Ang genre ng instrumental na instrumento ng kamara ay naglalaro ng maliit. Wolfgang Amadeus Mozart

Dinisenyo upang gumanap sa isang maliit na silid ng isang maliit na pangkat ng mga tagapalabas.

Ang salitang "kamara ng silid" ay unang nakatagpo noong 1555 sa N. Vi-chen-ti-no. Noong mga siglo XVI-XVII, "ka-mer-noy" na-zy-va-kung sekular na musika-ku (in-cal-ny, mula noong ika-17 siglo din na nuyu), tunog-chav-shuyu sa bahay-mash -mga kundisyon na iyon at sa dalawa; sa XVII-XVIII siglo sa most-shin-st-ve na mga bansa ng patyo ng Euro-ro-py mu-zy-kan-you no-si-kung ang pangalan ay "ka-mer-mu-zy-kan-tov" (sa Russia -sii ay ang pangalan ng substansiya-st-in-va-lo noong XVIII - unang bahagi ng XIX siglo; sa Austria at Alemanya bilang isang pinarangalan para sa dayuhang -stru-men-ta-list-stov so-no-els-no- hindi). Noong ika-18 siglo, ang musikang kamara zvu-cha-la sa ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh sa isang makitid na bilog ng zn-to-kov at li-bi-te-lei, na may maagang XIX siglo bibig-rai-wa-were pub-personal ka-mer-nye konsyerto, sa kalagitnaan ng XIX siglo na sila ay naging bahagi ng buhay na musikal sa Europa. Sa mga ras-pro-st-ra-no-no-no-public-private-concert na ka-mer-ny-us-pol-no-te-la-mi ay nagsimulang tumawag sa propesyonal na mu-zy-kan-tov, maglaro ka -mga nanonood sa konsyerto silid ng musika... Us-to-chi-ty-py ka-mer-no-go an-samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, sec-stet, sep-tete, ok-tete, ngunit - hindi, de-qi-meth. In-cal-ny en-sambl, sa komposisyon ng ko-to-ro-go ay pumapasok ito sa-close-zi-tel-ngunit mula 10 hanggang 20 ay kalahating-ni-te-lei, bilang kanang-vi - lo, na-zy-va-sya ka-mer-nym ho-rum; in-st-ru-mental-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih higit sa 12 ay-full-ni-te-lei, - ka-mer-nym or-ke-st- rum ( gran-ni-tsy pagitan-w-du ka-mer-ny at maliit na sym-phonic o-ke-st-rum not-op-re-de-len-ny).

Ang pinakahusay na in-st-ru-ment-tal-naya na porma ng kamara sa musika ay isang cyclic co-na-ta (noong ika-17-18 siglo - isang trio-co-na-ta, salt-naya co-na- ta nang walang co-pro-w-de-nia o may co-pro-w-de-no bass-na may con-ti-nuo; mga klasikong imahe -cy - sa A. Ko-rel-li, ISBa-ha) . Sa ika-2 kalahati ng ika-18 siglo, J. Haydn, K. Dit-ters-dor-fa, L. Bok-ke-ri-ni, V.A. Mo-tsar-ta sfor-mi-ro-va - may mga genre ng klasikong co-na-ty (sol-noy at an-samb-le-voy), trio, quart-te-ta, quin-te-ta (one-no-time-no na may ti-pi-za-qi -siya ay kalahating-ni-tel-s-st-vov), us-ta-no-saw-las op-re-de-len-naya na koneksyon sa pagitan ng ha-rak-te-rum mula-lo-ze- niya ka-zh-doy party at posibleng-nos-mi inst-st-ru-men-ta, para sa ko-ro-go ay pre-na-zn-che-na niya (before-let-go-ka-los use -ang kabuuan ng isa at magkatulad na co-chi-ne-nia iba't ibang so-daang-va-mi inst-st-ru-men-tov). Para sa in-st-ru-ment-tal-no-go en-samb-la (bow-ko-in-quart-te-ta) sa ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo so-chi-nya-li L. van Beth-ho-ven, F. Shu-bert, F. Men-del-son, R. Shu-man at marami pang ibang com-zi-to-ry. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang mga sample ng musikang kamara ay nilikha ni I. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Sme-ta-na, A. Dvor-Jacques, noong XX siglo - K. De-bus-si, M. Ra-vel, P. Hin-de-mit, L. Janacek-, B. Bar-tok at iba pa.

Sa Russia, ang kamernoe mu-zi-tsi-ro-va-ras-pro-Stra-ni-el ay mula pa noong 1770s; unang in-st-ru-men-tal-nye en-samb-li na-pi-sal DS Bort-nyan-sky. Karagdagang pagpapaunlad ng silid ng musika ng A.A.Alyab-e-va, M.I.-antas ng artistikong gawa sa malikhaing gawain ng P.I. Malaking pansin sa ude-la-li ka-mer-no-mu an-samb-lyu S. I. Ta-ne-ev, A. K. Gla-zun-nov, S. V. Rakh -man-ni-nov, N. Ya. Myas-kov -sky, DD Shos-ta-kovich, SS Pro-kof-ev. Sa proseso ng pag-unlad sa kasaysayan, ang istilo ng silid ng musika ay nagbago nang malaki, papalapit sa sim-phoni-che-skim vir-tu-oz-no-concert-nym (sim-pho-ni-zation ng quar-te -tov sa Bet-ho-ve-na, Chay-kov-sko-go, quar-te-tov at quin-te-tov - sa Shu-man-na at Brahm-sa, mga tampok ng isang konsyerto sa co-na -takh para sa byolin at piano: No. 9 “Krey-tse-ro- howl" Bet-ho-ve-na, so-na-te Fran-ka, No. 3 Brahmsa, No. 3 Gri-ha).

Sa kabilang banda, sa siglo na XX, malawak na-ro-ilang karera-pro-bansa-hindi-ni-get-chi-li sim-phonies at konsyerto para sa hindi malaki-sho th-th-l-th-st -va in-st-ru-men-tov, na naging iba't ibang-uri-ngunit-sty-mi ka-mer-zh-dv: ka-mer-naya sim -phony (halimbawa, ang ika-14 sym-phoniya Shos -ta-ko-vi-cha), "mu-zy-ka para sa ..." (Mu-zy-ka para sa mga string, pagkabigla at che-les-sts Bar-to-ka), concert-ti-but, atbp. Ang isang espesyal na uri ng musikang kamara ay ang sya). Kabilang sa mga ito ay: mga piano "kanta na walang salitang" Men-del-so-na, pies-si Shu-ma-na, wal-si, nok-tür-nes, pre-lyu-dii at etu-dy F. Sho- p-na, ka-dimensional piano co-chi-no-nia ng isang maliit na form AN Skrya-bin, Rakh-ma-ni-no-va, N. K Met-no-ra, mga piraso ng piano ng Chai-kov- pumunta, Pro-kape-e-va, maraming mga piraso para sa iba't ibang mga inst-ru-men-tos ng domestic at foreign-beige com-zi-to-kanal.

Mula noong pagtatapos ng ika-18 siglo at lalo na sa ika-19 na siglo, ang isang kilalang lugar para sa za-nya-la at vo-kal-naya kamusang musika (mga genre ng kanta at ro-man-sa) ay naging kilalang tao. Ang Kom-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki ay nagpakilala ng genre ng v-kal-noi min-nia-tu-ry, pati na rin ang mga cycle ng pe-sen-ny ("Pre-red straced -ni-chi-ha "at" Winter way "ni F. Shu-ber-ta," Love in-this "ni R. Shu-man, atbp.). Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang I. Brahms ay nakatuon ng pansin sa silid ng musika, sa malikhaing gawain ng X. Ang Shi-ro-ilang pag-unlad ng genre ng song-ni at ro-man-sa po-lu-chi-li sa Russia, naabot sa kanila ng masining na sining M.I. Glin-ka, PI Chaikovsky, AP Bo-ro-din, MP Mu-sorgsky, NA V. Rakh-man-ni-nov, S. S. Pro-kof-ev, D. D. Shos-ta-kovich, G. V. Svir-dov.

