ประวัติของโรงละครย้อนกลับไปในสมัยกรีกโบราณเมื่อสองพันกว่าปีที่แล้ว ศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดมีต้นกำเนิดมาจากความบันเทิงอันน่าทึ่งสำหรับฉากเทศกาลของนักแสดงที่สวมชุด การแสดงเดิมกำหนดเวลาให้ตรงกับ Great Dionysius ซึ่งเป็นวันหยุดทางศาสนาที่ยิ่งใหญ่

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าตอนนี้โรงละครเป็นอะไรที่มากกว่าขบวนนักร้องชายสวมหนังแพะทั่วเมืองอย่างไม่ต้องสงสัย เขากลายเป็น ศิลปะชั้นสูง, วิถีสังคมชั้นสูงนันทนาการ, สถานที่แห่งการตรัสรู้ทางวัฒนธรรม. ประวัติของโรงละครเป็นกระบวนการพัฒนาที่น่าสนใจที่ดำเนินมาจนถึงทุกวันนี้ เราจะบอกผู้อ่านในบทความของเรา คุณจะพบข้อเท็จจริงที่น่าสนใจมากมายในเนื้อหาที่นำเสนอ เริ่มกันเลย

เริ่ม

เอเธนส์ในศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช อี การแสดงละครเป็นส่วนสำคัญของวันหยุดทางศาสนา ขบวนแห่กับรูปปั้นของ Dionysus มาพร้อมกับบทสวดที่ร่าเริงและการแสดงละคร เราสามารถพูดได้ว่าประวัติศาสตร์ของโรงละครเอเธนส์เริ่มเป็นการแสดงมือสมัครเล่นสำหรับ ในปริมาณที่น้อยผู้ชม ในขั้นต้นมีเพียงฉากโศกนาฏกรรมเท่านั้นที่จัดแสดงละครตลกเริ่มแสดงในภายหลัง เป็นที่น่าสังเกตว่าการแสดงตามกฎแล้วแสดงเพียงครั้งเดียว สิ่งนี้กระตุ้นให้ผู้เขียนสร้างงานที่เกี่ยวข้องและน่าสนใจ นักเขียนบทละครไม่เพียงแต่เขียนบทละครเท่านั้น เขายังเป็นผู้มีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ในการแสดง เล่นบทบาทของผู้กำกับ นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้นและแม้แต่นักแสดง โดยธรรมชาติแล้ว คนเหล่านี้เป็นคนที่มีความสามารถพิเศษ

แต่การเป็นนักร้องประสานเสียง (หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียง) ไม่จำเป็นต้องมีพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยม สิ่งที่พวกเขาต้องการคือเงินและการเชื่อมต่อกับเจ้าหน้าที่ของรัฐ ภาระกิจหลักคือจ่ายบิลให้ครบ วัสดุรองรับและการสนับสนุนโรงละคร ในสมัยนั้นเป็นสถานที่แข่งขัน คอเร็ก กวี และตัวเอกเป็นผู้ชนะ ผู้ชนะได้รับการสวมมงกุฎด้วยไม้เลื้อยและได้รับรางวัล พวกเขาได้รับชัยชนะจากการตัดสินของคณะลูกขุน

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือชาวโรมันโบราณเป็นแฟนตัวยงของความสมจริง การผลิตถือเป็นอุดมคติที่นักแสดงคุ้นเคยกับบทบาทนี้ 100% หากจำเป็น เขาต้องพร้อมที่จะตาย

โรงละครกรีกไม่มีหลังคา อันที่จริงผู้ชมและนักแสดงอยู่บนถนน ขนาดของโรงละครโบราณนั้นใหญ่มาก สามารถรองรับได้ตั้งแต่ 17 ถึง 44,000 คน ในตอนแรก แท่นไม้ใช้สำหรับที่นั่งของผู้ชม จากนั้นจึงปรับเนินหินธรรมชาติสำหรับโรงละคร และจากนั้นในศตวรรษที่สี่ก่อนคริสต์ศักราช e., สร้างโรงละครหิน.

คุณอาจจะสนใจที่จะรู้ว่ารัฐบาลที่เริ่มต้นด้วย Pericles ทำให้สามารถเยี่ยมชมโรงละครและเข้าร่วมกับความสวยงามได้แม้กระทั่งสำหรับพลเมืองที่ด้อยโอกาสทางการเงิน ในการทำเช่นนี้ แต่ละคนได้รับการจัดสรรเงินอุดหนุนสำหรับการเยี่ยมชมโรงละครหนึ่งครั้ง และสำหรับการเข้าชมสามครั้งในอนาคต

เรื่องราว โรงละครโบราณมีหนึ่ง ลักษณะเด่น: นักแสดงเล่นตามบทบาทโดยไม่ได้รับความช่วยเหลือจากการแสดงออกทางสีหน้า มันถูกแทนที่ด้วยหน้ากากทุกประเภท ซึ่งมักจะพิลึกพิลั่นมาก นักแสดงให้ความสนใจอย่างมากกับการเคลื่อนไหวของร่างกายเสื้อผ้า นักแสดงเป็นผู้ชายด้วยซ้ำ บทบาทผู้หญิง. พวกเขาครอบครองตำแหน่งที่มีสิทธิพิเศษในสังคมและได้รับการยกเว้นภาษี

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือ Livy Andronicus นักเขียนบทละครชาวโรมันโบราณ กลายเป็นบิดาของ "แผ่นเสียง" เครื่องแรกของโลก เขาถูกทิ้งไว้โดยไม่มีเสียง แต่ออกจากสถานการณ์โดยหาเด็กที่พูดแทนเขา

เงื่อนไขบางประการของโรงละครโบราณ

คำจำกัดความจำนวนมากที่ใช้ในโรงละครโบราณยังคงมีอยู่จนถึงปัจจุบัน พจนานุกรมคำศัพท์โบราณขนาดเล็กนำเสนอให้คุณสนใจด้านล่าง:

• วงออเคสตรา - ส่วนหนึ่งของโรงละครที่มีรูปร่างกลมมีทางเข้าสองทาง ออกแบบมาเพื่อการแสดงของคณะนักร้องประสานเสียงที่ไพเราะและไพเราะ ในโรงละครเอเธนส์มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 24 เมตร
• Skene เป็นสถานที่สำหรับเปลี่ยนเสื้อผ้า เดิมทีเป็นเต็นท์ธรรมดา แล้วต่อด้วยเศษเสี้ยว การตกแต่งฉาก เช่น ในพื้นหลัง
• Proskenium - โคโลเนดด้านหน้าสเคนี
• Paraskenium - สิ่งก่อสร้างหินด้านข้าง
• เวที - เนินเขาเหนือวงออเคสตราซึ่งนักแสดงเริ่มเล่นในสมัยโบราณ
• Ekkiklema เป็นแพลตฟอร์มมือถือที่ทำจากไม้ที่ให้คุณเปลี่ยนฉากและย้ายนักแสดงไปรอบ ๆ เวที
• Koturny - รองเท้าที่มีพื้นรองเท้าสูงชวนให้นึกถึงไม้ค้ำถ่อ ด้วยความช่วยเหลือของรองเท้าดังกล่าว นักแสดงจึงสูงขึ้น สง่างามมากขึ้น และคล้ายกับสิ่งมีชีวิตในตำนาน

ข้อเท็จจริงที่น่าทึ่งก็คือ ในกรุงโรมเองที่มีการพูดวลี "Finita la commedia" เป็นครั้งแรก

หุ่นเชิดในโรงละครโลก

ประวัติของโรงละครหุ่นกระบอกมีต้นกำเนิดในอียิปต์ ซึ่งนักบวชใช้หุ่นเชิดของเทพเจ้าโอซิริสเพื่อทำพิธีกรรม ในตอนแรก โรงละครหุ่นกระบอกเป็นเพียงพิธีกรรมและพิธีกรรม แต่ตอนนี้ ความหมายแฝงทางศาสนาได้จางหายไปแล้ว โรงละครหุ่นกระบอกสำหรับพิธีกรรมและพิธีกรรมที่มีชื่อเสียงมีอยู่ในหลายประเทศ: ญี่ปุ่น (บุนรากู), อินโดนีเซีย (วายัง), คาตาโลเนีย (เอล ปาสตอร์ส), เบลารุส (บาเตลิกา) และอื่นๆ

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครหุ่นกระบอกในอเมริกา โรงละครที่สร้างขึ้นในปี 1962 ภายใต้ชื่อ "Bread and the Doll" มีความโดดเด่น มีตุ๊กตากระดาษอัดขนาดยักษ์ เสียงหวือหวาทางการเมืองที่ชัดเจน และขนมปังแสนอร่อยที่ทางเข้า ปฏิสัมพันธ์ระหว่างนักแสดงและผู้ชมดังกล่าวเป็นสัญลักษณ์: การแสดงละครควรใกล้ชิดกับผู้คนมากที่สุด

ตุ๊กตามีขนาดและรูปลักษณ์แตกต่างกันไป มีนิ้วและถุงมือ ไม้เท้าและแผ่นจารึก หุ่นกระบอก และหุ่นกระบอกยักษ์ การเป็นนักแสดงในโรงละครหุ่นนั้นไม่ใช่เรื่องง่าย เพราะคุณจำเป็นต้องสามารถชุบชีวิตวัตถุที่ไม่มีชีวิตได้ โดยมีลักษณะและเสียงประกอบ

คุณลักษณะเฉพาะของโรงละครหุ่นกระบอกคือการเยาะเย้ยบางสิ่งบางอย่างการมีอยู่ของศีลธรรมองค์ประกอบการศึกษาในฉาก ไม่ว่าผู้ชมโรงละครหุ่นกระบอกจะอายุเท่าไหร่ เขาจะพบว่าไม่เพียงแค่มีบางสิ่งที่น่าหัวเราะ แต่ยังมีเรื่องให้นึกถึงด้วย บ่อยครั้งที่ฮีโร่ในโรงละครหุ่นกระบอกนั้นไม่สวย แม้แต่ตัวละครที่น่าเกลียด เช่น เฟรนช์โอเพ่นที่มีจมูกติดยา

คุณคงสนใจที่จะรู้ว่านักแสดงไม่ใช่คนรวยเสมอไป ในประวัติศาสตร์ของโรงละครหุ่นกระบอกในอเมริกา มีข้อเท็จจริงที่ผู้ชมละครสามารถเห็นการผลิตเพื่อแลกกับอาหาร

ละคร

ประวัติของโรงละครมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ นี้เป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะ ควบคู่ไปกับละครหุ่น ละครใบ้ โอเปร่า และบัลเล่ต์ ลักษณะเด่นที่สำคัญของละครเวทีคือการกระทำของนักแสดงรวมกับคำพูดที่เขาพูด การกล่าวสุนทรพจน์ได้รับความสนใจเป็นพิเศษในประเภทที่หลากหลายนี้ พื้นฐานของการแสดงละครคือการเล่น ในกระบวนการแสดง ด้นสดได้ การกระทำอาจรวมถึงการเต้น การร้องเพลง การเล่นจะขึ้นอยู่กับ งานวรรณกรรม. ล่ามหลักของบทละครหรือบทคือผู้กำกับ

ที่น่าทึ่งมากคือข้อเท็จจริงที่ว่าคนงานในโรงละครเชื่อว่าการวางบทไม่ดี หากเกิดปัญหานี้ขึ้น ท่านต้องนั่งบนนั้นอย่างแน่นอน

การเกิดขึ้นของประเพณีการแสดงละครในประเทศ

ประวัติของโรงละครในรัสเซียแบ่งออกเป็นขั้นตอน:

• เริ่มต้น ("ขี้เล่น")
• เฉลี่ย.
• ผู้ใหญ่

เวทีขี้เล่น

เช่นเดียวกับในกรุงโรมโบราณ ประวัติของโรงละครในรัสเซียเริ่มต้นจากการยึดครองที่ไม่จริงจังนัก การแสดงละครเรียกว่า "สนุก" และการแสดง - "เกม" การกล่าวถึงเรื่องตลกครั้งแรกเกิดขึ้นในปี 1068 อันที่จริง ไม่ว่าใครก็สามารถเป็นนักแสดงที่สนุกสนานได้ จากมุมมองของศาสนา การกระทำของควายนั้นน่าละอาย ในพงศาวดารพวกเขาถูกเรียกว่าผู้รับใช้ของมารและการเยาะเย้ยการเสียดสีและการปลอมแปลงเป็นบาป คริสตจักรไม่ต้อนรับถ้อยคำที่คมชัด อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้หยุดใครโดยเฉพาะ

Buffoonery ไม่ถือว่าเป็นศิลปะที่น่าพอใจสำหรับเจ้าหน้าที่ในทางตรงกันข้ามธีมทางสังคมที่คมชัดของการละเล่นการเยาะเย้ยข้อบกพร่องที่ทันสมัยทำให้นักแสดงเป็นอันตรายและเป็นอันตราย แต่คนชอบดูและหัวเราะเยาะการแสดงควาย อย่างไรก็ตาม ควรเข้าใจว่าโรงละครคลาสสิกอย่างที่เราทราบกันดีอยู่แล้ว ไม่ได้เติบโตจากฉากตัวตลกเหล่านี้ แต่เป็นอิสระจากพวกเขา

เวทีกลาง

ขั้นตอนต่อไปในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียอยู่ตรงกลางระหว่างขี้เล่นและเป็นผู้ใหญ่ ในระยะนี้ข้าราชบริพารและ โรงละครโรงเรียน. ในเวลานั้นซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชปกครองนักแสดงของโรงละครศาลเป็นชาวต่างชาติโรงละครของโรงเรียนเป็นนักเรียน หลังจากการตายของ Alexei Mikhailovich กิจกรรมของโรงละครในศาลถูกระงับจนกว่า Peter I จะเข้าสู่อำนาจ เขาปฏิบัติต่อ "แว่นตา" ในเชิงบวก แต่นอกเหนือจากความบันเทิงแล้วเขายังได้รับหน้าที่โฆษณาชวนเชื่ออีกด้วย ในปี ค.ศ. 1702 โรงละครสำหรับคนทั่วไปได้ปรากฏตัวขึ้น - โรงละครสาธารณะ อาคารของมันถูกเรียกว่า "วัดตลก" ซึ่งแสดงโดยคณะเยอรมัน ผู้คนไม่ยอมรับโรงละครแห่งนี้ แม้ว่าปีเตอร์ที่ 1 จะไม่บรรลุเป้าหมาย แต่ก็ไม่ได้ทำให้โรงละครเป็นสถานที่โปรดของผู้คน สาธารณะและเป็นที่นิยม แต่เขาได้วางข้อกำหนดเบื้องต้นที่จำเป็นทั้งหมดสำหรับเรื่องนี้

เวทีผู้ใหญ่ในประวัติศาสตร์ศิลปะการละคร

ช่วงเวลานี้ในประวัติศาสตร์ของการสร้างโรงละครในรัสเซียเป็นสิ่งสำคัญที่สุด ในขั้นตอนนี้ โรงละครเริ่มได้รับคุณลักษณะที่คุ้นเคยกับคนสมัยใหม่ และเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในชุมชนมืออาชีพที่จริงจัง วันที่ 30 สิงหาคม พ.ศ. 2299 เริ่มเปิดการแสดง คือ โรงละครอิมพีเรียล วันเดียวกันคือวันก่อตั้งโรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มันเกิดขึ้นภายใต้ Elizabeth Petrovna

คุณสมบัติของโรงละครในเวลานั้นคือการมีส่วนร่วมในการผลิตของทั้งชาวรัสเซียและ ศิลปินต่างประเทศ. ในขั้นตอนนี้เองที่การแสดงบทบาทได้รับความไว้วางใจเป็นครั้งแรกไม่เพียง แต่สำหรับผู้ชายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้หญิงด้วย Catherine II ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับโรงละครภายใต้เธอมีคณะสามคนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเงินจำนวนมหาศาลถูกใช้ไปในการพัฒนาอุตสาหกรรมนี้

นอกจากการพัฒนาของรัฐแล้ว Catherine ยังให้ความสนใจกับโรงละครส่วนตัวของชนชั้นสูงเช่นโรงละคร Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev แม้แต่ในต่างจังหวัด ก็มีการสร้างกองทหารของเจ้าของบ้านเอง โรงละครรัสเซียกำลังถูกสร้างขึ้น ได้แก่ การผลิตตามแบบจำลองของเพื่อนร่วมงานชาวฝรั่งเศส ที่หัวหน้าโรงเรียนการแสดงฝรั่งเศสคือ I. A. Dmitrevsky ผู้ซึ่งเลี้ยงดูนักแสดงที่ยอดเยี่ยมมากกว่าหนึ่งรุ่น

เธอรู้รึเปล่า?

