Et ekstraordinært billede. Malerier fra asken fra kremerede mennesker

Maleri, hvis du ikke tager højde for realisterne, har altid været, er og vil være underligt. Men nogle billeder er mærkeligere end andre.
Nogle kunstværker ser ud til at ramme seeren i hovedet, forbavset og forbløffet. Nogle af dem trækker dig i tankerne og på jagt efter semantiske lag, hemmelig symbolik. Nogle malerier er dækket af hemmeligheder og mystiske gåder, og andre er overraskende til en ublu pris.

Bright Side har nøje gennemgået de vigtigste præstationer inden for verdensmaleri og valgt to dusin af dem. mærkelige billeder... Udvælgelsen omfattede ikke malerier af Salvador Dali, hvis værker helt passer til materialets format og er de første, der kommer til at tænke på.

"Skrige"

Edvard Munch. 1893, pap, olie, tempera, pastel
Nationalgalleri, Oslo

Skriget betragtes som en milepælshændelse i ekspressionismen og en af \u200b\u200bde mest berømte malerier i verden. Der er to fortolkninger af, hvad der er afbildet: det er helten selv, der bliver grebet med rædsel og lydigt skrigende og presser hænderne mod ørerne; eller helten lukker ørerne for råb af fred og natur, der lyder rundt. Munch skrev fire versioner af The Scream, og der er en version, hvor dette billede er frugten af \u200b\u200ben manisk-depressiv psykose, som kunstneren led af. Efter et behandlingsforløb på klinikken vendte Munch ikke tilbage til arbejdet på lærredet.

"Jeg gik ad stien sammen med to venner - solen gik ned - pludselig blev himlen blodrød, jeg holdt pause, følte mig udmattet og lænede mig mod hegnet - jeg så på blodet og flammerne over den blåsorte fjord og by - mine venner fortsatte, og jeg stod og skælvede af spænding og følte en endeløs gråd gennemtrængende natur ", - sagde Edvard Munch om maleriets historie.

"Hvor kom vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?"

Paul Gauguin. 1897-1898, lærred, olie
Museum finere kunst, Boston

Under ledelse af Gauguin selv skal maleriet læses fra højre mod venstre - tre hovedgrupper af figurer illustrerer spørgsmålene i titlen. Tre kvinder med et barn repræsenterer begyndelsen på livet; mellemgruppe symboliserer den daglige eksistens af modenhed; i den endelige gruppe, ifølge kunstnerens plan, "en gammel kvinde, der nærmer sig døden, ser ud til at være forsonet og helliget sine tanker", ved hendes fødder " hvid fugl... repræsenterer ubrugelighed af ord. "

Et dybt filosofisk billede af den postimpressionistiske Paul Gauguin blev malet af ham i Tahiti, hvor han flygtede fra Paris. Efter afslutningen af \u200b\u200barbejdet ønskede han endda at begå selvmord, fordi: "Jeg tror, \u200b\u200bat dette lærred ikke kun er bedre end alle mine tidligere, og at jeg aldrig vil skabe noget bedre eller lignende." Han levede i yderligere 5 år, og så skete det.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, lærred, olie
Reina Sofia Museum, Madrid

Guernica præsenterer scener med død, vold, grusomhed, lidelse og hjælpeløshed uden at specificere deres umiddelbare årsager, men de er indlysende. Det siges, at i 1940 blev Pablo Picasso indkaldt til Gestapo i Paris. Talen vendte straks til billedet. "Gjorde du det?" - "Nej, du gjorde det."

En kæmpe malerifresco "Guernica", malet af Picasso i 1937, fortæller om razziaen fra en frivillig enhed af Luftwaffe på byen Guernica, som et resultat af hvilken den seks tusinde by blev fuldstændig ødelagt. Billedet blev skrevet bogstaveligt på en måned - de første dage med arbejde på billedet, Picasso arbejdede i 10-12 timer, og allerede i de første skitser kunne man se hoved ide... Dette er en af bedste illustrationer fascismens mareridt såvel som menneskelig grusomhed og sorg.

"Portræt af paret Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, træ, olie
London National Gallery, London

Det berømte maleri er helt og fuldt fyldt med symboler, allegorier og forskellige referencer - helt op til underskriften "Jan van Eyck var her", som gjorde det ikke kun til et kunstværk, men til et historisk dokument, der bekræfter en reel begivenhed, der kunstneren deltog.

Portrættet angiveligt af Giovanni di Nicolao Arnolfini og hans kone er et af de mest komplekse værker vestlig malerskole Nordrenæssance... I Rusland seneste år billedet fik stor popularitet på grund af Arnolfinis portrætlignende karakter med Vladimir Putin.

"Dæmon sidder"

Mikhail Vrubel. 1890, lærred, olie
Tretyakov Galleri, Moskva

Maleriet af Mikhail Vrubel overrasker med billedet af en dæmon. En trist, langhåret fyr ligner slet ikke den generelle menneskelige idé om, hvordan en ond ånd skal se ud. Dette er et billede af den menneskelige ånds styrke, indre kamp, \u200b\u200btvivl. Hænderne, der er trukket sammen, sidder dæmonen med enorme triste øjne rettet ud i det fjerne, omgivet af blomster. Kompositionen understreger tætheden af \u200b\u200bdæmonens figur, som om den er klemt ind mellem rammens øvre og nedre tværstænger.

Kunstneren selv talte om sit mest berømte maleri: "dæmonen er ikke så meget en ond ånd som en lidende og bedrøvet ånd, med alt dette en dominerende og majestætisk ånd."

"Krigens apoteose"

Vasily Vereshchagin. 1871, lærred, olie
State Tretyakov Gallery, Moskva

Billedet er malet så dybt og følelsesmæssigt, at bag hver kraniet, der ligger i denne bunke, begynder du at se mennesker, deres skæbne og skæbne for dem, der ikke vil se disse mennesker igen. Vereshchagin kaldte selv med trist sarkasme lærredet "stilleben" - det skildrer "død natur". Alle detaljer i maleriet, inklusive den gule farve, symboliserer død og ødelæggelse. Den klare blå himmel understreger billedets dødelighed. Ar fra sabler og kuglehuller på kranier udtrykker også ideen om "Apotheosis of War".

Vereshchagin er en af \u200b\u200bde vigtigste russiske kampmalere, men han malede krige og kampe ikke fordi han elskede dem. Tværtimod forsøgte han at formidle sin negativ attityde til krig. Når Vereshchagin, i følelsesvarmen, udbrød: "Jeg vil ikke male flere kampbilleder - basta! Jeg tager det, jeg skriver, for tæt på mit hjerte, jeg råber (bogstaveligt talt) sorgen for alle sårede og dræbte." Sandsynligvis var resultatet af dette råb det forfærdelige og fortryllende maleri "Krigens apotheose", der viser et felt, krager og et bjerg af menneskelige kranier.

"Amerikansk gotisk"

Grant Wood. 1930, olie. 74 × 62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago

Maleriet med den dystre far og datter er fyldt med detaljer, der indikerer sværhedsgraden, puritanismen og retrogradeness hos de afbildede mennesker. Vrede ansigter, pitchforks lige midt i billedet, gammeldags tøj selv efter 1930-standarder, en udsat albue, sømmene på landmandens tøj, gentager formen på en gaffel og derfor en trussel, der er rettet mod alle, der går ind . Alle disse detaljer kan undersøges uendeligt og ryste af uro. "American Gothic" er et af de mest genkendelige billeder i amerikansk kunst fra det 20. århundrede, den mest berømte kunstneriske meme fra det 20. og 21. århundrede. Interessant nok opfattede dommerne for konkurrencen ved Chicago Institute of the Arts "gotisk" som en "humoristisk valentine", og beboerne i Iowa blev frygteligt fornærmet af Wood for at portrættere dem i et så ubehageligt lys.

"Elskere"

Rene Magritte. 1928, lærred, olie

Maleriet "Lovers" ("Lovers") findes i to versioner. På en af \u200b\u200bdem kysser en mand og en kvinde, hvis hoveder er pakket ind i en hvid klud, og på den anden side "ser" de på seeren. Billedet er overraskende og fascinerende. Med to figurer uden ansigter formidlede Magritte ideen om kærlighedens blindhed. Om blindhed i enhver forstand: elskere ser ikke nogen, ser dem ikke sande ansigter og vi og derudover elskere er endda et mysterium for hinanden. Men med denne tilsyneladende klarhed fortsætter vi stadig med at se på Magritte-elskere og tænke over dem.