Sa pagsisimula ng ika-17 siglo ang Vienna ay naging isa sa pinakamalaking sentro ng musikal sa Europa. Ang mga ugnayan sa Italyano, Czech, Polish, Aleman, at pagkatapos ang mga kultura ng Russia ay nagbigay ng isang espesyal na lasa sa musikang Austrian at gumaganap ng bow art. Ang paglitaw ng Vienna Classical School sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo ay naging pinakamahalagang kalakaran sa sining ng Europa sa pangkalahatan. Ang mga katutubong tradisyon ay nakatanggap ng sapat na saklaw para sa kanilang pag-unlad. Ang larangan ng musika ay isang pagganap sa dula-dulaan na may musika at sayaw, prusisyon - mga karnabal, serenade sa mga lansangan, kahanga-hangang pagtatanghal ng korte sa mga parisukat, sa mga sinehan. Ang "mga opera ng paaralan" ay nakakakuha ng napakalawak na katanyagan, ang mga monasteryo at katedral ay nakikipagkumpitensya sa pagtatanghal ng mga misteryo at mga opera sa relihiyon. Ang nasabing isang sa lahat ng dako, laganap na pamamahagi ng musika sa iba't ibang mga antas ng lipunan ay hindi nakatanggap ng ganoong kaunlaran sa anumang ibang bansa.

Mula sa mga instrumento ng string ang pinakatanyag ay ang byolin at viola. Ang pinakamaagang mga sentro ng propesyonal na edukasyon sa musika sa Austria ay ang mga unibersidad, korte at mga chapel ng simbahan. Ang isa sa mga pinakamahusay na chapel sa Europa ay ang Habsburg Court Chapel sa Vienna (ang musikero na Italyano na si Antonio Salieri ay isa sa mga pinuno ng kapilya na ito). Ang mga kapilya ay lumitaw din sa ibang mga lungsod. Ang mga pangalan nina Leopold at Wolfgang Amadeus Mozart ay naiugnay sa Salzburg Chapel.

Ang pangunahing mga genre sa Austrian instrumental na musika ng ika-17 siglo ay ang instrumental suite, concertto grosso, ang genre ng trio sonata.

Johann Heinrich Schmelzer (1623 - 1680)- violinist at kompositor ng Austrian. Ang kanyang pangalan ay nauugnay sa paglitaw ng isang bagong uri ng violinist - solo virtuoso. Isa siya sa mga unang bumuo ng tradisyong Italyano ng trio sonata sa Austria. Ang pinaka makabuluhang trabaho Ang Schmelzer ay isang koleksyon ng anim na sonata, kung saan gumagamit siya ng dobleng tala at kumplikadong mga diskarte sa polyponic.

Heinrich Bieber (1644 - 1704)- Austrian violinist at kompositor, mag-aaral at tagasunod ng Schmelzer. Pinakamalaking biyolinista Sining XVII siglo Kabilang sa maraming mga gawa, ang pinakamahalaga ay isang siklo ng 15 violin sonatas (kabilang ang mga programa), kung saan ginagamit ang scordatura, mga dobleng tala at iba pang mga diskarte ng virtuoso violin na pamamaraan. Binibigyan ng pugay ni Bieber ang mga epekto ng onomatopoeic na gumagaya sa pagkanta ng isang nightingale, cuckoo, tandang, pugo, pati na rin ang mga daing ng isang palaka, manok, at pusa. Ang Passacaglia para sa Solo Violin ay isang encyclopedia ng violin technique mula noong ika-17 siglo.

Karl Dittersdorf (1739 - 1799)- isa sa mga natitirang violinist ng Austrian at kompositor XVIII siglo Ang antas nito sining ng pagganap ay hindi pangkaraniwang matangkad. Lumikha siya ng labing-apat na violin concertos, labindalawang divertissement para sa dalawang violins at isang cello, maraming mga symphonies, kamara at opera na musika. Kasama ni J. Haydn, siya ay naging tagalikha ng klasikal na quartet na genre na may isang solo violin.

Ang kulturang musikal ng Vienna ang lumikha ng mga paunang kinakailangan para sa paglitaw klasikong istilo sa mga akda nina J. Haydn at W. A. Mozart.

Joseph Haydn (1732 - 1809)- isa sa mga kompositor kung saan ang tunog ng violin ay tunog sa isang bagong paraan. Ang violin para kay Haydn ay isa sa kanyang mga paboritong instrumento. Sumulat si Haydn ng musika sa iba't ibang mga genre at form, ngunit ang pangunahing kahalagahan ni Haydn ay nakasalalay sa pagbuo ng instrumental na musika (symphonic at kamara). Nagmamay-ari siya ng isang malaking bilang ng mga gawa, kabilang ang siyam na violin concertos (apat na nakaligtas), labindalawang sonas ng violin, anim na duet para sa byolin at viola, higit sa walong pung string quartet, trios, divertissement at iba pang mga gawaing silid. Sa kanyang mga symphonies, ang nangungunang papel ay ginampanan ng mga unang biyolin, na pinagkatiwalaan ng halos lahat ng mga pampakay na materyal.

Ang kanyang mga maagang sonata, quartet at konsyerto ay kapansin-pansin na mga halimbawa galante style at teknolohiya. Ang mga elemento ng Rococo ay malinaw na ipinakita sa mga minuet ni Haydn, na maaari ding pansinin sa Mozart.

Mga quartet Sa genre ng quartet music, ginampanan ni Haydn ang parehong papel tulad ng sa symphonic music, iyon ay, isa siya sa mga nagtatag ng ganitong klaseng. Sumulat si Haydn ng mga quartet sa kabuuan malikhaing landas ngunit ang pinakamahusay na mga mula sa 80s at 90s.

Ang mga quartet ni Haydn ay lumago mula sa paggawa ng musika sa bahay, kung saan ang pag-play ng quartet ay lubos na karaniwan. Gayunpaman, salamat sa lalim at ningning nilalaman ng musikal, pati na rin ang pagiging perpekto ng form, ang mga quartet ni Haydn ay lumampas sa makitid na balangkas ng buhay musikal sa bahay, at maglaro mahahalagang papel sa buhay ng konsyerto.

Wala na silang panlabas na mga adorno ng tinaguriang "galanteng" istilo, pandekorasyon na karangyaan ng musika ng salon. Ang pagiging simple ng katutubong sayaw at mga himig ng katutubong kanta ay pinagsama sa kanila na may isang kapansin-pansin na master ng contrapuntal plexus ng mga tinig at pagpipino ng form. Ang nakasisilaw na kasiyahan, sigasig at katatawanan ng maraming mga quartet ay pumukaw kahit isang negatibong pag-uugali mula sa mga konserbatibong kritiko, na nakita sa mga quartet ni Haydn "isang insulto sa dignidad

musika "," self-indulgence ". Ngunit hindi lamang masigasig na sigasig ang katangian ng musika sa kamara ni Haydn. Sa kanyang mga quartet, magkakaiba ang mga gradation ng mga mood at damdamin - mula sa magaan na lyrics hanggang sa malungkot, kahit na mga malagim na damdamin.

Sa mga quartet, ang pagbabago ni Haydn kung minsan ay mas matapang pa kaysa sa mga symphonies. Sa kabila ng nangungunang kahalagahan ng unang biyolin bilang pinakamataas na boses, ang lahat ng apat na mga instrumento ay gumaganap ng isang independiyenteng papel sa pangkalahatang pagkakayari ng ensemble. Sa isang bilang ng mga gawa, sa panahon ng pangalawang pagpapatupad ng mga paksa at kanilang pag-unlad, ang lahat ng apat na mga instrumento ay ipinakilala, na gumaganap ng medyo aktibong papel. Binibigyan nito ang quartet texture ng isang tiyak na polyphonicity sa isang homophonic-harmonic na batayan, ginagawang mobile ang buong tela ng musikal. Sa kanyang mga quartet, kusang-loob din na gumagamit si Haydn ng mga espesyal na polyphonic form. Kaya, ang pangwakas na quartet kung minsan ay mga fugue. Malawakang pinaniniwalaan na si Beethoven ang unang nagpakilala sa fugue sa genre ng quartet sa kanyang huling mga opsy. Ngunit, maliwanag, ginawa ito ni Haydn bago ang Beethoven!

Sa ilan sa kanyang mga quartet, ang mga gitnang bahagi ay naayos muli, iyon ay, ang minuet ay ang pangalawa (at hindi ang ikatlong bahagi, tulad ng kaugalian), at ang mabagal na bahagi ay nasa pangatlong puwesto, bago ang katapusan. Ang pagbabagong ito sa pagkakasunud-sunod ng mga gitnang bahagi ay dahil sa likas na katangian ng matinding bahagi ng pag-ikot at mga pagsasaalang-alang sa disenyo na nauugnay sa prinsipyo ng kaibahan, na pinagbabatayan ng paikot na form. Sa genre ng symphony, ang muling pagsasaayos ng dalawang panggalaw na paggalaw ay unang isinagawa sa Beethoven's Ninth Symphony.

Bilang karagdagan, sa mga "Russian" quartet (ang mga quartet na ito ay nakatuon sa Russian Grand Duke Paul, pagkatapos ay ang tagapagmana ng trono) noong 1781 Haydn sa halip na ang minuet ay ipinakilala ang scherzo at scherzando, na sa ilan sa kanila ay ang pangalawang bahagi ng siklo. Ang pangkalahatang tinanggap na opinyon na ipinakilala ni Beethoven ang scherzo sa halip na ang minuet sa unang pagkakataon sa sonata-symphonic cycle ay totoo lamang na may kaugnayan sa symphonies at sonatas, ngunit hindi sa quartet.

