รูปแบบดนตรีของส่วนที่ 1 ของซิมโฟนี ฟังและเข้าใจซิมโฟนี
คำ "ซิมโฟนี"แปลจากภาษากรีกว่า "พยัญชนะ" อันที่จริง เสียงของเครื่องดนตรีหลายชิ้นในวงออเคสตราสามารถเรียกได้ว่าเป็นดนตรีได้ก็ต่อเมื่ออยู่ในทำนองเดียวกัน และห้ามทำเสียงด้วยตัวเอง
ในสมัยกรีกโบราณ ชื่อนี้มาจากการผสมผสานของเสียงที่ไพเราะ การร้องเพลงร่วมกันอย่างพร้อมเพรียง ที่ โรมโบราณดังนั้นวงดนตรี วงออเคสตราจึงถูกเรียก ในยุคกลาง ดนตรีฆราวาสโดยทั่วไปและเครื่องดนตรีบางชนิดเรียกว่าซิมโฟนี
คำนี้มีความหมายอื่น แต่ทั้งหมดมีความหมายของความเชื่อมโยง การมีส่วนร่วม การรวมกันที่กลมกลืนกัน ตัวอย่างเช่น หลักการของความสัมพันธ์ระหว่างคริสตจักรและอำนาจทางโลกที่ก่อตัวขึ้นในจักรวรรดิไบแซนไทน์เรียกอีกอย่างว่าซิมโฟนี
แต่วันนี้เราจะพูดถึงแต่เรื่องซิมโฟนีทางดนตรีเท่านั้น
ความหลากหลายของซิมโฟนี
ซิมโฟนีคลาสสิกเป็นเพลงในรูปแบบไซคลิกโซนาตา ตั้งใจให้บรรเลงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
ในซิมโฟนี (นอกจาก วงดุริยางค์ซิมโฟนี) สามารถรวมคณะนักร้องประสานเสียงและเสียงร้องได้ มีซิมโฟนี-สวีท ซิมโฟนี-แรปโซดี ซิมโฟนี-แฟนตาซี ซิมโฟนี-บัลลาด ซิมโฟนี-ตำนาน ซิมโฟนี-กวี ซิมโฟนี-เรควีเอ็ม ซิมโฟนี-บัลเลต์ ซิมโฟนี-ละคร และซิมโฟนีในการแสดงละครในรูปแบบโอเปร่า
ซิมโฟนีคลาสสิกมักจะมี 4 การเคลื่อนไหว:
ส่วนแรกอยู่ใน ก้าวอย่างรวดเร็ว(อัลเลโกร ) , ในรูปแบบโซนาต้า;
ส่วนที่สองใน ก้าวช้าๆมักจะอยู่ในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลง rondo, rondo-sonata, สามส่วนที่ซับซ้อน, น้อยกว่าในรูปแบบของโซนาตา;
ส่วนที่สาม - scherzo หรือ minuet- ในรูปแบบ da capo สามส่วนพร้อมทรีโอ (นั่นคือตามโครงการ A-trio-A);
ส่วนที่สี่ใน ก้าวอย่างรวดเร็ว, ในรูปแบบโซนาต้า, ในรูปแบบรอนโดหรือรอนโดโซนาต้า
แต่มีซิมโฟนีที่มีส่วนน้อย (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว
ซอฟต์แวร์ซิมโฟนีเป็นซิมโฟนีที่มีเนื้อหาบางอย่างซึ่งระบุไว้ในโปรแกรมหรือแสดงในชื่อ หากมีชื่อเพลงในซิมโฟนี แสดงว่าชื่อนี้เป็นโปรแกรมขั้นต่ำ เช่น Fantastic Symphony ของ G. Berlioz
จากประวัติวงซิมโฟนี
ผู้สร้าง รูปแบบคลาสสิกซิมโฟนีและออร์เคสตราได้รับการพิจารณา ไฮเดน.
และต้นแบบของซิมโฟนีคือชาวอิตาลี ทาบทาม(วงดนตรีบรรเลงบรรเลงที่บรรเลงก่อนการแสดงใด ๆ : โอเปร่า, บัลเลต์) ซึ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนีโดย โมสาร์ทและ เบโธเฟน. เหล่านี้ นักแต่งเพลงสามคนเรียกว่า "เวียนนาคลาสสิก" คลาสสิกแบบเวียนนาสร้างแบบสูง เพลงบรรเลงที่ซึ่งความสมบูรณ์ของเนื้อหาโดยนัยทั้งหมดเป็นตัวเป็นตนในความสมบูรณ์แบบ รูปแบบศิลปะ. กระบวนการของการก่อตัวของวงดุริยางค์ซิมโฟนี - องค์ประกอบถาวรของกลุ่มออเคสตรา - ก็ใกล้เคียงกับเวลานี้เช่นกัน
วีเอ โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนในทุกรูปแบบและทุกประเภทที่มีอยู่ในยุคของเขาให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับโอเปร่าแต่ ความสนใจอย่างมากอุทิศให้กับดนตรีไพเราะ เนื่องจากตลอดชีวิตของเขาเขาทำงานควบคู่ไปกับโอเปร่าและซิมโฟนี ดนตรีบรรเลงของเขาจึงโดดเด่นด้วยความไพเราะ โอเปร่า ariaและความขัดแย้งอันน่าทึ่ง โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีมากกว่า 50 รายการ ซิมโฟนีสามรายการสุดท้ายที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือหมายเลข 39 หมายเลข 40 และหมายเลข 41 ("ดาวพฤหัสบดี")
K. Schlosser "เบโธเฟนในที่ทำงาน"
เบโธเฟนสร้างซิมโฟนี 9 ตัว แต่ในแง่ของการพัฒนารูปแบบไพเราะและการประสานเสียง เขาสามารถเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงไพเราะที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคคลาสสิก ใน Ninth Symphony ที่โด่งดังที่สุด ทุกส่วนถูกรวมเข้าเป็นหนึ่งเดียวโดยผ่านธีม ในการแสดงซิมโฟนีนี้ เบโธเฟนได้แนะนำส่วนเสียงร้อง หลังจากนั้นนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ก็เริ่มทำสิ่งนี้ ในรูปแบบของซิมโฟนีกล่าวคำใหม่ อาร์. ชูแมน.
แต่แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX รูปแบบที่เข้มงวดของซิมโฟนีเริ่มเปลี่ยนไป สี่ส่วนกลายเป็นตัวเลือก: ปรากฏ ส่วนหนึ่งซิมโฟนี (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky), ซิมโฟนีจาก 11 ส่วน(โชสตาโควิช) และแม้กระทั่งจาก 24 ส่วน(โฮวาเนส). ตอนจบแบบคลาสสิกด้วยจังหวะที่รวดเร็วถูกแทนที่ด้วยตอนจบที่ช้า (Sixth Symphony ของ P.I. Tchaikovsky, Mahler's Third และ Ninth Symphonies)
ผู้เขียนซิมโฟนี ได้แก่ F. Schubert, F. Mendelssohn, I. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jan Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N . Rimsky- Korsakov, N. Myaskovsky, A. Skryabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich และคนอื่นๆ
องค์ประกอบของมันดังที่เราได้กล่าวไปแล้วว่าเกิดขึ้นในยุค เวียนนาคลาสสิก.
พื้นฐานของวงดุริยางค์ซิมโฟนีคือเครื่องดนตรีสี่กลุ่ม: สายโค้งคำนับ(ไวโอลิน วิโอล่า เชลโล ดับเบิลเบส) ลมไม้(ขลุ่ย, โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน, แซกโซโฟนที่มีหลากหลายรูปแบบ - เครื่องบันทึกเสียงเก่า, แชลมี, ชาลูโม ฯลฯ รวมถึงอีกจำนวนหนึ่ง เครื่องดนตรีพื้นบ้าน- balaban, duduk, zhaleyka, ขลุ่ย, zurna), ทองเหลือง(แตร, ทรัมเป็ต, คอร์เนต, ฟลูเกลฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา) กลอง(ทิมปานี, ระนาด, ไวบราโฟน, ระฆัง, กลอง, สามเหลี่ยม, ฉาบ, แทมบูรีน, แคสทาเนต, ทัมตัมและอื่น ๆ )
บางครั้งเครื่องดนตรีอื่น ๆ จะรวมอยู่ในวงออเคสตรา: พิณ, เปียโน, อวัยวะ(เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดและลม เครื่องดนตรีประเภทที่ใหญ่ที่สุด) celesta(เครื่องดนตรีประเภทเคาะแป้นพิมพ์ขนาดเล็กที่มีลักษณะเหมือนเปียโน เสียงเหมือนระฆัง) ฮาร์ปซิคอร์ด.
ฮาร์ปซิคอร์ด
ใหญ่วงดุริยางค์ซิมโฟนีสามารถรวมนักดนตรีได้มากถึง 110 คน , เล็ก- ไม่เกิน 50.
ผู้ควบคุมวงตัดสินใจว่าจะนั่งวงออเคสตราอย่างไร ที่ตั้งของนักแสดงของวงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุความดังที่สอดคล้องกัน ในยุค 50-70 ศตวรรษที่ 20 การแพร่กระจาย "ที่นั่งแบบอเมริกัน":ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สองถูกวางไว้ทางด้านซ้ายของตัวนำ ด้านขวา - วิโอลาและเชลโล; ในระดับความลึก - ลมไม้และทองเหลือง, เบสคู่; ซ้าย - กลอง
การจัดที่นั่งสำหรับนักดนตรีวงดุริยางค์ซิมโฟนี
ในบรรดาแนวเพลงและรูปแบบต่างๆ มากมาย หนึ่งในสถานที่ที่มีเกียรติมากที่สุดเป็นของวงซิมโฟนี ที่ถือกำเนิดขึ้นเป็นแนวบันเทิงตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบัน สะท้อนถึงเวลาได้ละเอียดอ่อนและเต็มที่ที่สุด ไม่เหมือนศิลปะดนตรีรูปแบบอื่นใด การแสดงซิมโฟนีของเบโธเฟนและแบร์ลิออซ ชูเบิร์ตและบราห์ม มาห์เลอร์และไชคอฟสกี โปรโคฟีเยฟ และโชสตาโควิชเป็นการสะท้อนขนาดใหญ่เกี่ยวกับยุคสมัยและบุคลิกภาพ เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติและวิถีของโลก
วัฏจักรไพเราะดังที่เราทราบจากตัวอย่างคลาสสิกและร่วมสมัยมากมาย ก่อตัวขึ้นเมื่อประมาณสองร้อยห้าสิบปีที่แล้ว อย่างไรก็ตาม ในช่วงระยะเวลาอันสั้นทางประวัติศาสตร์ แนวเพลงซิมโฟนีได้พัฒนาไปไกลแล้ว ความยาวและความสำคัญของเส้นทางนี้ถูกกำหนดอย่างแม่นยำโดยความจริงที่ว่าซิมโฟนีดูดซับปัญหาทั้งหมดในยุคนั้นสามารถสะท้อนความซับซ้อนที่ขัดแย้งกันเต็มไปด้วยความวุ่นวายครั้งใหญ่ของยุคเพื่อรวบรวมความรู้สึกความทุกข์การต่อสู้ของ ผู้คน. เพียงพอที่จะจินตนาการถึงชีวิตของสังคมในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 - และระลึกถึงซิมโฟนีของ Haydn; ความวุ่นวายครั้งใหญ่ ปลาย XVIII- ต้นศตวรรษที่ 19 - และซิมโฟนีของเบโธเฟนที่สะท้อนให้เห็น; ปฏิกิริยาในสังคม ความผิดหวัง และซิมโฟนีแสนโรแมนติก ในที่สุด ความน่าสะพรึงกลัวทั้งหมดที่มนุษยชาติต้องเผชิญในศตวรรษที่ 20 และเปรียบเทียบซิมโฟนีของเบโธเฟนกับซิมโฟนีของโชสตาโควิช เพื่อที่จะมองเห็นเส้นทางที่กว้างใหญ่และน่าเศร้าในบางครั้งได้อย่างชัดเจน ตอนนี้มีเพียงไม่กี่คนที่จำได้ว่าจุดเริ่มต้นเป็นอย่างไร ต้นกำเนิดของแนวดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดที่ไม่เกี่ยวข้องกับศิลปะอื่น ๆ คืออะไร
มาดูกันเร็ว ดนตรียุโรปกลางศตวรรษที่ 18
ในอิตาลี ประเทศศิลปะคลาสสิก ผู้นำเทรนด์ของทุกประเทศในยุโรป โอเปร่าครองตำแหน่งสูงสุด ละครโอเปร่าที่เรียกว่า (“ร้ายแรง”) ครอบงำ ไม่มีภาพที่สดใสในนั้นไม่มีของแท้ ดราม่า. ซีรีย์โอเปร่าเป็นการสลับของต่างๆ สภาพจิตใจเป็นตัวเป็นตนในอักขระเงื่อนไข ส่วนที่สำคัญที่สุดคือเพลงที่รัฐเหล่านี้ถูกส่ง มีอาเรียสแห่งความโกรธและการแก้แค้น อาเรียสบ่น (ลาเมนโต) อาเรียสช้าๆ ที่โศกเศร้า และความกล้าหาญที่ร่าเริง อาเรียเหล่านี้มีลักษณะทั่วไปมากจนสามารถถ่ายโอนจากโอเปร่าหนึ่งไปยังอีกโอเปร่าโดยไม่มีความเสียหายใด ๆ กับการแสดง อันที่จริง คีตกวีมักจะทำเช่นนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาต้องเขียนโอเปร่าหลายซีซัน
เมโลดี้กลายเป็นองค์ประกอบของละครโอเปร่า ศิลปะที่มีชื่อเสียงโด่งดังของอิตาลี bel canto อยู่ที่นี่ในระดับสูงสุด ใน arias นักแต่งเพลงได้บรรลุความสูงที่แท้จริงของศูนย์รวมของรัฐใดรัฐหนึ่ง ความรักและความเกลียดชัง ความสุขและความสิ้นหวัง ความโกรธและความเศร้าโศกถูกถ่ายทอดโดยดนตรีอย่างชัดเจนและน่าเชื่อถือจนไม่จำเป็นต้องได้ยินเนื้อร้องเพื่อทำความเข้าใจว่านักร้องกำลังร้องเพลงเกี่ยวกับอะไร โดยพื้นฐานแล้ว ท้ายที่สุดแล้ว พื้นดินก็พร้อมสำหรับเพลงที่ไม่มีข้อความ ซึ่งออกแบบมาเพื่อรวบรวมความรู้สึกและความหลงใหลของมนุษย์
จากช่วงสลับฉาก - แทรกฉากที่แสดงระหว่างการกระทำของละครโอเปร่ากับเนื้อหาที่ไม่เกี่ยวข้องกับมัน - น้องสาวผู้ร่าเริงของเธอได้เกิดขึ้น โอเปร่าหนังตลก เนื้อหาที่เป็นประชาธิปไตย (นักแสดงไม่ใช่วีรบุรุษในตำนาน ราชาและอัศวิน แต่เป็นคนธรรมดาจากประชาชน) เธอไม่เห็นด้วยกับศิลปะในศาล หนังโอเปร่ามีความโดดเด่นด้วยความเป็นธรรมชาติ ความมีชีวิตชีวาของการแสดง และความฉับไวของภาษาดนตรี ซึ่งมักเกี่ยวข้องโดยตรงกับนิทานพื้นบ้าน มันมีเสียงทอร์นาโดของลิ้น เสียงการ์ตูนล้อเลียน ท่วงทำนองการเต้นที่มีชีวิตชีวาและเบา รอบชิงชนะเลิศของการกระทำที่แฉเป็นตระการตาซึ่ง ตัวอักษรพวกเขาทั้งหมดร้องเพลงในเวลาเดียวกัน บางครั้งรอบชิงชนะเลิศดังกล่าวเรียกว่า "ยุ่งเหยิง" หรือ "ความสับสน" การกระทำดังกล่าวเกิดขึ้นอย่างรวดเร็วและการวางอุบายกลับกลายเป็นความสับสน
ดนตรีบรรเลงยังพัฒนาขึ้นในอิตาลีและเหนือสิ่งอื่นใดแนวเพลงที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่ามากที่สุดคือทาบทาม เป็นบทนำของวงออร์เคสตราสำหรับการแสดงโอเปร่า เธอยืมมาจากโอเปร่าที่สดใสและแสดงออก ธีมดนตรีคล้ายกับท่วงทำนองของอาเรียส
