Apakah nama-nama gambar yang tidak dapat difahami. Gambar-gambar pelik

2. Paul Gauguin “Dari mana kita berasal? Siapakah kita? Kemana kita akan pergi?"

897-1898, minyak pada kanvas. 139.1 × 374.6 cm
Muzium seni yang bagus, Boston

Gambaran mendalam falsafah Paul Gauguin pasca impresionis dilukis di Tahiti, tempat dia melarikan diri dari Paris. Setelah menyelesaikan kerja itu, dia bahkan ingin membunuh diri, kerana dia percaya: "Saya percaya bahawa kanvas ini bukan sahaja lebih unggul daripada semua yang sebelumnya, tetapi saya tidak akan pernah mencipta sesuatu yang lebih baik atau serupa."

Pada musim panas akhir 80-an abad yang lalu, banyak seniman Perancis berkumpul di Pont-Aven (Brittany, Perancis). Bergerak bersama dan segera berpecah menjadi dua kumpulan yang bermusuhan. Salah satunya termasuk para seniman yang memulai pencarian dan disatukan dengan nama umum "impresionis". Menurut kumpulan kedua, yang dipimpin oleh Paul Gauguin, nama ini menyalahgunakan. P. Gauguin pada masa itu sudah berusia di bawah empat puluh tahun. Dikelilingi oleh halo misteri seorang pengembara yang pernah mengalami tanah asing, dia mempunyai kawasan yang besar pengalaman hidup baik peminat dan peniru karyanya.

Kedua-dua kem dibahagi dan didominasi kedudukan mereka. Semasa para Impresionis tinggal di loteng atau loteng, artis lain menduduki bilik terbaik di Hotel Gloanek, makan di ruang restoran terbesar dan terbaik, di mana ahli kumpulan pertama tidak dibenarkan. Namun, pertembungan antara kumpulan itu bukan sahaja tidak menghalang P. Gauguin untuk bekerja, sebaliknya, mereka membantunya untuk menyedari ciri-ciri yang membangkitkan protesnya yang ganas. Penolakan kaedah analitik Impresionis adalah manifestasi pemikirannya sepenuhnya terhadap tugas-tugas melukis. Keinginan para Impresionis untuk menangkap semua yang mereka lihat, prinsip mereka yang sangat artistik - untuk memberi lukisan mereka rupa sesuatu yang tidak sengaja diintip - tidak sesuai dengan sifat P. Gauguin yang tidak berperasaan dan penuh semangat.

Malah kurang berpuas hati dengan penyelidikan teoretis dan artinya J. Seurat, yang berusaha mengurangkan lukisan menjadi penggunaan formula dan resipi ilmiah yang sejuk dan rasional. Teknik pointillistic J. Seurat, penggunaan cat secara metodis dengan sapuan berus dan titik-titik menjengkelkan Paul Gauguin dengan monotonya.

Tinggal artis di Martinique di tengah-tengah alam, yang sepertinya permaidani mewah dan hebat, akhirnya meyakinkan P. Gauguin untuk menggunakan lukisannya hanya dengan warna yang tidak dicairkan. Bersama dengannya, para seniman yang berkongsi pemikirannya menyatakan "Sintesis" sebagai prinsip mereka - iaitu, penyederhanaan sintetik garis, bentuk dan warna. Tujuan penyederhanaan ini adalah untuk menyampaikan kesan intensiti warna maksimum dan menghilangkan apa-apa yang melemahkan kesan itu. Teknik ini membentuk asas yang lama lukisan hiasan lukisan dinding dan kaca berwarna.

P. Gauguin sangat tertarik dengan persoalan nisbah warna dan warna. Dalam lukisannya, dia juga berusaha untuk menyatakan bukan kasual dan bukan dangkal, tetapi tetap dan penting. Baginya, undang-undang itu hanya kehendak kreatif artis, dan undang-undangnya tugas seni dia melihat dalam ekspresi keharmonian batin, yang dia fahami sebagai sintesis dari kejujuran alam dan suasana jiwa artis yang terganggu oleh kejujuran ini. P. Gauguin sendiri membicarakannya dengan cara ini: "Saya tidak menganggap kebenaran alam, terlihat secara luaran ... Betulkan perspektif palsu ini, yang memutarbelitkan subjek berdasarkan kebenarannya ... Dinamisme harus dihindari. Biarkan semuanya bernafas dengan kedamaian dan kedamaian jiwa, elakkan berpose bergerak ... Setiap watak mesti berada dalam keadaan statik. Dan dia memendekkan perspektif lukisannya, membawanya lebih dekat ke pesawat, menggunakan gambar-gambar dalam posisi frontal dan menghindari garis depan. Oleh itu, orang-orang yang digambarkan oleh P. Gauguin tidak bergerak dalam lukisan: mereka seperti patung-patung yang diukir dengan pahat besar tanpa perincian yang tidak perlu.

Tempoh kreativiti matang Paul Gauguin bermula di Tahiti, dan di sinilah masalah sintesis artistik berkembang sepenuhnya. Di Tahiti, artis itu meninggalkan banyak yang dia tahu: di kawasan tropis, bentuknya jelas dan pasti, bayangannya berat dan panas, dan kontrasnya sangat tajam. Di sini semua tugas yang ditetapkan olehnya di Pont-Aven diselesaikan sendiri. Cat P. Gauguin menjadi jelas, tanpa calitan. Lukisan Tahitinya mengagumkan permaidani oriental atau lukisan dinding, sehingga warna di dalamnya harmoni dibawa ke nada tertentu.

Karya P. Gauguin pada zaman ini (bermaksud lawatan pertama artis ke Tahiti) dipersembahkan kisah indah, yang dialaminya di antara alam purba, eksotik di Polinesia yang jauh. Di wilayah Mataje, dia menjumpai sebuah perkampungan kecil, membeli sebuah pondok, di satu sisi di mana lautan memercik, dan di sisi lain, gunung dengan celah besar dapat dilihat. Orang Eropah belum sampai ke tempat ini, dan kehidupan sepertinya P. Gauguin adalah surga duniawi yang nyata. Dia mematuhi irama kehidupan Tahiti yang perlahan, menyerap warna terang laut biru, kadang-kadang ditutup dengan gelombang hijau, menghempas terumbu karang dengan suara.

Sejak hari-hari pertama, artis menjalin hubungan sesama manusia dengan orang-orang Tahiti. Karya mula menangkap P. Gauguin semakin banyak. Dia membuat banyak sketsa dan sketsa dari kehidupan, dalam hal apa pun dia berusaha untuk menangkap di atas kanvas, kertas atau kayu wajah khas orang Tahiti, bentuk dan postur mereka - dalam proses kerja atau semasa rehat. Dalam tempoh ini, dia membuat lukisan terkenal di dunia "The Spirit of the Dead Awake", "Are You Cemburu?", "Percakapan", "Tahitian Pastorals".

