä, niin XIII vuosisadalla. häntä kohdeltiin kauhistuneena. Kuolema kuvattiin piirustuksissa ja kaiverruksissa pelottavien kuvien muodossa, joista puhuttiin sanoituksissa. Tanssi suoritetaan ympyrässä. Tanssijat alkavat liikkua, ikään kuin tuntematon voima vetää heitä. Vähitellen kuoleman lähettilään soittama musiikki tarttuu heihin, he alkavat tanssia ja lopulta kaatuvat kuolleena.
Basso tanssii
Promenade tanssikulkueet. Ne olivat juhlallisia ja teknisesti mutkattomia. Parhaissa vaatteissaan juhlaan kokoontuneet kulkivat isännän edessä ikään kuin esittelevät itseään ja pukuaan - tämä oli tanssin tarkoitus. Tanssikulkueet tulivat lujasti hovielämään, yksikään festivaali ei pärjäisi ilman niitä.
estampi
(estampides) Paritanssit instrumentaalimusiikin säestyksellä. Joskus "estampi" esitti kolme henkilöä: yksi mies johti kahta naista. Musiikilla oli iso rooli. Se koostui useista osista ja määritti liikkeiden luonteen ja toimenpiteiden lukumäärän jokaista osaa kohti.
Trubaduurit:
Gieraut Riquier 1254-1292
Guiraut Riquier on provencelainen runoilija, jota kutsutaan usein "viimeiseksi trubaduuriksi". Tuottelias ja taitava mestari (48 hänen melodiaansa on säilynyt), mutta ei hengellisille teemoille vieras ja monimutkaisi merkittävästi hänen laulukirjoitustaan, siirtyen pois laulusta. Hän oli useita vuosia oikeudessa Barcelonassa. Osallistui ristiretkeen. Mielenkiintoinen on myös hänen asemansa suhteessa taiteeseen. Tunnettu kirjeenvaihdostaan kuuluisan taiteen suojelijan Alphonse Viisaan, Kastilian ja Leonin kuninkaan kanssa. Siinä hän valitti, että epärehelliset, "jongleerin arvoa nöyryyttävät" ihmiset sekoitetaan usein asiantunteviin trubaduureihin. Tämä on "häpeällistä ja haitallista" "runouden ja musiikin korkean taiteen edustajille, jotka osaavat säveltää runoutta ja luoda opettavaisia ja kestäviä teoksia". Kuninkaan vastauksen varjolla Rikier ehdotti omaa systematisointiaan: 1) "runollisen taiteen tohtorit" - trubaduurien parhaat, "valaisevat tietä yhteiskunnalle", "esimerkillisten runojen ja kansonien, siroisten novellien ja didaktisten runojen kirjoittajat" teoksia" puhekielellä; 2) trubaduurit, jotka säveltävät heille lauluja ja musiikkia, luovat tanssimelodioita, balladeja, albeja ja sirventtejä; 3) jonglöörit, jotka palvelevat aatelisten makua: he soittavat eri soittimia, kertovat tarinoita ja satuja, laulavat muiden runoja ja kaanoneja; 4) buffons (jesters) "esittelee alhaista taidetta kaduilla ja aukioilla ja viettää arvotonta elämäntapaa." He tuovat esille koulutettuja apinoita, koiria ja vuohia, esittelevät nukkeja, matkivat lintujen laulua. Buffon, pientä monistetta varten, soittaa soittimia tai vinkua tavallisten ihmisten edessä... matkustaen tuomioistuimesta oikeuteen häpeämättä, kestää kärsivällisesti kaikenlaisia nöyryytyksiä ja halveksii miellyttäviä ja jaloja ammatteja.
Riquière, kuten monet trubaduurit, oli huolissaan kysymyksestä ritarihyveistä. Hän piti anteliaisuutta korkeimpana hyveenä. "En missään tapauksessa puhu huonosti urheudesta ja älykkyydestä, mutta anteliaisuus ylittää kaiken."
