Setiap persembahan atau persembahan yang dipentaskan di atas pentas direka untuk membawa penonton, antara lain, keseronokan estetik daripada apa yang dilihatnya. Oleh itu, sangat penting untuk berpakaian watak lakonan dalam pakaian teater yang sepadan. Kemudian akan mudah untuk merasai semangat era kerja, untuk menangkap watak watak-watak dan hanya menikmati keindahan tontonan.

Pakaian teater dari zaman dahulu hingga zaman moden

Jubah pelakon telah mengalami perubahan sejak penampilan teater, seperti itu, dan sehingga hari ini:

• Mereka cuba mencipta imej pentas pada zaman dahulu, bereksperimen dengan bahan improvisasi. Juga dalam China purba dan di Jepun, seseorang boleh memerhatikan penghibur dalam pakaian tertentu, terutamanya pada persembahan perayaan atau upacara. Di India dalam masa dahulu penari jalanan juga memakai kain sari berwarna-warni untuk menarik perhatian. Dan dengan kemunculan seni lukisan dengan pewarna semula jadi, saree menjadi tidak monokromatik, tetapi bercorak.
• Kostum yang muncul di Greece Purba boleh dipanggil "teater". Topeng aneh, solekan digunakan, dan warna khas pakaian watak menunjukkan status atau profesion wira persembahan.
• Kemudian teater Eropah mula berkembang dalam era feudalisme, apabila persembahan, yang dipanggil. "Misteri" diberikan oleh artis pengembara - sejarah. Penampilan watak-watak dibezakan oleh keanggunan dan unsur hiasan yang kaya.
• Renaissance, dengan komedi del artenya, adalah aneh. Dengan bantuan item pakaian, gaya rambut dan rambut palsu, hiasan kepala, kasut, topeng dan alat solek, imej jenaka telah dicipta, ciri-ciri yang wujud untuk watak tertentu yang diejek atau dikagumi oleh penonton ditekankan (bulu berseni pada topi, seluar berwarna-warni) .
• Pada abad-abad berikutnya, di setiap negara Eropah dan Timur terdapat pelbagai teater, salun muzik, opera, balet, dll. Pakaian menjadi lebih pelbagai, sering menyampaikan semangat era sejarah, pakaian moden, menyingkirkan penggayaan yang tidak perlu. Oleh itu, di atas pentas seseorang boleh melihat kedua-dua imej biasa untuk penonton dan mencipta semula pakaian bersejarah, penampilan naturalistik dan solek fantasi.

Kostum teater Rusia patut diberi perhatian khusus. Buffoon dianggap sebagai pencipta pertamanya. Kemeja cerah, kaftan dengan ikat pinggang, kasut kulit kayu, topi dengan loceng, tampalan pada seluar - semua elemen kostum ini menyerupai pakaian petani, tetapi dalam bentuk satira yang dibesar-besarkan. Terdapat teater gereja, di mana para penghibur berpakaian baju putih seperti malaikat. V teater sekolah watak-watak itu mempunyai lambang mereka sendiri. Dan di bawah Tsar Alexei Mikhailovich dia bertindak teater profesional... Oleh itu, unsur-unsur pakaian raja mempunyai tanda-tanda maruah diraja, sulaman buatan khas digunakan, batu mahal dan hiasan yang indah dijahit dengan tangan.

Jenis

Adalah lazim untuk membezakan tiga jenis pakaian utama:

1. watak. Jenis ini ialah gubahan bergambar-plastik, yang merupakan bahagian langsung daripada imej integral pelaku peranan. Dalam saman, angka itu selalunya tersembunyi sepenuhnya. Pelakon itu sendiri menggerakkannya dan menyuarakannya. Jadi, untuk Opera Beijing dicirikan oleh imej kuil suci atau naga.
2. Permainan. Ia adalah cara untuk mengubah penampilan artis dan elemen penting dalam lakonannya. Transformasi watak dalam aksi ritual dan cerita rakyat dalam watak selalunya berdasarkan penggunaan aneh dan parodi, contohnya, apabila lelaki muda berpakaian seperti kanak-kanak perempuan.
3. Seperti pakaian seorang pelakon. Ia adalah yang utama dalam persembahan moden, selalunya menyerupai betul-betul baju tradisional era tindakan tertentu dalam pengeluaran. Atas dasar saman sedemikian, kedua-dua jenis di atas dicipta.

Ciri-ciri jahitan

Menjahit pakaian pentas agak rumit dan rupa kreatif aktiviti. Ia adalah perlu untuk memilih bahan yang betul, aksesori, membuat sulaman dan applique, jika perlu. Pakaian teater mesti memenuhi keperluan berikut:

• Menjelmakan era dengan tepat, dengan mengambil kira sejarah, etnografi, ciri kebangsaan karya dan wira.
• Selaras dengan niat pengarah untuk menyatakan intipati watak watak.
• Untuk menjadikan pelakon itu kelihatan hebat di mata penonton.
• Adalah baik untuk duduk di atas figura pemiliknya.
• Keselesaan memakai kostum (terutamanya penting untuk penari yang mengambil bahagian dalam persembahan).

Memandangkan jurusolek memilih kostum teater untuk peranan tertentu dan pelakon tertentu, adalah perlu untuk menyesuaikannya dengan ukuran anda. Untuk ini, lebih baik beralih kepada profesional. "Kilang Jahit" ialah pengeluaran jahitan di Moscow dan wilayah Moscow, di sini anda boleh memesan jahitan kostum untuk persembahan, opera dan balet. Akan dipadankan bahan terbaik dan diterapkan teknologi moden menjahit.

"Bahagian set di tangan pelakon adalah kostumnya."
Ensiklopedia Perancis.

"Saman itu adalah cangkang kedua pelakon, ia adalah sesuatu yang tidak dapat dipisahkan daripada dirinya, ini adalah wajahnya yang boleh dilihat. imej pentas, yang mesti bergabung dengannya secara menyeluruh untuk menjadi tidak boleh dipecahkan ... "
A. Ya. Tairov.

Teater adalah bentuk seni sintetik yang membolehkan kita bukan sahaja mendengar, bukan sahaja membayangkan, tetapi juga melihat dan melihat. Teater memberi kita peluang untuk menyaksikan drama psikologi dan peserta dalam pencapaian dan peristiwa sejarah. Teater, persembahan teater dicipta oleh usaha ramai artis, daripada pengarah dan pelakon kepada pereka produksi, kerana drama itu adalah "konjugasi seni yang berbeza, setiap satunya dalam konsep ini diubah dan memperoleh kualiti baru ... ".

Kostum teater adalah bahagian penting dalam imej pentas pelakon, ini adalah tanda dan ciri luaran watak yang digambarkan, membantu menjelmakan semula pelakon; cara pengaruh artistik kepada penonton. Bagi seorang pelakon, kostum adalah perkara, bentuk, diilhamkan oleh makna peranan.

Sama seperti seorang pelakon dalam perkataan dan gerak isyarat, pergerakan dan timbre suara mencipta makhluk baru imej pentas, bermula dari yang diberikan dalam drama, jadi artis, dipandu oleh data yang sama dalam drama itu, merangkumi imej dengan cara seninya.

Sepanjang berabad-abad sejarah seni teater hiasan itu secara konsisten melalui transformasi evolusi, bukan sahaja disebabkan oleh peningkatan teknologi pentas, tetapi juga oleh semua liku gaya dan fesyen pada masa yang sepadan. Ia bergantung pada watak pembinaan sastera drama, pada genre drama, pada komposisi sosial penonton, pada tahap teknik pentas.

Tempoh struktur seni bina yang stabil pada zaman dahulu telah digantikan oleh peringkat primitif Zaman Pertengahan, yang seterusnya memberi laluan kepada teater istana diraja dengan kemewahan persembahan yang mencukupi. Terdapat persembahan dalam kain, dalam hiasan membina yang kompleks, hanya dalam reka bentuk pencahayaan, tanpa reka bentuk sama sekali - di atas pentas kosong, di atas platform, hanya di atas turapan.

Peranan kostum sebagai set "bergerak" sentiasa dominan. Sudut pandangan mengenai "hubungan"nya dengan pelakon, masa dan sejarah berubah, dan akhirnya, dengan "rakan kongsi" langsungnya - hiasan pentas.

Dalam proses perkembangan progresif seni teater moden, inovasi arah, transformasi kaedah hiasan, peranan seni kostum tidak berkurangan - sebaliknya. Apabila saudara-saudaranya yang lebih muda dan lebih fleksibel - pawagam dan televisyen - berkembang, teater, sudah pasti, dalam pencarian dan penyeksaan, memperoleh bentuk baru teknik yang menakjubkan, tepatnya yang akan mempertahankan dan menentukan kedudukan teater sebagai nilai yang berkekalan bentuk seni yang bebas. Saman itu, sebagai elemen yang paling mudah alih pemandangan teater, diberikan dalam carian ini tempat pertama.

tinggi budaya moden seni teater, kerja pengarah yang halus dan mendalam mengenai drama dan persembahan, lakonan berbakat pelakon memerlukan daripada pereka pakaian yang menghiasi persembahan, penembusan yang sangat teliti ke dalam drama drama, hubungan rapat dengan arahan. Reka bentuk moden tidak dikanonkan oleh peraturan. Ia adalah individu dan khusus dalam setiap kes tertentu. “Karya seorang pengarah tidak dapat dipisahkan dengan karya seorang artis. Pertama, pengarah mesti mencari jawapan sendiri kepada masalah set asas. Artis, pada gilirannya, mesti merasakan tugas pengeluaran dan terus mencari cara ekspresif ... ". Kostum teater mula-mula dicipta dengan cara visual, iaitu dengan lakaran.