Tetapi jika pada tahun 1891 jalan ke Tahiti sepertinya bersinar (dia melakukan perjalanan ke sini setelah beberapa kemenangan artistik di Perancis), maka kali kedua dia pergi ke pulau kesayangannya sebagai orang sakit yang kehilangan sebagian besar khayalannya. Segala-galanya sepanjang perjalanan mengganggu dia: berhenti paksa, pembaziran yang tidak berguna, ketidakselesaan jalan raya, gangguan adat istiadat, rakan obsesif ...

Dia tidak pernah ke Tahiti hanya selama dua tahun, dan banyak yang telah berubah di sini. Serangan Eropah menghancurkan kehidupan asli penduduk asli, semuanya nampaknya P. Gauguin sebagai mishmash yang tidak tertahankan: pencahayaan elektrik di Papeete, ibu kota pulau itu, dan karusel menjengkelkan di dekat istana kerajaan, dan bunyi fonograf yang memecah keheningan bekas .

Kali ini, artis itu tinggal di daerah Punoauia, di pantai barat Tahiti, di sebidang tanah yang disewa, dia sedang membangun sebuah rumah yang menghadap ke laut dan pergunungan. Berharap untuk menetap di pulau itu dengan tegas dan mewujudkan keadaan untuk bekerja, dia tidak mengeluarkan perbelanjaan untuk mengatur rumahnya dan tidak lama lagi, seperti yang sering terjadi, dibiarkan tanpa wang. P. Gauguin bergantung pada rakan-rakan yang, sebelum artis itu berlepas dari Perancis, meminjam sejumlah 4.000 franc darinya, tetapi mereka tidak tergesa-gesa untuk mengembalikannya. Terlepas dari kenyataan bahawa dia mengirimi mereka banyak peringatan tentang hutang, dia mengeluh tentang nasib dan ...

Menjelang musim bunga tahun 1896, artis mendapati dirinya berada dalam cengkaman keperluan yang paling berat. Di tambahnya adalah rasa sakit di kaki yang patah, yang ditutup dengan bisul dan menyebabkannya menderita yang tidak tertahankan, kehilangan tidur dan tenaga. Pemikiran tentang sia-sia usaha dalam perjuangan untuk mewujudkan, tentang kegagalan semua rancangan seni membuatnya semakin sering berfikir tentang bunuh diri. Tetapi sebaik sahaja P. Gauguin merasakan sedikit kelegaan, sifat artis menang atasnya, dan pesimisme menghilang di hadapan kegembiraan hidup dan kreativiti.

Namun, itu adalah saat-saat yang jarang berlaku, dan musibah saling mengikuti dengan bencana yang kerap. Dan berita yang paling mengerikan baginya adalah berita dari Perancis mengenai kematian anak perempuan kesayangannya Alina. Tidak dapat bertahan dari kerugian itu, P. Gauguin mengambil sejumlah besar arsenik dan pergi ke pergunungan sehingga tidak ada yang dapat mengganggu dia. Percubaan membunuh diri menyebabkan dia menghabiskan malam itu dalam penderitaan yang teruk, tanpa bantuan dan kesendirian.

Untuk masa yang lama, artis itu dalam keadaan sujud sepenuhnya, dia tidak dapat memegang sikat di tangannya. Satu-satunya penghiburan adalah kanvas besar (450 x 170 cm), yang dilukis olehnya sebelum cuba membunuh diri. Dia memanggil gambar "Dari mana kita? Siapa kita? Ke mana kita akan pergi?" dan dalam salah satu surat itu dia menulis: "Sebelum saya mati, saya memasukkan semua tenaga saya, semangat yang sangat menyedihkan dalam keadaan mengerikan saya, dan penglihatannya begitu jelas, tanpa pembetulan, sehingga jejak tergesa-gesa hilang dan sepanjang hidup kelihatan di dalamnya. "

P. Gauguin mengerjakan gambar itu dalam ketegangan yang dahsyat, walaupun sudah lama dia menetas idea itu dalam khayalannya, dia sendiri tidak dapat mengatakan dengan pasti ketika idea kanvas ini pertama kali muncul. Potongan terpilih ini karya monumental menulis kepadanya dalam tahun yang berbeza dan dalam karya lain. Sebagai contoh, seorang tokoh wanita dari "Tahitian Pastorals" diulang dalam gambar ini di sebelah berhala, tokoh pusat Saya berjumpa dengan pemetik buah dalam lakaran emas "Seorang lelaki memetik buah dari pokok" ...

Bermimpi memperluas kemungkinan lukisan, Paul Gauguin berusaha untuk memberikan gambarannya sebagai watak lukisan dinding. Untuk tujuan ini, dia meninggalkan dua sudut atas (satu dengan nama lukisan, yang lain dengan tanda tangan artis) kuning dan tidak dipenuhi dengan lukisan - "seperti lukisan dinding yang rosak di sudut dan ditumpangkan di dinding emas."

Pada musim bunga tahun 1898, dia mengirim lukisan itu ke Paris, dan dalam sebuah surat kepada pengkritik A. Fontaine mengatakan bahawa tujuannya bukanlah untuk membuat rangkaian alegori cerdik yang rumit yang harus diselesaikan. Sebaliknya, kiasan kandungan lukisan itu sangat sederhana - tetapi bukan dalam arti jawapan soalan yang diajukan, tetapi dalam arti pertanyaan yang sangat berpose ini. " Paul Gauguin tidak akan menjawab pertanyaan yang dia masukkan dalam judul gambar itu, kerana dia percaya bahawa itu adalah dan akan menjadi teka-teki yang mengerikan dan paling manis untuk kesedaran manusia... Oleh itu, inti dari alegori yang digambarkan pada kanvas ini terletak pada perwujudan misteri murni yang tersembunyi di alam ini, kengerian keabadian suci dan rahsia keberadaan.

Pada lawatan pertamanya ke Tahiti, P. Gauguin memandang dunia dengan mata penuh semangat dari anak-anak yang besar, yang selama ini dunia belum kehilangan kebahagiaan dan semi-harganya yang luar biasa. Pandangan kebesarannya yang kekanak-kanakan membuka warna yang tidak dapat dilihat oleh orang lain di alam: ramuan zamrud, langit nilam, bayangan matahari amethyst, bunga ruby \u200b\u200bdan emas merah kulit Maori. Lukisan Tahitian oleh P. Gauguin pada zaman ini menyala dengan cahaya keemasan yang mulia, seperti kaca berwarna katedral gothicmelakonkan kemegahan agung mozek Byzantine, wangi dengan tumpahan cat yang berair.