ภาษาอิตาลีในยุคนั้นประกอบด้วยสามส่วน - เร็ว (Allegro) ช้า (Adagio หรือ Andante) และเร็วอีกครั้ง ส่วนใหญ่มักเป็น Minuet พวกเขาเรียกมันว่า sinfonia - แปลจากภาษากรีก - ความสอดคล้อง เมื่อเวลาผ่านไป การทาบทามเริ่มทำขึ้นไม่เพียงแต่ในโรงละครก่อนเปิดม่านเท่านั้น แต่ยังมีการแต่งเพลงแยกจากกันด้วยในฐานะผู้ประพันธ์เพลงออร์เคสตราอิสระ
ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 กาแล็กซีอันยอดเยี่ยมของนักไวโอลินอัจฉริยะได้ปรากฏตัวขึ้นในอิตาลี ซึ่งในขณะเดียวกันก็เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli และคนอื่น ๆ ที่เชี่ยวชาญไวโอลินอย่างสมบูรณ์แบบ - เครื่องดนตรีที่สามารถเปรียบเทียบได้ในความหมาย เสียงมนุษย์, - สร้างละครไวโอลินที่กว้างขวาง ส่วนใหญ่มาจากเพลงที่เรียกว่า sonatas (จากเสียงโซนาเระของอิตาลี) ในพวกเขา เช่นเดียวกับในเพลงกลาเวียร์โซนาตาของ Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello และนักประพันธ์เพลงอื่น ๆ คุณลักษณะโครงสร้างทั่วไปบางอย่างได้รับการพัฒนาซึ่งต่อมาได้ผ่านเข้าไปในซิมโฟนี
ก่อตัวแตกต่างกัน ชีวิตดนตรีฝรั่งเศส. ดนตรีที่เกี่ยวข้องกับคำพูดและการกระทำเป็นที่ชื่นชอบมานานแล้ว ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาอย่างมาก โอเปร่าประเภทพิเศษได้รับการปลูกฝัง - โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ คล้ายกับโศกนาฏกรรมของ Corneille และ Racine ซึ่งมีรอยประทับของชีวิตที่เฉพาะเจาะจงของราชสำนัก มารยาท การเฉลิมฉลอง
คีตกวีชาวฝรั่งเศสต่างให้ความสนใจกับโครงเรื่อง โปรแกรม คำจำกัดความของดนตรีเมื่อสร้างบทละคร "Flying Cap", "Reapers", "Tambourine" - ชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเป็นภาพสเก็ตช์ประเภทหรือภาพดนตรี - "สง่างาม", "อ่อนโยน", "ขยัน", "เจ้าชู้"
มากกว่า งานสำคัญซึ่งประกอบด้วยหลายส่วนที่มีต้นกำเนิดมาจากการเต้นรำ การเต้นรำแบบเยอรมันที่เคร่งครัด การร่ายรำ เช่น เสียงกระดิ่งฝรั่งเศสแบบเลื่อนได้ การแสดงซาราบันเดสเปนอันตระหง่าน และการเต้นที่รวดเร็ว - การเต้นที่ร้อนแรงของลูกเรือชาวอังกฤษ - เป็นที่รู้จักในยุโรปมานานแล้ว พวกเขาเป็นพื้นฐานของประเภทชุดเครื่องมือ (จากชุดภาษาฝรั่งเศส - ลำดับ) บ่อยครั้งที่มีการเต้นรำอื่น ๆ รวมอยู่ในชุด: minuet, gavotte, polonaise ก่อน allemande เสียงโหมโรงเบื้องต้นสามารถฟังได้ตรงกลางห้องชุด ท่าเต้นบางครั้งถูกขัดจังหวะด้วยเพลงฟรี แต่กระดูกสันหลังของห้องสวีทคือการเต้นที่หลากหลายสี่แบบ ต่างชนชาติ- ปรากฏอยู่ในลำดับที่ไม่เปลี่ยนแปลงอย่างแน่นอน โดยสรุปอารมณ์ที่แตกต่างกันสี่แบบ นำผู้ฟังจากการเคลื่อนไหวที่สงบในตอนต้นไปสู่ตอนจบที่ตื่นเต้นเร้าใจ
ห้องสวีทเขียนโดยนักประพันธ์เพลงหลายคน ไม่ใช่แค่ในฝรั่งเศสเท่านั้น โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค ผู้ยิ่งใหญ่ยังให้เกียรติพวกเขาด้วยชื่อของเขา เช่นเดียวกับวัฒนธรรมดนตรีของเยอรมันในสมัยนั้นโดยรวม แนวดนตรีมากมายมีความเกี่ยวข้องกัน
ในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน กล่าวคือ อาณาจักร อาณาเขต และบิชอปของเยอรมันจำนวนมาก (ปรัสเซียน บาวาเรีย แซกซอน ฯลฯ) รวมทั้งใน พื้นที่ต่างๆจักรวรรดิออสเตรียข้ามชาติ ซึ่งรวมถึง "นักดนตรี" - สาธารณรัฐเช็กซึ่งตกเป็นทาสของราชวงศ์ฮับส์บูร์ก - ได้ปลูกฝังดนตรีบรรเลงมายาวนาน ในเมืองเล็ก ๆ เมืองหรือหมู่บ้านใด ๆ ก็มีนักไวโอลินและนักเล่นเชลโลในตอนเย็นมีการแสดงเดี่ยวและวงดนตรีที่เล่นด้วยความกระตือรือร้นโดยมือสมัครเล่น ศูนย์ทำดนตรีมักจะกลายเป็นโบสถ์และโรงเรียนที่ติดอยู่กับพวกเขา ตามกฎแล้วครูยังเป็นออร์แกนของโบสถ์ที่แสดงจินตนาการทางดนตรีในวันหยุดอย่างสุดความสามารถ ในศูนย์โปรเตสแตนต์ขนาดใหญ่ของเยอรมัน เช่น ฮัมบูร์กหรือไลพ์ซิก ดนตรีรูปแบบใหม่ก็กำลังก่อตัวขึ้นเช่นกัน: คอนเสิร์ตออร์แกนในมหาวิหาร ในคอนเสิร์ตเหล่านี้ เสียงโหมโรง จินตนาการ การเปลี่ยนแปลง การเรียบเรียงเสียงประสาน และที่สำคัญที่สุดคือเสียงที่ไพเราะ
Fugue เป็นเพลงประเภทโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนที่สุด โดยไปถึงจุดสูงสุดในผลงานของ J.S. บาคและฮันเดล. ชื่อของมันมาจากภาษาละติน fuga - วิ่ง มันเป็นชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่มีพื้นฐานมาจากธีมเดียวที่เคลื่อนไหว (วิ่ง!) จากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่ง ในกรณีนี้แต่ละท่อนที่ไพเราะจะเรียกว่าเสียง ขึ้นอยู่กับจำนวนของบรรทัดดังกล่าว ความทรงจำสามารถเป็นสาม สี่ ห้าส่วน ฯลฯ จะขยายออก (โน้ตแต่ละตัวที่ประกอบขึ้นจะยาวเป็นสองเท่า) จากนั้นจะหดตัว - นี่เรียกว่า ธีมเพิ่มขึ้นและธีมลดลง อาจเกิดขึ้นภายในธีมหนึ่ง ท่าเต้นที่ไพเราะจากมากไปน้อยจะกลายเป็นจากน้อยไปมาก และในทางกลับกัน (ธีมที่หมุนเวียน) การเคลื่อนไหวที่ไพเราะจะย้ายจากปุ่มหนึ่งไปยังอีกปุ่มหนึ่ง และในส่วนสุดท้ายของความทรงจำ - การบรรเลง - ธีมอีกครั้งไม่มีการเปลี่ยนแปลงเหมือนในตอนเริ่มต้นกลับไปที่โทนหลักของการเล่น
จำได้อีกครั้ง: เรากำลังพูดถึงประมาณกลางศตวรรษที่ 18 ในท้องของชนชั้นสูงของฝรั่งเศส การระเบิดกำลังก่อตัวขึ้นซึ่งจะกวาดล้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ในเร็วๆ นี้ เวลาใหม่จะมา ในระหว่างนี้ อารมณ์ของการปฏิวัติเป็นเพียงการเตรียมพร้อมโดยปริยาย นักคิดชาวฝรั่งเศสคัดค้านคำสั่งที่มีอยู่ พวกเขาต้องการความเท่าเทียมกันของทุกคนต่อหน้ากฎหมาย ประกาศแนวคิดเรื่องเสรีภาพและภราดรภาพ
ศิลปะสะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงในชีวิตทางสังคม มีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในบรรยากาศทางการเมืองในยุโรป ตัวอย่างนี้คือคอเมดี้อมตะของโบมาเช่ สิ่งนี้ใช้กับดนตรีด้วย ในตอนนี้ ซับซ้อน มหึมา ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ในส่วนลึกของแนวเพลงและรูปแบบดนตรีเก่าแก่ที่มีมาช้านาน แนวเพลงแนวใหม่ที่ปฏิวัติวงการอย่างแท้จริงคือซิมโฟนีได้ถือกำเนิดขึ้น มันจะกลายเป็นคุณภาพ แตกต่างโดยพื้นฐาน เพราะมันรวบรวมและ แบบใหม่กำลังคิด
ต้องคิดว่ามันไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่มีข้อกำหนดเบื้องต้นในภูมิภาคต่าง ๆ ของยุโรป ในที่สุดประเภทของซิมโฟนีก็ถูกสร้างขึ้นในประเทศของภาษาเยอรมัน ในอิตาลี โอเปร่าเป็นศิลปะประจำชาติ ในอังกฤษ จิตวิญญาณและความหมายของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นนั้นสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ที่สุดในคำปราศรัยของ Georg Handel ชาวเยอรมันโดยกำเนิดและกลายเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษประจำชาติ ในฝรั่งเศส ศิลปะอื่นๆ ได้เข้ามามีบทบาทในเบื้องหน้า โดยเฉพาะอย่างยิ่ง วรรณกรรมและละครเวที เป็นรูปธรรมมากขึ้น แสดงออกทางความคิดใหม่ๆ ได้โดยตรงและอย่างชาญฉลาดซึ่งทำให้คนทั้งโลกตื่นเต้น ผลงานของวอลแตร์ "New Eloise" ของ Rousseau, "Persian Letters" ของ Montesquieu ในรูปแบบที่ปิดบัง แต่เข้าใจได้ง่ายนำเสนอผู้อ่านด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างกัดกร่อนของคำสั่งที่มีอยู่โดยเสนอโครงสร้างของสังคมในรูปแบบของตนเอง
เมื่อผ่านไปหลายทศวรรษ เพลงนั้นก็เข้ามาในกองทหารปฏิวัติ ที่สุด ตัวอย่างสำคัญเพื่อสิ่งนั้น - เพลงแห่งกองทัพแห่งแม่น้ำไรน์ที่สร้างขึ้นในคืนเดียวโดยเจ้าหน้าที่ Rouge de Lisle ซึ่งกลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกภายใต้ชื่อ Marseillaise ต่อจากเพลง ดนตรีงานรื่นเริงและพิธีไว้ทุกข์ก็ปรากฏขึ้น และในที่สุดสิ่งที่เรียกว่า "โอเปร่าแห่งความรอด" ซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับการกดขี่ข่มเหงฮีโร่หรือนางเอกโดยทรราชและความรอดของพวกเขาในตอนจบของโอเปร่า
ในทางกลับกัน ซิมโฟนีต้องการเงื่อนไขที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงทั้งสำหรับการก่อตัวและเพื่อการรับรู้ที่สมบูรณ์ "ศูนย์กลางของแรงโน้มถ่วง" ของความคิดเชิงปรัชญาซึ่งสะท้อนถึงแก่นแท้ของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในยุคนั้นอย่างเต็มที่ที่สุด กลับกลายเป็นว่าในเยอรมนี ห่างไกลจากพายุทางสังคม
ที่นั่นพวกเขาสร้างระบบปรัชญาใหม่ ซึ่งก็คือ Kant และต่อมาคือ Hegel เช่นเดียวกับระบบปรัชญา ซิมโฟนีเป็นประเภทเชิงปรัชญาและวิภาษวิธีมากที่สุด ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี, - ในที่สุดก็ก่อตัวขึ้นโดยมีเพียงเสียงสะท้อนของพายุฝนฟ้าคะนองที่จะมาถึง ที่ยิ่งไปกว่านั้น ประเพณีที่มั่นคงของดนตรีบรรเลงได้พัฒนาขึ้น
มันไฮม์ เมืองหลวงของเขตเลือกตั้งบาวาเรียแห่งพาลาทิเนต กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางหลักสำหรับการเกิดขึ้นของประเภทใหม่ ที่นี่ ที่คอร์ทอันยอดเยี่ยมของ Elector Karl Theodor ในยุค 40-50 ของศตวรรษที่ 18 วงออร์เคสตราที่ยอดเยี่ยมที่สุด บางทีอาจจะเป็นวงออร์เคสตราที่ดีที่สุดในยุโรปในเวลานั้นก็ถูกรักษาไว้
เมื่อถึงเวลานั้น วงดุริยางค์ซิมโฟนีก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้น และในโบสถ์ของศาลและในวิหารนั้นไม่มีกลุ่มออร์เคสตราที่มีองค์ประกอบที่มั่นคง ทุกอย่างขึ้นอยู่กับวิธีการของผู้ปกครองหรือผู้พิพากษา ขึ้นอยู่กับรสนิยมของผู้บังคับบัญชา วงออเคสตราในตอนแรกเล่นเพียงบทบาทที่ใช้ประกอบกับการแสดงในศาลหรืองานเฉลิมฉลองและพิธีการอันเคร่งขรึม และประการแรกถือว่าเป็นโอเปร่าหรือวงดนตรีของโบสถ์ ในขั้นต้น วงออเคสตรารวมถึงไวโอลิน พิณ พิณ ขลุ่ย โอโบ เขา และกลอง การจัดองค์ประกอบอย่างค่อยเป็นค่อยไป จำนวนเครื่องสายก็เพิ่มขึ้น เมื่อเวลาผ่านไป ไวโอลินเข้ามาแทนที่ไวโอลินโบราณและในไม่ช้าก็ครองตำแหน่งผู้นำในวงออเคสตรา เครื่องเป่าลมไม้ - ขลุ่ย, โอโบ, บาสซูน - รวมกันใน แยกกลุ่มปรากฏและทองแดง - ท่อ, ทรอมโบน. ฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งสร้างพื้นฐานฮาร์โมนิกของเสียงเป็นเครื่องมือบังคับในวงออเคสตรา เขามักจะตามด้วยหัวหน้าวงออเคสตราซึ่งในขณะเล่นก็ให้คำแนะนำสำหรับการเข้าร่วม
ปลายศตวรรษที่ 17 วงดนตรีซึ่งมีอยู่ในราชสำนักของขุนนางได้แพร่หลายออกไป เจ้าชายผู้น้อยหลายคนของเยอรมนีที่กระจัดกระจายต่างก็ต้องการมีโบสถ์ของตัวเอง การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวงออเคสตราเริ่มขึ้น วิธีการเล่นออเคสตรารูปแบบใหม่เกิดขึ้น
วงดนตรี Mannheim Orchestra ประกอบด้วยเครื่องสาย 30 ชิ้น, ขลุ่ย 2 ชิ้น, โอโบ 2 ชิ้น, คลาริเน็ต, บาสซูน 2 ตัว, แตร 2 ตัว, 4 เขา, กลองทิมปานี นี่คือกระดูกสันหลังของวงออเคสตราสมัยใหม่ ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่นักประพันธ์เพลงในยุคต่อ ๆ มาสร้างผลงานของพวกเขา วงออเคสตรานำโดย Jan Vaclav Stamitz นักดนตรี นักแต่งเพลง และนักไวโอลินฝีมือเยี่ยมชาวเช็ก ในบรรดาศิลปินของวงออเคสตรายังเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ไม่เพียงแต่นักบรรเลงอัจฉริยะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักประพันธ์เพลงที่มีพรสวรรค์ Franz Xaver Richter, Anton Filz และคนอื่นๆ ด้วย พวกเขากำหนดระดับที่ยอดเยี่ยมของความเชี่ยวชาญในการแสดงของวงออเคสตราซึ่งมีชื่อเสียงในด้านคุณภาพที่น่าทึ่ง - จังหวะไวโอลินที่ไม่สามารถบรรลุได้ก่อนหน้านี้การไล่ระดับที่ดีที่สุด เฉดสีแบบไดนามิกก่อนหน้านี้ไม่ได้ใช้เลย
