Ano ang mga pangalan ng hindi maiintindihan na mga larawan. Ang mga kakaibang larawan

2. Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

897-1898, canvas, langis. 139.1 × 374.6 cm
Museo sining, Boston

Ang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa Tahiti, kung saan tumakas siya mula sa Paris. Nang makumpleto ang gawain, nais pa niyang magpakamatay, dahil naniniwala siya: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang higit sa lahat ng mga nauna ko, ngunit hindi na ako lalilikha ng isang mas mahusay o kahit na katulad."

Noong tag-araw ng huling bahagi ng 1980s, maraming mga Pranses na artista ang nagtipon sa Pont-Aven (Brittany, France). Lumipat sila nang magkasama at halos agad na nahati sa dalawang pangkat ng pagalit. Ang isa sa mga ito ay kasama ang mga artista na nagsisimula sa landas ng paghahanap at pinagsama ng karaniwang pangalan na "impressionists". Ayon sa pangalawang pangkat, na pinangunahan ni Paul Gauguin, ang pangalang ito ay mapang-abuso. Si P. Gauguin sa oras na iyon ay nasa ilalim ng apatnapu't. Napapaligiran ng misteryosong halo ng isang manlalakbay na nakaranas ng mga dayuhang lupain, mayroon siyang malaking karanasan sa buhay at mga admirer at imitator ng kanyang gawain.

Ang parehong mga kampo ay nahati at higit sa lahat sa kanilang posisyon. Habang ang mga Impressionist ay nanirahan sa mga attics o attics, ang iba pang mga artista ay sinakop ang pinakamahusay na mga silid ng Gloanek Hotel, na nakain sa pinakamalaki at pinakamagandang restawran, kung saan hindi pinapayagan ang mga miyembro ng unang pangkat. Gayunpaman, ang mga pag-aaway sa pagitan ng mga grupo ay hindi lamang pumigil sa P. Gauguin na gumana, sa kabaligtaran, tinulungan nila siya hanggang sa mapagtanto ang mga tampok na iyon na nagpukaw sa kanyang marahas na protesta. Ang pagtanggi sa analytical na pamamaraan ng mga Impressionist ay isang pagpapakita ng kanyang kumpletong pag-isipang muli sa mga gawain ng pagpipinta. Ang pagnanais ng mga Impressionist na makuha ang lahat ng kanilang nakita, ang kanilang napaka-artistikong prinsipyo - upang mabigyan ang kanilang mga kuwadro na hitsura ng isang bagay na hindi sinasadya na napaniwala - hindi tumutugma sa hindi maganda at masiglang kalikasan ni P. Gauguin.

Kahit na hindi gaanong nasiyahan sa kanyang teoretikal at masining na pananaliksik na si J. Seurat, na naghangad na mabawasan ang pagpipinta sa malamig, makatuwiran na paggamit ng mga pormula sa siyentipiko at mga recipe. Ang pamamaraan ni Seurat na pamamaraan, ang kanyang pamamaraan ng application ng pintura na may mga cross stroke ng isang brush at tuldok na inis na si Paul Gauguin kasama ang kanilang monotony.

Ang pananatili ng artista sa Martinique sa gitna ng kalikasan, na tila sa kanya isang marangyang, kamangha-manghang karpet, sa wakas ay nakumbinsi ang P. Gauguin na gumamit lamang ng hindi natukoy na kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa. Kasama niya, ang mga artista na nagbahagi ng kanyang mga saloobin ay nagpahayag ng "Synthesis" bilang kanilang prinsipyo - iyon ay, isang sintetikong pagpapasimple ng mga linya, mga hugis at kulay. Ang layunin ng pagpapasimple na ito ay upang maiparating ang impresyon ng maximum na lakas ng kulay at alisin ang anumang bagay na nagpapahina sa impression na iyon. Ang pamamaraan na ito ay nabuo ang batayan ng luma pandekorasyon na pagpipinta mga fresco at stain glass.

Si G. Gauguin ay interesado sa tanong tungkol sa ratio ng kulay at kulay. Sinubukan din niyang ipahiwatig sa kanyang pagpipinta hindi ang hindi sinasadya at hindi ang mababaw, ngunit ang nananatili at mahalaga. Para sa kanya, ang batas ay lamang ang malikhaing kalooban ng artista, at ang kanyang artistikong gawain nakita niya sa pagpapahayag ng pagkakasundo ng panloob, na naintindihan niya bilang isang synthesis ng frankness ng kalikasan at ang kalooban ng kaluluwa ng artist na nabalisa ng pagiging matapat na ito. Si G. Gauguin mismo ay nagsalita tungkol dito sa ganito: "Hindi ko nababilang ang katotohanan ng kalikasan, nakikita sa labas ... Ituwid ang maling maling pananaw na ito, na nagwawalang-bahala sa paksa batay sa pagiging totoo nito ... Dapat mong iwasan ang dinamismo. Hayaan ang lahat na huminga ng kapayapaan at kapayapaan ng kaluluwa , maiwasan ang mga poses sa paggalaw ... Ang bawat isa sa mga character ay dapat nasa isang static na posisyon. " At pinaikling niya ang pananaw ng kanyang mga kuwadro, dinala ito nang mas malapit sa eroplano, na inilalabas ang mga numero sa isang posisyon sa harap at pag-iwas sa mga foreshortenings. Samakatuwid, ang mga tao na inilalarawan ni P. Gauguin ay hindi gumagalaw sa mga kuwadro na gawa: sila ay tulad ng mga estatwa na inukit ng isang malaking pait na walang kinakailangang mga detalye.

Panahon mature na pagkamalikhain Nagsimula si Paul Gauguin sa Tahiti, at narito na ang problema ng artistikong synthesis ay natanggap ang buong pag-unlad nito. Sa Tahiti, tinanggihan ng artist ang marami na alam niya: sa mga tropiko, ang mga form ay malinaw at tiyak, ang mga anino ay mabigat at mainit, at ang mga pagkakaiba ay lalo na matalim. Narito ang lahat ng mga gawain na itinakda sa kanya sa Pont-Aven ay nalulutas ng kanilang sarili. Ang mga pintura ni P. Gauguin ay naging malinaw, nang walang mga smear. Ang kanyang mga painting sa Tahitian ay humahanga oriental na mga karpet o mga frescoes, kaya ang mga kulay sa mga ito ay maayos na dinala sa isang tiyak na tono.

Ang gawain ni P. Gauguin ng panahong ito (nangangahulugang unang pagbisita ng artist sa Tahiti) ay ipinakita isang napakagandang kuwento, na naranasan niya sa kalakasan, kakaibang katangian ng malayong Polynesia. Sa rehiyon ng Mataje, nakatagpo siya ng isang maliit na nayon, bumili ng kubo, sa isang bahagi kung saan ang karagatan ay nabagsak, at sa kabilang dako, makikita ang isang bundok na may isang malaking crevice. Ang mga Europeo ay hindi pa nakarating sa lugar na ito, at ang buhay ay tila kay P. Gauguin na isang tunay na paraiso sa lupa. Sinusunod niya ang mabagal na ritmo ng buhay ng Tahitian, sumisipsip ng maliliwanag na kulay asul na dagat, paminsan-minsan na natatakpan ng berdeng alon, nag-crash laban sa mga coral reef na may ingay.