Næsten alle Magrittes malerier er gåder, der ikke kan løses fuldstændigt, da de rejser spørgsmål om selve essensen af \u200b\u200btilværelsen. Magritte taler hele tiden om det synlige bedrag, om dets skjulte mysterium, som vi normalt ikke bemærker.

"Spadseretur"

Marc Chagall. 1917, lærred, olie
State Tretyakov Gallery

The Walk er et selvportræt med sin kone Bella. Hans elskede svæver på himlen, og det blik trækker ud i flugt, og Chagall står ustabilt på jorden, som om han kun rører ved det med skoens tæer. Chagall har en mejsemus i sin anden hånd - han er glad, han har både en titmus i sine hænder (sandsynligvis hans maleri) og en kran på himlen. Normalt skrev Marc Chagall, der er ekstremt seriøs i sit maleri, et dejligt manifest af sin egen lykke fyldt med allegorier og kærlighed.

"Garden of Earthly Delights"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, træ, olie
Prado, Spanien

"Garden of Earthly Delights" - den mest berømte triptykon af Hieronymus Bosch, opkaldt efter temaet for den centrale del, er dedikeret til lystens synd. Billedet er overfyldt med gennemsigtige figurer, fantastiske strukturer, monstre, hallucinationer, der har fået kød, helvede karikaturer af virkeligheden, som han ser på med et søgende, ekstremt skarpt blik.

Nogle forskere ønskede at se i triptykonen en skildring af en persons liv gennem prisme af dens forfængelighed og billeder jordisk kærlighed, andre - en triumf for vellystighed. Imidlertid får uskylden og en vis løsrivelse, som individuelle figurer fortolkes med, samt den gunstige holdning til dette arbejde fra kirkemyndighedernes side, tvivl om, at dets indhold kan være forherligelse af kropslige fornøjelser. Hidtil er ingen af \u200b\u200bde tilgængelige fortolkninger af billedet blevet anerkendt som den eneste korrekte.

"Kvinder tre aldre"

Gustav Klimt. 1905, lærred, olie
Nationalgalleri samtidskunst, Rom

"Three Ages of a Woman" er både glad og trist på samme tid. Historien om en kvindes liv er skrevet i tre figurer i den: skødesløshed, fred og fortvivlelse. Den unge kvinde er organisk vævet ind i livets ornament, den gamle skiller sig ud fra hende. Kontrasten mellem det stiliserede billede af en ung kvinde og det naturalistiske billede af en gammel kvinde får symbolsk betydning: den første fase af livet bringer uendelige muligheder og metamorfoser med sig, den sidste - konstant bestandighed og konflikt med virkeligheden. Lærredet giver ikke slip, klatrer ind i sjælen og får dig til at tænke på dybden af \u200b\u200bkunstnerens budskab såvel som på dybden og uundgåeligheden i livet.

"En familie"

Egon Schiele. 1918, lærred, olie
Galleri "Belvedere", Wien

Schiele var elev af Klimt, men som enhver fremragende elev kopierede han ikke sin lærer, men ledte efter noget nyt. Schiele er meget mere tragisk, mærkelig og skræmmende end Gustav Klimt. I hans værker er der meget af det, der kan kaldes pornografi, forskellige perversioner, naturalisme og samtidig fortvivlet. "Familie" er hans sidste arbejde, hvor fortvivlelse føres til det absolutte, på trods af at dette er hans mindst underlige udseende billede. Han tegnede hende lige før sin død, efter at hans gravide kone Edith døde af den spanske influenza. Han døde i en alder af 28, kun tre dage efter Edith, efter at have formået at tegne hende, sig selv og deres. født barn.

"To Frida"

Frida Kahlo. 1939

Historie vanskeligt liv mexicansk kunstner Frida Kahlo blev bredt kendt efter frigivelsen af \u200b\u200bfilmen "Frida" med Salma Hayek i medvirkende... Kahlo skrev mest selvportrætter og forklarede det enkelt: "Jeg maler mig selv, fordi jeg bruger meget tid alene, og fordi jeg er det emne, jeg kender bedst." Ikke et enkelt selvportræt af Frida Kahlo smiler: et seriøst, endda sørgeligt ansigt, smeltet sammen tykke øjenbryn, let mærkbare antenner over tæt komprimerede læber. Idéerne med hendes malerier er krypteret i detaljer, baggrund, figurer, der vises ved siden af \u200b\u200bFrida. Kahlos symbolik er baseret på nationale traditioner og er tæt knyttet til den indianske mytologi fra den præ-spanske periode. I en af bedste malerier - "To Frida" - hun udtrykte de maskuline og feminine principper, forenet i hende ved et enkelt kredsløbssystem, der demonstrerede hendes integritet.

"Waterloo Bridge. Tågeeffekt"

Claude Monet. 1899, lærred, olie
State Hermitage, Sankt Petersborg

Når man ser et billede fra en tæt afstand, ser seeren intet andet end lærredet, hvorpå hyppige tykke olieslag påføres. Al værkets magi afsløres, når vi gradvist begynder at bevæge os væk fra lærredet i stor afstand. Først begynder uforståelige halvcirkler, der går gennem midten af \u200b\u200bbilledet, at dukke op foran os, så ser vi de klare konturer af både, og når vi bevæger os væk i en afstand på ca. to meter, er alle forbindende værker skarpt tegnet foran os og opstillet i en logisk kæde.

"Nummer 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, fiberplade, olie

Det mærkelige ved dette billede er, at lærredet til den amerikanske leder af abstrakt ekspressionisme, som han malede, spildte maling på et stykke fiberplade spredt på gulvet, er det mest dyrt maleri i verden. I 2006 på Sotheby's auktion betalte de 140 millioner dollars for det. David Giffen, filmproducent og samler, solgte den til den mexicanske finansmand David Martinez. "Jeg fortsætter med at bevæge mig væk fra de sædvanlige kunstneres værktøjer som staffeli, palet og børster. Jeg foretrækker stokke, scoops, knive og hældende maling eller en blanding af maling med sand, knust glas eller hvad som helst. Når jeg er inde i et maleri, Jeg er ikke klar over Forståelse kommer senere. Jeg er ikke bange for ændringer eller ødelæggelse af billedet, fordi billedet lever sit eget liv. Jeg hjælper det bare med at komme ud. Men hvis jeg mister kontakten med billedet, bliver det rod og rod Hvis ikke, så er det ren harmoni, letheden i, hvordan du tager og giver. "

"En mand og en kvinde foran en bunke ekskrementer"

Joan Miró. 1935, kobber, olie
Joan Miró Foundation, Spanien

Dejlig titel. Og hvem ville have troet, at dette billede fortæller os om borgerkrigens rædsler. Maleriet blev udført på et ark af kobber i ugen mellem 15. og 22. oktober 1935. Ifølge Miro er dette resultatet af at prøve at skildre en tragedie. Borgerkrig i Spanien. Miro sagde, at dette er et billede af en periode med angst. Maleriet skildrer en mand og en kvinde, der når hinanden i en omfavnelse, men ikke bevæger sig. Forstørrede kønsorganer og ildevarslende farver er blevet beskrevet som "fuld af afsky og modbydelig seksualitet."

"Erosion"

Jacek Jerka

Den polske nysurrealist er kendt over hele verden for sin fantastiske billeder, hvor realiteter kombineres og skaber nye. Det er svært at betragte hans ekstremt detaljerede og til en vis grad rørende værker en efter en, men dette er formatet på vores materiale, og vi var nødt til at vælge et - for at illustrere hans fantasi og dygtighed. Vi anbefaler, at du gør dig mere fortrolig.