เรานำเสนอให้ผู้อ่านบางส่วนเพิ่มเติม สาระน่ารู้จากประวัติศาสตร์ศิลปะการละคร

ในช่วงเวลาที่พุชกินยังมีชีวิตอยู่ โรงภาพยนตร์ในรัสเซียไม่ได้นั่งอย่างสมบูรณ์ แถวหลังถูกครอบครองโดยผู้คนที่ยืนหยัดตลอดการแสดง

การแสดงครั้งสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะการละครรัสเซียคือ "พง" โดย D. I. Fonvizin ซึ่งกลายเป็นความพยายามครั้งแรกในการเยาะเย้ยเจ้าหน้าที่ ขุนนาง ตัวละครทั่วไปของศตวรรษที่ 18 สตาโรดูมะ ( ตัวละครบวก) เป็นคนแรกที่เล่นเพียง Dmitrevsky ที่กล่าวถึงข้างต้น

ในปี ค.ศ. 1803 โรงละครของจักรวรรดิถูกแบ่งออก ดราม่าและ คณะดนตรีโอเปร่าและบัลเลต์เป็นส่วนหนึ่งของละครเพลง การปกครองของโรงเรียนฝรั่งเศสในการเล่นบนเวทีรัสเซียกินเวลาจนถึงศตวรรษที่ 19 ตอนนั้นเองที่โรงละครรัสเซียก็ลุกขึ้นยืนและเดินไปตามทางของตัวเอง ประสบการณ์ที่ได้รับกลายเป็นฐานที่ดีและการค้นพบนักแต่งเพลงนักแสดงนักเต้นชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์ได้ยกระดับโรงละครให้อยู่ในระดับสูง

P.N. Arapov เป็นคนแรกที่อธิบายประวัติศาสตร์ทั้งหมดของโรงละครรัสเซียในสารานุกรมเล่มเดียว - "พงศาวดารของโรงละครรัสเซีย" นิตยสารละครและนักวิจารณ์มืออาชีพปรากฏขึ้น ดังนั้นการพัฒนาโรงละครจึงเป็นแรงผลักดันให้กับวรรณคดีรัสเซีย

โรงละครที่มีชื่อเสียงที่สุดในมอสโก

ประวัติของโรงละครบอลชอยเริ่มต้นเมื่อวันที่ 28 มีนาคม พ.ศ. 2319 ในวันนี้ในกรุงมอสโกที่จักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 ได้ลงนามใน "สิทธิพิเศษ" สำหรับเจ้าชายปีเตอร์ Urusov ทำให้เขาสามารถดูแลโรงละครได้เป็นเวลาสิบปี มันถูกเรียกในตอนแรกว่าโรงละครเปตรอฟสกี (เพื่อเป็นเกียรติแก่ถนนที่ทางเข้าไป) ในปี ค.ศ. 1805 อาคารถูกไฟไหม้จนหมด สถาปนิก Osip Bove ได้สร้างขึ้น โครงการใหม่. ในปี พ.ศ. 2363 เริ่มก่อสร้างเป็นเวลา 5 ปี

โรงละครที่สร้างขึ้นมีขนาดใหญ่ขึ้น จึงเป็นที่มาของชื่อ อาคารที่สวยงาม กลมกลืน และมั่งคั่งนี้สร้างความพึงพอใจให้ชาวมอสโกจนถึง พ.ศ. 2396 เมื่อเกิดเพลิงไหม้ครั้งที่สอง คราวนี้ อัลเบิร์ต คาโวสมอบหมายให้สถาปนิกสร้างใหม่ โรงละครได้รับการบูรณะแล้วในปี พ.ศ. 2399 โรงละคร Imperial Bolshoi มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงไปทั่วโลกด้วย: มีระบบเสียงที่ยอดเยี่ยม ในปีพ.ศ. 2460 หลังการปฏิวัติ เปลี่ยนชื่อเป็นโรงละคร State Bolshoi การตกแต่งเสริมด้วยสัญลักษณ์โซเวียต

เขาได้รับบาดเจ็บสาหัสในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติโดยวางระเบิด อาคารถูกสร้างขึ้นใหม่อีกครั้ง จนถึงปี พ.ศ. 2530 อาคารได้รับการซ่อมแซมเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ตอนนี้โรงละครบอลชอยเป็นอาคารที่มี ฉากใหม่ที่คุณสามารถใช้เอฟเฟกต์ที่ทันสมัยได้ ในขณะเดียวกัน ก็รักษาจิตวิญญาณของสถาปัตยกรรมคลาสสิก อะคูสติก "เอกลักษณ์" ของมัน ซึ่งทำให้มีสิทธิ์ได้รับการพิจารณาให้เป็นหนึ่งในโรงละครที่ดีที่สุดในโลก นี่คือประวัติศาสตร์ของโรงละครบอลชอย

และสุดท้าย ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจอีกอย่างหนึ่งก็คือ ภาพยนตร์ที่ถ่ายทำทั้งหมดหรือบางส่วนในโรงภาพยนตร์: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black swan", "The Puppeteer", "A Terribly Big Adventure" , "เช็คสเปียร์อินเลิฟ", "ฆาตกรรมในเมืองเล็กๆ", "ท่าเรือออร์เฟฟร์"

ประวัติของโรงละคร (ละครและประเภทอื่น ๆ ของศิลปะนี้) จะยังคงพัฒนาต่อไป เนื่องจากความสนใจในโรงละครยังคงไม่เปลี่ยนแปลงมากว่าสองพันปี

สำหรับใคร ผู้ชายสมัยใหม่โรงละครได้กลายเป็นส่วนสำคัญของกิจกรรมทางวัฒนธรรมที่วางแผนไว้ และหลายคนสนใจประวัติศาสตร์การเกิดขึ้นของโรงละครเพราะมีช่วงที่โรงละครไม่มี? มันเป็นเรื่องยากที่จะจำเมื่อถึงเวลาเพราะโรงละครแห่งแรก ๆ ปรากฏในชุมชนดึกดำบรรพ์

ในช่วงเวลาอันห่างไกลเหล่านั้น ผู้คนยังคงไม่เข้าใจว่าทำไมฝนตก ทำไมจู่ๆ ก็เย็นลง และทำไมพวกเขาถึงมีความผิดต่อหน้าองค์ผู้ทรงมหิทธิฤทธิ์ที่ส่งหิมะหรือฝนตกหนัก เพื่อไม่ให้เกิดอันตราย พวกเขาจึงพยายามจัดพิธีการละครก่อนงานสำคัญแต่ละงาน ข้อมูลเกี่ยวกับเหตุการณ์ดังกล่าวทำให้เรามีโอกาสเข้าใจว่าโรงละครมีลักษณะอย่างไร และเหตุใดจึงให้ความสนใจอย่างมากกับโรงละคร

จากดั้งเดิมสู่สมัยใหม่

แน่นอนว่าโรงละครดั้งเดิมไม่เหมือน โปรดักชั่นร่วมสมัย. ไม่มีคำถามเกี่ยวกับความเป็นมืออาชีพหรือความสามารถที่นี่ ผู้คนพยายามแสดงละครตามความรู้สึก โดยใส่จิตวิญญาณและประสบการณ์ทั้งหมดลงในงานแต่ละงาน พวกเขาเชื่ออย่างจริงใจว่ายิ่งพวกเขาสามารถแสดงความทุ่มเททางอารมณ์ได้มากเท่าไร การเก็บเกี่ยวก็จะยิ่งดีขึ้น เป็นต้น ทั้งหมดนี้มาพร้อมกับดนตรีและเพลงกลอนสด

ต่อมาบางแห่งในสหัสวรรษที่สามก่อนคริสต์ศักราช ในอียิปต์มีการแสดงละครที่จัดขึ้นเกี่ยวกับผู้อุปถัมภ์ของช่างฝีมือและเกษตรกรแล้ว กรีซกลายเป็นแหล่งกำเนิดของการแสดงคาร์นิวัลซึ่งจัดขึ้นในที่โล่งเป็นหลัก โรงละครพื้นบ้านได้รับความนิยมที่นี่ นักแสดงมักต้องสวมหน้ากาก

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ในช่วงเวลานี้การแสดงตลกเป็นหลัก พวกเขาถูกจัดแสดงในจัตุรัสกลางเมือง และผู้คนมากมายมารวมตัวกันเพื่อชมการแสดง

ที่ไหนสักแห่งในปลายศตวรรษที่ 16 - ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 โลกรู้จักโอเปร่าและต่อมาในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ก็ปรากฏขึ้นละครโอเปร่าชุดแรกปรากฏขึ้นเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ 19

ผลงานของปีที่ผ่านมาในวันนี้

เมื่อพูดถึงโรงละครแห่งศตวรรษที่ 18 และ 19 เรากำลังพูดถึงการแสดงและการผลิตที่นักแสดงที่มีพรสวรรค์เข้ามามีส่วนร่วม พวกเขาถูกจัดฉากและตัวโรงละครเองก็แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากยุคดึกดำบรรพ์และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดังนั้นตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 การผลิตบัลเล่ต์ The Nutcracker อันงดงามก็มาถึงเรา และในสมัยนั้นและตอนนี้ก็ไม่สามารถใช้ได้กับทุกคน นี่เป็นเพราะความนิยมอย่างมากในการผลิต หากก่อนหน้านี้มีเพียงสตรีและสุภาพบุรุษผู้สูงศักดิ์เท่านั้นที่สามารถซื้อความหรูหราเช่นโรงละครได้ทุกวันนี้ทุกคนมีให้ทุกคน แม้จะมีโฆษณาเกี่ยวกับตั๋ว แต่ผู้คนยังคงหาวิธีอื่นในการซื้อตั๋ว ตัวอย่างเช่น คุณสามารถสั่งซื้อได้บนเว็บไซต์ของเรา วิธีนี้จะช่วยให้คุณไม่ต้องรอคิวและสถานการณ์ที่ไม่พึงประสงค์ที่คาดไม่ถึง

วันนี้โรงละครมีรูปลักษณ์ที่แตกต่างออกไป ได้กลายเป็นสัญลักษณ์และความภาคภูมิใจในทุกประเทศ ตระการตาทางสถาปัตยกรรม การออกแบบตกแต่ง และห้องโถงกว้างขวาง ภาพเหมือนของกวี ผู้กำกับ และผู้สร้างสรรค์ละครเวที มักจะประดับประดาห้องโถงเสมอ บน ฉากร่วมสมัยเรามักจะเห็นการแสดงที่จัดแสดงเป็นครั้งแรกภายใต้ซาร์ ใช่ พวกเขาได้รับการปรับเปลี่ยนบางอย่าง บางทีอาจมีการปรับเปลี่ยนเพิ่มเติม เหตุการณ์จริงและผู้กำกับศิลป์บางแห่งตัดสินใจที่จะเพิ่มดนตรีประกอบโดยผสมผสานโอเปร่ากับบัลเล่ต์ แต่ถึงกระนั้นสิ่งนี้ก็ยังยืนยันอีกครั้งว่าโรงละครเคยเป็นอดีตมาโดยตลอดและในอนาคตจะดึงดูดความสนใจของผู้ชมแม้ว่าจะมีการแสดงบนเวทีของศตวรรษที่ผ่านมา - นี่คือประวัติศาสตร์ของเราและ สำหรับหลาย ๆ คนมันเป็นองค์ประกอบที่สำคัญของการก่อตัวของวัฒนธรรมและประเพณี

ผู้ชายสมัยใหม่มักประเมินโรงละครต่ำไป ทำให้เขาเลือกชมภาพยนตร์แทน อย่างไรก็ตาม มีเพียงเล็กน้อยที่สามารถนำมาเปรียบเทียบกับศิลปะการละคร โรงละครรัสเซียมาไกลจากการพัฒนาจนได้รับตำแหน่งหนึ่งในโรงละครที่ดีที่สุดในโลก ขอเชิญทุกท่านร่วมรำลึกถึงประวัติศาสตร์การสร้างสรรค์ร่วมกับเรา

ในรัสเซีย ศิลปะการละครเริ่มพัฒนาช้ากว่าประเทศในยุโรปและเอเชียส่วนใหญ่ แต่ในขณะเดียวกัน ตัวตลกที่ให้การแสดงเช่นเดียวกับนักดนตรีข้างถนนที่เล่าเรื่องมหากาพย์และตำนานได้ไปเที่ยวดินแดนของรัสเซียสมัยใหม่

ผู้สร้าง แรก,อาจกล่าวได้ว่าเป็นโรงละครมืออาชีพที่เรียกว่า "คฤหาสน์ตลก"ถือว่าเป็นหนึ่งในกษัตริย์องค์แรกของราชวงศ์ โรมานอฟ อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช. อย่างไรก็ตาม หลังจากที่เขาเสียชีวิต คริสตจักรไม่พอใจคณะนักร้องประสานเสียง ได้ทำลายโรงละคร

ในช่วงเวลาเดียวกัน เจ้าของที่ดินที่มั่งคั่งเริ่มสร้างโรงละครของตนเองซึ่งมีการเล่นเซิร์ฟ ผู้อุปถัมภ์อย่างจริงจังของโรงละครคือ Peter I. โดยที่ จักรพรรดิรัสเซียเรียกร้องให้การแสดงเป็นภาษารัสเซียและ "ไม่ซีเรียสเกินไป ไม่ตลกเกินไป ไม่มีเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ และจะไม่เศร้าเกินไป"

หลังจากการเสียชีวิตของปีเตอร์ ศิลปะการละครก็หยุดรับการสนับสนุนจากผู้ปกครอง และหลังจากขึ้นสู่อำนาจแล้วเท่านั้น Anna Ioannovnaมันได้รับเงินอุดหนุนจากรัฐอีกครั้ง