Pengenalan 3

Bab 1. Aspek teori seni teater. Peranan dan kepentingan pakaian teater dalam seni pentas 5

1.1. Teater sebagai seni 5

1.2. Pakaian teater sebagai lambang budaya teater 7

1.3. Peranan pakaian teater dalam adegan seni 8

Bab 2. Kostum teater Rusia pada awal abad XX 12

2.1. Dasar budaya Rusia pada awal abad XX. Ciri-ciri perkembangan seni teater berdasarkan dasar budaya baharu 12

2.2. Ciri-ciri pakaian teater awal abad kedua puluh 22

2.3. Kostum teater sebagai imej zaman 25

Kesimpulan 33

Rujukan 36

Lampiran 38

pengenalan

Kaitan kerja ini adalah disebabkan oleh fakta bahawa abad kedua puluh ditandai dengan pembungaan pesat budaya Rusia. Tidak hairanlah masa ini dipanggil Zaman Perak. Budaya Rusia mencerminkan semua percanggahan dalam kehidupan sosio-ekonomi dan sosio-politik Rusia, mempunyai kesan yang mendalam terhadap keadaan moral rakyat, membuat sumbangannya kepada perbendaharaan budaya dunia. Semua inovasi dan penemuan sukar untuk Rusia. Ramai orang hebat tidak pernah didengari, tetapi masih ada yang tidak boleh merendahkan martabat Zaman Perak, seseorang tidak boleh tidak bercakap tentang kehebatannya. Itulah sebabnya, pada abad ke-21, abad maklumat dan nanoteknologi, adalah perlu untuk memberi lebih perhatian kepada budaya era lampau. Kita mesti memahaminya, dan kemudian lebih mudah bagi kita untuk mencipta budaya baru kita sendiri.

Dalam karya ini, saya menganggap seni teater Rusia pada awal abad ke-20, iaitu ciri-ciri kostum teater pada zaman itu.

Teater (Greek θέατρον - maksud utama - tempat untuk cermin mata, kemudian - tontonan, dari θεάομαι - saya lihat, saya nampak) adalah salah satu arah seni di mana perasaan, pemikiran dan emosi pengarang (pencipta, artis). ) dihantar kepada penonton atau sekumpulan penonton melalui tindakan seorang pelakon atau kumpulan pelakon. Kostum teater adalah elemen reka bentuk persembahan, cara mengubah penampilan seseorang pelakon dan salah satu elemen lakonannya.

Topik ini kertas penggal ia juga relevan kerana teknologi teater untuk membuat kostum dicipta tepat pada awal abad kedua puluh, kaedah pendekatan individu terhadap lakaran artis telah dibangunkan untuk mencipta kostum sesuai dengan imej artistik dan niat pengarang. . Dalam pemodelan dan reka bentuk, teori mencipta kostum moden telah dibangunkan.

Kedua-dua hari ini dan dalam abad yang lalu, kostum itu tetap menjadi subjek kreativiti khas artis (di antaranya adalah pakar seni halus dan scenografi yang paling menonjol) dan mereka mengarangnya (walaupun pakaian yang kelihatan seperti setiap hari untuk kegunaan harian, apatah lagi yang hebat) , bukan sahaja sebagai kerja yang berasingan, tetapi sebagai komponen prestasi yang paling penting.

Sehubungan dengan perkaitan, topik penyelidikan telah dirumuskan: "Pakaian teater Rusia pada awal abad kedua puluh."

Tujuan kerja: untuk mengkaji ciri-ciri kostum teater Rusia pada awal abad kedua puluh.

Objek kerja: Seni teater Rusia pada awal abad XX.

Subjek penyelidikan: Kostum teater Rusia pada awal abad ke-20.

Pencapaian matlamat ini difasilitasi oleh penyelesaian tugas berikut:

1. Kajian tentang aktiviti teater dan ciri-cirinya.

2. Mendedahkan peranan pakaian teater dalam seni pentas.

3. Pertimbangan dasar budaya Rusia pada awal abad kedua puluh.

4. Penentuan ciri-ciri kostum teater Rusia pada awal abad kedua puluh.

V secara berstruktur karya ini terdiri daripada pengenalan, dua bab teori, kesimpulan, bibliografi dan Lampiran. Lampiran mengandungi gambar dan lakaran pakaian teater Rusia pada awal abad ke-20.
^

Bab 1. Aspek teori seni teater. Peranan dan kepentingan kostum teater dalam seni pentas

1.1. Teater sebagai seni

Seperti mana-mana jenis seni lain (muzik, lukisan, kesusasteraan), teater mempunyai ciri khasnya sendiri. Seni ini adalah sintetik: karya teater (persembahan) terdiri daripada teks drama, karya pengarah, pelakon, artis dan komposer. Muzik memainkan peranan penting dalam opera dan balet.

Teater adalah seni kolektif. Persembahan adalah hasil daripada aktiviti ramai orang, bukan sahaja mereka yang muncul di pentas, tetapi juga mereka yang menjahit kostum, membuat prop, memasang cahaya, dan bertemu penonton. Bukan tanpa alasan bahawa terdapat takrifan "pekerja teater": persembahan ialah kreativiti dan produksi.

Teater menawarkan cara tersendiri untuk mengetahui dunia di sekelilingnya dan, oleh itu, set cara artistiknya sendiri. Persembahan ialah aksi istimewa yang dimainkan di ruang pentas dan aksi istimewa, berbeza, katakan, daripada muzik. pemikiran kreatif.

Persembahan teater adalah berdasarkan teks, seperti drama untuk persembahan dramatik. Walaupun dalam pengeluaran peringkat di mana perkataan seperti itu tiada, teks kadangkala diperlukan; khususnya, balet, dan kadangkala pantomim, mempunyai skrip libretto. Proses mengerjakan drama terdiri daripada memindahkan teks dramatik ke pentas - ini adalah sejenis "terjemahan" dari satu bahasa ke bahasa lain. Akibatnya, kata sastera menjadi kata pentas.

Perkara pertama yang dilihat oleh penonton selepas tirai dibuka (atau meningkat) ialah ruang pentas di mana pemandangan diletakkan. Mereka menunjukkan tempat tindakan, masa sejarah, mencerminkan rasa kebangsaan. Dengan bantuan binaan spatial, malah mood watak-watak boleh disampaikan (contohnya, dalam episod penderitaan wira, terjunkan adegan ke dalam kegelapan atau ketatkan latar belakangnya dengan warna hitam). Semasa tindakan, dengan bantuan teknik khas, pemandangan berubah: siang berubah menjadi malam, musim sejuk - menjadi musim panas, jalan - menjadi bilik. Teknik ini berkembang seiring dengan pemikiran saintifik manusia. Mekanisme pengangkat, perisai dan penetasan, yang pada zaman dahulu dikendalikan secara manual, kini dinaikkan dan diturunkan oleh elektronik. Lilin dan lampu gas digantikan dengan mentol; laser juga sering digunakan.

Malah pada zaman dahulu, dua jenis pentas dan auditorium telah dibentuk: kotak pentas dan amfiteater pentas. Kotak pentas menyediakan tier dan parterre, dan panggung-amphiteater dikelilingi oleh penonton dari tiga sisi. Kedua-dua jenis digunakan di dunia hari ini. Teknologi moden memungkinkan untuk mengubah ruang teater - untuk mengatur platform di tengah-tengah auditorium, untuk meletakkan penonton di atas pentas, dan untuk melakukan persembahan di dalam dewan.

sangat penting sentiasa melekat pada bangunan teater. Teater biasanya dibina di dataran tengah bandar; arkitek mahukan bangunan itu cantik dan menarik perhatian. Datang ke teater, penonton meninggalkan kehidupan seharian, seolah-olah, mengatasi realiti. Oleh itu, bukan kebetulan bahawa tangga yang dihiasi dengan cermin sering menuju ke dewan.

Muzik membantu meningkatkan kesan emosi persembahan dramatik. Kadang-kadang ia berbunyi bukan sahaja semasa aksi, tetapi juga semasa rehat - demi menjaga kepentingan orang ramai.

Orang utama dalam drama itu ialah pelakon. Penonton melihat di hadapannya seseorang yang, dengan cara yang misterius, telah berubah menjadi imej artistik - sejenis karya seni. Sudah tentu, karya seni bukanlah penghibur itu sendiri, tetapi peranannya. Dia adalah ciptaan seorang pelakon, dicipta oleh suara, saraf dan sesuatu yang sukar difahami - semangat, jiwa.

Agar aksi di atas pentas dapat dilihat secara keseluruhan, adalah perlu untuk mengaturnya dengan teliti dan konsisten. Tanggungjawab ini dalam teater moden dilakukan oleh pengarah. Sudah tentu, banyak bergantung pada bakat pelakon dalam drama itu, tetapi, bagaimanapun, mereka adalah bawahan kepada kehendak pemimpin - pengarah.

1.2. Kostum teater sebagai lambang budaya teater

Pelakon itu sentiasa memakai pakaian yang tidak boleh menjadi tradisional seperti pakaian kasual. Bukan hanya "selesa", "hangat", "cantik" - di atas pentas ia juga "kelihatan", "ekspresif", "kiasan".

Sepanjang sejarahnya, teater telah menggunakan keajaiban pakaian, yang wujud, bagaimanapun, dalam kehidupan sebenar. Pakaian seorang lelaki miskin, pakaian kaya seorang istana, perisai tentera sering di muka, sebelum kenalan rapat dengan seseorang, banyak menentukan sikap kita terhadapnya. Komposisi pakaian yang terdiri daripada butiran pakaian yang biasa, tetapi dengan cara yang istimewa, "bercakap", boleh menekankan ciri-ciri tertentu dalam watak watak, mendedahkan intipati peristiwa yang berlaku dalam drama itu, dan menceritakan tentang masa sejarah. Kostum teater membangkitkan persatuannya sendiri dalam penonton, memperkaya dan memperdalam kesan kedua-dua persembahan dan wira.