"Hænder modstå ham"

Bill Stoneham. 1972

Dette arbejde kan naturligvis ikke tælles med i verdensmaleriets mesterværker, men det faktum, at det er underligt, er en kendsgerning. Der er legender omkring maleriet med en dreng, en dukke og palmer presset mod glasset. Fra "på grund af dette billede dør" til "børn på det lever." Billedet ser virkelig uhyggeligt ud, hvilket giver folk med svag psyke en masse frygt og formodninger. Kunstneren insisterede på, at maleriet skildrer sig selv i en alder af fem, at døren er en repræsentation af skillelinjen mellem den virkelige verden og drømmeverdenen, og dukken er en guide, der kan guide drengen gennem denne verden. Armene repræsenterer alternative liv eller muligheder. Maleriet steg frem i februar 2000, da det blev sat til salg på eBay med en baggrundshistorie, der sagde, at maleriet var "hjemsøgt". "Hands Resist Him" \u200b\u200bblev købt for $ 1025 af Kim Smith, som derefter blot blev oversvømmet med breve fra uhyggelige historier og kræver at brænde billedet.

Billedkunst er i stand til at give en hel række følelser. Nogle malerier får dig til at se på dem i timevis, mens andre bogstaveligt talt chokerer, forbløffer og eksploderer verdenssynet. Der er sådanne mesterværker, der får dig til at tænke og søge hemmelig betydning... Nogle malerier er indhyllet i mystiske gåder, mens i andre er det vigtigste deres uoverkommeligt høje pris.

Der er mange mærkelige billeder i verdensmaleriets historie. I vores vurdering vil jeg bevidst ikke nævne Salvador Dali, som var en mester i denne genre, og hvis navn først kommer til at tænke på. Og selv om selve begrebet mærkelighed er subjektiv, kan man udpege de berømte værker, der tydeligt skiller sig ud fra den generelle række.

Edvard Munch "Skriget". Arbejdet, der måler 91x73,5 cm, blev oprettet i 1893. Munch malede det i olier, pasteller og tempera; i dag opbevares maleriet i Oslo National Gallery. Kunstnerens skabelse er blevet et vartegn for impressionisme; det er generelt et af de mest berømte malerier i verden i dag. Munch selv fortalte historien om sin oprettelse: "Jeg gik ad stien sammen med to venner. På dette tidspunkt gik solen ned. Pludselig blev himlen blodrød, jeg holdt pause, følte mig udmattet og lænede mig på hegnet. Jeg så på blodet og flammerne over det blålige - en sort fjord og en by. Mine venner fortsatte, og jeg stod stadig, skælvende af ophidselse og følte en endeløs gråd gennemtrængende natur. " Der er to versioner af fortolkningen af \u200b\u200bden tegnede betydning. Vi kan antage, at den afbildede karakter er beslaglagt med rædsel og lydigt skrigende og presser hænderne mod ørerne. En anden version siger, at personen lukkede ørerne for skriget, der skreg omkring ham. I alt oprettede Munch så mange som 4 versioner af "Scream". Nogle eksperter mener, at dette maleri er en klassisk manifestation af den manisk-depressive psykose, som kunstneren led af. Da Munch blev behandlet på klinikken, vendte han aldrig tilbage til dette lærred.

Paul Gauguin "Hvor kom vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?" I Boston Museum of Fine Arts kan du finde dette impressionistiske arbejde, der måler 139,1 x 374,6 cm. Det blev malet i olie på lærred i 1897-1898. Dette dybe arbejde blev skrevet af Gauguin i Tahiti, hvor han trak sig tilbage fra stress og jag parisisk liv... Maleriet blev så vigtigt for kunstneren, at han i slutningen af \u200b\u200bdet endda ønskede at begå selvmord. Gauguin mente, at hun var den bedste på hovedet, som han havde skabt før. Kunstneren troede, at han ikke ville være i stand til at skabe noget bedre eller lignende, han havde simpelthen ikke mere at stræbe efter. Gauguin levede i yderligere 5 år og beviste sandheden af \u200b\u200bsine domme. Han sagde selv, at hans hovedbillede skal ses fra højre mod venstre. Der er tre hovedgrupper af figurer på den, som personificerer de spørgsmål, som lærredet har ret til. Tre kvinder med et barn viser begyndelsen på livet, i midten symboliserer folk modenhed, mens alderdom er repræsenteret af en ældre kvinde, der venter på hendes død. Det ser ud til, at hun er kommet til enighed med dette og tænker på noget selv. Ved hendes fødder er der en hvid fugl, der symboliserer ordets meningsløshed.

Pablo Picasso "Guernica". Picassos skabelse opbevares i Reina Sofia Museum i Madrid. Store billede i størrelse 349 x 776 cm malet i olie på lærred. Dette vægmaleri blev oprettet i 1937. Billedet fortæller om razziaen af \u200b\u200bfascistiske frivillige piloter på byen Guernica. Som et resultat af disse begivenheder blev byen med en befolkning på 6 tusind mennesker helt jævnet med jorden. Kunstneren skabte dette billede på bare en måned. I de tidlige dage arbejdede Picasso i 10-12 timer, i sine allerførste skitser var hovedideen allerede synlig. Som et resultat blev billedet en af \u200b\u200bde bedste illustrationer af alle fasmerne af fascisme, grusomhed og menneskelig sorg. I Guernica kan du se scenen med grusomhed, vold, død, lidelse og hjælpeløshed. Selvom årsagerne til dette ikke udtrykkeligt er angivet, er de tydelige fra historien. Det siges, at Pablo Picasso i 1940 endda blev indkaldt til Gestapo i Paris. Han blev straks spurgt: "Gjorde du det?" Som kunstneren svarede: "Nej, du gjorde det."

Jan van Eyck "Portræt af Arnolfini-parret". Dette maleri blev malet i 1434 i olie på træ. Mesterværkets dimensioner er 81,8x59,7 cm, og det opbevares i London National Gallery. Formentlig viser maleriet Giovanni di Nicolao Arnolfini sammen med sin kone. Værket er et af de sværeste i den vestlige malerskole under den nordlige renæssance. I denne berømt maleri et stort antal symboler, allegorier og forskellige spor. At der kun er kunstnerens signatur "Jan van Eyck var her". Som et resultat er maleriet ikke kun et kunstværk, men et ægte historisk dokument. Det viser trods alt rigtig begivenhedfanget af van Eyck. Dette billede i nyere tid blev meget populær i Rusland, for med det blotte øje er Arnolfinis lighed med Vladimir Putin synlig.

Mikhail Vrubel "Siddende dæmon". Tretyakov Gallery indeholder dette mesterværk af Mikhail Vrubel, malet af ham i olie i 1890. Lærredets mål er 114x211 cm. Den her beskrevne dæmon er overraskende. Han fremstår som en trist ungdom med langt hår... Normalt repræsenterer folk ikke onde ånder på den måde. Vrubel selv, om sit mest berømte maleri, sagde, at i hans forståelse er dæmonen ikke så meget en ond ånd som en lidende. Samtidig kan man ikke nægte ham autoritet og værdighed. Vrubels dæmon er først og fremmest et billede af den menneskelige ånd, der hersker i os i konstant kamp med os selv og tvivl. Denne skabning, omgivet af blomster, fangede tragisk hænderne, og dens enorme øjne kiggede desværre i det fjerne. Hele kompositionen udtrykker begrænsningen af \u200b\u200bdæmonens figur. Han ser ud til at være klemt inde i dette billede mellem toppen og bunden af \u200b\u200bbilledrammen.

Vasily Vereshchagin "Krigens apoteose". Billedet blev malet i 1871, men i det syntes forfatteren at forudse rædslerne i fremtidige verdenskrige. Lærredet, der måler 127x197 cm, opbevares i Tretyakov-galleriet. Vereshchagin betragtes som en af \u200b\u200bde bedste kampmalere i russisk maleri. Han skrev imidlertid ikke krige og kampe, fordi han elskede dem. Kunstner betyder visuel kunst forsøgte at formidle folk hans negative holdning til krigen. Engang lovede Vereshchagin endda ikke at male kampbilleder mere. Når alt kommer til alt tog maleren sorg for hver såret og dræbt soldat for tæt på sit hjerte. Resultatet af en sådan inderlig holdning til dette emne var "Krigens apotheose". Et forfærdeligt og fascinerende billede viser et bjerg af menneskelige kranier i et felt med krager rundt. Vereshchagin skabte et følelsesmæssigt lærred bag hver kraniet i en kæmpestor bunke spores historien og skæbnen for enkeltpersoner og mennesker tæt på dem. Kunstneren selv kaldte dette billede sarkastisk et stilleben, fordi det skildrer en død natur. Alle detaljer i "Apotheosis of War" råber om død og tomhed, det kan ses selv i den gule baggrund på jorden. Og himmelens blå understreger kun døden. Ideen om krigens rædsler understreges af kuglehuller og sabelmærker på kranierne.