Kesunyian dan keputusasaan yang mendalam yang menanggungnya dalam lawatan kedua ke Tahiti membuat P. Gauguin melihat semuanya hanya dengan warna hitam. Namun, naluri semula jadi tuan dan matanya sebagai pewarna tidak membenarkan artis itu kehilangan selera sepenuhnya untuk hidup dan warnanya, walaupun dia membuat kanvas yang suram, dia melukisnya dalam keadaan seram mistik.

Jadi apa yang masih disembunyikan oleh gambar ini? Seperti manuskrip oriental, yang harus dibaca dari kanan ke kiri, isi gambar terungkap ke arah yang sama: langkah demi langkah alirannya terungkap kehidupan manusia - dari awal hingga mati, menanggung ketakutan akan ketiadaan.

Di depan pemidang, di atas kanvas besar yang melintang secara mendatar, tebing aliran hutan digambarkan, di perairan gelap di mana bayang-bayang misteri dan tidak dapat dipantulkan. Di sisi lain terdapat tumbuh-tumbuhan tropis yang lebat, rumput zamrud, semak hijau lebat, pohon-pohon biru yang luar biasa, "tumbuh seolah-olah tidak di bumi, tetapi di surga."

Batang-batang pohon berpusing aneh, terjalin, membentuk jaringan renda, di mana di kejauhan laut dengan puncak putih gelombang pantai, gunung ungu gelap di pulau yang berdekatan, langit biru - "pemandangan alam dara yang boleh menjadi syurga".

Dalam rancangan gambar yang paling dekat, sekelompok orang terletak di sekitar patung dewa dewa di tanah yang bebas dari semua tumbuh-tumbuhan. Karakter tidak disatukan oleh satu peristiwa atau tindakan biasa, masing-masing sibuk dengan sendiri dan tenggelam dalam dirinya. Bayi yang sedang tidur dijaga oleh anjing hitam besar; "tiga wanita, berjongkok di pangkuan mereka, sepertinya mendengarkan diri mereka sendiri, membeku kerana menunggu beberapa orang kegembiraan yang tidak dijangka... Seorang pemuda yang berdiri di tengah dengan kedua tangan memetik buah dari pokok ... Satu sosok, sengaja besar, bertentangan dengan undang-undang perspektif ... mengangkat tangannya, dengan terkejut melihat dua watak yang berani memikirkannya nasib. "

Di sebelah patung itu, seorang wanita yang kesepian, seolah-olah secara mekanik, berjalan ke samping, tenggelam dalam keadaan pemikiran yang pekat dan pekat. Seekor burung bergerak ke arahnya di tanah. Di sebelah kiri kanvas, seorang kanak-kanak yang duduk di tanah membawa buah ke mulutnya, seekor kucing yang memetik dari mangkuk ... Dan penonton bertanya kepada dirinya sendiri: "Apa maksud semua ini?"

Pada pandangan pertama, ini seperti kehidupan seharian, tetapi selain itu makna langsung, setiap gambar membawa kiasan puitis, petunjuk kemungkinan penafsiran kiasan. Jadi, misalnya, motif aliran hutan atau mata air yang mengalir dari tanah adalah metafora kegemaran Gauguin untuk sumber kehidupan, permulaan kehidupan yang misterius. Bayi yang sedang tidur menggambarkan kesucian fajar kehidupan manusia. Seorang lelaki muda memetik buah dari pokok dan wanita yang duduk di tanah di sebelah kanan merangkumi idea kesatuan organik lelaki dengan alam semula jadi, keistimewaan kewujudannya di dalamnya.

Seorang lelaki dengan tangan yang terangkat, memandang rakan-rakannya dengan terkejut, adalah sekilas kegelisahan pertama, dorongan awal untuk memahami rahsia dunia dan makhluk. Yang lain mengungkapkan keberanian dan penderitaan fikiran manusia, misteri dan tragedi roh, yang terkandung dalam pengetahuan manusia tentang takdirnya yang tidak dapat dielakkan, singkatnya kewujudan duniawi dan tak terelakkan akhir.

Banyak penjelasan diberikan oleh Paul Gauguin sendiri, tetapi dia memperingatkan keinginan untuk melihat simbol yang diterima umum dalam gambarnya, untuk menguraikan gambar terlalu mudah, dan lebih-lebih lagi untuk mencari jawapan. Sebilangan pengkritik seni percaya bahawa keadaan tertekan artis, yang menyebabkan dia cuba bunuh diri, dinyatakan dalam keadaan tidak sopan bahasa seni... Mereka perhatikan bahawa gambar itu terlalu banyak. perincian kecilyang tidak menjelaskan idea umum, tetapi hanya membingungkan penonton. Bahkan penjelasan dalam surat tuan tidak dapat menghilangkan kabut mistik yang dia masukkan ke dalam perincian ini.

P. Gauguin sendiri menganggap karyanya sebagai bukti rohani, mungkin itulah sebabnya lukisan itu menjadi puisi bergambar, di mana gambar-gambar konkrit diubah menjadi idea luhur, dan materi menjadi roh. Plot kanvas didominasi oleh suasana puitis, kaya dengan warna yang sukar difahami dan makna dalaman. Walau bagaimanapun, suasana kedamaian dan rahmat sudah diliputi dengan ketidakselesaan untuk bersentuhan dengan dunia misteri, menimbulkan perasaan kegelisahan terpendam, ketidaknyamanan yang menyakitkan dari misteri kehidupan terdalam, misteri manusia yang datang ke dunia dan misteri kehilangannya. Dalam gambar, kebahagiaan digelapkan oleh penderitaan, siksaan rohani dibasuh oleh manisnya keberadaan fizikal - "seram keemasan, ditutup dengan kegembiraan." Semuanya tidak dapat dipisahkan, seperti dalam kehidupan.

P. Gauguin dengan sengaja tidak membetulkan perkadaran yang salah, berusaha dengan segala cara untuk mengekalkan gaya lakarannya. Kelakar, ketidaklengkapan ini, dia sangat menghargai, percaya bahawa dialah yang membawa arus hidup ke kanvas dan menyampaikan puisi khas pada gambar, yang bukan merupakan ciri dari hal-hal yang sudah selesai dan terlalu selesai.

Terdapat karya seni yang seolah-olah memukul penonton di kepala, tercengang dan kagum. Yang lain menyeret anda ke dalam pemikiran dan mencari lapisan semantik, simbolisme rahsia. Beberapa lukisan ditutup dengan rahsia dan teka-teki mistik, sementara yang lain mengejutkan dengan harga yang terlalu tinggi.