Katkeruuden ja kiusan tunteet lisääntyvät jyrkästi 1200-luvun lopulla, kun ristiretkien romahtaminen muuttui väistämättömäksi todellisuudeksi, jota ei voitu sivuuttaa ja jota oli mahdoton olla ajattelematta. "Minun on aika lopettaa kappaleet!" - Tällaisissa säkeissä (ne ovat peräisin vuodelta 1292) Giraut Rikier ilmaisi pettymyksensä ristiretkeläisten yritysten tuhoisiin tuloksiin:
"On tullut aika meidän - armeijan armeijalle - lähteä Pyhästä maasta!"
Runoa "Minun on aika lopettaa laulut" (1292) pidetään viimeisenä trubaduurilauluna.
Säveltäjät, muusikot
Guillaume de Machaux c. 1300-1377
Machaut on ranskalainen runoilija, muusikko ja säveltäjä. Hän palveli Tšekin kuninkaan hovissa, vuodesta 1337 lähtien hän oli Reimsin katedraalin kaanoni. Yksi myöhäisen keskiajan huomattavimmista muusikoista, ranskalaisen Ars novan suurin hahmo. Hänet tunnetaan monen genren säveltäjänä: hänen motettinsa, balladinsa, vireletinsä, lais-, rondo-, kaanoni- ja muut laulu- (laulu- ja tanssi) -muodot ovat tulleet meille. Hänen musiikkiaan erottaa hienostunut ilmaisukyky ja hienostunut aistillisuus. Lisäksi Macho loi historian ensimmäisen kirjailijamessun (kuningas Kaarle V:n kruunajaisiin Reimsissä vuonna 1364. Se on ensimmäinen kirjailijamessu musiikin historiassa - kiinteä ja täydellinen teos kuuluisa säveltäjä. Hänen taiteeseensa kerääntyy ikään kuin tärkeitä linjoja, jotka siirtyvät toisaalta trubaduurien ja trouveurien musiikillisesta ja runokulttuurista sen pitkäaikaisessa laulupohjassa, toisaalta ranskalaisista polyfonian kouluista. 1100-1300-luvuilta.
Leonin (1100-luvun puoliväli)
Leonin - erinomainen säveltäjä kuuluu Perotinin kanssa Notre Damen kouluun. Historia on säilyttänyt meille tämän kerran kuuluisan "Big Book of Organums" luojan nimen, joka on suunniteltu vuosittaiseen kirkkolauluun. Leoninin elimet vaihdettiin kuorolaulua soinnussa solistien kaksiosaisen laulun kanssa. Hänen kaksiääniset urut erottuivat sellaisesta huolellisesta kehityksestä, äänen harmonisesta "koherenssista", joka oli mahdotonta ilman ennakkoajattelua ja äänitystä: Leoninin taiteessa ei esiinny laulaja-improvisoija, vaan säveltäjä. Leoninin tärkein innovaatio oli rytminen äänitys, joka mahdollisti pääosin liikkuvan ylääänen selkeän rytmin. Ylemmän äänen luonne erottui melodisesta anteliaisuudesta.
Peroten
Perotin, Perotinus - ranskalainen säveltäjä 1100-luvun loppu - 1200-luvun ensimmäinen kolmannes. Nykyaikaisissa tutkielmissa häntä kutsuttiin "Mestari Perotin Suureksi" (ei tiedetä tarkasti, ketä tarkalleen tarkoitettiin, koska oli useita muusikoita, joille tämä nimi voidaan katsoa). Perotin kehitti eräänlaisen moniäänisen laulun, joka kehittyi hänen edeltäjänsä Leoninin työssä, joka myös kuului niin kutsuttuun pariisilaiseen eli Notre Damen koulukuntaan. Perotiini loi korkeita esimerkkejä melismaattisista elimistä. Hän ei kirjoittanut vain 2-äänisiä (kuten Leonin), vaan myös 3-, 4-äänisiä sävellyksiä, ja ilmeisesti monimutkaisi ja rikasti polyfoniaa rytmikkäästi ja teksturoituna. Hänen 4-ääniset elimensä eivät vielä totelleet olemassa olevia polyfonian lakeja (jäljitelmä, kaanoni jne.). Perotinin teoksessa on kehittynyt katolisen kirkon moniäänisten laulujen perinne.