Grant Wood "American Gothic". Det her lille billede har en størrelse på 74 x 62 cm. Den blev oprettet i 1930 og opbevares nu på Chicago Institute of Arts. Maleriet er et af de mest berømte eksempler Amerikansk kunst fra det sidste århundrede. Allerede i vores tid er navnet "American Gothic" ofte nævnt i medierne. Maleriet skildrer en ret dyster far og hans datter. Talrige detaljer fortæller om sværhedsgraden, puritanismen og forbeningen af \u200b\u200bdisse mennesker. De har utilfredse ansigter, aggressive pitchforks i midten, og parrets tøj er gammeldags selv efter datidens standarder. Selv sømmen på landmandens tøj følger formen af \u200b\u200ben gaffel og fordobler truslen mod dem, der krænker hans livsstil. Detaljerne i billedet kan studeres uendeligt og fysisk føle ubehag. Det er interessant, at billedet på et tidspunkt ved en konkurrence på Chicago Institute of the Arts blev accepteret af dommerne som humoristisk. Men folket i Iowa fornærmede kunstneren for at sætte dem i et så grimt perspektiv. Modellen for kvinden var Woods søster, men prototypen på den vrede mand var malers tandlæge.

Rene Magritte "Elskere". Maleriet blev malet i 1928 i olie på lærred. Der er dog to muligheder. På en af \u200b\u200bdem kysser en mand og en kvinde, kun deres hoveder er pakket ind i en hvid klud. I en anden version af billedet ser de elskende på seeren. Tegnet og forbløffet og tryllekunst. Figurer uden ansigter symboliserer kærlighedens blindhed. Det vides, at elskere ikke ser nogen rundt omkring, vi kan ikke se dem. sande følelser... Selv for hinanden er disse mennesker, blinde af følelse, faktisk et mysterium. Og selvom billedets hovedbudskab synes tydeligt, får "Elskere" dig stadig til at se på dem og tænke på kærlighed. Generelt i Magrittes værker er næsten alle malerier gåder, som er helt umulige at løse. Når alt kommer til alt rejser disse lærreder de vigtigste spørgsmål om meningen med vores liv. I dem taler kunstneren om den illusoriske karakter af det, vi ser, om det faktum, at der er mange mystiske ting omkring os, som vi prøver ikke at lægge mærke til.

Marc Chagall "Walk". Maleriet blev malet i olie på lærred i 1917, nu opbevares det i State Tretyakov Gallery. I sine værker er Marc Chagall normalt seriøs, men her tillod han sig at vise følelser. Maleriet udtrykker kunstnerens personlige lykke, det er fuld af kærlighed og allegorier. Hans "Walk" er et selvportræt, hvor Chagall portrætterede sin kone Bella ved siden af \u200b\u200bham. Hans valgte svæver op på himlen, hun er ved at trække kunstneren derhen, som allerede næsten har løftet sig op fra jorden og kun rører hende med skoens spidser. På den anden side af manden er en mejsen. Vi kan sige, at det er sådan, Chagall skildrede sin lykke. Han har en kran på himlen i form af en elsket kvinde og en tit i hænderne, som han mente sit arbejde med.

Hieronymus Bosch "Garden of Earthly Delights". Dette 389x220 cm lærred er gemt i det spanske museum Ret. Bosch malede et oliemaleri på træ i årene 1500-1510. Dette er den mest berømte Bosch triptykon, selvom billedet består af tre dele, er det opkaldt efter det centrale, dedikeret til vellystighed. Der er konstant debat omkring betydningen af \u200b\u200bet underligt billede, der er ingen sådan fortolkning af det, der ville blive anerkendt som den eneste korrekte. Interessen for triptykonen vises på grund af de mange små dele, hvorved hovedideen udtrykkes. Der er gennemsigtige figurer, usædvanlige strukturer, monstre, legemlige mareridt og visioner og helvede variationer af virkeligheden. Kunstneren var i stand til at se på alt dette med et skarpt og søgende øje efter at have formået at kombinere forskellige elementer i et enkelt lærred. Nogle forskere har forsøgt at se displayet på billedet menneskelivsom forfatteren har vist sig at være forgæves. Andre har fundet billeder af kærlighed, nogen har opdaget den vellystige triumf. Det er dog tvivlsomt, om forfatteren forsøgte at herliggøre kødelige fornøjelser. Når alt kommer til alt er figurerne af mennesker afbildet med kold løsrivelse og uskyld. Og kirkemyndighederne reagerede ganske positivt på dette billede af Bosch.

Gustav Klimt "Tre aldre af en kvinde". Dette maleri er placeret i Roman National Gallery of Modern Art. Det 180 cm brede firkantede lærred blev malet i olie på lærred i 1905. Dette maleri udtrykker både glæde og sorg på samme tid. Kunstneren i tre figurer kunne vise hele en kvindes liv. Den første, stadig et barn, er ekstremt ubekymret. En moden kvinde udtrykker fred, og den sidste alder symboliserer fortvivlelse. Hvor gennemsnitsalder organisk vævet ind i livsudsmykningen, og den gamle skiller sig ud mærkbart på baggrunden. Den klare kontrast mellem en ung kvinde og en ældre kvinde er symbolsk. Hvis livets blomstring ledsages af adskillige muligheder og ændringer, så er den sidste fase en indgroet konstans og konflikt med virkeligheden. Et sådant billede tiltrækker opmærksomhed og får dig til at tænke over kunstnerens hensigt, dens dybde. Det indeholder alt liv med dets uundgåelighed og metamorfoser.

Egon Schiele "Familien". Dette lærred måler 152,5x162,5 cm, malet i olie i 1918. Det opbevares nu i Wien Belvedere. Schieles lærer var Klimt selv, men eleven prøvede slet ikke at kopiere ham flittigt og ledte efter sine egne udtryksmetoder. Vi kan med sikkerhed sige, at Schieles værker er endnu mere tragiske, skræmmende og underlige end Klimt. Nogle elementer i dag vil blive kaldt pornografiske, der er mange forskellige perversioner her, naturalismen er til stede i al sin skønhed. Samtidig er malerierne bogstaveligt gennemsyret af en slags smertefuld fortvivlelse. Højdepunktet i Schieles kreativitet og sig selv sidste billede er "familie". I dette lærred bringes fortvivlelsen maksimalt, mens selve værket viste sig at være det mindst underlige for forfatteren. Efter at hans gravide kone Schiele døde fra den spanske influenza, og kort før hans død blev dette mesterværk skabt. Der gik kun 3 dage mellem de to dødsfald, de var nok for kunstneren til at skildre sig selv med sin kone og sit ufødte barn. På det tidspunkt var Schiele kun 28 år gammel.

Frida Kahlo "To Frida". Billedet blev født i 1939. Den mexicanske kunstner Frida Kahlo blev berømt efter frigivelsen af \u200b\u200ben film om hende med Salma Hayek i hovedrollen. Kunstnerens arbejde var baseret på hendes selvportrætter. Selv forklarede hun denne kendsgerning som følger: "Jeg skriver selv, fordi jeg bruger meget tid alene, og fordi jeg er det emne, jeg kender bedst." Det er interessant, at Frida ikke smiler i nogen af \u200b\u200bhendes malerier. Hendes ansigt er seriøst, endda noget sørgeligt. Fusionerede buskede øjenbryn og en knap mærkbar antenne over de komprimerede læber udtrykker den maksimale alvor. Maleriernes ideer ligger i figurerne, baggrunden og detaljerne i det, der omgiver Frida. Maleriets symbolik er baseret på de nationale traditioner i Mexico, tæt sammenflettet med den gamle indiske mytologi. "To Frida" er et af de bedste billeder af den mexicanske kvinde. I det original måde de maskuline og feminine principper vises med et enkelt kredsløb. Således viste kunstneren enhed og integritet af disse to modsætninger.