Mula sa mga unang araw, ang artista ay nagtatag ng simple, ugnayan ng tao sa mga Tahita. Ang gawain ay nagsisimula upang makuha ang higit pa at higit pa P. Gauguin. Gumagawa siya ng maraming mga sketch at sketch mula sa likas na katangian, sa anumang kaso, sinubukan niyang makunan sa canvas, papel o kahoy ang mga katangian ng mga Tahitians, ang kanilang mga figure at posture - sa proseso ng trabaho o sa panahon ng pahinga. Sa panahong ito ay nililikha niya ang mga tanyag na kuwadro na gawa sa daigdig na "Ang Espiritu ng Patay na Gumising", "Nagmamadali Ka Ba?", "Pag-uusap", "Tahitian Pastorals".

Ngunit kung noong 1891 ang landas patungong Tahiti ay tila nagliliyab sa kanya (naglalakbay siya rito matapos ang ilang mga tagumpay sa Pransya), pagkatapos ay sa pangalawang pagkakataon ay napunta siya sa kanyang minamahal na isla bilang isang taong may sakit na nawala ang karamihan sa kanyang mga ilusyon. Lahat ng bagay sa paraan ng inis sa kanya: sapilitang hinto, walang silbi na basura, abala sa kalsada, abala sa kaugalian, obsess na mga kasama ...

Dalawang taon na lamang siya ay hindi nagpunta sa Tahiti, at marami ang nagbago rito. Ang pagsalakay sa Europa ay sinira ang orihinal na buhay ng mga katutubo, ang lahat ay tila sa P. Gauguin isang hindi mababago na mishmash: ang electric lighting sa Papeete, ang kabisera ng isla, at ang hindi mababago na carousel sa tabi ng maharlikang kastilyo, at ang mga tunog ng ponograpo na sumisira sa dating katahimikan.

Sa pagkakataong ito, ang artista ay nananatili sa lugar ng Punoauia, sa kanlurang baybayin ng Tahiti, na nagtatayo ng isang bahay sa isang upa na lupa na may mga tanawin sa dagat at bundok. Inaasahan na matatag na manirahan sa isla at lumikha ng mga kondisyon para sa trabaho, hindi niya ginugol ang gastos sa pag-aayos ng kanyang bahay at sa lalong madaling panahon, tulad ng madalas na kaso, naiwan nang walang pera. Nagbilang si P. Gauguin sa mga kaibigan na, bago umalis ang artista mula sa Pransya, ay humiram ng kabuuang 4,000 franc mula sa kanya, ngunit hindi sila nagmadali upang maibalik ang mga ito. Sa kabila ng katotohanan na ipinadala niya sa kanila ang maraming mga paalala ng utang, nagreklamo siya tungkol sa kapalaran at labis na kalagayan ...

Sa tagsibol ng 1896, natagpuan ng artist ang kanyang sarili sa pagkakahawak ng pinaka matinding pangangailangan. Idinagdag sa ito ay ang sakit sa sirang binti, na natatakpan ng mga ulser at nagdudulot ng hindi mababata na pagdurusa, na nag-aalis sa kanya ng pagtulog at enerhiya. Ang pag-iisip tungkol sa kawalang-saysay ng mga pagsisikap sa pakikibaka para sa pagkakaroon, tungkol sa kabiguan ng lahat ng mga masining na plano ay gumagawa sa kanya nang mas madalas na mag-isip tungkol sa pagpapakamatay. Ngunit sa sandaling naramdaman ni P. Gauguin ang kaunting ginhawa, ang likas na katangian ng artist ay nanalo sa itaas na kamay sa kanya, at ang pesimism ay naglaho sa harap ng kagalakan ng buhay at pagkamalikhain.

Gayunpaman, ang mga ito ay bihirang mga sandali, at ang mga kasawian ay sumunod sa isa't isa na may regular na sakuna. At ang pinaka-kahila-hilakbot na balita para sa kanya ay ang balita mula sa Pransya tungkol sa pagkamatay ng kanyang minamahal na anak na si Alina. Hindi makaligtas sa pagkawala, kumuha si P. Gauguin ng isang malaking dosis ng arsenic at nagpunta sa mga bundok upang walang makagambala sa kanya. Ang pagtatangka ng pagpapakamatay ay humantong sa katotohanan na ginugol niya ang gabi sa matinding paghihirap, nang walang anumang tulong at sa buong pag-iisa.

Sa loob ng mahabang panahon ang artista ay nasa kumpletong pagpatirapa, hindi niya maaaring hawakan ang isang brush sa kanyang mga kamay. Ang kanyang tanging aliw ay isang malaking canvas (450 x170 cm), ipininta sa kanya bago subukan ang pagpapakamatay. Tinawag niya ang pagpipinta na "Nasaan kami? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" at sa isa sa mga liham na isinulat niya: "Bago ako namatay, namuhunan ako sa loob ng lahat ng aking enerhiya, tulad ng isang nagdadalamhasang pagkahilig sa aking kakila-kilabot na mga kalagayan, at ang pangitain ay napakalinaw, nang walang pagwawasto, na ang mga bakas ng pagmamadali ay nawala at ang buong buhay ay nakikita dito."

Si P. Gauguin ay nagtrabaho sa larawan sa isang kakila-kilabot na pag-igting, kahit na matagal na niyang pinipilit ang ideya para sa mga ito sa kanyang imahinasyon sa loob ng mahabang panahon, hindi niya masabi nang sigurado kung kailan nagmula ang ideya ng canvas na ito. Ang mga napiling mga fragment ng ito napakalaking gawain sumulat sa kanya sa ibang taon at sa iba pang mga gawa. Halimbawa, ang isang babaeng pigura mula sa "Tahitian Pastorals" ay paulit-ulit sa larawang ito sa tabi ng isang idolo, gitnang pigura Nakilala ko ang isang picker ng prutas sa isang gintong sketch na "Isang tao na pumili ng mga prutas mula sa isang puno" ...

Pangarap na palawakin ang mga posibilidad ng pagpipinta, hinahangad ni Paul Gauguin na bigyan ang kanyang larawan ng character ng isang fresco. Hanggang dito, iniwan niya ang dalawang itaas na sulok (ang isa ay may pangalan ng pagpipinta, ang iba pang lagda ng artist) dilaw at hindi napuno ng pagpipinta - "tulad ng isang fresco na nasira sa mga sulok at superimposed sa isang gintong pader."

Noong tagsibol ng 1898, ipinadala niya ang pagpipinta sa Paris, at sa isang liham sa kritiko na si A. Fontaine ay sinabi na ang kanyang layunin ay hindi lumikha ng isang komplikadong kadena ng mapanlikha na mga alegasyon na kailangang lutasin .. Sa kabaligtaran, ang nakabatayang nilalaman ng pagpipinta ay napaka-simple - ngunit hindi sa kahulugan ng isang sagot sa ang mga tanong na itinuro, ngunit sa kahulugan ng pinakadulo posisyong ito. " Hindi sasagutin ni Paul Gauguin ang mga tanong na inilagay niya sa pamagat ng larawan, dahil naniniwala siya na sila at magiging isang kakila-kilabot at pinakatamis na bugtong para sa kamalayan ng tao... Samakatuwid, ang kakanyahan ng mga alegorya na inilalarawan sa canvas na ito ay matatagpuan sa purong kaakit-akit na sagisag ng misteryong ito na nakatago sa kalikasan, ang sagradong kakila-kilabot ng kawalang-kamatayan at ang lihim ng pagiging.