Dengan reka bentuk, potongan, tekstur, kostum teater, sebagai peraturan, berbeza daripada yang biasa. Keadaan semula jadi (hangat - sejuk), kepunyaan sosial seseorang (petani, penduduk kota), dan fesyen juga memainkan peranan penting dalam kehidupan. Dalam teater, banyak juga ditentukan oleh genre persembahan, gaya artistik persembahan. Dalam balet, sebagai contoh, dalam koreografi tradisional, tidak boleh ada pakaian berat. Dan dalam persembahan dramatik yang tepu dengan pergerakan, kostum itu tidak seharusnya menghalang pelakon daripada berasa bebas di ruang pentas.

Selalunya, artis teater, melukis lakaran untuk pakaian, memutarbelitkan dan membesar-besarkan bentuk tubuh manusia.

Kostum dalam drama bertema moden, anehnya, adalah salah satu masalah yang paling sukar. Tidak mustahil untuk membawa seorang pelakon yang berpakaian di kedai berdekatan ke atas pentas. Hanya pemilihan butiran yang tepat, skema warna yang difikirkan dengan baik, korespondensi atau kontras dalam penampilan wira akan membantu kelahiran imej artistik.

Kostum itu menggabungkan simbolisme budaya tradisional. Memakai pakaian orang lain adalah menggunakan penampilan orang lain. Dalam drama oleh Shakespeare atau Goldoni, heroin berpakaian lelaki - dan menjadi tidak dikenali walaupun untuk orang rapat, walaupun, selain daripada kostum, dia tidak mengubah apa-apa dalam penampilannya. Dalam aksi keempat Hamlet, Ophelia muncul dalam baju panjang, dengan rambut kembang (berbeza dengan pakaian mahkamah dan gaya rambut) - dan penonton tidak memerlukan kata-kata, kegilaan heroin jelas kepadanya. Lagipun, idea bahawa kemusnahan keharmonian luaran adalah tanda kemusnahan keharmonian dalaman wujud dalam budaya mana-mana orang.

Simbolisme warna (merah - cinta, hitam - kesedihan, hijau - harapan) dan dalam pakaian sehari-hari bermain peranan tertentu... Tetapi pihak teater telah menjadikan warna dalam pakaian sebagai salah satu cara untuk menyatakan keadaan emosi watak. Jadi, Hamlet pada sienna teater yang berbeza sentiasa berpakaian hitam.

1.3. Peranan kostum teater dalam seni pentas

Menjelang pertengahan abad ke-18. salah satu prinsip asas seni Siena ialah prinsip peranan (dari bahasa Perancis emploi - "aplikasi"). Setiap pelakon memilih jenis peranan tertentu untuk dirinya sendiri dan mengikut pilihannya sepanjang hidupnya. Terdapat peranan penjahat, sederhana, kekasih, orang yang munasabah (resonator), dan lain-lain. Pelakon yang memainkan watak sedemikian mengembangkan teknik khas, mencipta gerak isyarat khas, cara bercakap, dan mencipta perincian pakaian yang tersendiri. Pekerja teater sentiasa menentang peranan, yang menyokong pembaharuan seni pentas. Mereka betul-betul percaya bahawa tidak ada penjahat, kekasih, pelayan yang sama, dan oleh itu peranan itu harus dibatalkan. Pada abad XX. konsep ini tidak lagi digunakan. Walau bagaimanapun, anda masih boleh melihat, sebagai contoh, pengumuman sedemikian: "Teater sedang mencari pelakon untuk peranan watak negatif." Prinsip lama terbukti tabah.

Di Itali dan sebahagiannya di Austria, mereka menyukai improvisasi (dari bahasa Latin improvisus - "tidak dijangka", "tiba-tiba"), iaitu, cara bermain, di mana pada saat persembahan teknik plastik atau intonasi baru boleh dilahirkan. Orang Perancis terbiasa mengikut peraturan yang dibangunkan pada abad ke-17. Perkataan itu dianggap sebagai perkara utama dalam teater, jadi para pelakon banyak bekerja pada teks dan menunjukkan keindahan ucapan pada persembahan. Pada Adegan Rusia dimainkan walaupun Diderot - mendengar hati. Pada masa itu, ramai negara Eropah terdapat institusi pendidikan yang melatih pelakon. Yang tertua ialah Konservatori Paris (yang termasuk kelas drama).

Abad XX memberikan seni teater begitu banyak teori kemahiran berlakon tidak seperti abad yang lain. Pelakon, pengarah, penulis drama berusaha untuk membangunkan sistem mereka sendiri. Salah satu yang paling terkenal adalah milik Konstantin Sergeevich Stanislavsky (1863-1938), salah seorang pengasas Teater Seni Moscow. Karya Stanislavsky - "Kerja seorang pelakon pada dirinya sendiri" dan "Karya seorang pelakon dalam peranan" menjadi sejenis bible untuk pelakon. Minat terhadap teknik, yang muncul pada dekad pertama abad ke-20, tidak berkurangan pada akhir abad ini. Teori-teori baru, malah menyangkal kenyataan Stanislavsky, dalam satu atau lain cara, bergantung pada karya-karya yang benar-benar mencipta zaman ini.

S. Stanislavsky sendiri adalah seorang pelakon, sejak kecil dia tampil dalam kedua-dua persembahan amatur dan profesional. Dia terpesona dengan teka-teki profesion, makna dan bentuk kewujudan artis di atas pentas. Stanislavsky menyamaratakan pemikirannya tentang seni teater hanya pada usia matangnya, apabila dia telah mengumpul banyak pengalaman - baik lakonan, pengarahan, dan pengajaran.

Pelakon itu boleh mencapai kebenaran perasaan, jika dia benar-benar menjelma semula, "masuk ke dalam kulit" wiranya. Idea ini telah dinyatakan oleh artis Rusia yang hebat Mikhail Semyonovich Schepkin, dan Stanislavsky mengembangkan teknik yang anda boleh membiasakan diri dengan peranan itu. Pengarah menganggap didikan pelakon itu penting - kerani teater mesti mempunyai etika yang istimewa, tahu kenapa dia naik pentas dan apa yang dia ingin beritahu penonton. "Peranan seorang pelakon tidak berakhir dengan melabuhkan tirai - dia wajib menjadi pencari dan panduan kecantikan dalam hidup," tulis Stanislavsky.

Lelaki moden selalunya tidak boleh berkelakuan secara semula jadi, mengikut intipati batinnya. Untuk memahami wira, pelakon mesti "menembusi" ke dalam jiwanya apabila dia tidak terikat dengan konvensyen kehidupan rasmi. Stanislavsky menyeru untuk menunjukkan watak-watak "melalui cerita dalaman mereka."

Untuk masa yang lama dalam seni pentas, masalah ensembel pelakon tidak diselesaikan. Dalam persembahan teater romantisme, seorang pelakon, pelakon peranan utama, sering menonjol. Kadang-kadang penonton mengikuti beberapa pelakon, terutamanya jika mereka bermain duet cinta. Di teater abad XX. - sebahagian besarnya terima kasih kepada Stanislavsky - ia adalah kumpulan pelakon yang menjadi penting. Seorang lagi pengarah cemerlang, Vsevolod Emilievich Meyerhold (1874-1940), juga menulis tentang kepentingan ensemble sedemikian. Ia adalah "kumpulan orang" yang sepatutnya memaparkan gambaran kehidupan di hadapan penonton, dan bukan seorang pelakon solo.

Dalam seni teater moden, ia beransur-ansur terbentuk jenis baru pelakon teater drama. Artis seperti itu sudah biasa dengan sekolah kebangsaan terkemuka, telah membaca Stanislavsky, Grotovsky, Artaud, Brecht, juga berminat dengan idea-idea baru. Dia boleh memilih, tetapi lebih kerap dalam karyanya, unsur-unsur sekolah yang berbeza, teknik teknik lakonan yang dipinjam daripada teori yang berbeza wujud bersama dengan agak aman. Pelakon akhir abad ke-20, kedua-dua Rusia dan Barat, menguasai teknik membiasakan diri dengan imej watak, dan prinsip detasmen, dan penambahbaikan. Atas nama mencapai kebebasan kewujudan seperti itu, pelakon dan pengarah hebat masa lalu bekerja di atas pentas - mereka ragu-ragu, kecewa, mereka mempunyai kejayaan yang memekakkan telinga dan kegagalan besar.

Idea K.S. Stanislavsky telah dibangunkan oleh penyair, pengarah dan pelakon Perancis Antonin Artaud (nama sebenarnya Antoine Marie Joseph, 1896-1948) dan pengarah Poland Jerzy Grotowski. Artaud dan Grotowski percaya bahawa seorang lelaki abad ke-20 tidak tahu nafsu yang kuat; dia bermain, tetapi tidak hidup. Tujuan pelakon adalah untuk mengembalikan penonton kepada perasaan sebenar, pengalaman tulen. Tetapi untuk ini dia mesti terlebih dahulu melepaskan dirinya untuk bermain kehidupan biasa... Artaud dan Grotowski dibangunkan sistem sendiri penyediaan tuan adegan. Pelakon itu, menurut pengarah Perancis itu, lebih daripada satu profesion. Teater ialah seni yang paling berkesan, direka untuk membebaskan orang daripada belenggu konvensyen, untuk membawa puisi yang tinggi ke dalam kehidupan. Pandangan Artaud tentang seni pelakon adalah sebahagian besarnya utopia, tetapi, bagaimanapun, teorinya mempengaruhi seni teater dunia.