Claude Monet "Waterloo Bridge. Fog Effect". I St. Petersburg Hermitage kan du finde dette maleri af Monet. Det blev malet i olie på lærred i 1899. Ved nærmere undersøgelse af billedet ser det ud som en lilla plet med tykke streger påført det. Flytter væk fra lærredet, men seeren forstår al sin magi. For det første bliver obskure halvcirkler synlige, der passerer i midten af \u200b\u200bbilledet, og konturerne af både vises. Og fra en afstand på et par meter kan du allerede se alle elementerne i billedet, der er forbundet i en logisk kæde.

Jackson Pollock "nummer 5, 1948". Pollock er en klassiker af den abstrakte expressionismegenre. Hans mest berømte maleri er det dyreste i verden i dag. Og kunstneren malede det i 1948 og hældte bare oliemaling på fiberplade, der måler 240x120 cm på gulvet. I 2006 blev dette maleri solgt på Sotheby's for $ 140 millioner. Tidligere ejer, samler og filmproducent David Giffen solgte den til den mexicanske finansmand David Martinez. Pollock sagde, at han besluttede at bevæge sig væk fra sådanne velkendte kunstnerværktøjer som staffeli, maling og pensler. Hans værktøj var pinde, knive, scoops og hældende maling. Han brugte også en blanding af det med sand eller endda knust glas. Begynder at skabe. Pollock giver sig op til inspiration og ikke engang klar over, hvad han laver. Først da kommer erkendelsen af \u200b\u200bdet perfekte. Samtidig er kunstneren ikke bange for at ødelægge billedet eller ændre det utilsigtet - billedet begynder at leve sit eget liv. Pollocks opgave er at hjælpe hende med at blive født, komme ud. Men hvis mesteren mister kontakten med sin skabelse, bliver resultatet kaos og snavs. Hvis det lykkes, viser maleriet ren harmoni, nem modtagelse og legemliggørelse af inspiration.

Joan Miró "En mand og en kvinde foran en bunke ekskrementer." Dette maleri opbevares nu i kunstnerens samling i Spanien. Det blev malet i olie på et kobberark i 1935 på bare en uge fra 15. til 22. oktober. Skabelsens størrelse er kun 23x32 cm. På trods af et så provokerende navn taler billedet om borgerkrigens rædsler. Forfatteren selv skildrede således begivenhederne i disse år, der fandt sted i Spanien. Miro forsøgte at vise en periode med angst. På billedet kan du se den ubevægelige mand og kvinde, der ikke desto mindre er tiltrukket af hinanden. Lærredet er mættet med ildevarslende giftige blomster sammen med forstørrede kønsorganer, det ser bevidst modbydeligt og modbydeligt sexet ud.

Jacek Jerka "Erosion". I denne polske neo-surrealistes værker giver billeder af virkeligheden sammenflettede anledning til ny virkelighed... På nogle måder er selv berørende billeder ekstremt detaljerede. De mærker ekkoet fra fortidens surrealister, fra Bosch til Dali. Yerka voksede op i en atmosfære af middelalderlig arkitektur, der mirakuløst overlevede bombningen af \u200b\u200b2. verdenskrig. Han begyndte at tegne, selv inden han kom ind på universitetet. De forsøgte at ændre hans stil til en mere moderne og mindre detaljeret, men Yerka selv bevarede sin individualitet. I dag hans usædvanlige malerier udstilles ikke kun i Polen, men også i Tyskland, Frankrig, Monaco, USA. De findes i en række samlinger rundt om i verden.

Bill Stoneham "Hands Resist Him". Maleriet, der er malet i 1972, kan næppe kaldes en klassiker i maleriet. Der er dog ingen tvivl om, at hun er en af \u200b\u200bde mærkeligste kreationer af kunstnere. Maleriet skildrer en dreng, ved siden af \u200b\u200bham er en dukke, og mange palmer presses mod glasset bagfra. Dette lærred er mærkeligt, mystisk og noget mystisk. Det er allerede blevet tilgroet med legender. De siger, at på grund af dette billede døde nogen, og børnene på det lever. Hun ser virkelig uhyggelig ud. Det er ikke overraskende, at maleriet fremkalder frygt og uhyggelige fantasier for mennesker med en syg mentalitet. Stoneham forsikrede selv om, at han malede sig selv i en alder af 5 år. Døren bag drengen er barrieren mellem virkelighed og drømmeverdenen. Dukken er derimod en guide, der kan føre et barn fra en verden til en anden. På den anden side er hænder en persons alternative liv eller muligheder. Maleriet blev berømt i februar 2000. Det blev udbudt til salg på eBay og fortæller, at det har spøgelser. Som et resultat blev "Hands Resist Him" \u200b\u200bkøbt for $ 1.025 af Kim Smith. Snart blev køberen bogstaveligt talt oversvømmet med breve med skræmmende historierforbundet med maleriet og kravet om at ødelægge dette maleri.

Blandt de ædle kunstværker, der kun glæder øjet og forårsager positive følelser, der er mildt sagt malerier mærkelige og chokerende. Vi præsenterer dig for 20 malerier, tilhører børsten verdensberømte kunstnere, der får dig til at blive forfærdet ...

"Tab af sind over sagen"

Maleri, malet i 1973 Østrigsk kunstner Otto Rapp. Han skildrede et rådnende menneskehoved, sat på et fuglebur, der indeholder et stykke kød.

"Suspenderet levende neger"

Dante og Virgil i helvede

"Helvede"

"Den store røde drage og havmonsteret"

"Ånd af vand"

"Necronom IV"

"Skinning Marcia"

"St. Anthony's fristelse"

"Afskårne hoveder"

"Skrige"

"Marats død"

"Stilleben fra masker"

Gallowgate Lard

"Saturn fortærer sin søn"

"Judith dræber Holofernes"

"Mareridt"

"Massakren på de uskyldige"

"Undersøgelse af portrættet af Innocent X Velazquez"

"Garden of Earthly Delights"

Maleri, hvis du ikke tager højde for realisterne, har altid været, er og vil være underligt. Metaforisk, søger nye former og udtryk. Men nogle af de underlige billeder er mærkeligere end andre.

Nogle kunstværker ser ud til at ramme seeren i hovedet, forbavset og forbløffet. Nogle af dem trækker dig i tankerne og på jagt efter semantiske lag, hemmelig symbolik. Nogle malerier er dækket af hemmeligheder og mystiske gåder, og andre er overraskende til en ublu pris.

Det er klart, at "fremmedhed" er et ret subjektivt begreb, og hver har sine egne fantastiske billeder, der skiller sig ud fra en række andre kunstværker. For eksempel er Salvador Dalis værker, der helt falder i formatet på dette materiale og er de første, der kommer til at tænke på, med vilje ikke inkluderet i denne samling.

Salvador Dali

"En ung jomfru, der forkæler Sodoms synd med sin egen kyskheds horn"

1954

Edvard Munch "Skriget"
1893, pap, olie, tempera, pastel. 91x73,5 cm
Nationalgalleri, Oslo

Skriget betragtes som en milepælshændelse i ekspressionismen og et af de mest berømte malerier i verden.

”Jeg gik ad stien sammen med to venner - solen gik ned - pludselig blev himlen blodrød, jeg stoppede, følte mig udmattet og lænede mig på hegnet - jeg så på blodet og flammerne over den blåsorte fjord og by - mine venner gik videre, og jeg stod og skælvede af spænding og følte en endeløs gråd gennemtrængende natur ”, sagde Edvard Munch om maleriets historie.

Der er to fortolkninger af, hvad der er afbildet: det er helten selv, der er grebet med rædsel og lydigt skriger, presser hænderne mod ørerne; eller helten lukker ørerne for råb af fred og natur, der lyder rundt. Munch skrev 4 versioner af "The Scream", og der er en version, hvor dette billede er frugten af \u200b\u200bmanisk-depressiv psykose, som kunstneren led af. Efter et behandlingsforløb på klinikken vendte Munch ikke tilbage til arbejdet på lærredet.