Josquin des Pres c. 1440-1524
Ranskalais-flaamilainen säveltäjä. FROM nuoria vuosia kirkon laulaja. Hän palveli useissa Italian kaupungeissa (1486-99 Rooman paavin kappelin kuoromiehenä) ja Ranskassa (Cambrai, Pariisi). Hän oli Ludvig XII:n hovimuusikko; hänet tunnustettiin ei vain kulttimusiikin, vaan myös ranskalaisen chansonin ennakoivien maallisten laulujen mestariksi. Elämänsä viimeiset vuodet hän oli Condé-sur-Escaut'n katedraalin rehtorina. Josquin Despres on yksi renessanssin suurimmista säveltäjistä, jolla oli monipuolinen vaikutus Länsi-Euroopan taiteen myöhempään kehitykseen. Hän tiivisti luovasti hollantilaisen koulukunnan saavutukset, ja hän loi innovatiivisia, humanistisen maailmankatsomuksen täynnä olevia henkisten ja maallisten genrejen (messut, motettit, psalmit, frottolat) sävellyksiä alistaen korkean polyfonisen tekniikan uusiin taiteellisiin tehtäviin. Hänen teostensa melodia, joka liittyy genren alkuperään, on rikkaampi ja monipuolisempi kuin aikaisempien hollantilaisten mestareiden melodia. Josquin Despresin "selkeytetty" polyfoninen tyyli, vapaa kontrapunktaalisesta monimutkaisuudesta, oli käännekohta kuorokirjoituksen historiassa.
Koko aikakaudelle on kokonaisuutena ominaista laulugenrejen ja erityisesti laulun selkeä ylivalta. moniäänisyys. Epätavallisen monimutkainen tiukan tyylin polyfonian hallinta, aito stipendiaatti, virtuoosi tekniikka esiintyi yhdessä kirkkaan ja tuoreen arjen levittämisen kanssa. Instrumentaalimusiikki saa jonkin verran itsenäisyyttä, mutta sen suora riippuvuus laulumuodoista ja jokapäiväisistä lähteistä (tanssi, laulu) selviää vasta jonkin verran myöhemmin. Tärkeimmät musiikin genret liittyvät edelleen sanalliseen tekstiin. Renessanssin humanismin olemus heijastui kuorolaulujen sävellykseen frottoll- ja vilanelle-tyyliin.
Tanssilajit
Renessanssissa arjen tanssista tulee suuri merkitys. Italiassa, Ranskassa, Englannissa ja Espanjassa on monia uusia tanssimuotoja. Yhteiskunnan eri kerroksilla on omat tanssinsa, he kehittävät esiintymistapaansa, käyttäytymissääntöjä ballien, iltojen, juhlien aikana. Renessanssitanssit ovat monimutkaisempia kuin myöhäisen keskiajan vaatimattomat branniet. Pyöreän tanssin ja lineaarisen sävellyksen tanssit korvataan paritanssilla (duettotanssilla), jotka rakentuvat monimutkaisille liikkeille ja hahmoille.
Volta
- paritanssi italialaista alkuperää. Sen nimi tulee italian sanasta voltare, joka tarkoittaa "kääntyä". Koko on kolminkertainen, vauhti kohtalaisen nopea. Tanssin päämalli on, että herrasmies kääntää nopeasti ja terävästi hänen kanssaan tanssivan naisen ilmaan. Tämä nosto tehdään yleensä erittäin korkealle. Se vaatii herrasmieheltä suurta voimaa ja kätevyyttä, sillä liikkeen terävyydestä ja jyrkkyydestä huolimatta nousu on suoritettava selkeästi ja kauniisti.