ประวัติความเป็นมาของการสร้าง โรงละครของรัฐ ในรัสเซียตามที่ผู้เชี่ยวชาญส่วนใหญ่เริ่มด้วยการจัดตั้งพวกผู้ดี นักเรียนนายร้อยที่ซึ่งสตูดิโอโรงละครแห่งแรกจัดขึ้นและลูกหลานของขุนนางได้รับการสอนศิลปะการแสดง ในเวลาเดียวกันโรงละครมืออาชีพแห่งแรกในรัสเซียก็ปรากฏตัวขึ้น ยาโรสลาฟล์บนพื้นฐานของคณะพ่อค้า Fyodor Volkov

กับเวลา โรงละครรัสเซียปรับปรุงและได้รับแฟน ๆ จากกลุ่มต่าง ๆ ของประชากร

โรงละครบอลชอย: ประวัติศาสตร์แห่งการสร้างสรรค์

โรงละครบอลชอยซึ่งตั้งอยู่ใจกลางกรุงมอสโก ได้รับการขนานนามว่าเป็นวิหารแห่งศิลปะและโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงระดับโลก เป็นที่น่าสังเกตว่าโรงละครบอลชอยมี "วันเกิด" สองวัน - มีนาคม พ.ศ. 2319 และมกราคม พ.ศ. 2395 แต่วันแรกก็ถือเป็นวันที่ยอมรับโดยทั่วไป

ในขั้นต้นโรงละครบอลชอยถูกสร้างขึ้นบนจัตุรัสเปตรอฟสกีและถูกเรียกว่าเปตรอฟสกี ผู้ก่อตั้งโรงละครคือ Prince Pyotr Vasilyevich อูรูซอฟซึ่งได้รับอนุญาตสูงสุดจาก Catherine II เกี่ยวกับเนื้อหาคอนเสิร์ต การแสดงละคร และหน้ากาก

น่าเสียดายที่โรงละคร Petrovsky ถูกไฟไหม้ก่อนที่มันจะเปิดซึ่งทำให้ตำแหน่งของ Urusov แย่ลงไปอีก เจ้าชายทรงมอบพระราชกรณียกิจให้ชายชาวอังกฤษ มิคาเอล เมดอกซ์ผู้เป็นสหายของเขามาช้านาน โรงละครเปตรอฟสกีแห่งเมด็อกซ์ตั้งอยู่มายี่สิบห้าปี ในระหว่างนั้นก็มีไฟไหม้ซ้ำแล้วซ้ำเล่าและประสบอุทกภัย

จากนั้นในปี พ.ศ. 2364 การก่อสร้างอาคารพื้นฐานสำหรับโรงละครบอลชอยเริ่มขึ้นตามการออกแบบของอังเดร มิคาอิโลวาและโอซิป beauvaisซึ่งกินเวลาสี่ปี

ตั้งแต่นั้นมา แม้จะเกิดสงคราม ไฟไหม้ และภัยพิบัติอื่นๆ ก็ตาม โรงละครแปดเสาที่มีรถม้าของ Apollo ตั้งตระหง่านเหนือมุข ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการเคลื่อนไหวนิรันดร์ของชีวิตและศิลปะในใจกลางเมืองหลวง

อาคารโรงละครบอลชอยภายในมีความงดงามไม่น้อยไปกว่าภายนอก หอประชุมห้าชั้น, เวทีใหญ่, อะคูสติกที่น่าทึ่ง, ภาพจิตรกรรมฝาผนังบนเพดาน, ปูนปั้นปิดทอง, โคมระย้าคริสตัลหลายชั้น ขนาดใหญ่และความสง่างามอื่น ๆ ของการตกแต่งโรงละคร Bolshoi มากกว่าหนึ่งครั้งทำให้จินตนาการและเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักเขียนบทละครนักแสดงนักเต้นนักร้องนักแต่งเพลงและนักดนตรี

ดาราของนักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ นักร้อง ผู้ออกแบบท่าเต้น นักดนตรี นักแต่งเพลง นักแสดง และตัวแทนอื่นๆ ของอาชีพที่สร้างสรรค์ได้จุดไฟขึ้นบนเวทีของโรงละครบอลชอย นอกจากนี้ ศิลปินต่างชาติผู้ยิ่งใหญ่ได้รับการปฏิบัติด้วยความกังวลใจเป็นพิเศษต่อข้อเสนอให้แสดงที่โรงละครบอลชอย

นักแสดงคนแรกคือ Greek Thesipus ผู้ชนะการแข่งขันกวีเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus

ในศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช ชาวโรมันซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากโรงละครกรีก ได้สร้างละครกรีกโบราณในเวอร์ชันของตนเองและแสดงบนเวทีอย่างกะทันหัน นักแสดงในการแสดงเหล่านี้เป็นทาส อนุญาตให้ผู้หญิงเล่นเท่านั้น บทบาทรอง. ในขณะที่โรงละครโรมันต้องแข่งขันเพื่อเรียกร้องความสนใจจากผู้ชมที่คุ้นเคยกับการต่อสู้ของนักสู้ การประหารชีวิตในที่สาธารณะ และการแข่งขันรถม้า บทละครจึงเพิ่มฉากความรุนแรงและอารมณ์ขันที่หยาบคายมากขึ้น ด้วยการแพร่กระจายของศาสนาคริสต์ ความคิดดังกล่าวจึงสิ้นสุดลง

การเกิดขึ้นของโรงละครแห่งยุคกลาง

ต่อมา ความลึกลับเริ่มปรากฏให้เห็นในช่วงวันหยุดทางศาสนาอื่น ๆ โดยนำเสนอเรื่องราวในพระคัมภีร์ที่หลากหลาย

โรงละครเรอเนซองส์

ในปี ค.ศ. 1576 อาคารโรงละครหลังแรกสร้างขึ้นในลอนดอน ก่อนหน้านั้นละครทั้งหมดจะเล่นในโรงแรม บนเวทีงาน หรือกลางห้องโถงในปราสาทและบ้านชั้นสูง สมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 1 แห่งอังกฤษทรงอุปถัมภ์ศิลปะการละครในยุคที่มีชื่อของเธอปรากฏว่านักเขียนบทละครมืออาชีพคนแรกปรากฏตัวขึ้นซึ่งมีชื่อเสียงมากที่สุดคือ เช็คสเปียร์ผู้ยิ่งใหญ่, นักแสดง , ประเพณีการใช้อุปกรณ์ประกอบฉากและการเปลี่ยนเครื่องแต่งกายระหว่างการแสดง ในที่สุดโรงละครคลาสสิกก็ถูกสร้างขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18

ตุ๊กตา Matryoshka ถือเป็นของที่ระลึกดั้งเดิมของรัสเซีย ดังนั้นจึงเป็นที่นิยมในหมู่นักท่องเที่ยวที่มาสหพันธรัฐรัสเซียตั้งแต่ ประเทศต่างๆ. สิ่งที่น่าสนใจยิ่งกว่าคือความจริงที่ว่ารูปแกะสลักไม้ที่มีความงามสง่าเหล่านี้ลงทุนซึ่งกันและกันนั้นห่างไกลจากรากของรัสเซีย

Matryoshka ชาวรัสเซียคนแรก

ต้นแบบของเด็กสาวชาวรัสเซียที่ร่าเริง ใบหน้ากลม ซึ่งประกอบเป็นตุ๊กตาทำรังแบบคลาสสิก ถูกนำไปยังรัสเซียจากประเทศญี่ปุ่นเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ของที่ระลึกจากแดนอาทิตย์อุทัยคือหุ่นรังไม้ของปราชญ์ฟุกุรุมชาวญี่ปุ่น พวกเขาถูกทาสีอย่างสวยงามและเก๋ไก๋ในจิตวิญญาณของประเพณีของประเทศแม่ของ Matryoshka สมัยใหม่

ครั้งหนึ่งในมอสโกทอย เวิร์คช็อป ของที่ระลึกของญี่ปุ่นเป็นแรงบันดาลใจให้ช่างกลึงท้องถิ่น Vasily Zvezdochkin และศิลปิน Sergei Malyutin สร้างสรรค์ของเล่นที่คล้ายกัน ช่างฝีมือได้กลึงและทาสีตุ๊กตาที่คล้ายกันซึ่งซ้อนกันอยู่ภายในอีกอันหนึ่ง ของที่ระลึกแบบอะนาล็อกชิ้นแรกของญี่ปุ่นคือเด็กผู้หญิงที่สวมผ้าคลุมศีรษะและกระโปรงอาบแดด ตุ๊กตาที่ทำรังในเวลาต่อมาเป็นภาพเด็กตลกน่ารัก - เด็กชายและเด็กหญิง เมื่อตุ๊กตาทำรังตัวที่แปดถูกดึงออกมาเป็นทารกที่ห่อตัว เป็นไปได้มากว่ามันได้ชื่อมาเพื่อเป็นเกียรติแก่ชื่อผู้หญิง Matryona ซึ่งแพร่หลายในเวลานั้น

Sergiev Posad ตุ๊กตาทำรัง

หลังจากปิดการประชุมเชิงปฏิบัติการในมอสโกในปี 1900 ช่างฝีมือใน Sergiev Posad ในการฝึกอบรมและการสาธิตการประชุมเชิงปฏิบัติการได้ดำเนินการผลิต matryoshkas งานฝีมือพื้นบ้านประเภทนี้แพร่หลายมากขึ้นการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Bogoyavlenskys, Ivanovs, Vasily Zvezdochkin ซึ่งย้ายไป Posad จากมอสโกปรากฏอยู่ไม่ไกลจากเมืองหลวง

เมื่อเวลาผ่านไป ของเล่นของที่ระลึกชิ้นนี้ได้รับความนิยมจนชาวต่างชาติเริ่มสั่งซื้อจากปรมาจารย์ชาวรัสเซีย: ฝรั่งเศส เยอรมัน ฯลฯ ตุ๊กตามาตรีออชก้าดังกล่าวไม่ถูก แต่มีบางอย่างที่น่าชื่นชม! ภาพวาดของเล่นไม้เหล่านี้มีสีสัน หรูหรา และหลากหลาย ศิลปินวาดภาพสาวสวยชาวรัสเซียในชุดกระโปรงยาวและผ้าพันคอทาสี พร้อมช่อดอกไม้ ตะกร้า และนอต ในตอนต้นของศตวรรษที่ยี่สิบ มีการผลิตตุ๊กตามาตรีออชก้าจำนวนมากสำหรับต่างประเทศ

ต่อมาตุ๊กตาทำรังผู้ชายก็ปรากฏตัวขึ้น เช่น ภาพสาวเลี้ยงแกะถือขลุ่ย เจ้าบ่าวมีหนวดมีเครา ชายแก่มีหนวดมีเคราถือไม้ เป็นต้น ของเล่นไม้ประกอบขึ้นตามหลักการต่าง ๆ แต่จำเป็นต้องติดตามรูปแบบตามกฎเช่นเจ้าบ่าวตุ๊กตาที่ทำรังถูกจับคู่กับตุ๊กตาเจ้าสาวและญาติที่ทำรัง

ตุ๊กตาทำรังของจังหวัด Nizhny Novgorod

ใกล้กับกลางศตวรรษที่ 20 Matryoshka แผ่ขยายไปไกลกว่า Sergiev Posad ดังนั้นในจังหวัด Nizhny Novgorod ช่างฝีมือจึงปรากฏตัวซึ่งทำตุ๊กตาทำรังในรูปแบบของสาวสูงเพรียวในผ้าคลุมไหล่ครึ่งสีสดใส และช่างฝีมือของ Sergiev Posad ทำของเล่นเหล่านี้ในรูปแบบของหมอบและหญิงสาวที่เขียวชอุ่ม

ตุ๊กตาทำรังที่ทันสมัย

Matryoshka ยังคงถือเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมรัสเซีย ตุ๊กตาทำรังสมัยใหม่ทำขึ้นในหลากหลายประเภท: นอกเหนือจากภาพวาดคลาสสิกแล้วยังมีภาพเหมือนของบุคคลทางการเมืองที่มีชื่อเสียงผู้จัดรายการโทรทัศน์ภาพยนตร์และป๊อปสตาร์อีกด้วย

ใน Sergiev Posad ในพิพิธภัณฑ์ของเล่นมีคอลเล็กชั่นตุ๊กตา Matryoshka โดยผู้เชี่ยวชาญในช่วงต้นและกลางศตวรรษที่ 20 รวมถึงตุ๊กตา Matryoshka ตัวแรกที่ทาสี ศิลปินชื่อดังเซอร์เกย์ มาลิวติน.

วิดีโอที่เกี่ยวข้อง

ความขัดแย้งคือการปะทะกันของความคิดเห็น ความสนใจ และมุมมองของฝ่ายตรงข้าม ได้รับการออกแบบมาเพื่อช่วยตอบสนองความต้องการ ที่ สถานการณ์ความขัดแย้งแต่ละฝ่ายพยายามที่จะบรรลุเป้าหมายและแก้ปัญหาของตน

สาเหตุหลักของความขัดแย้งในครอบครัว: - ความต้องการการยืนยันตนเองที่ไม่พอใจ - ความปรารถนาของคู่สมรสที่จะตระหนักถึงความต้องการส่วนบุคคลในการแต่งงาน - ไม่สามารถสื่อสารกันได้ - ความทะเยอทะยานทางวัตถุมากเกินไป ภรรยา พ่อ แม่ และอื่นๆ - ประเภทต่างๆอารมณ์ - ไม่เต็มใจที่จะพูดคุย - ความหนาวเย็นทางเพศของคู่สมรส - ความหึงหวงของคู่สมรส - การล่วงประเวณี - นิสัยไม่ดี ผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดการระบุสาเหตุของความขัดแย้งในทีมดังต่อไปนี้: ทรัพยากรที่มี จำกัด. ทรัพยากรวัสดุ การเงิน และแรงงานมักมีจำกัด หน้าที่ของผู้จัดการคือแจกจ่ายให้เหมาะสมตามแผนกโครงสร้างต่างๆ ขององค์กร แต่เนื่องจากการดำเนินการนี้ค่อนข้างยากเนื่องจากเงื่อนไขของเกณฑ์การแจกจ่าย ทรัพยากรที่จำกัดดังกล่าวย่อมนำไปสู่ความขัดแย้งประเภทต่างๆ อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้2 การพึ่งพาซึ่งกันและกันของงาน องค์กรทั้งหมดประกอบด้วยองค์ประกอบที่พึ่งพาซึ่งกันและกัน กล่าวคือ งานของพนักงานคนหนึ่งขึ้นอยู่กับงานของอีกคนหนึ่ง หากพนักงานแต่ละคนหรือหน่วยงานหนึ่งทำงานในลักษณะที่ไม่เหมาะสม การพึ่งพาอาศัยกันนี้อาจกลายเป็นสาเหตุของความขัดแย้งได้3. ความแตกต่างในการรับรู้ เป้าหมาย และค่านิยม โดยปกติในโครงสร้างองค์กรเมื่อเวลาผ่านไปจะมีกระบวนการของความเชี่ยวชาญเฉพาะด้าน กล่าวคือ กิจกรรมในพื้นที่แคบ เป็นผลให้แผนกโครงสร้างเดิมเริ่มแบ่งออกเป็นหน่วยพิเศษขนาดเล็ก โครงสร้างดังกล่าวกำหนดเป้​​าหมายใหม่และเริ่มมุ่งเน้นไปที่การบรรลุเป้าหมายซึ่งเพิ่มโอกาสของความขัดแย้ง4. ความแตกต่างใน ประสบการณ์ชีวิตและท่าทาง ต่างคนต่างอยู่ มีบุคลิกที่ก้าวร้าวและเผด็จการมากเกินไปไม่แยแสต่อผู้อื่น สิ่งเหล่านี้เป็นสิ่งที่กระตุ้นบ่อยที่สุด ความขัดแย้ง. ความแตกต่างในด้านประสบการณ์ การศึกษา ระยะเวลาในการให้บริการ อายุ เพิ่มโอกาสในการปะทะกัน5. การสื่อสารที่ไม่ดี ความขัดแย้งสามารถเติมพลังด้วยข้อมูลล้นเกิน แย่ ข้อเสนอแนะ, การบิดเบือนข้อความ การนินทาในทีมทำให้เกิดความขัดแย้งอย่างเร่งด่วนเป็นพิเศษ พวกเขาสามารถทำหน้าที่เป็นตัวเร่งปฏิกิริยารบกวน พนักงานแต่ละคนเข้าใจสถานการณ์จริง ปัญหาทั่วไปอื่น ๆ ของการถ่ายโอนข้อมูลไม่เพียงพอต่อการพัฒนาความรับผิดชอบงานของพนักงานอย่างชัดเจน การนำเสนอข้อกำหนดที่ไม่เหมือนกันสำหรับการทำงาน