Ang maraming mga quartet, trios at iba pang mga ensemble ni Haydn ay bumubuo ng isang makabuluhan, mahalaga at mahalagang bahagi ng artistikong bahagi ng pamana ng klasiko sa larangan ng silid instrumental na musika

Sa gawain ni Haydn, nagaganap ang pagbuo ng klasikong violin sonata at violin na konsyerto.

Nagawang synthesize ni Haydn ang propesyonal at tradisyon ng mga tao, ipinakilala ang mga katutubong intonasyon at ritmo sa kanyang musika.

Ang pagiging isa sa pinakadakilang kinatawan ng paaralang klasikal na Viennese, malawak na ginamit ni Haydn sa kanyang musika at organiko na nilagyan ng musikal na folklore ng Austrian sa lahat ng kabuuan at pagkakaiba-iba nito, sa isang kumbinasyon ng iba't ibang mga pambansang elemento: South German, Hungarian, Slavic. Kabilang sa mga katutubong tema ng pinagmulang Slavic, malawak na ginamit ng Haydn ang Croatian mga katutubong tema... Kadalasan ay bumaling siya sa tunay na mga katutubong himig, ngunit mas madalas na lumikha siya ng kanyang sariling mga himig sa espiritu ng mga awiting bayan at pagsayaw.

Ang alamat ng Austrian ay malalim na naka-embed sa gawain ni Haydn na naging "pangalawang kalikasan." Maraming mga himig na binubuo ng ating mga sarili

Si Haydn, naging tanyag at kinanta kahit ng mga hindi alam ang pangalan ng kanilang tagalikha.

Sa instrumental na musika ni Haydn (solo, kamara at symphonic), ang ikot ng sonata-symphonic ay nakatanggap ng isang kumpleto at perpektong klasikal na sagisag. Ang lahat ng apat na bahagi ng trabaho, pagsasama sa isang solong artistikong konsepto, ay nagpapahayag ng iba't ibang mga aspeto ng buhay. Karaniwan ang unang kilusan (sonata alegro) ay ang pinaka-dramatiko, mapusok; ang pangalawang bahagi (mabagal) ay madalas na globo ng mga karanasan sa liriko, kalmadong pagmumuni-muni; ang pangatlong kilusan (minuet) ay nagdadala sa kapaligiran ng sayaw at nagkokonekta sa sonata-symphonic cycle sa dance suite ng ika-17-18 siglo; ang pang-apat na bahagi (pangwakas) ay naglalaman ng genre at pang-araw-araw na buhay at lalo na malapit sa katutubong kanta at musika sa sayaw. Ang musika ng mga gawa ni Haydn bilang isang kabuuan (na may ilang mga pagbubukod) ay may isang uri at pang-araw-araw na karakter, hindi lamang ang musika ng pangatlo at ikaapat na bahagi ng pag-ikot, ngunit pati na rin ang unang dalawa, ay napuno ng sayaw at pagsusulat ng kanta. Ngunit sa parehong oras, ang bawat bahagi ay may pangunahing pangunahing dramatikong pag-andar at nakikilahok sa unti-unting pag-unlad, pagsisiwalat ng ideya ng buong gawain.

W.A. Mozart (1756 - 1791) ay ipinanganak sa isang pamilya sikat na musikero violinist at kompositor na si Leopold Mozart. Ang talento sa musika ni Mozart ay nagpakita ng kanyang sarili sa isang maagang edad, noong siya ay halos tatlong taong gulang. Ang kanyang ama na si Leopold ay isa sa nangungunang European mga tagapagturo ng musika... Ang kanyang librong The Experience of a Solid Violin School ay nai-publish noong 1756, ang taon ng kapanganakan ni Mozart, dumaan sa maraming mga edisyon at isinalin sa maraming mga wika, kabilang ang Russian. Itinuro ng ama ni Wolfgang ang mga pangunahing kaalaman sa pagtugtog ng harpsichord, violin at organ.

Ang unang impormasyon tungkol sa paglalaro ng Mozart sa byolin ay nagmula sa 4 na taong gulang. Gumagana ang unang biyolin - 16 sonata para sa byolin at clavier. Lumikha siya ng 6-7 na konsyerto para sa biyolin, isang konsyerto para sa byolin at viola, isang konsiyerto para sa dalawang biyolin, dalawang konsyerto rondos, Adagio at Andante, 35 violin sonatas, dalawang duos para sa byolin at viola, isang duet para sa dalawang violin, trios, quartet, divertissement at iba pang mga gawaing silid.

Ang pagiging tunay ng Es-dur concert ay may pag-aalinlangan pa rin. Ang huling solo violin na konsiyerto ay ang D-dur concert, na kilala bilang bilang 7. Nilikha niya ito para sa kaarawan ng kanyang kapatid na babae at gumanap ito mismo sa kauna-unahang pagkakataon. Ito ang isa sa huli pagsasalita sa publiko Si Mozart bilang isang violinist. Ang kasaysayan ng konsyerto ay hindi pangkaraniwan. Sa loob ng halos 130 taon, ang gawaing ito ay nanatiling hindi kilala. Noong 1835, isang autographed copy ang ginawa para kay Bayo. Nawala ang orihinal, at sa Berlin Library lamang natagpuan ang isa pang kopya. Ang parehong mga kopya ay halos magkapareho, ang konsyerto ay na-publish at unang gumanap noong 1907 ng maraming mga tagapalabas.

Ang isang natatanging tampok ng trabaho ni Mozart ay isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mahigpit, malinaw na mga form na may malalim na emosyonalidad. Ang pagiging natatangi ng kanyang trabaho ay nakasalalay sa katotohanan na hindi lamang siya ang nagsulat sa lahat ng mga porma at genre na mayroon sa kanyang panahon, ngunit nag-iwan din ng mga gawa ng matibay na kahalagahan sa bawat isa sa kanila. Ang musika ni Mozart ay nagsisiwalat ng maraming koneksyon sa iba`t ibang mga pambansang kultura (lalo na ang Italyano), gayunpaman, kabilang ito sa pambansang lupa ng Viennese at nagtataglay ng selyo ng malikhaing personalidad ng dakilang kompositor.

Ang Mozart ay isa sa pinakadakilang melodist. Pinagsasama ng himig nito ang mga tampok ng Austrian at Aleman na mga awiting bayan na may melodiousness ng Italian cantilena. Sa kabila ng katotohanang ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng tula at banayad na biyaya, madalas na naglalaman ito ng mga himig ng isang matapang na kalikasan, na may mahusay na dramatikong mga pathos at magkakaibang mga elemento.

Ang kahalagahan ng gawaing biyolin ng W.A.Mozart ay hindi maaaring mapatunayan. Naimpluwensyahan nito ang mga kompositor hindi lamang ng paaralan ng Viennese, kundi pati na rin ng ibang mga bansa. Ang kanyang mga gawa ay nagsisilbing isang halimbawa ng interpretasyon ng byolin, isang halimbawa ng paggamit ng mga kakayahang nagpapahayag nito. Mula sa Mozart nagmula ang linya ng symphonization ng violin concertto, ang masining na artistikong paggamit ng violin bilang isang instrumento sa konsyerto.

Sa larangan ng instrumental na musika ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, si Mozart, na gumamit at nagbigay ng pinakamahusay na mga nagawa hindi lamang ng mga masters ng Mannheim at Viennese ng mas matandang henerasyon, ngunit pati na rin ang malikhaing karanasan ni Haydn, naabot ang pinakamataas na taluktok. Ang parehong mahusay na mga kompositor ay kabilang sa iba't ibang henerasyon, at likas na si Mozart, sa proseso ng pagbuo ng kanyang mga kasanayan, ay nag-aral mula sa mga gawa ni Haydn, na lubos niyang pinahahalagahan. Pero malikhaing ebolusyon Si Mozart ay naging mas mabilis kaysa sa evolution ni Haydn, pinakamahusay na gumagana na (London symphonies, ang huling quartet, oratorios) ay isinulat pagkamatay ni Mozart. Gayunpaman, ang huling tatlong symphonies ni Mozart (1788), pati na rin ang ilan sa kanyang naunang mga symphonies at silid na gawa, ay kumakatawan sa isang makasaysayang yugto ng instrumentalismong Europa kaysa sa huling mga nilikha ni Haydn.

Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) Ang susunod na pinakamahalagang yugto sa pang-istilong ebolusyon ng silid-instrumental na grupo ng mga oras ng Paliwanag ay nauugnay sa gawa ni Ludwig van Beethoven. Noong 1787, habang nasa Vienna, binisita niya ang Mozart at hinahangaan siya sa kanyang sining. Matapos ang kanyang huling paglipat sa Vienna, napabuti si Beethoven bilang isang kompositor kasama si I. Haydn. Ang mga pagtatanghal ng konsiyerto ng batang Beethoven sa Vienna, Prague, Berlin, Dresden at Buda ay isang malaking tagumpay. Si Beethoven ay nakakakuha ng malawak na pagkilala bilang isang tagapalabas at kompositor. Sa pagsisimula ng ika-18 siglo, siya ang may-akda ng maraming mga akda para sa piano at iba't ibang mga instrumento ng silid na instrumento ng silid.

Kinatawan ng Vienna Classical School. Ang kompositor ay sumulat sa lahat ng mga genre na mayroon sa kanyang panahon, kasama na ang opera, ballet, musika para sa mga dramatikong pagtatanghal, mga gawaing pang-koreo. Ngunit ang pinakamahalaga sa kanyang pamana ay mga gawaing nakatutulong: piano, violin at cello sonatas, concertos para sa piano, violin, quartets, overtures, symphonies

Si L. Beethoven, kasunod sa Haydn at Mozart, ay bumuo ng mga form Klasikong musika, sa interpretasyon ng pangunahing at pangalawang partido, isulong ang prinsipyo ng kaibahan bilang isang pagpapahayag ng pagkakaisa ng mga magkasalungat. Pag-aari ni Beethoven ng violin at viola. Isa sa mga pinakamaagang komposisyon - mga pagkakaiba-iba ng biyolin sa temang "The Marriage of Figaro", nocturne para sa viola at piano. Konsiyerto para sa byolin at orkestra ni L. Beethoven - ang rurok ng konsyerto ng violin sa buong mundo kultura ng musika... Para sa mga string at bow, lumikha si Beethoven ng isang triple na konsyerto para sa biyolin, cello at piano at orchestra, dalawang pag-ibig para sa biyolin, sampung violin sonatas (ika-5 - "Spring", ika-9 - "Kreutzerov"), limang sonata para sa cello at piano, mga pagkakaiba-iba para sa cello at piano (sa mga tema ni Handel at Mozart), labing-anim na quartet, isang koleksyon ng mga trios para sa byolin, cello at piano. Imposibleng hindi alalahanin ang musikang symphonic ni L. Beethoven: siyam na symphonies, symphonic overture na "Coriolanus" at "Egmont", na mahigpit na nakapasok sa repertoire ng musikang orkestra.

Instrumental at higit sa lahat pagkamalikhain ng symphonic Ang Ludwig van Beethoven ay may binibigkas na karakter na pamprograma. Ang pangunahing nilalaman ng mga kabayanihan ni Beethoven ay maaaring ipahayag sa mga salitang: "Sa pamamagitan ng pakikibaka sa tagumpay." Ang dayaleksyong pakikibaka sa pagitan ng mga kontradiksyon ng buhay ay natagpuan sa Beethoven isang maliwanag na masining

sagisag, lalo na sa mga gawa form ng sonata- mga symphonie, overture, sonata, quartet, atbp. Ludwig van Beethoven malawak na binuo ang prinsipyo ng sonata, batay sa oposisyon at pag-unlad ng magkakaibang mga tema, pati na rin ang mga salungat na elemento sa loob ng mga indibidwal na tema. Kung ikukumpara sa mga gawa ng agad na hinalinhan ni Beethoven sa paaralang klasiko ng Viennese - W.A. Mozart at J. Haydn - beethoven symphonies at sonata ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malaking sukat ng konstruksyon, ang pangunahing materyal na pampakay ay sumasailalim ng masinsinang pagpapaunlad, ang koneksyon sa pagitan ng mga seksyon ng form ay lumalalim, ang mga kontradiksyon sa pagitan ng magkakaibang mga yugto at tema ay tumindi. Si Beethoven ay nagpatuloy mula sa tauhan ng orkestra, na inaprubahan ni Haydn, at bahagyang pinalawak lamang ito, ngunit sa parehong oras nakamit niya ang napakalaking lakas ng tunog ng orkestra, maliwanag na mga pagkakaiba. Binago ni Ludwig van Beethoven ang dating minuet, na isang bahagi ng mga symphonies at sonatas, sa isang scherzo, na binibigyan ang "biro" na ito ng isang malawak na makahulugan na saklaw - mula sa malakas na sparkling fun (sa ika-3 symphony) hanggang sa pagpapahayag ng pagkabalisa at pag-aalala (sa ang ika-5 symphony). Ang isang espesyal na papel ay itinalaga sa pangwakas sa symphonies at mga code (konklusyon) sa mga overture, symphonies at sonatas; ang mga ito ay inilaan upang ipahayag ang matagumpay na damdamin.

Ang gawa ni Beethoven ay isa sa mga tuktok sa kasaysayan ng sining sa mundo. Ang kanyang buong buhay at trabaho ay nagsasalita ng personalidad ng titanic ng kompositor, na pinagsama ang isang henyo na talento sa musikal na may isang mapang-akit, mapanghimagsik na ugali, na pinagkalooban ng isang walang habas na kalooban at ang kakayahang lumawak ang panloob na konsentrasyon. Ang mataas na ideolohiya, batay sa isang kamalayan ng tungkulin sa publiko, ay ang palatandaan ni Beethoven bilang isang musikero ng mamamayan. Kapanahon ng Dakila Rebolusyon sa Pransya, Sinasalamin ni Beethoven sa kanyang trabaho ang dakilang tanyag na paggalaw ng panahong ito, ang pinaka-progresibong mga ideya. Natukoy ng panahon ng rebolusyonaryo ang nilalaman at makabagong direksyon ng musika ni Beethoven. Ang rebolusyonaryong kabayanihan ay nasasalamin sa isa sa pangunahing masining na mga imahe Beethoven - isang nagpupumiglas, nagdurusa at sa huli ay nagwaging bayani na personalidad.

Ang isang tunay na nagpapabago, isang hindi matatag na mandirigma, isinama niya ang mga naka-ideyang ideolohikal na konsepto sa kamangha-manghang simple, malinaw na musika, na maa-access sa pag-unawa sa pinaka malawak na bilog mga tagapakinig. Ang mga panahon, pagbabago ng mga henerasyon, at ang walang kamatayang musika ni Beethoven ay patuloy na nakaganyak at kinalulugdan ang mga puso ng mga tao.

MBU DO "Simferopol Regional Children's Art School"

Sangay ng Kolchugino

Iulat

Naaayon sa paksa: "Ang genre ng silid instrumental na musika sa mga gawa ng mga klasikong kompositor "

Nakumpleto ng: accompanist

Firsova Natalia Alexandrovna

2015

Ang genre ng silid instrumental na musika sa mga gawa ng mga klasikong kompositor

Ang instrumental na musika ng kamara ay palaging isang banayad na bagay, tumutugon at tumutugon sa lahat ng mga phenomena ng kapanahon nito: mga rebolusyon (panlipunan at pangkulturang), pandaigdigang panlipunan at pampulitika na mga kaganapan, pang-agham at teknolohikal na pag-unlad, ang paglitaw ng mga bagong kalakaran at kalakaran sa iba't ibang larangan ng sining. Ang siglo ng XXI ay walang kataliwasan. Sa ang yugtong ito, ang isa sa mga pangunahing kalakaran sa modernong silid instrumental na musika ay ang pagbubuo, sa pinakamalawak na kahulugan ng salitang: pagbubuo ng mga sining, pagbubuo ng iba't ibang mga genre at direksyon ng musika - iyon ay, synthes sa kahulugan ng diyalogo at kakayahang umangkop ng musikal

space.