Sa kanyang unang pagbisita sa Tahiti, tiningnan ni P. Gauguin sa buong mundo ang masigasig na mga mata ng isang malaking bata-bata, para sa kanino ang mundo ay hindi pa nawala ang pagiging bago at kahanga-hangang kahalagahan nito. Ang kanyang pagkabata na nakataas ang titig ay nagbukas ng mga kulay na hindi nakikita ng iba sa likas na katangian: mga esmeralda na halamang gamot, esmerang langit, amethyst sun shade, ruby \u200b\u200bbulaklak at pulang ginto ng Maori na balat. Ang mga kuwadro na gawa ng Tahitian ni P. Gauguin ng panahong ito ay sumasalamin sa isang marangal na gintong glow, tulad ng baso na baso mga katedral ng gothiccast sa regal na kariktan mga Byzantine mosaics, mabangong na may makatas na pintura ng pintura.

Ang kalungkutan at malungkot na kawalan ng pag-asa, na nagmamay-ari sa kanya sa kanyang pangalawang pagbisita sa Tahiti, na ginawa ng P. Gauguin ang lahat ng bagay na itim lamang. Gayunpaman, ang likas na likas na hilig ng master at ang kanyang mga mata bilang isang colorist ay hindi pinahihintulutan ng artista na ganap na mawala ang kanyang lasa para sa buhay at mga kulay nito, kahit na nilikha niya ang isang madilim na canvas, ipininta niya ito sa isang estado ng mystical horror.

Kaya ano pa rin ang itinatago ng larawang ito? Tulad ng mga oriental na mga manuskrito, na dapat basahin mula sa kanan hanggang kaliwa, ang nilalaman ng larawan ay magbubukas sa parehong direksyon: hakbang-hakbang ang daloy ay isiniwalat buhay ng tao - mula sa umpisa nito hanggang sa kamatayan, nagdadala ng takot sa walang kabuluhan.

Sa harap ng manonood, sa isang malaki at pahalang na canvas, ang bangko ng isang stream ng kagubatan ay inilalarawan, sa madilim na tubig na kung saan ang misteryoso, walang katiyakan na mga anino ay makikita ang makikita. Sa kabilang dako - siksik, malago na tropikal na pananim, damuhan ng esmeralda, siksik na berdeng mga bushes, malubhang asul na puno, "lumalaki na parang hindi sa lupa, ngunit sa paraiso."

Ang mga putot ng mga puno ay twist na kakaiba, intertwine, na bumubuo ng isang puntas na network, na kung saan ang dagat na may mga puting crests ng mga baybayin ng baybayin, isang madilim na lilang bundok sa isang kalapit na isla, ay makikita sa malayo, bughaw na langit - "isang tanawin ng kalikasan ng birhen na maaaring maging paraiso".

Sa pinakamalapit na plano ng larawan, ang isang pangkat ng mga tao ay matatagpuan sa paligid ng isang estatwang bato ng isang diyos sa isang lupain na walang lahat ng mga halaman. Ang mga character ay hindi pinagsama ng anumang isang kaganapan o karaniwang pagkilos, ang bawat isa ay abala sa kanyang sarili at nalubog sa kanyang sarili. Ang natutulog na sanggol ay binabantayan ng isang malaking itim na aso; "tatlong mga kababaihan, na naglulukso sa kanilang mga haunches, tila nakikinig sa kanilang sarili, nagyelo sa paghihintay ng ilan hindi inaasahang kagalakan... Ang isang binata na nakatayo sa gitna na may parehong mga kamay ay pumili ng isang prutas mula sa isang puno ... Isang figure, sadyang napakalaki, salungat sa mga batas ng pananaw ... itinaas ang kanyang kamay, nakatingala sa sorpresa sa dalawang karakter na nangahas na isipin ang tungkol sa kanilang kapalaran.

Sa tabi ng estatwa, isang malungkot na babae, na parang mekanikal, lumalakad sa gilid, nalubog sa isang estado ng matindi, puro pag-iisip. Isang ibon ang lumilipat patungo sa kanya sa lupa. Sa kaliwang bahagi ng canvas, ang isang bata na nakaupo sa lupa ay nagdadala ng bunga sa kanyang bibig, isang pusa na nakatiklop mula sa isang mangkok ... At tinanong ng manonood sa kanyang sarili: "Ano ang kahulugan ng lahat?"

Sa unang tingin, ito ay tulad ng pang-araw-araw na buhay, ngunit bukod sa direktang kahulugan, ang bawat imahe ay nagdadala ng isang patula na alegorya, isang pahiwatig ng posibilidad ng isang makasagisag na interpretasyon. Kaya, halimbawa, ang motibo ng isang stream ng kagubatan o pagdidilig ng tubig sa tagsibol mula sa lupa ang paboritong talinghaga ni Gauguin para sa mapagkukunan ng buhay, ang mahiwagang simula ng buhay. Ang natutulog na sanggol ay nagpapakilala sa kalinisang-puri ng madaling araw ng buhay ng tao. Ang isang binata na nakakakuha ng prutas mula sa isang puno at kababaihan na nakaupo sa lupa sa tamang embody ang ideya ng organikong pagkakaisa ng tao na may kalikasan, ang pagiging natural ng kanyang pagkakaroon dito.

Ang isang tao na may nakataas na kamay, tinitingnan ang kanyang mga kaibigan sa sorpresa, ay ang unang sulyap ng pagkabalisa, ang paunang salakay upang maunawaan ang mga lihim ng mundo at pagiging. Ang iba ay inihayag ang katapangan at pagdurusa ng pag-iisip ng tao, ang misteryo at trahedya ng espiritu, na nakapaloob sa kawalang-saysay ng kaalaman ng tao tungkol sa kanyang mortal na kapalaran, ang kawalang-hanggan ng pag-iral sa mundo at ang kawalan ng kakayahang matapos.

Maraming mga paliwanag ang ibinigay ni Paul Gauguin mismo, ngunit nagbabala siya laban sa pagnanais na makita ang pangkalahatang tinanggap na mga simbolo sa kanyang larawan, upang tukuyin ang mga imahe nang diretso, at kahit na higit pa upang humingi ng mga sagot. Ang ilang mga artista sa sining ay naniniwala na ang nalulumbay na estado ng artist, na humantong sa kanya upang subukang magpakamatay, ay ipinahayag sa isang mahigpit, laconic masining na wika... Pansinin nila na nasasapawan ng larawan maliit na detalyehindi linawin ang pangkalahatang ideya, ngunit malito lamang ang viewer. Kahit na ang mga paliwanag sa mga liham ng master ay hindi maalis ang mystical fog na inilagay niya sa mga detalyeng ito.