Kami dengan teliti mengkaji semua pencapaian utama dalam lukisan dunia dan memilih dua lusin lukisan paling pelik dari mereka. Salvador Dali, yang karyanya benar-benar jatuh ke dalam format bahan ini dan yang pertama kali terlintas di fikiran, tidak dimasukkan dalam koleksi ini dengan sengaja.

Jelas bahawa "keanehan" adalah konsep yang agak subjektif, dan masing-masing mempunyai gambarnya yang menakjubkan yang menonjol dari sejumlah karya seni yang lain. Kami akan gembira jika anda membagikannya dalam komen dan memberitahu kami sedikit mengenai mereka.

"Jeritan"

Edvard Munch. 1893, kadbod, minyak, tempera, pastel.
Galeri Nasional, Oslo.

The Scream dianggap sebagai peristiwa penting dalam Ekspresionisme dan salah satu lukisan paling terkenal di dunia.

Terdapat dua tafsiran tentang apa yang digambarkan: ia adalah pahlawan sendiri yang diserang dengan seram dan menjerit tanpa suara, menekan tangannya ke telinga; atau wira menutup telinganya dari laungan kedamaian dan alam semula jadi yang terdengar. Munch menulis empat versi The Scream, dan ada versi bahawa gambar ini adalah buah dari psikosis manik-depresif dari mana artis itu menderita. Setelah menjalani rawatan di klinik, Munch tidak kembali bekerja di atas kanvas.

"Saya berjalan di sepanjang jalan dengan dua rakan. Matahari terbenam - tiba-tiba langit menjadi merah darah, saya berhenti, merasa keletihan, dan bersandar di pagar - Saya melihat darah dan nyala api di atas fjord hitam kebiruan dan kota. Rakan-rakan saya pergi lebih jauh, dan saya berdiri, gemetar dengan kegembiraan, merasakan tangisan yang tidak berkesudahan, ”kata Edvard Munch mengenai sejarah lukisan itu.

“Dari mana kami datang? Siapakah kita? Kemana kita akan pergi?"

Paul Gauguin. 1897-1898, minyak di atas kanvas.
Muzium Seni Halus, Boston.

Atas arahan Gauguin sendiri, lukisan itu harus dibaca dari kanan ke kiri - tiga kumpulan tokoh utama menggambarkan soalan yang diajukan dalam tajuk.

Tiga wanita dengan seorang anak mewakili permulaan kehidupan; kumpulan pertengahan melambangkan kewujudan kematangan harian; dalam kumpulan terakhir, menurut idea artis, "seorang wanita tua yang menghampiri kematian sepertinya berdamai dan setia pada pemikirannya", di kakinya "burung putih yang aneh ... mewakili kegunaan kata-kata."

Gambar yang sangat filosofis mengenai Paul Gauguin pasca impresionis dilukis olehnya di Tahiti, tempat dia melarikan diri dari Paris. Setelah selesai bekerja, dia bahkan ingin membunuh diri: "Saya percaya bahawa kanvas ini lebih hebat daripada yang sebelumnya dan saya tidak akan pernah mencipta sesuatu yang lebih baik atau serupa." Dia hidup selama lima tahun lagi, dan begitu ia berlaku.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kanvas, minyak.
Muzium Reina Sofia, Madrid.

Guernica menyajikan adegan kematian, keganasan, kekejaman, penderitaan dan ketidakberdayaan, tanpa menyatakan penyebabnya secara langsung, tetapi jelas. Dikatakan bahawa pada tahun 1940, Pablo Picasso dipanggil ke Gestapo di Paris. Ucapan segera beralih ke gambar. "Adakah anda melakukan ini?" - "Tidak, kamu berjaya."

Sebuah lukisan lukisan "Guernica" yang besar, yang dilukis oleh Picasso pada tahun 1937, menceritakan tentang serbuan unit sukarelawan Luftwaffe di bandar Guernica, akibatnya kota keenam ribu itu hancur sepenuhnya. Gambar ditulis secara harfiah dalam sebulan - hari-hari pertama bekerja pada gambar itu, Picasso bekerja selama 10-12 jam, dan sudah pada lakaran pertama yang dapat dilihat seseorang idea utama... Ini adalah salah satu ilustrasi terbaik mimpi buruk fasisme, serta kekejaman dan kesedihan manusia.

"Potret pasangan Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kayu, minyak.
London galeri Nasional, London.

Lukisan yang terkenal itu sepenuhnya dan penuh dengan simbol, alegori dan pelbagai rujukan - sehingga tanda tangan "Jan van Eyck ada di sini", yang mengubah gambar itu bukan hanya menjadi karya seni, tetapi menjadi dokumen sejarah yang mengesahkan kenyataan acara di mana artis itu hadir.

Potret kononnya Giovanni di Nicolao Arnolfini dan isterinya adalah salah satu karya yang paling kompleks dari sekolah lukisan Barat. Renaissance Utara.

Di Rusia dalam beberapa tahun kebelakangan ini, lukisan itu mendapat populariti hebat kerana kemiripan potret Arnolfini dengan Vladimir Putin.

"Syaitan duduk"

Mikhail Vrubel. 1890, kanvas, minyak.
Nyatakan Galeri Tretyakov, Moscow.

"Tangan menahannya"

Bill Stoneham. 1972.

Karya ini, tentu saja, tidak dapat dikira sebagai karya seni lukis dunia, tetapi hakikatnya yang aneh adalah fakta.

Terdapat legenda di sekitar lukisan dengan seorang budak lelaki, anak patung dan telapak tangan menekan kaca. Dari "kerana gambar ini mereka mati" hingga "kanak-kanak di atasnya masih hidup." Gambar itu kelihatan sangat menyeramkan, yang menimbulkan kegembiraan orang jiwa lemah banyak ketakutan dan dugaan.

Seniman itu menegaskan bahawa lukisan itu menggambarkan dirinya pada usia lima tahun, bahawa pintu adalah representasi dari garis pemisah antara dunia nyata dan dunia impian, dan boneka adalah panduan yang dapat membimbing budak lelaki melalui dunia ini. Lengan mewakili kehidupan atau kemungkinan alternatif.

Lukisan itu terkenal pada bulan Februari 2000 ketika dijual di eBay dengan latar belakang yang mengatakan bahawa lukisan itu "dihantui." "Hands Resist Him" \u200b\u200bdibeli dengan harga $ 1,025 oleh Kim Smith, yang kemudian hanya dibanjiri dengan surat cerita menyeramkan dan menuntut untuk membakar gambar.

Hari ini kami ingin memberitahu anda sedikit mengenai orang-orang yang, pada pendapat kami, adalah antara yang paling banyak artis luar biasa kemodenan. Mereka menggunakan teknik yang tidak standard idea yang tidak biasamelaburkan semua kreativiti dan bakat mereka dalam karya unik mereka.