ที่มา:

• ความขัดแย้งในทีม ดีหรือไม่ดี

คำแนะนำ 4: ที่มาของนามสกุลของคุณ: วิธีค้นหาประวัติ

แต่ละคนให้ความสำคัญกับนามสกุลของเขา ทุกคนไม่ช้าก็เร็วต้องการเปิดเผยความลับของต้นกำเนิด เราจะค้นหาว่าผู้เชี่ยวชาญกำลังทำอะไรเพื่อเปิดเผยความลับของที่มาของนามสกุล

ประวัติโรงละครคือโลกของมนุษยชาติ

โรงละครแห่งกรีกโบราณ

ที่มาของละครและละครกรีกโบราณ

การปรากฏตัวของละครในกรีซนำหน้าด้วยระยะเวลาอันยาวนานในระหว่างที่มหากาพย์และเนื้อเพลงได้ครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นเป็นอันดับแรก เราทุกคนต่างรู้จักบทกวีมหากาพย์ที่กล้าหาญของอีเลียดและโอดิสซีย์ บทกวีมหากาพย์การสอน (การสอน) ของเฮเซียด (ศตวรรษที่ 7 ก่อนคริสต์ศักราช); เหล่านี้เป็นผลงานของกวีบทกวีของศตวรรษที่ 6 ปีก่อนคริสตกาล

การกำเนิดของละครและละครกรีกเกี่ยวข้องกับเกมพิธีกรรมที่อุทิศให้กับเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์การเกษตร: Demeter ลูกสาวของเธอ Kore และ Dionysus ละครกรีกโบราณสามประเภทเกิดขึ้นจากเกมพิธีกรรมและเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus: โศกนาฏกรรม, ตลกและตลกเทพารักษ์ (ตั้งชื่อตามคณะนักร้องประสานเสียงซึ่งประกอบด้วยเทพารักษ์)

• โศกนาฏกรรมสะท้อนถึงด้านที่ร้ายแรงของลัทธิไดโอนีเซียน
• ตลก - คาร์นิวัล - เสียดสี
• ละครเสียดสีถูกนำเสนอเป็นประเภททั่วไป ตัวละครเกมร่าเริงและ จบอย่างมีความสุขกำหนดสถานที่ในวันหยุดเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus: ละครเทพารักษ์ถูกจัดฉากเป็นบทสรุปของการนำเสนอโศกนาฏกรรม

บทบาทของความคิดที่น่าสลดใจในการศึกษาทางสังคม-การเมืองและจริยธรรมนั้นมีมากมายมหาศาล แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่หก โศกนาฏกรรมได้มาถึงการพัฒนาที่สำคัญ ประวัติศาสตร์สมัยโบราณรายงานว่ากวีโศกนาฏกรรมชาวเอเธนส์คนแรกคือ Thespis (ศตวรรษที่หกก่อนคริสต์ศักราช) การผลิตโศกนาฏกรรมครั้งแรกของเขา (ไม่ทราบชื่อ) เกิดขึ้นในฤดูใบไม้ผลิ 534 ปีก่อนคริสตกาล ในงานเลี้ยงของไดโอนิซิอัสผู้ยิ่งใหญ่ ปีนี้ถือเป็นปีเกิดของโรงละครโลก

ในภาพยนตร์ตลก มากกว่าโศกนาฏกรรม แรงจูงใจทางโลกถูกผสมกับลวดลายในตำนาน ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นเรื่องเด่น หรือแม้แต่เรื่องเดียวเท่านั้น แม้ว่าในละครตลกทั่วไปก็ยังถือว่าอุทิศให้กับไดโอนิซุส การละเล่นแบบด้นสดเป็นรูปแบบเบื้องต้นของละครตลกพื้นบ้านและถูกเรียกว่าละครใบ้ (แปลว่า "เลียนแบบ", "การสืบพันธุ์" นักแสดงของละครตลกเหล่านี้เรียกอีกอย่างว่าละครใบ้) วีรบุรุษแห่งละครใบ้เป็นหน้ากากแบบดั้งเดิมของโรงละครพื้นบ้าน: นักรบที่อยากเป็น, ขโมยตลาด, นักวิทยาศาสตร์จอมหลอกลวง, คนธรรมดาที่หลอกทุกคน ฯลฯ

โรงละครแห่งเอเธนส์

ศิลปะการละครกรีกโบราณมาถึงจุดสูงสุดในผลงานของโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่สามคนของศตวรรษที่ 5 - Aeschylus, Sophocles, Euripides และ Aristophanes นักแสดงตลกซึ่งมีกิจกรรมในการเริ่มต้นศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช ปีก่อนคริสตกาล นักเขียนบทละครคนอื่นเขียนในเวลาเดียวกัน แต่มีเพียงเศษเล็กเศษน้อยของงานของพวกเขาเท่านั้นที่ลงมาหาเราและบางครั้งมีเพียงชื่อและข้อมูลเพียงเล็กน้อยเท่านั้น

โรงละครขนมผสมน้ำยา

ในยุคกรีกโบราณ (ศตวรรษที่ VI-I ก่อนคริสต์ศักราช) โรงละครกรีกในยุคคลาสสิกได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญทั้งในด้านการแสดงละครและการแสดง และสถาปัตยกรรมของอาคารโรงละคร การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เชื่อมโยงกับเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ใหม่ ในโรงละครแห่งยุคขนมผสมน้ำยา ยังคงมีการแสดงตลกและโศกนาฏกรรม แต่จากโศกนาฏกรรมของศตวรรษที่สี่ ปีก่อนคริสตกาล มีเพียงเศษเล็กเศษน้อยเท่านั้นที่อยู่รอดและเห็นได้ชัดว่า บุญศิลป์โศกนาฏกรรมขนมผสมน้ำยามีขนาดเล็ก มีข้อมูลมากขึ้นสำหรับการตัดสินเรื่องตลก เนื่องจากมีการเล่นเพียงเรื่องเดียวและหลายส่วนที่ตัดตอนมาจากบทละครอื่นๆ โดย Menander นักแสดงตลกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นได้มาถึงเราแล้ว

คอมเมดี้ของยุคเฮลเลนิสติกเรียกว่าแอตติก (หรือนีโอ-แอตติก) คอมเมดี้เรื่องใหม่ ต้นแบบของความรักมีบทบาทสำคัญในหนังตลกเรื่องใหม่ ผู้เขียนตลก Attic ใหม่ใช้ทฤษฎีทางจิตวิทยาของ Theophrastus นักเรียนของอริสโตเติลอย่างกว้างขวางตามที่ลักษณะตัวละครทั้งหมดแสดงออกในลักษณะของบุคคลและในการกระทำของเขา คำอธิบายโหงวเฮ้งของ Theophrastus มีอิทธิพลต่อการออกแบบหน้ากากอย่างไม่ต้องสงสัย ซึ่งช่วยให้ผู้ชมจดจำตัวละครตัวนี้หรือตัวนั้นได้ ในภาพยนตร์ตลกเรื่องใหม่ อิทธิพลของยูริพิเดสนั้นชัดเจน ความใกล้ชิดของฮีโร่หลายคนของเขากับชีวิตการเปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ของพวกเขา - นี่คือสิ่งที่หนังตลกเรื่องใหม่นำมาจาก Euripides

สถาปัตยกรรมของโรงละครกรีกโบราณ

ในขั้นต้น สถานที่สำหรับการแสดงถูกจัดเรียงอย่างเรียบง่าย: คณะนักร้องประสานเสียงที่มีบทร้องและการเต้นรำแสดงบนแท่นวงออเคสตราแบบกระแทกรอบ (จากกริยา orheomai - "I dance") ซึ่งผู้ชมมารวมกัน แต่เป็นความสำคัญของศิลปะการละครในสังคมและ ชีวิตวัฒนธรรมกรีซ และเมื่อละครเรื่องนี้ซับซ้อนขึ้น ก็จำเป็นต้องปรับปรุง ภูมิทัศน์ที่เป็นเนินเขาของกรีซทำให้เกิดการจัดเวทีและ ที่นั่งผู้ชม: วงออเคสตราเริ่มตั้งอยู่ที่เชิงเขา และผู้ฟังถูกวางบนทางลาด

โรงละครกรีกโบราณทั้งหมดเปิดกว้างและรองรับผู้ชมจำนวนมาก ตัวอย่างเช่น โรงละครไดโอนิซุสในเอเธนส์สามารถรองรับผู้คนได้มากถึง 17,000 คน โรงละครในเอพิดอรัส - มากถึง 10,000 คน ในศตวรรษที่ 5 ปีก่อนคริสตกาล ในกรีซมีการพัฒนาโครงสร้างการแสดงละครที่มั่นคงซึ่งเป็นลักษณะของยุคโบราณทั้งหมด โรงละครมีสามส่วนหลัก: วงออเคสตรา, theatron (สถานที่สำหรับผู้ชมจากกริยา teaomai - "ฉันดู") และ skene (skene - "เต็นท์" ต่อมาเป็นโครงสร้างไม้หรือหิน)

ขนาดของโรงละครถูกกำหนดโดยเส้นผ่านศูนย์กลางของวงออเคสตรา (ตั้งแต่ 11 ถึง 30 ม.) สคีนตั้งอยู่ตามเส้นรอบวงของวงออเคสตรา ผนังด้านหน้าของสเคเน-โปรสเคเนีย ซึ่งมักจะมีลักษณะเป็นแนวเสา แสดงให้เห็นด้านหน้าของวิหารหรือพระราชวัง สคีนีติดกับโครงสร้างด้านข้างสองอันซึ่งเรียกว่าพาราสเคเนีย Paraskenii เป็นสถานที่เก็บทัศนียภาพและทรัพย์สินทางการแสดงอื่นๆ ระหว่างที่นั่งและที่นั่งสำหรับผู้ชมซึ่งครอบครองมากกว่าครึ่งวงกลมเล็กน้อยมีทางเดินล้อเลียนซึ่งผู้ชมเข้าไปในโรงละครก่อนเริ่มการแสดงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียงและนักแสดงก็เข้าสู่วงออเคสตรา ในโรงละครแห่งยุคคลาสสิก ความสนใจของผู้ชมมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาการกระทำ ที่ชะตากรรมของตัวละคร และไม่เกี่ยวกับผลกระทบภายนอก เลย์เอาต์ของโรงละครกรีกให้การได้ยินที่ดี นอกจากนี้ ในโรงภาพยนตร์บางแห่ง มีการวางภาชนะที่สะท้อนเสียงไว้ระหว่างที่นั่งสำหรับผู้ชมเพื่อขยายเสียง ไม่มีม่านในโรงละครกรีกโบราณ แม้ว่าจะเป็นไปได้ว่าในบทละครบางบทถูกปิดไม่ให้ผู้ชมเห็นชั่วคราว

โรงละครโรมัน

ที่มาของโรงละครโรมัน

ต้นกำเนิดของโรงละครและละครโรมันย้อนกลับไปเช่นเดียวกับในกรีซ ไปจนถึงเกมพิธีกรรมที่อุดมไปด้วยองค์ประกอบงานรื่นเริง ตัวอย่างเช่นเป็นงานเลี้ยงของ Saturnalia เพื่อเป็นเกียรติแก่เทพเจ้าชาวอิตาลีของดาวเสาร์ ลักษณะเฉพาะของวันหยุดนี้คือ "การกลับรายการ" ของความสัมพันธ์ทางสังคมตามปกติ: เจ้านายกลายเป็น "ทาส" ชั่วขณะหนึ่งและทาสก็กลายเป็น "เจ้านาย"

ต้นกำเนิดของโรงละครและละครโรมันคือเทศกาลเก็บเกี่ยวในชนบท แม้แต่ในยามห่างไกล เมื่อกรุงโรมเป็นชุมชนเล็กๆ แห่งลาติอุม เทศกาลวันหยุดต่างๆ ก็ได้รับการเฉลิมฉลองในหมู่บ้านต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับการสิ้นสุดของการเก็บเกี่ยว ในวันหยุดเหล่านี้มีการร้องเพลง fescennins ที่ร่าเริง เช่นเดียวกับในกรีซ คณะนักร้องประสานเสียงสองคนมักจะแสดง แลกเปลี่ยนเรื่องตลก บางครั้งก็มีเนื้อหาที่กัดกร่อน

มีต้นกำเนิดมาจากระบบชนเผ่า fescennins ยังมีอยู่ในศตวรรษต่อมาและตาม Horace การต่อสู้ทางสังคมระหว่าง plebeians และ patricians ก็สะท้อนให้เห็น นี่คือสิ่งที่ saturas เกิดขึ้น (ในการแปลแปลว่า "ส่วนผสม") Saturas เป็นฉากที่น่าทึ่งของธรรมชาติในบ้านและการ์ตูน ซึ่งรวมถึงบทสนทนา การร้องเพลง ดนตรีและการเต้น

การแสดงละครแนวการ์ตูนอีกประเภทหนึ่งคือ Atellani ซึ่งยืมมาจากชนเผ่าอื่นที่อาศัยอยู่ในคาบสมุทร Apennine ซึ่งกรุงโรมทำสงครามอย่างต่อเนื่อง เยาวชนเริ่มสนใจเกมเหล่านี้และเริ่มจัดในวันหยุด มีตัวการ์ตูนประจำอยู่สี่ตัวใน atellan: Mack, Bukkon, Papp และ Dossen Atellani ไม่มีข้อความที่ชัดเจน ดังนั้นเมื่อทำการแสดงแล้ว ขอบเขตกว้างสำหรับการแสดงด้นสดก็เปิดกว้าง ละครใบ้ก็กลับไปดูละครพื้นบ้าน เช่นเดียวกับในกรีซ ละครใบ้ได้ทำซ้ำฉากจากชีวิตพื้นบ้าน และบางครั้งก็ล้อเลียนตำนาน อนุมานเทพเจ้าและวีรบุรุษในรูปแบบตัวตลก ดังนั้น ในกรุงโรมจึงมีเกมพิธีกรรมแบบเดียวกับใน กรีกโบราณ. แต่การพัฒนาของโรงละครพื้นบ้านไม่ได้ไปไกลกว่าจุดเริ่มต้นที่อ่อนแอของละคร นี่เป็นเพราะวิถีชีวิตของชาวโรมันที่อนุรักษ์นิยมและการต่อต้านอย่างรุนแรงของพระสงฆ์ ดังนั้นเทพนิยายอิสระจึงไม่พัฒนาในกรุงโรมซึ่งในกรีซทำหน้าที่เป็น "ดินและคลังแสง" ของศิลปะรวมถึงละคร