Inisip ni P. Gauguin ang kanyang gawa bilang isang espirituwal na testamento, marahil iyon ang dahilan kung bakit ang pagpipinta ay naging isang nakalarawan na tula, kung saan ang mga konkretong imahe ay nabago sa isang kahanga-hangang ideya, at bagay sa espiritu. Ang balangkas ng canvas ay pinangungunahan ng isang patula na kalagayan, mayaman sa madulas na lilim at panloob na kahulugan. Gayunpaman, ang kalooban ng kapayapaan at biyaya ay naka-ulap na sa isang hindi malinaw na pagkalungkot sa pakikipag-ugnay sa misteryosong mundo, ay nagbibigay ng isang pakiramdam ng nakatagong pagkabalisa, masakit na kawalang-saysay ng panloob na mga hiwaga ng buhay, ang misteryo ng pagdating ng tao sa mundo at ang misteryo ng kanyang paglaho. Sa larawan, ang kaligayahan ay nagdilim sa pamamagitan ng pagdurusa, ang espirituwal na pagdurusa ay hugasan ng tamis ng pisikal na pagkakaroon - "ginintuang kakila-kilabot, na natatakpan ng kagalakan." Ang lahat ay hindi mapaghihiwalay, tulad ng sa buhay.

Sinasadya ni P. Gauguin na hindi tama ang maling sukat, nagsusumikap sa lahat ng mga gastos upang mapanatili ang kanyang estilo ng sketch. Pinahahalagahan niya ang kawalang-kilos na ito, hindi kumpleto lalo na, na naniniwala na siya ang nagdadala ng isang buhay na stream sa canvas at nagpapahiwatig sa pagpipinta ng isang espesyal na tula, hindi katangian ng mga bagay na natapos at labis na natapos.

Mayroong mga gawa ng sining na tila tumama sa manonood sa ulo, napapansin at nagtaka. Ang iba ay nag-iisip sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko na layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay may mga lihim at mystical riddles, habang ang iba ay nagulat sa isang napakalaking presyo.

Maingat naming suriin ang lahat ng pangunahing mga nagawa sa pagpipinta sa mundo at pumili ng dalawang dosenang mga kakaibang pintura mula sa kanila. Salvador Dali, na ang mga gawa na ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang naisip, ay hindi kasama sa koleksyon na ito nang may layunin.

Malinaw na ang "kakaiba" ay isang medyo subjective na konsepto, at ang bawat isa ay may sariling kamangha-manghang mga larawan na lumalabas mula sa maraming iba pang mga gawa ng sining. Masisiyahan kami kung ibabahagi mo ang mga ito sa mga komento at sabihin sa amin ang kaunti tungkol sa kanila.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel.
National Gallery, Oslo.

Ang Scream ay itinuturing na isang landmark na kaganapan sa Expressionism at isa sa mga pinakatanyag na kuwadro sa buong mundo.

Mayroong dalawang pagpapakahulugan sa kung ano ang inilalarawan: ito ang bayani mismo na naagaw sa kakila-kilabot at tahimik na hiyawan, pinindot ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga; o isinasara ng bayani ang kanyang mga tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at tunog na umikot sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng The Scream, at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artista. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, si Munch ay hindi bumalik sa trabaho sa canvas.

"Naglalakad ako kasama ang dalawang kaibigan. Ang araw ay lumulubog - biglang ang langit ay naging pula ng dugo, tumahimik ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - Tiningnan ko ang dugo at naglalagablab sa mala-mala-bughaw na fjord at ng lungsod. Nagpatuloy ang aking mga kaibigan, at tumayo ako, nanginginig sa kasiyahan, nakakaramdam ng isang walang katapusang sigaw na tumusok sa likas na katangian, "sinabi ni Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, langis sa canvas.
Museum of Fine Arts, Boston.

Sa direksyon ni Gauguin mismo, ang pagbasa ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga figure ang naglalarawan sa mga tanong na inilalagay sa pamagat.

Ang tatlong kababaihan na may isang bata ay kumakatawan sa simula ng buhay; gitnang pangkat sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na pangkat, ayon sa plano ng artist, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila pinagkasundo at nakatuon sa kanyang mga iniisip", sa kanyang mga paa "isang kakaibang puting ibon ... ay kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Ang isang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa kanya sa Tahiti, kung saan tumakas siya mula sa Paris. Nang makumpleto ang gawain, nais pa niyang magpakamatay: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay higit sa lahat ng mga nauna ko at na hindi na ako lalilikha ng isang mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay siya ng isa pang limang taon, at kaya nangyari ito.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis.
Reina Sofia Museum, Madrid.

Inihahatid ng Guernica ang mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at walang magawa, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, pinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad na bumaling ang larawan sa larawan. "Ginawa mo ba ito?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Ang isang malaking pagpipinta-fresco na "Guernica", na pininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang anim na libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang larawan ay isinulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng trabaho sa larawan, si Picasso ay nagtrabaho sa loob ng 10-12 oras, at nasa mga unang sket na makikita ng isang tao pangunahing ideya... Ito ay isa sa pinakamahusay na mga guhit ang bangungot ng pasismo, pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng mag-asawang Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis.
London national Gallery, London.

Ang sikat na pagpipinta ay kumpleto at ganap na puno ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga sanggunian - hanggang sa lagda na "Jan van Eyck ay narito", na naging pintura hindi lamang sa isang gawa ng sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa katotohanan ng kaganapan kung saan naroroon ang artist.

Ang larawan ng sinasabing Giovanni di Nicolao Arnolfini at ang kanyang asawa ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng Western school ng pagpipinta. Hilagang Renaissance.

Sa Russia, sa nagdaang mga taon, ang pagpipinta ay nakakuha ng mahusay na katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demon na nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis.
Estado Tretyakov Gallery, Moscow.

"Mga kamay pigilan siya"

Bill Stoneham. 1972.

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi maaaring maging ranggo sa mga masterpieces ng pagpipinta sa mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan.

May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at palad na pinindot laban sa baso. Mula sa "namatay sila dahil sa larawang ito" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagbibigay ng pagtaas sa mga taong may mahina psyche maraming takot at haka-haka.

Iginiit ng artista na ang pagpipinta ay naglalarawan ng kanyang sarili sa edad na limang, na ang pintuan ay isang representasyon ng naghahati na linya sa pagitan ang totoong mundo at ang mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang batang lalaki sa mundong ito. Ang mga armas ay kumakatawan sa mga alternatibong buhay o posibilidad.

Ang pagpipinta ay tumaas sa katanyagan noong Pebrero 2000 nang inilagay ito para ibenta sa eBay na may isang backstory na nagsasabi na ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" \u200b\u200bay binili ng $ 1025 ni Kim Smith, na noon ay simpleng inipurahan ng mga titik mga kakatakot na kwento at hiniling na sunugin ang larawan.

Ngayon nais naming sabihin sa iyo ng kaunti tungkol sa mga taong iyon, sa aming opinyon, ay higit sa lahat hindi pangkaraniwang mga artista pagiging moderno. Gumagamit sila ng mga hindi pamantayang pamamaraan hindi pangkaraniwang mga ideyapamumuhunan ang lahat ng kanilang pagkamalikhain at talento sa kanilang natatanging mga gawa.