galliard
- vanha italialaista alkuperää oleva tanssi, yleinen Italiassa, Englannissa, Ranskassa, Espanjassa ja Saksassa. Varhaisten galliaardien vauhti on kohtalaisen nopea, koko on kolminkertainen. Galliard esitettiin usein pavanteen jälkeen, johon se joskus liitettiin temaattisesti. Galliardit 1500-luvulta jatkuu melodis-harmonisessa tekstuurissa ja melodia ylääänessä. Galliard-melodiat olivat suosittuja laajasti ranskalaisen yhteiskunnan osissa. Serenadien esityksen aikana Orleansin opiskelijat soittivat galliard-melodioita luutoilla ja kitaroilla. Kuten kelloilla, myös galliardilla oli eräänlainen tanssidialogi. Herrasmies liikkui aulassa rouvansa kanssa. Kun mies esitti soolon, nainen pysyi paikallaan. Miessoolo koostui monista monimutkaisista liikkeistä. Sen jälkeen hän lähestyi jälleen naista ja jatkoi tanssia.
pavana
- hovitanssi 1500-1600-luvuilla. Tempo on kohtalaisen hidas, kello on 4/4 tai 2/4. Eri lähteissä ei ole yksimielisyyttä sen alkuperästä (Italia, Espanja, Ranska). Suosituin versio on espanjalainen tanssi jäljittelee riikinkukon liikkeitä kävelevän kauniisti levitetyllä häntällä. Oli lähellä bassotanssia. Paavalien musiikin tahtiin järjestettiin erilaisia seremoniallisia kulkueita: viranomaiset saapuivat kaupunkiin ja lähettivät jalo morsiamen kirkkoon. Ranskassa ja Italiassa pavane on vakiintunut hovitanssiksi. Pavanen juhlallinen luonne antoi hoviyhteiskunnan loistaa heidän tapojensa ja liikkeidensä suloisuudella. Kansa ja porvaristo eivät esittäneet tätä tanssia. Pavane, kuten menuetti, esitettiin tiukasti riveiden mukaan. Kuningas ja kuningatar aloittivat tanssin, sitten siihen astui dauphin ja jalo nainen, sitten prinssit jne. Cavalierit esittivät pavanen miekalla ja viitassa. Naiset olivat juhlapukuissa raskaiden pitkien junien kanssa, joita piti taitavasti käyttää liikkeiden aikana nostamatta niitä lattiasta. Treenin liike teki liikkeistä kauniita, antaen pavan loistoa ja juhlallisuutta. Kuningattaren takana läheiset naiset kantoivat junaa. Ennen tanssin alkua sen piti kiertää sali. Tanssin päätteeksi parit kumartuivat ja kiertelivät taas salin ympäri. Mutta ennen hatun pukemista herrasmiehen piti laittaa oikea kätensä naisen olkapäälle, vasen (pitelee hattua) tämän vyötärölle ja suudella häntä poskelle. Tanssin aikana naisen silmät laskettiin; vain silloin tällöin hän katsoi poikaystäväänsä. Pavane säilytettiin pisimpään Englannissa, missä se oli erittäin suosittu.
Allemande
- hidas tanssi saksalaista alkuperää 4 tahdissa. Se kuuluu "matalien", ei-hyppäävien tansseihin. Esiintyjistä tuli pareja yksi toisensa jälkeen. Parien määrää ei ollut rajoitettu. Herrasmies piti naista käsistään. Pylväs liikkui salin ympäri ja päätyään osanottajat tekivät käännöksen paikan päällä (käsiään erottamatta) ja jatkoivat tanssia vastakkaiseen suuntaan.
Courant
on italialaista alkuperää oleva hovitanssi. Soittoääni oli yksinkertainen ja monimutkainen. Ensimmäinen koostui yksinkertaisista liukuvaiheista, jotka suoritettiin pääasiassa eteenpäin. Monimutkainen kello oli luonteeltaan pantomiminen: kolme herraa kutsui kolme naista osallistumaan tanssiin. Naiset vietiin salin vastakkaiseen kulmaan ja pyydettiin tanssimaan. Naiset kieltäytyivät. Saatuaan kieltäytymisen herrat lähtivät, mutta palasivat sitten uudelleen ja polvistuivat naisten eteen. Vasta pantomiimikohtauksen jälkeen tanssi alkoi. Italian ja ranskan tyyppiset kellot eroavat toisistaan. Italian chimes on vilkas tanssi 3/4- tai 3/8-ajalla yksinkertaisella rytmillä melodis-harmonisessa koostumuksessa. ranska - juhlallinen tanssi ("tapatanssi"), tasainen ylpeä kulkue. Koko 3/2, kohtalainen tempo, hyvin kehittynyt polyfoninen tekstuuri.