Dahil sa pagiging tiyak nito bilang genre ng musikal kaakit-akit, una sa lahat, sa panloob na mundo ng tagapakinig at ang kompositor, ang lugar ng genre na ito na tumanggap ng halos buong malawak na hanay ng mga pilosopiko at aesthetic na konsepto ng parehong nakaraan at bago, at ang kamakailang oras, ginawang posible upang mapalalim ang koneksyon musikal na sining may sikolohiya, para sa lahat ng pagiging kumplikado, pagkakaiba-iba at, sa ilang mga kaso, kalabuan, upang mahanap ang iyong tagapakinig, dalubhasa, tagapalabas

Ang mga pinagmulan ng silid ng musika ng silid ay nagsimula pa noong Middle Ages. Ang term na "Chamber Music" ay naaprubahan saXvi- XVIIsiglo, at sa kauna-unahang pagkakataon ang term na ito ay lumitaw noong 1635 sa koleksyon ng kompositor ng Italyano na si Joe Arrigoni. Ang pagkakaiba sa pagitan ng simbahan at musika ng silid ay nakabalangkas sa mga vocal genres sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Ang pinakamaagang kilalang mga halimbawa ng musikang kamara "L" anticamusicaridottaallamoderna "Nicolo Vicentino (1555), sa Venice G. Arrigoni ang naglathala ng tinig na" Concertidacamera ". Bilang mga genre vocal ng kamara sa XVII - maagang XVIII daang siglo ang cantata (cantatadacamera) at ang duet ay umunlad. Noong siglong XVII. ang pangalang "silid musika" ay pinalawig upang maisama ang instrumental na musika. Sa una, ang musika ng simbahan at silid na instrumental na musika ay hindi magkakaiba sa istilo: ang mga pagkakaiba-iba sa istilo sa pagitan nila ay malinaw na lumitaw lamang noong ika-18 siglo. I. I. Sinulat ni Kvants noong 1752 na ang musikang kamara ay nangangailangan ng “higit na animasyon at kalayaan sa pag-iisip kaysa sa istilo ng simbahan". Ang pinakamataas na form na nakatulong ay ang cyclic sonata (sonatadacamera), na nabuo batay sa isang dance suite. Ang pinakalaganap ay noong siglong XVII. trio sonata kasama ang mga pagkakaiba-iba - sonata ng simbahan at kamara, medyo mas kaunti - solo sonata (nang walang saliw o may kasamang bassocontinuo). A. Si Corelli ay lumikha ng mga klasikal na sample ng trio sonatas at solo (na may bassocontinuo) sonatas. Sa pagsisimula ng mga siglo XVII-XVIII. lumitaw ang isang uri ng konsyertogrosso, sa una ay nahahati din sa mga pagkakaiba-iba ng simbahan at kamara. Halimbawa, sa A. Corelli, ang paghahati-hati na ito - sa 12 concertigrossi (op. 7) na nilikha niya, 6 ang nakasulat sa istilo ng simbahan, at 6 - sa istilo ng silid. Ang mga ito ay pareho sa nilalaman sa kanyang dachiesa at dacamera sonatas. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. ang paghati sa mga genre ng simbahan at kamara ay unti-unting nawawala ang kahalagahan nito, ngunit ang pagkakaiba sa pagitan ng silid at musika ng konsyerto (orkestra at koro) ay nagiging mas malinaw.

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. sa mga gawa ni J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W. A. Mozart klasikong tanawin instrumental ensemble - sonata, trio, quartet, atbp.

Mayaman nagpapahayag ng mga posibilidad, ang instrumental ensemble (lalo na ang bow quartet) ay nakakuha ng pansin ng halos lahat ng mga kompositor at naging isang uri ng "branch branch" ng symphonic genre. Samakatuwid, ang ensemble ay sumasalamin sa lahat ng mga pangunahing direksyon ng musikal na sining noong ika-17 hanggang ika-20 siglo. - mula sa klasismo (J. Haydn, L. Boccherini, W. A. Mozart, L. van Beethoven) at romantismo (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, atbp.) hanggang sa mga ultramodern abstractionist na paggalaw. Sa ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. Natitirang mga halimbawa ng instrumental na musika sa kamara ay nilikha ni I. Brahms, A. Dvořák, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank, sa siglo na XX. - K. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten at iba pa.

Ang mga kompositor ng Rusya ay gumawa ng isang malaking kontribusyon sa kamara at instrumental na musika. Sa Russia, nagsimula ang pagkalat ng musikang kamara noong dekada 70. XIX siglo. Ang una instrumental ensembles isinulat ni D.S.Bortnyansky. Karagdagang pag-unlad natanggap ang silid ng musika mula sa A. A. Alyabyev, M. I. Glinka at naabot ang pinakamataas na sining. antas sa mga gawa ni P. I. Tchaikovsky at A. P. Borodin: ang kanilang mga gawa sa silid ay nailalarawan sa pamamagitan ng binibigkas na pambansang nilalaman, psychologism. Mahusay na pansin ay ibinigay sa ensemble ng kamara ni A.K Glazunov at S.V. Rachmaninov, at para sa S.I.Taneev ito ang naging pangunahing uri ng pagkamalikhain. Ang pamana ng instrumental na kamara ng mga kompositor ng Soviet ay kakaibang mayaman at magkakaiba: ang mga pangunahing linya nito ay dramatikong lyric (N. Ya. Myaskovsky), trahedya (D. D. Shostakovich), lyric-epic (S. S. Prokofiev), A. I. Khachaturyan at folk genre.

Ito ay nagkakahalaga ng pagpapabalik na ang modernong silid instrumental na musika ay dumaan sa tatlong panahon ng pagbuo nito:

ang unang panahon mula 1450 hanggang 1650, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagbuo ng diskarteng tumutugtog ng mga violas at instrumento ng iba pang mga pamilya, ang unti-unting paghihiwalay ng pulos instrumental na musika sa patuloy na pamamayani ng libreng estilo. Kabilang sa mga natitirang gawa ng panahong ito, na isinulat lalo na para sa mga instrumental na komposisyon nang walang boses, ay ang mga pantasya at canzone ng Orlando Gibbons (1610), ang sonata ni Giovanni Gabrieli (1615);

ang pangalawang panahon mula 1650 hanggang 1750 ay minarkahan ng pagkalat ng genre ng trio sonatas (karaniwang sila ay binubuo para sa dalawang violins at isang cello na may clavier na nagbibigay ng isang magkakasabay na batayan) at iba pang mga ensemble, parehong instrumento at may mga tinig, na kung saan ay kinakailangang sinamahan ng tinatawag na digital bass (chords) instrumento sa keyboard... Kabilang sa mga masters ng trio ay ang sonata ng panahong ito - ArcangeloCorelli, Henry Purcell, G. Handel;

Ang pangatlong panahon mula 1750 hanggang sa kasalukuyan, pinangungunahan ng isang string quartet na binubuo ng dalawang violins, viola at cello.

Ngayon, bilang panuntunan, ang musikang instrumento sa kamara ay ginaganap ng mga ensemble ng kamara sa sumusunod na kumbinasyon:

Solo instrumento (string o hangin) at piano;

Piano duet (dalawang piano o piano apat na kamay);

String trio (violin, viola at cello); piano trio (byolin, cello at piano);

String Quartet (dalawang violins, viola at cello);

Piano quartet (byolin, viola, cello at piano);

String Quintet (string quartet plus viola at o cello);

Piano quintet (piano plus string quartet) at iba pa.

Sa buong siglong XVIII. nagkaroon ng mabilis na pag-unladnakatulong sa pagganap ng kultura... Ang pag-unlad ng musikang instrumental ng kamara sa unang kalahati ng siglo ay nauugnay sa pagganap ng mga inanyayahang dayuhang musikero na nagturo sa mga aristokrat ng Russia. Sa gayon, kumalat ang instrumentalism sa mga elite environment. Noong 80s - 90s. ang mga unang halimbawa ng Russian instrumental music na lilitaw: ang mga musikero ng Russia ay nagkakaroon ng mga genre ng solo sonata, mga pagkakaiba-iba, at ensemble ng kamara. Ito ay nasa instrumental sphere na ang intelektuwal na nilalaman ng musika ay ipinakita .. Sa panahon ni Peter I, ang instrumental na musika sa Russia ay nagsisimulang buhayin, ngunit nasa ilalim ng malakas na impluwensya ng Kanluranin.

Ang mga kasalukuyang genre ng silid instrumental na musika ay sa wakas ay nabuo sa gawain ng Mga klasikong Viennese- J. Haydn, W. A. Mozart, L. van Beethoven. Ito ay isang sonata, trio, quartet, quintet, ensembles, kung saan ang isang malaking lugar ay ibinibigay sa mga instrumento ng string.

Ang musika ng instrumento ng kamara ay sumipsip ng mga tampok na istilo ng iba pang mga pagkakaiba-iba ng pagkamalikhain ng musikal. Na si L. van Beethoven sa maraming mga paraan ay nag-symphonize ng kanyang mga quartet, na ginawang mas ambisyoso sa kapwa sa larangan ng form at nilalaman. At ang kanyang bantog na "Kreutzer Sonata" para sa biyolin at piano ay isang tunay na gawaing symphonic sa emosyonal na kasidhian nito, monumentality mga larawang musikal... Sa mga gawa ng mga romantikong kompositor na si F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, I. Brahms, ang simula ng liriko (lalo na sa uri ng mga miniature) ay hindi pangkaraniwang malakas ("Mga Kanta na Walang Salita" ni F. Mendelssohn).