Paul Gauguin "Hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?"
1897-1898, olie på lærred. 139,1x374,6 cm
Museum of Fine Arts, Boston

Et dybt filosofisk billede af den postimpressionistiske Paul Gauguin blev malet af ham i Tahiti, hvor han flygtede fra Paris. Efter afslutningen af \u200b\u200barbejdet ønskede han endda at begå selvmord, fordi "Jeg tror, \u200b\u200bat dette lærred ikke kun er bedre end alle mine tidligere, og at jeg aldrig vil skabe noget bedre eller lignende." Han levede i yderligere 5 år, og det skete.

Under ledelse af Gauguin selv skal maleriet læses fra højre mod venstre - tre hovedgrupper af figurer illustrerer spørgsmålene i titlen. Tre kvinder med et barn repræsenterer begyndelsen på livet; mellemgruppen symboliserer den daglige modenhed; i den sidste gruppe, ifølge kunstnerens idé, "en gammel kvinde, der nærmer sig døden, ser ud til at være forenet og helliget sine tanker", ved hendes fødder "repræsenterer en mærkelig hvid fugl ... ordets ubrugelighed."

Pablo Picasso "Guernica"
1937, lærred, olie. 349x776 cm
Reina Sofia Museum, Madrid

En kæmpe maleri-fresco "Guernica", malet af Picasso i 1937, fortæller om razziaen fra en frivillig enhed af Luftwaffe på byen Guernica, som et resultat af hvilken den seks tusinde by blev fuldstændig ødelagt. Billedet blev skrevet bogstaveligt om en måned - de første dage med arbejde på billedet, Picasso arbejdede i 10-12 timer, og allerede i de første skitser kunne man se hovedideen. Dette er en af \u200b\u200bde bedste illustrationer af fascismens mareridt såvel som menneskelig grusomhed og sorg.

Guernica præsenterer scener med død, vold, grusomhed, lidelse og hjælpeløshed uden at specificere deres umiddelbare årsager, men de er indlysende. Det siges, at i 1940 blev Pablo Picasso indkaldt til Gestapo i Paris. Foredraget vendte sig straks mod maleriet. "Gjorde du det?" - "Nej, du gjorde det."

Jan van Eyck "Portræt af Arnolfini-parret"
1434, træ, olie. 81,8x59,7 cm
London National Gallery, London

Portrættet, formodentlig af Giovanni di Nicolao Arnolfini og hans kone, er et af de mest komplekse værker fra den vestlige nordlige renæssanceskole.

Det berømte maleri er helt og fuldt fyldt med symboler, allegorier og forskellige referencer - helt op til underskriften "Jan van Eyck var her", som gjorde det ikke kun til et kunstværk, men til et historisk dokument, der bekræfter en reel begivenhed, der kunstneren deltog.

I Rusland i de senere år har maleriet vundet stor popularitet på grund af Arnolfinis portrætligner med Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Siddende dæmon"
1890, lærred, olie. 114x211 cm
Tretyakov Gallery, Moskva

Maleriet af Mikhail Vrubel overrasker med billedet af en dæmon. Den triste langhårede fyr ligner slet ikke den generelle menneskelige idé om, hvordan en ond ånd skal se ud. Kunstneren selv talte om sit mest berømte maleri: "dæmonen er ikke så meget en ond ånd som en lidende og sørgende ånd, med alt dette en dominerende, majestætisk ånd."

Dette er et billede af den menneskelige ånds styrke, indre kamp, \u200b\u200btvivl. Hænderne trængt sammen, sidder dæmonen med enorme, triste øjne rettet ud i det fjerne, omgivet af blomster. Kompositionen understreger tætheden af \u200b\u200bdæmonens figur, som om den er klemt ind mellem rammens øvre og nedre tværstænger.

Vasily Vereshchagin "Krigens apoteose"
1871, lærred, olie. 127x197 cm
State Tretyakov Gallery, Moskva

Vereshchagin er en af \u200b\u200bde vigtigste russiske kampmalere, men han malede krige og kampe ikke fordi han elskede dem. Tværtimod forsøgte han at formidle folk hans negative holdning til krigen. En gang udråbte Vereshchagin i følelsesvarmen: "Jeg vil ikke male flere kampbilleder - basta! Jeg tager det, jeg skriver, for tæt på mit hjerte, råber (bogstaveligt talt) sorgen for alle sårede og dræbte." Sandsynligvis var resultatet af denne udråbelse det forfærdelige og tryllekunstneriske maleri "Krigens apotheose", der viser et felt, krager og et bjerg af menneskelige kranier.

Billedet er skrevet så dybt og følelsesmæssigt, at bag hver kraniet, der ligger i denne bunke, begynder du at se mennesker, deres skæbne og skæbne for dem, der ikke vil se disse mennesker igen. Vereshchagin kaldte selv med trist sarkasme lærredet "stilleben" - det skildrer "død natur".

Alle detaljerne i maleriet, inklusive den gule farve, symboliserer død og ødelæggelse. Den klare blå himmel understreger billedets død. Ar fra sabler og kuglehuller på kranier udtrykker også ideen om "Apotheosis of War".

Grant Wood "American Gothic"
1930, olie. 74x62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago

"American Gothic" er et af de mest genkendelige billeder i amerikansk kunst fra det 20. århundrede, den mest berømte kunstneriske meme fra det 20. og 21. århundrede.

Maleriet med den dystre far og datter er fyldt med detaljer, der indikerer sværhedsgraden, puritanismen og retrogradeness hos de afbildede mennesker. Vrede ansigter, gaffelgange lige i midten af \u200b\u200bbilledet, gammeldags tøj, selv efter standarderne fra 1930, en udsat albue, sømmene på landmandens tøj, gentager formen på gaffel og derfor en trussel, der er rettet mod alle der griber ind. Alle disse detaljer kan undersøges uendeligt og ryste af uro.

Interessant nok opfattede dommerne for konkurrencen ved Art Institute of Chicago "gotisk" som en "humoristisk valentine", og beboerne i Iowa blev frygteligt fornærmet af Wood for at portrættere dem i et så ubehageligt lys.

Rene Magritte "Lovers"
1928, lærred, olie

Maleriet "Lovers" ("Lovers") findes i to versioner. På en af \u200b\u200bdem kysser en mand og en kvinde, hvis hoveder er pakket ind i en hvid klud, og på den anden side "ser" de på seeren. Billedet er overraskende og fascinerende. Med to figurer uden ansigter formidlede Magritte ideen om kærlighedens blindhed. Om blindhed i enhver forstand: elskere ser ikke nogen, vi ser ikke deres sande ansigter, og desuden er elskere et mysterium selv for hinanden. Men med denne tilsyneladende klarhed fortsætter vi stadig med at se på Magritte-elskere og tænke over dem.

Næsten alle Magrittes malerier er gåder, der ikke kan løses fuldt ud, da de rejser spørgsmål om selve essensen af \u200b\u200bat være. Magritte taler hele tiden om det synlige bedrag, om dets skjulte mysterium, som vi normalt ikke bemærker.

Marc Chagall "Walk"
1917, lærred, olie
State Tretyakov Gallery

Normalt skrev Marc Chagall, som er ekstremt seriøs i sit maleri, et dejligt manifest af sin egen lykke fyldt med allegorier og kærlighed.

"The Walk" er et selvportræt med sin kone Bella. Hans elskede svæver på himlen, og det blik trækker i flugt, og Chagall, der står usikkert på jorden, som om han kun rører hende med skoens tæer. Chagall har en mejsemus i sin anden hånd - han er glad, han har både en titmus i sine hænder (sandsynligvis hans maleri) og en kran på himlen.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights"
1500-1510, træ, olie. 389x220 cm
Prado, Spanien

Garden of Earthly Delights er den mest berømte triptykon af Hieronymus Bosch, opkaldt efter temaet for den centrale del, og er dedikeret til lystens synd. Til dato er ingen af \u200b\u200bde tilgængelige fortolkninger af billedet anerkendt som den eneste korrekte.

Den vedvarende charme og samtidig underlige i triptykonet ligger i den måde, kunstneren udtrykker hovedideen gennem mange detaljer. Billedet er overfyldt med gennemsigtige figurer, fantastiske strukturer, monstre, hallucinationer, der har fået kød, helvede karikaturer af virkeligheden, som han ser på med et sonderende, ekstremt skarpt blik.