ตามที่นักวิจารณ์ร่วมสมัยของ Bossler กล่าวว่า “การปฏิบัติตามเปียโน, มือขวา, รินฟอร์ซานโด, การเติบโตอย่างค่อยเป็นค่อยไปและการเพิ่มความเข้มข้นของเสียง จากนั้นความแรงก็ลดลงอีกครั้งจนเหลือเสียงที่แทบไม่ได้ยิน - ทั้งหมดนี้ได้ยินได้เฉพาะใน มันไฮม์” Bernie สะท้อนโดยคนรักดนตรีชาวอังกฤษที่เดินทางไปยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ว่า “วงออร์เคสตราพิเศษนี้มีพื้นที่และแง่มุมเพียงพอที่จะแสดงความสามารถทั้งหมดและสร้างผลงานที่ยอดเยี่ยม ที่นี่เป็นที่ที่ Stamitz ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของ Yomelli เป็นครั้งแรกที่นอกเหนือไปจากการทาบทามโอเปร่าตามปกติ ... ได้ลองเอฟเฟกต์ทั้งหมดที่สามารถผลิตเสียงได้ ที่นี่เป็นที่ที่เกิด crescendo และ diminuendo และเปียโนซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เป็นเสียงสะท้อนเป็นหลักและมักจะเป็นคำพ้องความหมายและด้านที่รู้จัก สีดนตรีมีเฉดสีของตัวเอง ... "
ในวงออเคสตรานี้เองที่ซิมโฟนีสี่ส่วนเปิดขึ้นเป็นครั้งแรก - ผลงานที่สร้างขึ้นตามประเภทเดียวและมีรูปแบบทั่วไปที่ซึมซับลักษณะและรูปแบบดนตรีที่มีอยู่ก่อนแล้วมากมาย และหลอมรวมเป็นหนึ่งที่แตกต่างกันในเชิงคุณภาพ ความสามัคคีใหม่
คอร์ดแรกมีความแน่วแน่ เต็มเสียง ราวกับเรียกร้องความสนใจ จากนั้นกว้างและเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็ว คอร์ดอีกครั้ง แทนที่ด้วยการเคลื่อนไหวแบบอาร์เพจจิเอ และจากนั้น - มีชีวิตชีวา ยืดหยุ่น ราวกับสปริงที่คลี่ออก ท่วงทำนอง ดูเหมือนว่าเธอจะเปิดเผยได้ไม่มีกำหนด แต่จากไปเร็วกว่าที่ข่าวลือต้องการ: เหมือนแขกที่แนะนำให้รู้จักกับเจ้าของบ้านในช่วง แผนกต้อนรับขนาดใหญ่ออกห่างจากพวกเขา หลีกทางให้ผู้อื่นติดตามพวกเขา หลังจากช่วงเวลาของการเคลื่อนไหวทั่วไป ธีมใหม่จะปรากฏขึ้น - นุ่มนวลขึ้น เป็นผู้หญิง และไพเราะ แต่ไม่นานก็สลายไปในข้อ หลังจากผ่านไประยะหนึ่ง เราก็มีธีมแรกอีกครั้ง ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในคีย์ใหม่ กระแสดนตรีไหลอย่างรวดเร็ว กลับสู่คีย์ดั้งเดิมของซิมโฟนี ธีมที่สองผสานเข้ากับโฟลว์นี้อย่างเป็นธรรมชาติ ตอนนี้กำลังเข้าใกล้ธีมแรกและอารมณ์ ส่วนแรกของซิมโฟนีจบลงด้วยคอร์ดที่สนุกสนาน
ส่วนที่สอง อันดันเต้ แผ่ออกช้าๆ ไพเราะ เผยให้เห็นถึงความชัดเจนของเครื่องสาย นี่คือเพลงประเภทหนึ่งสำหรับวงออเคสตรา ซึ่งมีการแต่งบทเพลงและการทำสมาธิอย่างสง่างาม
การเคลื่อนไหวที่สามเป็นนาทีที่สง่างาม มันสร้างความรู้สึกผ่อนคลายผ่อนคลาย และแล้วก็เหมือนกับลมบ้าหมูที่ลุกเป็นไฟ โดยทั่วไปแล้วเป็นซิมโฟนีของเวลานั้น มีการระบุที่มาของมันอย่างชัดเจน ส่วนแรกชวนให้นึกถึงการทาบทามโอเปร่ามากที่สุด แต่ถ้าทาบทามเป็นเพียงธรณีประตูของการแสดง การกระทำนี้เองจะแผ่ออกเป็นเสียง โดยทั่วไปแล้วภาพโอเปร่าของทาบทาม - การประโคมอย่างกล้าหาญ, สัมผัส lamentos, ความสนุกสนานของ buffons - ไม่เกี่ยวข้องกับสถานการณ์บนเวทีที่เฉพาะเจาะจงและไม่มีลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล (จำได้ว่าแม้แต่ทาบทามที่มีชื่อเสียงของ Rossini "The Barber of Seville" ก็ไม่มีอะไร เกี่ยวกับเนื้อหาของโอเปร่าและโดยทั่วไป แต่เดิมเขียนขึ้นสำหรับโอเปร่าอื่น!) แยกตัวออกจากการแสดงโอเปร่าและเริ่มชีวิตอิสระ พวกเขาสามารถจดจำได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก - น้ำเสียงที่กล้าหาญอย่างเด็ดขาดของบทเพลงที่กล้าหาญในธีมแรกที่เรียกว่าเพลงหลักการถอนหายใจอย่างอ่อนโยนของ arias แบบโคลงสั้น ๆ ในหัวข้อที่สอง - ด้านที่เรียกว่า - ธีม
หลักการของโอเปร่ายังส่งผลต่อเนื้อสัมผัสของซิมโฟนีอีกด้วย หากก่อนหน้านี้ในดนตรีประสานเสียงครอบงำนั่นคือโพลีโฟนีซึ่งมีท่วงทำนองอิสระหลาย ๆ อันพันกันฟังพร้อมกันจากนั้นโพลีโฟนีประเภทต่าง ๆ ก็เริ่มพัฒนาที่นี่: ทำนองหลักหนึ่งเพลง (ส่วนใหญ่มักจะเป็นไวโอลิน) แสดงออกอย่างมีนัยสำคัญพร้อมด้วย ดนตรีประกอบที่เน้นย้ำถึงความเป็นตัวตนของเธอ โพลีโฟนีประเภทนี้เรียกว่าโฮโมโฟนิกครอบงำซิมโฟนีในยุคแรกอย่างสมบูรณ์ ต่อมาเทคนิคที่ยืมมาจากความทรงจำปรากฏในซิมโฟนี อย่างไรก็ตาม ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 มันค่อนข้างจะตรงกันข้ามกับความทรงจำ ตามกฎแล้วมีหนึ่งธีม (มีความทรงจำสองสามครั้งและมากกว่านั้น แต่ในนั้นธีมไม่ได้ถูกคัดค้าน แต่ถูกเปรียบเทียบ) เธอย้ำกับตัวเองหลายครั้ง แต่ไม่มีอะไรขัดแย้งกับเธอ โดยพื้นฐานแล้วมันคือสัจพจน์คือวิทยานิพนธ์ที่ถูกยืนยันซ้ำแล้วซ้ำอีกโดยไม่ต้องมีหลักฐาน ตรงกันข้ามอยู่ในซิมโฟนี: ข้อพิพาทและความขัดแย้งจะได้ยินในลักษณะที่ปรากฏและการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติมของรูปแบบดนตรีและภาพต่างๆ บางทีนี่อาจเป็นสัญญาณที่โดดเด่นที่สุดในยุคนั้น ความจริงไม่ได้รับอีกต่อไป จำเป็นต้องแสวงหา พิสูจน์ พิสูจน์โดยการเปรียบเทียบความคิดเห็นที่แตกต่างกัน ชี้แจงความคิดเห็นที่แตกต่างกัน นี่คือสิ่งที่นักสารานุกรมทำในฝรั่งเศส ปรัชญาเยอรมันสร้างขึ้นจากวิธีนี้ โดยเฉพาะวิธีวิภาษวิธีของเฮเกล และจิตวิญญาณแห่งยุคแห่งการค้นหาก็สะท้อนอยู่ในดนตรี
ดังนั้นซิมโฟนีจึงได้ประโยชน์มากมายจากการทาบทามโอเปร่า โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลักการของการสลับส่วนที่ตัดกันนั้นได้ระบุไว้ในทาบทามซึ่งในซิมโฟนีกลายเป็นส่วนที่เป็นอิสระ ในส่วนแรก - ด้านต่างๆ, ความรู้สึกที่แตกต่างกันของบุคคล, ชีวิตในการเคลื่อนไหว, การพัฒนา, การเปลี่ยนแปลง, ความแตกต่างและความขัดแย้ง. ในส่วนที่สอง - ไตร่ตรอง สมาธิ บางครั้ง - เนื้อเพลง ในประการที่สาม - การพักผ่อนความบันเทิง และสุดท้าย ตอนจบ - ภาพความสนุกสนาน ความปีติยินดี และในขณะเดียวกัน - ผลลัพท์ พัฒนาการด้านดนตรี, ความสมบูรณ์ของวัฏจักรไพเราะ.
ซิมโฟนีดังกล่าวจะกลายเป็น ต้นXIXศตวรรษ เช่น ในแง่ทั่วไป มันจะเป็นเช่นใน Brahms หรือ Bruckner และตอนที่เธอเกิด เห็นได้ชัดว่าเธอยืมส่วนต่างๆ จากห้องชุด
Allemande, courante, sarabande และ gigue เป็นการเต้นรำบังคับสี่ครั้ง สี่อารมณ์ที่แตกต่างกัน ซึ่งติดตามได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก ความสามารถในการเต้นในตัวพวกเขาแสดงได้ชัดเจนมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในรอบชิงชนะเลิศ ซึ่งมักจะคล้ายกับจิ๊กโดยธรรมชาติของท่วงทำนอง จังหวะ แม้กระทั่งลายเซ็นของเวลา จริงอยู่บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีก็ใกล้เคียงกับตอนจบที่เปล่งประกายของควายโอเปร่า แต่ถึงกระนั้นความสัมพันธ์ทางเครือญาติกับการเต้นรำเช่นทารันเทลลาก็ไม่อาจปฏิเสธได้ ส่วนที่สามเรียกว่า minuet เฉพาะในงานของเบโธเฟนเท่านั้นที่เชอร์โซจะเข้ามาแทนที่ข้าราชบริพารผู้กล้าหาญหรือการเต้นรำพื้นบ้านที่หยาบคาย
ซิมโฟนีแรกเกิดจึงซึมซับคุณสมบัติของแนวดนตรีมากมาย นอกจากนี้ แนวเพลงที่เกิดใน ประเทศต่างๆโอ้. และการก่อตัวของซิมโฟนีเกิดขึ้นไม่เฉพาะในมานไฮม์เท่านั้น มีโรงเรียนเวียนนาซึ่ง Wagenseil เป็นตัวแทนโดยเฉพาะ ในอิตาลี Giovanni Battista Sammartini เขียนงานออเคสตราซึ่งเขาเรียกว่าซิมโฟนีและมีไว้สำหรับ การแสดงคอนเสิร์ตไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงโอเปร่า ในฝรั่งเศส นักแต่งเพลงหนุ่มชาวเบลเยียมโดยกำเนิด François-Joseph Gossec หันมาใช้แนวเพลงใหม่ ซิมโฟนีของเขาไม่ได้รับการตอบสนองและการยอมรับเนื่องจากดนตรีฝรั่งเศสถูกครอบงำโดยการเขียนโปรแกรม แต่งานของเขามีบทบาทในการพัฒนาซิมโฟนีฝรั่งเศสในการต่ออายุและการขยายตัวของวงดุริยางค์ซิมโฟนี นักแต่งเพลงชาวเช็ก Frantisek Micha ซึ่งครั้งหนึ่งเคยรับใช้ในกรุงเวียนนาได้ทดลองมากมายและประสบความสำเร็จในการค้นหารูปแบบไพเราะ ประสบการณ์ที่น่าสนใจอยู่กับ Josef Myslevichka เพื่อนร่วมชาติที่มีชื่อเสียงของเขา อย่างไรก็ตามนักประพันธ์เพลงเหล่านี้เป็นคนนอกรีตและทั้งโรงเรียนก็ก่อตั้งขึ้นในเมืองมันไฮม์ซึ่งมี "เครื่องดนตรี" ระดับเฟิร์สคลาสซึ่งเป็นวงออเคสตราที่มีชื่อเสียง ต้องขอบคุณโอกาสอันแสนสุขที่ผู้มีสิทธิเลือกตั้งของ Palatinate เป็นผู้รักดนตรีและมีเงินเพียงพอที่จะจ่ายค่าใช้จ่ายมหาศาล นักดนตรีชั้นยอดจากประเทศต่างๆ มารวมตัวกันในเมืองหลวงของ Palatinate - ชาวออสเตรียและเช็ก, อิตาลี และปรัสเซีย - แต่ละคนมีส่วนสนับสนุนในการสร้างแนวเพลงใหม่ ในงานของ Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz และผู้เชี่ยวชาญคนอื่น ๆ ซิมโฟนีเกิดขึ้นในลักษณะหลักซึ่งต่อมาได้ผ่านเข้าไปในงานของคลาสสิกเวียนนา - Haydn, Mozart, Beethoven
ดังนั้นในช่วงครึ่งศตวรรษแรกของการดำรงอยู่ของประเภทใหม่ แบบจำลองโครงสร้างที่ชัดเจนและน่าทึ่งได้พัฒนาขึ้น สามารถรองรับเนื้อหาที่หลากหลายและมีความสำคัญมาก พื้นฐานของแบบจำลองนี้คือรูปแบบที่เรียกว่าโซนาตาหรือโซนาตาอัลเลโกร เนื่องจากส่วนใหญ่มักจะเขียนด้วยจังหวะนี้ และต่อมาเป็นแบบอย่างของทั้งซิมโฟนีและโซนาตาและคอนแชร์โต ลักษณะเฉพาะของมันคือการวางเคียงกันของธีมดนตรีที่หลากหลายและมักจะตัดกัน สามส่วนหลักของรูปแบบโซนาตา - การแสดง, การพัฒนาและการบรรเลง - คล้ายกับโครงเรื่อง, การพัฒนาของการกระทำและข้อไขเค้าความ ละครคลาสสิค. หลังจากการแนะนำสั้น ๆ หรือในช่วงเริ่มต้นของคำอธิบายโดยตรง "ตัวละคร" ของการเล่นจะผ่านไปต่อหน้าผู้ฟัง
ธีมเพลงแรกที่ฟังในคีย์หลักของงานเรียกว่าธีมหลัก บ่อยขึ้น - ธีมหลัก แต่ถูกต้องกว่า - ส่วนหลักเนื่องจากในส่วนหลักนั่นคือส่วนหนึ่งของรูปแบบดนตรีที่รวมกันเป็นหนึ่งคีย์และชุมชนที่เป็นรูปเป็นร่างเมื่อเวลาผ่านไปไม่ใช่หนึ่ง แต่หลายธีม -ท่วงทำนองเริ่มปรากฏขึ้น หลังจากชุดหลัก ในตัวอย่างแรก ๆ โดยการเปรียบเทียบโดยตรง และในชุดต่อมาผ่านชุดย่อยที่เชื่อมต่อกัน ชุดย่อยจะเริ่มขึ้น ธีมของเธอหรือสองหรือสาม หัวข้อต่างๆตรงกันข้ามกับตัวหลัก ส่วนใหญ่แล้วส่วนด้านข้างจะเป็นโคลงสั้น ๆ นุ่มนวลและเป็นผู้หญิง มันฟังดูแตกต่างจากคีย์หลัก รอง (จึงเป็นชื่อปาร์ตี้) มีความรู้สึกไม่มั่นคงและบางครั้งก็มีความขัดแย้ง นิทรรศการจบลงด้วยส่วนสุดท้ายซึ่งไม่มีอยู่ในซิมโฟนียุคแรกหรือมีบทบาทเสริมอย่างหมดจดของจุดที่เป็นม่านหลังจากการแสดงครั้งแรกของละครและต่อมาโดยเริ่มจากโมสาร์ทได้รับความสำคัญของ ภาพที่สามที่เป็นอิสระ พร้อมกับภาพหลักและภาพรอง
ส่วนตรงกลางของรูปแบบโซนาต้าคือการพัฒนา ตามชื่อที่ปรากฏ ธีมดนตรีที่ผู้ฟังคุ้นเคยในนิทรรศการ (กล่าวคือ จัดแสดงไว้ก่อนหน้านี้) นั้นได้รับการพัฒนา อยู่ภายใต้การเปลี่ยนแปลงและการพัฒนา ในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นจากด้านใหม่ที่ไม่คาดคิดซึ่งบางครั้งมีการปรับเปลี่ยนแรงจูงใจที่แยกจากกันจะถูกแยกออกจากพวกเขา - ที่ใช้งานมากที่สุดซึ่งต่อมาชนกัน การพัฒนาเป็นส่วนที่มีประสิทธิภาพอย่างมาก ในตอนท้ายถึงจุดไคลแมกซ์ซึ่งนำไปสู่การบรรเลงอีกครั้ง - ส่วนที่สามของแบบฟอร์ม ซึ่งเป็นข้ออ้างของละคร