1. Lorenzo Duran

Ang kanyang paraan ng paglikha ng mga kuwadro na gawa ay batay sa pananaliksik sa kasaysayan pagputol ng papel sa China, Japan, Germany at Switzerland. Kinokolekta niya ang mga dahon, washes, dries them, compresses them at maingat na inukit ang mga paintings sa kanila.

2. Nina Aoyama

Sa unang sulyap, maaaring tila ang batang Pranses na ito ay hindi gumagawa ng anumang bagay na espesyal - siya ay inukit lamang sa papel. Ngunit itinatabi niya ang kanyang mga clippings sa tela o baso, at lumiliko ito sa kagandahan!

3. Claire Morgan

Lumikha ang mga artist ng British na si Claire Morgan na hindi pangkaraniwang pag-install na nag-freeze ng tama sa hangin. Ang mga tuyong halaman, butil, insekto, hayop na pinalamanan at sariwang prutas ay ang gumaganang materyal para sa artista. Libu-libong mga detalye ng pag-install ay naayos na may katumpakan ng pinpoint sa isang manipis na linya ng pangingisda. Ang mga sculpture ng aerial ni Claire Morgan ay nakatuon sa Earth at lahat ng mga bagay na nabubuhay dito.

4. Mike Stilkey

Lumilikha si Mike Stilkey ng mga kuwadro na gawa mula sa spines ng mga libro. Nagtatayo siya ng isang buong pader sa labas ng mga libro, at isinusulat ang kanyang mga larawan sa kanilang mga spines. Sa loob ng mahabang panahon pinangarap ni Mike na mag-publish ng isang album kasama ang kanyang mga kuwadro, ngunit hindi isang nag-iisang publisher ang nagamit nito. Ang kanyang pagpipinta ay hindi nakakita ng tugon sa mga kritiko. Pagkatapos ay nagpasya ang artist na ipaalam sa mga libro ang tungkol sa kanyang gawain.

5. Jim Denevan

Gumuhit si Jim ng mga pattern sa buhangin na may hindi pa naganap na katumpakan sa matematika. Karamihan sa mga draw ni Jim sa mga beach, ngunit sa kamakailan nagsimula siyang magpinta sa mga disyerto. "Wala akong masyadong oras sa beach tulad ng sa mga disyerto," sabi niya. "Ang karagatan ay naghugas ng lahat ng napakabilis."

6. Vhils

Ang kanyang trabaho ay hindi pangkaraniwan sa na siya scratches ang mga ito sa lumang plaster.

7. Bruce Munroe

Sa kanyang trabaho, nagtatrabaho siya nang may ilaw. Hindi pa katagal, binuksan niya ang kanyang pag-install ng isa pang larangan ng ilaw sa Ingles na lungsod ng Bath. Ito ay isang patlang na may tuldok na may mga lamp sa manipis na mga plastik na tangkay. Mukhang isang set para sa pelikulang "Avatar".

8. Jason Mecier

Ang problema sa pagkalulong sa droga ay talamak sa buong mundo. Sa isang pagtatangka na dalhin siya sa pansin ng pangkalahatang publiko, ang may talento amerikanong artista Ang Jason Mecier ay gumawa ng mga larawan ng mga bituin mula sa mga tablet. Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay ay ang mga artist ay gumamit lamang ng mga tabletas bilang isang materyal para sa kanyang mga kuwadro, na naitala ayon sa isang espesyal na reseta, na hindi niya ligal na makuha. Masasabi natin na si Jason ay gumawa ng isang iligal na gawa, ngunit sa paggawa nito ay iginuhit niya ang pansin sa iligal na pamamahagi ng mga droga.

9. Jennifer Maestre

Ang pagpipinta, bukod sa mga realista, ay palaging, ay at kakaiba. Ngunit ang ilang mga larawan ay weirder kaysa sa iba.
Ang ilang mga gawa ng sining ay tila matumbok ang manonood sa ulo, nababalisa at nagtaka. Ang ilan sa mga ito ay hinihila ka sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko na layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro ay natatakpan ng mga lihim at mystical riddles, at ang ilan ay nakakagulat sa sobrang presyo.

Maingat na sinuri ng Bright Side ang lahat ng pangunahing mga nagawa sa pagpipinta sa mundo at pumili ng dalawang dosenang mga kakaibang pintura mula sa kanila. Ang pagpili ay hindi kasama ang mga kuwadro na gawa ni Salvador Dali, na ang mga gawa ay ganap na umaangkop sa format ng materyal na ito at ang unang maiisip.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel
National Gallery, Oslo

Ang Scream ay itinuturing na isang landmark na kaganapan sa Expressionism at isa sa mga pinakatanyag na kuwadro sa buong mundo. Mayroong dalawang pagpapakahulugan sa kung ano ang inilalarawan: ang bayani mismo ay nasamsam ng kakila-kilabot at tahimik na hiyawan, pinipindot ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga; o isinasara ng bayani ang kanyang mga tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at tunog na umikot sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng The Scream, at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artista. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, si Munch ay hindi bumalik sa trabaho sa canvas.

"Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang kaibigan - ang araw ay naglalagay - biglang langit ang dugo na pula, tumahimik ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - tiningnan ko ang dugo at apoy sa mala-mala-itim na fjord at ng lungsod - nagpatuloy ang aking mga kaibigan. at tumayo ako, nanginginig sa kaguluhan, naramdaman ang isang walang katapusang sigaw na tumusok sa likas na katangian ", - sinabi ni Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

"Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, canvas, langis
Museum of Fine Arts, Boston

Sa direksyon ni Gauguin mismo, ang pagbasa ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga figure ang naglalarawan sa mga tanong na inilalagay sa pamagat. Ang tatlong kababaihan na may isang bata ay kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang grupo ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na pangkat, ayon sa plano ng artist, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila pinagkasundo at nakatuon sa kanyang mga iniisip", sa kanyang mga paa "isang kakaibang puting ibon ... ay kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Ang isang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa kanya sa Tahiti, kung saan tumakas siya mula sa Paris. Nang makumpleto ang gawain, nais pa niyang magpakamatay, dahil: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay hindi lamang higit sa lahat kaysa sa aking mga nauna, at na hindi ako lalilikha ng isang mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay siya ng isa pang 5 taon, at ganoon ang nangyari.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis
Reina Sofia Museum, Madrid

Inihahatid ng Guernica ang mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at walang magawa, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940, pinatawag si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad na lumingon ang larawan sa larawan. "Ginawa mo ba yun?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Ang isang malaking pagpipinta-fresco na "Guernica", na pininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang anim na libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang larawan ay isinulat nang literal sa isang buwan - ang mga unang araw ng trabaho sa larawan, si Picasso ay nagtrabaho para sa 10-12 na oras at nasa mga unang sketsa ang isang tao ay makakakita ng pangunahing ideya. Ito ay isa sa mga pinakamahusay na paglalarawan ng bangungot ng pasismo pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng Dobleng Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis
London National Gallery, London

Ang sikat na pagpipinta ay kumpleto at ganap na puno ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga sanggunian - hanggang sa lagda na "Jan van Eyck ay narito", na hindi lamang ito sa isang gawa ng sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa isang aktwal na kaganapan na dinaluhan ng artist.