Bab 2. Kostum teater Rusia pada awal abad XX

2.1. Dasar budaya Rusia pada awal abad XX. Ciri-ciri perkembangan seni teater berdasarkan dasar budaya baharu

Revolusi Oktober 1917 ternyata menjadi titik perubahan besar dalam nasib budaya Rusia. Titik perubahan dalam erti kata literal: budaya Rusia, yang berkembang sepanjang garis menaik, mencapai titik tertinggi dan pengiktirafan di seluruh dunia semasa Zaman Perak, telah dihentikan dan pergerakannya menurun secara mendadak. Titik perubahan itu dibuat dengan sengaja, dibina mengikut pelan yang telah disediakan sebelum ini dan tidak mewakili malapetaka spontan penawanan sesebuah negara oleh negara lain dan kemarahan terhadap budayanya, yang terdapat dalam sejarah dunia.

Tiada apa-apa yang berlaku di Rusia pada masa itu. Bolshevik adalah daging rakyat Rusia, tetapi mereka bertindak dengan budayanya seperti yang dilakukan oleh penakluk, yang tidak menyukai perintah lama dan memutuskan untuk menggantikannya dengan yang baru.

Dengan kemenangan revolusi Oktober kerajaan Soviet segera memulakan dasar kebudayaan baru. Ini bermakna penciptaan jenis budaya yang belum pernah berlaku sebelum ini - proletariat - budaya, berdasarkan yang paling revolusioner dan maju, seperti yang dipercayai, ideologi Marxisme, didikan jenis orang baru, penyebaran literasi dan pencerahan universal. , penciptaan karya seni monumental yang memuji eksploitasi buruh rakyat biasa. Seperti yang difikirkan, budaya proletariat adalah untuk menggantikan budaya mulia dan borjuasi. Budaya bangsawan Rusia tidak sampai 150 tahun, dan usia borjuasi lebih kurang, kerana kapitalisme di Rusia, jika anda mengira dengan kriteria formal, wujud hanya selama 57 tahun (1861-1917). V Eropah barat, di mana umur yang pertama diukur selama berabad-abad, dan umur yang kedua melebihi 150 tahun, masalah revolusioner mengancam mereka ke tahap yang lebih rendah.

Tanpa membuat perbezaan yang jelas antara budaya bangsawan dan borjuasi, Bolshevik tiba-tiba memutuskan untuk menangani kedua-duanya sebagai warisan masa lalu yang tidak perlu. Bukan sahaja ikon dan sepanduk, tetapi juga jilid puisi Pushkin terbang ke dalam api revolusi yang marak. Slogan tahun pertama sejarah Soviet "Mari kita buang Pushkin dari kapal zaman kita!" dijelmakan dengan konsistensi yang kejam dan dengan sokongan penuh pihak berkuasa. Sebenarnya, dia, titik perubahan besar, telah dimulakan oleh mereka. Revolusi budaya yang berlaku pada era itu adalah contoh tipikal revolusi dari atas yang mengiringi pemodenan bukan organik.

3a penciptaan budaya baru Bolshevik mengambil tindakan dengan cepat dan tegas. Selaras dengan dekri 9 November 1917, Suruhanjaya Pendidikan Negeri telah ditubuhkan untuk membimbing dan mengawal budaya. Dalam kerajaan yang dibentuk (SNK RSFSR), A.V. Lunacharsky (1874-1933) dilantik sebagai Komisar Pendidikan Rakyat. Di Komisariat Pendidikan Rakyat, sebuah jabatan untuk pendidikan minoriti negara telah dibentuk untuk menguruskan hal ehwal kebudayaan di wilayah kebangsaan RSFSR. kuasa Soviet organisasi awam, profesional dan kreatif yang berfungsi sebelum revolusi telah dimansuhkan - Kesatuan Guru Seluruh Rusia, Kesatuan Tokoh budaya seni, Kesatuan Pekerja Seni, dsb. Organisasi kebudayaan baru timbul - Turun dengan Buta Huruf, Kesatuan Atheis, Persatuan Rakan Radio, dsb.

Sudah pada tahun 1917, Hermitage, Muzium Rusia, Galeri Tretyakov, The Armory dan banyak lagi muzium lain. Koleksi peribadi S.S. Shchukin, Mamontovs, Morozovs, Tretyakovs, V.I. Dahl, I.V. Tsvetaeva.

Institusi autonomi profesional golongan cerdik pandai - penerbitan bebas, kesatuan kreatif, persatuan kesatuan sekerja - telah dibubarkan langkah demi langkah. Malah sains diletakkan di bawah kawalan ideologi yang ketat. Akademi Sains, yang sentiasa agak bebas di Rusia, telah digabungkan dengan Akademi Komunis, di bawah Dewan Komisaris Rakyat dan bertukar menjadi institusi birokrasi. Sejak akhir tahun 1920-an, kecurigaan terhadap golongan cerdik pandai lama telah digantikan dengan penganiayaan politik: urusan Shakhty, proses Parti Perindustrian, Parti Petani Buruh memberi keterangan bahawa pemusnahan fizikal golongan cerdik pandai Rusia bermula di negara ini.

Serentak dengan pembubaran cerdik pandai lama, penciptaan cerdik pandai Soviet diteruskan, dan lebih-lebih lagi, dipercepatkan melalui "kenaikan pangkat" (pekerja semalam dinaikkan pangkat kepada pengarah oleh badan parti), fakulti pekerja (fakulti persediaan untuk pendidikan dipercepatkan dan penyediaan pekerja ' dan pemuda petani untuk memasuki universiti; kaedah ", di mana seorang pelajar melaporkan untuk keseluruhan kumpulan). Akibatnya, sudah pada tahun 1933, USSR mengatasi Jerman, England, Jepun, Poland dan Austria dari segi bilangan pelajar yang diambil.

Dasar kebudayaan baharu itu bertujuan untuk "menyediakan kepada pekerja semua khazanah seni yang dicipta berdasarkan eksploitasi tenaga kerja mereka," seperti yang diisytiharkan pada Kongres VIII RCP (b). Cara yang paling berkesan dianggap sebagai nasionalisasi umum - bukan sahaja kilang dan kilang, tetapi juga teater dan galeri seni. Akses percuma orang ramai kepada khazanah budaya dunia, mengikut rancangan itu, sepatutnya membuka jalan kepada pencerahan umum Rusia. Pada masa yang sama, nasionalisasi monumen budaya bertujuan untuk melindungi mereka daripada kemusnahan, kerana negara mengambilnya di bawah perlindungannya. Muzium dan dewan pameran, kelab ateis dan planetarium telah ditubuhkan di estet, gereja dan institusi bandar yang mulia. Antara 1918 dan 1923, kira-kira 250 muzium baharu telah diwujudkan. Pemulihan beberapa monumen telah bermula. Pada tahun 1918-1919, lebih daripada 65 monumen bersejarah dan seni telah dipulihkan, dan pada tahun 1924 - 227. Dengan perintah Majlis Komisaris Rakyat RSFSR pada 27 Ogos 1919, industri fotografi dan sinematografi telah dinasionalisasikan. Kerja kilang filem dan pawagam diketuai oleh Jabatan Foto dan Filem All-Russian (VFKO) Komisariat Pendidikan Rakyat, yang diubah menjadi Goskino pada tahun 1923, dan di Sovkino pada tahun 1926. Pada tahun 1918, negara mengambil alih institusi muzik terbesar: konservatori, Teater Bolshoi, Panggung Opera Mariinskii, kilang alat muzik, rumah penerbitan muzik. Konsert baru dan organisasi pendidikan muzik, institusi pendidikan muzik dicipta, kumpulan amatur telah dianjurkan.

Walau bagaimanapun, nasionalisasi yang sama membuka jalan untuk kebiadaban budaya yang tidak dapat dilihat sebelum ini: perpustakaan yang tidak ternilai hilang, arkib dimusnahkan; di rumah dan gereja mulia, bukan sahaja kelab dan sekolah didirikan, tetapi juga gudang dan bengkel. Lama kelamaan, banyak bangunan keagamaan runtuh sepenuhnya, dan beberapa ribu kuil dan biara di seluruh negara telah dihapuskan sepenuhnya dari muka bumi. Apabila Bolshevik memerlukan mata wang yang sukar untuk memulihkan ekonomi negara, berpuluh-puluh gerabak khazanah seni, termasuk ikon nilai sejarah, dijual di luar negara dengan harga yang hampir tiada. Berpegang pada prinsip pendekatan kelas, beratus-ratus monumen lama telah dimusnahkan di bandar-bandar, di mana patung pahlawan revolusioner didirikan, jalan-jalan dan dataran dinamakan semula.

Proletkult (Budaya Proletariat), sebuah organisasi kebudayaan, pendidikan, sastera dan seni (1917-1932) daripada pertubuhan amatur proletariat di bawah Komisariat Pendidikan Rakyat, berjuang dengan lebih aktif daripada yang lain. Proletkult muncul pada musim gugur 1917 dan tidak lama kemudian mempunyai lebih 200 organisasi tempatan dalam pelbagai bidang seni, terutamanya kesusasteraan dan teater. Ahli ideologinya (A.A.Bogdanov, V.F.Pletnev) menyebabkan kerosakan yang serius perkembangan seni negara menafikan warisan budaya. Proletkult menyelesaikan dua tugas - untuk memusnahkan budaya mulia lama dan mencipta budaya proletariat baru. Dia berjaya mengatasi yang pertama, dan yang kedua kekal sebagai kawasan percubaan yang tidak berjaya.

Proletkult memainkan peranan negatif kerana ia cuba menyelesaikan masalah dengan kaedah serangan pasukan berkuda di mana mereka, kaedah ini, sama sekali tidak sesuai. Dia bukan asas, tetapi hanya ungkapan melampau pendekatan Bolshevik terhadap budaya, yang mana RSDLP tidak lama kemudian cuba menyingkirkannya. Yakin dengan kaedah pelampau yang tidak sesuai untuk menyelesaikan masalah berskala besar yang berkaitan dengan budaya, Bolshevik meneruskan serangan secara beransur-ansur dan lebih terkoordinasi.