โรงละครโรมันในยุครีพับลิกัน

ชาวโรมันใช้วรรณกรรมในรูปแบบที่เสร็จสิ้นแล้วจากชาวกรีกและแปลเป็นภาษาละตินโดยปรับให้เข้ากับแนวคิดและรสนิยมของตนเอง หลังจากชัยชนะของสงครามพิวนิกครั้งแรกสิ้นสุดลง ที่การแข่งขันกีฬา 240 ปีก่อนคริสตกาล ได้มีการตัดสินใจจัดการแสดงอันน่าทึ่ง การผลิตได้รับความไว้วางใจให้กับชาวกรีก Livius Andronicus ซึ่งตกเป็นทาสของวุฒิสมาชิกชาวโรมันซึ่งตั้งชื่อภาษาละตินว่า Livius ให้กับเขา หลังจากที่เขาได้รับการปล่อยตัว เขายังคงอยู่ในกรุงโรมและเริ่มสอนภาษากรีกและ ละตินบุตรของขุนนางโรมัน ครูคนนี้ยังแสดงโศกนาฏกรรมและอาจเป็นเรื่องตลกด้วย ซึ่งเขาทำใหม่จากแบบจำลองภาษากรีกหรือบางทีแปลง่ายๆ จากภาษากรีกเป็นภาษาละติน การผลิตนี้เป็นแรงผลักดันครั้งแรกในการพัฒนาโรงละครโรมัน

ตั้งแต่ 235 ปีก่อนคริสตกาล นักเขียนบทละคร Gnaeus Neviy เริ่มแสดงละครของเขา Titus Maccius Plavt อายุน้อยกว่าของ Nevius งานของเขากล่าวถึงช่วงเวลาที่กรุงโรมจากชุมชนเกษตรกรรมกลายเป็นรัฐที่เข้มแข็งที่สุด - ครั้งแรกของคาบสมุทร Apennine และลุ่มน้ำเมดิเตอร์เรเนียนทั้งหมด Publius Terence Afrที่ทำงานเหมือน Plautus ในประเภท palliata เป็นของนักเขียนบทละครรุ่นต่อไป เทอเรนซ์สามารถเรียกได้ว่าเป็นผู้บุกเบิกละครยุโรปเรื่องใหม่ โรงละครยุโรปหันกลับมาทำงานของเขาซ้ำแล้วซ้ำเล่า อิทธิพลของคอเมดี้ของเขา "Formion" และ "Brothers" สัมผัสได้จากผลงานของ Moliere

โรงละครโรมันในสมัยจักรวรรดิ

ในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช สาธารณรัฐในกรุงโรมล่มสลาย ภายหลังการลอบสังหารซีซาร์และชัยชนะเหนือแอนโทนีใน 31 ปีก่อนคริสตกาล Octavian กลายเป็นจักรพรรดิในกรุงโรมซึ่งต่อมาได้รับชื่อเล่นกิตติมศักดิ์ออกัสตัส ("ศักดิ์สิทธิ์") ออกัสตัสตระหนักดีถึงความสำคัญทางสังคมของโรงละครและมีส่วนสนับสนุนในทุกวิถีทางในการพัฒนาโรงละคร ประการแรก ออกุสตุสต้องการรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมประเภทกรีกบนเวทีโรมัน โดยมองว่าเป็นวิธีการปรับปรุงและให้ความรู้ด้านศีลธรรมแก่พลเมืองของเขา แรงบันดาลใจของออกัสตัสเหล่านี้ได้รับการสนับสนุนจากกวีชาวโรมันที่โดดเด่นคนหนึ่งชื่อฮอเรซ และสะท้อนให้เห็นในศาสตร์แห่งกวีนิพนธ์ของเขา อย่างไรก็ตาม ความพยายามทั้งหมดของออกุสตุสในการรื้อฟื้นประเภทที่รุนแรงบนเวทีโรมันนั้นไม่ประสบความสำเร็จ

จากโศกนาฏกรรมในสมัยจักรวรรดิ ไม่มีอะไรเกิดขึ้นกับเรา ยกเว้นโศกนาฏกรรมของปราชญ์เซเนกา Lucius Annei Seneca เป็นครูสอนพิเศษของจักรพรรดิ Nero ครั้งหนึ่งเขาดำรงตำแหน่งสูงสุดในรัฐภายใต้เขา แต่แล้วเขาก็ถูกกล่าวหาว่าสมคบคิดกับจักรพรรดิและตามคำสั่งของ Nero ได้ฆ่าตัวตายโดยเปิดเส้นเลือดของเขา เซเนกาเริ่มเขียนเรื่องโศกนาฏกรรมในช่วงหลายปีสุดท้ายของชีวิต เมื่อทัศนคติของนีโรที่มีต่อเขาเปลี่ยนไป และเขาถูกบังคับให้ต้องแสดงความคิดเห็นของเขาอย่างรอบคอบมากขึ้นเกี่ยวกับระเบียบที่มีอยู่

องค์กรของการแสดงละคร

การแสดงจัดขึ้นในกรุงโรมในช่วงต่างๆ วันหยุดนักขัตฤกษ์. มีการเล่นละครในงานเลี้ยงของผู้รักชาติ เกมโรมัน ซึ่งจัดขึ้นในเดือนกันยายนเพื่อเป็นเกียรติแก่ดาวพฤหัสบดี จูโน และมิเนอร์วา ที่ Apollo Games ในเดือนกรกฎาคม ไม่มีการสร้างโรงละครถาวรในกรุงโรมจนถึงกลางศตวรรษที่ 1 คริสตศักราช; การก่อสร้างถูกต่อต้านโดยวุฒิสภาอนุรักษ์นิยม สำหรับการแสดง มักจะสร้างแท่นไม้ซึ่งสูงครึ่งหนึ่งของผู้ชายไว้ที่ฟอรัม บันไดแคบๆ 4-5 ขั้นนำไปสู่เวทีซึ่งนักแสดงปีนขึ้นไปบนเวที

ในโศกนาฏกรรมการกระทำเกิดขึ้นที่หน้าพระราชวัง ในภาพยนตร์ตลก ทิวทัศน์มักจะวาดภาพถนนในเมืองโดยมีอาคารบ้านสองหรือสามหลังที่มองเห็นได้ และการกระทำดังกล่าวเกิดขึ้นที่หน้าบ้าน ผู้ชมนั่งอยู่บนม้านั่งหน้าเวที แต่บางครั้งวุฒิสภาก็ห้ามการจัดตั้งที่นั่งในโรงละครชั่วคราวเหล่านี้: การนั่งในการแสดงตามที่วุฒิสภาบอกเป็นสัญญาณของความอ่อนน้อมถ่อมตน โครงสร้างทั้งหมดที่สร้างขึ้นสำหรับเกมการแสดงละครพังทันทีหลังจากสร้างเสร็จ

เหตุการณ์สำหรับกรุงโรมคือการปรากฏตัวของโรงละครถาวรแห่งแรกที่สร้างด้วยหิน โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นเมื่อ 55 ปีก่อนคริสตกาล Gneem Pompey the Great และรองรับได้ถึง 40,000 คน ปลายศตวรรษที่ 1 ปีก่อนคริสตกาล ในกรุงโรม มีการสร้างโรงละครหินอีกสองแห่ง: โรงละครแห่งบัลบาและโรงละครของมาร์เซลลัส จากส่วนหลัง ซากของกำแพงชั้นนอกที่แบ่งออกเป็นสามชั้น ยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้ ซึ่งสอดคล้องกับชั้นในสามชั้น

โรงละครแห่งยุคกลาง

ละครพิธีกรรมและกึ่งพิธีกรรม

ละครในโบสถ์กลายเป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะการละครในยุคกลางตอนต้น การต่อสู้กับเศษซากของโรงละครโบราณ กับเกมในชนบท คริสตจักรพยายามที่จะใช้ประสิทธิภาพของการโฆษณาชวนเชื่อในการแสดงละครเพื่อจุดประสงค์ของตนเอง

ในศตวรรษที่ 9 มวลชนถูกแสดงละครซึ่งเป็นพิธีกรรมของการอ่านตอนจากตำนานเกี่ยวกับชีวิตของพระคริสต์เกี่ยวกับการฝังศพและการฟื้นคืนพระชนม์ของเขาได้รับการพัฒนา จากบทสนทนาเหล่านี้ การแสดงละครตอนต้นก็ถือกำเนิดขึ้น ละครมีสองรอบ - คริสต์มาสหนึ่งซึ่งบอกเกี่ยวกับการประสูติของพระคริสต์และอีสเตอร์ซึ่งบอกเล่าเรื่องราวของการฟื้นคืนพระชนม์ของเขา ในการแสดงละครคริสต์มาส ได้มีการวางไม้กางเขนไว้ตรงกลางพระวิหาร จากนั้นจึงห่อด้วยผ้าสีดำซึ่งหมายถึงการฝังพระศพขององค์พระผู้เป็นเจ้า

เมื่อเวลาผ่านไป บทละครจะซับซ้อนมากขึ้น เครื่องแต่งกายของ "นักแสดง" มีความหลากหลาย และ "คำแนะนำของผู้กำกับ" ถูกสร้างขึ้นด้วยการระบุการทดสอบและการเคลื่อนไหวที่แน่นอน ทั้งหมดนี้ทำโดยนักบวชเอง ผู้จัดงานพิธีกรรมได้สะสมประสบการณ์บนเวทีและเริ่มแสดงให้ผู้คนเห็นถึงการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระคริสต์และปาฏิหาริย์อื่น ๆ ของพระกิตติคุณอย่างชำนาญ เมื่อเข้าใกล้ชีวิตและการใช้เอฟเฟกต์ฉาก ละครพิธีกรรมไม่ดึงดูดใจอีกต่อไป แต่ทำให้นักบวชเสียสมาธิจากการรับใช้ การพัฒนาแนวเพลงเต็มไปด้วยการทำลายตนเอง ไม่ต้องการปฏิเสธการให้บริการของโรงละครและไม่สามารถรับมือกับมันได้ เจ้าหน้าที่ของโบสถ์จึงนำละครเกี่ยวกับพิธีกรรมออกจากใต้ห้องใต้ดินของวัดไปยังระเบียง ละครกึ่งพิธีกรรมถือกำเนิดขึ้น จากนั้นโรงละครของโบสถ์ซึ่งอยู่ในอำนาจของคณะสงฆ์อย่างเป็นทางการก็ตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของฝูงชนในเมือง ตอนนี้เธอกำหนดรสนิยมของเธอกับเขาแล้ว บังคับให้เขาแสดงในวันงานและไม่ใช่วันหยุดในโบสถ์ เพื่อเปลี่ยนเป็นภาษาแม่ของเขาโดยสิ้นเชิง เป็นที่เข้าใจสำหรับฝูงชน กังวลเกี่ยวกับความสำเร็จพระสงฆ์เริ่มหยิบวิชาในชีวิตประจำวันมากขึ้นและเนื้อหาสำหรับละครกึ่งพิธีกรรมคือ เรื่องราวในพระคัมภีร์ขึ้นอยู่กับการตีความในชีวิตประจำวัน ตำนานในพระคัมภีร์มีการประมวลผลบทกวีเมื่อเวลาผ่านไป นอกจากนี้ยังมีการแนะนำนวัตกรรมทางเทคนิค: ในที่สุดหลักการของทิวทัศน์พร้อมกันก็ถูกสร้างขึ้น เมื่อมีการแสดงฉากแอ็คชั่นหลายฉากพร้อมกัน จำนวนลูกเล่นเพิ่มขึ้น อย่างไรก็ตาม แม้ทั้งหมดนี้ ละครของโบสถ์ยังคงรักษาความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับคริสตจักร ละครเรื่องนี้จัดแสดงที่ระเบียง ที่กองทุนของโบสถ์ ละครถูกรวบรวมโดยนักบวช (แม้ว่าผู้เข้าร่วมการแสดง พร้อมด้วยนักบวชและฆราวาส) ดังนั้น ด้วยการผสมผสานองค์ประกอบที่ไม่เกิดร่วมกันอย่างกระทันหัน ละครในโบสถ์จึงมีมาเป็นเวลานาน

ละครฆราวาส

จุดเริ่มต้นของทิศทางที่สมจริง

ต้นอ่อนต้นแรกของเทรนด์ที่เหมือนจริงใหม่นั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของนักประพันธ์ (นักร้อง) Adam de La Halle (ประมาณ 1238-1287) จากเมือง Arras ของฝรั่งเศส De La Alle หลงใหลในบทกวี ดนตรีและละครเวที เขาอาศัยอยู่ในปารีสและในอิตาลี (ที่ศาลของ Charles of Anjou) และกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในฐานะกวี นักดนตรี และนักเขียนบทละคร

ในศตวรรษที่ 13 กระแสตลกถูกโรงละครมหัศจรรย์จมน้ำตายไปแล้ว ซึ่งมีเหตุการณ์สำคัญในชีวิตด้วย แต่กลับกลายเป็นเรื่องศาสนา

ความมหัศจรรย์.

ชื่อมิราเคิลนั้นมาจากคำภาษาละตินที่แปลว่า "ปาฏิหาริย์" และแน่นอน ความขัดแย้งทั้งหมด ซึ่งบางครั้งก็สะท้อนความขัดแย้งของชีวิตอย่างรุนแรง ได้รับการแก้ไขในประเภทนี้ด้วยการแทรกแซงของกองกำลังศักดิ์สิทธิ์ - เซนต์นิโคลัส, พระแม่มารี ฯลฯ เวลาเอง - ศตวรรษที่สิบสี่ เต็มไปด้วยสงครามความไม่สงบที่เป็นที่นิยมและการตอบโต้ที่ไร้มนุษยธรรม อธิบายถึงการพัฒนาประเภทที่ขัดแย้งกันเช่นปาฏิหาริย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ปาฏิหาริย์ซึ่งมักจะเริ่มต้นด้วยการพรรณนาถึงความเป็นจริงมักจะจบลงด้วยการประนีประนอมการกลับใจและการให้อภัยซึ่งในทางปฏิบัติหมายถึงการคืนดีกับความโหดร้ายที่เพิ่งแสดงให้เห็น เพราะมันถือว่าในคนร้ายแต่ละคนมีความชอบธรรม ชาย. นี้เหมาะกับทั้งจิตสำนึกของเบอร์เกอร์และคริสตจักร

ความลึกลับ.