ชื่อของส่วนนี้มาจากคำภาษาฝรั่งเศส reprendre - เพื่อต่ออายุ มันเป็นการต่ออายุ การทำซ้ำของนิทรรศการ แต่มีการปรับเปลี่ยน: ทั้งสองฝ่ายตอนนี้เสียงในคีย์หลักของซิมโฟนีราวกับว่าถูกนำเข้าสู่ความสามัคคีโดยเหตุการณ์ของการพัฒนา บางครั้งมีการเปลี่ยนแปลงอื่น ๆ ในการบรรเลง ตัวอย่างเช่น สามารถตัดทอนได้ (โดยไม่มีธีมใดที่ฟังในคำอธิบาย) มิเรอร์ (ส่วนด้านข้างจะออกเสียงก่อน ส่วนแรกของซิมโฟนีมักจะลงท้ายด้วย coda ซึ่งเป็นข้อสรุปที่ยืนยันคีย์หลักและภาพหลักของ sonata allegro ในซิมโฟนียุคแรก coda มีขนาดเล็กและโดยพื้นฐานแล้วเป็นส่วนสุดท้ายที่ค่อนข้างพัฒนา ต่อมา เช่น กับเบโธเฟน บีโธเฟนได้สัดส่วนที่สำคัญและกลายเป็นการพัฒนาแบบที่สองซึ่งการยืนยันสำเร็จอีกครั้งในการต่อสู้
แบบฟอร์มนี้กลายเป็นสากลอย่างแท้จริง ตั้งแต่สมัยของซิมโฟนีและจนถึงปัจจุบัน มันประสบความสำเร็จในการรวบรวมเนื้อหาที่ลึกที่สุด ถ่ายทอดภาพ ความคิด ปัญหามากมาย
การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีช้า โดยปกตินี่คือจุดศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ ของวัฏจักร รูปร่างของมันแตกต่างกัน ส่วนใหญ่มักมีสามส่วน กล่าวคือ มีส่วนสุดขั้วที่คล้ายกันและส่วนตรงกลางที่ตัดกับส่วนเหล่านี้ แต่ยังสามารถเขียนในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลงหรือส่วนอื่นๆ ได้ จนถึงโซนาตา ซึ่งมีโครงสร้างแตกต่างจากส่วนแรก allegro เฉพาะในจังหวะที่ช้าลงและการพัฒนาที่มีประสิทธิภาพน้อยลง
การเคลื่อนไหวที่สาม - ในซิมโฟนียุคแรก - minuet และจากเบโธเฟนจนถึงปัจจุบัน - scherzo - ตามกฎแล้วรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อน เนื้อหาของส่วนนี้ได้รับการแก้ไขและซับซ้อนในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมาตั้งแต่การเต้นรำทุกวันหรือในศาลไปจนถึง scherzos อันทรงพลังที่ยิ่งใหญ่ของศตวรรษที่ 19 และอื่น ๆ ไปจนถึงภาพที่น่าเกรงขามของความชั่วร้าย ความรุนแรงในวงจรไพเราะของ Shostakovich, Honegger และซิมโฟนีอื่น ๆ ของศตวรรษที่ 20 ศตวรรษ. เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 scherzo ได้เปลี่ยนสถานที่มากขึ้นด้วยส่วนที่ช้าซึ่งตามแนวคิดใหม่ของซิมโฟนีกลายเป็นปฏิกิริยาทางจิตวิญญาณไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์ในส่วนแรกเท่านั้น แต่ยัง ถึง โลกที่เป็นรูปเป็นร่าง scherzo (โดยเฉพาะในซิมโฟนีของมาห์เลอร์)
ตอนจบซึ่งเป็นผลมาจากวัฏจักร ในซิมโฟนียุคแรก ๆ มักเขียนในรูปแบบของ rondo sonata การสลับฉากที่ร่าเริงเป็นประกายระยิบระยับด้วยความรื่นเริงด้วยการละเว้นการเต้นอย่างต่อเนื่อง โครงสร้างดังกล่าวเป็นไปตามธรรมชาติของภาพตอนจบโดยธรรมชาติ จากความหมาย เมื่อเวลาผ่านไปด้วยปัญหาของซิมโฟนีที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นความสม่ำเสมอของโครงสร้างของตอนจบก็เริ่มเปลี่ยนไป Finales เริ่มปรากฏในรูปแบบของโซนาตา ในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลง ในรูปแบบอิสระ และในที่สุด - ด้วยคุณสมบัติของ oratorio (ด้วยการรวมคณะนักร้องประสานเสียง) ภาพลักษณ์ของเขาเปลี่ยนไปเช่นกัน: ไม่เพียง แต่การยืนยันชีวิต แต่บางครั้งก็เป็นผลที่น่าเศร้า (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี) การคืนดีกับความเป็นจริงที่โหดร้ายหรือหลบหนีจากโลกแห่งความฝัน ภาพลวงตาได้กลายเป็นเนื้อหาของรอบสุดท้ายของวงจรไพเราะใน ร้อยปีที่ผ่านมา
แต่กลับไปที่จุดเริ่มต้นของเส้นทางอันรุ่งโรจน์ของประเภทนี้ ปรากฏขึ้นในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 ได้บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบแบบคลาสสิกในผลงานของ Haydn ผู้ยิ่งใหญ่
จากภาษากรีก Symponia - ความสอดคล้อง
ดนตรีสำหรับวงออเคสตรา ซึ่งส่วนใหญ่เป็นแนวซิมโฟนิก ตามกฎแล้ว ในรูปแบบโซนาตา-ไซคลิก มักจะประกอบด้วย 4 ส่วน; มีเอสที่มีชิ้นส่วนมากขึ้นเรื่อยๆ จนถึงส่วนเดียว บางครั้งใน S. นอกเหนือจากวงออเคสตราแล้วยังมีการแนะนำคณะนักร้องประสานเสียงและโซโล เสียง (จึงเป็นหนทางไปสู่ ส.-คันทา) มีการแสดงเครื่องสาย แชมเบอร์ ลม และวงออเคสตราอื่นๆ สำหรับวงออเคสตราที่มีเครื่องดนตรีเดี่ยว (S. concerto), ออร์แกน, คณะนักร้องประสานเสียง (การแสดงประสานเสียง) และกระทะ ทั้งมวล (vok. C). คอนเสิร์ตซิมโฟนี - S. พร้อมเครื่องดนตรี (เดี่ยว) (ตั้งแต่ 2 ถึง 9) โครงสร้างเกี่ยวข้องกับคอนแชร์โต้ S. มักจะเข้าใกล้ประเภทอื่นๆ: S. suite, S. rhapsody, S. fantasy, S. ballad, S. legend, S. friendship, S. cantata, S. requiem, S.-ballet, S.-drama (ประเภท ของคันทาทา) โรงละคร ส. (สกุล Onera). โดยธรรมชาติของเอสยังสามารถเปรียบได้กับโศกนาฏกรรมละครเพลง กวี วีรบุรุษ มหากาพย์เพื่อเข้าใกล้วัฏจักรของประเภทรำพึง ละครชุดของการแสดงภาพ ดนตรี ภาพวาด ในแบบฉบับ ในตัวอย่างของเธอ เธอผสมผสานความแตกต่างของชิ้นส่วนต่างๆ เข้ากับความสามัคคีของการออกแบบ ความหลากหลายของรูปภาพที่หลากหลายด้วยความสมบูรณ์ของแรงบันดาลใจ ละคร ส. ครอบครองสถานที่เดียวกันในด้านดนตรีเป็นละครหรือนวนิยายในวรรณคดี เป็นประเภทสูงสุดของ instr. ดนตรี มันเหนือกว่าประเภทอื่น ๆ ทั้งหมดด้วยความเป็นไปได้ที่กว้างที่สุดในการเป็นศูนย์รวม ความคิดและความสมบูรณ์ของสภาวะทางอารมณ์
ในขั้นต้น ใน ดร. กรีซ คำว่า "ส" หมายถึงการผสมผสานที่กลมกลืนกันของโทนเสียง (ควอร์ ที่ห้า อ็อกเทฟ) รวมถึงการร้องเพลงร่วมกัน (วงดนตรี คณะนักร้องประสานเสียง) อย่างพร้อมเพรียง ต่อมาใน ดร. กรุงโรมก็กลายเป็นชื่อของ instr. วงดนตรี, วงออเคสตรา. ในวันพุธ. หลายศตวรรษภายใต้ S. เข้าใจหลักคำสอนทางโลก เพลง (ในแง่นี้คำที่ใช้ในฝรั่งเศสตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 18) บางครั้งดนตรีโดยทั่วไป; นอกจากนี้ รำพึงบางคนถูกเรียกเช่นนั้น เครื่องมือ (เช่น กรุบกริบ). ในศตวรรษที่ 16 คำนี้ใช้ใน คอลเล็กชั่นโมเต็ต (1538), มาดริกาลส์ (1585), wok-instr. การประพันธ์เพลง ("Sacrae symphoniae" - "Sacred symphonies" โดย G. Gabrieli, 1597, 1615) และ instr. โพลีโฟนิก ละคร (ต้นศตวรรษที่ 17) ได้รับการแก้ไขแล้วสำหรับรูปหลายเหลี่ยม (มักจะใช้คอร์ดเป็นหลัก) ตอน เช่น บทนำหรือช่วงสลับฉาก และคำแนะนำ การผลิต โดยเฉพาะการแนะนำ (ทาบทาม) ห้องชุด คันทาทา และโอเปร่า ในบรรดาโอเปร่า S. (ทาบทาม) มีการสรุปสองประเภท: Venetian - จากสองส่วน (ช้าเคร่งขรึมและเร็ว, ความทรงจำ) ต่อมาพัฒนาเป็นภาษาฝรั่งเศส ทาบทามและเนเปิลส์ - จากสามส่วน (เร็ว - ช้า - เร็ว) เปิดตัวในปี 1681 โดย A. Scarlatti ผู้ซึ่งใช้ชิ้นส่วนอื่นรวมกัน โซนาต้าเป็นวงจร แบบฟอร์มจะค่อยๆ โดดเด่นใน S. และได้รับการพัฒนาในหลายแง่มุมโดยเฉพาะ
ตกลงตกลง 1730 จากโรงอุปรากรซึ่งออร์ค การแนะนำได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบของทาบทามเอสก็กลายเป็นอิสระ ชนิดของออร์ค ดนตรี. ในศตวรรษที่ 18 ให้เป็นพื้นฐาน องค์ประกอบเป็นสตริง เครื่องมือ โอโบ และแตร การพัฒนาของเอสได้รับอิทธิพลจากการย่อยสลาย ประเภทของออร์ค และแชมเบอร์มิวสิก - คอนแชร์โต้, สวีท, โซนาต้าทรีโอ, โซนาต้า, ฯลฯ รวมถึงโอเปร่าที่มีวงดนตรี, คณะนักร้องประสานเสียงและอาเรียส ซึ่งส่งผลต่อทำนอง ความกลมกลืน โครงสร้างและโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของ เอส เห็นได้ชัดเจนมาก เฉพาะเจาะจงแค่ไหน แนว S. เติบโตเต็มที่เมื่อแยกตัวจากแนวดนตรีอื่น ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการละคร ได้รับอิสระในเนื้อหา รูปแบบ การพัฒนารูปแบบ การสร้างวิธีการแต่งเพลงนั้น ซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อซิมโฟนีซึม และในทางกลับกัน ก็ส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวง ในหลายพื้นที่ ดนตรี ความคิดสร้างสรรค์
โครงสร้างของเอสมีวิวัฒนาการ พื้นฐานของ S. เป็นวัฏจักร 3 ส่วนของประเภท Neapolitan มักจะทำตามแบบอย่างของชาวเวนิสและฝรั่งเศส การทาบทามใน S. รวมถึงการแนะนำการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างช้าๆ ต่อมา minuet เข้าสู่ S. - ก่อนเป็นตอนจบของรอบ 3 ส่วนจากนั้นส่วนหนึ่ง (โดยปกติคือ 3) ของรอบ 4 ส่วนในขั้นสุดท้ายซึ่งตามกฎแล้วรูปแบบของ a ใช้ rondo หรือ rondo sonata ตั้งแต่สมัยของแอล. เบโธเฟน มินูเอตก็ถูกแทนที่ด้วย scherzo (ส่วนที่ 3 บางครั้งเป็นส่วนที่ 2) ตั้งแต่สมัยของ G. Berlioz และเพลงวอลทซ์ แบบฟอร์มโซนาต้าที่สำคัญที่สุดสำหรับเอสใช้เป็นหลักในส่วนที่ 1 บางครั้งยังใช้ในส่วนที่ช้าและสุดท้ายด้วย ในศตวรรษที่ 18 ค. ได้ปลูกไว้มากมาย. ปริญญาโท ในหมู่พวกเขาคือชาวอิตาลี J. B. Sammartini (85 S. , c. 1730-70 ซึ่ง 7 หายไป) นักแต่งเพลงของโรงเรียน Mannheim ซึ่งเช็กครอบครองตำแหน่งผู้นำ (F. K. Richter, J. Stamitz เป็นต้น .) ผู้แทนของสิ่งที่เรียกว่า ก่อนคลาสสิก (หรือต้น) โรงเรียนเวียนนา (M. Monn, G. K. Wagenseil, ฯลฯ ), Belgian F. J. Gossec ซึ่งทำงานในปารีสเป็นผู้ก่อตั้งชาวฝรั่งเศส ส. (29 ส. 1754-1809 รวมถึง "การล่าสัตว์" 1766 นอกจากนี้ 3 ส. สำหรับวิญญาณ วงออเคสตรา) คลาสสิค ประเภท S. ถูกสร้างขึ้นโดยชาวออสเตรีย คอมพ์ J. Haydn และ W. A. Mozart ในงานของ "บิดาแห่งซิมโฟนี" Haydn (104 p., 1759-95) การก่อตัวของ Symphony เสร็จสมบูรณ์ จากแนวเพลงที่ให้ความบันเทิงทุกวันมันกลายเป็น instr ที่จริงจัง ดนตรี. ได้รับการอนุมัติและหลัก คุณสมบัติของโครงสร้าง ส. ได้พัฒนาเป็นลำดับของความแตกต่างภายใน การพัฒนาอย่างมีจุดมุ่งหมาย และความสามัคคี ความคิดร่วมกันชิ้นส่วน Mozart สนับสนุนละครให้กับ S. ความตึงเครียดและบทเพลงที่เร่าร้อน ความยิ่งใหญ่และความสง่างาม ทำให้เกิดความสามัคคีทางโวหารที่ดียิ่งขึ้น (ค.ศ. 50, ค.ศ. 1764/65-1788) S. สุดท้ายของเขา - Es-dur, g-moll และ C-dur ("Jupiter") - ความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนี ชุดของศตวรรษที่ 18 ประสบการณ์สร้างสรรค์ของ Mozart สะท้อนให้เห็นในผลงานในภายหลัง ไฮเดน. บทบาทของแอล. เบโธเฟน ความสำเร็จของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (9 S., 1800-24) นั้นยอดเยี่ยมมากในประวัติศาสตร์ของ S.. ที่ 3 ("Heroic", 1804), 5th (1808) และ 9 (พร้อมแกนนำสี่และคณะนักร้องประสานเสียงในตอนจบ, 1824) S. เป็นตัวอย่างของวีรบุรุษ ซิมโฟนีจ่าหน้าถึงมวลชน รวบรวมนักปฏิวัติ น่าสมเพช ต่อสู้. ส. 6 ของเขา ("อภิบาล", 1808) เป็นตัวอย่างของซิมโฟนิซึมของรายการ (ดูโปรแกรมเพลง) และส. ที่ 7 ของเขา (พ.ศ. 2355) ในคำพูดของร. เบโธเฟนขยายขอบเขตของลัทธิฆราวาส กระตุ้นการละคร และทำให้วิภาษของหัวข้อนั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้น พัฒนา บำรุงภายใน โครงสร้างและความหมายทางอุดมการณ์ของส.