Ang larawan, marahil ng Giovanni di Nicolao Arnolfini at ang kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong gawa ng paaralan ng Western Northern Renaissance ng pagpipinta. Sa Russia mga nakaraang taon ang larawan ay nakakuha ng mahusay na katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ng Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demon na nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis
Tretyakov Gallery, Moscow

Ang pagpipinta ni Mikhail Vrubel sorpresa sa imahe ng isang demonyo. Ang malungkot na taong may mahabang buhok ay hindi katulad ng pangkalahatang ideya ng tao kung ano ang dapat magmukhang isang masamang espiritu. Ito ay isang imahe ng lakas ng espiritu ng tao, panloob na pakikibaka, pagdududa. Ang mga kamay ay mahigpit na naipit, ang Demon ay nakaupo na may malaking, malungkot na mga mata na nakadirekta sa layo, napapaligiran ng mga bulaklak. Binibigyang diin ng komposisyon ang higpit ng figure ng demonyo, na parang sandwiched sa pagitan ng itaas at mas mababang mga crossbars ng frame.

Ang artist mismo ay nagsalita tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta: "Ang demonyo ay hindi gaanong masamang espiritu bilang isang pagdurusa at malungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang nangingibabaw at marilag na espiritu."

"Ang Apotheosis ng Digmaan"

Vasily Vereshchagin. 1871, canvas, langis
Estado Tretyakov Gallery, Moscow

Ang larawan ay nakasulat nang labis at emosyonal na sa likod ng bawat bungo na nakahiga sa bunton na ito, nagsisimula kang makakita ng mga tao, ang kanilang mga fate at ang mga fate ng mga taong hindi na makikita ang mga taong ito. Si Vereshchagin mismo, na may malungkot na sarkastiko, na tinatawag na canvas na "buhay pa" - ito ay naglalarawan ng "patay na kalikasan". Ang lahat ng mga detalye ng pagpipinta, kabilang ang dilaw na pangkulay, ay sumisimbolo ng kamatayan at pagkawasak. Ang malinaw na asul na langit ay binibigyang diin ang pagkamatay ng larawan. Ang mga scars mula sa mga sabers at butas ng bala sa mga bungo ay nagpapahiwatig din ng ideya ng "Apotheosis of War".

Ang Vereshchagin ay isa sa mga pangunahing pintor sa labanan sa Russia, ngunit nagpinta siya ng mga digmaan at laban hindi dahil mahal niya sila. Sa kabaligtaran, sinubukan niyang iparating sa mga tao ang kanyang negatibong saloobin sa digmaan. Sa sandaling si Vereshchagin, sa init ng damdamin, ay humayag: "Hindi na ako magpinta ng mga karagdagang larawan ng labanan - basta! Kinukuha ko ang aking isinulat na malapit sa aking puso, sumisigaw ako (literal) ang kalungkutan ng bawat nasugatan at pinatay." Marahil, ang resulta ng paghanga na ito ay ang kahila-hilakbot at nakakagulat na pagpipinta na "The Apotheosis of War", na naglalarawan ng isang patlang, uwak at isang bundok ng mga bungo ng tao.

"Amerikanong Gothic"

Grant Wood. 1930, langis. 74 × 62 cm
Art Institute ng Chicago, Chicago

Ang pagpipinta na may madilim na ama at anak na babae ay punong-puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at muling pagkakamali ng mga taong itinatanghal. Ang mga galit na mukha, mga pitchforks na mismo sa gitna ng larawan, mga damit na luma kahit sa pamamagitan ng mga pamantayan ng 1930, isang nakalantad na siko, mga seams sa mga damit ng magsasaka, na inuulit ang hugis ng pitchfork, at samakatuwid ay isang banta na tinutugunan sa lahat na sumulong. Ang lahat ng mga detalyeng ito ay maaaring mai-scratize ng walang katapusang at pag-iwas mula sa kaguluhan. Ang "American Gothic" ay isa sa mga pinakakilalang mga imahe sa sining ng Amerika noong ika-20 siglo, ang pinakasikat na artistikong meme ng ika-20 at ika-21 siglo. Kapansin-pansin, ang mga hukom ng kumpetisyon sa Art Institute ng Chicago ay napansin na "Gothic" bilang isang "nakakatawa na Puso", at ang mga tao ng Iowa ay labis na nasaktan ng Wood dahil sa paglarawan sa kanila sa isang hindi kanais-nais na ilaw.

"Mahilig"

Rene Magritte. 1928, canvas, langis

Ang pagpipinta na "Lovers" ("Lovers") ay umiiral sa dalawang bersyon. Sa isa sa kanila ang isang lalaki at isang babae, na ang mga ulo ay nakabalot sa isang puting tela, halik, at sa kabilang - "tumingin" sa viewer. Ang larawan ay nakakagulat at nakakagulat. Sa dalawang figure na walang mukha, ipinakita ni Magritte ang ideya ng pagkabulag ng pag-ibig. Tungkol sa pagkabulag sa bawat kahulugan: ang mga mahilig ay hindi nakakakita ng sinuman, hindi namin nakikita ang kanilang tunay na mukha, at bukod sa, ang mga mahilig ay isang misteryo kahit sa bawat isa. Ngunit sa tila linaw na ito, patuloy pa rin kaming tumingin sa mga mahilig sa Magritte at iniisip ang tungkol sa kanila.

Halos lahat ng mga kuwadro na gawa ng Magritte ay mga palaisipan na hindi ganap na malulutas, dahil nagtataas sila ng mga katanungan tungkol sa mismong kakanyahan ng pagiging. Magritte sa lahat ng oras ay pinag-uusapan ang panlilinlang ng nakikita, tungkol sa nakatagong misteryo, na karaniwang hindi natin napapansin.

"Mamasyal"

Marc Chagall. 1917, canvas, langis
Estado Tretyakov Gallery

Ang Walk ay isang larawan sa sarili kasama ang kanyang asawa na si Bella. Ang kanyang minamahal na mga sungit sa kalangitan at ang pagtingin na iyon ay i-drag papunta sa flight at Chagall, na nakatayo sa lupa nang tumpak, na parang hinahawakan lamang ito ng mga daliri ng paa ng kanyang sapatos. Si Chagall ay may isang titmouse sa kabilang banda - masaya siya, mayroon siyang parehong titmouse sa kanyang mga kamay (marahil ang kanyang pagpipinta), at isang kreyn sa langit. Karaniwan nang napakaseryoso sa kanyang pagpipinta, sumulat si Marc Chagall ng isang kasiya-siyang manifesto ng kanyang sariling kaligayahan, napuno ng mga alegorya at pag-ibig.

"Hardin makalupang kasiyahan"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, kahoy, langis
Prado, Spain

Ang "The Garden of Earthly Delights" ay ang pinakasikat na triptych ng Hieronymus Bosch, na pinangalanan sa tema ng gitnang bahagi, at nakatuon sa kasalanan ng libog. Ang larawan ay umaapaw sa mga transparent na figure, kamangha-manghang mga istraktura, monsters, guni-guni na kinuha sa laman, hellish caricatures ng katotohanan, na tinitingnan niya na may isang pagsubok, labis na matalim na titig.