ความรุ่งเรืองของโรงละครลึกลับคือศตวรรษที่ 15-16 ช่วงเวลาที่เมืองเฟื่องฟูอย่างรวดเร็วและความขัดแย้งทางสังคมที่ทวีความรุนแรงขึ้น เมืองนี้เอาชนะการพึ่งพาระบบศักดินาได้เป็นส่วนใหญ่ แต่ยังไม่ตกอยู่ภายใต้การปกครองของราชาผู้สมบูรณาญาสิทธิราชย์ ความลึกลับคือการแสดงออกถึงความเจริญรุ่งเรืองของเมืองยุคกลางและวัฒนธรรม มันงอกออกมาจากสิ่งที่เรียกว่า "ความลึกลับเลียนแบบ" - ขบวนในเมืองเพื่อเป็นเกียรติแก่วันหยุดทางศาสนาเพื่อเป็นเกียรติแก่การจากไปของกษัตริย์อย่างเคร่งขรึม จากงานเฉลิมฉลองเหล่านี้ ละครลึกลับก็ค่อยๆ ก่อตัวขึ้นโดยใช้ประสบการณ์ในโรงละครยุคกลางตั้งแต่แรกเริ่ม การแสดงความลึกลับไม่ได้จัดขึ้นโดยคริสตจักร แต่โดยการประชุมเชิงปฏิบัติการในเมืองและเทศบาล ผู้เขียนเป็นบุคคลประเภทใหม่ - นักวิทยาศาสตร์ นักศาสนศาสตร์ ทนายความ แพทย์ แม้ว่าที่จริงแล้วการผลิตจะถูกกำกับโดยชนชั้นนายทุนระดับสูงของเมือง แต่ความลึกลับนั้นเป็นงานศิลปะสมัครเล่นกลางแจ้งขนาดใหญ่ ผู้คนหลายร้อยคนมีส่วนร่วมในการแสดง

ความลึกลับแสดงให้เห็นการสร้างโลก การกบฏของลูซิเฟอร์ต่อพระเจ้า ปาฏิหาริย์ในพระคัมภีร์ ความลึกลับขยายขอบเขตเฉพาะเรื่องของโรงละครยุคกลาง สะสมประสบการณ์การแสดงบนเวทีขนาดใหญ่ ซึ่งถูกใช้โดยประเภทต่อมาของยุคกลาง ผู้ดำเนินเรื่องลึกลับคือชาวเมือง แยกตอนของเรื่องใหญ่ การแสดงละครดำเนินการโดยตัวแทนของการประชุมเชิงปฏิบัติการเมืองต่างๆ ในเวลาเดียวกัน ความลึกลับทำให้แต่ละอาชีพสามารถแสดงออกได้อย่างเต็มที่ที่สุด The Mysteries ได้พัฒนาเทคนิคการแสดงละคร ซึ่งได้รับการยืนยันจากผู้คนถึงรสนิยมในโรงละคร และเตรียมคุณสมบัติบางอย่างของละครเรเนสซอง แต่ในปี ค.ศ. 1548 สมาคมลึกลับโดยเฉพาะที่แพร่หลายในฝรั่งเศสถูกห้ามไม่ให้แสดงความลึกลับ: แนวตลกที่สำคัญของโรงละครลึกลับนั้นจับต้องได้มากเกินไป สาเหตุของการเสียชีวิตก็คือเธอไม่ได้รับการสนับสนุนจากกองกำลังใหม่ที่ก้าวหน้าของสังคม

ขบวนการปฏิรูป

ตัวละครต่อต้านศักดินา

การปฏิรูปเกิดขึ้นในยุโรปในศตวรรษที่ 16 คริสตจักรคาทอลิกมีลักษณะต่อต้านศักดินาและอยู่ในรูปแบบของการต่อสู้กับเสาหลักทางอุดมการณ์ของระบบศักดินาซึ่งก็คือคริสตจักรคาทอลิก

ขบวนการปฏิรูปยืนยันหลักการของ "การมีส่วนร่วมส่วนตัวกับพระเจ้า" ซึ่งเป็นหลักการของคุณธรรมส่วนบุคคล อยู่ในมือของเหล่าเศรษฐีผู้มั่งคั่ง ศีลธรรมกลายเป็นอาวุธในการต่อสู้กับขุนนางศักดินาและต่อต้านมวลชนในเมืองที่ยากจน ความปรารถนาที่จะให้ความบริสุทธิ์แก่โลกทัศน์ของชนชั้นนายทุนก่อให้เกิดโรงละครแห่งศีลธรรม

คุณธรรม

คุณธรรมได้ปลดปล่อยคุณธรรมจากทั้งแผนการทางศาสนาและสิ่งที่ทำให้ไขว้เขวในชีวิตประจำวันและเมื่อแยกตัวออกมาได้รับความสามัคคีโวหารและการวางแนวการสอนที่มากขึ้น

เรื่องตลก

เรื่องตลกในพื้นที่โดดเด่นในฐานะที่เป็นอิสระ ประเภทละครตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 อย่างไรก็ตาม เขามาไกลมากในการพัฒนาที่ซ่อนอยู่ก่อนหน้านั้น ชื่อนี้มาจากภาษาละติน farta ("การเติม") อันที่จริงผู้จัดงานปริศนามักเขียนว่า: "ใส่เรื่องตลกที่นี่" การแสดงรื่นเริงรื่นเริงและการแสดงพื้นบ้านก่อให้เกิด "บริษัทโง่" - สมาคมของข้าราชการตุลาการผู้เยาว์ ชาวโบฮีเมียในเมืองต่างๆ เด็กนักเรียน เซมินารี ในศตวรรษที่ 15 สังคมตัวตลกแพร่กระจายไปทั่วยุโรป มีองค์กรขนาดใหญ่สี่แห่งในกรุงปารีสและมีการจัดขบวนพาเหรดการแสดงตลกเป็นประจำ ในขบวนพาเหรดเหล่านี้ การกล่าวสุนทรพจน์ของบาทหลวง การโต้เถียงกันของผู้พิพากษา และการที่กษัตริย์เข้ามาในเมืองถูกเยาะเย้ย เพื่อตอบสนองต่อสิ่งนี้ผู้มีอำนาจทางโลกและฝ่ายวิญญาณได้ข่มเหงชาวฟาร์เซอร์ขับพวกเขาออกจากเมืองโยนพวกเขาเข้าคุก เรื่องตลกจะเปลี่ยนด้วยเนื้อหาและโครงสร้างทางศิลปะทั้งหมดไปสู่ความเป็นจริง เขาเยาะเย้ยทหารที่ปล้นสะดม พระภิกษุผู้อภัยโทษ ขุนนางที่โอ้อวด พ่อค้าที่ตระหนี่ ลักษณะนิสัยของตัวละครที่สังเกตได้ชัดเจนและระบุไว้ชัดเจนมีเนื้อหาเกี่ยวกับชีวิตที่เหน็บแนม หลักการสำคัญของศิลปะการแสดงสำหรับนักเล่นละครคือการสร้างลักษณะเฉพาะ นำมาเป็นภาพล้อเลียนล้อเลียน และพลวัต ซึ่งแสดงถึงกิจกรรมและความร่าเริงของตัวนักแสดงเอง เจ้าหน้าที่ฝ่ายราชาธิปไตยและฝ่ายสงฆ์ได้โจมตีลัทธิเสรีนิยมในเมืองมากขึ้นเรื่อยๆ และรูปแบบหนึ่งคือโรงละครตลก

เรื่องตลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อ พัฒนาต่อไปโรงภาพยนตร์ ยุโรปตะวันตก. ในอิตาลี ตัวตลกเดลอาร์เตเกิดจากเรื่องตลก ในสเปน - ผลงานของ "บิดาแห่งโรงละครสเปน" Lope de Rueda; และในอังกฤษตามประเภทของเรื่องตลก John Heywood เขียนบทของเขาในเยอรมนี Hans Sachs; ในฝรั่งเศสประเพณีตลก ๆ หล่อเลี้ยงศิลปะของอัจฉริยะ Molière และเช็คสเปียร์ผู้ยิ่งใหญ่

มันเป็นเรื่องตลกที่กลายเป็นความเชื่อมโยงระหว่างโรงละครเก่ากับโรงละครใหม่

โรงละครใหม่

โรงละคร (จากโรงละครกรีก - สถานที่สำหรับการแสดง, การแสดง). แนวคิดทั่วไปของโรงละครแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ ของศิลปะการละคร ได้แก่ โรงละคร โอเปร่า บัลเลต์ ละครใบ้ เป็นต้น ที่มาของคำนี้เกี่ยวข้องกับโรงละครโบราณกรีกโบราณ ซึ่งสถานที่ต่างๆ ในหอประชุมถูกเรียกในลักษณะนั้น อย่างไรก็ตาม ทุกวันนี้ความหมายของคำนี้มีความหลากหลายมาก

ในยุคแห่งการตรัสรู้ การเปลี่ยนผ่านไปสู่ วัฒนธรรมร่วมสมัย. วิถีชีวิตและความคิดรูปแบบใหม่กำลังก่อตัว ซึ่งหมายความว่าการตระหนักรู้ในตนเองทางศิลปะของวัฒนธรรมรูปแบบใหม่ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ชื่อ "การตรัสรู้" มีลักษณะที่ดีของจิตวิญญาณทั่วไปของกระแสนี้ในด้านของชีวิตทางวัฒนธรรมและจิตวิญญาณซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อแทนที่มุมมองตามหน่วยงานทางศาสนาหรือทางการเมืองด้วยผู้ที่ปฏิบัติตามข้อกำหนดของจิตใจมนุษย์

ศตวรรษที่ 18 ให้วัฒนธรรมโลกเช่น ศิลปินที่ยอดเยี่ยมและนักทฤษฎีศิลปะการละคร เช่น Sheridan ในอังกฤษ, Voltaire, Diderot, Beaumarchais ในฝรั่งเศส, Lessing, Goethe, Schiller ในเยอรมนี, Goldoni ในอิตาลี การครอบงำของเหตุผลนำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปะแห่งการตรัสรู้ได้รับความทุกข์ทรมานจากความมีเหตุมีผล การวิเคราะห์อย่างมีเหตุผลของชีวิตจำเป็นต้องมีรูปแบบที่สั่ง

อย่างไรก็ตาม ผู้รู้แจ้งที่เห็นอุดมคติของบุคคลในบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ไม่สามารถละเลยข้อกำหนดของความรู้สึกเมื่อพูดถึงงานศิลปะได้ โรงละครแห่งการตรัสรู้แสดงทั้งเนื้อหาและวิธีการอย่างน่าทึ่ง โฉมใหม่สู่โลกที่เพียงพอกับยุคสมัย

โรงละครในยุคแห่งการตรัสรู้ในอังกฤษ

ผู้ชมโรงละครในศตวรรษที่ 18 กลายเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น ในห้องโถงมีการติดตั้งม้านั่งเรียบง่ายสำหรับชาวกรุง Raek เต็มไปด้วยคนใช้ นักเรียน และช่างฝีมือเล็กๆ ระหว่างการแสดง ผู้ชมกระตือรือร้นมาก ตอบสนองต่อสิ่งที่แสดงบนเวทีอย่างมีชีวิตชีวา

ดังนั้น ในอังกฤษ โรงละครแห่งการตรัสรู้จึงวิพากษ์วิจารณ์ความชั่วร้ายของระบบชนชั้นนายทุนที่กำลังเกิดขึ้น มีหลักคำสอนเชิงอุดมคติใหม่ของโรงละครคือการศึกษาสาธารณะและศีลธรรมของผู้ชม หลักคำสอนนี้เข้ากันได้อย่างลงตัวกับประเพณีที่เคร่งครัดในอังกฤษ - ในอนาคตพวกที่นับถือนิกายแบ๊ปทิสต์ทำให้ตำแหน่งของพวกเขาอ่อนลงเมื่อเทียบกับศิลปะการละครและไม่ได้ต่อสู้กับโรงละครอีกต่อไป แต่สำหรับการปฏิรูป: การกำจัดการผิดศีลธรรมและการเปลี่ยนแปลงของ โรงละครในสถาบันที่เป็นประโยชน์ต่อสังคม

บทความของ Jeremy Collier นักศาสนศาสตร์ที่เคร่งครัดในการต่อต้านโรงละครของชนชั้นสูง การทบทวนโดยสังเขปของการผิดศีลธรรมและการผิดศีลธรรมของเวทีอังกฤษ (1698) กลายเป็นเอกสารเชิงโปรแกรมของการปฏิรูปโรงละคร บทความนี้กำหนดเน้นย้ำศีลธรรมและการสอนของโรงละครอังกฤษตลอดเกือบศตวรรษที่ 18 ทั้งหมด ในแง่นี้ งานของนักเขียนบทละครเช่น โจเซฟ แอดดิสัน (กาโต้ มือกลอง) ริชาร์ด สตีล (The Liar Lover หรือ Woman's Friendship; Carefree Husband), ซามูเอล จอห์นสัน (ไอรีน), คอลลี่ ซิบเบอร์ (สามีไร้กังวล; อัตราสุดท้ายของ ภริยา สามีขี้งก) เจริญในสายเลือดนี้ )

ในปี ค.ศ. 1731 ในบทนำของบทละครเรื่อง The Merchant of London หรือ The History of George Barnwell นักเขียนบทละคร George Lillo ได้ตีพิมพ์แถลงการณ์สำหรับรายการเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ใหม่ ซึ่งเป็นทฤษฎีที่สมจริงของละครชนชั้นกลาง เขาคัดค้านการจำกัดคลาสของโศกนาฏกรรมซึ่งนำเฉพาะบุคคลระดับสูงมาสู่ฮีโร่ เขาเรียกร้องให้โศกนาฏกรรมกลายเป็นตัวนำความคิดทางศีลธรรมของชนชั้นนายทุนโดยไม่ปิดบังความเกลียดชังของชนชั้นสูง เมื่อสิบปีก่อน ในปี 1721 ละครนิรนามเรื่อง Fatal Madness ได้ปรากฏตัวขึ้นในอังกฤษ โดยเขียนขึ้นเกี่ยวกับเรื่องหนึ่งที่โปรดปรานของละครชนชั้นนายทุนน้อย—ผลที่ตามมาของการพนัน จากนั้นการเล่นยังคงไม่มีใครสังเกตเห็น - เวลาสำหรับประเภทใหม่ยังไม่มา แต่ตอนนี้ปัญหาของชนชั้นนายทุนกลายเป็นที่ต้องการอย่างมากในหมู่ผู้ชม

แนวโน้มเสียดสีในละครได้รับการพัฒนาโดย Henry Fielding ("Don Quixote in England"; "Grubstreet's Opera หรือ At the Wife's Shoe"; "Historical Calendar for 1736") ความเฉียบแหลมของการประณามเสียดสีนำไปสู่การตีพิมพ์กฎหมายของรัฐบาลเกี่ยวกับการเซ็นเซอร์การแสดงละครในปี 1737 ซึ่งยุติการเสียดสีทางการเมือง ความสนใจของนักเขียนบทละคร-นักการศึกษามุ่งเน้นไปที่ความตลกขบขันของมารยาท ซึ่งทำให้อย่างน้อยก็มีการเสียดสีสังคม ผลงานที่น่าสนใจที่สุดของความตลกขบขันของมารยาทในยุคนี้เป็นปากกาของ Oliver Goldsmith (Good Equal; Night of Errors) และ Richard Sheridan (Rivals; School of Scandal)

ตัวแทนที่ดีที่สุดของศิลปะอังกฤษคือ David Garrick ที่มีชื่อเสียง (1717-1779) นักมนุษยนิยมและนักการศึกษาบนเวที เขาประสบความสำเร็จในการเลื่อนตำแหน่งละครของเช็คสเปียร์โดยรับบทเป็นแฮมเล็ต เลียร์ และคนอื่นๆ