สำหรับชาวออสเตรีย และเยอรมัน นักแต่งเพลงโรแมนติกของครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19 แนวเพลงโคลงสั้น ๆ (Schubert's Unfinished Symphony, 1822) และมหากาพย์ (Schubert's 8th Symphony) S. เช่นเดียวกับภูมิทัศน์ในชีวิตประจำวัน S. ที่มี nat สีสันสดใส ระบายสี ("อิตาลี", 1833 และ "สก็อต", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy) เพิ่มขึ้นและทางด้านจิตใจ ความมั่งคั่งของ S. (4 ซิมโฟนีโดย R. Schumann, 1841-51 ซึ่งการเคลื่อนไหวช้าและ scherzos แสดงออกได้มากที่สุด) แนวโน้มที่ปรากฏขึ้นแม้ในหมู่คลาสสิกก็เกิดขึ้นทันที การเปลี่ยนจากส่วนหนึ่งไปสู่อีกส่วนหนึ่งและการสร้างเนื้อหาเฉพาะเรื่อง ความเชื่อมโยงระหว่างการเคลื่อนไหว (เช่น ในซิมโฟนีลำดับที่ 5 ของเบโธเฟน) แข็งแกร่งขึ้นท่ามกลางแนวโรแมนติก ซีก็ปรากฏขึ้นด้วย ซึ่งการเคลื่อนไหวจะตามมาโดยไม่หยุด (ซิมโฟนี "สก็อต" โดย Mendelssohn-Bartholdy, ซิมโฟนีที่ 4 โดย Schumann)
การเพิ่มขึ้นของฝรั่งเศส S. หมายถึง 1830-40 เมื่อการผลิตที่เป็นนวัตกรรมใหม่เกิดขึ้น G. Berlioz ผู้สร้างความโรแมนติก ซอฟต์แวร์ C ขึ้นอยู่กับ lit. พล็อต (5 ตอน "Fantastic" C, 1830), C. concerto ("Harold in Italy" สำหรับวิโอลาและวงออเคสตราหลังจาก J. Byron, 1834), C. oratorio ("Romeo and Juliet", ละคร S. ใน 6 ส่วนโดยมีศิลปินเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียงตาม W. Shakespeare, 1839), "Funeral and Triumphal Symphony" (งานศพ, "วาทศิลป์" เดี่ยวทรอมโบนและ apotheosis - สำหรับวิญญาณ วงออเคสตราหรือวงดุริยางค์ซิมโฟนีทางเลือก - และคณะนักร้องประสานเสียง พ.ศ. 2383) Berlioz มีลักษณะเฉพาะด้วยขนาดการผลิตที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่มหึมาของวงออเคสตรา เครื่องมือที่มีสีสันพร้อมความแตกต่างที่ละเอียดอ่อน ปรัชญาและจริยธรรม ปัญหาสะท้อนให้เห็นในซิมโฟนีของ F. Liszt ("Faust Symphony" แต่ J. W. Goethe, 1854, กับคอรัสสุดท้าย, 1857; "S. to" Divine Comedy"ดันเต้", 2399) ตรงกันข้ามกับทิศทางของโปรแกรมของ Berlioz และ Liszt มันเป็นภาษาเยอรมัน โคมิ. I. Brahms ซึ่งทำงานในเวียนนา ใน 4 S. (1876-85) ของเขาพัฒนาประเพณีของเบโธเฟนและโรแมนติก ซิมโฟนิซึมผสมผสานคลาสสิก ความสามัคคีและความหลากหลายของสภาวะทางอารมณ์ คล้ายคลึงกันในสไตล์ ความทะเยอทะยานและในขณะเดียวกันชาวฝรั่งเศสแต่ละคน S. ในช่วงเวลาเดียวกัน - 3rd S. (พร้อมอวัยวะ) โดย K. Saint-Saens (1887) และ S. d-moll S. Frank (1888) ใน "จากโลกใหม่" โดย A. Dvořák (สุดท้าย ลำดับที่ 9, 1893) ไม่เพียงแต่ภาษาเช็กเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนิโกรและรำพึงของชาวอินเดียอีกด้วย องค์ประกอบ แนวคิดเชิงอุดมคติที่สำคัญของชาวออสเตรีย นักซิมโฟนี A. Bruckner และ G. Mahler ผลิตภัณฑ์อนุสรณ์ Bruckner (8 S., 1865-1894, 9th not finished, 1896) มีลักษณะเฉพาะด้วยความอิ่มตัวของโพลีโฟนิก ผ้า (อิทธิพลของศิลปะและบางทีอาจเป็นละครเพลงโดย R. Wagner) ระยะเวลาและพลังของการสร้างอารมณ์ สำหรับซิมโฟนีของมาห์เลอร์ (9 S., 1838-1909, 4 ในนั้นมีการร้องเพลง, รวมถึง 8 - "Symphony of a Thousand Participants", 1907; 10 ยังไม่เสร็จ D. Cook พยายามทำให้เสร็จตามภาพร่าง ในปี 1960 S.-cantata "Song of the Earth" กับนักร้องเดี่ยว 2 คน, 1908) โดดเด่นด้วยความคมชัดของความขัดแย้งสิ่งที่น่าสมเพชและโศกนาฏกรรมซึ่งแสดงความแปลกใหม่ กองทุน ราวกับว่าตรงกันข้ามกับองค์ประกอบขนาดใหญ่ของพวกเขาโดยใช้นักแสดงที่ร่ำรวย อุปกรณ์ แชมเบอร์ซิมโฟนี และซิมโฟนีเอตตาปรากฏขึ้น
นักเขียนที่โดดเด่นที่สุดของศตวรรษที่ 20 ในฝรั่งเศส - A. Roussel (4 S. , 1906-34), A. Honegger (สวิสตามสัญชาติ, 5 S., 1930-50 รวมถึงที่ 3 - "Liturgical", 1946, 5 - S. "three re" , 1950), D. Millau (12 S. , 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila" ใน 10 ส่วน, 1948); ในเยอรมนี - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S. , 1934-58 รวมถึงที่ 1 - "Artist Mathis", 1934, 3- I - "Harmony of โลก", 2494), K. A. Hartman (8 S. , 1940-62) ฯลฯ การมีส่วนร่วมในการพัฒนา S. นั้นทำโดย Swiss X. Huber (8 S. , 1881-1920, รวม 7 - "สวิส", 2460), ชาวนอร์เวย์ K. Sinding (4 S., 2433-2479), X. Severud (9 S., 1920-1961, รวมถึงผู้ต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ด้วยการออกแบบ 5-7- I, 2484-2488), K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Romanian J Enescu (3 S., 1905) -19), Dutch B. Peiper (3 S., 1917-27) และ H. Badings (10 S., 1930-1961), Swede H. Rusenberg (7 S., 1919-69, and S. for เครื่องเป่าลมและเครื่องเพอร์คัชชัน, 1968), อิตาลี J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), British R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, "Spring" S. สำหรับนักร้องเดี่ยว, คณะประสานเสียง, นักร้องประสานเสียงชายและวงดุริยางค์ซิมโฟนี, 1949), Americans C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston ( 8 S., 2480-65) และ R. Harris ( 12 ส., 2476-69), พี่ชาย E. Vila Lobos (S. 12, 1916-58) และอื่นๆ ประเภท C. ที่หลากหลาย ศตวรรษที่ 20 เนื่องจากความคิดสร้างสรรค์ที่หลากหลาย ทิศทาง ชาติ โรงเรียน ความเชื่อมโยงของคติชนวิทยา ทันสมัย S. ยังแตกต่างกันในด้านโครงสร้าง รูปแบบ และลักษณะ: พวกเขามุ่งสู่ความสนิทสนมและ ตรงกันข้าม ไปสู่ความยิ่งใหญ่ ไม่ได้แบ่งเป็นส่วนๆ และประกอบด้วยหลายอย่าง ชิ้นส่วน; แบบดั้งเดิม คลังสินค้าและองค์ประกอบฟรี สำหรับสัญลักษณ์ปกติ วงออเคสตราและสำหรับองค์ประกอบที่ผิดปกติ ฯลฯ หนึ่งในกระแสดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เกี่ยวข้องกับการดัดแปลงดนตรีคลาสสิกยุคก่อนคลาสสิกและยุคต้น ประเภทและรูปแบบ เขาได้รับการส่วยให้ S. S. Prokofiev ใน "Classical Symphony" (1907) และ I. F. Stravinsky ในซิมโฟนีใน C และ "Symphony in Three Movement" (1940-45) ในจำนวนส. 20 ศตวรรษ. มีการแยกออกจากบรรทัดฐานเก่าภายใต้อิทธิพลของ atonalism, athematism และหลักการใหม่อื่น ๆ ขององค์ประกอบ A. Webern สร้าง S. (1928) ด้วยซีรีย์ 12 โทน ตัวแทนของ "เปรี้ยวจี๊ด" ส. พลัดถิ่นสลายตัว ประเภทและรูปแบบการทดลองใหม่
คนแรกในหมู่ชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงหันไปหาแนวดนตรี (ยกเว้น D. S. Bortnyansky ซึ่งคอนเสิร์ต Symphony, 1790 ถูกเขียนขึ้นสำหรับวงดนตรีแชมเบอร์) Mikh Yu. Vielgorsky (C. ที่ 2 ของเขาแสดงในปี 1825) และ A. A. Alyabyev (การเคลื่อนไหวเดียวของเขา C. e-moll, 1830 และ C. Es-dur 3 ส่วนที่ไม่ระบุชื่อของประเภทห้องสวีทพร้อมแตรคอนเสิร์ต 4 อัน เก็บรักษาไว้) ต่อมา A. G. Rubinshtein (6 S. , 1850-86 รวมถึงที่ 2 - "Ocean", 1854, 4 - "Dramatic", 1874) M.I. Glinka ผู้แต่ง S. ทาบทามที่ยังไม่เสร็จที่ด้านล่างของรัสเซีย ธีม (1834 เสร็จสมบูรณ์ในปี 2480 โดย V. Ya. Shebalin) มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อการก่อตัวของโวหาร ไอ้สัสรัสเซีย. S. กับซิมโฟนีทั้งหมดของเขา ความคิดสร้างสรรค์ซึ่งการประพันธ์เพลงประเภทอื่นมีอิทธิพลเหนือกว่า ในเอส. รุส ผู้เขียนออกเสียงว่าแนท ตัวละครรูปภาพของคนถูกจับ ชีวิตประวัติศาสตร์ เหตุการณ์สะท้อนถึงลวดลายของกวีนิพนธ์ ในบรรดานักแต่งเพลงของ The Mighty Handful N. A. Rimsky-Korsakov (3rd p., 1865-74) เป็นคนแรกที่เขียน S.. ผู้สร้างรัสเซีย มหากาพย์ A. P. Borodin (2 S., 1867-76; 3rd, 1887, บันทึกจากความทรงจำบางส่วนโดย A. K. Glazunov) ปรากฏใน S. ในงานของเขาโดยเฉพาะใน "Bogatyrskaya" (2nd) S. , Borodin ได้รวบรวมภาพของไม้กระดานขนาดยักษ์ ความแข็งแกร่ง. ท่ามกลางชัยชนะสูงสุดของซิมโฟนีโลก - การผลิต P. I. Tchaikovsky (6 S. , 1800-93 และโปรแกรม S. "Manfred" หลังจาก J. Byron, 1885) ที่ 4, 5 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ 6 ("น่าสงสาร" กับตอนจบที่ช้า) S. บทละครที่มีลักษณะเป็นเนื้อร้องถึงความโศกเศร้าในการแสดงการชนกันของชีวิต พวกเขามีจิตใจที่ลึกซึ้ง ถ่ายทอดประสบการณ์ของมนุษย์อย่างเจาะลึก เส้นมหากาพย์ С. , 2 C. เขียน M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 C - R. M. Glier (1900-11, 3 - "Ilya Muromets") เนื้อเพลงจริงใจดึงดูดคุณซิมโฟนี S. Kalinnikova (2 S. , 1895, 1897), ความเข้มข้นของความคิด - S. c-moll S. I. Taneeva (ที่ 1, จริง 4, 1898), ละคร สิ่งที่น่าสมเพช - ซิมโฟนีโดย S. V. Rachmaninov (3 S. , 2438, 2450, 2479) และ A. N. Scriabin ผู้สร้าง 6 ตอนที่ 1 (1900), 5 ตอนที่ 2 (1902) และ 3 ตอนที่ 3 ("The Divine Poem ", พ.ศ. 2447) ซึ่งโดดเด่นด้วยละครพิเศษ ความสมบูรณ์และพลังของการแสดงออก