Dalam sistem pendidikan, nasionalisasi digantikan dengan nasionalisasi, yang, seperti nasionalisasi, mengejar beberapa matlamat. Pertama, pentadbiran sekolah dan universiti, yang telah kehilangan kebebasan akademik dan imuniti mereka, adalah bawahan kepada aparat parti, yang melantik dan menggantikan tenaga pengajar, dan menentukan kuota untuk kemasukan pelajar. Kedua, kawalan ideologi yang berwaspada telah ditubuhkan ke atas pelajar dan profesor, kandungan pengetahuan yang diajar dan diperoleh. Ketiga, skala dan volum pendidikan awam berkembang dengan mendadak, dan hampir semua segmen penduduk mendapat akses kepada pendidikan awam percuma. Akibatnya, sudah pada tahun 1921 bilangan universiti di negara ini meningkat kepada 244 berbanding 91 di Rusia pra-revolusi. Dekri "Mengenai peraturan kemasukan ke institusi pendidikan tinggi" (1918) membenarkan kemasukan percuma ke universiti. Bukan sahaja yuran pengajian dan peperiksaan kemasukan dimansuhkan - malah diploma sekolah tinggi tidak diperlukan.

Kempen besar-besaran untuk membasmi buta huruf di kalangan orang dewasa dan kanak-kanak telah dilancarkan di negara ini. Pada tahun 1919, dekri "Mengenai penghapusan buta huruf di kalangan penduduk RSFSR" telah dikeluarkan, mewajibkan semua orang buta huruf berumur 8 hingga 50 tahun belajar membaca dan menulis dalam bahasa ibunda mereka atau Rusia. Suruhanjaya kecemasan telah ditubuhkan di mana-mana untuk membasmi buta huruf. Masyarakat "Turun dengan buta huruf" diketuai oleh M.I. Kalinin, V.I. Lenin, A.V. Lunacharsky. Rangkaian luas sekolah, kalangan dan kursus telah dicipta. Pada tahun 1913-1920. kira-kira 7 juta orang telah memperoleh celik huruf. Menurut Banci All-Union 1939, bilangan orang celik berumur 16 hingga 50 tahun telah meningkat kepada 90%. Bilangan pelajar di sekolah pendidikan am melebihi 30 juta, berbanding 7.9 juta pada tahun 1914, dan bilangan graduan universiti melebihi 370 ribu. Bilangan penyelidik yang bekerja di 1,800 institusi penyelidikan meningkat kepada 100 ribu, melepasi tahap 1913 hampir 10 kali ganda. .

Latihan paksa pelajar sekolah dan pelajar pada mulanya menyebabkan penurunan yang ketara dalam kualiti pendidikan. Graduan boleh membaca, tetapi tidak memiliki pencapaian sains yang maju pada masa itu, dan di FZU (sekolah kilang) tahap pengetahuan selalunya hanya bencana dan bersempadan dengan buta huruf berfungsi (keupayaan membaca, tetapi ketidakupayaan untuk memahami apa yang dibaca) . Kerajaan Soviet bertindak sebagai, mungkin, mana-mana kepimpinan lain yang diletakkan dalam keadaan yang melampau akan dilakukan di tempatnya: berjuta-juta pakar dan saintis yang kompeten berhijrah dari negara itu, keperluan untuk memulihkan ekonomi negara yang musnah akibat perang, dan kemudian pembinaan yang meluas daripada beribu-ribu perusahaan baharu memerlukan latihan terpantas bagi bingkai yang layak. Negara yang dikelilingi oleh lawan ideologi memerlukan potensi pertahanan yang kuat. Dalam situasi yang sama, semua sumber telah dilontarkan kepada peningkatan. sains teknikal dan industri pertahanan, di mana kuasa intelek terbaik tertumpu.

Sejak itu, nisbah dana belanjawan yang diperuntukkan oleh negara untuk pembangunan sains dibina dalam nisbah kira-kira 95: 5 memihak kepada pengetahuan teknikal dan semula jadi, pada tahun 30-an dasar sedemikian membuahkan hasil. Atas dasar penyelidikan saintifik ahli akademik S.Z. Lebedev (1874-1934) di USSR, buat pertama kalinya di dunia, pengeluaran besar-besaran getah sintetik telah dianjurkan. Terima kasih kepada penemuan saintifik cemerlang ahli fizik Soviet, prinsip radar telah diperkenalkan ke dalam kehidupan buat kali pertama di dunia. Di bawah pimpinan Ahli Akademik A.F. Ioffe (1880-1960), sebuah sekolah ahli fizik yang terkenal di dunia telah dicipta, yang memberikan sumbangan besar kepada kajian nukleus atom dan sinar kosmik. Pada tahun 1930-an, sains dan teknologi Soviet mencipta pesawat kelas pertama, di mana juruterbang kami mencipta rekod dunia untuk jarak dan ketinggian.

Hasil revolusi budaya, baik positif dan negatif, tidak hanya mempengaruhi sains dan pendidikan, tetapi juga dalam penyusunan semula budaya kehidupan seharian.

Ahli sejarah yang mengkaji zaman Soviet dalam sejarah kita percaya bahawa pada tahun 1930-an satu perubahan yang baru dan tidak kurang radikal berlaku dalam aktiviti Bolshevik berbanding pada tahun 1917. Khususnya, ahli sosiologi Amerika N. Timashev (berhijrah dari Rusia) mengemukakan tesis bahawa pada tahun 30-an dasar dalaman USSR tidak lagi sesuai dengan cita-cita revolusioner yang dominan sebelumnya. Dasar budaya Bolshevik awal adalah berdasarkan radikalisme: nilai dan keperluan keluarga ditolak, pengabaian ibu bapa mereka, jika mereka berasal dari "borjuasi", budaya lama digalakkan. Filistinisme dan kesederhanaan dikutuk dengan cara yang sama, dan keutamaan tanpa syarat masyarakat dan kolektif terhadap individu telah ditegaskan. Mengikuti Mayakovsky, golongan cerdik pandai parti berusaha membina model keluarga baharu, bebas daripada cemburu, prasangka, dan prinsip hubungan tradisional antara wanita dan lelaki.

Pada pertengahan 1930-an, pembalikan telah diperhatikan - peralihan daripada pertapaan revolusioner kepada kesejahteraan kehidupan peribadi dan bentuk tingkah laku yang lebih bertamadun. Cita-cita keluarga, dedikasi kepada perkhidmatan dan kerjaya profesional, nilai pendidikan klasik sedang dipulihkan. Perubahan berlaku dalam kehidupan seharian, cita rasa, dan adab. Akhbar dan majalah tahun 30-an secara meluas membincangkan masalah budaya manusia, institut kosmetik dan kebersihan Glavparfumer dibuka di Moscow dan majalah fesyen muncul.

Seni teater juga tidak berhenti. Dengan dekri Majlis Komisaris Rakyat (1917), teater dipindahkan ke bidang kuasa Komisariat Pendidikan Rakyat. Pada tahun 1919, Dekri Dewan Komisaris Rakyat yang ditandatangani oleh V.I.

Teater Rusia tertua mengambil langkah pertama ke arah penyesuaian semula dengan penonton baru yang bekerja, memikirkan semula klasik - dalam beberapa kes menafsirkannya dari segi "konsonan revolusi" ("Posadnik" oleh AK Tolstoy, 1918, "Old Man "oleh Gorky, 1919, kedua-duanya dalam teater Maly). Imej monumental dan patriotik Mystery Buff oleh Mayakovsky (dipentaskan oleh Meyerhold pada tahun 1918) meletakkan asas untuk penciptaan persembahan yang tajam dari segi politik, disemai dengan semangat percintaan revolusioner, dan menyumbang kepada pembangunan teater pergolakan. Yang sangat penting dalam pembangunan budaya teater ialah interaksi kreatif dan persaingan teater Rusia tertua, yang dikhususkan dalam kumpulan akademik, seperti Maly, Teater Seni Moscow, Alexandrinsky, dan yang baru dianjurkan - Studio Teater Seni Moscow ke-3, Teater Revolusi Teater RSFSR, Teater yang dinamakan sempena I. MGSPS, Teater Drama Bolshoi - di St. Petersburg, Teater "Red Torch", dsb. Bolshoi teater drama telah diasaskan di Petrograd dengan penyertaan M.F. Andreeva, A.A. Blok, M. Gorky, A.V. Lunacharsky sebagai teater himpunan heroik. Pengerusi dan ketuanya ialah A.A. Sekat. Persembahan itu dipentaskan oleh pengarah N.N. Arbatov, R.V. Boleslavsky, A.N. Lavrentiev, direka oleh artis A.I. Benois, A.V. Dobuzhinsky, V.A. Pike. Muzik untuk teater ditulis oleh komposer B.V. Astafiev, Yu. A. Shaporin, dan N.F. Monakhov, V.V. Maksimov, V. Ya. Safronov.

Perkembangan teater pada masa ini sangat dipengaruhi oleh aktiviti seluruh galaksi pengarah berbakat: K.S. Stanislavsky, V.I. Nemirovich-Danchenko, V.E. Meyerhold, E.B. Vakhtangov, A. Ya. Tairova, A.D. Popova, K.A. Mardzhanishvili, G.P. Yura. Pelakon generasi pra-revolusi yang lebih tua - M.N. Ermolova, A.M. Yuzhin, A.A. Ostuzhev, E. D. Turchaninov, A.A. Yablochkina (Teater Maly), I.M. Moskvin, V.I. Kachalov, L.M. Leonidov, M.P. Lilina, O. L. Knipper-Chekhov (Teater Seni Moscow) dan lain-lain. Pada masa yang sama, generasi muda mencurah-curah pelakon berbakat- N.P. Khmelev, A.K. Tarasova, N.P. Batalov, M.M. Yanshin, K.N. Elanskaya, B.K. Livanov, B.V. Shchukin, E.N. Gogolev, A.A. Khorava, A.A. Vasadze, A. Khidoyatov, S.M. Mikhoem, N.M. Uzhviy dan lain-lain. Banyak teater baharu dan studio teater, teater mudah alih turut dicipta. Teater kanak-kanak pertama di dunia muncul.