ปลายศตวรรษที่ 18 ทำเครื่องหมายในอังกฤษด้วยการเกิดขึ้นของประเภทใหม่ - โศกนาฏกรรมของ "ฝันร้ายและความน่าสะพรึงกลัว" ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของใหม่ ทิศทางความงาม- ความโรแมนติก ผู้สร้างประเภทนี้คือ Horace Walpole แม้ว่าเขาจะเป็นเจ้าของละครเรื่องเดียว - "The Mysterious Mother" (1768) ซึ่งบรรยายถึงเรื่องราวของความหลงใหลในการร่วมประเวณีระหว่างพี่น้อง แต่ผู้เขียนก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแสดงละครก่อนโรแมนติกและโรแมนติก

โรงละครฝรั่งเศสศตวรรษที่สิบแปด

กระบวนการทำให้สังคมเป็นประชาธิปไตยในยุคแห่งการตรัสรู้ทำให้เกิดละครแนวใหม่ - ละครชนชั้นนายทุนน้อยซึ่งผู้สร้างในฝรั่งเศส ได้แก่ D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier

ข้อบกพร่องของละครชนชั้นนายทุนน้อยและ "ความขบขันน้ำตา" ถูกเอาชนะในคอเมดี้ของ P. O. Beaumarchais " ช่างตัดผมเซบียา"(1775) และ" การสมรสของฟิกาโร "(1784) ซึ่งกับ พลังใหม่ประเพณีของ Moliere มีชีวิตขึ้นมาและได้รวบรวมคุณลักษณะที่ดีที่สุดของสุนทรียศาสตร์แห่งการตรัสรู้

ความทะเยอทะยานของวีรบุรุษและพลเมืองของการศึกษาละครได้รับการเปิดเผยด้วยกำลังที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงการปฏิวัติชนชั้นกลางของฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 โศกนาฏกรรมของ M.J. Chenier ซึ่งเต็มไปด้วยสิ่งที่น่าสมเพชต่อต้านศักดินา (“Charles IX”, 1789, “Henry VIII”, 1791, “Jean Calas”, 1791, “Kai Gracchus”, 1792) เป็นตัวอย่างของละครแนวคลาสสิกที่ปฏิวัติวงการ .

ในฝรั่งเศส วอลแตร์ปราชญ์-นักการศึกษา กล่าวถึงบทละครของเขาเกี่ยวกับประเด็นทางสังคมและประณามลัทธิเผด็จการ ยังคงพัฒนาประเภทของโศกนาฏกรรมต่อไป

ในเวลาเดียวกัน การแสดงตลก-เหน็บแนมก็ยังคงอยู่บนเวทีฝรั่งเศส ดังนั้น Lesage (1668-1747) ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Turcare" ไม่เพียงวิพากษ์วิจารณ์ชนชั้นสูงที่ทรุดโทรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชนชั้นนายทุนที่น่ารังเกียจด้วย เขาปรารถนาที่จะสร้างคอเมดี้ให้กับโรงละครพื้นบ้าน

นักการศึกษาและนักเขียนบทละครอีกคน Denis Diderot (1713-1784) ปกป้องความจริงและความเป็นธรรมชาติบนเวที นอกเหนือจากละครหลายเรื่อง ("Bad Son", "Father of the Family" ฯลฯ ) Diderot ยังเขียนบทความเรื่อง "The Paradox of the Actor" ซึ่งเขาได้พัฒนาทฤษฎีการแสดง

ในการแสดงละครโศกนาฏกรรมที่ให้ความกระจ่างของวอลแตร์ นักแสดงประเภทใหม่เข้ามาอยู่ข้างหน้า ซึ่งสามารถแสดงความน่าสมเพชของพลเมืองในเรื่องที่กล้าหาญและเป็นการกล่าวหา

สถานที่ขนาดใหญ่ในการพัฒนาโรงละครแห่งการตรัสรู้ในฝรั่งเศสถูกครอบครองโดยลานนิทรรศการและโรงละครริมถนน ประเภทของการแสดงละครคือละครใบ้, เรื่องตลก, คุณธรรม, fastachtspieli การแสดงที่มีพื้นฐานมาจากศิลปะการแสดงด้นสด สิ่งเหล่านี้มักเป็นการแสดงเสียดสี โดยมีองค์ประกอบที่แปลกประหลาดและตลกขบขัน เต็มไปด้วยอารมณ์ขันที่หยาบคาย นักเต้นเชือก นักเล่นปาหี่ และสัตว์ที่ได้รับการฝึกฝน ต้นแบบของนักแสดงละครสัตว์ ก็แสดงที่งานแสดงสินค้าเช่นกัน พวกเขาใช้การล้อเลียนและเสียดสีกันอย่างกว้างขวาง ลักษณะที่เป็นประชาธิปไตยของศิลปะนี้กระตุ้นการโจมตีโดยโรงละครที่มีสิทธิพิเศษ

การก่อตัวของโรงละครเยอรมัน

Gotthold-Ephraim Lessing นักเขียนและนักการศึกษาชาวเยอรมันที่โดดเด่นที่สุด (ค.ศ. 1729-1781) เป็นผู้สร้างโรงละครแห่งชาติเยอรมันอย่างแท้จริง เขาสร้างภาพยนตร์ตลกแห่งชาติเรื่องแรกเรื่อง "Minna von Barnholm" โศกนาฏกรรมต่อต้านศักดินา "Emilia Galotti" และผลงานละครอื่น ๆ อีกมากมาย ในโศกนาฏกรรมทางการศึกษา Nathan the Wise ผู้เขียนได้พูดต่อต้านความคลั่งไคล้ศาสนา

ในหนังสือชื่อดัง "Hamburg Dramaturgy" Lessing ได้สรุปความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีการละคร G. E. Lessing เป็นผู้สร้างละครสังคม เรื่องตลกระดับชาติ และโศกนาฏกรรมทางการศึกษา นักทฤษฎีการละคร ผู้ก่อตั้งกระแสความจริงในโรงละครเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 18

แนวคิดเรื่องการตรัสรู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแสดงของชาวเยอรมัน ทำให้เข้าใกล้ความสมจริงมากขึ้น นักแสดงที่โดดเด่นที่สุดในเยอรมนีในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือฟรีดริช ลุดวิก ชโรเดอร์ (1744-1816) ซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่อง "พายุและความเครียด" ในยุค 70 ศตวรรษที่ 18 ในศิลปะเยอรมัน เทรนด์ใหม่เกิดขึ้นภายใต้ชื่อ "storms and onslaughts"

สะท้อนถึงการเคลื่อนไหวของกลุ่มชนชั้นนายทุนที่ก้าวหน้าและก้าวหน้าที่สุด ซึ่งต่อสู้กับระบบศักดินาและระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ กวีและนักเขียนบทละครชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกอเธ่และชิลเลอร์เข้าร่วมในปัจจุบันนี้ ในปี พ.ศ. 2320 โรงละครแห่งชาติมันไฮม์ได้เปิดขึ้น ซึ่งเป็นหนึ่งในโรงละครที่ใหญ่ที่สุดของเยอรมันในยุค 80 และ 90 ในศตวรรษที่ 18 กิจกรรมของนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละคร A.V. Iffland เกิดขึ้น เขาปลูกละครชนชั้นนายทุน - ฟิลิสเตียบนเวทีมันไฮม์ (บทละครของเขาเอง เช่นเดียวกับบทละครของเอ. คอตเซบู) ซึ่งกำหนดหน้าตาที่สร้างสรรค์ของโรงละคร

ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด การพัฒนาโรงละครเยอรมันเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเขียนบทละครชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ J.W. Goethe และ F. Schiller ในโรงละคร Weimar เป็นครั้งแรกในเยอรมนีที่จัดแสดง งานสำคัญการแสดงละครคลาสสิกระดับโลก (เกอเธ่, ชิลเลอร์, เลสซิง, วอลแตร์และอื่น ๆ ) วางรากฐานของการกำกับศิลป์หลักการของนักแสดงทั้งหมดภายใต้แนวคิดทางศิลปะเดียวถูกนำมาใช้

เกอเธ่ในของเขา โปรแกรมภาคทฤษฎีและการปฏิบัติทางศิลปะ ท่านได้ยืนยันหลักการสร้างโรงละครขนาดใหญ่ที่ตรงตามมาตรฐานศิลปะโบราณที่เคร่งครัด "โรงเรียนไวมาร์" ของการแสดงอยู่ตรงข้ามกับโรงเรียนมานไฮม์และเข้าหาโรงเรียนคลาสสิก

โรงละครอิตาลี

แม้จะมีความล้าหลังทางเศรษฐกิจและการเมือง อิตาลีก็ยังโดดเด่นด้วยความร่ำรวยและความหลากหลายของชีวิตการแสดงละคร ภายในศตวรรษที่ 18 อิตาลีมีโรงละครดนตรีที่ดีที่สุดในโลกโดยแบ่งออกเป็นสองประเภท - โอเปร่าที่จริงจังและ ละครตลก(หนังโอเปร่า). มีโรงละครหุ่นกระบอกมีการแสดงตลกเดลอาร์ททุกที่

อย่างไรก็ตาม การปฏิรูปโรงละครดำเนินมาอย่างยาวนาน ในยุคแห่งการตรัสรู้ การแสดงตลกอย่างกะทันหันไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของเวลาอีกต่อไป จำเป็นต้องมีโรงละครวรรณกรรมแห่งใหม่ที่จริงจัง ความตลกขบขันของหน้ากากไม่สามารถมีอยู่ในรูปแบบเดิมได้ แต่ความสำเร็จจะต้องได้รับการเก็บรักษาไว้และส่งต่อไปยังโรงละครแห่งใหม่อย่างระมัดระวัง

การแทรกซึมของความคิดของการตรัสรู้เข้าไปในโรงละครของอิตาลีนั้นมาพร้อมกับการต่อสู้ที่ยาวนานกับพิธีการและการขาดความคิดในการแสดงละคร ผู้ริเริ่มในอิตาลีคือ คาร์โล โกลโดนี นักเขียนบทละครที่โดดเด่น (ค.ศ. 1707-1793) พระองค์ทรงสร้าง ตลกใหม่ตัวอักษร แทนที่จะเป็นการแสดงด้นสด การแสดงกลับอิงจากข้อความทางวรรณกรรม

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของอิตาลีในฐานะช่วงเวลาแห่งสงครามการแสดงละคร เขาถูกต่อต้านโดย Abbe Chiari นักเขียนบทละครธรรมดาและดังนั้นจึงไม่อันตราย แต่ Carlo Gozzi คู่ต่อสู้หลักของเขาซึ่งมีพรสวรรค์เท่ากับเขาคือ Carlo Gozzi Gozzi เข้ามาปกป้องโรงละครแห่งหน้ากากโดยตั้งภารกิจในการฟื้นฟูประเพณีของการแสดงตลกอย่างกะทันหัน และดูเหมือนว่าเขาจะทำสำเร็จในบางช่วง และแม้ว่าโกลโดนีจะเหลือที่ว่างสำหรับการแสดงด้นสดในคอเมดี้ของเขา และในที่สุด กอซซีเองก็บันทึกงานละครเกือบทั้งหมดของเขา แต่การโต้เถียงของพวกเขาก็โหดร้ายและแน่วแน่ เนื่องจากเส้นประสาทหลักของการเผชิญหน้าระหว่างชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสองคือความไม่ลงรอยกัน ตำแหน่งสาธารณะในมุมมองที่แตกต่างกันของโลกและมนุษย์

Carlo Gozzi (1720-1806) เป็นนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ ในความพยายามที่จะต่อต้านคอเมดีของ Goldoni ด้วยละครของเขาเอง Gozzi ได้พัฒนาประเภทของเทพนิยายการละคร เหล่านี้เป็นบทละครของเขา "ความรักในสามส้ม", "ราชากวาง", "เจ้าหญิง Turandot" ที่มีชื่อเสียง, "หญิงงู" และอื่น ๆ ขอบคุณอารมณ์ขันที่ประชดประชันและชุ่มฉ่ำ นิทานที่มีพรสวรรค์ของ Gozzi สำหรับการแสดงบนเวทียังคงประสบความสำเร็จมาจนถึงทุกวันนี้

ผู้เขียนโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Vittorio Alfieri การเกิดโศกนาฏกรรมละครอิตาลีเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา เขาสร้างโศกนาฏกรรมของเนื้อหาพลเรือนเกือบคนเดียว ผู้รักชาติผู้หลงใหลในความฝันของการปลดปล่อยบ้านเกิดของเขา Alfieri ต่อต้านการกดขี่ข่มเหง โศกนาฏกรรมทั้งหมดของเขาตื้นตันกับวีรบุรุษที่น่าสมเพชของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพ

Alfieri แย้งว่าผู้คนควรได้รับอิสรภาพจากมือของขุนนางซึ่งยืนยันเสรีภาพของมนุษย์ซึ่งเจตจำนงอยู่ภายใต้เหตุผลและความรู้สึกต่อหน้าเท่านั้น ในบทความเรื่อง "On the Sovereign and Literature" (พ.ศ. 2321-2529) Alfieri นิยามงานของกวีนิพนธ์ที่น่าทึ่งว่าเป็นการปลุกความรู้สึกถึงคุณธรรมและความรักในอิสรภาพ โศกนาฏกรรมของ Alfieri "Saul", "Philip", "Virginia", "Brutus I" และ "Brutus II" มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาโรงละครอิตาลี

โรงละครเดนมาร์กแห่งการตรัสรู้

โรงละครมืออาชีพในเดนมาร์กเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 การสร้างโรงละครเกิดจากการพัฒนาเศรษฐกิจและวัฒนธรรมของประเทศ เมื่อวันที่ 23 กันยายน ค.ศ. 1722 โรงละคร "Danish Stage" เปิดขึ้นในโคเปนเฮเกนด้วยละคร "The Miser" ในไม่ช้าการเปิดรอบปฐมทัศน์ของภาพยนตร์ตลกเรื่องแรกของ L. Holberg เรื่อง "The Tin Man-Politician"

ในปี ค.ศ. 1728 ตัวแทนของศาลได้ปิดเวทีเดนมาร์ก โรงละครกลับมาทำงานอีกครั้งในปี 1748 (ในห้องบนรอยัลสแควร์) ในปี พ.ศ. 2313 ได้รับพระราชทานยศเป็นพระราชอำนาจและอยู่ภายใต้อำนาจของกระทรวงศาล ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบแปด ละครเวที singspiel, ตลกโดย J. Ewald, โศกนาฏกรรมโดย Voltaire และ epigones เดนมาร์กของเขา แต่การแสดงละครของ Holberg ยังคงเป็นพื้นฐานของละครของโรงละคร

บทบาทที่โดดเด่นในการส่งเสริมแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ในเดนมาร์กแสดงโดยผลงานของ J. X. Wessel ผู้เขียนโศกนาฏกรรมล้อเลียน Love Without Stockings (1772) ซึ่งสานต่อประเพณีของ Holberg

โรงละครแห่งการตรัสรู้เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโลกทั้งใบ เป็นแหล่งรวมศิลปะการละครของยุโรปที่ทรงพลังมาโดยตลอด โรงละครแห่งใหม่นี้ถือกำเนิดขึ้นจากความต้องการที่จะเติมพลังของคนหนุ่มสาวให้กลายเป็นจริง และถ้าคุณถามตัวเองว่าการกระทำนี้ควรจะหลั่งไหลออกมาในรูปแบบใดนี่คือทะเลแห่งความสนุกคำตอบก็ชัดเจน: แน่นอนในขอบเขตของโรงละคร

ในช่วงศตวรรษที่ 18 โรงละครยุโรปมีชีวิตที่ยืนยาวและซับซ้อน บรรทัดฐานด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งถือเป็นความสมบูรณ์ได้สูญเสียความสำคัญในอดีตในช่วงเวลานี้ ความคิดเห็นและรสนิยมต่างเผชิญหน้ากันอย่างไม่หยุดยั้งมาเป็นเวลากว่าศตวรรษ หอประชุมได้กลายเป็นเวทีของการปะทะกันทางสังคมมากกว่าหนึ่งครั้ง ผู้เขียนทำหน้าที่เป็นคู่ต่อสู้ทางการเมืองซึ่งเป็นครั้งแรกที่ได้เรียนรู้ว่าการต่อสู้อย่างดุเดือดสามารถอยู่ในงานศิลปะของพวกเขาได้

โรงละครในรูปแบบศิลปะไม่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ในอนุสาวรีย์ที่เป็นวัตถุเช่นภาพวาดและประติมากรรมเป็นงานวรรณกรรมและดนตรี แต่ประวัติศาสตร์ของโรงละครบอกเล่าเกี่ยวกับนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต วิธีการเล่น แรงบันดาลใจของคนรุ่นเดียวกันที่พวกเขารวบรวมในการแสดงของพวกเขา สิ่งที่พวกเขาต้องการในเวลาที่พวกเขาตอบสนองคืออะไร

ชีวิตละคร รัสเซีย XIXศตวรรษ.