Ang ilang mga siyentipiko ay nais na makita sa triptych isang paglalarawan ng buhay ng isang tao sa pamamagitan ng prisma ng kanyang kabuluhan at mga imahe pag-ibig sa lupa, ang iba pa - isang tagumpay ng voluptuousness. Gayunpaman, ang kawalang-kasalanan at ilang detatsment na kung saan ang mga indibidwal na numero ay binibigyang kahulugan, pati na rin ang kanais-nais na saloobin sa gawaing ito sa bahagi ng mga awtoridad ng simbahan, gumawa ng isang pag-aalinlangan na ang nilalaman nito ay maaaring pagluwalhati ng mga kasiyahan sa katawan. Sa ngayon, wala sa mga magagamit na pagpapakahulugan ng larawan na kinikilala bilang isa lamang tama.

"Tatlong edad ng isang babae"

Gustav Klimt. 1905, canvas, langis
National Gallery kontemporaryong sining, Roma

Ang "Three Ages of a Woman" ay parehong masaya at malungkot nang sabay. Ang kwento ng buhay ng isang babae ay nakasulat sa tatlong mga pigura sa loob nito: kawalang-ingat, kapayapaan at kawalan ng pag-asa. Ang batang babae ay organiko na pinagtagpi sa gayak ng buhay, ang matandang nakatayo mula sa kanya. Ang pagkakaiba-iba sa pagitan ng naka-istilong imahe ng isang batang babae at ang naturalistic na imahe ng isang matandang babae ay nakakakuha simbolikong kahulugan: ang unang yugto ng buhay ay nagdudulot ng walang katapusang posibilidad at metamorphoses, ang huli - palagiang patuloy at salungatan sa katotohanan. Ang canvas ay hindi nagpakawala, umakyat sa kaluluwa at pinapaisip mo ang lalim ng mensahe ng artista, pati na rin ang tungkol sa lalim at hindi maiwasan na buhay.

"Isang pamilya"

Egon Schiele. 1918, canvas, langis
Gallery "Belvedere", Vienna

Si Schiele ay isang mag-aaral ng Klimt, ngunit, tulad ng anumang mahusay na mag-aaral, hindi niya kopyahin ang kanyang guro, ngunit naghahanap ng bago. Ang Schiele ay higit pa sa trahedya, kakaiba at nakakatakot kaysa sa Gustav Klimt. Sa kanyang mga gawa ay marami sa kung ano ang maaaring tawaging pornograpiya, iba't ibang mga perversions, naturalism at, sa parehong oras, nasasaktan na kawalan ng pag-asa. "Pamilya" ay kanya huling trabaho, kung saan ang kawalan ng pag-asa ay dinadala sa ganap, sa kabila ng katotohanan na ito ang kanyang hindi bababa sa kakaibang nakikitang larawan. Inilapit niya ito bago siya namatay, matapos mamatay ang kanyang buntis na si Edith dahil sa trangkaso ng Espanya. Namatay siya sa edad na 28, tatlong araw lamang matapos si Edith, na nagawa nitong iguhit siya, siya mismo at ang kanilang hindi pa isinisilang anak.

"Dalawang Frida"

Frida Kahlo. 1939

Kasaysayan mahirap na buhay Ang Mexican artist na si Frida Kahlo ay naging malawak na kilala pagkatapos ng paglabas ng pelikulang "Frida" kasama si Salma Hayek sa papel na pamagat. Karamihan sa mga sinulat ni Kahlo ay isinulat ang sarili at ipinaliwanag ito nang simple: "Ipininta ko ang aking sarili dahil gumugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksa na pinakilala ko." Hindi isang larawan ng sarili ni Frida Kahlo na ngumiti: isang malubhang, kahit na ang nagdadalamhati na mukha, na-fused makapal na kilay, bahagyang napapansin antennae sa itaas mahigpit na naka-compress na mga labi. Ang mga ideya ng kanyang mga kuwadro na gawa ay naka-encrypt sa mga detalye, background, mga figure na lilitaw sa tabi ng Frida. Ang simbolismo ni Kahlo ay batay sa pambansang tradisyon at malapit na nauugnay sa mitolohiya ng Native American ng pre-Hispanic period. Sa isa sa pinakamahusay na mga kuwadro na gawa - "Dalawang Fridas" - ipinahayag niya ang mga prinsipyo ng panlalaki at pambabae, na pinagsama sa kanya ng isang solong sistema ng sirkulasyon, na nagpapakita ng kanyang integridad.

"Waterloo Bridge. Fog Epekto"

Claude Monet. 1899, canvas, langis
Estado ng Hermitage, St. Petersburg

Kapag tinitingnan ang isang larawan mula sa isang malapit na distansya, ang manonood ay walang nakikita kundi ang canvas, na kung saan ang madalas na makapal na mga stroke ng langis ay inilalapat. Ang lahat ng mga mahika ng trabaho ay ipinahayag kapag unti-unting nagsisimula kaming lumayo mula sa canvas sa isang malaking distansya. Una, hindi maintindihan ang mga semicircles, na dumadaan sa gitna ng larawan, ay nagsisimulang lumitaw sa harap natin, pagkatapos ay nakikita natin ang mga malinaw na mga balangkas ng mga bangka at, lumipat sa layo na halos dalawang metro, ang lahat ng mga gawa ng pagkonekta ay mahigpit na iginuhit sa harap namin at may linya sa isang lohikal na kadena.

"Bilang 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, fiberboard, langis

Ang kakatwa ng larawang ito ay ang canvas ng Amerikanong pinuno ng abstract expressionism, na pininturahan niya, na nagpapalabas ng pintura sa isang piraso ng hibla ng kumakalat sa sahig, ay ang pinaka mamahaling pagpipinta sa mundo. Noong 2006, sa auction ng Sotheby, nagbabayad sila ng $ 140 milyon para dito. Si David Giffen, prodyuser ng pelikula at kolektor, ay nabenta ito sa pinansya sa Mexico na si David Martinez. "Patuloy akong lumayo mula sa karaniwang mga tool ng artist tulad ng easel, palette at brushes. Mas gusto ko ang mga stick, scoops, kutsilyo at pagbuhos ng pintura o halo ng pintura na may buhangin, basag na baso o kung anuman. Kapag nasa loob ako ng pagpipinta, hindi ko alam Ang pag-unawa ay darating mamaya.Wala akong takot sa mga pagbabago o pagkawasak ng imahe, dahil ang larawan ay nabubuhay ng sariling buhay.Tinulungan ko lang ito na lumabas.Pero kung mawala ako sa pakikipag-ugnay sa larawan, ito ay nagiging putik at gulo. ito ay dalisay na pagkakaisa, ang magaan ng kung paano mo naibigay at ibigay. "

"Isang lalaki at isang babae sa harap ng isang tambak ng excrement"

Joan Miró. 1935, tanso, langis
Joan Miró Foundation, Spain

Nice pamagat. At sino ang mag-iisip na ang larawang ito ay nagsasabi sa amin tungkol sa mga kakila-kilabot na mga digmaang sibil. Ang pagpipinta ay ginawa sa isang sheet ng tanso sa linggo sa pagitan ng Oktubre 15 at 22, 1935. Ayon kay Miro, ito ang bunga ng pagsubok sa paglalarawan ng isang trahedya. Digmaang sibil sa Espanya. Sinabi ni Miro na ito ay larawan ng isang panahon ng pagkabalisa. Ang pagpipinta ay naglalarawan sa isang lalaki at isang babae na umaabot sa bawat isa sa isang yakap, ngunit hindi gumagalaw. Ang mga pinalaki na mga maselang bahagi ng katawan at hindi kilalang kulay ay inilarawan bilang "puno ng kasuklam-suklam at kasuklam-suklam na sekswalidad."