1. Lorenzo Duran

Kaedahnya membuat lukisan berdasarkan penyelidikan sejarah pemotongan kertas di China, Jepun, Jerman dan Switzerland. Dia mengumpulkan daun, mencuci, mengeringkannya, memampatkannya dan mengukir lukisannya dengan teliti.

2. Nina Aoyama

Pada pandangan pertama, nampaknya wanita Perancis muda ini tidak melakukan sesuatu yang istimewa - dia hanya mengukir kertas. Tetapi dia menempelkan klipingnya pada kain atau kaca, dan ternyata cantik sekali!

3. Claire Morgan

Artis Britain Claire Morgan membuat pemasangan luar biasa yang membeku di udara. Bahan kerja untuk artis itu ialah tanaman kering, biji-bijian, serangga, haiwan yang disumbat dan buah-buahan segar. Ribuan butiran pemasangan disemat dengan ketepatan tepat pada tali pancing yang tipis. Arca udara Claire Morgan didedikasikan untuk Bumi dan semua kehidupan di atasnya.

4. Mike Stilkey

Mike Stilkey membuat lukisan dari tulang belakang buku. Dia membina keseluruhan dinding dari buku, dan menulis gambarnya di tulang belakang mereka. Untuk masa yang lama Mike bermimpi untuk menerbitkan album dengan lukisannya, tetapi tidak ada satu pun penerbit yang menerimanya. Lukisannya tidak mendapat sambutan di kalangan pengkritik. Kemudian artis memutuskan untuk membiarkan buku-buku menceritakan tentang karyanya.

5. Jim Denevan

Jim melukis corak di pasir dengan ketepatan matematik yang belum pernah terjadi sebelumnya. Jim menarik sebahagian besarnya di pantai, tetapi di kebelakangan ini dia mula melukis di padang pasir. "Saya tidak mempunyai banyak waktu di pantai seperti di padang pasir," katanya. "Laut membasuh semuanya dengan sangat cepat."

6. Vhils

Pekerjaannya tidak biasa kerana dia menggaru mereka pada plaster lama.

7. Bruce Munroe

Dalam kerjanya, dia bekerja dengan cahaya. Tidak lama dahulu, pemasangan bidang cahaya lain dibuka di bandar Bath di Inggeris. Ia adalah ladang yang dihiasi dengan lampu pada batang plastik nipis. Nampaknya satu set untuk filem "Avatar".

8. Jason Mecier

Masalah penagihan dadah amat teruk di seluruh dunia. Dalam usaha untuk membawanya ke perhatian masyarakat umum, yang berbakat artis Amerika Jason Mecier membuat potret bintang dari tablet. Yang paling menarik ialah artis hanya menggunakan pil sebagai bahan untuk kanvasnya, yang dikeluarkan mengikut resipi khas, yang tidak dapat dia dapatkan secara sah. Kita boleh mengatakan bahawa Jason melakukan tindakan haram, tetapi dengan melakukannya dia menarik perhatian kepada pengedaran dadah secara haram.

9. Jennifer Maestre

Lukisan, jika anda tidak mengambil kira realis, selalu, akan dan akan menjadi pelik. Tetapi beberapa gambar lebih pelik daripada yang lain.
Beberapa karya seni kelihatan memukul kepala penonton, tercengang dan kagum. Sebahagian dari mereka menyeret anda ke dalam pemikiran dan mencari lapisan semantik, simbolisme rahsia. Beberapa lukisan ditutup dengan rahsia dan teka-teki mistik, dan ada yang mengejutkan dengan harga yang terlalu tinggi.

Bright Side telah mengkaji dengan teliti semua pencapaian besar dalam lukisan dunia dan memilih dua lusin lukisan paling pelik dari mereka. Pilihannya tidak termasuk lukisan Salvador Dali, yang karyanya sesuai dengan format bahan ini dan yang pertama kali terlintas di fikiran.

"Jeritan"

Edvard Munch. 1893, kadbod, minyak, tempera, pastel
Galeri Nasional, Oslo

The Scream dianggap sebagai peristiwa penting dalam Ekspresionisme dan salah satu lukisan yang paling terkenal di dunia. Terdapat dua tafsiran tentang apa yang digambarkan: ia adalah pahlawan sendiri yang diserang dengan seram dan menjerit tanpa suara, menekan tangannya ke telinga; atau wira menutup telinganya dari laungan kedamaian dan alam semula jadi yang terdengar. Munch menulis empat versi "The Scream", dan ada versi bahawa gambar ini adalah buah dari psikosis manik-depresif, dari mana artis itu menderita. Setelah menjalani rawatan di klinik, Munch tidak kembali bekerja di atas kanvas.

"Saya berjalan di sepanjang jalan dengan dua rakan - matahari terbenam - tiba-tiba langit menjadi merah darah, saya berhenti, merasa letih, dan bersandar di pagar - saya melihat darah dan nyala api di atas fjord hitam kebiruan dan bandar - rakan-rakan saya terus berjalan, dan saya berdiri, gemetar dengan kegembiraan, merasakan tangisan yang tidak henti-hentinya menusuk alam ", - kata Edvard Munch mengenai sejarah lukisan itu.

"Dari mana kita datang? Siapa kita? Ke mana kita akan pergi?"

Paul Gauguin. 1897-1898, kanvas, minyak
Muzium Seni Halus, Boston

Atas arahan Gauguin sendiri, lukisan itu harus dibaca dari kanan ke kiri - tiga kumpulan tokoh utama menggambarkan soalan yang diajukan dalam tajuk. Tiga wanita dengan seorang anak mewakili permulaan kehidupan; kumpulan tengah melambangkan kewujudan kematangan harian; dalam kumpulan terakhir, seperti yang dikandung oleh seniman, "seorang wanita tua yang mendekati kematian sepertinya berdamai dan setia pada pemikirannya", di kakinya "burung putih yang aneh ... mewakili kegunaan kata-kata."

Gambar yang sangat filosofis mengenai Paul Gauguin pasca impresionis dilukis olehnya di Tahiti, tempat dia melarikan diri dari Paris. Setelah menyelesaikan pekerjaan itu, dia bahkan ingin membunuh diri, kerana: "Saya percaya bahawa kanvas ini bukan sahaja lebih unggul daripada semua yang sebelumnya, dan saya tidak akan pernah mencipta sesuatu yang lebih baik atau serupa." Dia hidup selama 5 tahun lagi, dan begitu ia berlaku.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kanvas, minyak
Muzium Reina Sofia, Madrid

Sebuah lukisan lukisan besar "Guernica", yang dilukis oleh Picasso pada tahun 1937, menceritakan tentang penyerbuan sebuah unit sukarelawan Luftwaffe di bandar Guernica, akibatnya kota keenam ribu itu hancur sepenuhnya. Gambar ditulis secara harfiah dalam sebulan - hari-hari pertama bekerja pada gambar, Picasso bekerja selama 10-12 jam dan sudah dalam lakaran pertama seseorang dapat melihat idea utamanya. Ini adalah salah satu gambaran terbaik mengenai mimpi buruk fasisme, juga kekejaman dan kesedihan manusia.