Nogle videnskabsmænd ønskede at se et tredobbelt billede af menneskeliv gennem prismen af \u200b\u200bdets forfængelighed og billeder af jordisk kærlighed, andre - en triumf af vellystighed. Imidlertid er uskyld og en vis løsrivelse, som individuelle figurer fortolkes med, samt den gunstige holdning til dette arbejde fra kirkemyndighedernes side, tvivle på, at dets indhold kan være forherligelse af kropslige fornøjelser.

Gustav Klimt "Tre aldre af en kvinde"
1905, lærred, olie. 180x180 cm
Nationalgalleriet for moderne kunst, Rom

"Three Ages of a Woman" er både glad og trist på samme tid. Historien om en kvindes liv er skrevet i tre figurer i den: skødesløshed, fred og fortvivlelse. Den unge kvinde er organisk vævet ind i livets ornament, den gamle skiller sig ud fra hende. Kontrasten mellem det stiliserede billede af en ung kvinde og det naturalistiske billede af en gammel kvinde får en symbolsk betydning: den første fase af livet bringer uendelige muligheder og metamorfoser med sig, den sidste - uforanderlig konstant og konflikt med virkeligheden.

Lærredet giver ikke slip, klatrer ind i sjælen og får dig til at tænke på dybden af \u200b\u200bkunstnerens budskab såvel som på dybden og uundgåeligheden i livet.

Egon Schiele "familie"
1918, lærred, olie. 152,5x162,5 cm
Galleri "Belvedere", Wien

Schiele var elev af Klimt, men som enhver fremragende elev kopierede han ikke sin lærer, men ledte efter noget nyt. Schiele er meget mere tragisk, mærkelig og skræmmende end Gustav Klimt. I hans værker er der meget af det, der kan kaldes pornografi, forskellige perversioner, naturalisme og på samme tid smertefuld fortvivlelse.

"Familie" er hans sidste værk, hvor fortvivlelse føres til det absolutte, på trods af at det er hans mindst underlige udseende billede. Han tegnede hende lige før sin død, efter at hans gravide kone Edith døde af en spansk kvinde. Han døde i en alder af 28, kun tre dage efter Edith, efter at have formået at tegne hende, sig selv og deres ufødte barn.

Frida Kahlo "To Frida"
1939

Historien om den mexicanske kunstners Frida Kahlo's svære liv blev bredt kendt efter frigivelsen af \u200b\u200bfilmen "Frida" med Salma Hayek i hovedrollen. Kahlo skrev mest selvportrætter og forklarede det enkelt: "Jeg maler mig selv, fordi jeg bruger meget tid alene, og fordi jeg er det emne, jeg kender bedst."

Ikke et eneste selvportræt af Frida Kahlo smiler: et seriøst, endda sørgeligt ansigt, buskede øjenbryn smeltet sammen, en knap mærkbar antenne over tæt komprimerede læber. Idéerne med hendes malerier er krypteret i detaljer, baggrund, figurer, der vises ved siden af \u200b\u200bFrida. Kahlos symbolik er baseret på nationale traditioner og er tæt knyttet til den indianske mytologi fra den før-spanske periode.

I et af de bedste malerier - "To Fridas" - udtrykte hun de maskuline og feminine principper, der blev forenet i hende ved et enkelt kredsløbssystem, der demonstrerede hendes integritet. For mere information om Frida, se HER smukt interessant indlæg

Claude Monet "Waterloo Bridge. Tågeeffekt"
1899, lærred, olie
State Hermitage, Skt. Petersborg

Når man undersøger et billede fra en tæt afstand, ser seeren intet andet end lærredet, hvor hyppige tykke olieslag påføres. Al værkets magi afsløres, når vi gradvist begynder at bevæge os væk fra lærredet i større afstand.

Først begynder uforståelige halvcirkler, der går gennem midten af \u200b\u200bbilledet, at dukke op foran os, så ser vi de klare konturer af både, og når vi bevæger os væk i en afstand på ca. to meter, er alle forbindende værker skarpt trukket foran os og opstillet i en logisk kæde.

Jackson Pollock "nummer 5, 1948"
1948, fiberplade, olie. 240x120 cm

Det mærkelige ved dette billede er, at lærredet fra den amerikanske leder af abstrakt ekspressionisme, som han malede, spildte maling på et stykke fiberplade spredt på gulvet, er det dyreste maleri i verden. I 2006 på Sotheby's auktion betalte de 140 millioner dollars for det. David Giffen, filmproducent og samler, solgte den til den mexicanske finansmand David Martinez.

"Jeg fortsætter med at bevæge mig væk fra de sædvanlige kunstneres værktøjer som staffeli, palet og børster. Jeg foretrækker pinde, scoops, knive og hældende maling eller en blanding af maling med sand, knust glas eller noget andet. Når jeg er inde i at male Jeg er ikke klar over, hvad jeg gør. Forståelse kommer senere. Jeg er ikke bange for ændringer eller ødelæggelse af billedet, fordi billedet lever sit eget liv. Jeg hjælper det bare med at komme ud. Men hvis jeg mister kontakten med billedet, er det bliver rod og rod. Hvis ikke, så er det ren harmoni, letheden i, hvordan du tager og giver. "

Joan Miró "En mand og en kvinde foran en bunke ekskrementer"
1935, kobber, olie, 23x32 cm
Joan Miró Foundation, Spanien

Dejlig titel. Og hvem kunne tro, at dette billede fortæller os om borgerkrigens rædsler. Maleriet blev udført på et ark af kobber i ugen mellem 15. og 22. oktober 1935.

Ifølge Miro er dette resultatet af et forsøg på at skildre tragedien i den spanske borgerkrig. Miro sagde, at dette er et billede af en periode med angst.

Maleriet skildrer en mand og en kvinde, der når hinanden i en omfavnelse, men ikke bevæger sig. Forstørrede kønsorganer og ildevarslende farver er blevet beskrevet som "fuld af afsky og modbydelig seksualitet."

Jacek Jerka "Erosion"

Den polske nysurrealist er kendt over hele verden for sine fantastiske malerier, der kombinerer virkeligheder for at skabe nye.

Bill Stoneham "Hands Resist Him"
1972

Dette arbejde kan naturligvis næppe tælles blandt verdensmaleriets mesterværker, men det faktum, at det er underligt, er en kendsgerning.

Der er legender omkring maleriet med en dreng, en dukke og palmer presset mod glasset. Fra "på grund af dette billede dør" til "børn på det lever." Billedet ser virkelig uhyggeligt ud, hvilket giver anledning til en masse frygt og formodninger hos mennesker med en svag psyke.

Kunstneren insisterede på, at maleriet skildrer sig selv i en alder af fem, at døren er en repræsentation af skillelinjen mellem den virkelige verden og drømmeverdenen, og dukken er en guide, der kan guide drengen gennem denne verden. Hænderne repræsenterer alternative liv eller muligheder.

Maleriet steg frem i februar 2000, da det blev sat til salg på eBay med en baggrundshistorie, der sagde, at maleriet var "hjemsøgt".

"Hands resist him" blev købt for 1025 dollars af Kim Smith, som derefter simpelthen blev oversvømmet med breve med forfærdelige historier om, hvordan hallucinationer dukkede op, folk blev virkelig vanvittige på at se på værket og kræver at brænde billedet

Maleri, hvis du ikke tager højde for realisterne, har altid været, er og vil være underligt. Men nogle billeder er mærkeligere end andre.

Der er kunstværker, der ser ud til at ramme seeren i hovedet, forbavset og forbløffet.

Lyse side gennemgik nøje alle de vigtigste præstationer inden for verdensmaleri og valgte blandt dem to dusin af de mærkeligste malerier. Vi inkluderede bevidst ikke Salvador Dali i denne samling, hvis værker helt falder i formatet på dette materiale og er de første, der kommer til at tænke på.

Det er klart, at "fremmedhed" er et ret subjektivt begreb, og hver har sine egne fantastiske billeder, der skiller sig ud fra en række andre kunstværker. Vi vil være glade for, hvis du deler dem i kommentarerne og fortæller os lidt om dem.

"Skrige"

Edvard Munch. 1893, pap, olie, tempera, pastel.

Nationalgalleri, Oslo.