Dalam tempoh apabila asas seni budaya Soviet, peranan penting dimainkan oleh aktiviti pemuzik generasi yang lebih tua, yang menjalankan hubungan hidup antara masa lalu pra-revolusi muzik Rusia dan pentas Soviet barunya: komposer A.K. Glazunova, M.M. Ippolitova-Ivanova, A.D. Kastalsky, R.M. Glier, S.N. Vasilenka, A.F. Gedike, M.F. Gnesin, penghibur dan guru K.N. Igumnova, A.B. Goldenweiser, L.V. Nikolaev, pengkritik dan ahli muzik V.G. Karatygina, A.V. Ossovsky, B.F. Asafieva, B.L. Yavorsky, M.V. Ivanov-Boretsky.

Dalam dekri Majlis Komisaris Rakyat RSFSR "Pada Konservatori Moscow dan Petrograd" bertarikh 12 Julai 1918, untuk pertama kalinya, konsep "pembinaan muzik negeri. Teater Bolshoi dan Mariinsky, Sekolah Sinodal di Moscow, konservatori, rumah penerbitan muzik, dan kilang alat muzik telah dipindahkan ke negeri ini. Ramai komposer, penghibur, ahli muzik mengambil bahagian aktif dalam kerja pendidikan dan seni dan propaganda. Antaranya B.F. Asafiev, S.N. Vasilenko, A.K. Glazunov, M.F. Gnesin, A.D. Kastalsky, L.V. Nikolaev, V.V. Shcherbachev, F.M. Chaliapin dan lain-lain. Pada tahun 1930-an, kejayaan pertama dicapai dalam penciptaan opera Soviet: "Quiet Doh" oleh II. Dzerzhinsky (1935), "Dalam Ribut" oleh T.N. Khrennikov (1939, edisi kedua 1952), "Semyon Kotko" oleh S. Prokofiev (1939). Salah satu opera Soviet yang paling cemerlang ialah Katerina Izmailova karya Shostakovich (Lady Macbeth dari Daerah Mtsensk, 1932, disemak 1962). Antara opera mengenai tema kontemporari, yang ditulis pada tahun-tahun selepas perang, "Virineya" oleh S.M. Slonimsky (1967) dan "Bukan sahaja cinta" oleh R.K. Shchedrin (jawatan. 1961).

Perkembangan muzik vokal dan instrumental chamber dibuat oleh A.N. Alexandrov, N. Ya. Moskovsky, S.S. Prokofiev, G.V. Sviridov, Yu.A. Shaporin, V. Ya. Shebalin, D.D. Shostakovich, B.N. Tchaikovsky, B.I. Tishchenko, V.A. Gavrilin.

Balet Soviet menjalani pembaharuan radikal. Mengikuti tradisi Tchaikovsky, Glazunov, Stravinsky, dalam genre ini, komposer Soviet menegaskan kepentingan muzik sebagai elemen yang paling penting dan menentukan drama koreografi. Gorsky, yang mengarahkan rombongan Teater Bolshoi sehingga 1922, mengadakan persembahan klasik (The Nutcracker, 1919) dan persembahan baharu (Stenka Razin oleh A.K. Glazunov, 1918; Eternally Fresh Flowers kepada muzik oleh B.F. Asafiev, 1922, dan lain-lain). Imej-imej orang revolusioner secara artistik terwujud dalam balet Red Poppy (Bunga Merah) oleh Glier (1927, edisi kedua 1949), The Flames of Paris oleh Asafiev (1932), Laurencia oleh A.A. Kren (1937). Pembaharu yang berani ialah Prokofiev, yang mencipta balet Romeo dan Juliet (1936) - tragedi mendalam, muzik dan koreografi yang menawan dalam kuasanya. Antara komposer yang berjaya berkarya genre balet, - A.I. Khachaturian (Spartak, 1954), A.P. Petrov (The Creation of the World, 1971), R. Shchedrin (Anna Karenina, 1972).

Pada pergantian tahun 1920-an dan 1930-an, graduan sekolah balet Soviet datang ke teater: M.T. Semenova, G.S. Ulanova, N.M. Dudinskaya, O.V. Lepeshinskaya.

^
2.2. Ciri-ciri pakaian teater awal abad kedua puluh 22

2.3. Kostum teater sebagai imej zaman 25

Kesimpulan 33

Rujukan 36

Semasa Renaissance, kumpulan profesional tetap pertama mula muncul di Eropah. Mereka berkeliaran atau dipaku ke satu tempat. Orang lebih suka ketawa daripada menangis, jadi para pelakon memasangkan cerita ringan, drama komik, sandiwara dan parodi. Pelawak jelajah meneruskan tradisi zaman pertengahan dan (seperti keseluruhan budaya Renaissance) beralih kepada warisan purba. Kumpulan terawal seperti itu muncul di Itali. Di sinilah teater commedia dell "arte" muncul, iaitu "komedi topeng".

Dalam commedia dell'arte hanya terdapat satu hiasan - jalan bandar. Tidak ada plot kekal: ketua rombongan (kapokomiko) memintanya, dan para pelakon membuat improvisasi, seperti di Atellans kuno. Helah dan kata-kata yang membangkitkan kelulusan orang ramai diulang dan diperkukuh. Aksi itu berkisar tentang cinta orang muda, yang diganggu oleh orang tua dan dibantu oleh orang suruhan.

Peranan paling penting dalam komedi dimainkan oleh topeng. Topeng hitam boleh menutupi seluruh atau sebahagian muka. Kadang-kadang ia adalah hidung terpaku atau cermin mata bodoh. Perkara utama ialah mencipta wajah biasa, menunjuk kepada kartun.

Terdapat dua keperluan untuk kostum: kemudahan dan komik. Oleh itu, di satu pihak, ia menyerupai pakaian zaman pertengahan, dan di sisi lain, ia ditambah dengan butiran lucu yang khas.

Sebagai contoh, Pantalone - seorang saudagar kasut murah - sentiasa bersama dompetnya. Pakaiannya serupa dengan saudagar Venetian: jaket yang diikat dengan selempang, seluar pendek, stoking, jubah dan beanie. Tetapi pada suatu hari artis itu naik ke pentas dengan seluar lebar merah, perincian ciri ini disukai oleh penonton. Akibatnya, Pantalone dan seluarnya telah banyak bergabung dalam fikiran orang ramai sehinggakan dari masa ke masa, nama biasa seluar dalam wanita, seluar dalam, terbentuk daripada nama peribadi.

Doktor itu - seorang lagi wira commedia dell'arte - mempersembahkan parodi seorang saintis dan keluar dengan jubah akademik hitam dengan kolar renda dan manset. Di tangannya sentiasa ada skrol kertas di kepalanya - topi lebar.

Kapten adalah seorang pengembara tentera, memakai cuirass, seluar lebar, but dengan taji besar, jubah pendek dan topi dengan bulu. Sifatnya yang berterusan adalah pedang kayu, yang pasti akan tersangkut di sarungnya apabila diperlukan.

Watak yang paling banyak dan pelbagai adalah hamba (zanni), kerana mereka adalah "enjin kemajuan" dalam konflik cinta. Pulcinella mempunyai hidung mancung yang besar; Harlequin mempunyai sejumlah tampalan sehingga lama kelamaan ia digayakan menjadi papan dam, Pierrot mempunyai baju putih lebar dengan kolar pemotong dan seluar panjang; Brighella ada blaus putih lebar dan seluar macam tu.

ini teater rakyat, terima kasih kepada plot ringannya, jauh lebih popular daripada teater Shakespeare atau Lope de Vega, yang memberi lebih keutamaan bukan kepada hiburan, tetapi kepada kedalaman kandungan. Untuk karya Lope de Pegas, sebagai contoh, walaupun nama "komedi jubah dan pedang" muncul, kerana di dalamnya para artis benar-benar bermain hanya dalam pengarang kontemporari pakaian rumah.

Selari dengan rombongan yang mengembara, terdapat teater mahkamah, pakaiannya berjumlah ratusan dan dibezakan oleh kosnya yang tinggi. Mereka ditunjukkan secara berasingan daripada persembahan drama itu.

Pada abad ke-17-18, perkembangan kostum teater mula merosot. Perkataan itu dibawa ke hadapan, dialog menyerap semua perhatian penonton. Pentas itu menggunakan sut harian tanpa historisisme. Ini adalah pakaian bergaya biasa pada masa itu. Benar, dalam permainan anda tidak akan melihat seorang hamba yang compang-camping atau seorang gembala yang berpakaian buruk. Saman itu telah diperhalusi. Ini adalah akibat daripada dramatisasi kehidupan. Teater ini terlibat secara mendalam dalam kehidupan seharian sehingga sempadan antara kostum "teater - setiap hari" dipadamkan. Perlu diingatkan bahawa dalam XVII - XVIII abad pakaian teater sering mentakrifkan fesyen (seperti yang dinyatakan dalam bab sebelumnya). Para artis berpakaian lebih baik dan lebih mewah daripada yang lain. Pada abad XVII. untuk Monsieur ala mod di atas pentas, istimewa tempat duduk penonton, di mana mereka tidak begitu banyak menonton persembahan seperti membincangkan artis dan pakaian mereka.