Sarabande
- suosittu tanssi 16-17-luvulla Johdettu espanjalaisesta naisten tanssista kastanetteilla. Aluksi laulun mukana. Tunnettu koreografi ja opettaja Carlo Blasis yhdessä teoksistaan antaa Lyhyt kuvaus sarabandes: "Tässä tanssissa jokainen valitsee naisen, jolle hän ei ole välinpitämätön. Musiikki antaa signaalin, ja kaksi rakastajaa tanssivat, jalo, mitattu, mutta tämän tanssin tärkeys ei häiritse nautintoa, ja vaatimattomuus antaa sille vielä enemmän armoa, ulkonäöstä jokainen katselee mielellään tanssijoita, jotka esittävät erilaisia hahmoja, jotka ilmaisevat liikkeellään rakkauden kaikkia vaiheita. Aluksi sarabanden vauhti oli kohtalaisen nopea, myöhemmin (1600-luvulta lähtien) ilmaantui hidas ranskalainen sarabande, jolla oli tyypillinen rytminen kuvio: ...... Kotimaassaan sarabande kuului säädyllisten tanssien luokkaan ja 1630. Kastilian neuvoston kieltämä.
Gigue
- englantilaista alkuperää oleva tanssi, nopein, kolmiosainen, muuttuu kolmioksi. Aluksi giga oli paritanssia, se levisi merimiesten keskuudessa yksinään, erittäin nopeana koomisena tanssina. Myöhemmin se esiintyy instrumentaalimusiikissa vanhan tanssisarjan loppuosana.
Laulun genret
Barokin piirteet ilmenivät selkeimmin niissä genreissä, joissa musiikki kietoutui muiden taiteiden kanssa. Näitä olivat ennen kaikkea ooppera, oratorio ja sellaiset pyhän musiikin lajit kuin intohimot ja kantaatit. Musiikki yhdistettynä sanaan ja oopperassa - pukujen ja maisemien kanssa, eli maalauselementeillä, sovellettu taide ja arkkitehtuuria pyydettiin ilmaisemaan ihmisen monimutkaista henkistä maailmaa, hänen kokemiaan monimutkaisia ja monipuolisia tapahtumia. Sankarien, jumalien, todellisen ja epätodellisen toiminnan naapurusto, kaikenlainen taikuus olivat luonnollisia barokkimaulle, olivat vaihtelevuuden korkein ilmentymä, dynaamisuus, transformaatio, ihmeet eivät olleet ulkoisia, puhtaasti koristeellisia elementtejä, vaan ne olivat välttämätön osa taiteellista järjestelmä.
Ooppera.
Suosituin oopperalaji oli Italiassa. Avaa suuri määrä oopperataloja, edustaa hämmästyttävää, ainutlaatuista ilmiötä. Lukemattomat raskaalla sametilla päällystetyt laatikot, esteellä aidattu parteri (jossa ne tuolloin seisoivat, ei istuivat) kokosivat kolmen oopperakauden aikana lähes koko kaupungin väestön. Patriisiperheet ostivat majataloja koko kaudeksi, kojurit olivat täynnä tavallisia ihmisiä, joskus ilmaiseksi sisäänpääsyä - mutta kaikki tunsivat olonsa rennoksi, jatkuvan juhlan ilmapiirissä. Laatikoissa oli senkit, sohvat, korttipöydät "faaraon" pelaamiseen; jokainen niistä oli yhdistetty erityisiin huoneisiin, joissa valmistettiin ruokaa. Yleisö meni viereisiin laatikoihin kuin he olisivat vierailleet; täällä solmittiin tuttavuuksia, alkoi rakkaussuhteet, vaihdettiin viimeisimmät uutiset, pelattiin korttipeli isoista rahoista jne. Ja lavalla avautui ylellinen, huumaava spektaakkeli, joka oli suunniteltu vaikuttamaan yleisön mieleen ja tunteisiin, lumoamaan näkö ja kuulo. Antiikin sankarien rohkeus ja urheus, upeita seikkailuja mytologiset hahmot ilmestyivät ihailevien kuulijoiden eteen kaikessa musiikillisen ja koristeellisen suunnittelun loistossa, joka saavutettiin oopperatalon lähes vuosisadan vanhan olemassaolon aikana.