Det berømte maleri er fuldstændigt og fuldstændigt fyldt med symboler, allegorier og forskellige referencer - helt op til signaturen "Jan van Eyck var her", som gjorde billedet ikke kun til et kunstværk, men til et historisk dokument, der bekræfter virkeligheden af begivenheden, hvor kunstneren var til stede.

Portrættet, formodentlig af Giovanni di Nicolao Arnolfini og hans kone, er et af de mest komplekse værker fra den vestlige nordlige renæssanceskole.

I Rusland har maleriet i de sidste par år fået stor popularitet på grund af Arnolfinis portrætligner med Vladimir Putin.

"Dæmon sidder"

Mikhail Vrubel. 1890, lærred, olie.

Maleriet af Mikhail Vrubel overrasker med billedet af en dæmon. Hans triste udseende ligner slet ikke den generelle menneskelige idé om, hvordan en ond ånd skal se ud.

Dette er et billede af den menneskelige ånds styrke, indre kamp, \u200b\u200btvivl. Hænderne trængt sammen, sidder dæmonen omgivet af blomster og stirrer i det fjerne. Kompositionen understreger tætheden af \u200b\u200bhans figur, som om den er klemt ind mellem rammens øvre og nedre tværstænger.

Kunstneren selv talte om sit mest berømte maleri: "dæmonen er ikke så meget en ond ånd som en lidende og bedrøvet ånd, med alt dette en dominerende og majestætisk ånd."

"Apotheosis of War"

Vasily Vereshchagin. 1871, lærred, olie.
State Tretyakov Gallery, Moskva.

Krigets metafor på billedet formidles af forfatteren så præcist og dybt, at bag hvert kranium, der ligger i denne bunke, begynder du at se mennesker, deres skæbne og skæbne for dem, der aldrig vil se disse mennesker igen. Vereshchagin selv kaldte sarkastisk lærredet "stilleben" - det skildrer "død natur". Alle detaljerne i maleriet, inklusive den gule farve, symboliserer død og ødelæggelse. Den klare blå himmel understreger billedets dødelighed. Ar fra sabler og kuglehuller på kranier udtrykker også ideen om "Apotheosis of War".

Vereshchagin er en af \u200b\u200bde vigtigste russiske kampmalere, men han malede krige og kampe ikke fordi han så skønhed og storhed i dem. Tværtimod forsøgte kunstneren at formidle folk hans negative holdning til krigen.

En gang udråbte Vereshchagin i følelsesvarmen: "Jeg vil ikke male flere kampbilleder - basta! Jeg tager det, jeg skriver, for tæt på mit hjerte, råber (bogstaveligt talt) sorgen for alle sårede og dræbte." Sandsynligvis var resultatet af dette råb det forfærdelige og fortryllende billede "Krigens apotheose".

"Amerikansk gotisk"

Grant Wood. 1930, olie. 74 x 62 cm.

Art Institute of Chicago, Chicago.

Maleriet med dystre billeder af far og datter er fyldt med detaljer, der indikerer sværhedsgraden, puritanismen og tilbagegang hos de afbildede mennesker. Vrede ansigter, gaffelgange lige i midten af \u200b\u200bbilledet, tøj, der var gammeldags selv efter 1930-standarder, sømmene på landmandens tøj, gentager formen på en gaffel, som et symbol på en trussel, der er rettet til alle, der går ind . Lærredet er fuld af dystre detaljer, der får dig til at ryste fra ubehag.

"American Gothic" er et af de mest genkendelige billeder i amerikansk kunst fra det 20. århundrede, den mest berømte kunstneriske meme fra det 20. og 21. århundrede.

Interessant nok opfattede dommerne for konkurrencen ved Art Institute of Chicago "gotisk" som en "humoristisk valentine", og beboerne i Iowa blev frygteligt fornærmet af Wood for at portrættere dem i et så ubehageligt lys.

"Elskere"

Rene Magritte. 1928, lærred, olie.

Maleriet "Lovers" ("Lovers") findes i to versioner. På det ene lærred kysses en mand og en kvinde, hvis hoveder er pakket ind i en hvid klud, og på den anden side "ser" de på seeren. Billedet er overraskende og fascinerende.

Med to figurer uden ansigter formidlede Magritte ideen om kærlighedens blindhed. Om blindhed i enhver forstand: elskere ser ikke nogen, vi ser ikke deres sande ansigter, og desuden er elskere et mysterium selv for hinanden. Men med denne tilsyneladende klarhed fortsætter vi stadig med at se på Magritte-elskere og tænke over dem.

Næsten alle Magrittes malerier er gåder, der ikke kan løses fuldstændigt, da de rejser spørgsmål om selve essensen af \u200b\u200btilværelsen. Magritte taler hele tiden om det synlige bedrag, om dets skjulte mysterium, som vi normalt ikke bemærker.

"Spadseretur"

Marc Chagall. 1917, lærred, olie.
State Tretyakov Gallery.

Historien om den mexicanske kunstners Frida Kahlo's svære liv blev bredt kendt efter frigivelsen af \u200b\u200bfilmen "Frida" med Salma Hayek i hovedrollen. Kahlo skrev mest selvportrætter og forklarede det enkelt: "Jeg maler mig selv, fordi jeg bruger meget tid alene, og fordi jeg er det emne, jeg kender bedst."

Ikke et eneste selvportræt af Frida Kahlo smiler: et seriøst, endda sørgeligt ansigt, buskede øjenbryn smeltet sammen, en knap mærkbar antenne over tæt komprimerede læber. Kunstnerens ideer er krypteret i detaljer, baggrund, figurer, der vises ved siden af \u200b\u200bforfatterens billede på lærrederne. Kahlos symbolik er baseret på nationale traditioner og er tæt knyttet til den indianske mytologi fra den før-spanske periode.

I et af hendes bedste malerier, The Two Fridas, udtrykte hun de maskuline og feminine principper, forenet i hende ved et enkelt kredsløbssystem og demonstrerede hendes integritet.

"Waterloo Bridge. Tågeeffekt"

Claude Monet. 1899, lærred, olie.
State Hermitage Museum, Skt. Petersborg.

Dejlig titel. Og hvem ville have troet, at dette arbejde fortæller os om borgerkrigens rædsler.

Maleriet blev udført på et ark af kobber i ugen mellem 15. og 22. oktober 1935. Ifølge Miro er dette resultatet af et forsøg på at skildre tragedien i den spanske borgerkrig, et billede af en periode med uro. Lærredet skildrer figurerne af en mand og en kvinde, der strækker sig ud i hinanden i en omfavnelse, men samtidig ikke bevæger sig. Forstørrede kønsorganer og ildevarslende farver blev beskrevet af forfatteren som "fuld af afsky og modbydelig seksualitet."

"Erosion"

Den polske nysurrealist er kendt over hele verden for sine fantastiske malerier, der kombinerer virkeligheder, der skaber nye. Det er vanskeligt at overveje hans ekstremt detaljerede og til en vis grad rørende værker en efter en, men dette er formatet på vores materiale. Vi anbefaler, at du gør dig fortrolig.

"Hænder modstå ham"

Bill Stoneham. 1972.

Dette arbejde kan selvfølgelig ikke tælles med i verdensmaleriets mesterværker, men det faktum, at det er underligt, er en kendsgerning.

Der er legender omkring maleriet med en dreng, en dukke og palmer presset mod glasset. Fra "på grund af dette billede dør" til "børn på det lever." Billedet ser virkelig uhyggeligt ud, hvilket giver anledning til en masse frygt og formodninger hos mennesker med en svag psyke.

Kunstneren insisterede på, at maleriet skildrer sig selv i en alder af fem, at døren er en repræsentation af skillelinjen mellem den virkelige verden og drømmeverdenen, og dukken er en guide, der kan guide drengen gennem denne verden. Hænderne repræsenterer alternative liv eller muligheder.

Maleriet blev fremtrædende i februar 2000, da det blev sat til salg på eBay med en baggrundshistorie om, at maleriet var "hjemsøgt". "Hands Resist Him" \u200b\u200bblev købt for $ 1025 af Kim Smith, som derefter simpelthen blev oversvømmet med breve med forfærdelige historier og krav om at brænde billedet.