Pada abad ke-17 dan ke-18, genre sintetik berkembang pesat: opera, balet, sarkas (walaupun mereka dikenali sebelum ini). Dalam genre ini ada aksi dramatik, dan aksi, dan muzik, dan nyanyian, dan solekan cerah yang tidak dapat dilupakan. Genre sintetik menggabungkan elemen kehidupan seharian. Sebagai contoh, tarian ballroom cancan (cancan Perancis) dengan ciri lontaran tinggi kaki timbul sekitar 70-an abad XVIII. Secara beransur-ansur, ia menjadi sebahagian daripada operetta - genre komedi muzik dan tarian.

Pada abad ke-19, minat terhadap sejarah dihidupkan semula dalam semua bidang budaya. Terima kasih kepada penemuan arkeologi dan sastera, adalah mungkin untuk mengetahui lebih lanjut tentang pakaian zaman dahulu, jadi dalam drama sejarah percubaan dibuat buat kali pertama untuk menghasilkan semula pakaian asli masa lalu.

Pembangunan realisme kritikal sebagai kaedah seni dan cara persepsi dunia membawa kepada fakta bahawa di atas pentas anda tidak akan lagi melihat wanita petani dalam peignoirs dan hamba berkanji. Di teater, prop seperti itu muncul, yang tidak disebut dengan kuat dalam masyarakat yang baik sebelum ini. Pencarian untuk bentuk ekspresif baharu membawa kepada solekan naturalistik. Inilah yang ditulis V.A.Gilyarovsky dalam eseinya tentang Moscow dan Muscovites:

"Pada tahun 1879, seorang budak lelaki di Penza di pendandan rambut teater Shishkov adalah seorang murid, Mitya kecil. Dia adalah kegemaran usahawan Penza VP Dalmatov, yang hanya membenarkannya menyentuh rambutnya dan mengajarnya solek. Pernah VP Dalmatov dalam faedahnya. persembahan memakai "Notes of a Madman" dan mengarahkan Mitya untuk menyediakan rambut palsu botak, yang membawa pundi kencing lembu basah ke persembahan dan mula meletakkan Dalmatov pada rambut Dalmatov yang disiapkan dengan baik ... Para pelakon berlari ke bilik persalinan di jerit pelakon.

Anda adalah seorang artis yang hebat, Vasily Panteleimonovich, tetapi izinkan saya juga menjadi seorang artis dengan kemahiran saya! - Melemparkan kepalanya ke V.P. Dalmatov yang tinggi, budak kecil itu membuat alasan. - Cuba sahaja!

V.P. Dalmatov akhirnya bersetuju - dan selepas beberapa minit gelembung itu diseret, disapu di sana-sini, dan mata B.P.Dalmatov bersinar dengan keseronokan: tengkorak sepenuhnya telanjang dengan mata hitamnya dan solek ekspresif membuat kesan yang kuat.

Pada giliran XIX dan abad XX, aliran modenisme menimbulkan bentuk baru pakaian teater. Pakaian digayakan, bertukar menjadi simbol. Orang Eropah menemui teater Timur, yang tercermin dalam kostum pentas.

Dalam matlamat pertama selepas Revolusi Oktober, kostum teater hilang sama sekali, ia digantikan dengan "keseluruhan", kerana pelakonnya adalah "pekerja teater".

Secara beransur-ansur, semuanya kembali normal, dan kostum teater kembali ke pentas semula. Lebih-lebih lagi, pada abad XX. terdapat pertunjukan baru seperti teater fesyen. Pertunjukan model telah bertukar menjadi pertunjukan muzikal dan drama. Jadi pakaian rumah tangga akhirnya "berkahwin" secara terbuka dengan teater.

Hantar kerja baik anda di pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah

Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan pangkalan pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.

Disiarkan pada http://www.allbest.ru/

FSBEI HE "Universiti Reka Bentuk dan Teknologi Omsk"

Ciri-ciri mereka bentuk pakaian teater kanak-kanak

Borisova E.A., Tolmacheva G.V.

Ringkasan

Artikel itu mengkaji pakaian teater kanak-kanak sebagai objek reka bentuk dengan banyak tugas. Sebagai contoh persembahan teater"Malaikat" membentangkan peringkat perkembangan kostum kanak-kanak, menentukan kehalusan spesifiknya, ciri pembuatan. Keperluan yang paling tipikal dipertimbangkan: berfungsi, estetik, ergometrik. Tetapi memandangkan kostum itu bukan sahaja mampu memikat hati pelakon untuk bermain dan membantu untuk mendedahkan imej, ia boleh membuat persembahan fungsi tambahan penting untuk kanak-kanak: kognitif dan perkembangan; penyesuaian dan perpaduan, meningkatkan persefahaman bersama dalam pasukan; pembangunan rasa keperibadian, bantuan dalam ekspresi diri. Menangani topik penyelidikan adalah relevan, kerana dalam tahun lepas banyak bulatan terbuka, studio kreatif, dan mereka bentuk pakaian teater kanak-kanak memerlukan analisis profesional, serius dan teliti.

Kandungan utama kajian

Teater ialah satu bentuk seni yang banyak direka untuk kesan luaran. Peranan kostum sebagai hiasan "bergerak" sentiasa dan kekal dominan. Tetapi juga kepentingan yang lebih besar ditugaskan untuk kostum teater di studio teater khusus, yang merupakan sebahagian daripada program pembangunan dan pendidikan untuk kanak-kanak. Kostum ialah cara untuk mengubah seorang pelakon, elemen permainan, sebahagian daripada aksi teater. Tetapi ia juga merupakan objek reka bentuk, produk yang banyak pakar sedang berusaha untuk mencipta. Pengarah permainan kanak-kanak bersama-sama dengan pelakon dan artis membentuk imej kostum teater masa depan, menetapkan tugas; pereka pakaian, pereka bentuk merangkumi apa yang dibayangkan dalam bahan. Keperluan untuk reka bentuk pakaian teater untuk studio tempat kanak-kanak bermain mempunyai ciri-ciri tersendiri yang berkaitan dengan estetika, pembuatan dan pengendalian pakaian teater. Gaya longgar moden, selaras dengan trend fesyen terkini, pendekatan yang ringkas tetapi berkesan untuk hiasan dan hiasan adalah wajar. Pemilihan fabrik harus sesuai dengan konsep persembahan.Dalam artikel itu, penulis menganalisis dan menetapkan peringkat utama kerja. Yang paling penting dalam reka bentuk pakaian teater kanak-kanak adalah keperluan fungsional, yang menentukan tahap kesesuaian untuk fungsi objektif utama - pendedahan imej, watak dan tabiat, mood wira. Keperluan estetik adalah sama penting - keperluan ekspresi artistik, harmoni, perpaduan gaya dengan era dan gaya persembahan. Kostum itu bukan sahaja kelihatan hebat dari pentas, tetapi juga sesuai dengan konsep visual keseluruhan persembahan. Apabila mereka bentuk kostum teater untuk kanak-kanak, amat penting untuk mengambil kira keperluan ergonomik yang mencirikan tahap keselesaan dan kebolehsuaian produk kepada pelakon: tidak menyebabkan ketidakselesaan semasa permainan (untuk menjadi higroskopik dan bernafas), untuk selesa untuk gerak tari, jangan menyebabkan kesukaran semasa menukar pakaian antara output dalam persembahan. Oleh itu, tugas utama pereka pakaian adalah untuk menyelesaikan semua tugas dan mencipta imej pelakon.

Pertimbangkan ciri reka bentuk, menggunakan contoh drama "Angels", di mana utama idea seni adakah "Malaikat" hidup di kalangan manusia. Keadaan artistik utama untuk penciptaan pakaian adalah - "imej malaikat yang tidak standard dan sifat-sifat mereka", untuk mengeluarkan bingkai dan mengembangkan imaginasi kanak-kanak, yang sangat berguna untuk mereka. Kreativiti berkembang dan diperkaya apabila skop berkembang dunia objektif diubah oleh manusia, skop pengetahuan dan kemahirannya. Oleh kerana "Malaikat" dalam agama-agama Ibrahim adalah makhluk rohani, tanpa tubuh, sering digambarkan dengan sayap, "aspek-aspek ini diambil sebagai sumber kreatif semasa membuat projek. Sebagai pengganti alternatif untuk sayap teater tradisional, pereka bentuk telah membangunkan lilitan lengan boleh tanggal, yang dipasang dalam beberapa lapisan fabrik mesh warna yang berbeza dan bentuk (dari terbesar hingga terkecil), dipotong dalam bentuk bulu yang digayakan dan dilekatkan pada jalur anjal boleh laras. Mereka mudah alih, sangat berfungsi, tidak menyusahkan; apabila menggerakkan tangan, mereka menekankan dan meningkatkan kesan lapang dan ringan. Unsur-unsur pakaian sedemikian juga merupakan cara inspirasi untuk kanak-kanak, mereka mood emosi semasa persembahan. Warna utama pakaian itu adalah putih. Ia melambangkan kesucian, tanpa noda, tidak bersalah, kebajikan, kegembiraan; dikaitkan dengan siang hari. Warna kain mesh untuk hiasan dipilih dalam warna mulia pastel yang sepadan dengan sifat mitologi malaikat: emas, kuning air, merah jambu, biru.