S. ครอบครองสถานที่สำคัญในนกฮูก ดนตรี. ในการทำงานของนกฮูก คีตกวีได้รับร่ำรวยโดยเฉพาะอย่างยิ่งและ การพัฒนาที่สดใสประเพณีชั้นสูงของคลาสสิก ซิมโฟนี S. ถูกเรียกโดยนกฮูก คีตกวีทุกยุคทุกสมัย เริ่มจากปรมาจารย์ผู้อาวุโส - N. Ya. Myaskovsky ผู้สร้าง 27 S. (1908-50 รวมถึงคนที่ 19 - for the wind orchestra, 1939) และ S. S. Prokofiev ผู้แต่ง 7 S. (1917) - พ.ศ. 2495) และปิดท้ายด้วยนักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ที่มีพรสวรรค์ ผู้นำด้านนกฮูก ส. - ดี.ดี. โชสตาโควิช. ใน 15 ส. (1925-71) ของเขาความลึกของจิตสำนึกของมนุษย์และความมั่นคงทางศีลธรรมถูกเปิดเผย กองกำลัง (5 - 2480, 8 - 2486, 15 - 1971), ธีมที่น่าตื่นเต้นของความทันสมัย (7 - ที่เรียกว่า Leningradskaya, 2484) และประวัติศาสตร์ (11 - "1905", 2500; 12 - "1917", 2504), มีมนุษยธรรมสูง อุดมคติต่างกับภาพความรุนแรงและความชั่วร้ายที่มืดมน (ตอนที่ 13 ถึงเนื้อเพลงโดย E. A. Yevtushenko สำหรับเบส คณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา 1962) สืบสานประเพณี และทันสมัย ประเภทของโครงสร้างของ S. ผู้แต่งพร้อมกับวงจรโซนาตาที่ตีความอย่างอิสระ (สำหรับจำนวนของเขา S. ลำดับเป็นลักษณะ: ช้า - เร็ว - ช้า - เร็ว) ใช้โครงสร้างอื่น ๆ (เช่นในวันที่ 11 - "1905") ดึงดูดเสียงมนุษย์ (นักร้องประสานเสียง) ในตอนที่ 11 ตอนที่ 14 ส.ส. (1969) ที่ซึ่งหัวข้อของชีวิตและความตายถูกเปิดเผยท่ามกลางภูมิหลังทางสังคมที่กว้างขวาง มีการขับเสียงร้องสองเสียงโดยร้องด้วยเครื่องสาย และเป่า เครื่องมือ
ตัวแทนของคนจำนวนมากทำงานอย่างมีประสิทธิผลในภูมิภาค S. แนท สาขานกฮูก ดนตรี. ในหมู่พวกเขามีเจ้านายที่โดดเด่นของนกฮูก ดนตรีเช่น A.I. Khachaturian - แขนที่ใหญ่ที่สุด นักซิมโฟนีผู้แต่ง S. ที่มีสีสันและเจ้าอารมณ์ (1st - 1935, 2 - "S. with a bell", 1943, 3 - S.-poem พร้อมอวัยวะและอีก 15 ท่อ, 1947); ในอาเซอร์ไบจาน - K. Karaev (ส. 3 ของเขา 2508 โดดเด่น) ในลัตเวีย - Y. Ivanov (15 S. , 1933-72) ฯลฯ ดูเพลงโซเวียต
วรรณกรรม: Glebov Igor (Asafiev B. V. ) การสร้างซิมโฟนีสมัยใหม่ " ดนตรีสมัยใหม่", 1925, No 8; Asafiev B.V. , Symphony, ในหนังสือ: Essays on Soviet music Creation, vol. 1, M.-L., 1947; 55 Soviet symphonies, L., 1961; Popova T., Symphony , M .-L. , 1951; Yarustovsky B. , ซิมโฟนีเกี่ยวกับสงครามและสันติภาพ, M. , 1966; ซิมโฟนีโซเวียตเป็นเวลา 50 ปี, (comp.), ed. G. G. Tigranov, L. , 1967; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี ..., M. , 1968, 1975; Tigranov G. เกี่ยวกับระดับชาติและระดับนานาชาติใน ซิมโฟนีโซเวียต, ในหนังสือ: ดนตรีในสังคมสังคมนิยม ฉบับที่. 1, L., 1969; Rytsarev S. , Symphony ในฝรั่งเศสก่อน Berlioz, M. , 1977. Brenet M. , Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P. , 1882; Weingartner F. , Die Symphonie nach Beethoven, V. 1898 . Lpz., 1926; Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (การแปลภาษารัสเซีย - Weingartner P., Performance of classic symphonies. Advice to conducts, vol . . 1, ม., 2508); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- และ Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg 33, No 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; ตอร์เรฟรังกา เอฟ, Le origini della synfonia, "RMI", 1913, v. 20, น. 291-346, 1914, v. 21, น. 97-121, 278-312, 2458, ข้อ 22, น. 431-446 Bekker P. , Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V. , (1918) (การแปลภาษารัสเซีย - Becker P. , Symphony from Beethoven ถึง Mahler, ed. และบทความเบื้องต้นโดย I. Glebov, L. , 1926 ); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg 4, H. 1, เดียวกัน, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Bezieklashungen zur, 1927 ข้อมูล , จ๋า. 8 หมายเลข 4; เขา Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., ซิมโฟนีศตวรรษที่ XVIII, L. , 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII sícle, v. 1-3, ป., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.
บี.เอส. สไตน์เพรส
ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีบรรเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ยิ่งกว่านั้น คำกล่าวนี้เป็นจริงในทุกยุคทุกสมัย และสำหรับงานวรรณกรรมคลาสสิกของเวียนนา และสำหรับแนวโรแมนติก และสำหรับนักประพันธ์เพลงในยุคต่อมา ...
Alexander Maykapar
แนวเพลง: ซิมโฟนี
คำว่าซิมโฟนีมาจากภาษากรีก "ซิมโฟนี" และมีความหมายหลายประการ นักศาสนศาสตร์เรียกสิ่งนี้ว่าเป็นแนวทางในการใช้คำที่พบในพระคัมภีร์ คำนี้แปลโดยพวกเขาว่าเป็นความยินยอมและข้อตกลง นักดนตรีแปลคำนี้เป็นพยัญชนะ
หัวข้อของบทความนี้คือซิมโฟนีที่เป็นแนวดนตรี ปรากฎว่าในบริบททางดนตรี คำว่า ซิมโฟนี มีความหมายต่างกันหลายประการ ดังนั้น บาคจึงเรียกผลงานอันยอดเยี่ยมของเขาสำหรับการแสดงซิมโฟนีของคลาเวียร์ ซึ่งหมายความว่าพวกมันเป็นตัวแทนของการผสมผสานที่กลมกลืนกัน การรวมกัน - ความสอดคล้อง - ของเสียงหลายเสียง (ในกรณีนี้คือสาม) แต่การใช้คำนี้เป็นข้อยกเว้นในสมัยของ Bach - ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ยิ่งกว่านั้นในงานของ Bach เขาแสดงดนตรีในสไตล์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
และตอนนี้เราก็ใกล้จะถึงแก่นหลักของเรียงความของเราแล้ว นั่นก็คืองานซิมโฟนีที่เป็นงานออเคสตราหลายส่วนขนาดใหญ่ ในแง่นี้ ซิมโฟนีปรากฏขึ้นเมื่อราวปี ค.ศ. 1730 เมื่อวงออร์เคสตราแนะนำโอเปร่าแยกตัวเองออกจากตัวโอเปร่าและกลายเป็นงานออร์เคสตราอิสระ โดยใช้การทาบทามสามจังหวะของประเภทอิตาลีเป็นพื้นฐาน
ความใกล้ชิดของซิมโฟนีกับการทาบทามนั้นไม่เพียงแสดงออกในความจริงที่ว่าแต่ละส่วนของสามส่วนของทาบทาม: เร็ว - ช้า - เร็ว (และบางครั้งก็เป็นการแนะนำอย่างช้าๆ) กลายเป็นการเคลื่อนไหวที่แยกจากกันอย่างอิสระในซิมโฟนี แต่ยังอยู่ในความจริงที่ว่าทาบทามทำให้ซิมโฟนีมีความคิดที่ตรงกันข้ามของธีมหลัก (ตามกฎแล้วทั้งชายและหญิง) และด้วยเหตุนี้ซิมโฟนีจึงมีความตึงเครียดและความน่าดึงดูดใจที่จำเป็นสำหรับดนตรีขนาดใหญ่
หลักการสร้างสรรค์ของซิมโฟนี
หนังสือและบทความเกี่ยวกับดนตรีเชิงเขาทุ่มเทให้กับการวิเคราะห์รูปแบบของซิมโฟนีวิวัฒนาการ วัสดุทางศิลปะที่แสดงโดยประเภทซิมโฟนีมีขนาดใหญ่มากทั้งในด้านปริมาณและหลากหลายรูปแบบ ที่นี่เราสามารถอธิบายลักษณะทั่วไปของหลักการทั่วไปได้
1. ซิมโฟนีเป็นเพลงบรรเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ยิ่งกว่านั้น คำกล่าวนี้เป็นจริงในทุกยุคทุกสมัย และสำหรับงานวรรณกรรมคลาสสิกของเวียนนา และสำหรับแนวโรแมนติก และสำหรับนักประพันธ์เพลงในยุคต่อมา The Eighth Symphony (1906) โดย Gustav Mahler เช่น ความยิ่งใหญ่ในการออกแบบงานศิลปะ ถูกเขียนขึ้นเป็นจำนวนมาก - แม้ตามความคิดของต้นศตวรรษที่ 20 - วงดนตรีของนักแสดง: วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ถูกขยายด้วยลมไม้ 22 แบบ และเครื่องดนตรีประเภทเครื่องทองเหลือง 17 ชิ้น คะแนนยังรวมถึงคณะประสานเสียงแบบผสมสองคณะและคณะนักร้องประสานเสียงชาย มีการเพิ่มศิลปินเดี่ยวแปดคน (สามคนโซปราโน สองอัลโต อายุ บาริโทนและเบส) และวงออเคสตราหลังเวที มักเรียกกันว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมพันคน" เพื่อที่จะทำการแสดง เราจะต้องสร้างเวทีของโถงแสดงคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ขึ้นใหม่
2. เนื่องจากซิมโฟนีเป็นงานที่มีการเคลื่อนไหวหลายแบบ (สาม- บ่อยกว่าสี่- และบางครั้งถึงห้าส่วน เช่น งานอภิบาลของเบโธเฟน หรือ Fantastic ของ Berlioz) จึงเป็นที่ชัดเจนว่ารูปแบบดังกล่าวจะต้องซับซ้อนมากตามลำดับ เพื่อไม่ให้เกิดความซ้ำซากจำเจและความซ้ำซากจำเจ (ซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียวหายากมาก ตัวอย่างคือ Symphony No. 21 ของ N. Myaskovsky)
ซิมโฟนีมักประกอบด้วยภาพ แนวความคิด และธีมทางดนตรีมากมาย พวกมันมีการกระจายไปตามส่วนต่าง ๆ ซึ่งในทางกลับกันตรงกันข้ามทำให้เกิดความสมบูรณ์ที่สูงขึ้นโดยที่ซิมโฟนีจะไม่ถูกมองว่าเป็นงานเดียว
เพื่อให้แนวคิดเกี่ยวกับองค์ประกอบของส่วนต่างๆ ของซิมโฟนี เราจะให้ข้อมูลเกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกหลายชิ้น ...
โมสาร์ท. ซิมโฟนีหมายเลข 41 "ดาวพฤหัสบดี" ใน C major
I. Allegro vivace
ครั้งที่สอง Andante cantabile
สาม. เมนูเอตโต้ Allegretto-Trio
IV. มอลโต อัลเลโกร
เบโธเฟน. ซิมโฟนีหมายเลข 3 ใน E flat major, Op. 55 ("วีรบุรุษ")
I. อัลเลโกร คอนบริโอ
ครั้งที่สอง Marcia funebre: Adagio assai
สาม. Scherzo: Allegro vivace
IV. ตอนจบ: Allegro molto, Poco Andante
ชูเบิร์ต ซิมโฟนีหมายเลข 8 ใน B minor (เรียกว่า "ยังไม่เสร็จ")
I. อัลเลโกร moderato
ครั้งที่สอง อันดันเต้ คอน โมโต
แบร์ลิออซ ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยม
I. ความฝัน. ความชอบ: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
ครั้งที่สอง บอล: วาลเซ่. อัลเลโกรไม่ใช่ทรอปโป
สาม. ฉากสนาม: Adagio
IV. ขบวนสู่การประหารชีวิต: Allegretto non troppo
V. ความฝันในคืนวันสะบาโต: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae
บรอดิน. ซิมโฟนีหมายเลข 2 "Bogatyrskaya"
I. อัลเลโกร
ครั้งที่สอง เชอร์โซ Prestissimo
สาม. อันดันเต้
IV. รอบชิงชนะเลิศ อัลเลโกร
3. การออกแบบที่ซับซ้อนที่สุดคือส่วนแรก ในซิมโฟนีคลาสสิก มักเขียนในรูปแบบโซนาตา อัลเลโกร. ลักษณะเฉพาะของรูปนี้คือ ชนกันและพัฒนาตาม อย่างน้อยสองประเด็นหลัก ซึ่งในคำทั่วไปส่วนใหญ่สามารถพูดได้ว่าเป็นการแสดงออกถึงความเป็นชาย (หัวข้อนี้โดยทั่วไปเรียกว่า ปาร์ตี้หลักเนื่องจากเป็นครั้งแรกที่มันส่งผ่านในคีย์หลักของงาน) และเพศหญิง (นี้ ปาร์ตี้ข้างทาง- เสียงในคีย์หลักที่เกี่ยวข้องอย่างใดอย่างหนึ่ง) ธีมหลักทั้งสองนี้เชื่อมต่อกันในทางใดทางหนึ่งและเรียกว่าการเปลี่ยนจากหลักไปด้านข้าง เชื่อมโยงพรรคการนำเสนอของดนตรีทั้งหมดนี้มักจะมีตอนจบในแบบใดแบบหนึ่ง ตอนนี้เรียกว่า เกมสุดท้าย.