Sa mga gawa ng mga kompositor ng Russia, ang mga genre ng silid instrumental na musika ay binigyang kahulugan sa isang napaka-kakaiba at malalim na pambansang paraan. Mga elemento ng katutubong katutubong boses ng Russiapolyphonyorganiko at natural na binago ang kanilang mga sarili sa mga quartet ng A.P. Borodin at A.K. Glazunov, sa mga trios at quartet ng P.I Tchaikovsky. Ang PI Tchaikovsky ay lumikha ng isang medyo maliit na bilang ng mga komposisyon para sa instrumental ensembles: tatlong mga string quartet (hindi binibilang ang isang unang una, na isinulat sa mga taon ng pag-aaral sa conservatory at hindi nakatanggap ng isang serial number), na nilikha ng may-akda sa panahon ng isang limang -year period (1871-1875), piano trio at string sextet. Ang pangalawang quartet, kung saan, hindi sinasadya, ay isa sa mga paboritong akda ng may-akda, na pinagsasama din ang mga prinsipyong katutubong-genre at personal-liriko.

Sa panahong 1900-1917 sa Russia, ang instrumental na musika ay nakakuha ng malapit na pansin ng mga kompositor ng Russia. Maaari nating sabihin na hindi kailanman bago siya sumakop ng isang napakahalagang lugar sa kanilang trabaho. A. Glazunov, S. Taneyev, S. Rachmaninov, A. Scriabin, A. Lyadov, A. Arensky, S. Lyapunov, N. Medtner, ang nagsisimula na S. Prokofiev lumikha ng isang malaking bilang ng instrumental na mga piraso kapansin-pansin sa pagkakaiba-iba ng nilalaman, istilo at uri. Una sa lahat, dapat pansinin ang pag-unlad genre ng konsyerto, na nagsimula nang umunlad sa ilang mga kompositor, "pinalitan" ang simponya ( Mga Konsiyerto ng Piano S. Rachmaninov, S. Prokofiev). Walang maraming mga violin na konsiyerto sa oras na ito.

Ang listahan ng magkakasunod ay bubukas sa isang konsyerto ni A. S. Arensky (1901), na nagpapatuloy sa gawaing ito ang mga tradisyon ni P. I. Tchaikovsky; sinundan ito ng mga konsyerto nina A. K. Glazunov (1904) at S. M. Lyapunov (1915). Ang impluwensya ni M. A. Balakirev at A. K. Glazunov ay nasasalamin sa gawain ng huli.

Ayon sa pagkakasunud-sunod, ang pagbuo ng konsyerto ng byolin ng Rusya sa panahong ito ay nakumpleto ng First Concerto para sa Violin at Orchestra ni S. Prokofiev (1915-1917). Ang isang pangunahing gawain ng isang plano sa konsyerto - ang Suite for Violin and Orchestra (1909) - ay isinulat ni S.I.Taneev. Sa tulad ng isang maliit na bilang ng mga nabanggit na komposisyon, may mga tunay na obra maestra - ang Concerto ni A. Glazunov, ang First Concerto ni S. Prokofiev, na kasama sa ginintuang pondo ng mga klasikong biyolin ng mundo. Ang mga unang dekada ng ika-20 siglo ay ang tagumpay ng sonata ng Russia, subalit, pangunahin para sa piano.

Ang isang pulutong ng mga sonata para sa byolin at piano ay nakasulat din, kahit na kasama ng mga ito ay walang kagila-gilalas na phenomena tulad ng sonata ng piano A. Scriabin o S. Prokofiev. Ang napakalaki ng karamihan ng mga sonata ng biyolin sa panahong ito ay walang makabagong tauhan, passively na nagpapatuloy sa mga tradisyon ng mga klasiko ng Russia, bukod dito sa isang epigone-akademikong kahulugan. Ganito ang sonata ni C. A. Cui (1911), na hindi pumukaw ng anumang tugon sa oras na iyon; tulad ng mga sonata ng "Belyaevites" - V. I. Malishevsky, A. A. Winkler, kung saan ang ilang mga kaakit-akit na pahina ay hindi lumalabag ang pangkalahatang larawan Kaayusan ng "Akademikong" at istilo ng kinis.

Ang mga ito ay walang kabuluhan, ngunit maliit na orihinal na mga komposisyon, kung saan ang mga tema na walang kinikilingan sa mga tuntunin ng nasyonalidad at istilo ay nanaig, kahit na ang mga intonasyon ng Russia ay dumulas din. Ang biyolohiyang sonata ng AF Gedike ay naiiba na naiiba mula sa gawain ng mga Belyaevite sa pamamagitan ng pagsisimula ng "Bach". Ang malambing na kaaya-ayang sonata ni L. V. Nikolaev ay nakakuha ng medyo dakilang kasikatan sa mga violinist (na nakaligtas noong mga panahong Soviet).

Kabilang sa mga gawa sa biyolin ng ganitong uri, ang dalawang sonata ni G.V Catoire, isang maselan at pinong artista, ay dapat na kilalanin lalo. Ang mga ugat ng gawa ni G. Catoire ay nasa musika ni P. Tchaikovsky, S. Taneyev, A. Glazunov sa isang kakatwang pagsasama sa mga istilong pang-istilo ng mga Impressionist at A. Scriabin. Grand sonata para sa byolin at piano, op. 15 G. Catoire, na may isang nabalisa tula na bahagi ko, canted sa pamamagitan ng "Barcarole" at isang impressionistic finale (kamangha-manghang "ups") ay dapat suriin bilang isa sa mga tuktok sa pag-unlad ng genre ng Russian violin sonata ng panahong iyon.

Ang sonata ni M.F. Gnesin ay may isang malungkot na paksa ng subjectivist, kung saan ang mga intonasyon ng awiting katutubong Hudyo ay ibinibigay sa frame ng magagandang chromatized harmonies. Isa sa pinakamahusay na sonata ng violin ng Russia - Sonata op. 21 h-moll (1909-1910) ni N.K. Medtner. Ang mga maliliit na form ay medyo nabuo, ngunit kahit na sa mga ito sa mga tuntunin ng genre at pagkakaiba-iba ng istilo ang panitikan ng biyolin ay makabuluhang mas mababa kaysa sa piano. Ang namamayani na lugar dito ay sinasakop ng liriko at gumaganap ang genre- mga pag-ibig, kagandahan, "pagsasalamin", "pangarap", mazurkas at waltze, kung minsan ay may hawakan ng mga kilalang-kilala lyrics at salon.

Sa mga terminong liriko at genre, na may ugali patungo sa mga pag-ibig ng pag-ibig, ang mga dula ni A. Arensky "Presdelaier", 6 na sketch para sa byolin at piano, A. T. Grekaninov "Lullaby", "Reflection", "Regrets" - op. 9, 1895, F. Akimenko "Lullaby", 1902, J. Vitola "Two Pieces", "Romance", Suite ni S. Barmotin "Prelude", "Little Poem", "Lullaby", "Scherzando", "Ecloga" , "Mazurka", "Elegy", "Oriental Picture", "Little Waltz". Ang mga pinakahalagang artistikong piraso ng biyolin sa maliliit na anyo ay nabibilang sa A.K. Glazunov, ito ay ang "Pagninilay" at "Mazur-oberek", na inayos mismo ng may-akda at para sa biyolin at orkestra. Ang "pagmumuni-muni" ay naging isang piraso ng repertoire na ginanap sa mga konsyerto ng mga violinista.

Sumulat si NK Medtner ng maraming piraso ng byolin: 3 nocturnes (op. 16, 1907), 2 canzones (op. 43, 1924).

Karamihan sa mga pangunahing kompositor ng Rusya noong unang bahagi ng ika-20 siglo ay nagbigay pugay sa mga genre ng ensemble ng kamara, at para sa ilan, ang musika ng kamara ay naging pangunahing anyo ng pagkamalikhain (S.I.Taneev). Sa parehong oras, kinakailangang ituro na nasa larangan ng instrumentong ensemble na ang mga tradisyon ng mga klasiko ng Rusya noong ika-19 na siglo ay napatunayan na lalo na at patuloy, at marahil, ang mga ugali ng akademismo ay nagpakita ng kanilang sarili na may partikular na lakas .

Maliban sa A. Glazunov, lahat ng gawain ng mga kompositor ng bilog ng Belyaev ay labis na akademiko. Ang lugar na ito ng musika ay hindi nakuha ng mga bagong kalakaran. Halos ang pagbubukod ay Tatlong piraso para sa string quartet I.F.Stravinsky (1914). Ang mga genre ng silid ng ensemble ay nakakaakit ng maraming mga kompositor ng bilog ng Belyaev. Sa literatura ng kamara sa panahong ito, ang malalakas na impluwensya ng P. Tchaikovsky ay ipinakita. Kapansin-pansin ang mga ito sa AS Arensky sa 2 quartet at 2 piano trios. Ang First Piano Trio (1894) ay lalo na sikat, nakakaakit sa romantikong himig at mga pagkaing elehiya.