"Potret pasangan Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kayu, minyak
Galeri Nasional London, London

Lukisan terkenal itu lengkap dan penuh dengan simbol, alegori dan pelbagai rujukan - hingga tanda tangan "Jan van Eyck ada di sini", yang mengubahnya bukan hanya menjadi karya seni, tetapi menjadi dokumen sejarah yang mengesahkan peristiwa sebenar yang artis hadir.

Potret, mungkin Giovanni di Nicolao Arnolfini dan isterinya, adalah salah satu karya yang paling kompleks dari sekolah lukisan Renaissance Barat Utara. Di Rusia beberapa tahun kebelakangan ini gambar itu mendapat populariti besar kerana kemiripan potret Arnolfini dengan Vladimir Putin.

"Syaitan duduk"

Mikhail Vrubel. 1890, kanvas, minyak
Galeri Tretyakov, Moscow

Lukisan oleh Mikhail Vrubel mengejutkan dengan gambar setan. Lelaki berambut panjang yang sedih sama sekali tidak menyerupai idea umum manusia tentang bagaimana rupa roh jahat. Ini adalah gambaran kekuatan roh manusia, perjuangan dalaman, keraguan. Tangan digenggam dengan tragis, Iblis duduk dengan mata sedih yang besar menuju ke kejauhan, dikelilingi oleh bunga. Komposisi itu menekankan keketatan sosok iblis, seolah-olah terjepit di antara palang atas dan bawah bingkai.

Artis itu sendiri berbicara tentang lukisannya yang paling terkenal: "Iblis tidak begitu roh jahat seperti roh penderitaan dan kesedihan, dengan semua ini semangat yang mendominasi dan megah."

"Apotheosis Perang"

Vasily Vereshchagin. 1871, kanvas, minyak
Galeri Tretyakov Negeri, Moscow

Gambar itu ditulis dengan mendalam dan penuh emosi sehingga di sebalik tengkorak yang terbaring di timbunan ini, anda mula melihat orang, nasib mereka dan nasib mereka yang tidak akan melihat orang-orang ini lagi. Vereshchagin sendiri, dengan sindiran sedih, disebut kanvas "hidup masih" - ia menggambarkan "alam mati". Semua perincian lukisan, termasuk pewarnaan kuning, melambangkan kematian dan kehancuran. Langit biru jernih menekankan kematian gambar. Parut dari pedang dan lubang peluru di tengkorak juga menyatakan idea "Apotheosis of War".

Vereshchagin adalah salah satu pelukis pertempuran utama Rusia, tetapi dia melukis perang dan pertempuran bukan kerana dia menyukainya. Sebaliknya, dia berusaha untuk menyampaikan kepada orang lain sikap negatifnya terhadap perang. Sekali Vereshchagin, dalam panas terik, berseru: "Saya tidak akan melukis lagi gambar pertempuran - basta! Saya mengambil apa yang saya tulis terlalu dekat di hati saya, berseru (secara harfiah) kesedihan setiap orang yang cedera dan terbunuh." Mungkin hasil seruan ini adalah lukisan "Apotheosis of War" yang mengerikan dan menyihir, yang menggambarkan sebuah ladang, gagak dan gunung tengkorak manusia.

"Gothic Amerika"

Pemberian Kayu. 1930, minyak. 74 × 62 sm
Institut Seni Chicago, Chicago

Lukisan dengan ayah dan anak perempuan yang suram itu penuh dengan perincian yang menunjukkan keparahan, puritanisme dan kemunduran orang yang digambarkan. Wajah marah, garpu rumput tepat di tengah-tengah gambar, pakaian kuno walaupun pada standard 1930, siku yang terdedah, jahitan pada pakaian petani, mengulangi bentuk rumput garpu, dan oleh itu ancaman yang ditujukan kepada semua orang yang menceroboh . Semua butiran ini dapat diteliti tanpa henti dan gementar dari kerusuhan. "American Gothic" adalah salah satu gambar yang paling dikenali dalam seni Amerika abad ke-20, meme seni yang paling terkenal pada abad ke-20 dan ke-21. Menariknya, para hakim pertandingan di Art Institute of Chicago menganggap "Gothic" sebagai "Valentine lucu", dan penduduk Iowa sangat tersinggung oleh Wood kerana menggambarkan mereka dalam cahaya yang tidak menyenangkan.

"Kekasih"

Rene Magritte. 1928, kanvas, minyak

Lukisan "Lovers" ("Lovers") wujud dalam dua versi. Pada salah satu dari mereka seorang lelaki dan seorang wanita, yang kepalanya dibalut dengan kain putih, sedang berciuman, dan di sisi lain, mereka "melihat" ke arah penonton. Gambar itu mengejutkan dan memukau. Dengan dua sosok tanpa wajah, Magritte menyampaikan idea tentang kebutaan cinta. Mengenai kebutaan dalam setiap pengertian: kekasih tidak melihat siapa pun, kita tidak melihat wajah mereka yang sebenarnya, dan selain itu, kekasih adalah misteri walaupun satu sama lain. Tetapi dengan kejelasan ini, kami masih terus melihat para pencinta Magritte dan memikirkannya.

Hampir semua lukisan Magritte adalah teka-teki yang tidak dapat diselesaikan sepenuhnya, kerana ia menimbulkan persoalan mengenai hakikat wujudnya. Magritte sepanjang masa bercakap tentang tipu daya yang dapat dilihat, mengenai misteri tersembunyi, yang biasanya tidak kita perhatikan.

"Berjalan"

Marc Chagall. 1917, kanvas, minyak
Galeri Tretyakov Negeri

"The Walk" adalah potret diri bersama isterinya Bella. Kekasihnya melayang di langit dan penampilan itu akan berlari ke arah penerbangan dan Chagall, berdiri di tanah dengan tidak menentu, seolah-olah hanya menyentuhnya dengan jari-jari kasutnya. Chagall memiliki rumah tikus di tangannya yang lain - dia gembira, dia memiliki kedua rumah jagung di tangannya (mungkin lukisannya), dan sebuah kren di langit. Biasanya, Marc Chagall, yang sangat serius dalam lukisannya, menulis manifesto yang menggembirakan kebahagiaannya sendiri, dipenuhi dengan alegori dan cinta.