หากเราฟังซิมโฟนีคลาสสิกด้วยความสนใจที่ช่วยให้เราสามารถแยกแยะองค์ประกอบโครงสร้างเหล่านี้จากการรู้จักครั้งแรกด้วยองค์ประกอบที่กำหนดได้ทันที เราจะพบว่าในช่วงแรกมีการดัดแปลงธีมพื้นฐานเหล่านี้ ด้วยการพัฒนารูปแบบโซนาตา คีตกวีบางคน - และเบโธเฟนเป็นคนแรกในนั้น - สามารถระบุองค์ประกอบของผู้หญิงในรูปแบบของตัวละครชายและในทางกลับกัน และในระหว่างการพัฒนาธีมเหล่านี้ "ให้ความสว่าง" พวกเขาใน วิธีทางที่แตกต่าง. บางทีนี่อาจเป็นศูนย์รวมที่สว่างที่สุด - ทั้งศิลปะและตรรกะ - ศูนย์รวมของหลักการวิภาษ
ส่วนแรกทั้งหมดของซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นในรูปแบบสามส่วนซึ่งในตอนแรกธีมหลักจะถูกนำเสนอต่อผู้ฟังราวกับว่าจัดแสดง (นั่นคือสาเหตุที่ส่วนนี้เรียกว่านิทรรศการ) จากนั้นพวกเขาจะได้รับการพัฒนาและการเปลี่ยนแปลง ( ส่วนที่สองคือการพัฒนา) และในที่สุดก็กลับมา - ในรูปแบบดั้งเดิม หรือในคุณภาพใหม่ (บรรเลง) นี่คือที่สุด โครงการทั่วไปซึ่งนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่แต่ละคนได้มีส่วนช่วยเหลือในสิ่งของตน ดังนั้น เราจะไม่พบกับโครงสร้างที่เหมือนกันสองแบบ ไม่เพียงแต่จากผู้แต่งที่ต่างกันเท่านั้น แต่ยังมาจากโครงสร้างเดียวกันด้วย (แน่นอนว่าถ้าเรากำลังพูดถึงผู้สร้างที่ยอดเยี่ยม)
4. หลังจากที่ซิมโฟนีเคลื่อนไหวครั้งแรกปั่นป่วน จะต้องมีที่ว่างสำหรับเพลงโคลงสั้น ๆ สงบและประเสริฐอย่างแน่นอนในคำที่ไหลในการเคลื่อนไหวช้า ในตอนแรกนี่เป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีและถือว่าเป็นกฎที่ค่อนข้างเข้มงวด ในซิมโฟนีของ Haydn และ Mozart การเคลื่อนไหวช้าเป็นครั้งที่สองอย่างแม่นยำ หากซิมโฟนีมีเพียงสามส่วน (เช่นเดียวกับในยุค 1770 ของโมสาร์ท) ส่วนที่ช้าจะกลายเป็นตรงกลาง หากซิมโฟนีมีสี่ส่วน ให้ใส่เสียงนาทีระหว่างการเคลื่อนไหวช้าและตอนจบเร็วในซิมโฟนียุคแรก ต่อมาเริ่มต้นด้วยเบโธเฟน minuet ถูกแทนที่ด้วย scherzo ที่รวดเร็ว อย่างไรก็ตามในบางจุดผู้แต่งตัดสินใจที่จะเบี่ยงเบนจากกฎนี้และจากนั้นส่วนที่ช้าก็กลายเป็นส่วนที่สามในซิมโฟนีและ scherzo กลายเป็นส่วนที่สองตามที่เราเห็น (แม่นยำยิ่งขึ้นเราได้ยิน) ใน A. Borodin " Bogatyr" ซิมโฟนี
5. ตอนจบของซิมโฟนีคลาสสิกมีลักษณะเฉพาะด้วยการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวาด้วยลักษณะการเต้นและเพลงซึ่งมักจะอยู่ใน จิตวิญญาณพื้นบ้าน. บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีจะกลายเป็น apotheosis ที่แท้จริง เช่นเดียวกับใน Ninth Symphony ของ Beethoven (Op. 125) ที่ซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวได้รับการแนะนำให้รู้จักกับซิมโฟนี แม้ว่านี่จะเป็นนวัตกรรมสำหรับแนวเพลงซิมโฟนี แต่ก็ไม่ใช่สำหรับตัวเบโธเฟนเอง: ก่อนหน้านี้เขาเคยแต่งเพลง Fantasia สำหรับเปียโน คณะนักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา (Op. 80) ซิมโฟนีมีบทกวี "To Joy" โดย F. Schiller ตอนจบมีความโดดเด่นมากในซิมโฟนีนี้ ซึ่งการเคลื่อนไหวทั้งสามที่นำหน้ามันถือเป็นบทนำที่ยิ่งใหญ่ การดำเนินการนี้จบลงด้วยการเรียก "กอดล้าน!" ที่การเปิดการประชุมทั่วไปของสหประชาชาติ - การแสดงออกที่ดีที่สุดของแรงบันดาลใจทางจริยธรรมของมนุษยชาติ!
Great Symphony Makers
โจเซฟ ไฮเดน
โจเซฟ ไฮเดนมีชีวิตที่ยืนยาว (ค.ศ. 1732–1809) กิจกรรมสร้างสรรค์ของเขาในช่วงครึ่งศตวรรษสรุปโดยสถานการณ์สำคัญสองประการ: การตายของ J.S. Bach (1750) ซึ่งสิ้นสุดยุคของการประสานเสียง และรอบปฐมทัศน์ของ Beethoven's Third ("Heroic") Symphony ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของ ยุคแห่งความโรแมนติก ในช่วงห้าสิบปีนี้รูปแบบดนตรีเก่า - มวล oratorio และ คอนแชร์โต้ กรอสโซ่- ถูกแทนที่ด้วยเพลงใหม่: ซิมโฟนี, โซนาต้า และ วงเครื่องสาย สถานที่หลักที่งานเขียนในประเภทเหล่านี้ฟังแล้วไม่ใช่โบสถ์และวิหารเหมือนเมื่อก่อน แต่วังของขุนนางและขุนนางซึ่งในที่สุดก็นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในคุณค่าทางดนตรี - กวีนิพนธ์และการแสดงออกทางอัตนัยกลายเป็นแฟชั่น .
ทั้งหมดนี้ Haydn เป็นผู้บุกเบิก บ่อยครั้ง - แม้จะไม่ถูกต้องเพียงพอ - เขาถูกเรียกว่า "บิดาแห่งซิมโฟนี" นักแต่งเพลงบางคน เช่น Jan Stamitz และตัวแทนคนอื่นๆ ของโรงเรียนที่เรียกว่า Mannheim (เมืองมันไฮม์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เป็นป้อมปราการของการแสดงซิมโฟนีในยุคแรก) ได้เริ่มแต่งเพลงซิมโฟนีสามขบวนเร็วกว่า Haydn มาก อย่างไรก็ตาม Haydn นำรูปแบบนี้ไปสู่ระดับที่สูงกว่ามากและแสดงให้เห็นหนทางสู่อนาคต ผลงานช่วงแรกๆ ของเขาได้รับอิทธิพลจาก C.F. E. Bach ในขณะที่ผลงานชิ้นต่อมาของเขาคาดว่าจะมีรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นั่นคือ Beethoven
ในเวลาเดียวกัน เป็นที่น่าสังเกตว่าเขาเริ่มสร้างผลงานประพันธ์ที่ได้รับความสำคัญทางดนตรีที่สำคัญเมื่อเขาผ่านเหตุการณ์สำคัญสี่สิบปีของเขา ภาวะเจริญพันธุ์ ความหลากหลาย ความคาดเดาไม่ได้ อารมณ์ขัน ความคิดสร้างสรรค์ - นั่นคือสิ่งที่ทำให้เฮย์เดนเป็นผู้นำและไหล่เหนือระดับของคนรุ่นเดียวกัน
ซิมโฟนีของ Haydn หลายคนได้รับตำแหน่ง ฉันจะให้ตัวอย่าง
ก. อบาคูมอฟ. เล่นเฮย์เดน (1997)
ซิมโฟนีหมายเลข 45 ที่มีชื่อเสียงเรียกว่า "อำลา" (หรือ "ซิมโฟนีใต้แสงเทียน"): เปิด หน้าสุดท้ายตอนจบของซิมโฟนี ทีละคน นักดนตรีหยุดเล่นและออกจากเวที เหลือไวโอลินเพียงสองตัวเท่านั้น เติมเต็มซิมโฟนีด้วยคอร์ดคำถาม ลา - f-sharp. Haydn บอกตัวเองถึงที่มาของซิมโฟนีในเวอร์ชันกึ่งอารมณ์ขัน: เจ้าชายนิโคไล เอสเตอร์ฮาซีเคยไม่ยอมให้ผู้เล่นวงออเคสตราจากเอสเตอร์ฮาซไปยังไอเซนชตัดท์ที่ซึ่งครอบครัวของพวกเขาอาศัยอยู่เป็นเวลานานมาก ต้องการช่วยผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา Haydn ได้รวบรวมบทสรุปของซิมโฟนี "อำลา" ในรูปแบบของคำใบ้ที่ละเอียดอ่อนต่อเจ้าชาย - แสดง ภาพดนตรีออกจากคำขอ เข้าใจคำใบ้และเจ้าชายก็ออกคำสั่งที่เหมาะสม
ในยุคของแนวโรแมนติก ธรรมชาติที่ตลกขบขันของซิมโฟนีถูกลืมไป และพวกเขาก็เริ่มสร้างมันขึ้นมาด้วยความหมายที่น่าเศร้า แมนน์แมนเขียนในปี พ.ศ. 2381 เกี่ยวกับนักดนตรีดับเทียนและออกจากเวทีในช่วงสุดท้ายของซิมโฟนี: "และไม่มีใครหัวเราะเยาะเรื่องนี้เพราะไม่มีเวลาหัวเราะ"
ซิมโฟนีหมายเลข 94 "ด้วยการตีกลองตีกลองหรือเซอร์ไพรส์" ได้ชื่อมาจากเอฟเฟกต์อารมณ์ขันในการเคลื่อนไหวช้า - อารมณ์ที่สงบสุขถูกทำลายด้วยการตีกลองกลองที่คมชัด หมายเลข 96 "ปาฏิหาริย์" ถูกเรียกเช่นนั้นเนื่องจากสถานการณ์สุ่ม ในคอนเสิร์ตที่ไฮเดนควรจะแสดงซิมโฟนีนี้ ผู้ชมด้วยรูปลักษณ์ของเขารีบวิ่งจากตรงกลางห้องโถงไปยังแถวหน้าที่ว่างและตรงกลางว่างเปล่า ในขณะนั้นเอง โคมระย้าพังลงมาที่ใจกลางห้องโถง ผู้ฟังเพียงสองคนได้รับบาดเจ็บเล็กน้อย มีเสียงอุทานในห้องโถง: “ปาฏิหาริย์! ความมหัศจรรย์!" เฮย์เดนเองรู้สึกประทับใจอย่างมากกับการช่วยเหลือผู้คนมากมายโดยไม่รู้ตัว
ในทางกลับกันชื่อของซิมโฟนีหมายเลข 100 "ทหาร" นั้นไม่ได้ตั้งใจเลย - ส่วนที่รุนแรงด้วยสัญญาณและจังหวะทางทหารของพวกเขาวาดภาพดนตรีของค่ายอย่างชัดเจน แม้แต่ Minuet ที่นี่ (ตอนที่สาม) ก็เป็นโกดัง "กองทัพ" ที่ค่อนข้างหรูหรา การรวมเครื่องเพอร์คัชชันของตุรกีเข้าไว้ในเพลงซิมโฟนีที่สร้างความสุขให้ผู้รักเสียงเพลงในลอนดอน (cf. Turkish March ของ Mozart)
ลำดับที่ 104 "ซาโลมอน": นี่ไม่ใช่การยกย่องนักแสดง - John Peter Salomon ใครทำเพื่อ Haydn มาก? จริงอยู่ที่ซาโลมอนเองต้องขอบคุณ Haydn ที่โด่งดังมากจนเขาถูกฝังใน Westminster Abbey "เพราะได้นำ Haydn มาที่ลอนดอน" ตามที่ระบุไว้บนหลุมฝังศพของเขา ดังนั้นควรเรียกซิมโฟนีอย่างแม่นยำว่า "ด้วย เอโลมอน" ไม่ใช่ "โซโลมอน" อย่างที่บางครั้งพบใน โปรแกรมคอนเสิร์ตซึ่งปรับทิศทางผู้ฟังของกษัตริย์ในพระคัมภีร์อย่างไม่ถูกต้อง
โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนซิมโฟนีครั้งแรกเมื่ออายุได้แปดขวบ และครั้งสุดท้ายเมื่ออายุ 32 ปี จำนวนรวมของพวกเขามีมากกว่าห้าสิบตัว แต่เด็กหลายคนยังไม่ได้รับการอนุรักษ์หรือยังไม่ได้ค้นพบ
หากคุณใช้คำแนะนำของ Alfred Einstein ผู้เชี่ยวชาญด้าน Mozart ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด และเปรียบเทียบตัวเลขนี้กับซิมโฟนีเพียงเก้ารายการโดย Beethoven หรือสี่รายการโดย Brahms จะเห็นได้ชัดว่าแนวคิดของประเภท Symphony นั้นแตกต่างกันสำหรับผู้แต่งเหล่านี้ แต่ถ้าเราเลือกจากโมสาร์ทบรรดาซิมโฟนีของเขาที่เหมือนกับของบีโธเฟนที่ส่งถึงผู้ชมในอุดมคติกล่าวอีกนัยหนึ่งถึงมวลมนุษยชาติ ( humanitas) จากนั้นปรากฎว่าโมสาร์ทยังเขียนซิมโฟนีดังกล่าวไม่เกินสิบครั้ง (ไอน์สไตน์คนเดียวกันพูดถึง "สี่หรือห้า"!) "ปราก" และซิมโฟนีสามกลุ่มในปี ค.ศ. 1788 (หมายเลข 39, 40, 41) เป็นผลงานที่น่าทึ่งสำหรับคลังสมบัติของซิมโฟนีระดับโลก
ในสามซิมโฟนีสุดท้าย วงกลาง หมายเลข 40 เป็นที่รู้จักกันดี ในแง่ของความนิยม มีเพียง The Little Night Serenade และ Overture to the opera Le nozze di Figaro เท่านั้นที่สามารถแข่งขันกับมันได้ แม้ว่าสาเหตุของความนิยมมักจะยากต่อการตัดสิน แต่หนึ่งในนั้นในกรณีนี้อาจเป็นทางเลือกของคีย์ ซิมโฟนีนี้เขียนในภาษา G minor ซึ่งหาได้ยากสำหรับ Mozart ซึ่งชอบคีย์หลักที่ร่าเริงและสนุกสนาน จากสี่สิบเอ็ดซิมโฟนี มีเพียงสองคนเท่านั้นที่เขียนด้วยคีย์ย่อย (นี่ไม่ได้หมายความว่าโมสาร์ทไม่ได้เขียนเพลงรองในซิมโฟนีหลัก)
คอนแชร์โตเปียโนของเขามีสถิติที่คล้ายกัน: ในจำนวนยี่สิบเจ็ด มีเพียงสองคนเท่านั้นที่มีคีย์หลักในระดับรอง เมื่อพิจารณาถึงวันที่มืดมนซึ่งซิมโฟนีถูกสร้างขึ้น อาจดูเหมือนว่าการเลือกคีย์ถูกกำหนดไว้ล่วงหน้า อย่างไรก็ตาม มีบางสิ่งในการสร้างสรรค์นี้มากกว่าความเศร้าโศกในชีวิตประจำวันของคนเพียงคนเดียว ต้องจำไว้ว่าในยุคนั้นชาวเยอรมันและ นักแต่งเพลงชาวออสเตรียพบตัวเองมากขึ้นเรื่อย ๆ ในพลังของความคิดและภาพของแนวโน้มความงามในวรรณคดีที่เรียกว่า "พายุและพายุ"
ชื่อของขบวนการใหม่ได้รับจากละคร Sturm und Drang ของ F. M. Klinger (1776) ปรากฏขึ้น จำนวนมากของละครที่มีตัวละครที่ร้อนแรงและมักไม่สอดคล้องกันอย่างไม่น่าเชื่อ นักแต่งเพลงยังรู้สึกทึ่งกับความคิดในการแสดงอารมณ์ที่รุนแรงของกิเลสตัณหาการต่อสู้อย่างกล้าหาญซึ่งมักจะโหยหาอุดมคติที่ไม่เป็นจริง ไม่น่าแปลกใจเลยที่ Mozart ยังหันไปใช้คีย์ย่อยในบรรยากาศนี้
ไม่เหมือนกับ Haydn ผู้ซึ่งมั่นใจเสมอว่าจะมีการแสดงซิมโฟนีของเขา - ไม่ว่าจะต่อหน้า Prince Esterhazy หรือเช่นเดียวกับในลอนดอนต่อหน้าสาธารณชนในลอนดอน Mozart ไม่เคยรับประกันเช่นนี้และถึงกระนั้นเขาก็มีความอุดมสมบูรณ์อย่างน่าอัศจรรย์ หากการแสดงซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของเขามักจะให้ความบันเทิงหรืออย่างที่เราพูดกันในตอนนี้ว่า "ดนตรีเบาๆ" ซิมโฟนีในช่วงหลังๆ ของเขาจะเป็น "ไฮไลท์ของรายการ" ของคอนเสิร์ตซิมโฟนีทุกแห่ง
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
เบโธเฟนเขียนซิมโฟนีเก้าเพลง อาจมีหนังสือมากกว่าที่มีบันทึกในมรดกนี้ ซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือเพลงที่สาม (E-flat major, "Heroic"), the Fifth (C minor), the Sixth (F major, "Pastoral"), the Ninth (D minor)
... เวียนนา 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2367 รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีที่เก้า เอกสารที่รอดตายเป็นพยานถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในตอนนั้น การประกาศเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ที่จะเกิดขึ้นนั้นมีความน่าสังเกตอยู่แล้ว: “The Grand Academy of Music ซึ่งจัดโดยคุณ Ludwig van Beethoven จะมีขึ้นในวันพรุ่งนี้ 7 พฤษภาคม<...>Mademoiselle Sontag และ Mademoiselle Unger และ Messrs Heitzinger และ Seipelt จะแสดงเป็นศิลปินเดี่ยว ผู้ควบคุมวงดนตรีของวงออเคสตราคือคุณ Schuppanzig ผู้ควบคุมวงคือคุณ Umlauf<...>คุณลุดวิก ฟาน เบโธเฟนจะเข้าร่วมแสดงคอนเสิร์ตเป็นการส่วนตัว”
ความเป็นผู้นำนี้ส่งผลให้เบโธเฟนเป็นผู้ดำเนินการซิมโฟนีด้วยตัวเอง แต่สิ่งนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร? ท้ายที่สุด เมื่อถึงเวลานั้นเบโธเฟนก็หูหนวกไปแล้ว ลองเปิดบัญชีผู้เห็นเหตุการณ์
“เบโธเฟนแสดงตัวเอง หรือมากกว่านั้น เขายืนอยู่หน้าคอนโซลของวาทยกรและโบกมือเหมือนคนบ้า” Josef Böhm นักไวโอลินของวงออเคสตราที่เข้าร่วมในคอนเสิร์ตครั้งประวัติศาสตร์กล่าว - เขายืดตัวแล้วเกือบจะนั่งยองๆ โบกแขนและกระทืบเท้าราวกับว่าเขาต้องการเล่นเครื่องดนตรีทั้งหมดพร้อมกันและร้องเพลงให้ทั้งคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริง Umlauf รับผิดชอบทุกอย่าง และเราซึ่งเป็นนักดนตรี ดูเพียงไม้เท้าของเขาเท่านั้น เบโธเฟนตื่นเต้นมากจนเขาไม่ได้สังเกตสิ่งที่เกิดขึ้นรอบ ๆ และไม่สนใจพายุเสียงปรบมือซึ่งแทบจะไม่ได้สติของเขาเนื่องจากสูญเสียการได้ยิน ในตอนท้ายของแต่ละหมายเลข ฉันต้องบอกเขาอย่างแน่ชัดว่าเมื่อใดควรหันหลังกลับ และขอบคุณผู้ฟังสำหรับเสียงปรบมือ ซึ่งเขาทำอย่างเชื่องช้ามาก
ในตอนท้ายของซิมโฟนี เมื่อเสียงปรบมือดังแล้ว Caroline Unger เข้าหา Beethoven หยุดมือเบา ๆ - เขายังคงดำเนินการต่อไปโดยไม่ทราบว่าการแสดงจบลงแล้ว! และหันหน้าไปทางห้อง จากนั้นทุกคนก็เห็นได้ชัดว่าเบโธเฟนหูหนวกโดยสิ้นเชิง...
ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก ตำรวจต้องใช้การแทรกแซงเพื่อยุติเสียงปรบมือ
Peter Ilyich Tchaikovsky
ในแนวเพลงซิมโฟนี P.I. ไชคอฟสกีสร้างผลงานหกชิ้น Last Symphony - ที่หกใน B minor, Op. 74 - ตั้งชื่อโดยเขาว่า "น่าสงสาร"
ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2436 ไชคอฟสกีได้วางแผนสำหรับซิมโฟนีใหม่ซึ่งกลายเป็นครั้งที่หก ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขา เขาพูดว่า: “ระหว่างการเดินทาง ฉันมีความคิดเกี่ยวกับซิมโฟนีอื่น ... ด้วยโปรแกรมดังกล่าวที่จะยังคงเป็นปริศนาสำหรับทุกคน ... โปรแกรมนี้ตื้นตันที่สุดกับความเป็นส่วนตัวและ บ่อยครั้งระหว่างการเดินทาง แต่งด้วยจิตใจ ฉันรู้สึกร้องไห้มาก”
ซิมโฟนีที่หกถูกบันทึกโดยนักแต่งเพลงอย่างรวดเร็ว ตามตัวอักษรในหนึ่งสัปดาห์ (4-11 กุมภาพันธ์) เขาบันทึกส่วนแรกทั้งหมดและครึ่งที่สอง จากนั้นงานก็ถูกขัดจังหวะโดยการเดินทางจาก Klin ซึ่งนักแต่งเพลงอาศัยอยู่ที่มอสโก กลับมาที่คลิน เขาทำงานในส่วนที่สามตั้งแต่วันที่ 17 กุมภาพันธ์ ถึง 24 กุมภาพันธ์ จากนั้นก็มีช่วงพักอีกช่วงหนึ่ง และในช่วงครึ่งหลังของเดือนมีนาคม นักแต่งเพลงก็จบตอนจบและส่วนที่สอง การประสานเสียงต้องเลื่อนออกไปบ้าง เนื่องจากไชคอฟสกีมีแผนการเดินทางอีกหลายเที่ยว เมื่อวันที่ 12 สิงหาคม การประสานเสร็จสิ้น
การแสดงครั้งแรกของ Sixth Symphony เกิดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อวันที่ 16 ตุลาคม พ.ศ. 2436 ภายใต้กระบองของผู้แต่ง ไชคอฟสกีเขียนหลังรอบปฐมทัศน์ว่า “มีอะไรแปลกๆ เกิดขึ้นกับซิมโฟนีนี้! ไม่ใช่ว่าเธอไม่ชอบมัน แต่มันทำให้เกิดความสับสน สำหรับฉัน ฉันภูมิใจกับมันมากกว่าผลงานอื่นๆ ของฉัน เหตุการณ์เพิ่มเติมที่น่าเศร้า: เก้าวันหลังจากการแสดงซิมโฟนีรอบปฐมทัศน์ P. Tchaikovsky เสียชีวิตอย่างกะทันหัน
V. Baskin ผู้เขียนชีวประวัติคนแรกของ Tchaikovsky ซึ่งมีทั้งในรอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีและในการแสดงครั้งแรกหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลงเมื่อ E. Napravnik ดำเนินการ (การแสดงนี้กลายเป็นชัยชนะ) เขียนว่า: “ เราจำอารมณ์เศร้าที่ครองราชย์ในห้องโถงของ Noble Assembly 6 พฤศจิกายนเมื่อมีการแสดงซิมโฟนี "น่าสงสาร" เป็นครั้งที่สองซึ่งไม่ได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่ในการแสดงครั้งแรกภายใต้กระบองของไชคอฟสกีเอง ในซิมโฟนีนี้ซึ่งน่าเสียดายที่กลายเป็นเพลงหงส์ของผู้แต่งของเราเขาใหม่ไม่เพียง แต่ในเนื้อหา แต่ยังอยู่ในรูปแบบ; แทนปกติ อัลเลโกรหรือ Prestoมันเริ่ม อดาจิโอ ลาเมนโตโซปล่อยให้ผู้ฟังอยู่ในอารมณ์ที่เศร้าที่สุด ในนั้น อดาจิโอนักแต่งเพลงก็บอกลาชีวิต ค่อยเป็นค่อยไป โมเรนโด(อิตาลี - เฟด) ของวงออเคสตราทั้งหมดทำให้เรานึกถึงจุดจบอันโด่งดังของ "Hamlet": " ที่เหลือก็เงียบ"(เพิ่มเติม - เงียบ)".
เราคงพูดได้เพียงสั้นๆ เกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้น ดนตรีไพเราะยิ่งไปกว่านั้น ละทิ้งโครงสร้างดนตรีที่แท้จริงไว้ เนื่องจากการสนทนาดังกล่าวต้องการเสียงดนตรีที่แท้จริง แต่จากเรื่องนี้ก็เห็นได้ชัดว่าซิมโฟนีเป็นประเภทและซิมโฟนีที่สร้างสรรค์จากจิตวิญญาณมนุษย์เป็นแหล่งที่ทรงคุณค่า ความสุขสูงสุด. โลกของดนตรีไพเราะนั้นกว้างใหญ่ไพศาลและไม่สิ้นสุด
ตามวัสดุของนิตยสาร "Art" ฉบับที่ 08/2009
บนโปสเตอร์: ห้องโถงใหญ่ St. Petersburg Academic Philharmonic ได้รับการตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich Tori Huang (เปียโน, สหรัฐอเมริกา) และ Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)
ซิมโฟนี
ซิมโฟนี
1. ดนตรีสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ โดยปกติจะประกอบด้วย 4 ส่วน โดยส่วนแรกและส่วนสุดท้ายมักจะเขียนในรูปแบบโซนาตา (ดนตรี) "ซิมโฟนีสามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โซนาต้าสำหรับวงออเคสตรา" N. Solovyov .
3. ทรานส์., อะไร. หนึ่งใหญ่ทั้งมวล ซึ่งองค์ประกอบต่าง ๆ มากมายรวมกัน รวมกันเป็นหนึ่ง ซิมโฟนีแห่งดอกไม้ ซิมโฟนีแห่งกลิ่นหอม "เสียงเหล่านี้หลอมรวมเป็นซิมโฟนีที่ทำให้หูหนวกของงานในวันนั้น" มักซิม กอร์กี .
4. ดัชนีคำตามตัวอักษรสำหรับหนังสือคริสตจักร (โบสถ์, ตัวหนังสือ) ซิมโฟนีในพันธสัญญาเดิม
พจนานุกรม Ushakov. ดี.เอ็น. อูชาคอฟ. พ.ศ. 2478-2483
คำพ้องความหมาย:
ดูว่า "ซิมโฟนี" ในพจนานุกรมอื่นๆ คืออะไร:
ดูความยินยอม ... พจนานุกรมคำพ้องความหมายและสำนวนภาษารัสเซียที่มีความหมายคล้ายกัน ภายใต้. เอ็ด N. Abramova, M.: พจนานุกรมรัสเซีย, 1999. ซิมโฟนี, ความสามัคคี, ข้อตกลง; ความสอดคล้อง, ดัชนีพจนานุกรม, พจนานุกรม symphonietta ของคำพ้องความหมายรัสเซีย ... พจนานุกรมคำพ้องความหมาย
- (พยัญชนะกรีก). เพลงที่ยอดเยี่ยมที่เขียนขึ้นสำหรับวงออเคสตรา พจนานุกรมคำต่างประเทศรวมอยู่ในภาษารัสเซีย Chudinov A.N. , 1910. SYMPHONY Greek. ซิมโฟเนีย, จากซิน, ร่วมกัน, และโทรศัพท์, เสียง, ความกลมกลืน, ความกลมกลืนของเสียง ... ... พจนานุกรมคำต่างประเทศของภาษารัสเซีย
ซิมโฟนีหมายเลข 17: ซิมโฟนีหมายเลข 17 (ไวน์เบิร์ก) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (โมสาร์ท) ในจีเมเจอร์ KV129 ซิมโฟนีหมายเลข 17 (Myaskovsky) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (คารามานอฟ), "อเมริกา" ซิมโฟนีหมายเลข 17 (Slonimsky) Symphony No. 17 (Hovaness), Symphony for Metal Orchestra, แย้มยิ้ม 203 ... ... Wikipedia
ซิมโฟนี- และดี. ซิมโฟนีเอฟ , มัน. sinfonia ลาดพร้าว ซิมโฟเนีย gr. พยัญชนะซิมโฟเนีย Krysin 1998. 1. ดนตรีสำหรับวงออเคสตราชิ้นใหญ่ ประกอบด้วย 3 4 ส่วน แตกต่างกันในธรรมชาติของดนตรีและจังหวะ. ซิมโฟนีน่าสงสาร ...... พจนานุกรมประวัติศาสตร์ของ Gallicisms ของภาษารัสเซีย
ผู้หญิง กรีก ดนตรี ความกลมกลืน, ความสอดคล้องของเสียง, พยัญชนะโพลีโฟนิก | โพลีโฟนิกชนิดพิเศษ ดนตรีประกอบ. เฮย์เดนซิมโฟนี | Symphony on Old, บน พันธสัญญาใหม่, กำหนด, ระบุสถานที่ที่มีการระลึกถึงคำเดียวกัน อธิบาย ...... พจนานุกรมอธิบายของดาห์ล
- (ละตินซิมโฟเนียจากกรีกซิมโฟเนียพยัญชนะข้อตกลง) งานสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนี; หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ซิมโฟนีประเภทคลาสสิกที่พัฒนาขึ้นในหมู่นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา J. ... ... สารานุกรมสมัยใหม่
- (จากพยัญชนะกรีกซิมโฟเนีย) ชิ้นส่วนของดนตรีสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนีที่เขียนในรูปแบบโซนาตาไซคลิก; รูปแบบสูงสุดของดนตรีบรรเลง มักประกอบด้วย 4 ส่วน ซิมโฟนีแบบคลาสสิกได้เข้ามามีบทบาท 18 ต้น ศตวรรษที่ 19 ... พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่
ซิมโฟนี- (ละตินซิมโฟเนียจากกรีกซิมโฟเนีย - ความสอดคล้อง, ข้อตกลง), งานสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนี; หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ซิมโฟนีประเภทคลาสสิกที่พัฒนาขึ้นในหมู่นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา - J. ... ... พจนานุกรมสารานุกรมภาพประกอบ
ซิมโฟนีและสำหรับผู้หญิง 1. ดนตรีสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ (โดยปกติคือสี่การเคลื่อนไหว) 2.ทรานส์. สารประกอบฮาร์มอนิก ซึ่งรวมกันเป็น (หนังสือ). ค. ดอกไม้ ค. สี. ค. เสียง. | adj. ไพเราะ, โอ้, โอ้ (ถึง 1 ความหมาย). ส.ออร์เคสตรา ...... พจนานุกรมอธิบายของ Ozhegov
- (พยัญชนะกรีก) ชื่อขององค์ประกอบออเคสตราในหลายส่วน. S. เป็นรูปแบบที่กว้างขวางที่สุดในสาขาดนตรีคอนแชร์โต - ออเคสตรา เนื่องจากความคล้ายคลึงกันในการก่อสร้างกับโซนาตา S. สามารถเรียกได้ว่าเป็นโซนาต้าที่ยอดเยี่ยมสำหรับวงออเคสตรา ใน… … สารานุกรมของ Brockhaus และ Efron
หนังสือ
- ซิมโฟนี. 1 , ก. บรอดดิน. ซิมโฟนี. 1, Score, สำหรับประเภท orchestra Edition: Score Instruments: orchestra ทำซ้ำในการสะกดคำของผู้เขียนดั้งเดิมของรุ่น 1862…