Hanggang ngayon, ang isa sa pinakalaganap na akda, na malawakang ginagamit sa pagsasagawa ng pagsasanay, ay nananatiling Elegiac Trio No. 2 (d-moll) ni S. V. Rachmaninoff, na nakatuon sa memorya ni P. I. Tchaikovsky (1893). Ibinigay ito ni Rachmaninoff ng napakalapit sa Ang trio ng piano ni Tchaikovsky. Ang kontemporaryong silid na instrumental na musika sa ideolohikal at artistikong kahalagahan nito ay naging lubos na naaayon sa symphonic music; ang isang symphony, sa kabilang banda, ay madalas na malapit sa mga genre ng kamara, tulad ng, halimbawa, ang ika-14 at ika-15 symphonies ni D. D. Shostakovich.

Ang musikang instrumental ng kamara ay inilaan para sa isang maliit na cast ng mga gumaganap. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pansin sa panloob na mundo ng isang tao bilang isang tao, sa kaibahan sa pangkalahatang pagpapahayag ng mga hangarin ng maraming mga tao sa symphonic genre. Ang pagka-monumento ng symphony, binigyang diin ang mabisang kabutihan instrumental na konsiyerto sa prinsipyo, hindi tipiko para sa silid na musika. Sa halip, sa kabaligtaran, nakikilala ito ng ekonomiya. nagpapahiwatig ng ibig sabihin na may malaking kalayaan ng mga indibidwal na partido at ang malikhaing aktibidad ng bawat miyembro ng grupo. Sa una, ang musika ng kamara ay inilaan para sa isang makitid na bilog ng mga tagapakinig at madalas na ginanap sa bahay, kalaunan sa maliliit na espesyal na bulwagan ng konsyerto.

Ipinapalagay ng musika ng kamara ang nangingibabaw na pag-andar ng instrumento, isang tiyak tiyak na grabidad kabutihan, dahil sa kung saan ang intra-style gradations ng mga genre minsan nakakakuha lamang ng isang oryentasyong pag-order na nauugnay sa pangunahing mga dami ng dami.

Ang kasalukuyang musika ng instrumental na kamara sa ideyolohikal at artistikong kahalagahan nito ay naging lubos na naaayon sa symphonic music; ang symphony ay madalas na naging malapit sa mga genre ng kamara, na malinaw na nakikita sa mga gawa ni M. Khalitova.

Sa musika sa Silangang Europa, at ngayon ang musika ng Crimean Tatar ay maaaring maiugnay dito, pati na rin na may kaugnayan sa pagbuo ng mga pambansang paaralan ng pagbubuo, ang pagbagay ng mga genre ng kamara sa pambansang batayan ay mas aktibong ipinakita mula sa kalagitnaan ng huling siglo hanggang sa kasalukuyan. Samakatuwid, ang mga tradisyunal na genre ng musika ng kamara ay napanatili rito nang mas matagal, at, dahil dito, interes sa klasiko tauhan ng kamara, halimbawa, sa mga gawa ni M. Khalitova: ang konsyerto na "Ashyk-name", ang konsyerto para sa trumpeta at orkestra na "Sa paanan ng Demerdzhi", "Epitaph para sa cello at orchestra" at iba pa.

Ang Casio SA-46 digital synthesizer, sa kabila ng kanyang maliit na sukat at 32 lamang na mga susi, ay hindi lamang isang laruan, ngunit isang kumpletong instrumento sa musika para sa mga nagsisimula. Una, mayroon itong solidong 8-note polyphony at mahusay na tunog ng lahat ng 100 built-in na timbres at 50 Estilo. At pangalawa, ang mini keyboard ng modelong ito ay mahusay para sa mga daliri ng mga bata.

4690 kuskusin

Notebook Phoenix + "Rhythm of Jazz" para sa sheet music, 16 l

Notebook para sa mga tala 16l. RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 mm), isang kulay na bloke, offset 65 g, buong kulay. mga takip, offset na papel 120 g. Pag-fasten - sangkap na hilaw sa mahabang bahagi /

27 kuskusin

Casio SA-47, Gray digital synthesizer

Ang digital na synthesizer ng Casio SA-47, sa kabila ng maliit na sukat nito at 32 lamang na mga susi, ay hindi lamang isang laruan, ngunit isang kumpletong instrumento sa musika para sa mga nagsisimula. Una, mayroon itong solidong 8-note polyphony at mahusay na tunog ng lahat ng 100 built-in na timbres at 50 Estilo. At pangalawa, ang mini keyboard ng modelong ito ay mahusay para sa mga daliri ng mga bata.

Isang pag-ugnay ng iyong paboritong tunog: Ang pindutan ng switch ng piano / organ ay nagbibigay sa iyo ng mabilis na pagpipilian ng tunog. Upang lumipat, pindutin lamang ang pindutan.

Ang isang malawak na repertoire na 100 tone ay nag-aalok ng mahusay na kalidad.

Mga melody para sa bawat panlasa: 100 mga pag-aaral ng himig ay magbibigay sa iyo ng pagkakataong makabisado magkakaibang istilo.

Malinaw at madaling gamitin: Ang LCD display ay nagbibigay ng mabilis na pag-access sa lahat ng mga pagpapaandar ng instrumento.

Piliin ang tamang ritmo. Ang mga drum pad ay isang mahusay na pagpapakilala sa mundo ng digital drumming. Limang mga pindutan, para sa isang hiwalay na tambol o pagtambulin, gawing madali upang i-play ang ritmo at payagan kang solo sa isang solong tap.

Ang kakayahang patayin ang himig - mabisang pamamaraan panginoon kanang kamay... 10 mga komposisyon ang inaalok para sa pag-aaral.

4690 kuskusin

Casio SA-76, Orange digital synthesizer

Ang 44-key Casio SA-76 digital synthesizer ay nag-aalok sa lahat ng mga nagsisimula ng isang natatanging karanasan sa musikal. 100 tone, 50 istilo, built-in na kanta para sa pag-aaral, ang pinakabagong sound processor na may seryosong 8-note polyphony para sa mga naturang synthesizer, pati na rin ang isang LCD display na makakatulong upang maunawaan ang 2-line notasyong musikal- lahat ng ito ay ginagawang instrumento ang isang mahusay na katulong para sa isang baguhan na musikero.

Isang pag-ugnay ng iyong paboritong tunog: Ang pindutan ng switch ng piano / organ ay nagbibigay sa iyo ng mabilis na pagpipilian ng tunog. Upang lumipat, pindutin lamang ang pindutan.

Ang isang malawak na repertoire na 100 tone ay nag-aalok ng mahusay na kalidad.

Mga melodiya para sa bawat panlasa: 100 mga tonong natututo ay nagbibigay sa iyo ng pagkakataong makabisado sa iba't ibang mga estilo.

Malinaw at madaling gamitin: Ang LCD display ay nagbibigay ng mabilis na pag-access sa lahat ng mga pagpapaandar ng instrumento.

Ang kakayahang patayin ang himig ay isang mabisang paraan upang makabisado ang kanang kamay. 10 mga komposisyon ang inaalok para sa pag-aaral.

Mga nagsasalita: 2 x 0.8 W

Ang power adapter ay hindi kasama.

5890 kuskusin

Ang hanay ng Ernie Ball Hybrid Slinky ay ang perpektong kumbinasyon ng mga Super Slinky at Regular Slinky string. Ang mga string na ito ay maaari ding gamitin sa mga electro-acoustic guitars. Ang mga string ng Ernie Ball ay gawa sa pinakamataas na pamantayan sa kalidad at teknolohiya ng proseso ng pagmamanupaktura upang matiyak ang kanilang lakas, pagiging maaasahan at tibay.

Ang Ernie Ball Hybrid Slinky ay isang bakal na hex core na may balot ng nickel plated steel. Ang mga string ay ginawa mula sa espesyal na pinatigas na high-carbon steel, na nagbibigay ng isang balanseng pagpaparami ng tunog at ganap na pinakawalan ang mga kakayahan ng iyong instrumento.

Core: bakal

499 kuskusin

Ang serye ng Ernie Ball Reinforced Plain (RPS) ay isang pinalakas na bersyon ng mga Slinky string. Ang unang tatlong mga string ay may isang espesyal na paikot-ikot na tanso, na sinisiguro ang pag-ikot ng mga bola - pinipigilan ang mga ito mula sa pag-unwind, na, sa kasamaang palad, ay pangkaraniwan. Ang huling tatlong mga string ay pareho sa mga katangian sa mga string mula sa serye ng Nickel Wound. Ang mga hybrid Slinky RPS Nickel Wound strings ay ginawa mula sa mga espesyal na nabuong materyal, na ginagawang sapat na matigas upang labanan ang pagkabasag, na siyang ginagarantiyahan din ang kanilang tibay. At lahat ng ito ay hindi nakakasama sa pirma ng maliwanag at mayamang tunog ng mga string ng Ernie Ball, na makakatulong sa mga musikero sa buong mundo na lumikha ng kanilang sariling natatanging puwang ng malikhaing.