"Taman kesenangan duniawi"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, kayu, minyak
Prado, Sepanyol

"The Garden of Earthly Delights" - triptych yang paling terkenal dari Hieronymus Bosch, dinamakan sempena tema bahagian tengah, didedikasikan untuk dosa nafsu. Gambar itu dipenuhi dengan sosok telus, struktur hebat, raksasa, halusinasi yang telah diambil dari daging, karikatur realiti yang mengerikan, yang dilihatnya dengan tatapan yang sangat tajam.

Beberapa saintis ingin melihat dalam triptych gambaran kehidupan seseorang melalui prisma kesombongan dan gambarnya cinta duniawi, lain-lain - kemenangan kegembiraan. Namun, rasa tidak bersalah dan beberapa keterasingan yang ditafsirkan oleh tokoh-tokoh individu, serta sikap yang baik terhadap pekerjaan ini di pihak pihak berwajib gereja, membuat seseorang ragu bahawa kandungannya dapat memuliakan kesenangan tubuh. Sehingga kini, tidak ada tafsiran gambar yang tersedia yang diakui sebagai satu-satunya yang betul.

"Tiga usia seorang wanita"

Gustav Klimt. 1905, kanvas, minyak
Galeri Nasional seni kontemporari, Rom

"Three Ages of a Woman" gembira dan sedih pada masa yang sama. Kisah kehidupan seorang wanita ditulis dalam tiga angka di dalamnya: kecerobohan, kedamaian dan keputusasaan. Wanita muda itu ditenun secara organik menjadi hiasan kehidupan, yang tua menonjol darinya. Perbezaan antara imej wanita muda yang bergaya dengan imej naturalistik wanita tua memperoleh makna simbolik: fasa pertama kehidupan membawa kemungkinan dan metamorfosis yang tidak berkesudahan, yang terakhir - keteguhan berterusan dan konflik dengan kenyataan. Kanvas tidak melepaskan, naik ke dalam jiwa dan membuat anda berfikir tentang kedalaman mesej artis, serta tentang kedalaman dan tidak dapat dielakkan kehidupan.

"Sebuah keluarga"

Egon Schiele. 1918, kanvas, minyak
Galeri "Belvedere", Vienna

Schiele adalah pelajar Klimt, tetapi, seperti pelajar cemerlang, dia tidak menyalin gurunya, tetapi mencari sesuatu yang baru. Schiele jauh lebih tragis, aneh dan menakutkan daripada Gustav Klimt. Dalam karyanya, ada banyak yang disebut pornografi, pelbagai penyelewengan, naturalisme dan, pada masa yang sama, rasa putus asa. "Keluarga" adalah miliknya kerja terakhir, di mana keputusasaan dibawa ke tahap mutlak, walaupun pada hakikatnya inilah gambarannya yang paling aneh. Dia menariknya tepat sebelum kematiannya, setelah isterinya yang hamil Edith meninggal dunia akibat selesema Sepanyol. Dia meninggal pada usia 28 tahun, hanya tiga hari selepas Edith, berjaya menariknya, dirinya dan anak mereka yang belum lahir.

"Dua Frida"

Frida Kahlo. 1939

Cerita kehidupan yang sukar Artis Mexico Frida Kahlo menjadi terkenal setelah pembebasan filem "Frida" yang dibintangi oleh Salma Hayek. Kahlo menulis kebanyakan potret diri dan menjelaskannya dengan sederhana: "Saya melukis diri saya kerana saya menghabiskan banyak masa bersendirian dan kerana saya adalah topik yang paling saya tahu." Tidak satu pun gambar diri Frida Kahlo tersenyum: wajah serius, malah sedih, menyatu kening tebal, antena yang sedikit ketara di atas bibir yang dimampatkan rapat. Idea lukisannya dienkripsi dalam perincian, latar belakang, angka yang muncul di sebelah Frida. Simbolisme Kahlo berdasarkan tradisi kebangsaan dan berkait rapat dengan mitologi Orang Asli Amerika pada zaman pra-Hispanik. Dalam salah satu lukisan terbaik - "Two Frida" - dia menyatakan prinsip maskulin dan feminin, yang disatukan olehnya oleh satu sistem peredaran darah, yang menunjukkan integritasnya.

"Jambatan Waterloo. Kesan Kabus"

Claude Monet. 1899, kanvas, minyak
State Hermitage, St. Petersburg

Semasa melihat gambar dari jarak dekat, penonton tidak melihat apa-apa selain kanvas, di mana sapuan minyak tebal yang kerap digunakan. Semua keajaiban karya itu terungkap ketika kita secara beransur-ansur mulai menjauh dari kanvas pada jarak yang sangat jauh. Pertama, separuh bulatan yang tidak dapat difahami, melewati tengah gambar, mula muncul di depan kami, lalu kami melihat garis besar kapal yang jelas dan, bergerak pada jarak kira-kira dua meter, semua kerja penghubung dilukis dengan tajam di depan kita dan berbaris dalam rantai logik.

"Nombor 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, papan serat, minyak

Keanehan gambar ini adalah bahawa kanvas pemimpin Amerika ekspresionisme abstrak, yang dilukisnya, menumpahkan cat pada sekeping papan serat yang tersebar di lantai, adalah yang paling lukisan yang mahal di dunia. Pada tahun 2006, di lelong Sotheby, mereka membayar $ 140 juta untuknya. David Giffen, pengeluar dan pengumpul filem, menjualnya kepada pemodal Mexico David Martinez. "Saya terus menjauhkan diri dari alat-alat seniman yang biasa seperti easel, palet dan kuas. Saya lebih suka tongkat, sudu, pisau dan cat tuang atau campuran cat dengan pasir, kaca pecah atau yang lain. Semasa saya berada di dalam lukisan, Saya tidak sedar Pengertian datang kemudian. Saya tidak takut akan perubahan atau kehancuran gambar, kerana gambar itu hidup dengan sendirinya. Saya hanya membantunya untuk keluar. Tetapi jika saya terputus hubungan dengan gambar, ia menjadi kacau dan berantakan Jika tidak, maka itu adalah keharmonian yang murni, ringannya bagaimana anda mengambil dan memberi. "

"Seorang lelaki dan seorang wanita di depan timbunan kotoran"

Joan Miró. 1935, tembaga, minyak
Yayasan Joan Miró, Sepanyol

Tajuk yang bagus. Dan siapa sangka bahawa gambar ini memberitahu kita tentang kengerian perang saudara. Lukisan itu dibuat di atas kepingan tembaga pada minggu antara 15 dan 22 Oktober 1935. Menurut Miro, ini adalah hasil usaha menggambarkan tragedi. Perang saudara di Sepanyol. Miro mengatakan bahawa ini adalah gambaran masa kegelisahan. Lukisan itu menggambarkan seorang lelaki dan seorang wanita saling berpelukan, tetapi tidak bergerak. Alat kelamin yang diperbesar dan warna yang tidak menyenangkan telah digambarkan sebagai "penuh dengan seksualiti yang menjijikkan dan menjijikkan."