"Erosion"

Jacek Jerka

Ang Polish neo-surrealist ay kilala sa buong mundo para sa kanya magagandang larawan, kung saan pinagsama ang mga katotohanan, lumilikha ng mga bago. Mahirap isaalang-alang ang kanyang lubos na detalyado at sa ilang mga lawak ng pagpindot sa gumagana nang paisa-isa, ngunit ito ang format ng aming materyal, at kailangan naming pumili ng isa - upang mailarawan ang kanyang imahinasyon at kasanayan. Inirerekumenda namin na pamilyar ka nang mas detalyado.

"Mga kamay pigilan siya"

Bill Stoneham. 1972

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi mabibilang sa mga obra sa pintura ng mundo, ngunit ang katotohanan na kakaiba ito ay isang katotohanan. May mga alamat sa paligid ng pagpipinta na may isang batang lalaki, isang manika at palad na pinindot laban sa baso. Mula sa "dahil sa larawang ito ay namamatay" hanggang sa "mga bata ay buhay dito." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagbibigay ng pagtaas sa maraming takot at mga haka-haka sa mga taong may mahinang pag-iisip. Iginiit ng artista na ang pagpipinta ay naglalarawan sa kanyang sarili sa edad na lima, na ang pintuan ay isang representasyon ng naghahati na linya sa pagitan ng totoong mundo at ng mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang batang lalaki sa mundong ito. Ang mga armas ay kumakatawan sa mga alternatibong buhay o posibilidad. Ang pagpipinta ay tumaas sa katanyagan noong Pebrero 2000 nang ilagay ito para ibenta sa eBay na may isang backstory na nagsasabi sa pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" \u200b\u200bay binili ng $ 1025 ni Kim Smith, na noon ay pinuno lamang ng mga titik na may kakila-kilabot na mga kwento at hiniling na sunugin ang larawan.

) sa kanyang nagpapahayag na mga gawaing nakagugulat, nagawa niyang mapanatili ang transparency ng fog, ang kadiliman ng layag, ang makinis na pagbato ng barko sa mga alon.

Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay kapansin-pansin sa kanilang lalim, dami, saturation, at ang texture ay tulad na imposible na alisin ang iyong mga mata sa kanila.

Mainit na simple Valentina Gubarev

Primitivist pintor mula sa Minsk Valentin Gubarev hindi habol ng katanyagan at ginagawa lang ang mahal niya. Ang kanyang trabaho ay walang kabuluhan na tanyag sa ibang bansa, ngunit halos hindi kilala sa kanyang mga kababayan. Sa kalagitnaan ng 90s, ang mga Pranses ay umibig sa kanyang pang-araw-araw na mga sketch at nilagdaan ang isang kontrata sa artist sa loob ng 16 taon. Ang mga kuwadro, na, tila, ay dapat na maunawaan lamang sa amin, ang mga nagdadala ng "katamtaman na kagandahan ng hindi nabuong sosyalismo", ay nagustuhan ng publiko ng Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Alemanya, Great Britain at iba pang mga bansa.

Ang pagiging totoo ng senswalidad ni Sergei Marshennikov

Si Sergey Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at nagtatrabaho sa pinakamahusay na tradisyon klasikal na paaralan ng Ruso ng makatotohanang larawan. Ang mga bayani ng kanyang mga kuwadro na gawa ay banayad at walang pagtatanggol na kababaihan sa kanilang kalahating kahubaran. Sa karamihan sa mga pinaka kilalang mga kuwadro na gawa inilalarawan ang muse at asawa ng artist - si Natalia.

Ang shortsighted mundo ng Philip Barlow

Sa modernong panahon ng mga larawan na may mataas na resolusyon at ang heyday ng hyperrealism, pagkamalikhain Philip Barlow (Philip Barlow) agad na nakakaakit. Gayunpaman, kinakailangan ang isang tiyak na pagsisikap mula sa manonood upang pilitin ang kanyang sarili na tumingin sa mga blurong silhouette at maliwanag na mga spot sa mga canvases ng may-akda. Marahil, ito ay kung paano nakikita ng mga taong may myopia sa mundo na walang baso at mga contact lens.

Ang sunog na araw ni Laurent Parsellier

Ang pagpipinta ni Laurent Parcelier ay kamangha-manghang mundo, kung saan walang kalungkutan o kawalang pag-asa. Hindi ka makakakita ng madilim at maulan na mga larawan sa kanya. Sa kanyang mga canvases, mayroong maraming ilaw, hangin at maliwanag na kulay, na inilalapat ng artist na may mga katangian na nakikilala na stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro ay pinagtagpi mula sa isang libong sunbeams.

Ang dinamika ng lungsod sa mga gawa ni Jeremy Mann

Ang pintor ng Amerikanong si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga dynamic na larawan ng isang modernong metropolis sa langis sa mga panel ng kahoy. " Abstract na mga hugis, mga linya, kaibahan ng ilaw at madilim na mga lugar - ang lahat ay lumilikha ng isang larawan na nagpapalabas ng pakiramdam na naranasan ng isang tao sa karamihan ng tao at pagkabalisa ng lungsod, ngunit maaari ring ipahiwatig ang kalmado na nahanap ng isa kapag pinagmumuni-muni ang tahimik na kagandahan, ”sabi ng artista.

Ilusyon ng mundo ni Neil Simon

Sa mga kuwadro na gawa ng British artist na si Neil Simone, ang lahat ay hindi tulad ng sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng marupok at patuloy na pagbabago ng mga hugis, mga anino at hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga kuwadro na gawa, lahat ng bagay ay talagang walang katuturan at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay nalinis, at ang mga plots ay dumadaloy sa bawat isa.

Pagmamahal sa drama ni Joseph Lorasso

Isang Pranses na nagmula, ang kontemporaryong Amerikanong artista na si Joseph Lorusso ay nagdadala sa canvas ng mga eksenang nakita niya sa araw-araw na buhay ordinaryong mga tao... Hugs at halik, madamdamin impulses, sandali ng lambing at pagnanais punan ang kanyang emosyonal na mga larawan.

Buhay ng nayon ni Dmitry Levin

Si Dmitry Levin ay isang kinikilalang master ng tanawin ng Russia, na itinatag ang kanyang sarili bilang isang kinatawan ng talento ng makatotohanang paaralan ng Russia. Ang pinakamahalagang mapagkukunan ng kanyang sining ay ang kanyang pagkakakapit sa kalikasan, na mahal niya ang malumanay at masidhi at kung saan nararamdaman niya ang kanyang sarili na maging isang bahagi.

Maliwanag na silangan ni Valery Blokhin

Sa Silangan, ang lahat ay naiiba: iba't ibang kulay, magkakaibang hangin, naiiba mga halaga ng buhay at ang katotohanan ay mas kamangha-manghang kaysa sa kathang-isip - ito ang iniisip ng isang modernong artista