Ooppera syntyi 1500-luvun lopulla Firenzessä humanististen tutkijoiden, runoilijoiden ja säveltäjien piirissä ("camerata"), ja siitä tuli pian Italian johtava musiikin genre. Mantovassa ja Venetsiassa työskennelleellä C. Monteverdillä oli erityisen tärkeä rooli oopperan kehityksessä. Kaksi hänen tunnetuimpia näyttämöteoksiaan, "Orpheus" ja "Cronation of Poppea", ovat musiikillisen dramaturgian hämmästyttävän täydellisiä. Jo Monteverdin elinaikana Venetsiaan syntyi uusi oopperakoulu, jota johtivat F. Cavalli ja M. Honor. Kun San Cassianon ensimmäinen julkinen teatteri avattiin Venetsiassa vuonna 1637, kaikki lipun ostaneet pääsivät oopperaan. Vähitellen näyttävien, ulkoisesti näyttävien hetkien merkitys näyttämötoiminnassa kasvaa muinaisten yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden ihanteiden kustannuksella, jotka inspiroivat oopperagenren pioneereja. Lavastustekniikka kehittyy valtavasti, mikä mahdollistaa sankarien upeimpien seikkailujen ilmentämisen lavalla - haaksirikoihin, lentoihin asti jne. Suurenmoiset, värikkäät maisemat, jotka luovat illuusion perspektiivistä (kohtaus italialaiset teatterit oli soikea), vei katsojan satupalatseihin ja merelle, salaperäisiin vankityrmiin ja maagisiin puutarhoihin.
Samaan aikaan oopperamusiikissa sooloon panostettiin yhä enemmän laulun alku, alistaen muut ilmeisyyden elementit; tämä johti myöhemmin väistämättä intohimoon omavaraiseen lauluvirtuositeettiin ja dramaattisen toiminnan intensiteetin laskuun, josta tuli usein vain tekosyy osoittaa solistilaulajien ilmiömäisiä laulukykyjä. Solisteina esiintyivät tavan mukaisesti castrato-laulajat sekä mies- että naispuolina. Heidän esityksensä yhdisti miesäänien voiman ja loiston naisäänten keveyden ja liikkuvuuden kanssa. Tällainen korkean äänen käyttö rohkean sankarillisen varaston juhlissa oli tuolloin perinteistä, eikä sitä pidetty luonnottomana; se on laajalle levinnyt paitsi paavillisessa Roomassa, jossa naisia kiellettiin virallisesti esiintymästä oopperassa, myös muissa Italian kaupungeissa.