Tugas projek seterusnya ialah kecekapan. Oleh itu, bahan utama yang dicadangkan untuk pembuatan sut adalah kapas, ia adalah kain yang murah dan semula jadi yang mempunyai sifat dan kekuatan higroskopik. Berdandan pakaian adalah salah satu cara ekspresi diri yang paling berpatutan dan menarik, membolehkan anda mengisytiharkan keunikan anda sendiri. Hiasan itu ditawarkan dalam mesh nilon, yang, walaupun lembut, mengekalkan bentuknya dengan sangat baik, juga. masa adalah mudah(apa yang penting untuk pakaian kanak-kanak dan apakah masalah biasa dalam pakaian teater)

Modul elemen hiasan adalah potongan reben dari mesh. Ia tidak memerlukan pemprosesan tambahan, kerana ini, beberapa tugas diselesaikan: mengurangkan masa pengeluaran, memudahkan teknologi pembuatan, ringan, keberkesanan. Disebabkan oleh kelembutan dan sifat plastik fabrik mesh, garisan hiasan melengkung dan cekung yang kompleks, lipatan, lipatan, dan acuan sejuk boleh dibentuk dengan cara yang berbeza. Ketelusan grid membolehkan, apabila satu warna ditumpangkan pada warna lain, untuk mencipta kesan kelegaan, kecerahan, peralihan warna dari satu ke satu sama lain, yang menekankan fantasi dan tidak realiti imej persembahan.

Beberapa pelakon terlibat serentak di atas pentas. Untuk mengekalkan gaya seragam, projek itu telah memilih siluet yang sama - putih dan trapezoid. Dari segi psikologi - warna dan siluet pakaian yang sama melaksanakan fungsi menyatukan pelakon menjadi satu pasukan, membentuk rasa solidariti, penglibatan dalam tindakan am dan tugasan. Sebaliknya, hiasan pakaian dan warnanya untuk setiap pelakon sengaja dibuat berbeza, menekankan keperibadian. Gabungan harmoni warna dan hiasan dalam sut adalah sangat penting kerana merekalah yang menjadikan pakaian itu cantik, harmoni dan menarik untuk kanak-kanak.

Tugas penting dalam reka bentuk pakaian teater kanak-kanak ialah kemodenannya. Pakar psikologi menasihatkan, supaya kanak-kanak itu tidak berasa tidak selesa di kalangan rakan sebayanya, adalah perlu untuk memakaikannya dengan pakaian yang bergaya dan menarik dengan potongan bergaya yang sepadan dengan trend, dengan itu timbul perasaan keperibadian dan keyakinan diri, yang juga penting untuk pembebasan pelakon di atas pentas. Pakaian boleh memberi keyakinan kepada seseorang yang tertutup atas sebab apa pun, tetapi berusaha untuk kepimpinan dalam jiwanya. Sebagai contoh, jika kanak-kanak adalah seorang introvert, malangnya, kesan sebaliknya mungkin berlaku. Dia akan berasa sangat tidak selesa, dan ini akan mengganggu amalannya. perniagaan seperti biasa, berkomunikasi dengan pelakon dan penonton lain. Bagi kanak-kanak, persembahan adalah, pertama sekali, cara untuk berkomunikasi antara satu sama lain, oleh itu, apabila pelakon berpakaian kemas, bergaya, ekspresif mereka bebas, bertenaga, menular dan ini sudah menjadi cara sosialisasi, penyesuaian dan peluang. untuk membina komunikasi antara satu sama lain dan dengan penonton. ... Tanggungjawab terhadap tindakan mereka dan kesedaran tentang keupayaan mereka sendiri untuk mempengaruhi dunia biasanya meningkatkan kepuasan dan keyakinan diri kanak-kanak.

Mematuhi keperluan fungsional, ergometrik dan estetik adalah sukar dan penting dalam penciptaan pakaian teater. Kanak-kanak memerlukan keselesaan, ia sepatutnya mudah untuk mereka bergerak, pada masa yang sama, aksi teater membayangkan penonton "dirantai" kepada pelakon, iaitu, kesan luaran pakaian adalah penting.

Jadi pakaian teater? ia bukan sahaja cara untuk mengubah pelakon, elemen permainan, tetapi ia juga merupakan objek reka bentuk, dalam reka bentuk yang penting untuk mengambil kira banyak faktor yang mempengaruhi kefungsian kostum.

Dalam perjalanan penyelidikan projek, dapat disimpulkan bahawa mereka bentuk kostum teater untuk kanak-kanak memerlukan fungsi tambahan untuk diambil kira:

kognitif dan perkembangan;

estetik menyenangkan dan suka bermain;

adaptif.

Pada masa yang sama, adalah penting untuk mengambil kira psikologi, simbolisme, persatuan, untuk membantu pelakon muda memahami dan mendedahkan imej, watak, dan meningkatkan persefahaman bersama antara artis dan penonton.

Apabila mereka bentuk pakaian teater untuk studio kanak-kanak, sebagai hasil daripada kajian pra-projek, yang berikut telah dipilih: warna dan siluet pakaian yang sama, untuk mengekalkan gaya persembahan tunggal, mewujudkan rasa perpaduan dan bersatu pelakon menjadi satu pasukan. Hiasan yang pelbagai dan warnanya memenuhi tugas keperibadian. Untuk pembangunan aktiviti kognitif- menggunakan pelbagai bahagian yang boleh ditanggalkan, elemen hiasan besar yang diperbuat daripada fabrik mesh ringan. Untuk terlibat dalam proses kreatif permainan, warna pastel, hiasan yang menakjubkan, memberikan kehebatan, telah dipilih, menggugah kegembiraan, menekankan simbolisme mitologi.

pakaian teater kanak-kanak

kesusasteraan

1. Amirzhanova A.Sh., Tolmacheva G.V. Peranan kreativiti dalam membentuk personaliti artistik // Majalah antarabangsa pendidikan eksperimen. - 2015. No 12-3. S.319-321. URL: http://elibrary.ru/download/74553964. pdf

2. Goethe, I.V. Kepada doktrin warna. Sab / Per. dari bahasa Inggeris - M .: "Refl-book", K .: "Vakler". - 1996, - S.281-349

4. Gofman A.B. Fesyen dan orang. Teori baru fesyen dan tingkah laku bergaya. Edisi ke-4. - M .: KDU. - 2010. - S.228

5. Kostyukova Yu.A., Zakharova A.S., Chagina L.L. Ciri-ciri reka bentuk pakaian teater // Buletin KSTU. - Kostroma: 2011. - No 1 (26). - S. 99. URL: fail: // / C: / Pengguna /% D0% 95% D0% B2% D0% B3% D0% B5% D0% BD% D0% B8% D1% 8F / Muat Turun / 1vestnik_kostromskogo_gosudarstvennogo_tekhnologicheskogo_uni. pdf

6. Timofeeva M.R., Tolmacheva G.V. Reka bentuk tekstil. Teknologi inovatif// Jurnal Antarabangsa Penyelidikan Gunaan dan Fundamental. - 2015. No 12-4. P.722-726. URL: http://elibrary.ru/download/90776650. pdf

7.http: //www.iddosug.net/articles. php? seni = 2283 rumah penerbitan "Leisure"

Disiarkan di Allbest.ru

Dokumen yang serupa

Ciri-ciri pakaian teater. Keperluan untuk lakarannya. Analisis imej figura manusia; teknik dan alatan yang digunakan dalam sumber grafik. Penggunaan teknik grafik kostum teater dalam pembangunan koleksi pakaian.

kertas penggal ditambah 28/09/2013


Ciri-ciri antropomorfologi rajah. Analisis pakaian sejarah. Keanehan saman lelaki... Justifikasi untuk pilihan model asas. Analisis komposisi artistik model analog. Pengiraan dan pembinaan lukisan produk yang direka bentuk.

kertas penggal ditambah pada 28/04/2015


Peringkat menukar pakaian kumpulan sosial: bangsawan, borjuasi, burghers, burghers dan petani. Ciri ciri pakaian para bangsawan Belanda dan Perancis. Pertimbangan evolusi pakaian kanak-kanak. Mempelajari undang-undang terhadap kemewahan, menentukan keberkesanannya.

tesis, ditambah 02/13/2016


Konsep seni hiasan sebagai alat ekspresi seni teater. Cara utama ekspresif seni teater: peranan pemandangan, kostum, solek dalam mendedahkan imej watak, reka bentuk visual dan optik persembahan.

ujian, ditambah 17/12/2010


Gaya rambut wanita Empayar Byzantine. Ciri ciri gaya rambut lelaki abad ke-15 - ke-16. Evolusi pakaian mahkamah di Rusia pada abad ke-18. Gaya "Romanesque" dalam gaya moden imej perempuan... Pengaruh pakaian mulia pada pakaian kelas lain.

ujian, ditambah 31/10/2013


ciri umum budaya dan seni Jepun. Penerangan tentang prinsip pembentukan pakaian Jepun. Jenis kimono, potongan dan aksesori. Tafsiran moden pakaian Jepun dalam karya pereka terkenal (G. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

abstrak ditambah pada 01/07/2013


Saman sebagai objek analisis sosial dan budaya: sejarah perkembangan, makna, peranan, fungsi dan tipologi. Pencirian aspek semiotik pakaian, atribut, aksesori, asas sosial dan psikologi. Analisis simbolisme kostum "dandy".

tesis, ditambah 01/24/2010


Ciri-ciri sejarah zaman dinasti Ming. Pakaian kebangsaan Cina sebagai sebahagian daripada sejarah China. perhiasan, ciri hiasan dan simbolisme pakaian. Prinsip hiasan pakaian, keasliannya. Watak umum warna.

abstrak ditambah pada 23/05/2014


Sejarah pakaian Eropah pada abad ke-19. Perbezaan antara gaya Empayar dan klasikisme. Ciri-ciri komposisi pakaian. Ideal estetik kecantikan. Jenis utama pakaian, penyelesaian reka bentuknya. Pakaian parti, kasut, topi, gaya rambut, barang kemas.

kertas penggal ditambah 27/03/2013


Ciri-ciri pembangunan kostum barok, keindahan estetik yang ideal dan keistimewaan fabrik, bunga, perhiasan. Ciri khas sut, kasut dan gaya rambut wanita dan lelaki. Ciri-ciri sistem potongan barok, pantulan mereka dalam fesyen moden.