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เครือข่ายโรงละครของจักรวรรดิรัสเซียได้พัฒนาขึ้น ซึ่งบริหารจัดการโดย
"กรมราชทัณฑ์". ศาลมีโรงละครสามแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Alexandrinsky, Mariinsky และ Mikhailovsky - และอีกสองแห่งในมอสโก - โรงละคร Bolshoi และ Maly

ด้วยการปรากฎตัวของบทละครโดย A.N. ออสตรอฟสกี, I.S. Turgenev ร้อยแก้วโดย F.M. กวีนิพนธ์ Nekrasov ความสมจริงของ Dostoevsky มาถึงวัฒนธรรมรัสเซีย

การแสดงเปลี่ยนไปพร้อมกับการแสดงละคร ทำลายความคิดเก่า ๆ เกี่ยวกับความจริงที่อยู่บนเวที 16 พฤศจิกายน พ.ศ. 2402 เป็นวันเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ที่โรงละคร Maly ของละครเรื่อง "Thunderstorm" โดย Ostrovsky เกิดพายุขึ้นรอบๆ การแสดง นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Katerina คือนักแสดงสาวสวย L.P. Nikulina - Kositskaya ด้วยบทละครของออสทรอฟสกี้ องค์ประกอบของชีวิตชาวรัสเซียได้ปะทุขึ้นบนเวที ซึ่งเป็นภาษาใหม่ที่ไพเราะและทันสมัย ในบทละครของ Ostrovsky นักแสดงของ Maly ฉายแววตลอดหลายทศวรรษต่อมา จีเอ็น Fedotova, M.N. Yermolova เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมของโรงละคร Maly

ศิลปินรัสเซียในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 M.S. Shchepkin, ป.ล. Mochalov, V.A. Karatygin ยังคงอยู่ในความทรงจำของลูกหลานในฐานะบุคคลในตำนาน Shchepkin เล่นเกือบ 600 บทบาทในบทละครของ Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky และ Turgenev เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่สร้างสัจนิยมในโรงละครรัสเซีย เขาสร้างความจริงบนเวทีรัสเซีย

Mochalov ตรงกันข้ามกับ Shchepkin เขาเล่นบทบาทหลักในละครรัสเซียและตะวันตก - Shakespeare's Hamlet, Karl Moor ในละครของ Schiller เรื่อง The Robbers, Chatsky in Woe จาก Wit

ในการผลิตละคร นักแสดงชาวรัสเซียได้สร้างภาพที่ลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะการละคร ผู้ชมชื่นชม Ekaterina Semyonova, Alexei Yakovlev นักแสดงเหล่านี้กลับชาติมาเกิดอย่างสมบูรณ์ในบุคคลที่เป็นตัวแทน โรงละคร Maly เริ่มเชี่ยวชาญในการผลิตละครทีละน้อยและ Bolshoi ในโอเปร่าและบัลเล่ต์

โรงละครบอลชอยเปตรอฟสกี ค.ศ. 1825-1853

การเปิดโรงละคร Bolshoi Petrovsky เมื่อวันที่ 6 มกราคม พ.ศ. 2368 ได้จัดขึ้นอย่างเคร่งขรึม ผู้ชมที่มาเยี่ยมชมโรงละครแห่งใหม่ในเย็นวันนั้นต่างตกตะลึงกับความสง่างามของการออกแบบสถาปัตยกรรมและรูปลักษณ์ของอาคาร ขนาดที่ไม่เคยมีมาก่อนของอาคาร และความงามของการตกแต่งหอประชุม

นักเขียน Sergei Aksakov เล่าว่า:“ โรงละคร Bolshoi Petrovsky ซึ่งเกิดขึ้นจากซากปรักหักพังที่เก่าแก่และถูกไฟไหม้ ... ประหลาดใจและยินดีกับฉัน ... อาคารขนาดใหญ่ที่งดงามซึ่งอุทิศให้กับงานศิลปะที่ฉันโปรดปรานโดยเฉพาะด้วยรูปลักษณ์เพียงอย่างเดียวทำให้ฉันสนุกสนาน ความตื่นเต้น ... "

ก่อนเริ่มการแสดง ผู้ชมเรียกผู้สร้างโรงละคร Osip Bove ขึ้นมาบนเวทีและให้รางวัลด้วยเสียงปรบมือ

ในเช้าวันที่เมฆมากในวันที่ 11 มีนาคม พ.ศ. 2396 ไฟไหม้ในโรงละครโดยไม่ทราบสาเหตุ เปลวไฟได้ลุกลามไปทั่วทั้งอาคารในทันที แต่ด้วยกำลังสูงสุด ไฟก็โหมกระหน่ำบนเวทีและในหอประชุม “การมองดูยักษ์ตัวนี้ที่ติดไฟมันแย่มาก” พยานคนหนึ่งบรรยายไฟ “เมื่อมันถูกไฟไหม้ ดูเหมือนว่าเราจะเห็นว่าคนที่เรารักกำลังจะตายต่อหน้าต่อตาเรา ทำให้เรามีความคิดและความรู้สึกที่สวยงามที่สุด ..”

ชาวมอสโกต่อสู้กับเปลวเพลิงเป็นเวลาสองวัน และในวันที่สาม อาคารโรงละครมีลักษณะคล้ายกับซากปรักหักพังของโคลีเซียมโรมัน ซากอาคารที่ระอุอยู่ประมาณหนึ่งสัปดาห์ ชุดการแสดงละครที่รวบรวมตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ฉากเวทีที่ยอดเยี่ยม คลังข้อมูลของคณะละคร ส่วนหนึ่งของห้องสมุดดนตรี และเครื่องดนตรีหายากเสียชีวิตในกองไฟอย่างไม่อาจเพิกถอนได้

โครงการอาคารโรงละครแห่งใหม่ซึ่งวาดโดยศาสตราจารย์ A. Mikhailov ได้รับการอนุมัติจากจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 ในปี พ.ศ. 2364 และการก่อสร้างได้รับมอบหมายให้สถาปนิก Osip Bove

โรงละครที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรป สร้างขึ้นบนพื้นที่ของอาคารโรงละครที่ไฟดับ แต่ส่วนหน้าหันไปทางจัตุรัสเธียเตอร์...

โรงละครบอลชอย (2399-2460)

เมื่อวันที่ 20 สิงหาคม พ.ศ. 2399 โรงละครบอลชอยที่ได้รับการบูรณะได้เปิดต่อหน้า ราชวงศ์และตัวแทนของทุกรัฐด้วยโอเปร่า "The Puritani" ของ V. Bellini ที่ดำเนินการโดยคณะชาวอิตาลี บัลเล่ต์มอสโกในช่วงเวลานี้เป็นหนี้ความสำเร็จของความสามารถของชาวฝรั่งเศส Marius Petipa ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นักออกแบบท่าเต้นมาที่มอสโคว์เพื่อแสดงบนเวทีซ้ำแล้วซ้ำอีก งานมอสโกที่สำคัญที่สุดของเขาคือ "Don Quixote" โดย L. Minkus แสดงครั้งแรกในปี 2412 ต่อจากนั้น Petipa ได้ย้ายบัลเล่ต์ฉบับมอสโกไปยังเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

งานของ P. Tchaikovsky มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดง นักแต่งเพลงเปิดตัวในเพลงโอเปร่า - "Voevoda" (1869) และบัลเล่ต์ - " ทะเลสาบสวอน"(2420) เกิดขึ้นบนเวทีของโรงละครบอลชอย ที่นี่โอเปร่า Eugene Onegin (1881) ได้รับการเกิดจริงการทดสอบครั้งแรกสำหรับ เวทีใหญ่หลังการผลิตเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2422 โอเปร่า Mazepa (1884) หนึ่งในยอดแหลมของโอเปร่าของนักแต่งเพลงได้เห็นแสงแห่งวันเป็นครั้งแรก เวอร์ชันสุดท้ายของโอเปร่า The Blacksmith Vakula ซึ่งในปี 1887 ได้รับชื่อใหม่ Cherevichki

การแสดงที่น่าจดจำในพงศาวดารของโรงละครคือการแสดงครั้งแรกเมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2431 ของละครพื้นบ้านของ I. Mussorgsky "Boris Godunov" โอเปร่าเรื่องแรกของ N. Rimsky-Korsakov คือ The Snow Maiden (1893) ตามด้วย The Night Before Christmas (1898) ในปี พ.ศ. 2441 เดียวกันโรงละครได้แสดงโอเปร่า "Prince Igor" โดย A. Borodin ให้ผู้ชมได้เห็นและอีกสองปีต่อมาผู้ชื่นชอบศิลปะการออกแบบท่าเต้นได้ทำความคุ้นเคยกับบัลเล่ต์ "Raymonda" โดย A. Glazunov

คณะโอเปร่าของโรงละครปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX มีนักร้องที่โดดเด่นมากมาย ในบรรดาชื่ออันรุ่งโรจน์ของปีที่ผ่านมา ได้แก่ Evlalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov และคนอื่น ๆ นักร้องปรากฏตัวบนเวทีละครในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งในไม่ช้าชื่อก็กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางไม่เพียง รัสเซีย แต่และต่างประเทศ - Leonid Sobinov, Fedor Chaliapin, Antonina Nezhdanova

กิจกรรมในโรงละครของ Sergei Rachmaninov มีผลสำเร็จซึ่งประกาศตัวเองที่ขาตั้งของผู้ควบคุมวง นักดนตรีเก่ง. Rachmaninoff ปรับปรุงคุณภาพเสียงของโอเปร่ารัสเซียคลาสสิกในโรงละคร อย่างไรก็ตาม ชื่อของรัคมานินอฟมีความเกี่ยวข้องกับการถ่ายโอนคอนโซลของผู้ควบคุมวงไปยังที่ซึ่งตอนนี้อยู่ ก่อนที่ผู้ควบคุมวงจะยืนอยู่ด้านหลังวงออเคสตราโดยหันหน้าเข้าหาเวที

ในปี พ.ศ. 2442 เจ้าหญิงนิทราได้ฉายรอบปฐมทัศน์ที่โรงละครบอลชอย การแสดงบัลเลต์นี้ ซึ่งก่อตั้งเครือจักรภพแห่งดนตรีและนาฏศิลป์ในรัสเซีย โรงละครบัลเล่ต์, เป็นจุดเริ่มต้นของการทำงานที่ยาวนานและมีความสุขในมอสโกนักออกแบบท่าเต้น, นักเขียนบทและอาจารย์ Alexander Gorsky ศิลปินที่มีความสามารถกลุ่มใหญ่ทำงานร่วมกับเขา - Ekaterina Geltser, Vera Karalli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, ผู้ควบคุมวงและนักแต่งเพลง Andrey Arende และคนอื่น ๆ การผลิตใหม่บัลเล่ต์ "Don Quixote" (1900) Gorsky เชิญศิลปินรุ่นเยาว์ Konstantin Korovin และ Alexander Golovin ผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพละครผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคต

พ.ศ. 2454 แผนการที่ส่งโดย Albert Kavos ชนะการแข่งขันเพื่อการบูรณะอาคารโรงละคร

Kavos รักษารูปแบบและปริมาตรของอาคาร Beauvais เพิ่มความสูง เปลี่ยนสัดส่วน และออกแบบการตกแต่งสถาปัตยกรรมใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง แกลเลอรีเหล็กหล่อทรงเพรียวพร้อมโคมไฟถูกสร้างขึ้นที่ด้านข้างของอาคาร ผู้ร่วมสมัยสังเกตเห็นลักษณะของแนวเสานี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสวยงามในตอนเย็น เมื่อคุณมองจากระยะไกล และแถวของโคมไฟที่เผาไหม้ดูเหมือนจะเป็นเส้นเพชรที่วิ่งไปตามโรงละคร

กลุ่มเศวตศิลาของ Apollo ซึ่งประดับประดาโรงละคร Beauvais เสียชีวิตในกองไฟ เพื่อสร้าง Cavos ใหม่ เขาเชิญประติมากรชาวรัสเซียผู้โด่งดัง Pyotr Klodt (1805-1867) ผู้เขียนกลุ่มนักขี่ม้าที่มีชื่อเสียงสี่กลุ่มบนสะพาน Anichkov ข้ามแม่น้ำ Fontanka ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Klodt ได้สร้างกลุ่มประติมากรรมที่มีชื่อเสียงระดับโลกกับ Apollo หล่อขึ้นที่โรงงานของ Duke of Lichtenberg จากโลหะผสมที่ชุบด้วยทองแดงด้วยไฟฟ้า

ในระหว่างการสร้างหอประชุมขึ้นใหม่ Kavos ได้เปลี่ยนรูปร่างของห้องโถงโดยแคบลงสู่เวทีและทำให้หลุมวงออเคสตราลึกขึ้น ด้านหลังที่นั่งของห้องโถงซึ่งเคยเป็นห้องแสดงภาพ เขาได้จัดอัฒจันทร์ ขนาดของหอประชุมกลายเป็น: ความลึกและความกว้างเกือบเท่ากัน - ประมาณ 30 เมตร, สูง - ประมาณ 20 เมตร หอประชุมเริ่มรองรับผู้ชมได้กว่า 2,000 คน

ในรูปแบบนี้ โรงละครบอลชอยรอดมาได้จนถึงทุกวันนี้ ยกเว้นการบูรณะภายในและภายนอกขนาดเล็ก

โรงละครเป็นสิ่งมหัศจรรย์ของโลกมนุษย์