"Hakisan"

Jacek Jerka

Neo-surealis Poland terkenal di seluruh dunia kerana namanya gambar yang menakjubkan, di mana realiti digabungkan, mencipta yang baru. Sukar untuk mempertimbangkan karya yang sangat terperinci dan sampai batas tertentu menyentuh satu persatu, tetapi ini adalah format bahan kita, dan kita harus memilihnya - untuk menggambarkan imaginasi dan kemahirannya. Kami mengesyorkan agar anda membaca dengan lebih terperinci.

"Tangan menahannya"

Bill Stoneham. 1972

Karya ini, tentu saja, tidak dapat digolongkan di antara karya seni lukis dunia, tetapi hakikat bahawa itu aneh adalah fakta. Terdapat legenda di sekitar lukisan dengan seorang budak lelaki, anak patung dan telapak tangan menekan kaca. Dari "kerana gambar ini mati" hingga "kanak-kanak di atasnya masih hidup." Gambar itu kelihatan sangat menyeramkan, yang menimbulkan banyak ketakutan dan dugaan pada orang yang mempunyai jiwa yang lemah. Seniman itu menegaskan bahawa lukisan itu menggambarkan dirinya pada usia lima tahun, bahawa pintu itu merupakan gambaran garis pemisah antara dunia nyata dan dunia impian, dan boneka itu adalah petunjuk yang dapat membimbing anak lelaki itu melalui dunia ini. Tangan mewakili kehidupan atau kemungkinan alternatif. Lukisan itu menjadi terkenal pada bulan Februari 2000 ketika ia dijual di eBay dengan latar belakang yang mengatakan bahawa lukisan itu "berhantu." "Hands Resist Him" \u200b\u200bdibeli dengan harga $ 1025 oleh Kim Smith, yang ketika itu hanya dibanjiri surat-surat dengan kisah-kisah mengerikan dan tuntutan untuk membakar gambar itu.

) dalam karya penyapu ekspresifnya, dia dapat menjaga ketelusan kabut, cahaya layar, goyang kapal yang lancar di ombak.

Lukisannya mencolok pada kedalaman, kelantangan, ketepuan, dan teksturnya sedemikian rupa sehingga mustahil untuk mengalihkan pandangan anda.

Kesederhanaan hangat Valentina Gubarev

Artis primitif dari Minsk Valentin Gubarev tidak mengejar kemasyhuran dan hanya melakukan apa yang disukainya. Karyanya sangat popular di luar negara, tetapi hampir tidak diketahui oleh rakan senegara. Pada pertengahan tahun 90-an, orang Perancis jatuh cinta dengan lakaran hariannya dan menandatangani kontrak dengan artis selama 16 tahun. Gambar-gambar itu, yang, sepertinya, hanya dapat kita fahami, pembawa "pesona sederhana dari sosialisme yang belum berkembang", disukai oleh masyarakat Eropah, dan pameran-pameran dimulakan di Switzerland, Jerman, Britain dan negara-negara lain.

Realisme sensual Sergei Marshennikov

Sergey Marshennikov berumur 41 tahun. Dia tinggal di St. Petersburg dan bekerja di tradisi terbaik potret realistik sekolah Rusia klasik. Heroin dari kanvasnya adalah wanita lembut dan tidak berdaya dalam keadaan separuh bogel mereka. Sebilangan besar lukisan terkenal menggambarkan muse dan isteri artis - Natalia.

Dunia Philip Barlow yang berpandangan jauh

Dalam era moden gambar beresolusi tinggi dan kejayaan hiperrealisme, kreativiti Philip Barlow (Philip Barlow) segera menarik perhatian. Namun, usaha tertentu diperlukan dari penonton untuk memaksa dirinya melihat siluet kabur dan bintik-bintik terang di kanvas pengarang. Mungkin, ini adalah bagaimana orang dengan rabun melihat dunia tanpa cermin mata dan kanta lekap.

Kelinci matahari Laurent Parsellier

Lukisan Laurent Parcelier adalah dunia yang indah, di mana tidak ada kesedihan atau keputusasaan. Anda tidak akan menjumpai gambar suram dan hujan bersamanya. Terdapat banyak cahaya, udara dan warna terang di kanvasnya, yang digunakan oleh artis dengan sebatan khas yang dikenali. Ini menimbulkan perasaan bahawa lukisan itu ditenun dari seribu sinar matahari.

Dinamika bandar dalam karya Jeremy Mann

Artis Amerika Jeremy Mann melukis potret dinamik metropolis moden dengan minyak pada panel kayu. " Bentuk abstrak, garis, kontras cahaya dan bintik-bintik gelap - semuanya menghasilkan gambaran yang membangkitkan perasaan yang dialami seseorang di keramaian dan kesibukan kota, tetapi juga dapat menyatakan ketenangan yang dapat ditemui seseorang ketika memikirkan keindahan yang tenang, ”kata artis.

Dunia khayalan Neil Simon

Dalam lukisan artis Inggeris Neil Simone, semuanya tidak seperti yang dilihat pada pandangan pertama. "Bagi saya, dunia di sekitar saya adalah serangkaian bentuk, bayangan dan sempadan yang rapuh dan sentiasa berubah," kata Simon. Dan dalam lukisannya, semuanya benar-benar khayalan dan saling berkaitan. Sempadan dihanyutkan, dan plot mengalir antara satu sama lain.

Drama cinta oleh Joseph Lorasso

Sebagai orang Itali sejak lahir, artis Amerika kontemporari Joseph Lorusso membawa ke kanvas pemandangan yang pernah dilihatnya kehidupan seharian orang biasa... Pelukan dan ciuman, dorongan semangat, momen kelembutan dan keinginan memenuhi gambar emosinya.

Kehidupan kampung Dmitry Levin

Dmitry Levin adalah tuan yang terkenal di lanskap Rusia, yang telah memantapkan dirinya sebagai wakil berbakat sekolah realistik Rusia. Sumber seninya yang paling penting adalah keterikatannya dengan alam, yang sangat dia cintai dan penuh semangat dan di mana dia merasakan dirinya menjadi sebahagian.

Timur terang Valery Blokhin

Di Timur, semuanya berbeza: warna yang berbeza, udara yang berbeza, berbeza nilai hidup dan realiti lebih hebat daripada fiksyen - inilah yang difikirkan oleh seorang seniman moden