Gauge ng String: 9-11-16-26-36-46
Paikot-ikot: nikelado na bakal na bakal
Core: bakal

602 kuskusin

Mga Katutubong Instrumento Kumpleto ang Audio 6 audio interface

Naglalaman ang Mga Katutubong Instrumentong Komplete Audio 6 ng lahat ng kailangan mo upang magrekord, magpatugtog at magsagawa ng musika. Sa isang medyo maliit, matatag na kaso ng metal, mayroong apat na analog I / O, digital I / O. Dalawang input ng mikropono

Marahil lahat ay hindi walang malasakit sa musika. Sinasamahan nito ang sangkatauhan na hindi mapaghihiwalay, imposibleng matukoy nang eksakto kung kailan natutunan ng isang tao na mahalata ito. Malamang, nangyari ito nang ang aming ninuno, na sinusubukang ipahayag ang kanyang emosyon, tumama sa sahig. Simula noon, ang tao at musika ay hindi maiuugnay na naiugnay, ngayon maraming mga genre, istilo at uso nito. Ito ay alamat, espiritwal at, sa wakas, klasikal na instrumento - symphonic at kamara ng musika. Halos lahat ay nakakaalam kung ano ang direksyon na ito, kung paano umiiral ang silid ng musika, ngunit kung ano ang mga pagkakaiba at tampok nito - kaunti. Subukan nating malaman ito sa ibang pagkakataon sa artikulo.

Ang kasaysayan ng paglitaw ng musikang kamara

Ang kasaysayan ng musikang kamara ay nagsimula pa noong Middle Ages. Noong ika-16 na siglo, nagsimulang lumampas ang musika mga simbahan ng simbahan... Ang ilang mga may-akda ay nagsimulang magsulat ng mga gawa na isinagawa sa labas ng pader ng simbahan para sa isang maliit na bilog ng mga connoisseurs. Dapat pansinin na sa una ang mga ito ay mga bahagi lamang ng tinig, at ang musikang instrumental ng kamara ay lumitaw nang huli. Ngunit una muna.

Kamangha-mangha ang musika ng kamara. Na ang pangalang ito ay nagmula sa salitang Italyano na camera ("silid"), marahil ay naaalala ng lahat. Hindi tulad ng simbahan at teatro ng musika, ang silid ay orihinal na inilaan upang maisagawa sa loob ng bahay ng isang maliit na grupo para sa isang makitid na bilog ng mga tagapakinig. Bilang isang patakaran, ang pagganap ay naganap sa bahay, at kalaunan sa maliliit na bulwagan ng konsyerto. Ang musika ng instrumento ng kamara ay umabot sa rurok ng kasikatan noong ika-18 hanggang ika-19 na siglo, nang ginanap ang mga katulad na konsyerto sa lahat ng sala sa mga mayamang bahay. Nang maglaon, ipinakilala pa ng mga aristokrat ang mga full-time na posisyon ng mga musikero.

Mga imahe ng musika sa silid

Sa una, ang musikang kamara ay inilaan upang gampanan sa harap ng isang maliit na bilog ng mga tao na mga tagataguyod at eksperto nito. At ang laki ng silid kung saan naganap ang konsyerto ay pinapayagan ang mga tagaganap at tagapakinig na makipag-ugnay sa isa't isa. Ang lahat ng ito ay lumikha ng isang natatanging kapaligiran ng pagmamay-ari. Marahil na ang dahilan kung bakit ang naturang sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mataas na kakayahang matuklasan ang mga liriko na damdamin at iba't ibang mga nuances ng mga karanasan ng tao.

Ang mga genre ng musikang kamara ay dinisenyo nang tumpak hangga't maaari para sa paghahatid sa tulong ng laconic, ngunit sa parehong oras ay lubusang napatunayan ang mga paraan. Hindi tulad ng kung saan ang mga bahagi ay ginaganap ng mga pangkat ng mga instrumento, sa mga naturang komposisyon ang sarili nitong bahagi ay nakasulat para sa bawat instrumento, at lahat ng mga ito ay halos pareho sa bawat isa.

Mga uri ng ensemble ng instrumental na kamara

Sa pag-unlad ng kasaysayan, ang musika ng kamara ay binuo din. Na ang gayong direksyon ay dapat magkaroon ng ilang mga kakaibang kaugnay sa mga gumaganap ay hindi nangangailangan ng katibayan. Ang mga modernong instrumental na ensemble ay:

duet (dalawang tagapalabas);
trio (tatlong miyembro);
quartet (apat);
mga quintet (lima);
mga sextet (anim);
septets (pitong);
octets (walong)
mga nonet (siyam);
decimettes (sampung).

Sa parehong oras, ang instrumental na komposisyon ay maaaring magkakaiba. Maaari itong isama ang parehong mga string at mga string lamang o hangin lamang ang maaaring maisama sa isang pangkat. At maaaring may magkahalong mga ensemble ng kamara - ang piano ay lalong madalas na kasama sa kanila. Sa pangkalahatan, ang kanilang komposisyon ay limitado sa isang bagay lamang - imahinasyon ng kompositor, at ito ay madalas na walang hanggan. Bilang karagdagan, mayroon ding mga orkestra sa kamara - mga kolektibo, na nagsasama ng hindi hihigit sa 25 mga musikero.

Instrumental na mga genre ng musika sa silid

Ang mga napapanahong genre ng musikang kamara ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga gawa ng mga dakilang kompositor tulad ng W.A. Mozart, L. Beethoven, I. Haydn. Ang mga masters na ito ang lumikha ng mga gawa na hindi maihahambing sa mga tuntunin ng pagpipino ng nilalaman at lalim ng emosyonal. Ang mga sonata, duet, trios, quartet at quintet ay dating binigyan ng pagkilala sa pinakatanyag na romantics ng ika-19 na siglo: F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Schubert, F. Chopin. Bilang karagdagan, ang genre ng mga instrumentong miniature (nocturnes, intermezzo) ay nakakuha ng napakalawak na katanyagan sa oras na iyon.

Mayroon ding mga konsyerto sa kamara, suite, fugue, cantatas. Bumalik noong ika-18 siglo, ang mga genre ng musika sa kamara ay magkakaiba-iba. Bilang karagdagan, hinigop nila ang mga tampok na pang-istilo ng iba pang mga uso at istilo. Halimbawa, ang pagsusumikap ni L. Beethoven na itulak ang mga hangganan ng gayong kababalaghan tulad ng silid ng musika ay malinaw na natunton na ang kanyang gawa, tulad ng Kreutzer Sonata, ay hindi gaanong mababa sa monumentalismo at emosyonal na tindi nito sa mga nilikha ng symphonic.

Mga genre ng musika sa vocal chamber

Noong ika-19 na siglo, ang musikang bokal ng kamara ay nakakuha ng napakatanyag. Ang mga bagong genre ng kantang pang-art at pag-ibig na lumitaw ay binigyan ng pagkilala sa tulad nina R. Schumann, F. Schubert, I. Brahms. Ang mga kompositor ng Russia ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa koleksyon ng mundo ng mga gawa sa musika sa silid. Ang kamangha-manghang pag-ibig ng M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, M. P. Mussorgsky, M. A. Rimsky-Korsakov ay hindi iniiwan ang sinuman na walang malasakit kahit ngayon. Karagdagan sa maliliit na piraso, mayroon ding isang uri ng silid opera. Ipinapahiwatig nito ang pagkakaroon ng isang maliit na bilang ng mga gumaganap at hindi nangangailangan ng isang malaking silid para sa paggawa.

Chamber music ngayon

Siyempre, ngayon ay halos walang mga bahay kung saan, tulad ng sa nakaraang mga siglo, ang mga pag-play ng silid ay pinapalibutan ng isang limitadong bilog ng mga tao. Gayunpaman, salungat sa mga umiiral na stereotype, ang direksyon na ito ay mananatiling napaka-tanyag. Ang mga hall ng musika ng organ at kamara sa buong mundo ay nagtitipon ng milyun-milyong mga tagahanga bilang mga gawa mga klasikong kompositor at mga kasalukuyang may-akda... Ang mga pagdiriwang ay gaganapin nang regular kung saan ang mga sikat at umuusbong na tagapalabas ay nagbabahagi ng kanilang sining.