1600-luvun toiselta puoliskolta. johtava rooli Italian historiassa musiikkiteatteri siirtyy napolilaiseen oopperaan. Napolilaisten säveltäjien kehittämät oopperadramaturgian periaatteet yleistyvät, ja napolilainen ooppera samaistuu italialaisen oopperasarjan kansallistyyppiin. Valtava rooli napolilaisten kehityksessä oopperakoulu soitti konservatorioissa, jotka kasvoivat orpokodeista erityiseksi musikaaliksi koulutuslaitoksia. Niissä kiinnitettiin erityistä huomiota laulajatunneille, jotka sisälsivät harjoittelua ilmassa, vedessä, meluisissa ruuhkaisissa paikoissa ja joissa kaiku näytti hallitsevan laulajaa. Pitkä rivi loistavia lauluvirtuoosia - konservatorioiden oppilaita - vei italialaisen musiikin ja "kauniin laulun" (bel canto) loiston koko maailmalle. Napolilaiselle oopperalle konservatoriot muodostivat pysyvän ammattihenkilökunnan reservin ja olivat avain sen luovaan uudistumiseen. Lukuisten barokin aikakauden italialaisten oopperasäveltäjien joukossa merkittävin ilmiö oli Claudio Monteverdin teos. Hänen myöhemmissä teoksissaan kehitettiin oopperadramaturgian perusperiaatteita ja erilaisia oopperasoololaulun muotoja, joita useimmat 1600-luvun italialaiset säveltäjät seurasivat.
Henry Purcell oli englantilaisen kansallisoopperan alkuperäinen ja ainoa luoja. Hän kirjoitti suuren määrän teatteriteoksia, joista ainoa ooppera on Dido ja Aeneas. "Dido ja Aeneas" on lähes ainoa englantilainen ooppera, jossa ei ole puhuttuja lisäosia ja dialogeja, joissa dramaattinen toiminta on musiikkiin asetettu alusta loppuun. Kaikki muut Purcellin musiikki- ja teatteriteokset sisältävät puhuttua dialogia (meidän aikanamme sellaisia teoksia kutsutaan "musikaaliksi").
"Ooppera - sen ihastuttava istuin, se on muutosten maa; silmänräpäyksessä ihmisistä tulee jumalia ja jumalista ihmisiä. Siellä matkustajan ei tarvitse kiertää maita, koska maat itse matkustavat ennen häntä. Oletko kyllästynyt kauheassa autiomaassa? Välittömästi pillin ääni vie sinut puutarhoihin Idylleihin; toinen johtaa sinut helvetistä jumalten kotiin: toinen - ja löydät itsesi keijujen leiristä. Oopperakeijut lumoavat kuten satujemme keijut, mutta heidän taiteensa on luonnollisempaa ... "(Dufreni).
"Ooppera on esitys yhtä outo kuin se onkin upea, jossa silmät ja korvat ovat tyytyväisempiä kuin mieli; jossa musiikkiin alistuminen aiheuttaa naurettavia absurdeja; jossa lauletaan aarioita kaupungin tuhoutuessa ja ihmiset tanssivat haudan ympärillä. jossa näkyy Pluton ja Auringon palatseja sekä jumalia, demoneita, velhoja, hirviöitä, noituutta, silmänräpäyksessä pystytettyjä ja tuhottuja palatseja. Sellaisia omituisuuksia suvaitsee ja jopa ihaillaan, sillä ooppera on keijujen maa "(Voltaire, 1712).
Oratorio
Oratorio, mukaan lukien hengellinen, pidettiin aikalaisten keskuudessa usein oopperana ilman pukuja ja maisemia. Kulttioratoriot ja intohimot soivat kuitenkin temppeleissä, joissa sekä itse temppeli että pappien puvut toimivat sekä koristeena että asuna.
Oratorio oli ennen kaikkea hengellinen genre. Sana oratorio (it. oratorio) tulee myöhään latinalaisesta oratoriosta - "kappeli" ja latinasta th - "minä sanon, minä rukoilen". Oratorio syntyi samaan aikaan oopperan ja kantaatin kanssa, mutta temppelissä. Sen edeltäjä oli liturginen draama. Tämän kirkon toiminnan kehitys eteni kahteen suuntaan. Toisaalta siitä tuli yhä yleisempää, ja siitä tuli vähitellen koominen esitys. Toisaalta halu säilyttää rukoilevan yhteyden vakavuus Jumalan kanssa painoi aina kohti staattista suorituskykyä, jopa kaikkein kehittyneimmillä ja dramaattinen juoni. Tämä johti lopulta oratorion syntymiseen itsenäisenä, ensin puhtaasti temppelinä ja sitten konserttigenrenä.
